“CROMWELL”, 1970 (Reseña / Review #1759).

Reseña Cultural nº: 1759 // Reseña Media nº: 112
Reseña actualizada. Publicada el 11 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: KEN HUGHES
Guión: KEN HUGHES
Actores principales: RICHARD HARRIS (Oliver Cromwell), ALEC GUINNESS (Rey Carlos I), ROBERT MORLEY (Conde de Mánchester), DOROTHY TUTIN (Reina Enriqueta María), FRANK FINLAY (John Carter), TIMOTHY DALTON (Príncipe Rupert), PATRICK WYMARK (Conde de Strafford), PATRICK MAGEE (Hugh Peters), NIGEL STOCK (Sir Edward Hyde), CHARLES GRAY (Conde de Essex)
País: REINO UNIDO Año: 1970 Productora: COLUMBIA PICTURES / IRVING ALLEN PRODUCTION
Duración aprox.: 134 minutos
Publicado en España por: SONY PICTURES HOME ENTERTAINMENT INC.
Año: 2008 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD CROMWELL 1970 RICHARD HARRIS ALEC GUINNESS

“Cromwell”, una película clásica dentro del mejor cine histórico. Así de glorioso se presenta este mítico largometraje del director británico Ken Hughes (1922-2001) donde actores de renombre como Richard Harris y Alec Guinness deslumbran al espectador con su arte interpretativo. La marmólea firmeza política que presenta Oliver Cromwell, interpretado de forma excelsa por el legendario actor Richard Harris, frente a la tradicional flema inglesa reflejada con sobresaliente maestría por el mítico actor Alec Guinness interpretando el papel del rey Carlos I, convierten a esta película en una exquisita delicatesen cinematográfica que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. Ambientado en la convulsa Inglaterra del siglo XVII, un reino en crisis bajo el reinado de Carlos I de Inglaterra (1600-1649), enfrentado al Parlamento provocará su inevitable reacción política y militar ante el despotismo mostrado por el monarca. Una lucha donde también se enfrentarán el protestantismo contra el catolicismo, la independencia política nacional contra la interferencia externa, el orden y el cumplimiento de la ley contra la corrupción, y que en último término provocará un cambio radical en el sistema político británico que pasará de una histórica monarquía a una república dictatorial de corte teocrático cristiano. “Cromwell” es una auténtica obra de arte rodada en Panavisión para poder disfrutar estas grandiosas escenas en todo su esplendor, y que hará que se apasionen aún más por el Séptimo Arte. Escenarios, fotografía, vestuarios, escenas espectaculares, y una banda sonora épica compuesta por Frank Cordell, convierten estos ciento treinta minutos en un viaje apasionante al pasado histórico de Inglaterra. Grandeza visual, intensidad bélica, y reflexión ante los hechos que se suceden, llevarán al espectador a quedar maravillado ante tales muestras de talento y de belleza en las imágenes.

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Esta agitada era política, económica, y social en la historia de Inglaterra comienza en esta película situándonos en el año 1640 con Oliver Cromwell a punto de marcharse al continente americano con su familia, pero es visitado de forma inesperada por unos parlamentarios que solicitan su ayuda. El rey Carlos I había disuelto el Parlamento, pero ahora quiere reunirlo de nuevo porque necesita que se apruebe una subida de impuestos para poder financiar un ejército contra Escocia, cuyas tropas amenazan las fronteras de Inglaterra. El Parlamento inglés se negará siempre que el rey no atienda su petición para que apruebe un cambio político y legislativo que convierta a Inglaterra en una monarquía parlamentaria, solicitud ignorada por el rey ante la pérdida de poder que ello supone y que desembocará en un hecho crucial en esta historia: la firma de la pena de muerte del conde de Strafford (actor Patrick Wymark) por parte del rey, la orden de detención de los líderes parlamentarios, y luego la orden de disolución del Parlamento. Una solución drástica a esa difícil situación que provocará la inevitable polarización de la clase política en dos bandos irreconciliables. Dentro de los líderes más firmes y combativos contra los despóticos actos protagonizados por el rey, destaca Oliver Cromwell (1599-1658), poniendo a los parlamentarios frente a frente ante una tesitura límite: han de elegir entre apoyar al rey o apoyar al Parlamento. No habrá opción a un término medio, por lo que estallará la Guerra Civil Inglesa que durará desde 1642 a 1651, dividida en varias fases durante este largo conflicto.

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En la Primera Guerra Civil (1642-1645) se enfrentarán las tropas monárquicas contra las parlamentarias en una lucha que dará comienzo en la batalla de Edgehill (23 de octubre de 1642), donde las tropas parlamentarias lideradas por el conde de Essex (actor Charles Gray) son derrotadas por las tropas monárquicas dirigidas por el príncipe Rupert (actor Timothy Dalton). La realidad histórica marca esta batalla como una derrota de las tropas monárquicas al haber sido incapaces de tomar Londres a posteriori, por lo que podían haber acabado esta guerra con triunfante éxito tras esa acción. Una extraña e incomprensible decisión que permitió que las fuerzas militares parlamentarias se recuperaran, y que, con el firme y decidido impulso de Oliver Cromwell, constituirán la mítica New Model Army dirigida por Sir Thomas Fairfax, importante personaje histórico ignorado en esta película ya que fue nombrado comandante en jefe de aquel ejército. A continuación, las tropas monárquicas serán derrotadas en la batalla de Marston Moor el día 2 de julio de 1644 (batalla no incluida en esta película) y, finalmente, esta primera fase de la guerra acabaría decidiéndose en la batalla de Naseby (día 14 de junio de 1645) donde las tropas del Parlamento dirigidas por Oliver Cromwell se alzan con la victoria. Una derrota en el campo de batalla que tendrá como histórico botín la captura de la correspondencia del rey Carlos I con otras naciones europeas donde les solicitaba ayuda militar. Pruebas claras e irrefutables que, con el paso del tiempo, terminarán condenando al rey cuando sea juzgado por traición.

“Poner vuestra fe en Dios y mantened seca la pólvora.”

Tras la victoria, el rey es hecho prisionero y el triunfante Parlamento entra en una nueva etapa política marcada por la inestabilidad debido al enfrentamiento entre sus diferentes facciones, imposibilitando la gobernación del país. Además, una Segunda Guerra Civil (1648-1649) estallará entre tropas realistas y parlamentarias con la victoria de estas últimas. El rey Carlos I es juzgado y condenado a muerte por traición, y su decapitación se ejecuta el día 30 de enero de 1649, momento en el cual dará comienzo esta revolución política puritana que tendrá como primera consecuencia la instauración de la República y la creación de la Commonwealth of England que durará hasta el año 1653. El Parlamento inglés seguirá siendo un caos y la Guerra Civil se reactiva en el año 1651 (dato histórico ignorado en esta película), enfrentándose las tropas parlamentarias y las realistas lideradas por Carlos II, hijo del Rey Carlos I, siendo definitivamente derrotadas estas últimas en la batalla de Worcester (día 3 de septiembre de 1651). La Guerra Civil Inglesa termina, pero la inestabilidad política en el Parlamento continúa y para solucionar este estado de bloqueo institucional y anarquía, en el año 1653, Oliver Cromwell da un golpe de Estado, disolviendo el Parlamento para instaurar el Protectorado en el cual se proclama como Lord Protector. En unos años, Inglaterra ha pasado del despótico gobierno del rey Carlos I a una dictadura religiosa liderada por Cromwell que durará hasta 1658. Durante todos esos años gobernará la nación con mano de hierro hasta su muerte, retornando la monarquía en año 1660 con la consolidación en el trono del rey Carlos II.

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Oliver Cromwell fue un dirigente con creencias religiosas puritanas, y cuyas inquietudes políticas le llevarían a dirigir el destino de Inglaterra tras salir victorioso en una cruenta guerra civil. Considerado por unos como un tirano o un dictador, o como un libertador por otros, por ejemplo, el ilustre Thomas Carlyle (recomiendo la lectura de su obra “Los Héroes” ya reseñada en Lux Atenea), lo que es incuestionable es que Oliver Cromwell es un personaje histórico controvertido ya que sus decisiones políticas provocaron dos hechos sin precedentes en la Historia del Reino Unido que no se han vuelto a repetir a posteriori: la condena a muerte de un rey, y la instauración de una república por primera y única vez en su historia. Pero, en esta película dedicada a ensalzar su figura como político y militar, se ha ignorado completamente su sangrienta intervención militar en Irlanda, o la derrota que sufrió la expedición militar inglesa organizada contra la isla de La Española, bastión español en el continente americano, y que ponen en tela de juicio la objetividad y el realce histórico mostrado en este largometraje. Un valor informativo y documental que hay que tener en cuenta a la hora de valorar su rigor histórico, pero que no resta o disminuye la brillantez artística de esta obra. Por este motivo, los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán profundamente impresionados al visualizar escenas de este mítico largometraje como la admirable recreación de la Corte inglesa, la densa atmósfera que se respira en el intento de detención de Oliver Cromwell en el Parlamento, la recreación de las batallas de aquella época con los movimientos de la caballería y los enfrentamientos entre líneas de infantería armadas con picas y mosquetes, la escena donde Carlos I condena al destierro al príncipe Rupert, o la solemnidad que refleja la impactante secuencia de la ejecución del rey Carlos I. Como apunte final, quisiera recomendar la lectura del libro “Oliver Cromwell, política y religión en la revolución inglesa 1640-1658” (ya reseñado en Lux Atenea) como excelente obra para poder conocer esta etapa crucial en la Historia de Inglaterra con mayor detalle y profundidad. “Cromwell”, espectacular película clásica sobre la vida política de Oliver Cromwell. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Yo alentaba un sueño. Una gran nación, próspera, con temor a Dios, leyes justas, fuerte y respetada en todo el mundo. Esa era la Inglaterra que yo soñaba.”

CROMWELL 1970

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SILLA ELÉCTRICA PARA OCHO HOMBRES (the last mile)”, 1959 (Reseña / Review #1752).

Reseña Cultural nº: 1752 // Reseña Media nº: 105
Reseña actualizada. Publicada el 11 de febrero del año 2015 en Lux Atenea.

Director: HOWARD W. KOCH
Guión: MILTON SUBOTSKY y SETON I. MILLER
Actores principales: MICKEY ROONEY (John “Killer” Mears), FRANK OVERTON (padre O’Connors), MICHAEL CONSTANTINE (Eddie “Ed” Werner), JOHN VARI (Jimmy “Jim” Martin), DONALD BARRY (Drake), CLIFFORD DAVID (Richard Walters)
País: EE.UU Año: 1959 Productora: VANGUARD PRODUCTIONS
Duración aprox.: 81 minutos
Publicado en España por: BANG BANG MOVIES
Año: 2013 Formato: DVD con libreto de 12 páginas (EDICIÓN COMPRADA)

DVD SILLA ELECTRICA PARA OCHO HOMBRES the last mile

En esta joya del cine de suspense, ver al mítico actor Mickey Rooney interpretando a este asesino sentenciado a la pena capital que termina provocando una rebelión en el corredor de la muerte de la prisión donde cumple condena, no tiene precio. La grandeza artística atesorada en “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” (1959), me ha llevado a elegir esta película para ser incluida en la selección cinematográfica que estoy reseñando en Lux Atenea. Esta lujosa edición en formato DVD fue publicada en España por la compañía Bang Bang Movies en el año 2006, y fue engalanada con esta carátula reversible y este interesante libreto de doce páginas. Una edición perfecta para disfrutar “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, al ser ese mítico largometraje que encantará a los cinéfilos que se apasionan disfrutando de los mejores thrillers que ha creado el cine de suspense a lo largo de toda su historia. Un drama espectacular y angustioso rodado en blanco y negro con absoluta maestría por el director estadounidense Howard W. Koch para dar alma a este guion, basado en la obra de teatro “The Last Mile” escrita por John Wexley tras los hechos reales ocurridos en una prisión del suroeste de los Estados Unidos de América. Concebido como remake de la película dirigida por Samuel Bischoff y presentada al público en el año 1932, dentro del cine negro, “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” eleva el nivel de tensión y de desesperación en esta asfixiante atmósfera carcelaria protagonizada por presos condenados a muerte que esperan angustiosamente su ejecución en tan lúgubre corredor. Aunque este largometraje proyecta un claro mensaje de rechazo a ese sistema, por supuesto, no exento de controversia como todo lo relacionado con esta temática social, la espectacularidad artística que presenta “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” convierte a esta película en una siniestra bajada a los infiernos con rebelión incluida. Presos y guardianes quedan situados en un limbo moral donde es difícil establecer una línea ética de separación, en vista a los comportamientos aquí reflejados en impactantes escenas. En un entorno tan horrible, nunca hay que olvidar que estos presos son asesinos a pesar de la sensibilidad que se puede despertar en el espectador al contemplar la terrible incertidumbre que les aplasta día a día. Una angustiosa y desesperada espera en las celdas del corredor de la muerte. Con imágenes de sufrimiento aumentado en secuencias de gran fuerza simbólica como, por ejemplo, la tortura psicológica que supone a los presos observar la mortuoria bajada en la intensidad de la iluminación del corredor cuando están haciendo pruebas en la silla eléctrica, o cuando están ejecutando a un preso en ella. Si además le añadimos esta extraordinaria banda sonora compuesta por Van Alexander, y el embrujo interpretativo de este dramático thriller en versión original subtitulada al no haber sido doblada al idioma español, el disfrute de su visualización no ha de esperar más para materializarse en la pantalla con Michey Rooney como principal protagonista.

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En “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, el director Howard W. Koch supo cómo tocar la fibra sensible del espectador a través de las imágenes en esta película. El actor Mickey Rooney, interpretando el papel del despiadado preso John “Killer” Mears, logra crear esa empatía propia del anti-héroe pese a sus actitudes violentas y radicales que le arrastran a un aciago destino. John Mears es un asesino, personifica al Mal, pero cuando se observa en pantalla al guardián llamado Drake sonriendo con malicia a estos presos, esa línea del Bien y del Mal queda completamente difuminada. La interpretación de este personaje a cargo del actor Donald Barry es sublime, extendiendo sus malévolos e intencionados gestos de desprecio hacia los condenados con un amplio abanico de acciones orientadas siempre a hacerles padecer aún más su terrible castigo dictado por la justicia. Otros grandes contrastes que imprimen una gran intensidad emocional al contemplar esta obra, están protagonizados por personajes inolvidables como el padre O’Connors interpretado por el actor Frank Overton, cuya figura estoica aparenta aportar un poco de luz espiritual a este entorno carcelario tan tenebroso, pero su presencia siempre acaba siendo sinónimo de una ejecución inminente para el preso visitado. El preso Jimmy “Jim” Martin interpretado por el actor John Vari, refleja en pantalla la resignación absoluta camino a la silla eléctrica, junto a la irremediable demencia y pérdida de la cordura que muestra el preso Eddie “Ed” Werner (actor Michael Constantine) mientras espera a la muerte en su celda, o el desesperado ruego del preso Richard Walters (actor Clifford David) a John Mears cuando es herido gravemente, esperando una rápida llegada de la Muerte con esa suplicante petición. Un amplio espectro psicológico vertebrando esta atrayente historia de forma magistral, y creando con ello la sólida base artística que siempre ha sostenido ese halo artístico que ha dado prestigio internacional al cine de Hollywood hasta nuestros días. “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” es grandeza, la obscura y mefistofélica grandeza cinematográfica tocada por la inexorable perdición. Grandeza artística inmortal a fin de cuentas.

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Tragedia, drama, y desesperación en esta terrible encrucijada llamada “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, siendo la Muerte quien tiene todo bajo control. Los hilos del destino están controlados por ella, y nadie puede escapar a sus designios a pesar de que un grupo de presos condenados a muerte traten de encontrar una salida a su situación límite, llevando a cabo un motín provocado por John Mears. Una vez iniciada la rebelión, todos serán engullidos por este caótico escenario donde todo es extremo, irracional, violento, visceral… pero, a pesar de todo, la cárcel continúa cumpliendo su función como prisión: estos presos siguen estando encerrados en su interior. ¿Qué salida podrán hallar en esa situación tan desesperada? La respuesta la dejo en manos del cinéfilo lector de Lux Atenea dispuestos a disfrutarla. En esta película encontrarán imágenes y escenas inolvidables como la sublime y terrible secuencia cuando el padre O’Connors reza el Padrenuestro en la celda de Jimmy y la atmósfera desoladora que se respira en el corredor con sus palabras, el aciago momento del afeitado antes de la ejecución, o los sueños y los recuerdos que aparecen en la mente de cada preso ante el horizonte inexorable de su muerte. “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” es el arte de la interpretación reflejada en las duras e implacables expresiones que John Mears muestra en los planos cortos, los gestos horribles y desencajados de Jimmy cuando vienen los guardias de la prisión para llevárselo a la silla eléctrica, en las agrias miradas de desprecio de John Mears a Drake, el gesto del guardia al echar whisky en el café incluido en la cena que lleva a Richard Walters, o en la violenta escena cuando John Mears coge por el cuello al guardia con su cara gesticulando de forma tan visceral e impactante. Impresiona contemplar la interesante charla entre el Padre O’Connors y John Mears en una conversación que se mueve entre la fe religiosa y la incredulidad espiritual de la Razón, observar el cambio radical en la actitud de Drake cuando ha perdido todo su poder y se encuentra ante la muerte, con el endiablado sonido de los subfusiles Thompson y la ametralladora Vickers al disparar sus ráfagas, la creciente tensión que transmite esta sangrienta espiral en la cual todo va derivando hacia la escena final protagonizada por John Mears, o viendo la obligada inflexibilidad del alcaide de la prisión en cumplimiento de su deber ante John Mears, a pesar de que amenaza con matar a su cuñado que tiene como rehén. “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, el mítico actor Mickey Rooney dando vida a uno de los personajes más extremos que haya protagonizado en su larga y exitosa carrera cinematográfica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

SILLA ELECTRICA PARA OCHO HOMBRES the last mile 1959

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ESTRANGULADOR DE BOSTON (the Boston strangler)”, 1968 (Reseña / Review #1748).

Reseña Cultural nº: 1748 // Reseña Media nº: 101
Reseña actualizada. Publicada el 28 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Director: RICHARD FLEISCHER
Guión: EDWARD ANHALT
Actores principales: TONY CURTIS (Albert DeSalvo), HENRY FONDA (John S. Bottomly), GEORGE KENNEDY (detective Phil DiNatale)
País: EE.UU Año: 1968 Productora: 20th CENTURY FOX
Duración aprox.: 111 minutos
Publicado en España por: 20th CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. Año: 2006 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD EL ESTRANGULADOR DE BOSTON the Boston strangler

“El Estrangulador de Boston” es un impactante thriller cinematográfico cuya trama está basada en la investigación policial que acabaría identificando a Albert DeSalvo como autor de los crímenes cometidos por el estrangulador de Boston, siendo hallado culpable y condenado a cadena perpetua tras el asesinato de trece mujeres entre los años 1962 y 1964. El caso policial relacionado con este asesino en serie es uno de los más estudiados y analizados debido a la complejidad de la patología psiquiátrica de Albert DeSalvo, porque la amnesia y el Trastorno de Identidad Disociativo en su psicótica personalidad complicaron durante mucho tiempo esta investigación llevada a cabo por las fuerzas de orden para la resolución de este caso criminal de gran impacto en la opinión pública. Rodada en color, esta película destaca sobre todo por la forma a través de la cual el extraordinario director de cine estadounidense Richard Fleischer terminó reflejando la psicología de este despiadado asesino. El uso de varias imágenes en pantalla en algunas secuencias, y que, en algunos momentos, llega a haber hasta siete simultáneas ofreciendo cada una de ellas una perspectiva distinta del mismo escenario, nos permite observar y analizar cada instante o suceso importante en la trama. Una sorprendente técnica audiovisual que, en manos de este genial director, logra engrandecer el arte cinematográfico como muy pocos creadores son capaces de configurar. Por este motivo, la película “El Estrangulador de Boston” garantizará a los cultos lectores de Lux Atenea la visualización de un excelso largometraje de intriga y misterio donde podrán sentir con sumo realismo, el tremendo pánico ciudadano que todos estos crímenes provocaron en la ciudad de Boston durante aquellos años.

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Aunque inicialmente parecía que las mujeres mayores eran el objetivo principal del estrangulador de Boston, y todo apuntaba a un médico como supuesto culpable de esos crímenes debido al uso del doble nudo cuadrado utilizado normalmente por parte de ese maníaco, la desorientación y los prejuicios propios de aquella época empezaron a salir a la luz durante las investigaciones. Cuando la policía comienza la búsqueda de este asesino en serie, fetichistas, gays, voyeurs, hombres con perversiones únicamente confesables a prostitutas, lectores de cierto tipo de literatura… terminan convirtiéndose en los primeros perfiles de sospechosos a investigar. Pero el número de mujeres asesinadas continúa, las investigaciones siguen sin aportar ninguna pista fiable sobre el asesino, y la policía en su desesperada búsqueda del homicida llega incluso a solicitar la colaboración de un médium que, supuestamente, terminó llevándoles a la detención del posible asesino. Todo ello cambiará radicalmente a partir de la séptima víctima, una joven negra, al quedar este crimen completamente diferenciado de los asesinatos anteriores, ancianas blancas. Esta atmósfera de misterio que empezó al comienzo de la película y donde permanecía oculto el rostro del asesino, no será hasta el ecuador de este largometraje cuando el espectador pueda empezar a ver cómo es el modus operandi del estrangulador de Boston a la hora de poder entrar en las casas de sus víctimas pese a la alarma social.

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En esta obra, el director Richard Fleischer sabe cómo reflejar en imágenes ese choque existente entre la visión policial, jurídica, y médica a la hora de resolver este caso. Por este motivo, los espectadores concentrados en la intensidad de los acontecimientos, durante la evolución de su trama pasarán de un thriller a una película de trasfondo mental y análisis psicológico profundo sin prácticamente darse cuenta de ello. Un cambio sutil en el sentido conceptual de la película, favorecido por la excelente interpretación de sus personajes por parte de estos grandes actores, destacando especialmente el difícil papel de Albert DeSalvo interpretado por el mítico actor Tony Curtis. Dentro de la misteriosa complejidad de este asesino en serie con la máscara permanentemente puesta sobre su rostro para complicar su identificación, la naturalidad con la cual Tony Curtis presenta la frialdad emocional de este personaje, el oportunismo caótico con el que solía elegir a veces a sus víctimas, el desquiciado temperamento que lo caracterizaba, el solapamiento mental de sus recuerdos perfectamente reflejados en sus gestos y expresiones… engrandecen artísticamente a este actor estadounidense. En “El Estrangulador de Boston” encontrarán a este escalofriante Tony Curtis interpretando escenas cinematográficas brutales y sobrecogedoras que se quedarán grabadas en su memoria.

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También el legendario actor Henry Fonda adquiere relevancia en esta película al interpretar el papel de John S. Bottomly, un analítico e inteligente funcionario público que, por orden del Fiscal General, es designado como coordinador de la investigación por parte del Estado para poder capturar a este esquivo homicida que tanta repercusión empezaba a tener en los medios de comunicación. Otro gran actor secundario como George Kennedy, en su papel del investigador Phil DiNatale, fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea interpretando a este detective absolutamente desbordado por la difícil situación que ha de afrontar. Si desean tener una muestra clara de la magnífica obra artística de George Kennedy, recomiendo la lectura de la reseña que publiqué sobre la impactante película “El Caso de Lucy Harbin” (1964). “El Estrangulador de Boston” presenta impactantes escenas como la secuencia del estrangulador de Boston frente al espejo, cuando conversa con su mujer tras ir a visitarle al hospital para hablar con él, la tensa escena del interrogatorio de John S. Bottomly (Henry Fonda) a Albert DeSalvo (Tony Curtiss) y la readaptación mental que éste hace de los hechos ocurridos en uno de sus ataques, la siniestra imagen de una de sus víctimas andando al lado de los maniquíes, la imagen con profunda carga psicológica en la visión de Albert DeSalvo cuando ve a su mujer en perspectiva y a lo lejos… Como apunte final en esta edición íntegra del largometraje publicada en formato DVD por 20th Century Fox en el año 2006, quisiera subrayar que algunas secuencias permanecen en su idioma original porque no fueron dobladas en aquella época tras haber sido censuradas por su controvertido mensaje. “El Estrangulador de Boston”, la película del asesino en serie estadounidense cuya psicopatía llegó a contraponer en aquella época a las leyes judiciales con la lógica científica y médica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“ENEMIGOS PÚBLICOS (public enemies)”, 2009 (Reseña / Review #1747).

Reseña Cultural nº: 1747 // Reseña Media nº: 100
Reseña actualizada. Publicada el 15 de febrero del año 2013 en Lux Atenea.

Director: MICHAEL MANN
Guión: RONAN BENNETT, ANN BIDERMAN, MICHAEL MANN (basado en el libro de Bryan Burrough)
Actores principales: JOHNNY DEPP (John Dillinger), CHRISTIAN BALE (Melvin Purvis), MARION COTILLARD (Billie Frechette)
País: EE.UU Año: 2009 Productora: UNIVERSAL PICTURES
Duración aprox.: 134 minutos
Publicado en España por: UNIVERSAL PICTURES IBERIA, S.L.
Año: 2009 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Comentario de fondo del director Michael Mann

DVD ENEMIGOS PUBLICOS public enemies

Basada en el libro homónimo escrito por Bryan Burrough, “Enemigos Públicos” se ha convertido en otra magna obra rodada con el sello inconfundible del director estadounidense Michael Mann. Un largometraje espectacular que garantizará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea acción, asaltos, persecuciones, intriga, traiciones, y muertes. La mano magistral de Michael Mann en la dirección se aprecia nítidamente en estas espectaculares tomas, en sus giros de cámara, en su exquisita y cálida iluminación, en los espectaculares escenarios elegidos, en el impecable rodaje en exteriores y, sobre todo, en su impresionante e impactante apartado de fotografía que nos ofrece esta magia visual, esta creatividad artística cuya belleza solamente el cine es capaz de perfilar y definir. Además, su acertada ambientación, su selecto y adecuado atrezzo, y sus magníficos decorados facilitan la inmersión mental en esta historia y la credibilidad de esta irresistible trama basada en la vida de John Dillinger (1903-1934), delincuente muy popular y famoso en la época de la Gran Depresión. Como analista cultural, en “Enemigos Públicos” quisiera resaltar por encima de todo la maestría interpretativa con la cual el genial actor estadounidense Johnny Depp ha dado vida a John Dillinger. Puro talento en escena para ofrecernos esta imagen de hombre frío y violento pero caballeroso, que no pierde nunca las formas, y que confía en exceso en sus capacidades para controlar las situaciones por difíciles que éstas se presenten. Otro actor que destaca dentro de este reparto de auténtico lujo es el actor Christian Bale encarnando al agente del FBI Melvin Purvis, un profesional metódico y muy efectivo que tratará de dar caza a la banda de John Dillinger. En la extraordinaria película “Enemigos Públicos” también destaca su excelsa banda sonora en la cual ha sido incluidas delicatessen musicales de Billie Holiday y de Mort Dixon y Ray Henderson con su inolvidable canción “Bye Bye Blackbird”, interpretada de forma sublime por la legendaria cantante Diana Krall, y que podemos disfrutar en vivo en una de las escenas más seductoras de esta película. ¡¡¡Todo un lujo en su registro vocal, en su estilo interpretativo, y en su clase artística!!!

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Estados Unidos de América. En el año 1933 en plena Gran Depresión, John Dillinger, Alvin Karois y “Baby Face” Nelson se encuentran en su momento de gloria con asaltos, robos, y atracos en auge y, en la cárcel del Estado de Indiana situada en la ciudad de Michigan, se produce un motín que cuenta con la ayuda exterior de estos tres delincuentes. A partir de ese momento, la banda de Dillinger comenzará a actuar en la ciudad de Chicago empezando con el asalto al banco American Trust. Una situación que provocará la alarma de las autoridades, y que llevará al director del FBI Edgar Hoover a considerar la búsqueda y captura de estos delincuentes como una guerra de los Estados Unidos de América contra los criminales, resaltando este mensaje en los medios de comunicación existentes en aquella época como propaganda esencial en esta lucha a la hora de ser difundida entre la población. Dentro de esta nueva dinámica, también selecciona a los mejores para dirigir los departamentos de la Agencia encargados de esta tarea y, por méritos propios, nombra al agente Melvin Purvis como jefe en Chicago. En su nuevo cargo, el objetivo principal será atrapar (vivo o muerto) a quien se ha convertido en el enemigo público número uno en la ciudad: John Dillinger. La llegada a Chicago de expertos del FBI desde otros puntos del país reforzará aún más a las fuerzas del orden destinadas a capturarlo, pero John Dillinger es muy escurridizo y se mueve ágilmente entre estados. Prueba de ello es que, a pesar de las medidas de seguridad tomadas en Indiana, John Dillinger vuelve a encontrar la forma de escaparse tras ser detenido, provocando que su caso llegue a tener un fuerte impacto nacional que llevará incluso al presidente de los Estados Unidos a tomarse muy en serio este asunto, en vista a la repercusión negativa que ello está teniendo en la opinión pública al estar dejando en ridículo a las fuerzas de seguridad del Estado. Pero las acciones y el excesivo protagonismo público que los actos de John Dillinger está trayendo consigo, están empezando a afectar negativamente incluso a las organizaciones mafiosas al ver sus lucrativos beneficios en peligro tras el espectacular despliegue de medios policiales que John Dillinger arrastra consigo allí donde se establece.

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En el inteligente y muy bien vertebrado guión de esta película, además podrán conocer cómo el visionario director del FBI Edgar Hoover utilizó sus lazos directos con la prensa como medio de presión para obtener más fondos públicos para su organización, siendo Harry Suydam (actor Geoffrey Cantor) el encargado de esas relaciones como intermediario entre el FBI y la prensa. Edgar Hoover también hará usó de los medios de propaganda a su alcance para informar al público que John Dillinger estaba en búsqueda y captura, reflejándose fielmente ese acto en las imágenes de la escena del cine como una de las muestras visuales más claras de esa pérdida del anonimato en la cual se amparaban estos delincuentes. Sorprende comprobar el contraste existente entre la fama de estos atracadores a nivel popular, y sus ansias de anonimato con las cuales tratan de pasar desapercibidos para las autoridades. Todo ello unido a esa falsa visión popular de estos delincuentes como gente humana y caballerosa en su época, cuando no dudaban un segundo en matar y en usar a ciudadanos como escudos humanos para cubrirse de los disparos. Además, los cinéfilos lectores de Lux Atenea se sorprenderán con los innovadores métodos científicos utilizados por el FBI en aquellas investigaciones, un sistema muy efectivo para cercar a Dillinger y su banda. Un cerco que empezará a irse cerrando poco a poco hasta que sus vidas se convierten en una constante huida. En este nuevo sistema utilizarían los mejores medios de transporte y de comunicación disponibles en aquella época, y todos los medios técnicos existentes para la captura de estos delincuentes, a parte de otros contundentes métodos para sacar confesiones a los miembros de la banda capturados. Además, “Enemigos Públicos” presenta impactantes escenas como los espectaculares asaltos a los bancos, las contundentes imágenes de estos atracadores disparando sus ametralladoras Thompson en distintos escenarios, la fascinante visión de los coches de época, y, sobre todo, la magia de las imágenes que dan vida a la escena de John Dillinger mirando a la actriz Myrna Loy en la gran pantalla. En definitiva, cuando una película de más de dos horas de duración consigue que tengas la sensación de que se ha hecho corta, el éxito alcanzado por el director en su obra cinematográfica es absoluto. “Enemigos Públicos”, Johnny Depp es extraordinario, Christian Bale es magnífico, pero Michael Mann se presenta glorioso y magistral en su experimentada y virtuosa labor de dirección. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

ENEMIGOS PUBLICOS public enemies 2009

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“QUILLS”, 2000 (Reseña / Review #1738).

Reseña Cultural nº: 1738 // Reseña Media nº: 91
Reseña actualizada. Publicada el 7 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: PHILIP KAUFMAN
Guión: DOUG WRIGHT
Actores principales: GEOFFREY RUSH (marqués de Sade), KATE WINSLET (Madeleine ‘Maddy’ LeClerc), JOAQUIN PHOENIX (abate de Coulmier), MICHAEL CAINE (Dr. Royer-Collard), BILLIE WHITELAW (madame LeClerc)
País: EE.UU Año: 2000 Productora: FOX SEARCHLIGHT PICTURES / INDUSTRY ENTERTAINMENT / WALRUS & ASSOCIATES, LTD
Duración aprox.: 120 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA S.A.
Año: 2001 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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¿Por qué el marqués de Sade (1740-1814) sigue atrayendo al público en este siglo XXI? ¿Por qué continúa vigente su espíritu transgresor y provocador en este año 2014, doscientos años después de su muerte? Algo tiene su figura y su mensaje de trasfondo ígneo y corrupto para que sus llamas continúen vivas en la mente de la ciudadanía a través de esta siniestra atracción hacia lo inmoral y lo perverso, teniendo mucha más fuerza psicológica que la repulsión que generan sus degradantes y degenerados textos etiquetados como “propios de una mente enferma”. Tantas veces considerado como una persona viciosa y lujuriosa, creo más bien que la visión del marqués de Sade sobre el libertinaje extremo va mucho más allá de los límites de la lujuria debido a esa esencia humana degradante, egoísta, y autodestructiva que destila la cruda descripción de envilecidos y depravados actos. Dentro de esa perspectiva analítica, en Lux Atenea quisiera resaltar la extraordinaria película “Quills” rodada por el prestigioso director estadounidense Philip Kaufman, después de haber dirigido magníficos largometrajes como “Elegidos para la gloria”, “Henry & June”, “La insoportable levedad del ser”… Con este relevante currículum cinematográfico en su haber, la unión de su especial talento artístico para el cine con la fascinación que provoca un escritor maldito como el marqués de Sade, fue inevitable que su fruto artístico culminara en este grandioso drama donde las pasiones y las debilidades humanas quedan intensamente contrastadas a través de su lado más tenebroso. Actos salvajes que continúan causando estupor, conmoción, y repulsa por su carga mental alejada completamente de la Razón. Un enajenamiento de los sentidos ante lo contemplado que, en el caso de la película “Quills”, toma esta deriva brutal y extrema como espejo revelador de la realidad humana más siniestra cuando no hay nada que lo limite. Esa ruptura total de los límites es lo que observarán los cinéfilos lectores de Lux Atenea cuando visualicen esta magnífica edición en formato DVD, publicada por Twentieth Century Fox Home Entertainment España en el año 2001. Un crescendo emocional desde el primer minuto donde la Razón se verá constantemente atacada ante la contemplación de esta desviación moral y ética degenerada, siendo sobrepasada ampliamente por los inesperados efectos de la hipocresía moral y por la incontenible plasticidad de la inteligencia humana para poder burlar las situaciones más desesperadas. “Quills” es una película de temática extrema porque extrema fue la vida y la obra literaria del marqués de Sade.

“En condiciones adversas, el artista se crece.”

Esta interesante trama nos sitúa en la ciudad de París en el año 1794, quedando ambientados de forma admirable el entorno y la vida cotidiana reinante en aquella época convulsa. Además, la actitud que presentan estos geniales actores ante la cámara con actitudes y gestos propios de aquel siglo, facilitan que el espectador se sumerja mentalmente con mucha facilidad en esta historia, convirtiendo cada suceso en un torrente de emociones cuya intensidad irá en aumento debido a la brutal deriva de los acontecimientos. Una intriga que dará comienzo en la residencia psiquiátrica de Charenton donde el marqués de Sade permanece encerrado. Dirigido con aparente serenidad y calma por el abate de Coulmier, magníficamente interpretado por el actor estadounidense Joaquin Phoenix, verá rápidamente rota su armonía. La ejecución en la guillotina de Mademoiselle Renard será el primer aviso al espectador de que nada va a ser de color de rosa en “Quills”. Luego, el choque inmediato entre el abate y el marqués de Sade, interpretado de forma excelsa por el actor australiano Geoffrey Rush, será una animosa lucha de poder entre enérgicas e irreductibles voluntades donde el abate aparentemente representa el lado bueno, y el marqués de Sade el lado oscuro de la tentación y de la corrupción. Teniendo a la lavandera de la residencia llamada Madeleine Leclérc, espléndidamente interpretada por la actriz Kate Winslet, como campo de batalla en disputa donde comprobar ambos su verdadero poder, será la entrada del doctor Royer-Collard en esta residencia, papel interpretado con obscura y malévola maestría por el actor Michael Caine, lo que llevará la sangrienta marca de la tragedia a cada uno de estos personajes simbólicamente unidos a la degradación moral (marqués de Sade), a la religión vivida con pasionales tabúes carnales difícilmente controlables (abate de Coulmier), a la visión romántica del amor con un toque pícaro (Madeleine Leclérc), y a la crueldad humana tapada con el velo de la respetabilidad social (doctor Royer-Collard). Una interactuación entre personalidades absolutamente incompatibles, salvo en el caso de Madeleine y el marqués de Sade, que generará situaciones caracterizadas por la brutalidad en los actos, y donde el marqués no será precisamente el que salga peor parado de cara a la opinión del espectador una vez finalizada la visualización de esta película.

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La constante principal en esta trama será la obsesión del marqués de Sade por escribir sus obras a pesar de las dificultades, siendo el abate y el doctor Royer-Collard los que hagan todo lo posible por evitarlo, sobre todo el manipulador e inmisericorde doctor. Al comienzo de la película, el marqués de Sade se encuentra escribiendo su famosa obra “Justine” (obra literaria ya reseñada en Lux Atenea) de forma oculta a los ojos del abate, entregando sus escritos a la joven Madeleine a la que tiene fascinada. Ella luego se encarga de ponerse en contacto con los editores para que lo publiquen. Cuando tan provocativa obra ve la luz pública y se convierte en un escándalo social, será el propio emperador Napoleón el que dé poder al doctor Royer-Collard para que inspeccione la residencia psiquiátrica de Charenton y evite que el marqués de Sade continúe escribiendo. Cada drástica medida tomada será inteligentemente respondida por el marqués, y cuando le retiran los papeles, la tinta, y las plumas para escribir, utilizará las sábanas como lienzo, el vino como tinta, y un hueso de pollo como pluma. Cuando es descubierta esta argucia, el marqués de Sade usa su propia sangre como tinta y su ropa como lienzo para escribir su obra. Cuando este sistema tampoco le acaba sirviendo, a falta de un método de escritura termina organizando una ingeniosa forma de continuar su actividad literaria: a través de un agujero en la pared le va diciendo las frases que componen su obra a otro paciente ingresado, y este en una cadena con otros pacientes al final acaban dictándoselo a Madeleine para que los vaya escribiendo. Pero cuando incluso este sistema es descubierto, en una situación tan límite y desesperada, al final un moribundo marqués de Sade aún continuará escribiendo usando sus excrementos en las paredes de su celda, desafiando al abate y al doctor enfrentados el creador literario cuyas obras son consideradas como un peligro para la sociedad. Lo más ruin e hipócrita llegará años después, una vez muerto el marqués de Sade, cuando el doctor Royer-Collard ponga a los pacientes de la residencia a trabajar imprimiendo las obras del marqués de Sade por el lucrativo negocio literario que genera. Una muestra más de la hipocresía que tienen en esta vida quienes dan lecciones morales y éticas.

“Es la primera regla de la política: el hombre que ordena la ejecución jamás hace caer la hoja.”

El choque entre el marqués de Sade y el abate es desigual y claramente a favor del marqués. Conoce bien sus debilidades carnales, y explota ese talón de Aquiles que rompe su equilibrio interior basado en la religión para provocarle aún más y enfrentarle a sus miedos, temores, e incontrolables pasiones. El abate trata de contener la pasión que siente hacia Madeleine, y esa tentación irá en aumento hasta llegar a una siniestra pesadilla protagonizada por él donde el cuerpo presente de Madeleine es ultrajado. Un shock emocional que pasará factura al abate, junto a las acciones extremas que éste ejecutará contra el marqués de Sade en una horrenda y macabra deriva que irá mostrándose cada vez más brutal según vaya aumentando su debilidad. Cuando el doctor Royer-Collard haga acto de presencia en la residencia es cuando estas acciones se llevarán al extremo más absoluto, y el marqués de Sade conoce muy bien al doctor nada más verlo porque es otro ser humano igual o más envilecido y degenerado que él. La sátira representación teatral que el marqués dirige en la residencia, de temática inspirada en el recién llegado doctor, se convierte en una de las escenas inolvidables de esta película por su mensaje sarcástico e irónico sobre la verdadera personalidad del doctor. Un espejo en el cual se refleja su realidad oculta ante el público asistente sin velo ni máscara alguna, clamando venganza por su osado atrevimiento. Un desvelo ácido y directo de su hipocresía que es donde la mente del marqués de Sade se encuentra como pez en el agua a la hora de describir y de representar la terrible realidad del ser humano. Sade conoce muy bien cómo piensa y actúa el doctor porque él es igual, pero sin la máscara social de lo respetable, y este es el motivo por el cual desvela la realidad humana en sus obras literarias a través de la descripción de actos dignos del más macabro y horrible infierno.

“Os recuerdo que yo no he creado este mundo. Sólo lo documento.”

Qué grandeza artística mostrada por el director Philip Kaufman a la hora de crear escenas imborrables en la mente del espectador, siendo uno de los apartados cinematográficos donde destaca este largometraje de forma sobresaliente. Con actores de esta categoría entregados en cuerpo y alma a la interpretación de sus respectivos papeles, solamente queda la maestría artística del director para crear la magia cinematográfica en la gran pantalla. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados viendo extraordinarias escenas como el drama y la desesperación que se respira en la ejecución de Mademoiselle Renard, en la terrorífica visión de la institución dirigida por el doctor Royer-Collard y los brutales métodos de rehabilitación que aplica a sus pacientes, en la decoración un tanto bizarra de la celda del marqués de Sade, observando la inquisitorial silla calmante del doctor Royer-Collard, con el brutal trato que el doctor da a su jovencísima esposa Simone, en la inteligente escena donde el doctor va manipulando a la esposa del marqués para orientarla hacia sus intereses, en la secuencia donde se ve a Simone camuflando el libro “Justine” para poder leerlo sin miedo de ser descubierta por la inquisitiva mirada del doctor, con la sublime imagen del marqués de Sade vestido con el traje donde ha escrito los nuevos capítulos de su obra (¡¡¡impresionante!!!), o en la tensa e impactante escena del abate con el marqués de Sade encadenado, y el crucifijo. “Quills”, el Séptimo Arte convirtiendo al polémico marqués de Sade en protagonista y perverso antihéroe en esta magna película. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA CARNE Y EL DEMONIO (the flesh and the fiends)”, 1959 (Reseña / Review #1735).

Reseña Cultural nº: 1735 // Reseña Media nº: 88
Reseña actualizada. Publicada el 8 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: JOHN GILLING
Guión: JOHN GILLING y LEON GRIFFITHS
Actores principales: PETER CUSHING (Dr. Robert Knox), JUNE LAVERICK (Martha Knox), DONALD PLEASENCE (William Hare), GEORGE ROSE (William Burke), JOHN CAIRNEY (Christopher Jackson), BILLIE WHITELAW (Mary Patterson), RENEE HOUSTON (Helen Burke), DERMOT WALSH (Dr. Geoffrey Mitchell), MELVYN HAYES (Jamie)
País: REINO UNIDO Año: 1959 Productora: TRIAD PRODUCTIONS LTD.
Duración aprox.: 94 minutos
Publicado en España por: CINEMA INTERNATIONAL MEDIA, S.L.
Año: 2013 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD LA CARNE Y EL DEMONIO the flesh and the fiends

Este largometraje no es una película de terror más. Es cine británico de culto. Rodada por el director inglés John Gilling (1912-1984) en el insustituible y cautivador celuloide en blanco y negro, “La Carne y el Demonio” es una película que, por su lúgubre y escabrosa temática, me ha hecho recordar el inolvidable relato corto “Los Ladrones de Cadáveres” incluido en el libro “El Diablillo de la Botella y otros relatos” de Robert Louis Stevenson (ya reseñado en Lux Atenea Webzine). Cuando, a principios del siglo XIX en Reino Unido, los médicos y científicos empiezan a necesitar cadáveres para sus investigaciones, se crea un lucrativo negocio encargado de abastecerles de cadáveres. Durante los siguientes años, la necesidad de cubrir esa demanda llevará a los conocidos como ‘ladrones de cadáveres’ a multiplicar sus acciones, y a extender una psicosis entre la ciudadanía debido al considerable incremento de robos de cuerpos de fallecidos de sus propias tumbas que se empieza a detectar en los cementerios de todo el país. A tal extremo llegará esta psicosis y el miedo de la gente a que roben el cuerpo del familiar muerto que, incluso, llegarán a poner jaulas con fuertes barrotes en las tumbas para que los ladrones de cadáveres no se los puedan llevar. Por lo tanto, cuando vean una de estas tumbas con jaula en persona o en imagen, piensen que ésta no se instaló porque el fallecido fuera un vampiro como he llegado a escuchar decir (o incluso leer) a algunos fantasiosos expertos en medios de información, sino que realmente se construían para que no fuera robado el cuerpo del fallecido por los ladrones de cadáveres en aquella época. Cuando la demanda llega a ser tal que los precios que se pagan por los cadáveres son desorbitantes, algunas personas dedicadas a este macabro comercio no dudaron en llegar al asesinato para poder satisfacer ese mercado, contando siempre con la complicidad de los compradores que no solían preguntar nunca el origen de ese cuerpo entregado, aunque creo que estos mismos compradores acababan conociendo la verdad sobre su muerte en cuanto tuvieran conocimientos médicos o forenses, y observaran y analizaran el cadáver. Una sangrienta historia de terror y misterio en la cual está basada la trama de este largometraje de culto dentro de este género cinematográfico, y que los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán visualizar en esta magnífica edición de la película en formato DVD publicada por Cinema International Media en 2013. Sin duda alguna, “La Carne y el Demonio” es una clara muestra del mejor cine británico de horror con ese arte y ese estilo inconfundible que le caracterizó a la hora de rodar tan magnas y siniestras escenas.

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La trama de “La Carne y el Demonio” está basada en los hechos reales ocurridos en la ciudad de Edimburgo en el año 1828, lugar donde el doctor Robert Knox llegó a comprar para sus investigaciones médicas algunos cadáveres de personas que habían asesinado William Burke y William Hare para hacer este tipo de negocios. Una historia que comienza con la tenebrosa e impactante escena de la llegada de los ladrones de cadáveres al cementerio donde, tras dirigirse a una tumba, proceden a excavarla para sacar al fallecido. La fuerza visual de la cruz como silencioso testigo del robo del cuerpo, envía con macabra nitidez al espectador ese vandálico y repudiable acto de sacrilegio en una tumba con el único móvil del beneficio económico. Un contraste absoluto entre la visión sagrada del mundo de los muertos y el impulso materialista donde todo es válido con tal de ganar dinero. A continuación, aparecerá la aparente normalidad con la llegada de Martha Knox (actriz June Laverick) a la Academia de Anatomía del doctor Knox en Edimburgo, y su encuentro con el doctor Geoffrey Mitchell (actor Dermot Walsh). Tras presenciar el discurso del doctor Robert Knox (interpretado por el legendario actor Peter Cushing) ante sus alumnos, tío y sobrina se ven tras la larga temporada vivida en la ciudad de París pero Martha desconoce algunos terribles secretos que allí se ocultan. La trama irá desarrollándose poco a poco en torno a los dos ladrones de cadáveres con William Hare (actor Donald Pleasence) como desalmado cerebro que no deja pasar una ocasión para conseguir dinero, y William Burke (actor George Rose) como ayudante con un coeficiente intelectual un tanto limitado. Sus ansias de conseguir dinero fácil les llevará a cometer un asesinato tras otro, y ese sangriento círculo vicioso de muerte, dinero, y cuerpos humanos para la investigación empezará a implicar al propio doctor Knox al encubrir la actividad de estos dos asesinos, vertebrando en una trama que se cerrará con este espectacular e inquietante final. Una historia de horror que se vuelve absolutamente creíble a los ojos del espectador gracias al extraordinario nivel de interpretación mostrado tanto por sus actores principales como por los secundarios, creando la conexión mental y la ambientación perfecta para alcanzar esta magia artística y emocional que fundamenta la esencia del cine como espectáculo inigualable.

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Visualizar esta película es una experiencia difícil de olvidar por la tenebrosa belleza de sus imágenes, rodadas en blanco y negro con el formato panorámico del sistema Dylascope, proyectando una ambientación tan lúgubre en sus escenas más siniestras que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea, sobre todo con esta impresionante banda sonora de estilo clásico compuesta con maestría por Stanley Black. Un largometraje inolvidable dentro del mejor cine británico de horror que les impresionará con sus escenas e imágenes, como al contemplar esas fugaces y densas brumas presentes en el cementerio cuando estos dos ladrones están tirando de las cadenas para sacar un muerto de su tumba, la siniestra visión del sirviente llevando el esqueleto cuando llega Martha a la Academia de Anatomía, la cara de desprecio del doctor Knox cuando delante de su sobrina el alumno Christopher Jackson (actor John Cairney) le anuncia la llegada de un nuevo cadáver para diseccionar, o en el gran contraste existente entre las lujosas y luminosas escenas relacionadas con la vida cotidiana del doctor Knox en su faceta pública y familiar, respecto a las obscuras, claustrofóbicas, sombrías, y decadentes secuencias directamente relacionadas con el turbulento mundo en el que se mueven estos dos ladrones. “La Carne y el Demonio” les cautivará con el ambiente libertino y voluptuoso que se vive en la taberna The Merry Duke, con el debate filosófico entre la Ciencia y la religión en relación a los cadáveres y al alma que fundamenta una de las escenas más importantes de esta película, o con el profundo shock psicológico que aparece cada vez que sumergen un cadáver en salmuera. Un entorno decadente que se observa en las sucias y angostas calles que presenta el barrio donde se mueven estos dos ladrones, también observando los gestos en sus terribles caras cuando asesinan a la anciana Aggie, o la espeluznante imagen del cadáver de Mary Patterson tapado con la sábana (actriz Billie Whitelaw) y la simbólica figura del esqueleto detrás. Pero en esta película también está presente la acción marcada por la tensión y la desesperación, como la brutal escena protagonizada por Jamie (actor Melvyn Hayes) y los dos ladrones de cadáveres, o la impresionante secuencia de los ciudadanos con antorchas reclamando justicia, una de las mejores escenas rodadas en este largometraje. Impresiona ver la flemática actitud del doctor Knox ante sus alumnos en un aula prácticamente vacía y con las protestas de la gente como sonido de fondo, en un virtuosismo interpretativo como solamente un actor de la categoría de Peter Cushing es capaz de realizar, o ver el cruel destino que le espera a William Hare cuando es puesto en libertad, además de la sencilla y reveladora escena del doctor Knox y la niña que le hace ver y comprender en un instante la auténtica realidad de sus actos. Una vez visualizada esta extraordinaria obra cinematográfica, no duden que el juicio moral y ético en su final siempre quedará en manos de cada espectador en función de sus valores personales. Tradición y religión versus Ciencia y laicismo. “La Carne y el Demonio”, una de las mejores películas sobre la tétrica temática de los ladrones de cadáveres del siglo XIX y el turbio negocio que el mundo de la Ciencia creó con su demanda. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

LA CARNE Y EL DEMONIO the flesh and the fiends 1959

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LENI RIEFENSTAHL: EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD / OLYMPIA (Triumph der Willems / Olympia)” (Reseña / Review #1733).

Reseña Cultural nº: 1733 // Reseña Media nº: 86
Reseña actualizada. Publicada el 29 de junio del año 2012 en Lux Atenea.

Director: LENI RIEFENSTAHL
Guión: LENI RIEFENSTAHL
País: ALEMANIA Año: 1935 (El Triunfo de la Voluntad) / 1938 (Olympia)
Productora: REICHSPARTEITAGSFILM (El Triunfo de la Voluntad); OLYMPIA FILM / TOBIS FILM KUNST (Olympia)
Duración aprox.: 102 minutos / 191 minutos / 81 minutos
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: Digipak 3DVD con libreto de 6 páginas, edición especial coleccionista (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: “El triunfo de la voluntad” 1935
DVD 2: “Olympia” 1938 (Olimpia: Olimpiada / Olimpia: Juventud Olímpica).
DVD 3 – EXTRAS: Día de Libertad (Tag der Freiheit) (cortometraje) // El Alquimista (documental de Xose Zapata) // Leni Riefenstahl (por Roman Gubern) // Biofilmografía Leni Riefenstahl

DVD LENI RIEFENSTAHL EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD OLYMPIA

Antes de empezar a comentar la excelsa obra cinematográfica de esta genial directora alemana e innovadora artista, quisiera dar una opinión personal y subjetiva bastante clara sobre ese intento informativo parcial y sectario que realizan algunos sobre el admirable trabajo artístico de Leni Riefenstahl (1902-2003), y donde se ha tratado de mezclar y enturbiar su magnífica obra por la relación que tuvo esta directora de cine con el gobierno nacionalsocialista alemán. Un hilo conductor que tratan de mostrar ante el público como justificación de su rechazo al Arte creado por Leni Riefenstahl, y cuya base moral y ética se apoya en el esperado rechazo de los ciudadanos ante esa unión directa del artista con sus líderes políticos. Desde mi punto de vista, esa etiqueta asignada a lo políticamente incorrecto cae por su propio peso si esas mismas personas que señalan a Leni Riefenstahl, no señalan con la misma contundencia y rechazo a otros geniales directores de cine como, por ejemplo, a Serguéi Eisenstein (con obras maestras en su haber como “El Acorazado Potemkin”, “Octubre”, “Alexander Nevsky”…) por su vinculación artística directamente relacionada con el gobierno comunista soviético, o a Elia Kazan (con obras maestras como “Un Tranvía Llamado Deseo”, “¡Viva Zapata!”, “Esplendor En La Hierba”…) por estar directamente vinculado con la caza de brujas desatada en Hollywood entre los años 1947 y 1956 por la Comisión de Actividades Antiamericanas, y donde testificaría contra otros compañeros de profesión acusados de ser comunistas. Por lo tanto, dejando la política a un lado, a los cinéfilos lectores de Lux Atenea voy a comentarles la obra artística de esta directora alemana porque tuvo una visión del Séptimo Arte muy adelantada a su tiempo. No debemos olvidar que “El Triunfo de la Voluntad” llegó a ser premiado en la Exposición Internacional de París del año 1937, por lo que sus premios y reconocimientos artísticos no tuvieron como origen solamente a Alemania y a los países occidentales afines al III Reich. De por sí, en este siglo XXI, analistas y expertos en esta materia siguen alabando las excepcionales dotes cinematográficas de Leni Riefenstahl por su sublime belleza artística, por su incomparable estilo a la hora de rodar secuencias y escenas, y por su agudeza técnica tan sobresaliente, opiniones que comparto mayormente.

“Es un prodigio que nunca más se ha repetido.”

Iniciamos este fascinante recorrido por el universo cinematográfico ideado y creado por Leni Riefenstahl con una de sus obras más carismáticas y avanzadas a su tiempo: “El Triunfo de la Voluntad”. Una excelsa obra comentada en este DVD por los expertos Ángel Luis Hueso y Xose Zapata, ofreciéndonos una opinión crítica y sincera desde una perspectiva profesional elaborada y constructiva alejada de convencionalismos y prejuicios. Un interesante recorrido cultural por esta película rodada en blanco y negro donde todo su simbolismo queda revelado punto por punto, detalle a detalle, mientras nuestra mirada queda fascinada ante la contemplación de estas muestras de genialidad artística, y con una sensación de modernidad que nos absorbe hasta establecer un contraste absoluto entre lo que estamos viendo y la consciencia de estar visualizando una obra creada hace casi ochenta años. Con una carga política en el trasfondo y en la evolución de sus imágenes muy clara, “El Triunfo de la Voluntad” se presentará ante los cinéfilos lectores de Lux Atenea tan colosal y mesiánica como Leni Riefenstahl perfiló. Una exaltación del líder cargada en elementos simbólicos que refuerzan su figura ante el pueblo, ante la nación, y ante el mundo, y donde las perspectivas y los encuadres durante su rodaje no dejarán de sorprenderles plano tras plano, mientras los comentarios en off van instruyendo en sus detalles artísticos y técnicos. En el fondo, el mayor logro alcanzado por Leni Riefenstahl en “El Triunfo de la Voluntad” ha sido crear una incomparable obra del Séptimo Arte con un nivel de calidad nunca alcanzado anteriormente, habiendo sabido perfilar gran parte de su mensaje con el espíritu schopenhaueriano en el cual esa voluntad humana está basada y fundamentada.

“Si hubiera que hacer un resumen de la estética de Riefenstahl, diría que consiguió armonizar una concepción estética neoclásica, geométrica, ordenada, equilibrada, con algunos hallazgos de la vanguardia.”

Una fusión de la imagen cinematográfica con lo filosófico que, pese a su indiscutible trasfondo político, en “El Triunfo de la Voluntad” adquiere una plasticidad y un poder visual en constante crescendo. Una intensidad audiovisual capaz de fascinar al espectador ante la presencia del sublime poder desatado, factor fundamental de esa voluntad convertida en hechos materiales y capaz de transformarlo todo en un nuevo principio de esplendor. En el fondo, Leni Riefenstahl supo convertir en subliminales imágenes el nacimiento de una supuesta nueva Edad de Oro en Europa con Alemania como punto de origen del cambio social y político, siendo la nación germana el nuevo eje de la civilización occidental donde todo quedaría orientado hacia la construcción de una nueva cultura. El tiempo y la realidad luego demostrarían el dramático futuro y la cruda realidad de esa nueva corriente política que llevaría a Occidente a una nueva guerra mundial, absolutamente devastadora para las naciones en Europa. Si hasta un político de la categoría de Winston Churchill llegó a decir en la edición de Great Contemporaries del año 1939 que “Siempre he dicho que si Gran Bretaña fuera derrotada en la guerra, espero que encontremos un Hitler que nos devuelva a nuestra posición correcta entre las naciones”, en el año 1935 cómo creen que reflejaría en imágenes a su aclamado líder esta innovadora directora de cine a la que pusieron a su disposición todos los medios económicos y técnicos que necesitara. Por ideas políticas, ningún artista que ame sus obras rechazaría esos medios casi ilimitados que darán vida a sus futuras creaciones.

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Respecto al contenido del segundo DVD de esta edición, en el que se ha incluido de nuevo las excelentes explicaciones realizadas por los expertos Ángel Luis Hueso y Xose Zapata, no comentaré nada más ya que fue analizado en la reseña que publiqué sobre su impresionante obra “Olimpiada Parte I y II” (en este DVD han sido titulados como “Olimpia: Olimpiada” y “Olimpia: Juventud Olímpica”). Por lo tanto, adentrémonos en el excepcional contenido del tercer DVD que incluye selectos e interesantes rodajes y documentales como extras. “Día de Libertad” es un cortometraje de corte militarista sobre la Wehrmacht, y donde el uso de película en blanco y negro no fue impedimento alguno para que Leni Riefenstahl, en esta moderna representación de la vida castrense, pudiera reflejar el día a día en los campamentos militares como imagen firme y organizada del carácter militar del pueblo alemán. Su banda sonora, acorde a la intensidad y a la firmeza marcial de la época, acompaña esta presentación de la vida de los soldados alemanes con absoluta naturalidad, a través de sorprendentes imágenes donde esta inteligente directora sabe utilizar la iluminación natural en exteriores y sus novedosos ángulos de enfoque como elementos clave en esta visión de la fortaleza y del poder militar de la Wehrmacht. Uno de los momentos audiovisuales más intensos de este cortometraje es la contemplación de sus exhibiciones en ejercicios realizados en eventos públicos. Su final, con una amplia demostración del poder aéreo de la Luftwaffe y del antiaéreo en manos de la Wehrmacht, no hará más que reforzar la imagen de Alemania como una moderna y poderosa potencia militar en aquella época en Europa.

“Ella fue pionera en una época pre-televisiva.”

A continuación, en el documental “El Alquimista”, será el enfoque audiovisual de Xose Zapata sobre la neutralidad española en la II Guerra Mundial, y sobre la evolución de la relación económica y política que se estableció entre Francisco Franco con el régimen nacionalsocialista alemán, los que serán descritos a través de detallados análisis históricos realizados por expertos. Un excelente trabajo documental sobre aquella etapa de nuestra historia no tan conocida a nivel público, y que será de sumo interés tanto para investigadores como para los cultos lectores de Lux Atenea interesados en ampliar sus conocimientos en este tema. En el documental sobre Leni Riefenstahl realizado por el crítico cinematográfico Román Gubern, conoceremos no solamente parte de la vida de Leni Riefenstahl en aquella época, sino también cómo era su carácter independiente y su firme personalidad. Finalmente, la biofilmografía de Leni Riefenstahl clausurará este impresionante documento artístico e informativo sobre su vida y obra, publicado por Cameo Media en el año 2006. “Leni Riefenstahl: El Triunfo de la Voluntad / Olimpia”, una edición en formato DVD de auténtico lujo para poder mostrar el talento artístico de la directora cinematográfica europea más sobresaliente en todo su esplendor. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Buscó su último paraíso en los fondos submarinos y se dedicó a realizar fotografía y cine subacuático.”

LENI RIEFENSTAHL EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD OLYMPIA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LENI RIEFENSTAHL “OLIMPIADA PARTE I y II (OLYMPIA)” (Reseña / Review #1732).

Reseña Cultural nº: 1732 // Reseña Media nº: 85
Reseña actualizada. Publicada el 28 de junio del año 2012 en Lux Atenea.

Directora: LENI RIEFENSTAHL
Guión: LENI RIEFENSTAHL
País: ALEMANIA Año: 1938 Productora: OLYMPIA FILM / TOBIS FILM KUNST
Duración aprox.: 205 minutos
Publicado en España por: FH PRODUCCIÓN Año: 2006
Formato: Digipak 2DVD edición especial limitada para coleccionistas (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Filmografía de Leni Riefenstahl // Biografía de Leni Riefenstahl // Galería de fotos de Leni Riefenstahl // Olimpiada Parte I trailer // Olimpiada Parte II trailer // El Triunfo de la Voluntad trailer // Adolf Hitler después de Mi Lucha trailer

DVD LENI RIEFENSTAHL OLIMPIADA PARTE I y II OLYMPIA

Rodada en 1936 durante la celebración de este evento deportivo de alcance mundial, esta excelsa obra cinematográfica de la directora alemana Leni Riefenstahl (1902-2003) se convirtió en la película oficial de la IX Olimpiada celebrada en Berlín, estrenándose el día 20 de abril del año 1938 en el Palacio de UFA (estudio cinematográfico Universum Film AG) de la misma ciudad. “Olimpiada” se ha convertido en una de las Obras Maestras del Séptimo Arte por los innovadores méritos artísticos de Leni Riefenstahl, y está estructurada con un prólogo evocador sobre el origen de este evento deportivo en la Grecia Clásica para, posteriormente, proceder a reflejar la IX Olimpiada celebrada en Berlín con imágenes de incomparable belleza estética. Dividida en dos partes muy diferenciadas, la primera está basada en el rodaje de la Ceremonia Inaugural y de las competiciones atléticas celebradas en el estadio olímpico, y la segunda parte corresponde a las tomas realizadas en otros deportes dentro de sus competiciones, así como la refinada y escultural presentación del entrenamiento y descanso de los atletas en la Villa Olímpica. Gracias a este impresionante trabajo artístico realizado por Leni Riefenstahl, muchos críticos y especialistas cinematográficos han valorado a “Olimpiada” como la mejor obra que se haya rodado sobre una Olimpiada, y a pesar de todos los avances técnicos y audiovisuales que se han producido desde entonces hasta nuestros días. La grandeza artística de Leni Riefenstahl perdura en este siglo XXI con mayor profundidad en virtud a su maestría, a su visión vanguardista de las imágenes a rodar, y a su talento innato a la hora de transformar estas imágenes en sublime belleza. Tan grandiosa fue la calidad de este documental que en 1938 llegó a ser galardonado en el Festival Internacional de Cine de Venecia, en 1939 le fue concedida la Medalla de Oro Olímpica del Comité Olímpico Internacional, y en el año 1948 también fue premiado con el Diploma Olímpico en el Festival Internacional de Cine de Lausana (Suiza). En definitiva, un reconocimiento oficial al talento y a la creatividad de Leni Riefenstahl a la hora de reflejar a aquellos atletas participantes en la Olimpiada en majestuosas, esplendorosas, y deslumbrantes imágenes hasta quedar inmortalizados como auténticos héroes a través de su mirada. Indudablemente, “Olimpiada” no solamente se convirtió en arte cinematográfico destinado a la exaltación del deporte, de los deportistas, y del propio espíritu olímpico, sino también se alzó como eficaz medio de propaganda de alcance internacional sobre los logros alcanzados en Alemania por el III Reich, reflejando en imágenes gran parte de sus ideales políticos de forma atrayente para el espectador.

LENI RIEFENSTAHL OLIMPIADA PARTE I y II OLYMPIA DVD

En España, gracias a la admirable labor realizada por la compañía FH Producción, en el año 2006 pudimos disfrutar por primera vez de esta impresionante obra maestra en su versión original sin cortes. Esta lujosa edición incluye dos DVD´s correspondientes a cada una de las dos partes en las cuales está dividida, y cuyo trabajo de remasterización fue impecable. En esta edición limitada especial para coleccionistas, sin duda alguna, los cinéfilos lectores de Lux Atenea interesados en esta temática encontrarán la mejor publicación que se haya presentado hasta el momento, siendo además sus extras, otra de sus características más destacadas e interesantes debido a la detallada información que nos ofrecen. Si incluso un prestigioso medio de comunicación como The Times llegó a referirse a esta película en términos elogiosos, o, en el año 1960, llegó a ser incluida dentro de los diez mejores largometrajes rodados hasta entonces tras ser seleccionada por un grupo de expertos cineastas de la época, cómo se va a poder empañar esta obra maestra a través del vaho de la intencionalidad política, siempre tan insensible como cambiante en su visión del Arte. Firmado y filmado por Leni Riefenstahl, su Arte siempre se presentará tan excelso como grandioso ante los ojos de una mente culta, y esto es lo que verdaderamente importa porque “Olimpiada” es y seguirá siendo una obra maestra intemporal.

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“Olimpiada” dura más de 200 minutos, y les puedo asegurar que en cuanto empiecen a verla quedarán irresistiblemente hechizados ante la contemplación de tanta belleza en imágenes. En el primer DVD de esta lujosa edición podrán disfrutar de la ceremonia inaugural y de las competiciones atléticas celebradas en el estadio olímpico de Berlín, conteniendo su segundo DVD las impactantes imágenes rodadas en otros deportes, sobre el entrenamiento, y sobre el descanso de los atletas en la Villa Olímpica. Y es que “Olimpiada” no es una de esas producciones de Hollywood de metraje incomprensiblemente largo donde, tras disfrutar de un comienzo espectacular de media hora, a continuación la película pasa a un estado de progresivo sopor imposible de aguantar. “Olympia” es precisamente todo lo contrario porque lo tiene todo para que te quedes con la mirada fija en la pantalla ante la esplendorosa visión de sus imágenes. Incluso, les sorprenderá que este documental se rodara en el año 1936 con estas escenas cinematográficas tan modernas en su realización, con estas espectaculares imágenes a cámara lenta, con estos innovadores y seductores enfoques, y con estas tomas en movimiento. La magia artística de Leni Riefenstahl se presenta siempre contundente y poderosa dentro del mundo del cine, destacando sobre todo por su inconfundible talento en el uso de la iluminación exterior en sus espectaculares tomas rodadas, y por su arte cinematográfico basado en esta definición y concepción estética de las imágenes que rueda hasta convertir a sus protagonistas en seres casi divinos y sobrenaturales. Si los cinéfilos lectores de Lux Atenea desean informarse más en detalle sobre las virtudes técnicas y artísticas de “Olympia”, les aconsejo que visualicen la edición especial en DVD dedicada a Leni Riefenstahl que publicó la compañía Cameo Media, mientras escuchan sus interesantes análisis y comentarios en off. “Olimpiada / Olympia”, excelso documental de culto donde la innovación cinematográfica y la fascinante belleza de las imágenes olímpicas rodadas por la mente creativa de Leni Riefenstahl, fueron transformadas en Arte y en imagen del espíritu de una nación a nivel internacional. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

OLIMPIADA PARTE I y II OLYMPIA LENI RIEFENSTAHL

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“AL CAPONE”, 1959 (Reseña / Review #1728).

Reseña Cultural nº: 1728 // Reseña Media nº: 81
Reseña actualizada. Publicada el 19 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: RICHARD WILSON
Guión: MALVIN WALD y HENRY GREENBERG
Actores principales: ROD STEIGER (Al Capone), MARTIN BALSAM (Mac Keeley), FAY SPAIN (Maureen), JAMES GREGORY (Schaefler)
País: EE.UU Año: 1959 Productora: ALLIED ARTISTS PICTURES CORPORATION
Duración aprox.: 102 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2010
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD AL CAPONE 1959

“Al Capone” es una de las películas más grandes que se hayan rodado sobre la Mafia en la Historia del Cine. Filmada en blanco y negro, este clásico dentro del cine de gángsters es un drama sobre la vida de uno de los capos de la mafia más famosos del mundo: Alphonse Gabriel Capone, Al Capone (1899-1947). Rodado por el magnífico director de cine estadounidense Richard Wilson, “Al Capone” es un largometraje magistral que nos muestra el auge y caída de este poderoso jefe mafioso en la ciudad de Chicago a través de excepcionales imágenes y escenas. Al Capone fue un visionario líder de la Mafia que, amparándose en los grandes beneficios que la Ley Seca proporcionaba a los grupos mafiosos que en la década de los veinte se dedicaron a la venta ilegal de alcohol, logró reestructurar el crimen organizado entonces conocido hasta darle una dimensión mucho más efectiva y productiva que prácticamente se ha mantenido hasta nuestros días en su esquema principal. Aunque el director Richard Wilson trató de presentar públicamente a esta película como basada en hechos reales, la verdad es que la ficción tiene un peso considerable en esta magnífica trama digna del mejor cine negro. Pero donde verdaderamente este largometraje tendría un impacto e influencia considerable sería precisamente en los líderes mafiosos de la década de los cincuenta y sesenta, los cuales copiarían el estilo ‘Rod Steiger’ como modelo a seguir en su vida pública, tal y como se detalla en el libro de Tim Adler “Hollywood y la Mafia” que ya reseñé en Lux Atenea. La genial interpretación del mítico actor Rod Steiger en el papel de Al Capone, le llevaría al estrellato tras el estreno oficial de esta película. En esta edición en versión original (con subtítulos en español opcionales) publicada por la compañía Regia Films, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar la genuina entonación ofrecida por estos grandes actores a la hora de dar personalidad y realismo a los capos mafiosos a través de sus magníficas interpretaciones. Además, en este largometraje disfrutarán contemplando escenas impresionantes como el asesinato de Colosimo con la música clásica de ópera como banda sonora del crimen, los populosos funerales celebrados en la ciudad por el fallecimiento de un gran jefe de la Mafia, con las impactantes imágenes de la Matanza de San Valentín ocurrida el 14 de febrero de 1929, con la extraordinaria escena del asesinato del periodista en el metro, o con la gran tensión que trasmite el momento en el cual Al Capone visita a la viuda de Colosimo tras la muerte de su marido. Así de grandioso y cautivador se muestra el Séptimo Arte cuando es capaz de generar emociones.

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Una de las características artísticas que más me han gustado en esta película es el peso moral que el director Richard Wilson termina reflejando en la conciencia de algunos mafiosos, acercando su imagen a la realidad de la vida. Esto, unido al uso de la voz en off a lo largo de todo el largometraje para ir informando al espectador sobre el desarrollo de los acontecimientos, según van sucediéndose los hechos más importantes protagonizados por Al Capone, convierten a esta obra cinematográfica en una auténtica joya. Con un inicio donde podemos ver a Al Capone entrando en el mundo del hampa de la ciudad de Chicago, la pragmática visión comercial sobre los negocios ilegales que empieza a plantear rápidamente comenzará a dar sus frutos en forma de colosales beneficios económicos. Y con las arcas de estos clanes llenas de dinero, la corrupción de todo aquel que se interponía en su camino era prácticamente inevitable. De por sí, en esta película solamente hay dos grandes personajes que no se dejan comprar por Al Capone: Mauree, viuda de Colosimo, y Mac Keeley, sargento/capitán de la policía. Salvo estas dos excepciones, nada impide a Al Capone hacerse con el control absoluto de la ciudad. Uno por uno, todos los principales jefes del hampa en Chicago irán cayendo mientras el reparto de los distritos de la ciudad entre los diferentes clanes y los ajustes de cuentas entre bandas, van allanando el terreno de este implacable líder para hacerse con el poder absoluto.

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Su temperamento violento e impetuoso, su astucia maquiavélica, su firmeza a la hora de resolver situaciones complicadas, y su visionaria inteligencia a la hora de estructurar y orientar los beneficios de los negocios ilegales para ser mezclados con los negocios legales de la ciudad, unido al impacto de su imagen pública en la sociedad estadounidense de la época, elevarán la figura de Al Capone hasta convertirla en un icono universal de la Mafia. En esta película, se muestra muy claramente cómo Al Capone utiliza los vínculos existentes entre los políticos y la Mafia, debido al control que ésta tiene sobre los votos en cada distrito de la ciudad, y todo ello finalmente consolida su privilegiada posición alcanzada a través de los negocios ilegales. Es obvio que, sin la Ley Seca aprobada en el año 1919 (Ley Volstead), el Crimen Organizado no habría podido manejar las impresionantes sumas de dinero que la venta ilegal de alcohol les proporcionó, como muy bien se describe en esta película. De por sí, cuando la venta de alcohol vuelve a ser legal, esos descomunales beneficios a los que estaban acostumbrados caen en picado y, tras ello, su capacidad para corromper cada uno de los estamentos económicos, políticos, judiciales, y policiales en la ciudad. “Al Capone”, la mejor película que se haya rodado sobre el mafioso más famoso del mundo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“MEPHISTO”, 1981 (Reseña / Review #1722).

Reseña Cultural nº: 1722 // Reseña Media nº: 75
Reseña actualizada. Publicada el 11 de noviembre del año 2012 en Lux Atenea.

Director: ISTVÁN SZABÓ
Guión: ISTVÁN SZABÓ
Actores principales: KLAUS MARIA BRANDAUER (Hendrik Höfgen), ILDIKÓ BÁNSÁGI (Nicoletta von Niebuhr), ROLF HOPPE (Tábornagy), KRYSTYNA JANDA (Barbara Bruckner), PETER ANDORAI (Otto Ulrichs), GYÖRGY CSERHALMI (Hans Miklas)
País: HUNGRÍA-ALEMANIA Año: 1981 Productora: OBJEKTIB STUDIO / MAFILM
Duración aprox.: 144 minutos (versión original íntegra en alemán) / 126 minutos (versión en español estrenada en salas)
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: 3DVD “ISTVÁN SZABÓ” (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “Mephisto”
EXTRAS: Trailer “The Naked Face” // Conversaciones con István Szabó y Klaus M. Brandauer // Ficha artística // Ficha técnica // Filmografías destacadas

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“Mephisto” es el título de la película que inicia la trilogía creada por el director húngaro István Szabó sobre la ascensión y caída del Imperio Austro-húngaro. Una coproducción germanohúngara que llegó a ser premiada con prestigiosos galardones cinematográficos en el año 1981 como el premio al Mejor Guión en el Festival de Cannes y el Óscar a la Mejor Película Extranjera. Su extraordinario guión está basado en la novela homónima del escritor alemán Klaus Mann (1906-1949), obra literaria basada a su vez en la controvertida vida artística del actor y director de teatro alemán Gustaf Gründgens (1899-1963), y el ilustre director húngaro István Szabó supo reflejar con total fidelidad e intensidad emocional en la película “Mephisto”, el tenso y alterado ambiente que se pudo respirar en el mundo artístico y social a principios de la década de los treinta en Alemania. Un mensaje muy claro y directo sobre la supeditación del Arte en sus distintas vertientes al poder político cuando todo en el país ha de ser orientado al esplendor y al orgullo nacional. La evolución personal y artística de su protagonista principal, el actor Hendrik Höfgen (interpretado por el mítico actor austriaco Klaus Maria Brandauer), se transforma en la vía perfecta para mostrar esos choques frontales entre el éxito y la ética personal, entre los intereses profesionales y la conciencia interior, triunfando siempre las primeras opciones ante la irresistible atracción que ofrece el éxito al amparo del poder para un artista. Centrando la atención en esta magnífica edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Cameo Media en el año 2005, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que tengan en sus manos esta edición podrán disfrutar de la versión íntegra de este largometraje con casi veinte minutos extra que son esenciales para poder comprender su trama. No entiendo cómo pudieron cortar estas escenas en la versión oficial estrenada en las salas de cine españolas, porque su importancia es clave para que el espectador pueda entender el trasfondo y la evolución de esta historia. Como analista cultural, en muchos aspectos estas secuencias eliminadas me han recordado a otra excelsa película como “Apocalypse Now” (1979), donde la visualización de la versión Redux es fundamental respecto a la primera versión oficial que se llevó a la gran pantalla (recomiendo la lectura de la reseña que publiqué sobre el libro “Apocalypse Now, Odisea en los Territorios del Horror” de Iván Reguera).

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Iniciamos esta inolvidable aventura cinematográfica situándonos en la ciudad alemana de Hamburgo. Allí, el artista de teatro Hendrik Höfgen, actor de segundo nivel, se presenta ante el espectador como una persona cuyo ego desea engordar enormemente a través del elogio y de la fama, aunque para ello tenga que pagar un alto precio en cuanto a honestidad y sinceridad consigo mismo. Por este motivo, desde el principio de la película aparecerá como un ser desdichado y un fracasado a nivel privado, autotorturándose ante su delicada situación profesional y su precariedad económica. Hendrik Höfgen es un actor de teatro que necesita que le reafirmen con adulaciones, aunque de cara al público presente una imagen bien distinta. Sus miradas constantes ante el espejo, su clara y rotunda egolatría, ese pensar solamente en él y para él, su inseguridad que le lleva a avergonzarse de sí mismo, su narcisismo… en realidad no son más que muestras de sus pensamientos internos basados en un mundo irreal, imaginario, e idílico donde todos han de estar pendientes de él. Sus conversaciones consigo mismo frente al espejo no son más que exteriorizaciones de ese mundo interior en conflicto permanente con la realidad que le rodea. Pero Hendrik Höfgen es un inquieto apasionado del Arte, motivo por el cual dirige una compañía de teatro, recibe clases de danza que elevan sus ilusiones y estimulan sus sueños, tiene un socio a su lado en sus proyectos llamado Otto Ulrichs (actor Peter Andorai), pero con la llegada de Nicoletta von Niebuhr a la compañía de teatro (actriz Ildikó Bánsagi), su vida dará un primer giro importante. El éxito entre el público le sonríe, se enamora y se casa, pero esos aparentes días de vino y rosas terminarán cuando Hendrik Höfgen choque frontalmente con Hans Miklas (actor György Cserhalmi) por sus ideas nacionalsocialistas, con las cuales no está de acuerdo. Por ese motivo, no parará hasta echarlo de la compañía. Y también chocará con la familia burguesa de su mujer debido a que le incomoda su privilegiado estatus económico, ya que le hace sentir inferior.

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Tras ser recomendado por su suegro y por la actriz Dora Martin, Hendrik Höfgen recibe una oferta para interpretar un papel en el Teatro Estatal de Berlín y, una vez allí, empezará con un trabajo sencillo y humilde en el escenario que le permitirá poco a poco ir creciendo profesionalmente, e ir moviéndose en círculos mucho más influyentes donde la presencia de personas poderosas afines al nacionalsocialismo será inevitable. En el Teatro Estatal de Berlín va aumentando su éxito y su protagonismo dentro de las obras que interpreta, fama que le abrirá las puertas del mundo del cine como actor haciendo papeles de soldado. Pero Hans Miklas también ha ido escalando posiciones dentro del partido dirigiendo a las juventudes nacionalsocialistas, y cuando finalmente Adolf Hitler llega al poder en Alemania, a partir de ese momento empezará un nuevo ciclo en la vida de Hendrik Höfgen que cambiará su destino radicalmente, siendo la descripción audiovisual más realista de su nueva situación el choque de opiniones y de pareceres entre él y su mujer. Ante el giro de los acontecimientos que suceden alrededor suyo, Hendrik Höfgen decide mantenerse al margen de todo. Su mujer se marcha a París con su familia, y él, que se encuentra rodando una película en la ciudad de Budapest, duda si volver a Alemania. Pero tras recibir halagos desde Berlín por parte de un Ministro/General del ejército alemán para relanzar el Teatro Nacional (papel interpretado con maestría por el actor alemán Rolf Hoppe), Hendrik Höfgen regresará al Teatro Estatal de Berlín. Con el exitoso retorno de la obra “Fausto” al teatro, entrará en el exclusivo círculo de las altas esferas de la cultura gracias a su impresionante interpretación de Mefistófeles, papel con el cual ha conquistado al Ministro/General ya que le identifica plenamente con su visión del Arte y de la Cultura alemanas. A partir de ese momento de gloria, Hendrik Höfgen no hará más que aumentar su voluble e insegura personalidad en pro de la fama, del éxito, y de la notoriedad pública que el poder político le ofrece a cambio de su arte orientado a los intereses nacionales. Y este poder político en manos del Ministro/General, no admite un ‘no’ como respuesta a sus proyectos y deseos.

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Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados con esta escenificación tan natural y creíble que Klaus Maria Brandauer nos ofrece en su extraordinaria interpretación del actor Hendrik Höfgen, dando credibilidad absoluta a este difícil personaje que es clave dentro de la trama de la película. Klaus Maria Brandauer se presenta como un actor colosal capaz de transmitir emociones con sus gestos, con su mirada, convirtiéndose en ese ser camaleónico que se transforma exteriormente en función de los acontecimientos y del carácter de las personas que le rodean. Hendrik Höfgen, confiando ciegamente en su capacidad de adaptación, cree que sus dotes de actor le sacarán siempre de cualquier situación por difícil que sea, pero la realidad siempre le acaba desbordando por no analizar en profundidad el trasfondo de la situaciones en las cuales está implicado. Además, la brillante luz del éxito que le ofrece el poder es demasiado tentadora para su ego. Un poder en manos del Ministro/General alemán cuya excelsa interpretación, a cargo del actor Rolf Hoppe, dejará profundamente impactados a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. En su magna interpretación del Ministro/General sabe cómo transmitir en la pantalla ese halo apolíneo de quien posee todo el poder, y quiere hacer realidad el ideal del Arte dirigido al pueblo alemán como sea. Por este motivo, la obra “Fausto” y la sublime interpretación de Mefistófeles a cargo de Hendrik Höfgen, terminan siendo observados por el Ministro/General como un símbolo perfecto de la nueva Alemania, del nuevo espíritu alemán, quedando tan impactado ante esa escenificación que el propio Ministro/General empezará a llamar con el nombre de Mefistófeles a Hendrik Höfgen. Pero esa fascinación y esa devoción por sus cualidades interpretativas también tendrán otra cara más obscura en la vida de Hendrik Höfgen, ya que el Ministro/General le irá marcando cada uno de los límites dentro de los cuales se podrá mover, conociendo cada detalle de su vida privada para manipularle, y orientándolo en pro de sus intereses. Una dinámica y una evolución de Hendrik Höfgen a lo largo de la película que se convierte en uno de los mayores trasfondos psicológicos que esta magna obra nos ofrece.

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En la película “Mephisto”, el arte cinematográfico del director húngaro István Szabó se presenta en uno de sus largometrajes de culto más aclamados. Hablar de István Szabó en “Mephisto” es hablar de impactantes escenas que se quedarán indeleblemente grabadas en la mente del cinéfilo. Extraordinarias escenas como cuando Hendrik Höfgen está bailando libremente mientras suena la música de can-can, cuando la marcha de la actriz Dora Martin a EE.UU lleva a un diálogo que permite al espectador comprender cómo piensa una persona pragmática y otra fantasiosa que está en su propio mundo de luces y éxito, o la escena donde podemos contemplar la camaleónica capacidad de transformación de Hendrik Höfgen en una magnífica secuencia de imágenes con personajes teatrales de todo tipo. Les impresionará ver la escena de las juventudes indicando el oficio de sus padres como reflejo del creciente éxito social del nacionalsocialismo entre el pueblo alemán, la impactante fuerza visual de la escena donde Hendrik Höfgen interpreta a Mefistófeles en la obra “Fausto” y el gesto de complicidad del guiño que le lanza al actor que interpreta a Fausto ante el clamor y la ovación desatadas entre el público, o la escena en la cual Hendrik Höfgen es llamado por el Ministro/General a su palco y el tenso cruce de miradas que se establece entre ellos, incluyendo la sorprendente imagen del palco desde la perspectiva del público asistente al teatro.

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La belleza artística del cine también se presenta en la esplendorosa ambientación de la escena del discurso de Hendrik Höfgen presentando y comentando la estatua, en la simbólica escena de Hendrik Höfgen reunido en el despacho del Ministro donde el General está situado por encima de él como contundente imagen visual para indicar quién manda y quién obedece, o la inolvidable escena con Hendrik Höfgen en el estadio olímpico de Berlín iluminado por los focos. En definitiva, excelentes ambientaciones que combinan con maestría la intensidad cinematográfica con la fuerza de la interpretación teatral. Además, en esta magnífica edición en formato DVD, también podrán ver el interesante y reflexivo reportaje titulado “The Naked Face” (2001) donde el propio director István Szabó comenta cómo se interesó por el mundo del cine, y qué corrientes cinematográficas europeas como la Nouvelle Vague francesa o el cine italiano le atrajeron y le indicaron el camino a seguir, o cómo la política y la historia llegaron a condicionar su vida y su obra cinematográfica. Sus ideas y opiniones sobre el cine, sobre los actores, sobre las películas a nivel del espectador… pero desde un punto de vista psicológico, completan el interés informativo de este reportaje junto a las palabras de Klaus Maria Brandauer describiendo su pasado dentro del mundo del teatro en su etapa artística anterior a la película “Mephisto”, además de comentar su fugaz y desesperanzador paso por el mundo del cine cuya desilusión fue aún más profunda debido a las grandes diferencias que existen entre los actores de teatro y los actores de cine. En definitiva, estamos ante la edición más completa que se haya publicado hasta el momento de la grandiosa película “Mephisto”. “Mephisto”, cine europeo de culto firmado por uno de los directores con más talento en el siglo XX. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.