“LA BOCA DEL INFIERNO. CLAVES OCULTAS DE EL ESCORIAL”, JUAN IGNACIO CUESTA MILLÁN (Reseña #1819).

Reseña Cultural: 1819 // Reseña Literaria: 338

Reseña actualizada. Publicada el 22 de septiembre del año 2013 en Lux Atenea conmemorando el 450º aniversario de la colocación de la primera piedra en el Real Monasterio de El Escorial (1563).

Publicado por: AGUILAR / SANTILLANA EDICIONES GENERALES, S.L.
ISBN: 84-03-09696-8
Edición: 2006 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 248

LA BOCA DEL INFIERNO CLAVES OCULTAS DE EL ESCORIAL AGUILAR SANTILLANA

“Ninguno de los elementos de construcción fue puesto caprichosamente o para ser un adorno.”

Como analista cultural, hace tiempo que tenía pensado volver a visitar la construcción más simbólica y enigmática en España dentro de la Edad Moderna: el Real Monasterio de El Escorial. Una visita que finalmente pude hacer realidad a principios de este mes de septiembre en una fecha tan señalada como el 450º aniversario de la colocación de su primera piedra. Tras una nueva observación, análisis, y recopilación de nuevos datos in situ que se prolongaron durante varias horas a lo largo del día, impresionado otra vez ante la magnificencia que tenía ante mis ojos, decidí que había que publicar la reseña de un libro que fuera esclarecedor sobre esta interesante temática y que pudiera ofrecer a los bibliófilos lectores de Lux Atenea una visión seria y rigurosa sobre la auténtica realidad religiosa y mística que este edificio atesora de forma simbólica. Entre todas las obras que he leído y analizado a lo largo de los años en referencia al Real Monasterio de El Escorial, finalmente he seleccionado el libro “La Boca Del Infierno” debido a la importancia de los datos que su autor nos ofrece, separando muy claramente la realidad de lo que pertenece a la leyenda, por muy popular que sea en la actualidad. Un claro ejemplo de esta leyenda popular sin base real alguna es lo que da título precisamente a esta obra, quedando explicado en estas páginas de forma didáctica y muy clara cómo nació verdaderamente este proyecto de construcción en una época difícil y complicada para el Reino de España. Un momento histórico único y trascendental que gracias a la voluntad firme y decidida del rey Felipe II (1527-1598) pudo llevarse a cabo hasta su término, convirtiéndose a lo largo de los siglos en la Octava Maravilla del Mundo para muchos expertos. España tiene el honor de poseer una obra maestra de la ingeniería en su territorio, cuyo significado trascendente muchas veces no es percibido por las personas que lo visitan y, sumergiéndonos en este mundo religioso y místico siempre oculto tras el velo de lo simbólico, personalmente creo que el valor informativo contenido en este libro será de gran ayuda para los lectores a la hora de entender el significado profundo de este monasterio. Un tesoro espiritual que ha quedado un tanto velado tras la esplendorosa relevancia de su colección pictórica abierta al público.

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“Ese lenguaje no es sino un código secreto para interpretar correctamente las leyes del Universo, entre ellas, la de la proporción.”

No es la primera vez que visito el Real Monasterio de El Escorial a lo largo de mi vida pero, en la reciente visita, este grandioso edificio me ha revelado más información simbólica que nunca cuyo trasfondo espiritual es clave para poder conocer la auténtica realidad e intencionalidad de su construcción. Dejando a un lado la leyenda de la Boca Del Infierno, y teniendo a la atenta mirada científica como base principal a la hora de analizar su realidad simbólica y metafórica, lo primero que una persona percibe nada más llegar a esta colosal construcción es la fascinación que provoca su elegante y sobria arquitectura. Una solidez estructural de gran importancia, y que únicamente somos capaces de comprender cuando entramos en su interior. Profundamente asombrados, somos conscientes del inmenso trabajo realizado al comprobar con nuestros propios ojos cómo la solidez de sus pesadas piedras de granito ya de entrada te envía ese mensaje inconsciente a la mente sobre la cualidad imperecedera de este edificio a lo largo del tiempo. Tanto en el diseño como en la selección de los mejores materiales se tuvo en cuenta el efecto del tiempo en su estructura como una de las claves principales a tener en cuenta para dar esta energía espiritual que, como la esencia divina, no se altera a lo largo de los siglos. El individuo de vida finita observando una de las obras más monumentales construidas por el ser humano en sus ansias de trascendencia espiritual, y en su anhelo de eternidad post mortem, llevan a ese mismo individuo sensible al mensaje simbólico que le rodea a comprender que la entrada en este monasterio va a despertar algo muy especial en su interior. Por este motivo, comprender el significado de sus claves simbólicas es fundamental para que el mensaje revelado llegue prístino y radiante.

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“Lo que importa no es tanto la belleza ornamental como la energía que concentra y amplifica.”

Eternidad. Una palabra que ha marcado de forma decisiva al pensamiento humano desde que la chispa de la consciencia de la muerte se encendiera en nuestra mente, separándonos inexorablemente del ciclo animal en el cual habíamos evolucionado hasta entonces, y para condicionar la evolución de nuestro cerebro y de nuestro modo de vida a partir de ese instante. Un anhelo de eternidad íntimamente unido al mundo espiritual ha perdurado hasta nuestros días, cambiando de forma pero su trasfondo. En el Real Monasterio de El Escorial sigue soplando el aire espiritual del Renacimiento donde ortodoxia cristiana y misticismo herético se fundieron en este crisol absolutamente colosal construido en piedra, al igual que ocurrió en la época medieval con las grandes catedrales góticas que son también libros simbólicos labrados en piedra. Una eternidad divina que da sentido incluso a la elección de este edificio como Panteón Real de los Reyes de España, y cuya visita estoy seguro que impresionará y sobrecogerá a los cultos lectores de Lux Atenea. La impactante decoración no evitará que sus sentidos se sensibilicen ante el silencio que se respira en esta solemne atmósfera. Sin duda, el Real Monasterio de El Escorial continúa guardando muchos secretos en su interior, y espero que la atenta lectura de este libro y la obligada visita a este monumental edificio haga comprender que el rey más poderoso de Europa en aquella época convulsa, tuvo como clave existencial de su vida a la armonía espiritual como su más preciada e irrenunciable esencia vital. “La Boca Del Infierno”, las claves simbólicas del mayor tesoro arquitectónico construido en España en la Edad Moderna. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Recinto de sonidos, recinto de palabras, recinto mágico, recinto sagrado.”

LA BOCA DEL INFIERNO CLAVES OCULTAS DE EL ESCORIAL JUAN IGNACIO CUESTA MILLAN

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“CAMINO A LA PERDICIÓN (road to Perdition)”, 2002 (Reseña / Review #1736).

Reseña Cultural nº: 1736 // Reseña Media nº: 89
Reseña actualizada. Publicada el 25 de junio del año 2012 en Lux Atenea conmemorando el 10º aniversario del estreno de la mítica película “CAMINO A LA PERDICIÓN” (2002).

Director: SAM MENDES
Guión: DAVID SELF
Actores principales: TOM HANKS (Michael Sullivan), PAUL NEWMAN (John Rooney), JUDE LAW (Harlen Maguire), JENNIFER JASON LEIGH (Annie Sullivan), STANLEY TUCCI (Frank Nitti), DANIEL CRAIG (Connor Rooney), CIARÁN HINDS (Finn McGovern)
País: EE.UU Año: 2002 Productora: DREAMWORKS PICTURES / 20th CENTURY FOX
Duración aprox.: 112 minutos
Publicado en España por: 20th CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A.
Año: 2003 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Comentarios del director // Cómo se hizo // Escenas inéditas // Spot de la banda sonora // Selección de imágenes // Biografías del reparto y equipo de producción // Notas de producción

DVD CAMINO A LA PERDICION road to Perdition

Galardonada en el año 2002 con el Oscar a la Mejor Fotografía, la película “Camino a la Perdición” celebra su décimo aniversario este año 2012 sin haber perdido un ápice de su espectacularidad cinematográfica. Con una intrigante trama basada en el cómic “Road to Perdition” creado por Max Allan Collins y Richard Piers Rayner, “Camino a la Perdición” lo tiene todo como legendaria película de gángsters ambientada en la década de los treinta. Con la Ley Seca en vigor como revulsivo económico principal en el crimen organizado para alcanzar la riqueza, y con la lucha entre clanes por el control del lucrativo contrabando de alcohol, uno de sus grandes generadores de beneficio, algo tienen de especial estos largometrajes tan bien rodados sobre el mundo de la Mafia que inmediatamente se transforman en películas míticas en cuanto son presentadas ante el gran público. Vidas al límite donde la abundancia material y el disfrute de todo tipo de placeres que se puedan comprar con dinero, se le une ese estado de libertad individual donde el gángster está situado al margen de la ley, siendo su única ley el poderoso y sangriento uso de las armas sin muestra de piedad alguna. Todo ello crea cierta empatía en el espectador con sus protagonistas principales, a pesar de sus tenebrosas formas de ganar dinero y del temor constante a poder perder la vida en cualquier momento, convirtiéndose en el vínculo emocional más directo que se establece entre estos antihéroes y el espectador, Una intensidad emocional aún más extrema e impetuosa en películas como “Camino a la Perdición”. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán cautivados al ser mostrado con todo lujo de detalles en esta magna obra, a través de impresionantes secuencias con iluminación artificial en recintos cerrados y preciosas tomas realizadas en exteriores, disfrutándolas con la mirada atenta a tanta belleza artística reflejada en imágenes.

Lux Atenea 4 - 6

La trama de “Camino a la Perdición” está basada en la historia contada por el hijo de Michael Sullivan sobre los acontecimientos que sucedieron en el invierno de 1931. Situados en Rock Island, territorio dominado y controlado por la mafia irlandesa, Michael Sullivan (Tom Hanks) es un asesino a sueldo con una familia que mantener (mujer y dos hijos) y tiene como jefe a John Rooney (Paul Newman), el cual le va ordenando los trabajos que ha de ejecutar. En una noche lluviosa, John Rooney le ordena que acompañe a su hijo Coonor Rooney (Daniel Craig) a resolver un asunto, pero Coonor Rooney es una persona sin autocontrol, impulsivo, con su suspicacia permanentemente en alerta, y de retorcida capacidad de análisis, y estos graves defectos en su personalidad le llevan a cometer un asesinato. El problema vendrá cuando Michael Sullivan descubra que uno de sus hijos lo ha visto todo, tras haberles acompañado escondido en los asientos traseros del coche. A partir de ese momento, la omertá no será la garantía que salvaguarde sus vidas, y todo se irá complicando poco a poco mientras observamos cómo la atmósfera de familiaridad, de confianza, y de respeto entre Michael Sullivan y John Rooney se va deteriorando tras ese trágico incidente, llevando el drama y el dolor consigo como consecuencia inmediata para su familia. Una siniestra causa-efecto donde el poder, el dinero, y el silencio suelen entremezclarse en complicados nudos de difícil desenredo salvo a través del asesinato, y que tendrá como colofón y punto de ruptura definitivo, la impresionante escena de Michael Sullivan en su charla con el dueño del local y la acción inmisericorde que sucede a continuación en su hogar. Tras estos duros acontecimientos en su vida, Michael Sullivan decide tomar cartas en el asunto y tomarse la justicia por su mano, y en una huida desesperada donde la protección de su único hijo será lo que le mueva, toma las medidas que cree necesarias para garantizar su supervivencia por duras y radicales que estas sean. Michael Sullivan trata de recurrir a otros jefes de la mafia buscando protección, dando entrada a los hombres de Al Capone en este asunto para complicar aún más esta interesante trama. Ver cómo John Rooney va adelantándose a los movimientos de Michael Sullivan, y cómo éste último concibe una inteligente estrategia para lograr alcanzar su complicado objetivo, se convierte en uno de los pilares principales de esta intensa trama junto a la relación padre-hijo que se establece a partir de entonces. Un factor esencial en la vertebración y evolución de esta historia.

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En “Camino a la Perdición”, el plantel de actores es sencillamente espectacular con la participación de grandes estrellas dentro de la Historia del Cine como Paul Newman, Tom Hanks, Jude Law, Daniel Craig… o actores de auténtico lujo como Stanley Tucci, cuyo talento interpretativo vuelve a brillar en una película sobre la Mafia de esta categoría. Actores que han convertido este largometraje en referencia indiscutible dentro de este género cinematográfico. Además, su magnífica banda sonora compuesta por Thomas Newman, consigue que nos identifiquemos mental y emocionalmente con cada una de estas espectaculares escenas rodadas por todo un maestro como Sam Mendes, director de “American Beauty”. Un virtuoso creador de brillantes escenas cuyas imágenes se quedarán grabadas en la mente de los cinéfilos lectores de Lux Atenea. Y es que “Camino a la Perdición” tiene la grandeza artística de haber convertido el cine negro rodado a principios del siglo XXI en puro arte en la gran pantalla, siendo la magia en la dirección de Sam Mendes, el factor clave de este realismo audiovisual ambientado en la Gran Depresión y con una intensidad dramática constante a lo largo de toda la película hasta el último segundo. La detallada recreación de aquella época, el cuidado en el vestuario, y el realismo absoluto en estas escenas, dan credibilidad absoluta a este largometraje donde los gestos y las miradas lo dicen todo. Es increíble esta ambientación de un funeral irlandés, completamente opuesto al típico velatorio propio de la cultura mediterránea, y en relación al arte interpretativo quedan resaltados los gestos y todo el lenguaje no verbal unido a las emociones que transmiten cada uno de estos actores en sus personajes, incluso, hasta en la aparente familiaridad de John Connor (Paul Newman) con Michael Sullivan (Tom Hanks), en contraste con la permanente e imperturbable seriedad en su rostro. No hay nada mejor que reflejar emociones en una película con gestos y miradas para crear sentimientos en el espectador y, en este sentido, “Camino a la Perdición” une fuertemente ese vínculo emocional.

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Como analista cultural, quisiera destacar la impresionante interpretación realizada por el actor estadounidense Stanley Tucci en el magnífico papel de Frank Nitti. Su postura firme, sus modos elegantes, y su lógica pragmática en defensa de sus intereses y de sus negocios dan la imagen perfecta del jefe de la mafia impoluto que, situado más allá del Bien y del Mal, lleva a cabo sus acciones siempre tras haber analizado con detenimiento y profundidad si esos actos le traerán algún beneficio. En definitiva, un papel perfecto para este actor de auténtico lujo en una película de cine negro. Otro de los actores que le sorprenderá por sus extraordinarias aptitudes interpretativas es Jude Law en el papel de Harlen Maguire, frío y calculador asesino a sueldo con cualidades psicológicas dignas de un implacable ejecutor. Su interpretación es sencillamente magistral, y con interpretaciones de este nivel, seguiré insistiendo que Jude Law es uno de los actores más infravalorados por la industria cinematográfica de Hollywood en vista a su magnífica calidad como actor, y a su hipnótico magnetismo cada vez que hace acto de presencia en una escena. Observar cómo Harlen Maguire va siguiendo incansablemente a Michael Sullivan como un sabueso tras su presa, vaya a donde vaya, haga lo que haga, y sin que nunca sea capaz de percibir su presencia, salvo cuando la suerte está echada, ofrece al espectador uno de esos personajes que dejan huella debido a sus razonamientos más propios de un psicópata, y que Jude Law los convierte en perfectamente creíbles ante nuestra atenta mirada. Una pena que solamente en películas de este nivel se haya podido sacar partido a todas sus dotes interpretativas más que sobresalientes.

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En esta película, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de escenas tan espectaculares como el asesinato en la habitación del hotel y esa puerta con espejo en el baño reflejando el sangriento escenario mientras se va cerrando, la secuencia de la salida de Michael Sullivan del banco y la lenta llegada del coche conducido por su hijo, en la macabra escena del velatorio donde Michael Sullivan y su hijo se encuentran ante el féretro mientras el hielo para conservar el cadáver va derritiéndose poco a poco, cuando aconseja a su hijo a qué religiosos puede comentarles lo sucedido y a cuáles no, en la extraordinaria y tensa escena del restaurante de carretera, la preciosa secuencia donde Michael Sullivan y John Rooney tocan el piano juntos bajo la atenta la mirada de Connor Rooney, o en la sorprendente escena donde Jude Law va a una casa como reportero freelance para fotografiar el asesinato que allí ha ocurrido. En “Camino a la Perdición”, la tensión y la intriga son siempre constantes como en la afilada escena de la reunión de John Rooney donde deja en ridículo a su hijo delante de todos los jefes, en la magnífica secuencia de la suite del hotel donde se enfrentan Michael Sullivan y Harlen Maguire, cuando el coche de Michael Sullivan va recorriendo las carreteras tratando de alejarse del área de influencia de Connor Rooney, en la idílica escena de la playa con Michael Sullivan, su hijo, y el perro, pero, sobre todo, quedarán sumamente impactados cuando vean la escena de John Rooney y sus guardaespaldas acompañándole a su coche en esa noche fría y lluviosa. En definitiva, arte cinematográfico de alto nivel cuya visualización repetirán a lo largo de los años y de las décadas. “Camino a la Perdición”, el cine negro más excelso haciendo aún más grande al Séptimo Arte en este siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

CAMINO A LA PERDICION road to Perdition 2002

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL SILENCIO DE LOS CORDEROS (the silence of the lambs)”, 1991 (Reseña / Review #1721).

Reseña Cultural nº: 1721 // Reseña Media nº: 74
Reseña actualizada. Publicada el 21 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea conmemorando el 20º aniversario de la mítica película “EL SILENCIO DE LOS CORDEROS” (1991).

Director: JONATHAN DEMME
Guión: TED TALLY
Actores principales: JODIE FOSTER (Clarice Starling), ANTHONY HOPKINS (Dr. Hannibal Lecter), TED LEVINE (Buffalo Bill), SCOTT GLENN (Jack Crawford)
País: EE.UU Año: 1991 Productora: ORION PICTURES
Duración aprox.: 114 minutos
Publicado en España por: METRO GOLDWYN MAYER HOME ENTERTAINMENT Año: 2006
Formato: 2DVD edición definitiva (EDICIÓN COMPRADA)

DVD EL SILENCIO DE LOS CORDEROS the silence of the lambs

Galardonada con importantes premios cinematográficos entre los que destacan sus cinco Óscar (mejor película, mejor guión adaptado, mejor director, y mejor actor y actriz) y el Globo de Oro a la mejor actriz, la extraordinaria película “El Silencio de los Corderos” ha cumplido su vigésimo aniversario en este año 2011. Una película de culto dentro del cine de suspense que se presenta como un sobrecogedor thriller de atractivo guión, basado en la famosa novela homónima del escritor estadounidense Thomas Harris. Una película sombría, triste, decadente, tal vez por esta ambientación gris donde el Sol siempre está cubierto por las nubes, o cuando aparece con su luz en el cielo siempre es en el amanecer o en el anochecer. Su protagonista principal, Clarise Starling, es una agente del FBI deseosa de trabajar en el departamento de Ciencias del Comportamiento y que se encarga de esclarecer el dramático y sangriento caso de Buffalo Bill, un psicópata dedicado a asesinar mujeres de una talla muy concreta para luego arrancarles la piel. En ese mismo caso, la agente Clarise también tendrá que tratar con otro psicópata llamado Hannibal Lecter, un psiquiatra conocido con el apodo de Hannibal el caníbal, que se ha convertido en la pieza clave de esa investigación para poder descubrir la verdadera identidad de Buffalo Bill. La película “El Silencio de los Corderos” destacó en aquella época por haber sabido reflejar con precisión y detalle en la gran pantalla, toda la lógica científica y la metodología seguidas por el FBI en la investigación de los casos de asesinato, teniendo siempre en cuenta los avances técnicos y científicos disponibles en aquella época. A lo largo de toda esta intrigante trama, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán ir descubriendo poco a poco las pistas que van apareciendo para poder resolver este caso definitivamente, pero, desde mi punto de vista, la fuerza psicológica que tiene “El Silencio de los Corderos” es haber conseguido que el espectador se identificara con la cotidianidad que envuelve a la vida de estas víctimas, y la sensación de indefensión social que le queda al término de la película ante los actos cometidos por estos crueles asesinos a través de sus estudiadas argucias, sus inteligentes manipulaciones, y sus violentas acciones (algunas veces impunes) para cometer sus asesinatos. Impresionan algunas escenas como cuando Clarice entra en el lúgubre e infernal pasillo de seguridad en el cual se vigilan las celdas de los psicópatas, el metódico y frío examen forense del cadáver de una de las víctimas en la funeraria Grieg, o incluso la incómoda sensación que tiene la agente Clarice cuando está rodeada y siendo observada por altos y corpulentos agentes en el Hall de la funeraria.

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La hipnótica mirada del inteligente y depravado Hannibal Lecter, excelsamente interpretado por el actor Anthony Hopkins, es una de las imágenes imborrables que se quedan en la memoria cuando visualizas esta película, sobre todo si tienen oportunidad de ver esta película en su versión original. Y es que Anthony Hopkins supo meterse en el difícil papel de este psicópata, sabiendo interpretar con suma maestría y credibilidad cada una de las particularidades psicológicas de Hannibal Lecter. Detalles como su delicado olfato capaz de distinguir sutiles matices y aromas, su mefistofélica capacidad para realizar el psicoanálisis de las personas a las que observa, sus inquietantes gestos, su prepotencia y sus constantes aires de superioridad respecto al resto de los mortales, su plano mental situado más allá de Bien y del Mal, sus despiadados y sangrientos actos ejecutados fríamente, su sarcástico y ácido humor… son algunos de los muchos matices en la personalidad de Hannibal Lecter que el actor Anthony Hopkins supo transmitir con su virtuoso talento interpretativo. La idea que se queda en la mente del espectador sobre la pragmática, paciente, y sutil inteligencia de Hannibal Lecter con las cuales es capaz de realizar acciones aparentemente imposibles, dadas las limitadas capacidades de movimiento que han tomado las autoridades para controlarlo, elevan aún más la valoración del arte interpretativo mostrado por este actor en la gran pantalla. Una terrorífica imagen de Hannibal Lecter que ve aumentado su impacto visual y psicológico con la contemplación de las espectaculares medidas de seguridad adoptadas tanto en prisión como en su traslado, dada su peligrosidad extrema. La imagen del guardián colgado con los brazos abiertos en los barrotes de la celda de Hannibal Lecter como si fuera la macabra figura de un ángel, el siniestro coche fúnebre guardado en el almacén contratado por Hannibal Lecter, o su sutil caricia al dedo de la agente Clarice cuando le entrega los papeles del informe… son escenas que visualmente nos atraen y a su vez nos infunden rechazo.

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Pero si el personaje interpretado por Anthony Hopkins nos parece excepcional y totalmente creíble, tampoco se queda atrás la contundente interpretación realizada por el magnífico actor Ted Levine en el papel del asesino en serie Buffalo Bill. Una interpretación magistral hasta en las burlas que Buffalo Bill muestra hacia sus víctimas tras sus falsos gestos de sensibilidad y clemencia, o en la impactante escena de Buffalo Bill maquillándose y transformarse mientras la mítica canción “Goodbye Horses” de Q Lazzarus suena como música de fondo. Además, su inquietante y descuidada casa es el fiel reflejo de la ambigüedad mental que domina a Buffalo Bill mientras las polillas vuelan en esta degenerada y siniestra decoración, y a cuyo siniestro sótano lleva a sus víctimas para ser arrojadas a un agujero en el suelo donde las mantiene vivas y sin posibilidad de escape hasta el momento de su asesinato. Un terrorífico hoyo mortal de sangrientas paredes con uñas clavadas que reflejan la desesperación de las víctimas por escapar de su trágico destino. El sedoso caniche blanco que Buffalo Bill tiene como mascota además aumenta su protagonismo simbólico como contrapunto emocional y sentimental de este brutal psicópata. Una siniestra atmósfera que también quedará fielmente reflejada en la angustia y el miedo que nos muestra Clarice cuando se adentra en el sótano de la casa de Buffalo Bill, acrecentada visualmente con la simbología nacionalsocialista repartida por la casa (la colcha, el póster…), o el juego en la oscuridad que Buffalo Bill practica con Clarice usando unas gafas de visión nocturna. Como apunte a destacar en esta reseña de la película, quisiera subrayar la corta y sorprendente presencia del cantante Chris Isaak en el reparto de esta película, interpretando el papel del agente del comando SWAT desplegado en la sala de espera del ascensor del edificio donde retienen a Hannibal Lecter. Además, la adquisición de esta completa edición se vuelve indispensable al haber incluido en el segundo DVD estos interesantes extras de imprescindible visualización: “En el laberinto: cómo se hizo -El Silencio de los Corderos-”, “Detrás de las cámaras, Original”, “Escenas eliminadas”, “Trailer de cine”, “Anuncio de TV”, “El contestador de Anthony Hopkins”, “Escenas inéditas”, y “Trailer de -Hannibal-”. “El Silencio de los Corderos”, película de culto y uno de los thriller psicológicos más impactantes que podrán ver. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

EL SILENCIO DE LOS CORDEROS the silence of the lambs 1991

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“A MERCED DEL ODIO (the nanny)”, 1965 (Reseña / Review #1710).

Reseña Cultural nº: 1710 // Reseña Media nº: 63
Reseña actualizada. Publicada el 8 de febrero del año 2015 en Lux Atenea conmemorando el 50º aniversario de la mítica película “A MERCED DEL ODIO (the nanny)” (1965).

Director: SETH HOLT
Guión: JIMMY SANGSTER
Actores principales: BETTE DAVIS (niñera), WENDY CRAIG (Virginia ‘Virgie’ Fane), WILLIAM DIX (Joey Fane), PAMELA FRANKLIN (Bobbie Medman), JAMES VILLIERS (Bill Fane), JILL BENNETT (tía Pen)
País: REINO UNIDO Año: 1965 Productora: SEVEN ARTS / HAMMER FILM PRODUCTION
Duración aprox.: 89 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A.
Año: 2006 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “A Merced Del Odio”
EXTRAS: Trailer

DVD A MERCED DEL ODIO the nanny 1965

Cine en blanco y negro, suspense, la mítica productora británica Hammer… excelsa amalgama artística dentro del Séptimo Arte para hacer relucir a la legendaria actriz Bette Davis en esta película de culto. Un claro ejemplo de fusión creativa representada en la gran pantalla en “A Merced Del Odio”, una película rodada con maestría por el director británico Seth Holt para poder definir y estructurar este excelso thriller de gran impacto psicológico en el espectador. Comprobarán cómo en su trama late la duda permanente sobre si el joven Joey es la víctima, o es el inmisericorde verdugo causante de este horrible drama. Unas veces se presentará como un ángel, en otras ocasiones como un auténtico demonio, pero, durante su visualización, la tensión psicológica no dejará de aumentar hasta el final porque esta trama es muy turbia e inquietante, dándonos pistas poco a poco sobre quién posee esa diabólica alma en su interior. ¿Será en realidad la niñera, impecablemente interpretada por la actriz de culto Bette Davis? En este largometraje podrán disfrutar de su maestría en la interpretación realizada en la era dorada que viviría en la década de los sesenta dentro del cine de suspense, recomendando a los cinéfilos lectores interesados en aquella gloriosa etapa que visualicen también “¿Qué Fue De Baby Jane?” (1962), película de culto ya reseñada en Lux Atenea. Aunque Bette Davis empezaba a percibir en el horizonte el declive de su exitosa carrera profesional, gracias al magnífico guion basado en la novela homónima escrita por Evelyn Piper (1964), en “A Merced Del Odio” brilla solemnemente en la gran pantalla interpretando a este personaje obscuro y fascinante. Un escenario marcado profundamente por los sentimientos de culpa, por la verdad que no sale a la luz, y por la tensión existencial resultante tras el cínico enmascaramiento de la muerte. Como analista cultural me encantan las películas que protagonizó Bette Davis en aquella época, a la cual considero inigualable e incomparable en su prolongada y prestigiosa carrera debido a su augusta grandeza interpretativa reflejada en escena al dar vida a personajes profundamente siniestros que, personificados en el rostro y en los gestos de Bette Davis, adquieren esas características tan tenebrosas que los vuelven apasionadamente atrayentes, y repulsivos a su vez. Sus ojos penetrantes, su gélida mirada, sus expresiones situadas al límite de la cordura, su cínico servilismo, su insensibilidad ante el dolor y el sufrimiento… extreman aún más la personalidad y el protagonismo del personaje interpretado hasta convertirlo en un ser absolutamente creíble a pesar de los fuertes contrastes que aparecen en su comportamiento. En “A Merced Del Odio”, el Mal ha vuelto para trastornar la vida cotidiana de una familia acomodada tras haber vivido un sangriento suceso en el pasado, motivo por el cual su hijo Joey fue acusado de matar a su hermana Susy. Después de un largo periodo de tiempo ingresado en un centro psiquiátrico, su retorno al hogar no va a ser precisamente un camino de rosas al seguir la niñera de la familia al servicio de sus padres. Una niñera a la cual Joey señaló como la verdadera causante de la muerte de su hermana Susy. A partir de ese momento, las muertes volverán a presentarse en el terrible destino de esta familia acomodada y desestructurada.

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Pero, en este largometraje, la extraordinaria interpretación de Bette Davis en el papel de la niñera no solamente lo convierte en mítico. Hay otros actores y actrices situados en otro gran nivel artístico cuyo valor cualitativo dentro de esta obra cinematográfica es el que permite acentuar aún más el glorioso despliegue interpretativo de Bette Davis, haciéndola absolutamente creíble de cara al público. En estas películas resulta crucial que la calidad en la interpretación mostrada por los actores de segundo nivel sea relevante para poder sostener toda la historia, y fascinar así al espectador a través de las emociones que despiertan durante su visualización. En este caso, emociones tensas, viscerales, al observar cómo el engaño y las falsas apariencias van tapando y distrayendo la atención sobre la persona causante de estas muertes. Un fascinante abanico de personajes donde resaltan magníficos actores como William Dix, dando vida al joven niño de diez años llamado Joey Fane que desprecia totalmente a la niñera, y en la que no confía. Con un perfil psicológico marcado por la retorcida intencionalidad de sus actos, el retorno de Joey a la casa será el renacer de la conflictividad en el seno del hogar. Sin duda alguna, las personalidades más fuertes en esta historia son la niñera y Joey, todo lo contrario respecto a la inestabilidad emocional que presentan otros personajes como su madre, Virginia Fane (actriz Wendy Craig), una persona mentalmente débil cuyas acciones y comportamientos terminan desesperándote por su falta de carácter, su padre Bill Fane (actor James Villiers), una persona amargada que elude sus responsabilidades en el hogar amparándose en las exigencias de su trabajo al servicio de la Casa Real inglesa, o haciendo excesivo uso de la autoridad para dominar las situaciones que no controla, la tía Pen (actriz Jill Bennett), una mujer de salud muy delicada por sus problemas de corazón y de estabilidad muy quebradiza que caracteriza a su personalidad, o la joven vecina Bobbie Medman (actriz Pamela Franklin), que se convierte en la persona de confianza de Joey, aunque presenta ciertas pérdidas de la noción de la realidad motivadas por una vida personal donde no se están cumpliendo sus sueños y los cambia por la fantasía. Como pueden comprobar, esta película lo tiene todo para dar cuerpo e intensidad a un buen drama dentro esta obscura atmósfera de suspense.

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“A Merced Del Odio” es una película que marca, que impresiona, que fascina por la terrible crudeza con la cual se presentan en escena los actos más horribles. “A Merced Del Odio” atesora imágenes y escenas en su celuloide que quedarán indeleblemente grabadas en la mente del espectador como, por ejemplo, la estoica entrada de la niñera en la casa a pesar de las muestras de sufrimiento de Virginia Fane ante el retorno de su hijo Joey, el contraste emocional existente en la escena de la cocina donde la sonriente niñera saca la tarta que ha comprado para dar la bienvenida a Joey (mientras se escucha a los padres discutir en otra estancia), la cara de profunda tristeza y de terrible desamparo interior que transmite el rostro de Virginia Fane cuando sale del cuarto y cómo los recuerdos de su hija Susy y su muerte le siguen atormentando, la macabra broma que Joey le gasta a la señora Griggs (actriz Nora Gordon), la ausencia de cualquier muestra de cariño en Bill Fane en el hospital psiquiátrico cuando llega su hijo, los dibujos pintados por los niños expuestos en una de las paredes del hall del hospital, la mirada de rechazo y de desprecio que Joey muestra nada más ver a la niñera, o la impactante imagen de Virginia ante el espejo y el reflejo de la entrada sonriente de Joey en la habitación, una de las mejores escenas en esta película. Lo retorcidamente siniestro está presente cuando Joey guarda la soga debajo de la almohada, cuando Virginia y su hermana Pen charlan y sale a la luz el accidente tras el cual la niñera se hizo cargo de Virginia, la tensión que se respira cuando la niñera le advierte muy seriamente a Joey después de la peligrosa broma al lechero, cuando Joey le gasta a la niñera una broma muy cruel para impresionar a su vecina Bobbie utilizando su muñeca en la bañera, las serias amenazas de Joey a su madre, o la impactante escena en la cual la niñera trata a Virginia como si fuera una niña pequeña para que se coma la cena. ¡¡¡Unas imágenes que lo dicen todo!!! Impresiona observar la indiferencia emocional de Joey tras el envenenamiento de su madre, o tras haber acusado a la niñera de tratar de ahogarlo, o la escena en la cual Joey le cuenta la muerte de su hermana a Bobbie, u otras tan inolvidables como la inquietante imagen de tía Pen durmiendo con los latidos de su corazón como sonido de fondo, la siniestra secuencia cuando tía Pen sufre un ataque al corazón en la cocina y trata de llegar como puede a la habitación para tomar su medicina, la reacción que tiene la niñera en esta situación de emergencia y sus revelaciones a tía Pen, o la entrada de la niñera en la habitación de Joey y la posterior escena de la bañera. ¡¡¡Arte interpretativo por excelencia!!! En definitiva, esta película es una exquisita muestra del mejor cine de la década de los sesenta, y con la magia y la inquietud que provocan en el espectador las imágenes rodadas en blanco y negro. “A Merced Del Odio”, película de culto dentro del cine de horror y suspense. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“KAGEMUSHA, LA SOMBRA DEL GUERRERO (影武者)”, 1980 (Reseña / Review #1689).

Reseña Cultural nº: 1689 // Reseña Media nº: 42
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 23 de noviembre del año 2010 conmemorando el centenario del nacimiento del genial director de cine japonés AKIRA KUROSAWA (1910-1998), y los 30 años de la presentación oficial de esta sublime película (1980).

Director: AKIRA KUROSAWA
Guión: AKIRA KUROSAWA y MASATO IDE
Año: 1980 Duración aprox.: 152 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. Año: 2007
Formato: 2 DVD (EDICIÓN COMPRADA)

KAGEMUSHA LA SOMBRA DEL GUERRERO AKIRA KUROSAWA

Galardonada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes del año 1980, y con el César a la Mejor Película Extranjera otorgado por la Academia de las Artes y Técnicas del Cine de Francia en 1981, “Kagemusha, la Sombra del Guerrero” es una película que la crítica especializada ha valorado como una auténtica obra maestra dentro del universo cinematográfico. De la mano del genial director de cine japonés Akira Kurosawa, a quien admiro profundamente por la calidad artística que siempre ha presentado en cada una de las maravillosas obras que ha rodado, el cinéfilo lector de Lux Atenea que decida asistir a este gran espectáculo visual de la imagen concebida como una obra artística, comprobará con sus propios ojos cómo el color, el movimiento, la coordinación, las tomas, los encuadres… acaban convirtiéndose en la radiante alma de esta película que le dejará fascinado por su sublime belleza. Situada en Japón durante el periodo feudal, su trama está basada en la búsqueda de un doble que pueda hacerse pasar por un poderoso señor feudal ante su inminente muerte, evitando con ello la pérdida de sus dominios. Finalmente encuentran como doble a una persona con un pasado poco honorable, reconduciendo su vida como respetado señor de la guerra. Un ladrón que, de la noche a la mañana, se le presenta una oportunidad única en la vida para renacer y para cambiar su aciago y triste destino a través de una nueva existencia que le otorga sentido vital y orgullo. Pero la vida cotidiana de un poderoso señor feudal también está llena de compromisos, de decisiones importantes que ha de tomar como gobernante, y de inevitables peligros que ha de esquivar, y que le llevarán a replantearse muy seriamente si continúa protagonizando este teatro de la realidad.

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Cuando en España empezó la expansión del formato de vídeo doméstico VHS y de los videoclubs, aparte de alquilar las películas más interesantes del momento, también me aficioné a alquilar películas japonesas debido al fascinante mundo cinematográfico que me mostraban. Unos largometrajes que me cautivaron artísticamente por el cuidado de la imagen y del color como parte plástica fundamental que da sentido a la obra. Con personajes interpretados magníficamente por actores que, viniendo de una esencia artística puramente teatral, daban vida y alma a sus personajes utilizando gestos y expresiones nada comunes en el resto de películas occidentales. Ese estilo tan característico en muchas películas japonesas de la época te obliga a fijar la mirada atentamente en sus personajes, mientras la escena nos ofrece ese ambiente único y bello como solamente los grandes directores japoneses son capaces de inmortalizar dentro del Séptimo Arte. Sobre todo, en tomas exteriores donde la naturaleza, el ser humano, y lo urbano, son considerados como una belleza fugaz que es grabada en fotogramas tras una paciente espera. Y es que no hay nada mejor que la belleza circunstancial y efímera que nos rodea para dar realismo y credibilidad a una trama, independientemente del escenario donde se desarrolle. Como analista cultural, así veo y siento la grandeza del cine japonés a la hora de convertir el escenario y el personaje en el diario de la existencia humana, ya sea en su carácter externo o en su universo personal interior. Uno de estos directores con ese virtuoso don artístico para poder reflejar la belleza en imágenes fue Akira Kurosawa, y en este año 2010 que en Lux Atenea estoy conmemorando el centenario de su nacimiento, es todo un honor y un placer escribir esta reseña sobre una de sus mejores películas: “Kagemusha, la Sombra del Guerrero”. Los tiempos han cambiado radicalmente desde los tiempos del VHS, con todos esos mágicos momentos que me llevaban a buscar una película japonesa en el videoclub y alquilarla sin saber qué te ibas a encontrar luego. Regresando a la actualidad, en esta preciosa edición en doble DVD podrán no solamente admirar esta grandiosa película, sino también conocer un poco más sobre la carrera cinematográfica de este genial director gracias a los extras aquí incluidos (entrevistas con George Lucas, Francis Ford Coppola, y Kurosawa; Akira Kurosawa: es maravilloso crear; Imágenes: la continuidad de Kurosawa…). “Kagemusha, la Sombra del Guerrero”, el color, el movimiento, y los gestos interpretativos convierten a este largometraje en una película de culto dentro del cine japonés más selecto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TINO CASAL. MÁS ALLÁ DEL EMBRUJO”, GERARDO QUINTANA (Reseña #1653).

Reseña Cultural: 1653 // Reseña Literaria: 280
Reseña actualizada. Publicada el 22 de septiembre del año 2011 en Lux Atenea conmemorando el 20º aniversario del fallecimiento del polifacético e inigualable artista español TINO CASAL (1950-1991).

Publicado por: T & B EDITORES
ISBN: 84-96576-51-3
Edición: 2007 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 335

Tino Casal mas alla del embrujo biografia

Dentro de la escena musical en España, ya han pasado 20 años desde que lamentamos su trágica muerte, pero el Arte y la Música del genial e irrepetible artista Tino Casal (11 de febrero de 1950 – 22 de septiembre de 1991) continúa seduciéndome actualmente con su esencia innovadora debido a su tremendo talento a la hora de convertir sus obras y su estilo en algo único e imposible de copiar. Personalmente, la fecha del 22 de septiembre del año 1991 siempre estará presente como uno de los momentos vividos que permanecerán grabados en mi memoria tras conocer su fallecimiento esa misma mañana en los medios de comunicación. Aquel día por la tarde, el legendario grupo musical La Dama Se Esconde nos ofrecía un concierto a sus fieles seguidores en el auditorio del Parque de Atracciones de Madrid, y allí mismo puse una pancarta solicitándoles una canción en homenaje a Tino Casal. Su mítico tema “Una Mano Amiga” sería su acertada elección musical. A los cultos lectores de Lux Atenea les puedo asegurar que ese día 22 de septiembre de 1991, el mundo de la música en España perdió a uno de sus artistas más vanguardistas e innovadores, y su deslumbrante talento aún hoy día no ha sido ni siquiera igualado pese a las dos décadas transcurridas. Como analista cultural, estoy seguro que si el genial artista Tino Casal hubiera nacido en los Estados Unidos de América o en Reino Unido, en una fecha tan señalada, ahora mismo estaría siendo homenajeado tanto por el mundo artístico y musical anglosajón, como a través de los sellos discográficos y de los medios de comunicación (radio, televisión, prensa…) para recordar su incomparable obra artística dentro del universo musical.

entrada concierto La Dama Se Esconde Parque de Atracciones Madrid

Como artista polifacético con inquietudes estéticas muy profundas, Tino Casal no solamente sobresalió por su excelsa obra musical, ya también destacó en otras vertientes artísticas al adentrarse en el mundo de la escultura, de la pintura, y del diseño. Su perspectiva cultural renacentista donde latía el espíritu que le impulsaba a explorar lo nuevo, lo transgresor y vital, lo estético y bello, se acabó convirtiendo en la muestra más clara de su plasticidad reflexiva y de su talento reflejados en sus obras multidisciplinares. Incluso, su fascinante imagen personal en clave barroca ha quedado inmortalizada en nuestra memoria para quienes vivimos y disfrutamos aquellos años. Esa estética barroca tan vital, atrayente, exclusiva, sobrecargada, y, a su vez, armoniosa, lo hacía destacar de forma inconfundible entre el resto de artistas contemporáneos. Una imagen aristocrática y elegante siempre presente como si hubiera estado integrada en su piel desde su nacimiento. Así vivió Tino Casal, intensamente, sacando esa esencia auténtica y vital a todo lo que hace de la vida una experiencia inefable, y con esa mirada artística que observaba más allá de las tendencias mainstream dominantes en su época. Tino Casal se arriesgó a crear todo aquello que nadie había concebido hasta entonces, y sin importarle la inevitable controversia que desatarían sus obras no solo en la sociedad, sino también en el mundo artístico y musical reinante en ese momento. España es un país donde las mentes artísticas más privilegiadas e intelectualmente más avanzadas tienen muchas dificultades para poder expandirse socialmente debido a esta mediocridad reinante, y esta envidia endémica latente en quienes siempre se sentirán inferiores ante el talento, ante las mentes creativas de vanguardia, y ante lo excelso, recurriendo a la asociación entre mediocres para tratar de anular a quien es capaz de crear y de fascinar con sus ideas pioneras. Tino Casal también sufriría ese acoso, ese rechazo, y esa falta de reconocimiento público que diera una justa correspondencia a su virtuosa labor artística, a su desbordante brillantez, y a sus asombrosas muestras de genialidad.

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La lectura del libro “Tino Casal. Más Allá Del Embrujo” es apasionante mientras te informas al detalle sobre su vida. Con suma facilidad te sumerges en los escenarios que dan verosimilitud a esta biografía, exacta en los datos ofrecidos y en el enfoque artístico que su obra supuso. Desde la primera página hasta la última, la vida de Tino Casal va cobrando sentido y magnetismo ente nuestros ojos con la misma intensidad con la cual la experimentó. En esta obra, el bibliófilo lector de Lux Atenea descubrirá su trayectoria artística desde los grupos musicales Los Zafiros Negros y Los Archiduques hasta su carrera en solitario, y cómo en el universo musical británico y en la corriente conceptual del glam encontró el eje y su verdadero sentido como artista creativo hasta configurar finalmente su propio estilo. En estas páginas se describe cuál fue su relación con la movida madrileña y cuáles fueron los obstáculos que encontró entre aquellos músicos y artistas que lo protagonizaron, cuál fue su pasión por el videoclip como imagen audiovisual de su música, y qué importancia tuvo Julián Ruíz como promotor en su carrera. Además, Tino Casal nunca miró por encima del hombro a otros artistas ni cuando estuvo en la cúspide de su éxito y de su fama, cómo Tino Casal supo encontrar en el glamour y en el simbolismo del fetiche, ese luminoso encanto con el cual identificarse en cuerpo y alma para perfilar su estética de vanguardia. Tino Casal también tuvo una faceta artística desconocida como diseñador de portadas de discos, cómo su afán perfeccionista y su “toque” en la composición instrumental supuso una visión revolucionaria de la música como promotor y productor de grupos musicales que acabarían destacando dentro del panorama artístico español por su calidad (Vídeo, Obús, Azul y Negro…), y cómo para satisfacer su indomable espíritu musical tenían que estar presentes los equipos electrónicos más avanzados del momento y los mejores instrumentos musicales, costaran lo que costaran. Así sonó siempre su música, fuera en directo o en estudio, al trabajar con los medios más sofisticados e innovadores que hubieran aparecido en la escena musical.

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En definitiva, tras esta lectura y análisis del libro, quisiera felicitar al autor de esta impresionante biografía porque, como analista cultural llevo muchos años leyendo a autores de libros sobre artistas musicales cuya calidad informativa y narrativa deja mucho que desear. Hay autores que únicamente escriben para poder decir que han escrito tal y cual libro sobre tal y cual artista o estilo musical, pero en las páginas de sus libros no hay análisis, no hay desvelo, no hay comprensión del trasfondo. Otros excelsos autores como Gerardo Quintana, en “Tino Casal. Más Allá Del Embrujo” nos demuestra con total contundencia que su labor informativa ha sido colosal en cuanto a la búsqueda de datos, y de experiencias y opiniones de las personas que también fueron protagonistas en la vida de Tino Casal. Todo ello presentado literariamente a través de un estilo narrativo admirable hasta quedar remarcado este libro como la mejor biografía de Tino Casal que se haya publicado hasta el momento, dejando el listón cualitativo a un nivel tan alto que será casi inalcanzable. En Lux Atenea, la obra musical de Tino Casal en solitario tiene un protagonismo artístico muy especial para mi, y así va a seguir siendo hasta el día que complete toda su discografía en una serie de reseñas musicales sobre las ediciones discográficas originales que tengo en mi colección, compradas a lo largo de los años en vinilo y en CD. Existe un álbum musical al que titularon “Casal Vive”, y hoy en Lux Atenea les puedo asegurar que su alma musical está más viva que nunca. “Tino Casal. Más Allá del Embrujo”, junto a Héroes del Silencio, Tino Casal ha sido de lo mejor que ha habido en los últimos cincuenta años dentro del universo musical en España. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PERCY BYSSHE SHELLEY “ST. IRVYNE O EL ROSACRUZ” (Reseña #1616).

Reseña Cultural: 1616 // Reseña Literaria: 265
Reseña actualizada. Publicada el 14 de octubre del año 2011 en Lux Atenea conmemorando el Bicentenario de la publicación de la obra “ST. IRVYNE O EL ROSACRUZ (1811)” escrita por el ilustre escritor y poeta inglés del Romanticismo PERCY BYSSHE SHELLEY (1792-1822).

Publicado por: CELESTE EDICIONES, S.A.
ISBN: 84-8244-358-5
Edición: 2002 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 135

Shelley St. Irvyne o el Rosacruz

Doscientos años han pasado ya desde la publicación de la obra “St. Irvyne o el Rosacruz” del ilustre genio literario inglés del Romanticismo Percy Bysshe Shelley, y su decimonónico espíritu sigue aún perfumando cada página de este libro en esta segunda década del siglo XXI, ofreciendo al bibliófilo lector de Lux Atenea este trasfondo tan obscuro, tan espiritual, y tan humano a su vez que es característico en la perspectiva vital de los románticos del siglo XIX en la difícil y convulsa época que les tocó vivir. En la magnífica obra “St. Irvyne o el Rosacruz” se encontrarán ante la segunda novela escrita por Shelley dentro del género gótico, y con una ambientación de su trama marcada por el secretismo y por la constante presencia del castillo como sólido y misterioso baluarte de ese mismo secreto. De trama muy ágil pero no del todo articulada en su desarrollo a partir de la mitad del libro (faltan los capítulos V y VI en la obra original), a pesar de ello, “St. Irvyne o el Rosacruz” les proporcionará momentos de lectura únicos donde la intriga es permanece en esta historia hasta su repentino final. Una clausura de la obra donde apreciarán muy claramente cómo Shelley dio por concluida esta novela de forma repentina, y a pesar de faltar esos dos capítulos destinados a explicar y a enlazar la historia de Eloisa con la de Wolfstein y Megalena dentro de la trama. De nuevo, una rotunda y contundente muestra del temperamento pasional como escritor en su etapa más joven, y donde también se puede sentir y disfrutar la belleza y la fuerza del estilo literario con el cual Percy Bysshe Shelley sorprendió al entorno cultural más selecto del siglo XIX. Eso sí, esos borrones puntuales en su trama, desde mi punto de vista, no justifican el tono un tanto negativo que transmite el prólogo de esta edición porque considero que este libro es una obra literaria de Shelley muy buena. Obviamente, no es una de las obras maestras que le convirtieron en un escritor decimonónico de referencia pero, durante su lectura, este libro logrará despertar el interés en el lector de forma inmediata al conseguir estimular su imaginación con suma facilidad, sumergiéndolo en esta intensa y siniestra historia a través de hechos horribles y sangrientos protagonizados por personajes sin escrúpulo alguno. En este aspecto, pese a su juventud, Percy Bysshe Shelley conocía a la perfección cómo enganchar a su lectura desde la primera página. Tras el análisis de esta preciosa edición publicada por Celeste Ediciones en el año 2002, reconozco que es una pena que este escritor que tanto admiro no llegara a escribir los dos capítulos que faltan o tal vez se perdieran, pero no estoy muy convencido de esta segunda opción en vista al estilo narrativo utilizado en los capítulos VII y VIII. Con esta obra terminada al completo, seguro que “St. Irvyne o el Rosacruz” sería considerada y valorada como una de sus obras de imprescindible lectura.

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Wolfstein es el nombre del protagonista principal de esta obra. Un ser marcado por la desgracia y por la maldad mientras deambula de un lado a otro en busca de un lugar donde poder asentarse en paz y tranquilidad. Uno de los puntos débiles principales que tiene es su apasionamiento que, unido a su instinto asesino implacable y a un carácter impulsivo, hacen que Wolfstein siempre esté totalmente condicionado por lo irracional en cada decisión a tomar o en cada acto. Aunque ocasionalmente muestra ciertos gestos de bondad en esta historia, al final su lado oscuro siempre acaba orientando sus actos hacia su propia perdición debido a las consecuencias que éstos traen consigo, siendo Ginetti, otro de los personajes más siniestros de esta historia. Aparentemente, Ginetti trata de atraer a Wolfstein a su propio terreno para sacarle de su horrible vida. En realidad, Ginetti es el único ser al que Wolfstein teme porque nunca llega a percibir o entender claramente cuáles son las verdaderas intenciones que le tiene asignadas, y cuando Wolfstein hace un juramento a Ginetti que resulta crucial en esta trama, el destino le caerá implacablemente. A pesar del duro y difícil mundo que les toca vivir, otros personajes como Megalena y Olympia desde el lado luminoso de la bondad se lanzan de lleno al lado más obscuro y perverso del ser humano, quedando resaltadas como contraste moral y ético de otros personajes femeninos más puros como Eloisa.

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El mensaje literario y filosófico que queda rotundamente claro en el libro “St. Irvyne o el Rosacruz” es que lo moral y lo ético siempre quedan en un segundo plano frente al interés egoísta del ser humano, además del maquiavélico lema de “el fin justifica los medios” que se convierte en el modus operandi de estos personajes cuando tratan de conseguir aquello que desean, incluso, llegando al asesinato si fuera necesario. Con el profundo temor a la muerte que caracteriza a los seres humanos sobrevolando una gran parte de esta trama, y con lo espiritual siempre situado en un segundo plano salvo en las últimas páginas, por su temática y por su perspectiva, sin duda alguna, “St. Irvyne o el Rosacruz” es un libro que encaja perfectamente en la sociedad del siglo XXI debido a los planteamientos y a las lógicas existenciales que presentan la mayor parte de sus personajes. “St. Irvyne o el Rosacruz” ofrece ese trasfondo filosófico postindustrial y posmoderno caracterizado por la irresistible atracción hacia lo material, por la búsqueda del placer, y por el rechazo hacia todo lo relacionado con la muerte que aquí se encuentra siempre presente. Como apunte final, en esta obra los cultos lectores de Lux Atenea no encontrarán referencia alguna a lo rosacruz, y creo que la mención en su título estuvo más bien orientada a despertar el interés del público en aquella época. “St. Irvyne o el Rosacruz”, otra joya literaria del Romanticismo decimonónico firmada por uno de sus genios artísticos más excelsos. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PERCY BYSSHE SHELLEY “PROMETEO LIBERADO” (Reseña #1615).

Reseña Cultural: 1615 // Reseña Literaria: 264
Lux Atenea conmemora el Bicentenario del fallecimiento del ilustre poeta inglés del Romanticismo PERCY BYSSHE SHELLEY (1792-1822).
Reseña actualizada. Publicada el 1 de noviembre del año 2008 en Lux Atenea.

Publicado por : EDICIONES HIPERIÓN
ISBN : 84-7517-414-0
Edición : 1998 (EDICIÓN COMPRADA)

Prometeo liberado Percy Bysshe Shelley

Como analista cultural afín a la perspectiva gótica de la vida siempre me ha apasionado la obra literaria de Percy Bysshe Shelley (1792-1822), uno de los poetas más grandiosos y distinguidos que haya existido en la Historia de Europa. Aunque su vida fue bastante corta (murió ahogado a la edad de 30 años), no por ello estuvo falta de intensidad en el amor y en la pasión. Luces que siguen y seguirán iluminando a las almas sensibles, porque Shelley personifica esa radiación espiritual y artística que siempre rechazarán los ineptos y los incultos incapaces de ver o de sentir el lado espiritual y trascendente de la vida. Un estímulo vital destinado a quienes desean fortalecer su alma durante la existencia terrenal a través de la Belleza, de la sensibilidad, de la armonía estética, y del Amor. Ya sabemos que la estrella que más brilla en el cielo es precisamente la que tiene una vida más corta, pero, mientras haya un cielo cultural a través del cual sentir la inmensidad inescrutable de lo Sublime, la estrella Shelley siempre será uno de los pilares existenciales donde apoyarme para alzar la mirada y abstraer la mente en la Armonía Universal regida por el Ideal. Una identificación con su mensaje artístico que ha transformado a Shelley en la reafirmación poética sobre cómo entender el sentido de la vida y de la muerte en este mundo. En esta magna obra, los bibliófilos lectores de Lux Atenea comprobarán cómo este ilustre poeta es un artista privilegiado a la hora de moldear sus ideas inspiradoras, adornándolas bellamente con ese magnético cincel tan seductor como es la sonoridad de las palabras, tal y como lo haría el enamoradizo sátiro tratando de impresionar a una dulce sílfide. Como poeta, Shelley es un todo un maestro en esta labor de orfebrería lírica y musical. Además, tras la lectura y análisis de esta obra maestra, durante los días en los cuales he estado escribiendo esta reseña también he estado releyendo una obra literaria de Aleister Crowley donde he podido disfrutar, entre otras cosas, del excelente comentario que Crowley realizó sobre Percy Bysshe Shelley en ese libro, quedando de nuevo impresionado por la visión tan profunda y detallada que ofrece al lector sobre su persona y obra. Como pueden comprobar, el embrujo literario que nos brinda Percy Bysshe Shelley no puede ser más fascinante y atrayente.

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Antes de analizar estos mágicos versos, lo primero que quisiera resaltar a los cultos lectores de Lux Atenea es el protagonismo de Prometeo en estos poemas. Prometeo es una divinidad griega perteneciente a la raza de los Titanes e hijo de Jápeto (que a su vez es hijo de Urano y Gea, el Cielo y la Tierra respectivamente) y Clímene (hija de Océano y Tetis). Algunas fuentes señalan a Prometeo como origen de la creación del ser humano usando arcilla, pero los expertos suelen referirse a él mayoritariamente como una divinidad que simpatiza con la Humanidad. Un amor hacia los seres humanos que le llevará a robar el fuego que Zeus les arrebató en el pasado para devolvérselo, y ese acto de rebeldía y de desobediencia hacia Zeus provocará su ira, ejecutando su implacable venganza sobre todo con Prometeo. A los seres humanos les enviará un siniestro regalo en forma de mujer llamada Pandora, creada por Hefesto y Atenea por mandato del propio Zeus, siendo el destino de Pandora el realizar la apertura de una vasija sagrada que contenía todos los males en su interior. De esta forma, la esperanza que en el futuro pueda cambiar el trágico presente de la Humanidad quedará como único consuelo en los seres humanos, y teniendo siempre al infortunio y a la desesperanza como otra cara de la moneda a pagar en vida.

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A Prometeo, en cambio, le esperará un cruel castigo debido a su ingenio y a sus argucias tras haberse burlado por segunda vez de Zeus al ayudar de nuevo a los seres humanos durante el sacrificio de un buey en Mecone. Por ello, Zeus ordenará a Hefesto que encadene a Prometeo al Cáucaso, enviándole a continuación a un águila (nacida de Equidna y Tifón) que le devorará el hígado durante el día. Lo terrible de este castigo es que, durante la noche, su hígado se regenera totalmente hasta quedar listo para el siguiente despedazamiento diurno debido a que Prometeo es inmortal. Zeus promete que jamás le liberará y, pese a todo, Prometeo no se doblega ante el espantoso suplicio que tiene que padecer día tras día porque tiene guardado un as en la manga: al tener el don de la profecía, conoce cuál es el destino de Zeus, y su liberación final vendrá de la mano de Heracles, también conocido como Hércules en la cultura romana. Pero ese interesante momento mitológico prefiero dejarlo en manos de la curiosidad despertada en el culto lector de Lux Atenea. Retornando a “Prometeo Liberado”, este es un grandioso libro considerado por muchos expertos como la obra maestra de Percy Bysshe Shelley. En su interior disfrutarán de una de las creaciones poéticas más vivas y conmovedoras jamás escrita, convirtiendo cada página leída en una apasionante visión del universo mitológico. En “Prometeo Liberado”, los poemas brillan con el poder del Amor imponiéndose siempre sobre las calamidades y sobre el desánimo, y, de cada una de las palabras que dan forma y sentido a la obra “Prometeo Liberado” emanan aires de inconformismo porque Prometeo es una figura mitológica relevante que se opone a la subordinación. En el fondo, Prometeo no es más que el reflejo del ser que ama la libertad de decisión y de elección, asumiendo las consecuencias que esta conducta pueda traer consigo cuando su acción es opuesta a la corriente social mayoritaria o a los dictados del poder establecido. “Prometeo Liberado”, cuando lean esta obra poética tengan cuidado con las águilas políticamente correctas, su hígado puede correr serio peligro. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

PERCY BYSSHE SHELLEY - PROMETEO LIBERADO

Félix V. Díaz
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