“KAGEMUSHA, LA SOMBRA DEL GUERRERO (影武者)”, 1980 (Reseña / Review #1689).

Reseña Cultural nº: 1689 // Reseña Media nº: 42
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 23 de noviembre del año 2010 conmemorando el centenario del nacimiento del genial director de cine japonés AKIRA KUROSAWA (1910-1998), y los 30 años de la presentación oficial de esta sublime película (1980).

Director: AKIRA KUROSAWA
Guión: AKIRA KUROSAWA y MASATO IDE
Año: 1980 Duración aprox.: 152 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. Año: 2007
Formato: 2 DVD (EDICIÓN COMPRADA)

KAGEMUSHA LA SOMBRA DEL GUERRERO AKIRA KUROSAWA

Galardonada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes del año 1980, y con el César a la Mejor Película Extranjera otorgado por la Academia de las Artes y Técnicas del Cine de Francia en 1981, “Kagemusha, la Sombra del Guerrero” es una película que la crítica especializada ha valorado como una auténtica obra maestra dentro del universo cinematográfico. De la mano del genial director de cine japonés Akira Kurosawa, a quien admiro profundamente por la calidad artística que siempre ha presentado en cada una de las maravillosas obras que ha rodado, el cinéfilo lector de Lux Atenea que decida asistir a este gran espectáculo visual de la imagen concebida como una obra artística, comprobará con sus propios ojos cómo el color, el movimiento, la coordinación, las tomas, los encuadres… acaban convirtiéndose en la radiante alma de esta película que le dejará fascinado por su sublime belleza. Situada en Japón durante el periodo feudal, su trama está basada en la búsqueda de un doble que pueda hacerse pasar por un poderoso señor feudal ante su inminente muerte, evitando con ello la pérdida de sus dominios. Finalmente encuentran como doble a una persona con un pasado poco honorable, reconduciendo su vida como respetado señor de la guerra. Un ladrón que, de la noche a la mañana, se le presenta una oportunidad única en la vida para renacer y para cambiar su aciago y triste destino a través de una nueva existencia que le otorga sentido vital y orgullo. Pero la vida cotidiana de un poderoso señor feudal también está llena de compromisos, de decisiones importantes que ha de tomar como gobernante, y de inevitables peligros que ha de esquivar, y que le llevarán a replantearse muy seriamente si continúa protagonizando este teatro de la realidad.

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Cuando en España empezó la expansión del formato de vídeo doméstico VHS y de los videoclubs, aparte de alquilar las películas más interesantes del momento, también me aficioné a alquilar películas japonesas debido al fascinante mundo cinematográfico que me mostraban. Unos largometrajes que me cautivaron artísticamente por el cuidado de la imagen y del color como parte plástica fundamental que da sentido a la obra. Con personajes interpretados magníficamente por actores que, viniendo de una esencia artística puramente teatral, daban vida y alma a sus personajes utilizando gestos y expresiones nada comunes en el resto de películas occidentales. Ese estilo tan característico en muchas películas japonesas de la época te obliga a fijar la mirada atentamente en sus personajes, mientras la escena nos ofrece ese ambiente único y bello como solamente los grandes directores japoneses son capaces de inmortalizar dentro del Séptimo Arte. Sobre todo, en tomas exteriores donde la naturaleza, el ser humano, y lo urbano, son considerados como una belleza fugaz que es grabada en fotogramas tras una paciente espera. Y es que no hay nada mejor que la belleza circunstancial y efímera que nos rodea para dar realismo y credibilidad a una trama, independientemente del escenario donde se desarrolle. Como analista cultural, así veo y siento la grandeza del cine japonés a la hora de convertir el escenario y el personaje en el diario de la existencia humana, ya sea en su carácter externo o en su universo personal interior. Uno de estos directores con ese virtuoso don artístico para poder reflejar la belleza en imágenes fue Akira Kurosawa, y en este año 2010 que en Lux Atenea estoy conmemorando el centenario de su nacimiento, es todo un honor y un placer escribir esta reseña sobre una de sus mejores películas: “Kagemusha, la Sombra del Guerrero”. Los tiempos han cambiado radicalmente desde los tiempos del VHS, con todos esos mágicos momentos que me llevaban a buscar una película japonesa en el videoclub y alquilarla sin saber qué te ibas a encontrar luego. Regresando a la actualidad, en esta preciosa edición en doble DVD podrán no solamente admirar esta grandiosa película, sino también conocer un poco más sobre la carrera cinematográfica de este genial director gracias a los extras aquí incluidos (entrevistas con George Lucas, Francis Ford Coppola, y Kurosawa; Akira Kurosawa: es maravilloso crear; Imágenes: la continuidad de Kurosawa…). “Kagemusha, la Sombra del Guerrero”, el color, el movimiento, y los gestos interpretativos convierten a este largometraje en una película de culto dentro del cine japonés más selecto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

KAGEMUSHA LA SOMBRA DEL GUERRERO 1980

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“BATTLE ROYALE”, 2000 (Reseña / Review #1683).

Reseña Cultural nº: 1683 // Reseña Media nº: 39
Reseña actualizada. Publicada el 19 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Kinji Fukasaku
Actores principales: Takeshi Kitano (Profesor Kitano), Ko Shibasaki (Mitsuko)
Año : 2000 Duración aprox.: 114 minutos
Publicado por: MANGA FILMS, S.L.
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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“Al inicio del milenio, la nación sufrió una profunda crisis. Con un quince por ciento de desempleo, diez millones de personas quedaron en paro. Ochocientos mil estudiantes boicotearon los institutos. Los adultos dejaron de confiar en la juventud y empezaron a temerla. Finalmente, se aprobó la ley de la reforma educativa del milenio, también conocida como ley B.R”. Con este prólogo comienza la película “Battle Royale”. Frente a una situación cercana a la anarquía en el sistema educativo, se ha aprobado la ley B.R. Los alumnos que son sometidos a la ley Battle Royale, son reunidos en un grupo del cual solamente sobrevivirá uno y la clase B de un instituto ha sido seleccionada. Cuarenta alumnos a los que se les unirá dos incorporaciones sorpresa. Desorientados por esa amarga sorpresa y bajo control militar, son tratados como animales y soltados en un medio hostil cuya ley es la ley de la jungla, la ley del más fuerte. ¿O del más listo? ¿O del que tiene más suerte? ¿O del psicópata más insensible? Ya se verá. Este grupo ha sido trasladado a una isla y cada alumno tiene un collar explosivo en el cuello que se activará cuando las normas se incumplan, teniendo avisos cada seis horas que les informan sobre las zonas peligrosas en la isla. Unos lugares que, una vez activados, estar allí supone la muerte segura. En aquella isla permanecerán durante tres días, pero en ese periodo de tiempo solamente se puede salvar uno de ellos, y si sobreviven más de uno, todos los collares explotan. A cada uno de ellos se les ha dado una mochila de supervivencia que incluye, aparte de comida y objetos para el aseo, un arma aleatoria que puede ser un subfusil, una pistola automática, un revolver, una escopeta, una espada, una ballesta, una navaja… Y en la isla, todo vale, no hay reglas salvo la supervivencia de una única persona. La confusión, la tensión, y el miedo a perder la vida serán los tres factores principales para desencadenar los actos más salvajes y violentos. En un escenario así, ¿confiarías en tu mejor amigo? ¿y en una persona con una actitud inocente? ¿y en palabras que hablan de paz y amor? Además, ¿crees que la unión, la fraternidad, y el amor triunfarían en un entorno tan salvaje? ¿Cuál es la verdadera cara del ser humano? ¿Triunfarán el instinto de supervivencia y los pensamientos más egoístas? ¿Es el débil, una presa fácil?

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El actor japonés Takeshi Kitano en el papel del profesor Kitano, se presenta frío, estricto, firme, y con una pesada mochila a la espalda llena de cargas emocionales, destacando sobre todo su mirada y su impasibilidad. Pero Takeshi Kitano comparte protagonismo con otra magnífica actriz como Ko Shibasaki en el papel de una de las alumnas llamada Mitsuko. Una dulce joven que, guadaña en la mano, ve cambiadas sus prioridades en la vida radicalmente. La imagen de Mitsuko impactará al cinéfilo lector de Lux Atenea y, en algunas escenas, llega incluso a cruzar los límites del cine de acción para pasar por unos instantes al cine de terror. Ko Shibasaki tiene grandes cualidades artísticas para destacar como actriz ideal a la hora de dar vida a personajes cargados de intensidad y emotividad porque, en el reino de los gestos, los japoneses son auténticos genios hasta convertir los movimientos y las expresiones corporales en puro arte. Mediante el uso de esta técnica, los gestos de los personajes transmiten al espectador la tensión en la acción que transcurre en cada escena, haciendo que lo viva mucho más intensamente. A nivel sonoro, la Música Clásica que se ha utilizado como banda sonora de la película se revela como un contrapunto necesario para dar ese contraste que realce los actos de violencia. Su paralelismo con la película “La naranja mecánica” (1971) es inmediato, destacando también en su época por su brutal violencia. Música Clásica y violencia, la sensibilidad y lo salvaje configurando dos caras de una misma moneda para exaltar la barbarie.

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Dirigida por Kinji Fukasaku, en el momento de rodar esta película tenía setenta años de edad y “Battle Royale” es su película número sesenta. Un artista admirable al cual la edad no le impide seguir desarrollando su creatividad audiovisual, y es digno de elogio verle con estas ganas en el ‘making of’ incluido en los extras del DVD, sorprendiéndonos con este derroche de energía y vitalidad que más quisieran poseer algunos artistas mucho más jóvenes. En su labor como director, tras muchos años de experiencia de rodaje a sus espaldas se ha convertido en todo un maestro del cine de acción con dosis altas de violencia y, en esta obra cinematográfica, la sangre es utilizada sin tener que hacerla correr como auténticos ríos, como así acostumbran a usarla normalmente en muchas otras películas orientales dentro de esta temática. Esto hace que “Battle Royale” sea una película violenta, pero sin llegar a saturar por su exceso de sangre gratuita hasta llegar al gore. En este atrayente largometraje distópico destacan escenas como cuando aparece la cara de una ganadora de la prueba al inicio de la película, la escena del autobús donde todos los alumnos se quedan dormidos menos uno, la escena donde rueda una cabeza con casco y una bonita dentadura, y, sobre todo, destacan las escenas en donde aparece la imagen del video explicativo de Battle Royale y la isla donde van a ser confinados, siendo un guiño al mundo freaky. ¿Alguien se atreve a cuchichear? Como apunte final, comentar que su final sigue la misma línea de las últimas creaciones cinematográficas japonesas incluyendo, como no, esta rayada. Así es la impredecible creatividad del país del Sol Naciente, siempre sorprendente. “Battle Royale”, el juego ha comenzado en esta distopía futurista llena de acción, violencia, y muertes, muchas muertes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SHO-U TAJIMA / EIJI OTSUKA “MPD PSYCHO VOL. 1 y 2” (Reseña / Review #1678).

Reseña Cultural: 1678 // Reseña Cómic: 25
Reseña actualizada. Publicada el 20 de enero del año 2010 en Lux Atenea.

Publicado por: EDICIONES GLÉNAT ESPAÑA, S.L.
ISBN: 84-8449-988-X / 84-8449-989-8
Edición: 2006 (EDICIÓN COMPRADA)

MPD PSYCHO VOL 1 y 2

“MPD Psycho” es un manga de culto no apto para mentes sensibles, ya que destaca por su crudeza visual y por su remarcado carácter macabro. Una saga donde lo impactante y lo sobrecogedor se encuentran mezclados con escenas subidas de tono. En sus páginas, el culto lector de Lux Atenea afín al cómic experimental y transgresor encontrará crímenes horrendos, filias extremas e inconfesables, violencia visual sin filtro moral alguno, y ausencia de cualquier escrúpulo en la ejecución de los trágicos hechos acontecidos. Verán la saga “MPD Psycho” como una obra sin paralelismo alguno dentro del amplio y variado universo manga. El tabú, lo fetichista, lo sádico, la ruptura de las barreras morales y éticas como fuentes de éxtasis, la visión de otras personas como seres creados para ser manipulados… marcan profundamente la trama de esta saga, siendo el protagonista principal de esta obra el inteligente investigador Yôsuke Kobayashi que padece la enfermedad llamada Trastorno de Identidad Disociativo (MPD, Multiple Personality Disorder). Posee múltiples personalidades en su mente, cada una de las cuales tiene una identidad propia que las distingue del resto y que se van alternando entre periodos intermedios de amnesia. De este modo, en “MPD Psycho” asistirán a la transformación psicológica de su protagonista en diferentes identidades, cada una de las cuales tiene un nombre: Yosuke Kobayashi, Kazuhiro Amamiya, Shinji Nishizono, Kiyoshi Murata, y Mina Amamiya. Compartiendo un mismo cuerpo, su perfil y sus rasgos psicológicos se manifestarán de forma muy distinta y radical en cuanto se adueñan de la mente del protagonista que, en esta serie de reseñas que voy a publicar sobre la saga al completo, me referiré como Yosuke Kobayashi para no volvernos locos. Condenado en un juicio a pena de prisión por haber matado a un asesino en serie por venganza, cuando años después sale de la cárcel es contratado por la agencia de investigación criminológica privada Isono. Pero hay psicópatas que le ven como uno de los suyos, y se sorprenden al verle luchando contra ellos en el bando contrario.

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Con un estilo artístico idóneo para reflejar con verosimilitud esos pensamientos propios de mentes depravadas con todas sus obsesiones y fijaciones, el realismo que presentan estos dibujos los sitúan muy por encima del estilo clásico seguido en otras sagas dentro del manga japonés. En “MPD Psycho” comprobarán cómo se hace hincapié en el detalle a través de viñetas creadas exclusivamente para ello. Además, la capacidad de absorción psicológica que tiene la trama de “MPD Psycho” les impresionará. Caracterizado por su estilo narrativo y visual muy cercano a los storyboard cinematográficos, por méritos artísticos propios, esta obra se ha encumbrado en lo más alto del universo manga dentro del thriller y del suspense. Vertebrado con viñetas escasamente decoradas, aquí todo se centra en el perfil de los personajes involucrados en cada escenario, y serán los gestos y las actitudes los que nos llevarán a sumergirnos en la trama de estas historias tan brutales. El realismo de los escenarios tanto los urbanos como en interiores dejará al culto lector de Lux Atenea muy sorprendido, y en una atmósfera tan moderna y actual es fácil adentrarse en la trama de estas historias donde el suspense es constante, encontrando la sorpresa en cada página. Pero “MPD Psycho” es estéticamente muy macabro y extremo, y con escenas e imágenes muy duras. Por ejemplo, la cabeza cortada de una de las víctimas colgando de un árbol, el envío por agencia de transportes de la novia desmembrada del protagonista (¡¡¡estando aún viva!!!), o con la visión de varias chicas aun vivas mientras crecen plantas en flor en su cerebro. En estos dos primeros volúmenes de la saga, el lector presenciará los horrendos crímenes llevados a cabo por asesinos en serie como Hisashi Shimazu (descuartizador), Tomoyo Tanabe (caníbal), Suguru Ueno (le gusta plantar semillas de plantas con flores en los cerebros de sus víctimas como si fueran macetas humanas)… y conocerá a personajes tan obscuros como Akira Moriizumi y Zen´Itsu. En todos estos casos encontrarán dos constantes siempre presentes: la imagen y/o la música de Lucy Monostone, y que todos los asesinos en serie tienen un misterioso código de barras impreso en el globo ocular izquierdo. Indiscutiblemente, este manga no pasará desapercibido para los amantes de la novela negra y del cómic más siniestro. “MPD Psycho”, y déjense intrigar por estos crímenes aislados protagonizados por psicópatas a los que algo misterioso parece unirlos en un punto común. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“CLOVER” CLAMP (Reseña / Review #1674).

Reseña Cultural: 1674 // Reseña Cómic: 21
Reseña actualizada. Publicada el 12 de abril del año 2009 en Lux Atenea.

Publicado por : Mangaline Ediciones, S.L.
ISBN: 84-95941-02-3 / 84-95941-10-4 / 84-95941-19-8 / 84-95941-26-0
Edición: 2002 (EDICIÓN COMPRADA)
“CLOVER” es una creación del colectivo CLAMP.

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“Si de 4 hojas un trébol encuentras, la felicidad te dará. Tan sólo deseo darte la felicidad, sabiendo que nunca seré tuya para poder compartirla.”. Este es el prólogo que encontrarán en la portada de cada tomo de esta impactante saga manga. Como analista cultural, dentro del manga la vertiente llamada Shojo Manga (manga para chicas) no me ha llegado del todo a convencer en su concepto y trasfondo porque me parecen muy parecidas unas historias con otras, unos personajes con otros… salvo en el caso en particular de “Clover”. De por sí, dentro del manga, hasta ahora es la única saga que he comprado al completo hasta la reciente aparición de “Sidooh”, cuya serie de entregas espero poder reseñar en Lux Atenea. Vertebrado por cuatro tomos publicados en España por Mangaline, esta cuidada edición tiene una presentación de auténtico lujo con estas sobrecubiertas en papel vegetal (nada común en estas ediciones) que cubre la portada y la contraportada. Junto al uso de tintas en tonos no muy comunes en estas publicaciones, y con un diseño de portada bastante revolucionario y avanzado, la saga “Clover” atraerá al culto lector de Lux Atenea apasionado con el cómic de vanguardia engalanado con imágenes estéticamente fetichistas. Una estética visualmente magnética y equilibrada a lo largo de toda la saga “Clover”, pero es en sus páginas interiores donde les estará esperando lo mejor: su trama.

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“Clover” es una creación del colectivo CLAMP de cuya mano provienen su historia, presentación, y diseño. La historia ha sido concebida por Nanase Ohkawa, siendo Mokona Apapa la encargada de llevar esta saga a muy buen término artístico gracias a la ayuda de las asistentes Satsuki Igarashi y Mick Neroi. Pero, ¿qué es CLAMP y quienes lo forman? CLAMP es el nombre que escogieron un grupo de once jóvenes japonesas aficionadas al Shojo Manga, y cuyos primeros trabajos artísticos estaban siendo publicados en magazines y fanzines underground dentro de este sector editorial non-mainstream japonés. En el año 1987, a la primera oportunidad que se les presentó rompieron moldes con su saga “Shining Star”, y tras el éxito conseguido llegarían nuevos laureles con míticas creaciones como “RG Veda”, “X”, “Tokio Babylon”… En el año 1990, el colectivo CLAMP ve reducido su número a cuatro personas (Nanase Ohkawa, Mokona Apapa, Satsuki Igarashi y Mick Nekoi), equipo que permanece estable a día de hoy. CLAMP es un colectivo artístico muy particular que es admirado en Japón, y que se caracteriza por su altísima producción, por su gran imaginación y tesón, encargándose de realizar íntegramente todo el trabajo de cada nueva saga que crean. Como curiosidad, las chicas de CLAMP viven juntas compartiendo la misma vivienda y se desconocen sus identidades, al no dejarse ni fotografiar ni grabar por los medios de información para poder seguir disfrutando del anonimato. En referencia a la saga “Clover”, aquí vertebran con suma inteligencia y sensibilidad esta historia donde nos narran un enredado asunto considerado alto secreto por el gobierno. Un Consejo, formado por cinco Hechiceros, dan cuerpo a un parlamento secreto encargado de mover los hilos del gobierno desde la sombra. En este escenario, una difícil misión ha de llevarse a cabo y Kazuhiro Fei Ryuu, perteneciente al ejército, ha sido seleccionado para cumplirla: tiene que escoltar a una joven muy especial llamada Suu hasta su destino. Suu es una muchacha de ojos verdes y mirada perdida cuyo nombre significa en chino “4”. Suu es un ‘trébol de cuatro hojas’ y su destino está marcado por la soledad. Cuatro libros, cuatro hojas, un trébol de cuatro hojas, y un proyecto, el Proyecto Hoja de Trébol donde se investigan a niños con poderes sobrenaturales y que son clasificados con un número de hojas en una escala de uno a cuatro. Cuantas más hojas, mayor poder, y los que están marcados con más hojas tienen la particularidad de poder detectar a los que poseen un número menor de ellas. Una ley inmutable rige este mágico mundo: se necesitan cinco hechiceros para hacer frente a un trébol de tres hojas. Tréboles y magia, una relación que el culto lector de Lux Atenea podrá ir desvelando mientras avanza en esta enigmática historia página tras página.

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Los compañeros de Kazuhiro Fei Ryuu son el teniente coronel Gingetsu (que interferirá en la misión con motivaciones un tanto obscuras) y Ran (que vive con Gingetsu desde hace unos años). Kazuhiro Fei Ryuu tiene como medio de defensa un arma incorporada en su mano derecha artificial, y habrá que enfrentarse con tenacidad a Azurait, los cuales tratarán por todos los medios de apropiarse de la chica. Su líder llamado Balls “Leopardo Blanco” es un enemigo visceral de Kazuhiro, del cual guarda en la cabecera de su cama un trofeo muy especial. La sociedad en la cual se desarrolla la trama de “Clover” es tecnológicamente muy avanzada, e impacta esta combinación de diseño futurista de claro corte oriental con otro más geométrico que es decorado con pinceladas estéticas góticas. Aquí la tecnología es presentada con una imagen de aspecto decadente y, como ejemplo, nada mejor que observar ‘el invernadero’, un palacio de cristal poblado por autómatas. Otro claro ejemplo de este decadentismo visual es ‘el parque de las hadas’, un parque de atracciones en desuso construido en una plataforma elevada sobre el mar. Un trasfondo metafórico muy directo para poder comprender a estos obscuros seres con vidas encadenadas, y a lo largo de toda la historia una constante: una canción y una cantante llamada Oruha.

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“Clover” está vertebrado por cuatro volúmenes, y cada uno de ellos viene estructurado por una serie de minicapítulos nombrados con palabras-símbolo que articulan esta trama de forma clara. A nivel visual, estas páginas se encuentran despejadas con esa sinceridad artística que huye de la sobrecarga barroca sin trasfondo emotivo. En sus solapas se encuentran poéticas palabras que engalanan cada tomo con gran belleza, y el placer visual que provoca la observación de cada página asegura futuras relecturas porque “Clover” es amor con tintes siniestros que se rinde a la importancia de los gestos. Una historia delicada como una pluma, sensitiva, dramática, sensualmente estética, y cuyo guión está coloreado líricamente con esencia poética en estas alegorías eternas. “Clover”, la prolongada y dificultosa búsqueda de la felicidad en una sociedad futura altamente tecnificada. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

CLOVER - CLAMP

Félix V. Díaz
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“BLOOD, EL ÚLTIMO VAMPIRO”, 2000 (Reseña / Review #1673).

Reseña Cultural nº: 1673 // Reseña Media nº: 37
Reseña actualizada. Publicada el 14 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por : Hiroyuki Kitakubo
Año: 2000 Duración aprox.: 48 minutos
Publicado por: SELECTA VISIÓN
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

BLOOD EL ULTIMO VAMPIRO DVD

Años sesenta. Japón. Una serie de misteriosas muertes ha activado las alarmas de una organización secreta, desatando las sospechas de un posible despertar de seres maléficos. Esta misma organización cuenta con la ayuda de una destacada agente. Su nombre: Saya. Saya es encanto y determinación, frialdad y estado de alerta, la soledad en permanente estado de abstracción y con ojos tan brillantes como el filo de su katana. La realidad del mundo va en dirección contraria a la suya y, mientras tanto, en el centro educativo de una base estadounidense en territorio japonés se preparan para celebrar la noche de Halloween, pero será una noche muy movida y una celebración muy especial para algunos de ellos. Tras el éxito del mítico largometraje “Ghost In The Shell” (1995), “Blood, El Último Vampiro” se ha convertido en la primera película de animación digital, además de haber sido publicada en el año 2000 en novela, película, videojuego para Playstation 2 y, a finales de ese mismo año, haber sido llevada al mundo del cómic gracias al impecable trabajo de Kenji Kitayama escribiendo su guión y de B. Tamaki a cargo de la ilustración. La película “Blood, El Último Vampiro” fue dirigida por Hiroyuki Kitakubo, producida por el legendario Mamoru Oshii y su equipo (míticas películas “Ghost in the shell” y “Patlabor”) bajo el guión de Katsuya Terada, aunque esta historia había sido creada por el propio Mamoru Oshii. Tanta calidad artística unida en este proyecto cinematográfico ha hecho de “Blood, El Último Vampiro”, una película espectacular, una película de animación que impresiona por su trama y realismo. Sostenida a nivel musical por estos magníficos temas compuestos por Yoshihiro Ike, se convierte en el reflejo fidedigno de las diferentes emociones, tensiones, y circunstancias desarrolladas en cada escena, hasta conseguir que “Blood, El Último Vampiro” se convierta en una película de recogimiento y concentración, como así podrán disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta edición en DVD. El diseño ha corrido a cargo de Shinji Takagi, ofreciendo estos perfiles aterradores remarcados en el trazo que son tan característicos en esta película, y que refuerzan el equilibrio de estas escenas tan bien elaboradas. Y es que lo sutil se convierte en arte en “Blood, El Último Vampiro”, mientras los movimientos de cámara evolucionan y se fijan en planos que dan a la acción, una intensidad explosiva muy definida visualmente, motivo por lo cual recomiendo muy especialmente el ‘Making off’ incluido en los extras de este DVD por su interés artístico.

DVD BLOOD EL ULTIMO VAMPIRO

Si entramos en el universo de la ilustración y del dibujo en cuanto a texturas y detalles en esta película, los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán perplejos ante tal despliegue de calidad. La luz, los reflejos, los cambios en los tonos de los colores tras ser iluminados, ofrecen una realidad virtual apoyada en un amplio uso del diseño en 3D magistralmente integrado con diseños en 2D. Los ambientes, las atmósferas, atraen el interés del espectador con detalles que impresionan al verlos como los reflejos de las luces nocturnas sobre el cristal de la cabina del helicóptero, o el detalle de los agujeros de bala en la chapa del hangar a través de los cuales Saya mira al exterior, el realismo de la luz de los fluorescentes, de la trompeta de uno de los músicos de la orquesta, del humo del cigarrillo que fuma una de las prostitutas… De esta forma, “Blood, El Último Vampiro” presenta una sucesión de escenas que quedarán imborrables en la mente del espectador, y todo este arte es fruto del talento creativo llevado al cine de animación. Es todo un espectáculo ver este avión de transporte C-130 despegando de la base aérea, ver al diabólico ser sobre el hangar ardiendo, observar la fiesta que se está celebrando en la noche de Halloween con la pista llena de gente bailando, o disfrutar de otras escenas como la del vigilante del parque móvil, ofrecen esos contrapuntos insustituibles en toda película de animación seria. Tras haber terminado de ver y analizar esta película, una impactante imagen queda en mi memoria: el rostro de Saya con el brazo estirado y sangrando. El suburbano está a punto de echar el cierre, en un convoy sólo quedan dos pasajeros en uno de los vagones, las luces se apagan, y la suerte está echada mientras la investigación sigue su curso. “Blood, El Último Vampiro”, una antigua maldición, y los demonios han regresado y están sedientos de sangre. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

BLOOD EL ULTIMO VAMPIRO

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SERIAL EXPERIMENTS LAIN” (Reseña / Review #1672).

Reseña Cultural nº: 1672 // Reseña Media nº: 36
Reseña actualizada. Publicada el 23 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: NAKAMURA
Guión: CHIAKI KONAKA
País: Japón Año: 1998 Productora: PIONEER LDC
Duración aprox.: 325 minutos
Publicado en España por: SELECTA VISIÓN S.L.U. Año: 2009 Formato: Caja de 4 DVD+CD más extras, edición coleccionista de 1500 unidades numeradas (EDICIÓN COMPRADA)

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La empresa Selecta Visión ha publicado esta lujosa caja edición limitada numerada de la serie de animación de culto “Serial Experiments Lain”, incluyendo 3 DVD´s con los trece capítulos de la serie, DVD con extras, CD con su banda sonora original, un libro de 48 páginas con ilustraciones y diseños, y una lámina y un cómic manga inédito de 20 páginas creados en exclusiva por Yoshitoshi Abe sólo para esta preciosa edición. Pero, ¿qué hace tan atrayente y especial a esta serie de animación japonesa para ser reseñada en Lux Atenea? “Serial Experiments Lain” me fascinó hace años visualizando su primera edición en España en cinta de vídeo VHS por sus avanzados ambientes modernos (ahora posmodernos) que son propios de una gran ciudad cosmopolita. Secuencias iridiscentes que incitan a la reflexión, mientras el bullicio y las relaciones personales quedan reducidas a un pequeño grupo socialmente uniforme, y con los pensamientos de la mayoría de las personas basados en estereotipos socialmente establecidos. “Serial Experiments Lain” es la presencia de lo teológico, de Dios y la muerte en una deslumbrante serie de animación, y con la soledad y la sensibilidad interior de quienes son marginados socialmente por pensar de manera distinta a lo cotidianamente aceptado. “Serial Experiments Lain” es la influencia de Internet (llamado Wired en esta serie) condicionando el pensamiento de las personas que allí se conectan. Pero “Serial Experiments Lain” sorprenderá a los cultos lectores de Lux Atenea por la existencia de diferentes Yo dentro de una misma mente y cuerpo cuya denominación médica es Trastorno de Identidad Disociativo, motivo por el cual se usaron tres voces distintas en Lain, su protagonista principal, para indicar al espectador qué Yo de Lain están viendo en ese momento. ¡¡¡Impresionante!!!

SERIAL EXPERIMENTS LAIN CD BSO OST

“Serial Experiments Lain” es existencialismo filosófico y la evolución mental humana debido a la influencia de la tecnología, mientras las familias se desestructuran porque cada uno de sus miembros vive encerrado en su propia realidad, Por ejemplo, en la familia de Lain, el padre se refugia en el trabajo porque la función paternal se le hace grande, y la madre que no se relaciona con sus hijos porque no asimila lo que el destino le ha traído tras haberlos concebido. Personas que no se relacionan con otras porque, aunque les gustaría hacerlo ya que sienten fuertes vínculos entre ellas, su inmadurez les hace dar prioridad en su vida a las opiniones de lo que la mayoría establece que la suya propia. “Serial Experiments Lain” es la pérdida de contacto con la realidad y el desasosiego que sienten una gran parte de las personas que viven en una gran ciudad moderna. Es el Yo como semilla de un futuro dios, y la insatisfacción crónica que siempre aparece en la mente humana cuando el individuo alcanza el ansiado poder absoluto. Es la insensibilidad inherente en las estructuras sociales oficiales y de los miembros que pertenecen a ellas, frente a los problemas que aquejan a las personas que acuden a ellas, siendo éstas tratadas más como un número o como un objeto que como un ser con sentimientos. “Serial Experiments Lain” es el suicidio y la violencia vistos como una impactante fractura social que afecta profundamente a las personas en su interior. Como se puede ver, en “Serial Experiments Lain” se abordan muchas las temáticas de actualidad que son tratadas en este anime de forma tan compleja como hipnótica a los ojos del espectador.

SERIAL EXPERIMENTS LAIN box 4DVD extras

Sin duda alguna, “Serial Experiments Lain” es una serie que engrandece la imagen artística de la animación japonesa al convertirse en una auténtica obra maestra, gracias a esta trama mucho más cercana a lo filosófico que a ser destinada a un consumo masivo para el entretenimiento del público. Usando el clásico estilo del dibujo anime para dar vida a los escenarios y a sus personajes, “Serial Experiments Lain” se presenta con un claro espíritu ciberpunk en la concepción y definición final de la serie, mostrando a la tecnología más como una enemiga que como una aliada del ser humano debido a su poder sin control y a la incuestionable influencia en su presente e inminente futuro. Trece episodios vertebran esta serie de animación donde los productores llegan incluso a arriesgar con innovadoras ideas como el Accela (un mecanismo nanotecnológico que, ingerido por una persona, permite alterar sus sentidos y la percepción del mundo que le rodea), el protocolo IPv7 concebido como la evolución del IPv6 y en el cual se ha incluido una memoria emocional (el IPv6 sustituye al IPv4 actualmente usado mayoritariamente en Internet debido al inminente agotamiento de sus direcciones disponibles), el Navi (ordenador con navegador incorporado que es capaz de interactuar con el usuario a través de su propia voz), la Psique (dispositivo tecnológico que, colocado en la placa del ordenador donde está situado el microprocesador, permite al usuario navegar por la Red de forma libre)… y, todo esto, teniendo en cuenta que esta serie de animación fue creada y presentada a finales de la década de los noventa (año 1998). Los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta lujosa edición, tendrán en sus manos una auténtica joya audiovisual que volverán a ver a lo largo de los años, de las décadas, y que seguro recomendarán a sus amistades. “Serial Experiments Lain”, cuando el cine de animación japonés es creado para provocar el análisis de la realidad tecnológica en el espectador. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

SERIAL EXPERIMENTS LAIN 1998

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

TSUTOMU NIHEI “BIOMEGA VOL. 4, 5 y 6” (Reseña / Review #1659).

Reseña Cultural: 1659 // Reseña Cómic: 16
Reseña actualizada. Publicada el 6 de diciembre del año 2013 en Lux Atenea.

Publicado por: PANINI MANGA
ISBN: 84-9885-253-0 / xx / 84-9885-374-2
Edición: Noviembre y diciembre de 2009, febrero de 2010 (EDICIONES COMPRADAS)

biomega 4 Tsutomu Nihei panini

En estos tres últimos tomos de “Biomega” llegamos al desenlace de esta interesante y cautivadora historia. Tras la primera reseña del tomo 1 que publiqué, y la reseña posterior correspondiente a los tomos 2 y 3, a continuación, los cultos lectores de Lux Atenea podrán conocer todos los elementos que configuran esta impactante historia de corte futurista en una colosal y solemne apoteosis ideada con sumo talento por el genial artista japonés Tsutomu Nihei. El nivel en la acción se eleva y su intensidad se acelera en este crescendo épico de consecuencias cruciales en el desarrollo y desenlace de su trama en esta última fase. El cuarto tomo comienza con un frenético conflicto en el cable de amarre del continente, y con Ion Green como protagonista principal en torno al cual gira el desencadenante de esta lucha. A continuación, encontrarán la explicación sobre cómo surgió el Polímero Reproductor Espejado en un insecto encontrado en Marte hace 700 años, conocerán la localización en la Tierra de una mujer llamada Reload con la particularidad de tener veinticuatro cromosomas y más de trescientos años de edad, cómo nació Nyaldee con una capacidad especial para leer los pensamientos de los seres vivos y así poder conocer la historia de cualquier cosa que tocara. Todo ello unido a la revelación de una misteriosa planta a la cual Nyaldee llama con el nombre de ‘Restaurador’, y que es capaz de reproducir todo ya sea un ser o un objeto. De entrada, el maestro Tsutomu Nihei da un giro radical al dinamismo de esta trama al incorporar poderosos elementos capaces de alterar considerablemente el destino tanto de estos personajes, como en relación al futuro de este planeta. Retornando al cable de amarre del continente y la lucha brutal contra Nyaldee, donde Zôichi y Nishu subidos en sus potentes motos tratan de proteger la nave en su ascenso al refugio orbital debido a la delicada situación en la cual se encuentran, finalmente Zôichi decide enfrentarse en solitario a Nyaldee como estrategia para distraerla y que Nishu únicamente se dedique a proteger la nave en su huida. Tensión extrema en la acción donde la sagaz inteligencia de Nyaldee alcanza la máxima expresión, readaptándose constantemente a las difíciles situaciones a las cuales le va llevando Zôichi con sus potentes armas. Pero Nyaldee es un duro adversario para ser derrotado debido al poder de sus ondas cerebrales.

biomega 5 Tsutomu Nihei panini

Narain interfiere en el último momento en los planes de Nyaldee, pero los efectos del Polímero Reproductor Espejado empiezan a ser prácticamente de alcance planetario porque el polen ha logrado germinar. El Restaurador, ahora de grandioso tamaño, está logrando extender su poder más allá de la superficie terrestre, llevándose consigo a Zôichi y a su moto a un punto muy lejano en el espacio. Tras consultar a Fuyu, decide retornar a la Tierra con su moto recorriendo ese largo brazo del Restaurador en el espacio, llevándole a lugares desconocidos y muy peligrosos debido a las horribles criaturas que lo pueblan. Superando un obstáculo tras otro, Zôichi observa una extraña persecución entre un vehículo con patas muy veloz conducido por ciudadanos y otro que lo está atacando perteneciente a la DRF, por lo que decide intervenir para salvarlos. Una vez desaparecido el peligro, Zôichi se sorprende al comprobar que esos ciudadanos son seres remodelados llamados Boots y Yaa, y, al preguntar a Yaa sobre la Tierra, no sabe de qué le está hablando. Durante la conversación con Yaa sobre su procedencia, le comenta que vienen de un lugar llamado Sector Industrial Contaminado, una ciudad creada por DRF. Analizando esta información, Fuyu llega a la conclusión que ese mundo ha sido creado por el Restaurador a partir de los datos recogidos en la Tierra. Así terminará el cuarto tomo con la llegada al poblado de Boots y Yaa, y como inicio del quinto volumen. Allí sabrán que Nyaldee sigue siendo el jefe de la DRF, que su vida se está acabando, y que la DRF está realizando fecundaciones artificiales en los habitantes de ese extraño mundo, temiendo siempre a los ataques de las Máquinas Pesadas. Por sorpresa, en ese poblado aparece un inspector de la DRF para exterminar a sus habitantes y destruirlo completamente, ejecutándolos de forma inmediata e inmisericordemente. El enfrentamiento con Zôichi será inevitable en este encuentro salvaje y con graves daños por ambas partes, y el inspector logra llevarse a Yaa al Sector Industrial Contaminado. Allí la diseccionarán ya que en su interior está creciendo la hija del Restaurador llamada Funipeero. Nyaldee está muy interesada en tenerla porqué así podrá ser dueña del Restaurador y controlarlo, la DRF es eliminada del Sector Industrial Contaminado, y este hecho acaba siendo conocido en la sede principal de la compañía, saltando todas las alarmas cuando llegan a saber que Industrias Pesadas Tôa tiene a la hija del Restaurador. Nyaldee se dispone a utilizar su poder para hacerse con ella, apareciendo en todas las MSCF.

biomega 6 Tsutomu Nihei panini

Funipeero es encontrada por Nyaldee, se enfrenta a Zôichi para arrebatársela, y en esa lucha entrará en coma. Cuando la DRF toma conocimiento del nuevo estado de Nyaldee, deciden proseguir con su objetivo para capturar a la hija del Restaurador. En otro lugar del espacio, Higuide llega a la ciudad amurallada de Iyak gobernada por Ilngolnulka, siendo renombrado por ella como Tanno. Ilngolnulka le explica que, debido a la maldición del vidente Chaiddrin, su población vive encerrada dentro de las murallas de la ciudad sin poder salir y llevan tiempo esperando la llegada de un mesías que vendrá del cielo para librarse de una vez por todas de ese encierro. El vidente Chaiddrin es un poderoso ser inmortal que domina tanto a la ciudad de Iyak como a las Máquinas Pesadas anteriormente mencionadas y, volviendo a presentarse en la ciudad se llevará a Ilngolnulka, por lo que Higuide luchará para liberarla. Retornando a la escena de Zôichi y Funipeero, esta desaparece tras una discusión con Zôichi, apareciendo en otro lugar donde conocerá a un ser llamado Bobogiru. Poco tiempo después, es localizada por uno de los discípulos de Nyaldee, Gerolzero, que trata de llevársela hasta que aparece Zôichi para salvarla. Aquí llegará la clausura del quinto tomo, quedando el desenlace final de “Biomega” en manos de los cultos lectores de Lux Atenea que adquieran este manga de culto porque su final es espectacular. Descrito en las páginas del sexto y último tomo en una apoteosis que les deslumbrará por su final tan impredecible, les voy a dar un dato importante como avance: Funipeero se pondrá en contacto con el oso Kozlov. A nivel artístico, en estos tres últimos tomos quedarán profundamente impactados al contemplar imágenes y secuencias tan espectaculares como cuando Zôichi se enfrenta a Nyaldee en el cable de amarre del continente, con la impactante imagen de la germinación tomada desde el refugio orbital en el espacio y cuyo efecto cubre una gran parte del planeta Tierra, con la preciosa imagen de Fuyu contemplando la inabarcable extensión del Restaurador en la inmensidad del espacio, con la brutal secuencia de la llegada del inspector de la DRF al poblado y su letal eficacia exterminadora, con la empatía que provocan las viñetas que dan vida a la escena de la muerte de Bobogiru, o con la lucha espectacular entre Nyaldee y Funipeero. “Biomega”, excelso manga cyberpunk creado por el maestro Tsutomu Nihei. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

TSUTOMU NIHEI BIOMEGA VOL 4, 5 y 6

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“VEXILLE”, 2007 (Reseña / Review #1656).

Reseña Cultural nº: 1656 // Reseña Media nº: 30
Reseña actualizada. Publicada el 11 de octubre del año 2010 en Lux Atenea.

DIRECTOR: SORI
AÑO: 2007 DURACIÓN APROX.: 109 minutos
PUBLICADO POR: AURUM PRODUCCIONES
AÑO: 2008 FORMATO: 2DVD Edición Especial (EDICIÓN COMPRADA)

Vexille 2 DVD

De nuevo, con la película “Vexille”, Japón vuelve a dar un golpe en la mesa dentro del competitivo universo artístico del cine de animación. Con una interesante trama de ciencia-ficción de corte apocalíptico que lleva el sello de calidad de los creadores de “Appleseed”, en “Vexille” nos sumergiremos en una impresionante historia donde los enredos políticos y diplomáticos se entremezclarán con amenazas y sospechas del más alto nivel de secretismo. Situada a mediados de este siglo XXI en el renacimiento futuro del aislacionismo japonés, éste viene motivado por la supremacía tecnológica finalmente alcanzada y consolidada tras haber conseguido crear sofisticados androides construidos con un nuevo material llamado biometal, cuyas características especiales de grandioso poder se convierten en una seria amenaza para el equilibrio mundial. Todo ello, unido a los intereses ocultos de Industrias Daiwa, multinacional japonesa y líder mundial en alta tecnología robótica que está muy interesada en el mantenimiento de la Red Electromagnética que aísla a Japón de cualquier señal exterior para salvaguardar sus intereses. Este clima de intriga y misterio provocará que los Estados Unidos de América planeen infiltrarse en territorio japonés para, una vez vulnerada esa defensa electromagnética, tratar de desvelar qué está pasando en el interior del país nipón. Esa información, una vez descubierta, se va a convertir en un sorprendente y peligroso hallazgo para los EE.UU y para el resto del planeta.

Vexille pic2

De la película “Vexille” me ha encantado su trama futurista basada en suposiciones tecnológicas relacionadas con el mundo de la robótica y de la política internacional, porque en este siglo XXI perfectamente pueden llegar a ser reales dentro de unas décadas debido a la creciente influencia que las investigaciones científicas y la alta tecnología tienen en nuestro mundo. Además, los intereses políticos que vertebran la trama de esta película de animación fascinarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea, ya que sus dictados nacionales tienen como consecuencia el aislamiento internacional de Japón. Una secuencia de acción muy bien estructurada, y que queda integrada en la evolución de esta interesante trama a través de actos protagonizados por personajes muy bien perfilados que los hacen perfectamente creíbles ante el espectador. “Vexille” posee un ritmo intenso mantenido con gran acierto a lo largo de toda la película gracias a estos espectaculares efectos, a estas tomas y giros de cámara que te hacen testigo de la acción y casi protagonista, y por estos sorprendentes hechos y acciones de impactante belleza plástica y cromática que convierten la visualización de este largometraje en una auténtica delicia audiovisual. Sus acabados acrílicos y la sensación constante de profundidad en la escena te seducen, mientras el realismo visual termina por apoderarse de tu mente por la espectacularidad que presentan estas escenas. Por ejemplo, la impactante secuencia de la entrada de agentes especiales desde el aire atravesando las vidrieras para tomar por sorpresa a los robots de vigilancia, cuando el ala del avión atraviesa el edificio, con la aparición de los gusanos gigantes de metal, o en el túnel de comunicación con la isla con la carrera contrarreloj protagonizada por estos vehículos. Escenas de tal grandeza audiovisual que se acaban grabando en tu memoria gracias a esta magia cinematográfica que Japón nos viene ofreciendo dentro del mundo de la animación desde hace décadas. Además, se agradece la presencia predominante de la alta tecnología en cualquiera de los escenarios mostrados en esta película, junto a los planteamientos lógicos y prácticos que definen el inteligente diseño de las aeronaves, de los robots, de los exoesqueletos, de los uniformes y de las armas militares… mientras observas con atención cada secuencia. A tal nivel ha llegado ese cálculo tan meticuloso que han cuidado hasta la correcta relación entre protección/destrucción de los blindajes de defensa, respecto a la potencia de las armas disparadas contra ellos. Un factor que no siempre es tenido en cuenta en películas de esta temática y con escenarios tan tecnificados.

Vexille pic1

Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados cuando contemplen el nivel de perfección tan sublime alcanzado en estos dibujos, sobre todo, con el realismo que presentan las inclemencias meteorológicas en los distintos escenarios, en las caídas, por los efectos de los golpes y de los disparos, en las explosiones, con los reflejos y con las luces, al contemplar la mecánica que poseen estas máquinas y la funcionalidad de su diseño… y hasta en el realismo del humo que sale de los cigarrillos encendidos. Una pasión artística por el detalle que también se puede observar con claridad en la belleza de los decorados, de los uniformes, de las armas, de los distintos vehículos, aviones, y helicópteros que aparecen durante toda esta historia. Respecto a sus personajes, dibujados siguiendo las normas ya establecidas dentro del cine de animación japonés, éstos destacan por la definición casi perfecta de gestos, y de expresiones y movimientos, reafirmando la supremacía artística y creativa japonesa en cuanto a cine de animación se refiere. Como apunte final relacionado con el segundo DVD incluido en esta edición especial, los extras son de obligada visualización debido a las interesantes temáticas que lo vertebran (“Presentación en Locarno Film Festival”, “Cómo se hizo la ciudad y la animación 3D”, “Sori como creador de animación”…). “Vexille”, cuando en la brillante calidad artística de una película de animación hay que incluir hasta su Banda Sonora Original compuesta por el grupo musical de culto Dead Can Dance. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

VEXILLE 2007

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.