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IO “THE BEAUTY OF SIMPLE THINGS” (NO PART OF IT, agosto 2025) (Reseña / Review #2302).

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Reseña Cultural nº: 2302 // Reseña Musical nº: 1489

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- We live for each other // 2- The road // 3- The pine forest // 4- The tiny flowers // 5- The grass field // 6- The time // 7- The storm // 8- Life is like a string of beads // 9- Anguish // 10- Every day is gray // 11- Assault // 12- The long wait // 13- The death // 14- The mourning // 15- The dark winter of the soul // 16- Restart // 17- Debug // 18- Light up // 19- Reborn
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna Obra Musical dentro de la escena ambient y dark ambient

Publicado originalmente en el mes de noviembre del año 2023 por la propia artista brasileña a través de su sello Shadow Tears, a finales del pasado mes de agosto, el prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It re-editó el álbum “The Beauty of Simple Things” de IO en formato digital dentro de sus publicaciones para subscriptores del sello. Como analista cultural, en mis reseñas vengo recomendando esta subscripción a los melómanos lectores de Lux Atenea debido a la relevancia artística de las ediciones discográficas que están presentando, y que pueden comprobar en mi selección musical con reseñas ya publicadas del sello No Part Of It. Engalanado con esta imagen fotográfica protagonizada por la propia artista, en su estética californiana de la década de los setenta unida a la luz y al sentir de la vida, ha quedado oculto un largo caminar existencial tortuoso e infernal en el pasado, más propio del Infierno de Dante. Y es que, los diecinueve temas que vertebran el álbum “The Beauty of Simple Things” reflejan a nivel musical, esa tormentosa travesía vivida por la artista y marcada por la tristeza, por el progresivo aislamiento social, por esa habitación convertida en celda personal, por la agorafobia, por la pérdida del sentido de la propia existencia, por la caída en el abismo interior sin fondo… y su portada es la captura fotográfica de su primera visión del atardecer tras casi un año de encierro en su habitación, fundiéndose en una sola imagen, la intensa calidez existencial perfumada sutilmente con lo melancólico. La luz mística en el final del túnel. En esencia, “The Beauty of Simple Things” es eso mismo, el intento de recuperación del sentido existencial fundamentado en la elevación de la consciencia como conexión espiritual con la belleza latente en las cosas sencillas, pero tras haber pasado un auténtico calvario. Una conexión espiritual con esas pequeñas cosas que, a la mayoría de las personas impulsadas por este acelerado y estresante modo de vida, suelen pasar desapercibidas. Una sensibilidad despertada con la elevación del plano de consciencia tras haber pasado por este difícil y terrible proceso trascendente de muerte y renacimiento vivida por la artista, y que, indiscutiblemente, su experiencia existencial hace que no vuelva a ver la vida y su entorno de la misma forma. Elevas el plano existencial pero siempre es una moneda de doble cara: por un lado percibes y sientes con una empatía y con una conexión mucho mayor y, por contra, también sentirás con mayor intensidad el dolor y las injusticias que provoca el ser humano hacia otras personas o seres vivientes. Como siniestro reflejo musical de su caída al abismo interior y su posterior salida, a nivel musical, el álbum “The Beauty of Simple Things” es impresionante y sorprenderá a más de un melómano por su capacidad para transmitir el mensaje con esa sensibilidad sonora que caracteriza al artista auténtico, honesto consigo mismo a la hora de componer temas musicales con un trasfondo muy profundo.

Iniciamos la audición de esta extraordinaria obra sumergiéndonos en la atmósfera musical ambient del primer tema “We live for each other”, mezclada con este plano sonoro de estática cuya presencia va a ser constante en los temas de este álbum. Un mensaje dual donde, por un lado, proyecta equilibrio y calma emocional y, por el otro, la amenaza constante que está presente en esta vida y cuyos efectos y consecuencias no suelen ser previsibles, sobre todo cuando se está viviendo un periodo marcado por la felicidad. En “The road”, lo primero que se siente es el sonido de la estática que llega a parecer el crepitar del fuego, para luego entrar estos planos musicales ambient donde el drone crea su trasfondo, y los sucesivos cromatismos melódicos vuelven a ofrecernos esta atmósfera casi mística que se verá reforzada con pinceladas instrumentales. Luego, en el tema “The pine forest”, aquí la estática parece el sonido de la lluvia cayendo sobre una superficie lisa y dura, siendo un contraste absoluto con el minimalismo proyectado por estos lánguidos planos musicales ambient relacionados con la sensación sublime que provoca caminar por el interior de un bosque, y que nos llevará hasta las puertas del tema “The tiny flowers”, donde la estática se suaviza para resaltar su estructura sonora ambient con el drone conduciéndonos a la ensoñación del ideal siendo observado, tocado, disfrutado, y con la pincelada instrumental abriendo previamente este nuevo mundo sentido. Mucho más nublado aparecerá el escenario en el tema “The grass field”, y cuyos planos sonoros con aires de nostalgia dan cierta apatía existencial que es potenciada con el uso del drone de prolongado periodo de tiempo en su evolución, llevándonos hasta el tema “The time” donde esa creciente oscuridad va a ampliarse hasta casi tapar el plano sonoro de estática. Aquí, el sonido de las campanas suena a final, a la desaparición de un periodo de tiempo que no volverá, y que lanza sus últimos destellos luminosos antes de pertenecer definitivamente al pasado. En el fondo, “The time” es una recreación precisa de un fin de ciclo a través del lenguaje musical.

Como su título nos indica, “The storm” será el comienzo de una etapa convulsa donde todo quedará alterado y transformado en una penosa travesía con los elementos en contra. Por este motivo, la estática se vuelve más punzante, y este vibrante drone ve potenciado su influjo en la estructura musical con sus tonos graves que todo lo van abarcando. Puntuales pinceladas sonoras muy ligeras surgirán con esos tonos de alarma ante lo que se presenta ya en el horizonte, siendo inexorable su llegada. Y envueltos por su obscura área de poder, en “Life is like a string of beads”, la capacidad interior de resistencia empezará a ser puesta a prueba, encontrando en lo mántrico, esos momentos donde poder agarrarse a algo fuerte, seguro, desestresante, cuando lo impredecible, el dolor, y el sufrimiento aparecen en el interior y en el entorno. Esta inestabilidad es clara en la estructura musical del tema “Life is like a string of beads”, progresando de forma entrecortada, como a tirones, y con el plano de estática en un segundo plano para recrear todo aquello unido a la perdición. Con el tema “Anguish” ahondando en lo sufriente a través de estos cromatismos musicales con la sarcástica luminosidad de lo trágico, su perfilamiento sonoro es afilado y cortante porque del ambient ya vamos adentrándonos en estructuras musicales dark ambient. “Anguish” es la caída al abismo interior sin poder ver el fondo, es la visión de lo exterior como algo completamente ajeno, es una mirada detrás de la ventana que, en el tema “Every day is gray”, va a adquirir mayor impulso psíquico en clave musical. En puro dark ambient, esta composición es casi funeraria mientras no se para la caída al abismo interior. Un presente aciago e infernal donde no hay una mano donde agarrarse para no seguir cayendo. Un presente donde cada salida al mundo de la vigilia es una nueva etapa de sufrimiento. Un presente que se siente intrascendente, crudamente intrascendente, corrosivamente intrascendente, mientras se va sintiendo cómo el espíritu se va degradando día tras día. Esta deriva quedará remarcada en el tema “Assault”, viendo cómo las fuerzas se van perdiendo, cómo el sentido existencial se va acabando, y cómo la energía de la vida va disminuyendo, observando y sintiéndolo todo con esa siniestra mirada de quién se dirige al patíbulo. El mundo alrededor se ve cambiado, agreste, y la mirada introspectiva son con ojos tristes, cansados, deseosos de apartar tanto sufrimiento. Pero no hay salida. No hay luz. No hay vida interior.

“The long wait” es la recreación musical de esa larga marcha hacia ningún lugar que se ha de vivir, o mejor sufrir, cada día en este estado existencial. Un plano sonoro grave, denso, omnipresente, y situado en lo alto para que la mirada no se eleve, para que se sienta la vida como una losa sobre la espalda, y con estas pinceladas instrumentales recreando el paso de los días, cada uno nuevo y diferente, pero que siempre son sentidos igual, como una dolorosa penitencia. “The death” dará continuidad a esta senda de perdición con esa aparente luminosidad que ofrece la muerte como vía para escapar del sufrimiento. Aquí la estática recrea el constante desgaste de lo vital en este estado, y con los principales cromatismos sonoros situados en un segundo plano, el tema “The death” se presenta como un mortuorio consuelo que, en “The mourning”, se vuelve ceremonial en clave dark ambient. Hasta casi ritual y minimalista por su crudeza emocional, y con la estática como lágrimas imposibles de parar y que caen al suelo, desembocando en el tema “The dark winter of the soul” como recreación musical de la aceptación definitiva de la caída hasta el fondo del abismo interior. Una siniestra oscuridad acompañada por ese vacío existencial donde el Yo se diluye, donde el Ego queda completamente aplacado, y donde el dolor empieza a aceptarse como parte inexorable de uno mismo en este estado. Ya no se puede caer más abajo, y “Restart” es esa primera mirada hacia arriba, y con la estática sonando como el crepitar de un fuego intenso. Este mensaje musical se verá reforzado con la entrada de un luminoso plano sonoro en clave ambient en este entorno. Posteriormente, en clave conceptual ambient, el tema “Debug” recreará los efectos interiores de esa luz espiritual comenzando a purificarlo todo y a descartar todo aquello que provoca dolor y sufrimiento, empezando poco a poco a dar sentido a la propia existencia y siendo “Light up”, el impulso existencial hacia arriba para salir de ese abismo interior. Por este motivo, su estructura musical ambient adquiere un dinamismo y una apertura dimensional creciente que irradia vitalidad, alegría, mirada esperanzadora al frente, y la sensación de una nueva sensibilidad y conexión con el entorno que, en el tema “Reborn”, será potenciado con estos armoniosos planos melódicos y samples como clausura de auténtico lujo para este grandioso álbum. “The Beauty of Simple Things”, precisa recreación musical en clave conceptual ambient y dark ambient de un proceso existencial profundo de muerte y renacimiento interior. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
VODE “ZONE CHILDREN” (NO PART OF IT, septiembre 2025) (leer reseña)
BBJr “THE ANTIQUE HEARTBEAT” (NO PART OF IT, septiembre 2025) (leer reseña)
SORRY FOR LAUGHING “SELECTED WORKS (2020-2025)” (NO PART OF IT, marzo 2025) (leer reseña)
CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

VODE “ZONE CHILDREN” (NO PART OF IT, septiembre 2025) (Reseña / Review #2297).

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Reseña Cultural nº: 2297 // Reseña Musical nº: 1484

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias el genial artista Arvo Zylo y a su prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Green Judgement // 2- Matilda’s Drum Kitchen // 3- The Moon Room // 4- Brass Hydrochroma // 5- I’ll Be Here In The Morning (Townes Van Zandt)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena esperimental

Ayer lunes, día 1 de septiembre, el dúo musical estadounidense VODE presentó oficialmente su segundo álbum titulado “Zone Children”. Formado por Leslie Keffer y Arvo Zylo, VODE es una de las propuestas artísticas más vanguardistas e innovadoras que están destacando en la escena experimental actual, y con una perspectiva conceptual ecléctica dirigida a la toma de contacto con estructuras musicales nuevas, revolucionarias, y transgresoras. Publicado a través del prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It dirigido por Arvo Zylo, el álbum “Zone Children” ha sido editado en formato digital y en una preciosa edición limitada de 100 unidades en cassette, 50 de ellas numeradas que incluyen una tarjeta plateada con efecto espejo, estando disponibles para su adquisición a través de la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con este atrayente diseño creado por el propio artista Arvo Zylo tanto en su portada como en el apartado fotográfico, su estética abstracta transmite solidez y trasfondo como reflejos visuales de la esencia musical atesorada en los cinco temas que vertebran este álbum, y con destellos del brutalismo arquitectónico en esta imagen de portada como señal directa de la Modernidad sobresaturando los espacios con irreversible firmeza. El dúo musical VODE presentó su álbum de debut “Two Rivers” (No Part Of It) en el año 2023 y, con su nuevo álbum “Zone Children”, muestran un gran salto creativo al abrir sus pilares sonoros a estilos conceptuales extraordinariamente integrados en estructuras musicales que impresionarán a los melómanos lectores de Lux Atenea por su maestría, y por sus contundentes muestras de talento en la composición. Y es que el espíritu experimental e innovador lleva moviendo a Leslie Keffer y a Arvo Zylo a nivel artístico desde el año 2003 y 2000 respectivamente, no dejando de ampliar su horizonte conceptual con esta brillantez mental del pionero dentro del mundo del Arte Musical, y esta experiencia y savoir faire se notan muy claramente en VODE. Por este motivo, escuchar atentamente cada uno de los temas que vertebran este álbum es de obligado disfrute para los melómanos entregados en cuerpo y alma a la vanguardia musical más relevante, lo que marca la diferencia, y lo que crea tendencias conceptuales con el paso de los años. VODE es un ejemplo muy claro de este virtuosismo en la perspectiva creativa dentro de la escena musical experimental. Sin duda alguna, “Zone Children” es una obra maestra que en un lustro, en una década, o en varias décadas, volverán a disfrutar escuchando porque este álbum es artísticamente impresionante.

Iniciamos la audición de este extraordinario álbum sumergiéndonos en la apertura dimensional del primer tema “Green Judgement”, fusionando ambient con electrónica experimental para pulir esta estructura sonora y lanzarla hacia un escenario saturado donde el drone es clave, tanto en su trasfondo nebuloso como en este cromatismo noise situado en un primer plano. La presencia instrumental irá pasando de fugaces pinceladas a un mayor protagonismo como quiebre de este monolítico pilar sonoro, desarrollándose los cambios en sus diferentes capas musicales dentro de un segundo plano y de forma sosegada, aunque lancen ocasionales destellos cercanos al industrial. Cuando “Green Judgement” se vuelva más desangelado pese a su angustiosa atmósfera sumamente activa, el plano noise comenzará a dar muestras de debilitamiento, primero intermitente y luego viendo su protagonismo un poco amortiguado en la composición, entrando en una progresiva pérdida energética como un motor de explosión al que le empieza a faltar el carburante. Y con la entrada sutil de lo melódico como réquiem del plano noise, todo terminará apagándose como un momento recordado cuya viveza va difuminándose. Posteriormente, el tema “Matilda’s Drum Kitchen” encantará al melómano lector de Lux Atenea afín a la escena dark ambient, ya que VODE va a orientar esta estructura musical hacia el minimalismo pero sin adentrarse en su cruda definición sonora. Esto será posible al derivar hacia definiciones conceptuales propias de la electrónica experimental, aproximándose incluso al post-industrial en su deconstrucción musical. Asentándose en esta secuencia propia del industrial que termina consolidándose en el eje principal de la estructura musical, cuando baja su intensidad de registro da paso a nuevos planos sonoros experimentales que aportan mayor profundidad y que, como destellos, dan mayor luz a toda la composición. En el ecuador del tema, el melómano se sumergirá en esta hipnótica espiral un tanto psicodélica que, incansable en su avance, con el paso del tiempo irá abandonando este primer plano para simplificar completamente la estructura musical hasta volverla extremadamente cálida en su influjo sonoro, como los rayos del Sol cayendo implacablemente sobre la superficie desértica.

La experiencia musical tendrá su continuidad con el tema “The Moon Room”, y este entorno ambient cercano a lo bucólico donde la oscuridad no provoca temor sino complicidad. Casi místico en su trasfondo, la aparición de planos sonoros industriales romperán completamente esa magia para llevarnos a un entorno distinto con el dark ambient tomando relevancia en su definición conceptual. Luego, lo selénico irá matizándose con planos sonoros que recrean los ruidos propios de la actividad nocturna, quedando todo en un segundo plano hasta convertir al melómano lector de Lux Atenea en un mero observador. Imparable, el tema “The Moon Room” no dejará de descubrirnos nuevos escenarios sonoros como tesoros escondidos, y que son mostrados por VODE con un sentido de la armonía que les provocará su más sincera admiración. La audición de “The Moon Room” es espectacular, al igual que el siguiente tema “Brass Hydrochroma”, con su brutal entrada sonora orquestada a través de oleadas cargadas de tragedia y de quebranto de una realidad completamente superada por el presente, por ese drama finalmente manifestado de forma violenta y contundente. Una corriente enfurecida que arrastra todo a su paso y al cual, toda oposición lo único que provoca es un incremento de su fuerza. A continuación, el tema “I’ll Be Here In The Morning (Townes Van Zandt)” cambiará completamente el escenario musical para clausurar este álbum con un vibrante plano sonoro como base sobre el cual apoyar su lírica en clave folk, notándose claramente la influencia de la artista Leslie Keffer en su perfilamiento. Sin duda alguna, “I’ll Be Here In The Morning (Townes Van Zandt)” es el verso suelto en esta obra a nivel conceptual, transmitiendo esa mirada al mundo con cierto poso melancólico y onírico en su declamación lírica. “Zone Children”, para poder conocer la vanguardia musical experimental más actual hay que escuchar al dúo estadounidense VODE, y este álbum es su más reciente obra, su más deslumbrante muestra de talento pionero en la composición sonora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
BBJr “THE ANTIQUE HEARTBEAT” (NO PART OF IT, septiembre 2025) (leer reseña)
SORRY FOR LAUGHING “SELECTED WORKS (2020-2025)” (NO PART OF IT, marzo 2025) (leer reseña)
CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

BBJr “THE ANTIQUE HEARTBEAT” (NO PART OF IT, septiembre 2025) (Reseña / Review #2292).

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Reseña Cultural nº: 2292 // Reseña Musical nº: 1479

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias el genial artista Arvo Zylo y a su prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Please Remove Me From This // 2- Bad Electricity // 3- And Back Again // 4- Big Stretch // 5- Dog Years // 6- The Whole of the Thing
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical de referencia dentro de la escena de vanguardia

Dirigido por el genial artista Arvo Zylo, el próximo lunes, día 1 de septiembre, el sello discográfico estadounidense No Part Of It volverá a deslumbrar a los melómanos más exquisitos por sus gustos musicales con la presentación oficial del impresionante álbum “The Antique Heartbeat” de BBJr, acrónimo del talentoso artista estadounidense de vanguardia Bob Bucko, Jr. “The Antique Heartbeat” será publicado en formato digital y en una espectacular edición limitada de 100 unidades en cassette con carcasa blanca esmerilada e impresión en color rojo hasta convertir esta edición en un auténtico lujo discográfico, incluso por su preciosa tarjeta interior, estando disponibles a través de la página oficial del sello No Part Of It en Bandcamp. Engalanado con un impactante diseño artístico a cargo de Grief Council, para su portada se ha elegido la obra “Dog X-Rays” por cortesía de Sarah V para poder reflejar de forma visual el alma experimental de vanguardia que fundamenta su esencia musical. Un diseño artístico y una imagen visual que impresionarán al melómano lector de Lux Atenea, sobre todo en su edición física en cassette. A nivel musical, la creatividad musical del artista estadounidense Bob Bucko, Jr. vuelve a deslumbrarnos con nuevas propuestas conceptualmente eclécticas tras haberse adentrado en nuevos terrenos sonoros, explorando equilibrios estructurales, embrujos melódicos, y texturas sonoras que brillan por primera vez gracias a su talento para componer dimensiones musicales inéditas. Vertebrado por seis espectaculares temas, en el álbum “The Antique Heartbeat” encontrarán composiciones perfumadas con aires cosmopolitas non-mainstream donde el jazz, lo experimental, el industrial, el noise, lo post-industrial… se funden en el fértil crisol de la vanguardia artística con esencia, con raíces, con fundamento, de ahí su conexión directa con el alma del melómano más selecto, exclusivo, y hedonista porque posee una cultura musical capaz de sentir el trasfondo artístico de estas obras innovadoras. “The Antique Heartbeat” es un álbum que desvela, que te ofrece nuevas perspectivas dentro de esta escena en constante evolución, y donde la mente creativa del multinstrumentista Bob Bucko, Jr. se está erigiendo desde la década de los noventa como uno de los artistas más destacados por la relevancia de su amplia obra musical. “The Antique Heartbeat” les hechizará, sobre todo si son de alma nocturna y tienen ese impulso existencial inconformista del outsider en busca de auténticos diamantes musicales inexplorados.

Iniciamos la audición de esta magna obra adentrándonos en el primer tema “Please Remove Me From This” con esta cortina sonora experimental donde las secuencias sonoras van apoderándose de tu mente, absolutamente sorprendida por este contundente despliegue musical psicológicamente posesivo. Una composición donde fluye ese pasado al cual se trata de arrinconar en la mente debido a su incompatibilidad con el presente, y cuya resistencia a quedar reducido a la nada en la memoria ha sido fielmente recreado a nivel musical en esta estructura sonora multicapa tensa, afilada, y con esas aristas que rasgan las emociones y los sentimientos que no desean ser manipulados. Como los melómanos lectores de Lux Atenea pueden comprobar, el tema “Please Remove Me From This” ya es una clara declaración de intenciones artísticas enfocadas a nuevos espacios, a trasfondos profundos, y todo orquestado hasta el más mínimo detalle por Bob Bucko, Jr. A continuación, el tema “Bad Electricity” será otra nueva expansión musical de intensa fuerza sonora, y con una personalidad conceptual basada en lo post-industrial llevado a su frontera con lo experimental, reconfigurando conceptos y definiciones para enriquecer esta escena y renovarla. La entrada de planos sonoros experimentales propios de la electrónica analógica abre su dimensión artística para romper barreras y dar paso a un entorno ruidísta en un primer plano, e inconmensurable en su trasfondo. Y con la aparición de pinceladas instrumentales propias del jazz, este collage urbano underground queda perfectamente conjuntado en una estructura sólida que destaca por su brillantez conceptual. Luego, su deriva hacia entornos sonoros propios del ambient nos conducirá a un mágico caleidoscopio musical más propio del reino de los sueños a nivel mental. ¡¡¡“Bad Electricity”, obra maestra!!!

El talento creativo del artista estadounidense Bob Bucko, Jr. seguirá fluyendo en el tema “And Back Again” para experimentar nuevas sensaciones musicales por él concebidas. Lenta y progresivamente, como la llegada de una locomotora antigua al andén de una estación de tren, “And Back Again” es una composición potente que se hace notar y que llevará al melómano lector de Lux Atenea a sentir la belleza sublime, pero en clave post-industrial, cambiando lo natural por la plasticidad mecánica que lo sobrepasa mentalmente y paraliza ante la magnificencia de lo observado. “And Back Again” te abre la mente, pero enfocando la atención a la acción mecánica, a la acción imparable, y a la visión de lo industrial como un ente vivo que muestra su poder sin importar la presencia de lo humano en el entorno porque es irrelevante, o simplemente una pieza más. Enganchados a su audición, cuando aparezcan planos sonoros más radiantes y melódicamente entrecortados, el entorno quedará algo más suavizado a nivel emocional hasta que la distorsión de lo melódico se coagule finalmente con la presencia de este nuevo cromatismo sonoro que nos conducirá al epílogo final de la composición. Cuando el tema “And Back Again” termine, el silencio aparecerá en nuestros oídos para que valoremos aún más la grandeza conceptual de lo escuchado, apareciendo el tema “Big Stretch” para sumergirnos en otro adictivo entorno musical sonoramente distinto a cualquiera de los temas anteriores. Aquí, el ambient y lo experimental se integran para perfilar un escenario musical de tempo acelerado donde lo instrumental queda perfectamente delimitado en este entorno ensombrecido, mientras una luz tamizada ilumina la parte sonora más relevante dentro de su estructura musical. Incluso con la entrada de este plano instrumental propio del jazz más experimental queda milimétricamente armonizado con el acelerado plano instrumental que nos viene acompañando desde el comienzo del tema. Una muestra más del talento en la composición mostrado por el genial artista Bob Bucko, Jr. Volviendo al escenario sonoro inicial, en “And Back Again”, el círculo musical quedará definitivamente cerrado.

“Dog Years” es una composición que destaca especialmente por su belleza siniestra, perfilando un escenario post-industrial donde el olor de lo decadente se respira con claridad. Una atmósfera saturada, casi irrespirable, unas actividades donde las chispas y el metal van apoderándose del presente para alejar inexorablemente al ser humano de cualquier manifestación de lo natural. Aquí todo es óxido, planchas de metal cortadas y soldadas, focos de iluminación dirigidos en medio de la oscuridad, y, sobre todo, esa esperanza en algo mejor a través de este impulso inquebrantable hacia un futuro cuyo temor obliga a estas acciones. A nivel sonoro, “Dog Years” es grandioso, espectacular, y encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea sobre todo si vienen de la escena industrial y post-industrial, apreciando cada detalle, cada matiz, cada pincelada sonora por extrema que sea. Por su intensidad musical y por su trasfondo, “Dog Years” es una auténtica delicia. La clausura de este álbum llegará con el tema “The Whole of the Thing” y su magia melódica en clave ambient y experimental. Un cambio musical absoluto respecto a cualquiera de los temas anteriores, y con una belleza sonora que lo acerca a lo sublime incluso con la llegada de afilados planos sonoros industriales, o de decadentes cromatismos instrumentales en clave jazz, e incluso, noir jazz. Sin duda alguna, “The Whole of the Thing” es el tema más reflexivo e introspectivo del álbum, y su elección como composición final del álbum ha sido todo un acierto, creando esta atmósfera tan especial para poner el punto y final a esta experiencia sensorial y musical única, inefable, y emocionalmente intensa. ¡¡¡Qué grandioso álbum!!! ¡¡¡Chapeau!!! “The Antique Heartbeat”, el artista estadounidense de vanguardia Bob Bucko, Jr. volviendo a demostrar cómo se puede componer un álbum musical de vanguardia de primer nivel, donde el eclecticismo conceptual es tan esencial como el talento para la armonización estructural sonora de la obra musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
SORRY FOR LAUGHING “SELECTED WORKS (2020-2025)” (NO PART OF IT, marzo 2025) (leer reseña)
CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SORRY FOR LAUGHING “SELECTED WORKS (2020-2025)” (NO PART OF IT, marzo 2025) (Reseña / Review #2272).

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Reseña Cultural nº: 2272 // Reseña Musical nº: 1459

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Seen by candlelight // 2- A howl in the park // 3- The necessity of good timing // 4- Milk wood (Polly’s song) // 5- Fate stars // 6- Nothing for everyone // 7- Seven stormy oceans (an Edward Lear dream) // 8- Friends forever // 9- Struck blind // 10- Twist ending – Shelf isolation // 11- Heart of the matter – The three roses // 12- Waterlow ode // 13- The second value moment
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 3- The necessity of good timing // 4- Milk wood (Polly’s song) // 7- Seven stormy oceans (an Edward Lear dream) // 8- Friends forever // 10- Twist ending – Shelf isolation

Presentado oficialmente a principios del pasado mes de marzo, el extraordinario álbum “Selected Works (2020-2025)” está vertebrado por una exquisita selección de temas musicales realizada personalmente por el genial artista estadounidense Gordon H. Whitlow, en exclusiva para el prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It. En mi reseña sobre el álbum “The Medici Poison Garden” de Crone of the Wildwood, ya recomendé a los melómanos lectores de Lux Atenea que se subscribieran a este sello discográfico de vanguardia dirigido por el talentoso artista Arvo Zylo, porque atesora auténticas joyas discográficas en su catálogo. Disponible en formato digital sólo para subscriptores a través de la página oficial del sello en Bandcamp, el álbum “Selected Works (2020-2025)” ha sido engalanado con esta espectacular portada donde su belleza cromática realza ese mensaje de soledad, y de estar constantemente en el filo de la navaja en este mundo mientras lo sublime irradia espiritualmente su esencia siniestra. Para poder ver este mundo desde lo alto, se ha de pagar el precio de la soledad absoluta, de la incomprensión, y del rechazo por ser un alma libre, y en lo más alto solamente se contempla lo sublime, aquello velado a los comunes, a los grises, a los intrascendentes. Como alma mater y líder de la banda musical Sorry For Laughing, el virtuoso artista experimental Gordon H. Whitlow ha ido desarrollando desde la década de los ochenta una vanguardia conceptual pionera cuya fascinación lírica y melódica impresionará a los melómanos. Cuarenta años de experiencia artística desarrollados no solamente en Sorry For Laughing, sino también en el proyecto musical Biota y en el colectivo artístico de vanguardia Mnemonists de la década de los setenta. Pero la banda musical Sorry For Laughing es muy especial, ya que en ella también han participado grandes artistas como Edward Ka-Spel (The Legendary Pink Dots), Martyn Bates (Eyeless in Gaza), el violinista Patrick Q Wright, y la guitarrista Janet Feder. Un magnetismo musical cuyos frutos han sido espectaculares en cuanto a innovación conceptual, en cuanto a creatividad en la composición, y en cuanto a brillantez en su interpretación con pasión. Esta alma musical irradia su belleza artística en el álbum “Selected Works (2020-2025)”, convirtiendo la escritura de esta reseña en uno de esos momentos inolvidables en Lux Atenea que recordaré siempre, hasta que la Dama Muerte me dé su beso en este mundo. ¡¡¡Gordon H. Whitlow, chapeau!!!

Iniciamos la audición de esta joya discográfica con el primer tema “Seen by candlelight” y su intensa apertura musical, apareciendo desde un principio su carácter conceptual donde la electrónica experimental oscila en su frontera con el post-industrial, el noise, y el industrial. Texturas rugosas, cortantes planos musicales, trasfondos sonoros alterados, van configurando esta estructura para llevarnos a una obscuridad en el entorno donde las sombras se mueven, y donde lo siniestro es muy sutil y delicado. Llegando a las puertas del tema “A howl in the park”, su apertura nos desvelará esta delicia melódica para piano acompañando a una lírica interpretada con cierto grado de timidez que le da un gran encanto. Con la misma magia melódica de un carrusel establecida en su estructura musical como trasfondo, “A howl in the park” tiene el punto de inocencia de una historia de misterio y luz, desplegándose con la paciencia de aquello que siempre termina en un inquietante epílogo, de ahí su siniestra parte final. “The necessity of good timing” dará continuidad a esta deriva con claroscuros, presentando una tensa y entrecortada melodía para piano que, con otro plano melódico para piano de largo tempo situado en un segundo nivel, provoca que la lírica quede entre sus dos aguas sonoras. La entrada de siniestros coros llevará al melómano lector de Lux Atenea afín a la escena gótica más experimental, a disfrutar de uno de los temas más excelsos de este álbum. ¡¡¡“The necessity of good timing”, tenebrosa joya musical gótica!!! Tras esta exquisitez obscura, el tema “Milk wood (Polly’s song)” ahondará en ese misterio en el entorno pero con una perspectiva conceptual ecléctica girando alrededor del dark ambient y del ambient, hasta que este último quede en un primer plano como luminoso pilar melódico hasta la aparición de la lírica interpretada con la débil calidez de una noche invernal. “Milk wood (Polly’s song)” es mágico, es casi mitológico en sus raíces musicales con pasado, y con esa mirada de fascinación que se perdió con la llegada de la Modernidad. En constante evolución musical, su espíritu melódico provocará que el melómano incluya este tema en su selección musical más personal y querida. ¡¡¡“Milk wood (Polly’s song)”, maravillosa canción!!!

Cambiando radicalmente de estilo, el tema “Fate stars” nos hará volver a lo experimental dentro de una dimensión mucho más minimal, desarrollándose su interpretación lírica como la historia contada por un trovador mientras la música va recreando cada uno de los escenarios descritos. De una obscuridad perfumada con melancolía, “Fate stars” tiene el encanto de lo vintage pero actualizado gracias a esta estructura sonora de vanguardia completamente alejada de convencionalismos. “Fate stars” es brillante y obscuro, reflejando esos brillos aperlados en tono gris que te alejan del presente, que te sumergen en otra época que nada tiene que ver con las tendencias musicales actuales y, curiosamente, “Fate stars” sigue sonando innovador. Esta es la magia artística de Sorry For Laughing, y “Fate stars” tiene atracción y magnetismo. Luego, el tema “Nothing for everyone” aparecerá con una solemnidad melódica casi ceremonial que derivará hacia terrenos experimentales en su definición instrumental. Con la aparición de un segundo plano melódico encargado de estabilizar su estructura musical, el giro conceptual nos conducirá hacia esta desestructuración controlada situada en el límite de su colapso sonoro hasta el final de la composición. Mantener esta tensión musical sin que todo se venga abajo es otra nueva muestra del espíritu creativo de vanguardia de Sorry For Laughing, teniendo a Gordon H. Whitlow como insustituible director de orquesta. “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” nos llevará directamente a este escenario tormentoso donde lo depresivo y el desasosiego son recreados melódicamente con este plano instrumental para violín. La entrada de la lírica interpretada con esos aires de tragedia asumida por su inexorable realidad, da al tema “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” ese plano artístico bajo donde luego brillar la belleza melódica del violín. Con reminiscencias irlandesas en parte de su definición sonora, “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” también incorpora pinceladas experimentales para evitar que pueda etiquetarse al tema como puramente folk. Su parte final… ¡¡¡una auténtica delicia!!! Posteriormente, “Friends forever” va a mostrarnos con una perspectiva artística donde lo gótico está presente de forma sutil en un principio, amalgamándose con este ambient de etérea esencia cuyas iridiscencias fascinarán a los melómanos que buscan armonía, mirada inocente, y limpieza mental en la definición artística de una composición, proyectando esa belleza ya perdida en la acelerada vida posmoderna actual de insensible piel de elefante. ¡¡¡“Friends forever”, aterciopelado tema!!!

Retornando a lo ceremonial con el tema “Struck blind”, se mantendrán las iridiscencias del tema anterior pero sin su inocencia tan característica, abriendo su estructura musical con una evolución más madura, más pesada, más asentada en lo terrenal y con un trasfondo de resignación, conservando “Twist ending – Shelf isolation” esa base ceremonial pero mucho más tímida. Situada como trasfondo, la quietud de esta composición y su minimalismo serán decorados con maestría con fugaces pinceladas sonoras experimentales, adquiriendo esa solemnidad de apagado espíritu como una asimilada espera. Fluyendo lo melódico como una suave niebla que va cubriendo todo el entorno, “Twist ending – Shelf isolation” termina desembocando en lo decadente a pesar de su vibrante cambio melódico, desarrollándose como si fuera el canto del cisne. Entrando la lírica con intensidad para reactivar toda la estructura, su siniestro halo irá desvelándose con progresiva claridad para encantarnos por su magnífica interpretación lírica e instrumental. ¡¡¡“Twist ending – Shelf isolation”, virtuosismo experimental!!! El tema “Heart of the matter – The three roses” saldrá completamente de esa dinámica musical para llevarnos a un escenario más urbano, acercándose al jazz en su definición instrumental que acompañará a esta lírica declamada, entrando planos sonoros ambient para cambiar absolutamente su estructura. Una transición conceptual rápida, armoniosa, fluida, que también se repetirá cuando pasemos a este estilo propio de las bandas sonoras puntualmente decorado con matices instrumentales metálicos, para luego entrar en un free style. “Heart of the matter – The three roses” es la transformación, la revolución conceptual consolidada con inmediatez sin que suponga en ningún momento un quiebre en su perspectiva musical. Desembocando con suavidad en “Waterlow ode”, esa visión alegre e inquietante del carrusel retornará pero mucho más siniestra que en el tema “A howl in the park”, y es que “Waterlow ode” es tenebroso hasta en sus planos melódicos, volviéndose un tanto diabólico y psicótico en su final. Con el tema “The second value moment” clausurando esta selección musical, el estilo ambient va a abrir los espacios pero dentro de una amplia bruma que desdibuja las formas y tamiza la luz, yendo poco a poco hacia un tenebroso estilo dark ambient casi sepulcral que se encaminará sonoramente a lo fantasmagórico. Con la entrada de la lírica, en su atmósfera musical se fusionará el dark ambient con cromatismos sonoros experimentales, manteniendo la atmósfera gótica con estos aires decimonónicos de ultratumba que, con la entrada del violín, presentará su máxima expresión artística. “Selected Works (2020-2025)”, el amplio y fascinante abanico conceptual desarrollado con sumo talento artístico por Sorry For Laughing a lo largo de todos estos años. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (Reseña / Review #2262).

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Reseña Cultural nº: 2262 // Reseña Musical nº: 1449

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Foxglove // 2- Oleander // 3- Mandrake
Datos técnicos: Álbum producido y masterizado por Zack Kouns y bobb hatt
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena post-industrial más avanzada

Sin duda alguna, el álbum “The Medici Poison Garden” de Crone of the Wildwood se ha convertido en una de las obras musicales que más me ha impactado dentro de la escena post-industrial por su avanzada perspectiva conceptual, y, estoy seguro que los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la vanguardia más relevante que adquieran esta excelsa obra, así reafirmarán mis palabras. Publicado oficialmente a principios del pasado mes de abril a través del prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It en formato digital solo para subscriptores, el álbum “The Medici Poison Garden” ha sido engalanado con este espectacular diseño a cargo del genial artista Ed Wilcox, quedando reflejado en su portada estos desvaríos psicológicos reflejados en los rostros que lo protagonizan, en esa pérdida del norte existencial, en esa amargura vital, en ese sentimiento profundo de soledad llevada al extremo en su caída a los infiernos interiores, proyectando un fuerte impacto visual donde quedan contrastados sus colores suaves y alegres con los gestos siniestros tan marcados en estos personajes. La tenebrosidad mortuoria más terrible no siempre está teñida de negro o con tonos muy oscuros, y la portada del álbum “The Medici Poison Garden” es un claro ejemplo de ello. Por este motivo, cobra sentido que una parte de sus temas musicales hayan sido grabados en el famoso túnel “The Gates of Hell” situado en la ciudad estadounidense de Columbus (Ohio). Formado por los talentosos artistas Zack Kouns (clarinete y harmonio), bobb hatt (saxofón), y Ed Wilcox (percusión), en “The Medici Poison Garden”, Crone of the Wildwood nos presentan un espectacular despliegue de vanguardia conceptual dentro de la escena post-industrial hasta llevarla a un nivel inalcanzable para muchos artistas y bandas musicales. La perspectiva creativa que perfilan y desarrollan, la impresionante interpretación de los tres temas que vertebran esta obra maestra, y la grandeza artística que ha quedado inmortalizada en este álbum, convierten a “The Medici Poison Garden” en una auténtica delicatessen musical para los melómanos amantes de la innovación sonora más avanzada. Con temas masterizados por los propios artistas Zack Kouns y bobb hatt, el pulido sonoro final es espectacular, siendo su audición un auténtico placer para quienes sentimos la esencia de la escena post-industrial desde lo más profundo de nuestra alma. Alma. Alma artística. Esto es lo que transmite el álbum “The Medici Poison Garden” con una pasión envuelta en belleza siniestra que les conmoverá durante su audición de principio a fin. Con estas joyas musicales, es mucho más que una recomendación que se subscriban al sello discográfico No Part Of It porque su catálogo artístico es impresionante.

Iniciamos la audición de esta obra maestra sumergiéndonos en el universo sonoro de Crone of the Wildwood inspirado en tres plantas venenosas (de ahí el título del álbum) con su primer tema “Foxglove”, donde la percusión adquiere esta proyección sonora espectral reforzada musicalmente con lánguidos pasajes instrumentales para saxofón y clarinete, creando este caleidoscopio sonoro de intenso efecto psicológico. Su estructura musical post-industrial llega a situarse en algunas partes de la composición dentro de la música contemporánea, pero su dimensionamiento espacial y su deformación sonora queda dentro de las fronteras conceptuales post-industriales por su esencia decadente y urbana, alcanzando esa libertad interpretativa únicamente logradas en otros estilos como el jazz y el jazz noir, y, llevado al mundo de la música electrónica, en el noise y en el power electronics. Además, a pesar de su aparente desestructuración musical, el tema “Foxglove” mantiene esa armonía y esa dinámica melódica que envolverá al melómano lector de Lux Atenea durante su atenta audición, porque rápidamente hace que concentres la atención sensorial en su escenario sonoro. Con una evolución artística que te causa admiración por su oscura belleza y por su interpretación tan pasional y descarnada, “Foxglove” parece surgido del interior de la tierra, pero no en su trasfondo infernal sino en su tenebrosidad ctónica, de ahí que el haber elegido la sonoridad del túnel para amplificar sus ecos musicales, convierten a esta composición en una auténtica delicia para quienes amamos la vanguardia conceptual más avanzada. Espectacular en su interpretación, sublime en su pulido sonoro final, grandioso por esta perspectiva creativa que irradia y seduce hasta alcanzar esa embriaguez sensorial de la cual no desearíamos salir nunca, el tema “Foxglove” también provocará esa dualidad mental en algunos melómanos donde atrae de forma irresistible, y también provoca esa alerta psicológica interior porque esta composición se adentra en lo siniestro, en lo mortuorio, en ese lado obscuro que también forma parte de lo humano, y que muchas veces a lo largo de la Historia se ha unido a lo maléfico y a lo demoníaco. ¡¡¡“Foxglove”, excelso tema!!!

Posteriormente, en “Oleander”, Crone of the Wildwood ahonda en lo engañoso, en el espejismo, en esa apariencia que oculta lo peligroso y mortal, presentando esta proyección melódica oriental cuyos vapores perfumados tratan de aturdir a la Razón y a la Lógica para caer en la confianza de lo aparentemente obvio y bello. Una belleza que atrapa, que sonríe, que pide que te dejes llevar por sus destellos iridiscentes, y que mata, porque esa es su verdadera esencia: la muerte. Hasta su contacto es letal, hasta sus caricias son lesivas, hasta su perfume parece creado por una cruel hechicera, y, en el tema “Oleander”, han quedado fielmente recreados con una elegancia conceptual que provocará la más profunda admiración en los melómanos lectores de Lux Atenea. Una joya musical para disfrutar, para sentir, para experimentar a nivel mental porque “Oleander” es espectacular por este contraste absoluto entre la calidez y la sombra de la muerte. Mucho más intenso y dinámico que el tema “Foxglove” tan obscuro, aquí la magia interpretativa de Crone of the Wildwood fascina por su experta definición musical donde se funde lo oriental con lo occidental, hasta crear algo completamente nuevo en este crisol sonoro tan creativo y radiante. Conduciéndonos directamente hasta el tema “Mandrake”, de nuevo, el cambio en el escenario musical se hará presente con esta nueva perspectiva artística marcada por lo tenebroso y lo misterioso. “Mandrake” extenderá el telón de clausura de esta obra maestra con un perfilamiento que nos lleva a dimensionamientos instrumentales propios de la música tradicional japonesa, pero llevada al siglo XXI dentro de la escena post-industrial. Para concebir esta composición, lo primero que hay que tener es mucho talento y una gran experiencia en la composición musical de vanguardia, y, posteriormente, una pasión y un virtuosismo en la interpretación instrumental que solamente fluyen con esta autenticidad y profundidad artística cuando emana desde el alma. El tema “Mandrake” es el más contundente y espectacular de este álbum, y el más siniestro con diferencia porque tiene también como trasfondo lo mágico. Ese lado humano tan tenebroso que se pierde en el principio de los tiempos cuando, como especie, comenzó a conocer aquello que existe mucho más allá de lo observable y de lo aparente, encontrando en el entorno aquellas sustancias enteógenas que le permitían ver y sentir esa otra realidad oculta, cambiando completamente su mente y su perspectiva existencial. Es admirable cómo Crone of the Wildwood ha logrado recrear ese trasfondo esotérico en lenguaje musical en este tema, además de su lado mortuorio. “The Medici Poison Garden”, la esencia conceptual post-industrial llevada a su virtuosismo absoluto tanto en su definición estructural y musical, como en su mirada creativa tan adelantada a su tiempo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
“LA PERCEPCIÓN DIVINA. EL SIGNIFICADO RELIGIOSO DE LAS SUBSTANCIAS ENTEÓGENAS”, HUSTON SMITH (leer reseña)
“HISTORIA DE LA MUERTE EN OCCIDENTE”, PHILIPPE ARIÈS (leer reseña)
“LA NATURALEZA Y SUS SÍMBOLOS. Plantas, flores y animales” (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.