“EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI (das kabinett des Dr. Caligari)”, 1920 (Reseña / Review #1762).

Posted on 26 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1762 // Reseña Media nº: 115
Reseña actualizada. Publicada el 20 de enero del año 2015 en Lux Atenea.

Director: ROBERT WIENE
Guión: CARL MEYER, HANS JANOWITZ
Actores principales: WERNER KRAUSS (doctor Caligari), CONRAD VEIDT (Cesare), LIL DAGOVER (Jane), FRIEDRICH FEHÉR (Franzis), HANS HEINRICH von TWARDOWSKI (Alan), RUDOLF LETTINGER (doctor Olson)
País: ALEMANIA Año: 1920 Productora: RUDOLF MEINERT – ERICH POMMER / DECLA Duración aprox.: 77 minutos
Publicado en España por: DIVISA HOME VÍDEO
Año: 2014 Formato: DVD nueva edición restaurada (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Doctor Caligari: El nacimiento del horror en la Primera Guerra Mundial // Galería // Fichas // Filmografías

Como analista cultural, valoro a esta mítica película muda como una de la máximas representantes del cine de culto por su excelencia artística. Con ella surge el Big Bang creativo que experimentaría el cine alemán a través del nacimiento de esta corriente expresionista que tantas joyas cinematográficas nos ha legado. Por el virtuosismo creativo y pionero del legendario director de cine germano Robert Wiene (1873-1938), el gótico largometraje “El Gabinete Del Doctor Caligari” se erige majestuosamente como la primera película del Expresionismo alemán, elevando la grandeza artística mostrada por el cine mudo gracias a su hipnótica capacidad para hechizarnos, para seducir la mente del cinéfilo lector de Lux Atenea en cuanto contemple este espectáculo cinematográfico. Una magnética atracción por el terror psicológico en esta historia de suspense que vio la luz en el año 1920, a través de esta genial distorsión de la realidad donde las atmósferas angustiosas cobran vida en entornos densos y opresivos, y donde el factor mental y psicológico se presenta intenso y provocador ante los ojos del espectador. Todo gracias a esta fascinante belleza estética utilizada para dar trasfondo y carácter único a estos escenarios mediante el uso de formas distorsionadas, retorcidas, y tan mágicamente irreales por la perspectiva visual en diagonal que proyectan, y que fueron diseñados y pintados por los artistas Hermann Warm, Walter Röhrig, y Walter Reimann para pasar a la Historia del Séptimo Arte. En esta lujosa edición en formato DVD publicada por la prestigiosa compañía Divisa Home Vídeo en el año 2014, se ha incluido la edición restaurada del negativo original que fue realizada por la Fundación Friedrich Wilhelm Murnau en una coproducción de 2DF en colaboración con el canal Arte y Transit Film, siendo proyectada por primera vez al público el día 9 de febrero de 2014 en el Festival Internacional de Berlín, Berlinale. Una laudable restauración en 4K realizada por L’Immagine Ritrovata para recuperar esta película de culto hasta ofrecer al cinéfilo una calidad excepcional e inimaginable hace tan sólo unos años, además de ser la edición más completa de todas las existentes al haber pasado de sesenta a más de setenta minutos de duración. En esta publicación en DVD también se ha incluido la banda sonora compuesta e interpretada por el artista estadounidense John Zorn para esta edición restaurada de la película, junto al interesante documental “Doctor Caligari: El nacimiento del horror en la Primera Guerra Mundial” de más de cincuenta minutos de duración que encantará a los cultos lectores de Lux Atenea que adquieran esta lujosa edición. Como analista cultural, me ha sorprendido e impresionado el nivel de calidad que se ha logrado alcanzar en esta restauración de las imágenes de la película. ¡¡¡Chapeau!!!

“Cesare, yo te llamo; yo, el doctor Caligari, tu amo. Despierta por un instante de tu oscura noche.”

Quisiera remarcar la admirable labor interpretativa mostrada por los actores en esta película, hasta dar absoluta credibilidad al siniestro ambiente de distorsión psicológica de la realidad expuesto en esta historia. Entre sus actores principales, quisiera destacar muy especialmente el extraordinario trabajo interpretativo realizado por el actor Werner Krauss, dando vida al doctor Caligari con esta extraña actitud, estos andares, esta siniestra mirada en un rostro marcado por el tiempo, además de transmitir esa Sabiduría y ese Conocimiento oculto al común de los mortales. El doctor Caligari, que inicialmente vemos manipulando a Cesare aprovechándose de su sonambulismo para que cometa asesinatos, tras un giro radical en esta historia se presentará su perfil real que cambiará completamente la visión que el espectador tenía sobre este personaje ya resaltado en el título del largometraje. Si en algo es artísticamente transgresor e innovador “El Gabinete Del Doctor Caligari” es en estos giros radicales que suceden en su trama, y que provocan cierto desconcierto. Giros cinematográficos que, llevados a una época más actual, serían comparables a los utilizados por el maestro David Lynch en algunas de sus películas más emblemáticas como, por ejemplo, en “Carretera Perdida (lost highway)”, ya reseñada en este blog cultural. Otro de los grandes valores cinematográficos que presenta este mítico largometraje es el expresivo maestro de la interpretación Conrad Veidt en el papel del sonámbulo Cesare. Un laudable actor de gloriosa carrera cinematográfica, y cuya mítica película de culto “El Hombre Que Ríe” (ya reseñada en Lux Atenea) recomiendo disfrutar a los cinéfilos lectores. Retornando a esta película, con sus gestos, con su mirada, con estas expresiones… Conrad Veidt se presenta como un auténtico mago del encanto teatral llevado a la gran pantalla para provocar emociones intensas. Un legendario actor que ha dado vida y alma a personajes convertidos ya en iconos no solamente dentro del cine mudo, sino también en la Historia más ilustre del Séptimo Arte. Un virtuosismo interpretativo absolutamente sublime y capaz de empatizar con el espectador, transmitiéndole emociones y sentimientos más propios de entornos espirituales por sus claroscuros que a través del reflejo visual estrictamente cinematográfico. Sin duda alguna, Conrad Veidt tiene ese carisma, ese don tan especial para adueñarse de la pantalla en cuanto hace acto de presencia sin que muchas veces sea necesario hacer grandes gestos. Incluso en la inmovilidad más absoluta, como cuando el doctor Caligari presenta a Cesare al público ante los ojos de Franzis y Alan, Conrad Veidt sigue dominando totalmente la escena con su carisma artístico. El sonámbulo Cesare te fascinará nada más verlo, como si el actor Conrad Veidt hubiera nacido específicamente para dar vida y credibilidad en pantalla a este icónico personaje.

Seis actos vertebran la trama de esta tenebrosa y siniestra historia marcada indeleblemente por la ruptura de la realidad y de la cordura mental, y que comenzará en un tranquilo y extraño patio donde Franzis (actor Friedrich Fehér) empezará a narrar un misterioso suceso que le ocurrió en la feria de su pueblo natal, Holstenwall (Alemania), junto a su amigo Alan (actor Hans Heinrich von Twardowski). En el pueblo aparece el doctor Caligari para conseguir el permiso que le permita ofrecer su atracción en la feria, donde un sonámbulo con el don de la adivinación es el protagonista: Cesare. A partir de ese momento, en el pueblo se empiezan a descubrir asesinatos sin explicación aparente, y cuando Franzis y Alan entran en la atracción del doctor Caligari, la vida de Alan quedará sentenciada cuando Cesare le pronostique que morirá pronto. Tras conocer la muerte de su amigo, las sospechas se despertarán en Franzis respecto al doctor Caligari y su tenebroso sonámbulo, y cuando su novia Jane (actriz Lil Dagover) es secuestrada por Cesare, se produce un hecho crucial en esta historia al no querer matarla Cesare por orden del doctor Caligari. Huyendo con ella, es perseguido, pero a partir de aquí, sueños, locuras, imaginación, fantasías, secretos, pesadillas, y la realidad, se entrecruzarán en esta distorsión psicológica reflejada siempre con arte y maestría durante toda esta obra cinematográfica, creando esta amalgama de esencia conceptual surrealista y fuerte impacto visual y psicológico. También caerá el velo que ocultaba la auténtica realidad, mostrándose el verdadero trasfondo de esta historia, de ahí que su fundamento conceptual relacionado con el terror psicológico se convierta en la etiqueta perfecta para poder catalogar a esta película porque su trama no es lineal, sino que está llena de sorpresas que invito a descubrir a los cinéfilos lectores de Lux Atenea durante su visualización. El mundo psicológico y onírico, junto a ese espejo con dos caras opuestas (fantasía e imaginación), serán los que les permitirán desvelar la auténtica realidad del doctor Caligari. Sin duda alguna, Carl Mayer y Hans Janowitz mostraron su más sublime maestría a la hora de escribir este fascinante y sorprendente guion, teniendo en cuenta que estamos hablando de una película rodada en el año 1919, tan solo un año después del final de la Primera Guerra Mundial, siendo proyectada por primera vez al público el día 26 de febrero del año 1920 en la ciudad de Berlín.

“No puede haber sido Cesare: Cesare estuvo durmiendo todo el tiempo.”

Gracias a su magia artística tan cautivadora, de la película “El Gabinete Del Doctor Caligari” quisiera destacar imágenes y escenas imposibles de olvidar como, por ejemplo, la fantasmagórica aparición de Jane en la escena al principio de la película, la sonrisa que provoca ver al pequeño mono en la feria amenazando a todo aquel que se acerca al organillero para darle unas monedas y cómo desafía al enano, la triste y desangelada habitación del secretario del ayuntamiento donde encuentran su cuerpo y el curioso diseño utilizado para representar el cristal roto de la ventana por donde entró el asesino, la siniestra aparición de Cesare ante el público, la solemne y mítica secuencia del despertar de Cesare y su inolvidable rostro mitad clown mitad terror gótico, la terrible escena cuando Alan pregunta a Cesare por su destino, o la sombra del asesino apareciendo en la habitación de Alan, y sus gestos con las manos ante el mortal peligro que se cierne sobre él. La belleza y la estética gótica de “El Gabinete Del Doctor Caligari” son únicas y fascinantes como, por ejemplo, la calle por la cual transitan Franzis y Alan en un entorno psicológicamente opresivo como si las paredes fueran a colapsarse en cualquier momento sobre ellos y con estas líneas dibujadas como si fuera la partitura de un músico loco, observando el interior de este angustioso y caótico ayuntamiento, el diseño completamente surrealista del asiento y de la mesa del secretario del ayuntamiento, el lúgubre y amenazante estilo de letra utilizado para los carteles del guion de la película, el diseño interior de la casa de Franzis donde es todo un placer parar la imagen y recrearse en su contemplación, el tenebroso diseño del cartel de Cesare el sonámbulo, el insólito diseño del florero que aparece en la escena donde Jane está leyendo un libro, o la visión de estas extrañas calles y siniestras casas del pueblo de Holstenwall donde los ángulos de 90 grados son escasos, y donde uno inmediatamente encuentra la fuente de inspiración que halló el director estadounidense Tim Burton para algunas de sus más famosas creaciones artísticas (recomiendo la lectura del libro “Tim Burton por Tim Burton” ya reseñado en Lux Atenea). Todo en esta película de culto es espectacular en su estética visual, como la gran altura y el diseño piramidal que presenta la celda y la poliédrica forma del peso al que está encadenado el preso, quedando centrada la atención visual en él incluso a través de las formas dibujadas en el suelo, o la intrigante escena donde Franzis entra en el manicomio, situándose en su patio curiosamente a la izquierda y justo donde convergen los dibujos (como también ocurría con el preso en la celda), además del terrorífico diseño del despacho del director del manicomio con libros amontonados en el suelo y en su mesa, el esqueleto humano colgado… y que ya se intuía previamente en el lúgubre diseño del pasillo que conduce a esa estancia.

El largometraje “El Gabinete Del Doctor Caligari” es muy tétrico y obscuro, presentando escenas muy impactantes como cuando las maléficas miradas del doctor Caligari y Cesare quedan fijadas en Jane estando sola dentro de la carpa y que provocan que se sienta amenazada y salga corriendo, la tenebrosa salida del cementerio protagonizada por Franzis, Jane y su padre tras haber asistido al entierro de Alan en este escenario de siniestra belleza, la imagen un tanto fúnebre donde se ve al doctor Caligari con Cesare tumbado a su lado hasta dar la impresión de que estuviera velando a un muerto, la extraordinaria escena de la entrada del sonámbulo en el despacho del doctor Caligari, la mítica secuencia donde se ve a Cesare llevándose a Jane y la huida de éste tras dejar a Jane en el camino al ser perseguido por la gente, la impactante visión de la cara del doctor Caligari tras haberle puesto la camisa de fuerza, y la siniestra y terrible escena final en el populoso patio del manicomio con la furiosa respuesta de Franzis. Una de las más espectaculares y siniestras imágenes en esta película aparece con la sombría y empinada escalera que Franzis ha de subir para comunicar la muerte de su amigo a los agentes de la autoridad, o con la terrorífica llegada de Cesare a la habitación de Jane donde ella queda situada en un primer plano, y en una posición dormida que inspirará a la famosa escena de la película de culto “Nosferatu” (1924), cómo éste es incapaz de matarla, e impresiona observar el perturbado rostro de Cesare y su cara de loco cuando despierta a Jane y la agarra para llevársela. Como pueden comprobar, esta película convierte setenta minutos de proyección en una constante y exquisita estimulación de los sentidos durante su atenta visualización, porque “El Gabinete Del Doctor Caligari” representa fielmente lo que es la magia del cine y por qué ha conseguido conquistarnos de forma tan apasionada.

“Hay fantasmas… nos rodean por todas partes.”

Como último apunte, invito a los cultos lectores a reflexionar sobre la influencia que tuvo esta mítica película en la estética siniestra que caracterizó al legendario grupo musical gótico Bauhaus a finales de la década de los setenta y principios de los ochenta, con su mítico cantante Peter Murphy a la cabeza. Observo atentamente algunas escenas de esta película, e inmediatamente vienen a la mente algunas imágenes de los videoclips y fotografías protagonizadas por Peter Murphy. Una influencia estética en la cual también profundizó el magnífico Gavin Baddeley en su extraordinario libro “Los Ángeles Del Pecado. Cultura Gótica II” (ya reseñado en Lux Atenea). En el fondo, el Expresionismo alemán renaciendo en el siniestro mundo musical gótico. En esta reseña también he hecho mención a otros genios cinematográficos como David Lynch o Tim Burton, e invito a seguir sumergiéndose dentro de esta interesante temática ya que les deparará grandes descubrimientos que no esperaban. La influencia estética y conceptual de esta película en artistas posteriores sigue teniendo una larga sombra que se proyecta hasta nuestros días, de ahí su eterna grandeza y prestigio inmutable dentro de la vanguardia. “El Gabinete Del Doctor Caligari”, película de culto y obra maestra por excelencia dentro del Séptimo Arte, y del Expresionismo alemán más selecto e innovador rodado en Europa. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SINISTER”, 2012 (Reseña / Review #1758).

Posted on 26 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1758 // Reseña Media nº: 111
Reseña actualizada. Publicada el 26 de mayo del año 2013 en Lux Atenea.

Director: SCOTT DERRICKSON
Guión: C. ROBERT CARGILL, SCOTT DERRICKSON
Actores principales: Ethan Hawke (Ellison Oswalt), Juliet Rylance (Tracy), Fred Dalton Thompson (sheriff), James Ransone (policía), Michael Hall D´Addario (Trevor), Clare Foley (Ashley)
País: EE.UU Año: 2012 Productora: AUTOMATIK ENTERTAINMENT / BLUMHOUSE PRODUCTIONS / POSSESSED PICTURES
Duración aprox.: 115 minutos
Publicado en España por: AURUM PRODUCCIONES, S.A.
Año: 2013 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Comentario de la película con el director: Scott Derrickson // Comentario de la película con los guionistas: Scott Derrickson y C. Robert Cargill // Autores de crímenes reales // Vivir en una casa de la muerte // Trailer en español

“Sinister” es un largometraje que lo tiene todo para ser considerado como película de culto, aunque este prestigioso galardón artístico otorgado por los cinéfilos más apasionados suele tardar un tiempo en ser reconocido públicamente. A veces, incluso pasan varias décadas. Estrenada oficialmente en los Estados Unidos de América a finales del año 2012, “Sinister” es una excelente película de terror donde oscuros hechos sobrenaturales vertebran cada una de sus escenas hasta llevarnos a un impresionante e inesperado final. ¡¡¡Y qué final de película!!! Teniendo como actor principal a Ethan Hawke interpretando con maestría el papel del escritor Ellison Oswalt, es precisamente la extraordinaria labor realizada por otros actores de segundo nivel como Juliet Rylance en el papel de su esposa Tracy, de Clare Foley y Michael Hall D’Addario interpretando con credibilidad a sus hijos Ashley y Trevor, la impactante presencia en pantalla del actor Vincent D’Onofrio como el erudito profesor Jonas, o del preocupado y enigmático sheriff de King County interpretado por Fred Dalton Thompson, lo que convierte a este largometraje en una obra maestra como thriller de corte paranormal. Además, el uso en esta historia del metraje encontrado de forma fortuita, y que utiliza el director Scott Derrickson para perfilar esta obra cinematográfica uniéndola técnica y artísticamente a otras películas de culto como “The Blair Witch Project” (1999) o “Cloverfield” (2008), nos ofrece un realismo que sobrecogerá al cinéfilo lector de Lux Atenea. Estas tomas inestables y aceleradas más propias del cine underground y de vanguardia, y esta visión de las escenas en primera persona impactan y conmueven. Si a todo ello le unimos esta terrorífica banda sonora compuesta por Christopher Young (recomiendo la lectura de la reseña musical BSO / OST “Sinister”), a la cual se ha añadido los míticos y sobrecogedores temas “Sacrifice”, “Call From The Grave”, y “Enthral” del legendario dúo musical noruego Aghast, y el tema “Waking Cthuhlu” de Aghast Manor, el perfil siniestro no puede tener una mayor relevancia sonora en esta película de terror.

Hay películas que te impactan y te sorprenden nada más verlas. Escenas y tramas donde uno se identifica plenamente con el arte cinematográfico mostrado por el director a través de secuencias e interpretaciones de sus actores que transforman ambientaciones y acciones en algo casi real, palpable, y siniestramente actual a pesar de ser una historia de terror ficticia. Cuando en el Séptimo Arte aparece un largometraje con esta alma conceptual, la obra pasa a ser vista como algo muy personal y profundo porque, en el fondo, la obra cinematográfica termina convirtiéndose en una película de culto para el cinéfilo. Cuando además, una obra cinematográfica dentro del cine de terror logra despertar ese imaginario oscuro, fantasmagórico, ilusorio, y extrañamente atrayente en el espectador, se produce una especie de siniestra catarsis que ha hecho diferenciar siempre al cine de terror, de horror, y de suspense del resto de géneros cinematográficos. Un estilo a la hora de hacer cine que sigue estando muy vivo en la actualidad para muchos amantes del Séptimo Arte. Si además unimos a esta atracción la suma constante de películas consideradas de culto dentro de este mismo género, está claro que directores con este instinto creativo como Scott Derrickson en “Sinister”, empiezan a brillar con una luz muy especial de cara a un futuro teñido de grandeza artística de carácter legendario.

“La única conexión entre todos los asesinatos es que mata a todos los miembros de la familia menos a uno.”

Esta historia de terror y suspense comienza con la siniestra visualización de la grabación doméstica en cinta de película de Super 8, donde cuatro miembros de una familia están encapuchados y atados por el cuello con sogas que están sujetas a una gran rama de un árbol. Cuando es cortada, el fatídico final de sus vidas queda grabado con horror en esa macabra cinta. A continuación, se inicia esta historia sobrenatural y paranormal con la llegada de la familia del escritor Ellison Oswalt (actor Ethan Hawke) a su nueva casa, lugar donde espera encontrar la inspiración literaria que le haga retornar al éxito entre el público. Realizando la mudanza con su esposa Tracy (actriz Juliet Rylance), Ellison Oswalt es visitado por el sheriff de la localidad (actor Fred Dalton Thompson) para tratar de convencerle de que lo mejor que puede hacer él y su familia es marcharse de allí. Y es que Ellison Oswalt ha elegido esa casa precisamente por los extraños y sangrientos sucesos que allí ocurrieron, habiendo ocultado esa información a su familia. Una vez allí, lo primero que le llama la atención es ese gran árbol con la rama cortada aun colgando de él. Cuando sube al desván de la casa, allí encuentra una caja que contiene cintas domésticas en formato Super 8 tituladas “Jugando en familia ´11”, “Barbacoa ´79”… junto a un proyector. Todo aparenta normalidad con la familia estableciéndose definitivamente allí, pero cuando Ellison Oswalt empieza a reconstruir en su despacho los crímenes que allí sucedieron y visualiza el contenido de esas cintas, su vida cambiará radicalmente. La contemplación directa del horror ocurrido en esa misma casa parece sobrepasarle, quedando ese misterio envuelto aún más con lo enigmático por la desaparición de la hija de la familia allí asesinada. Fruto de sus investigaciones, descubrirá que esas cintas fueron grabadas por diferentes familias que aparecieron salvajemente asesinadas en varios lugares, tal y como quedaron grabadas en ellas, y además ampliando esta atmósfera de tensión y terror, una serie de inexplicables sucesos empezarán a ocurrirle hasta llevar a Ellison Oswalt al límite de sus fuerzas en esta inquietante investigación que terminará por obsesionarle. Con la entrada en escena del erudito profesor Jonas (actor Vincent D’Onofrio), de una deidad infernal de origen babilónico llamado Bughuul, y el descubrimiento del enigma que envuelve a estos salvajes e inexplicables crímenes familiares, la película “Sinister” tiene como colofón uno de esos finales que los cinéfilos lectores de Lux Atenea no olvidarán. Este largometraje lo tiene todo para que disfruten el mejor cine de terror con intensidad, pasión, miedo… y algún que otro susto.

La magia del Séptimo Arte provoca una atracción mental clara e inconfundible porque algunas de sus escenas rodadas quedan grabadas en la memoria del espectador. En esta excelsa película de terror sobrenatural me han impactado algunas impresionantes secuencias como la escena inicial de la cinta de Super 8 que ya de entrada te deja helado, la escalofriante escena donde su hijo Trevor sale de una caja situada inexplicablemente en un pasillo de la casa, con la brutal imagen de los degollamientos reflejados en las gafas de Ellison Oswalt mientras suena este impresionante tema de Aghast como música de fondo, la terrorífica escena donde la imagen de Bughuul cobra vida en la pantalla del portátil de Ellison Oswalt y luego él observa cómo fantasmagóricas manos lo empujaban hacia abajo en la grabación de su accidente en el desván, la impresionante escena del escritor recorriendo la casa mientras los espectros de los niños le observan (reflejando fielmente en sus movimientos la distinta dimensión espacio-tiempo en el que se mueven para un mismo instante), la espeluznante secuencia de la piscina con la siniestra figura de Bughuul observando desde el fondo de ella y girándose luego hacia la cámara, la atroz revelación contenida en las secuencias extendidas que Ellison Oswalt encuentra sorprendentemente en su nueva casa, o la impactante visualización de cada una de las brutales secuencias grabadas en Super 8 con ahogamientos (“Fiesta piscina ´66”), incineraciones (“Barbacoa ´79”), mutilaciones usando un cortacésped (“Trabajo en el jardín ’86”), degollamientos (“Hora de dormir ’98”), y ahorcamientos (“Jugando en familia ´11”). Lo tenebroso, lo siniestro, y lo demoníaco son esenciales en esta película como, por ejemplo, en el uso simbólico que el director hace del escorpión como claro aviso cuando el escritor sube al desván, observar la misteriosa tapa de la caja en cuyo interior han dibujado cada uno de los asesinatos grabados en cinta y donde está siempre presente un misterioso personaje llamado Mr. Boogie, la fantasmagórica escena del perro negro gruñendo mientras observa a los espectros de los niños situados detrás de Ellison Oswalt, la simbólica escena donde Ellison Oswalt quema el proyector y las cintas en el jardín de la casa, o la impactante visión de los sangrientos símbolos y signos directamente relacionados con el demoníaco Bughuul, el cual necesita devorar a las almas de los niños para poder vivir. En esta magnífica edición en formato DVD siempre es de agradecer que se hayan incluido en los extras los comentarios del propio director e, incluso, el comentario de sus guionistas Scott Derrickson y C. Robert Cargill. La compañía Aurum Producciones (desde 2013, renombrada como eOne Films) también ha tenido un gran acierto al incluir los documentales “Autores de crímenes reales” y “Vivir en una casa de muerte” en este DVD porque son impresionantes. En definitiva, una edición perfecta para inmortalizar esta magna obra destinada a ser admirada durante los próximos años por su calidad artística y por su irresistible trama de suspense. “Sinister”, película de imprescindible visualización para los amantes del mejor cine de terror rodado en este siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“ENTIERRO A MEDIANOCHE (Bowery at midnight)”, 1942 (Reseña / Review #1757).

Posted on 25 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1757 // Reseña Media nº: 110
Reseña actualizada. Publicada el 10 de febrero del año 2013 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a empresa TEMA DISTRIBUCIONES por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Director: WALLACE FOX
Guión: GERALD SCHNITZER
Actores principales: BELA LUGOSI (profesor Frederick Brenner / Karl Wagner), WHEELER OAKMAN (Stratton), LEW KELLY (Doc Brooks), DAVE O´BRIEN (Pete Crawford), TOM NEAL (Frankie Mills), JOHN ARCHER (Richard Dennison), WANDA McKAY (Judy Malvern), JOHN BERKES (Fingers Dolan), ANNA HOPE (Mrs. Brenner)
País: EE.UU Año: 1942 Productora: BANNER PRODUCTIONS / MONOGRAM PICTURES Duración aprox.: 61minutos
Publicado en España por: TEMA DISTRIBUCIONES Año: 2009
Formato: Digipak 2DVD de seis paneles “The Bela Lugosi Collection” (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)

DVD: Entierro A Medianoche // Asesinato Por Television // Bela Lugosi Contra El Gorila // Los Ojos Misteriosos De Londres
EXTRAS: Trailers de Bela Lugosi // Selecciones de Drácula // Bela Lugosi en You Asked For It // Biofilmografía de Bela Lugosi // Galería de fotos

“Entierro A Medianoche” es una hipnótica película donde el protagonismo de la mítica figura artística de Bela Lugosi atraerá a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. Incluida en versión original subtitulada dentro de la lujosa edición en digipak 2DVD “The Bela Lugosi Collection” publicada por la compañía Tema Distribuciones, “Entierro A Medianoche” es un thriller donde el cine fantástico y de terror se funde en esta misteriosa trama con un notable ritmo de asesinatos a lo largo del largometraje, y donde nada es lo que parece. Teniendo como escenario principal a la famosa calle neoyorquina Bowery situada en Manhattan, esta historia comienza con Fingers Dolan fugándose de la prisión, un delincuente apodado ‘manitas de oro’ que es muy bien interpretado por el actor John Berkes. Tras robar un vehículo para escapar, huyendo de la policía terminará hallando cobijo en una casa de beneficencia dirigida por el señor Karl Wanger, inquietante personaje protagonizado por el mítico actor Bela Lugosi. Este lugar de refugio situado en la calle Bowery no es más que la tapadera desde la cual Karl Wanger dirige las operaciones criminales de su banda, y cuando éste reconoce a Fingers Dolan como reputado experto en abrir cajas fuertes, no duda en ofrecerle un trabajo para que, junto a su socio Stratton, roben a un joyero. Tras el éxito de la operación, el señor Wanger ordenará a su socio Stratton que mate a Fingers Dolan para no dejar rastro, obedeciendo inmediatamente su orden. Pero Karl Wanger (Bela Lugosi) tiene una doble vida. Por un lado es el jefe de esta banda criminal y, por otro, vive sin ningún tipo de sospecha como psicólogo y profesor de reconocido prestigio llamado Frederick Brenner. Una doble vida que nadie conoce, ni siquiera su solitaria esposa (actriz Anna Hope). Delincuentes de todo tipo seguirán llegando a su casa de beneficencia, así como la ejecución de nuevos asaltos y robos que provocarán la alarma entre los ciudadanos por la espectacularidad de estas acciones y por la sucesión de muertes que conllevan, llevando al sargento de la policía Pete Crawford (actor Dave O´Brien) a investigar este turbio asunto. Todo se complicará aún más con la llegada de otro delincuente a la casa de beneficencia, Frankie Mills (actor Tom Neal), la ejecución con éxito de un nuevo robo planeado por Karl Wanger, y el sorprendente asesinato a sangre fría de su socio Stratton a manos de Frankie Mills. Con la aparición en la casa de beneficencia de Richard Dennison (actor John Archer), novio de Jude (ayudante de Karl Wagner que lo tiene idealizado y cuyo papel ha sido muy bien interpretado por la actriz Wanda McKay), debido a los estudios que éste está llevando a cabo para su tesis todo se acelerará en esta intrigante trama.

“Entierro A Medianoche” es una película que encantará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por varios motivos. Tiene una trama muy bien vertebrada, una evolución de la misma donde el misterio sigue latente hasta el final, un magnífico rodaje dirigido con inteligencia y maestría por Wallace Fox, unos escenarios que cautivan al espectador y donde destaca especialmente la casa de beneficencia con sus múltiples puertas y pasadizos secretos, y, sobre todo, por estos dos extraordinarios personajes interpretados por los actores Lew Kelly y el mítico Bela Lugosi. Lew Kelly, en el papel del doctor Brooks y enigmático ayudante de Karl Wagner, es uno de esos personajes que te cautivan nada más verlo en escena. De comportamiento extraño y un tanto esquizofrénico, el actor Lew Kelly supo reflejar con fidelidad y credibilidad absoluta a este ser asustadizo y misterioso que, durante la película, no hace más que quedarse con los cuerpos de las personas que han sido asesinadas en la casa de beneficencia. Cuando luego descubrimos qué es lo que hace con ellos, se convierte en esa dimensión mitad terror mitad científica, que al final siempre acabas recordando de esta película. Respecto al mítico y reverenciado actor Bela Lugosi, tanto en el papel del profesor Frederick Brenner como siendo el frío y calculador líder de la banda, siempre nos da la sensación de tenerlo todo bajo control y de estar siempre un nivel por encima de las circunstancias. Su presencia seria y analítica a través de la cual consigue manipular a su antojo a quienes le rodean, en cambio, presenta una cara más débil y humana al aparecer en escena sufriendo pesadillas que le atormentan. El implacable peso de la conciencia. Así de grandiosa se presentará la película “Entierro A Medianoche” ante los ojos del cinéfilo con momentos tan especiales como la escena del vagabundo yendo a comprar medicinas por orden de Jude y decidiendo cambiar ese dinero por otras medicinas más espirituosas, con la escena en la cual Frankie Mills hace de ciego para disimular antes de cometer el robo en una joyería, con la lúgubre escena del cementerio de delincuentes que Karl Wagner esconde en los subterráneos de la casa de beneficencia, o en la espectacular fuerza visual de la escena protagonizada por Richard Dennison donde Wagner le presenta a Frankie Mills, respirándose una tensión que ve incrementada su intensidad con el inteligente diálogo que aquí se desarrolla. “Entierro A Medianoche”, sublime cine de culto que sigue realzando el arte cinematográfico de Bela Lugosi en este siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ENIGMA… DE OTRO MUNDO (the thing from another world)”, 1951 (Reseña / Review #1756).

Posted on 25 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1756 // Reseña Media nº: 109
Reseña actualizada. Publicada el 9 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: CHRISTIAN NYBY, HOWARD HAWKS
Guión: CHARLES LEDERER
Actores principales: KENNETH TOBEY (Capitán Patrick Hendry), ROBERT CORNTHWAITE (Dr. Arthur Carrington), JAMES ARNESS (La Cosa), DOUGLAS SPENCER (Scotty, periodista), MARGARET SHERIDAN (Nikki Nicholson)
País: EE.UU Año: 1951 Productora: RKO RADIO PICTURE / WINCHESTER PICTURES CORP.
Duración aprox.: 83 minutos
Publicado en España por: CREATIVEWORLD PROMOTIONS
Año: 2012 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Llega la noche, y ver una película de terror y ciencia-ficción de los años cincuenta con la luz apagada es todo un placer para el cinéfilo al desplegar el arte cinematográfico en blanco y negro toda su magia. En esta ocasión, el largometraje elegido no es otro que “El Enigma… De Otro Mundo”, una película mítica que, tras el largo tiempo pasado desde su estreno oficial en el año 1951, no ha hecho más que aumentar su prestigio artístico hasta llegar a convertirse en una película de culto. Considerada como el primer largometraje de ciencia-ficción de estilo moderno, en este siglo XXI es todo un lujo el poder disfrutar esta obra del Séptimo Arte a través de la magnífica edición en formato DVD publicada por la compañía Creativeworld Promotions en 2012. Con un guión basado en el relato “Who Goes There?” del genial escritor de ciencia-ficción estadounidense John W. Campbell Jr., la película “El Enigma… De Otro Mundo” fue dirigida por Christian Nyby bajo asesoramiento del talentoso director estadounidense Howard Hawks (1896-1977), que también era su productor. Una experiencia técnica que los cinéfilos lectores de Lux Atenea comprobarán en cuanto observen sus secuencias a través del estilo, de la iluminación, y de las posiciones de cámara utilizadas en su rodaje. Una atmósfera de misterio y suspense acrecentada aún más por el uso de celuloide en blanco y negro, transmitiendo en imágenes, este ambiente de horror que también ha sido recreado musicalmente con maestría en su banda sonora por Dimitri Tiomkin. “El Enigma… De Otro Mundo” es un viaje a lo desconocido donde una temible criatura del espacio busca la sangre de los seres vivos para alimentarse, como si fuera un vampiro interestelar llegado al planeta Tierra. Con el inhóspito Polo Norte como escenario de esta trama y con una base científica como lugar de acción, un grupo de soldados y de científicos verán sus destinos dramáticamente cambiados tras la caída de esta nave extraterrestre que, tras estrellarse, ha quedado hundida en el hielo. Localizada su posición, durante el intento de recuperación de la nave descubren el cuerpo congelado de un extraño ser, llevándolo a la base para su estudio. Una acción de interés científico que, en muy poco tiempo, acabará convirtiéndose en el principal detonante de esta trágica historia de terror cuando en un irresponsable acto de subida de temperatura en el almacén donde depositaron el cuerpo del alienígena, provoque su descongelación. Retornando sorprendente e inexplicablemente a la vida, la más seria amenaza para los seres humanos acaba de abrir sus ojos, y este ser alienígena sabrá cómo utilizar su poder para provocar el desconcierto en la base. Las muertes empiezan a sucederse, y militares y científicos tratarán de evitar que este peligro latente logre escapar rumbo a la civilización donde sería incontrolable.

De la película “El Enigma… De Otro Mundo”, una de sus cualidades que más me ha llamado la atención ha sido el choque frontal que se produce entre la actitud militar y científica, de cara a afrontar el difícil reto de eliminar o anular a este peligroso y escurridizo ser extraterrestre. Mientras el capitán Patrick Hendry (actor Kenneth Tobey) trata de hacer todo lo posible para matarlo, el prestigioso doctor Arthur Carrington (actor Robert Cornthwaite), ganador de un premio Nobel, trata de atraparlo y controlarlo para su estudio científico con todos los problemas que conlleva esa perspectiva para abordar este peligro mortal. Aunque al doctor Arthur Carrington se le notan actitudes y gestos muy soberbios, sabe siempre cómo maquillarlos con la retórica de la lógica científica que, en el mundo moderno, es ley inmutable. Pero más allá del análisis subjetivo de sus protagonistas, en este largometraje, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de escenas e imágenes imposibles de olvidar como la impresionante belleza del avión aterrizando en el hielo gracias a los esquíes en las ruedas, la graciosa escena de Patrick Hendry tomando una copa con Nikki Nicholson (actriz Margaret Sheridan) mientras permanece sentado en una silla con las manos atadas a la espalda, la imagen de la Cosa (actor James Arness) atacando a los perros en medio de la ventisca, o cuando descubren el brazo de la Cosa que uno de los perros le ha arrancado antes de morir y, al analizarlo, comprueban que está formado por un tejido que no tiene ni sangre ni terminaciones nerviosas. Impresiona ver sus caras de estupefacción cuando observan que el brazo ha cobrado vida, al igual que observar la monstruosa garra de la Cosa atrapada con la puerta. Otras secuencias inolvidables son cuando el doctor Arthur Carrington muestra a su equipo cómo afecta a las características de esta especie extraterrestre la alimentación con sangre según la procedencia de la misma, la violenta escena de la entrada de la Cosa en la estancia de los soldados, el detalle del vaho al hablar cuando en la base empieza a bajar la temperatura, o la espectacular escena final con la Cosa atacándoles frente a frente. Como apunte final, en el año 1982, el mítico director de cine John Carpenter hizo una adaptación de esta película titulada “La Cosa”, pero con una trama más literal respecto a la obra literaria original, presentándose en el año 2011 su precuela dirigida por el director Matthijs van Heijningen Jr. y sin éxito entre el público. Pero ninguna de ellas es comparable a la magia y al encanto cinematográfico de esta primera versión. “El Enigma… De Otro Mundo”, cine de los años cincuenta para sumergirnos en atrayentes atmósferas de ciencia-ficción, terror, misterio… ¿qué más se puede pedir a una película de culto? ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ASCENSOR (de lift)”, 1983 (Reseña / Review #1755).

Posted on 25 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1755 // Reseña Media nº: 108
Reseña actualizada. Publicada el 14 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: DICK MAAS
Guión: DICK MAAS
Actores principales: HUUB STAPEL (Felix Adelaar, técnico de mantenimiento), WILLEKE van AMMELROOY (Mieke de Beer), JOSINE van DALSUM (Saskia Adelaar, periodista), PIETER LUTZ (gerente del edificio)
País: Países Bajos Año: 1983
Productora: FIRST FLOOR FEATURES / SIGMA FILM PRODUCTIONS
Duración aprox.: 94 minutos
Publicado en España por: INVERSIONES DERECHOS AUDIOVISUALES, S.L.
Año: 2011 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Cuando el universo creativo dentro del Séptimo Arte lleva el terror a máquinas y objetos que forman parte de nuestra vida cotidiana en la sociedad moderna, el efecto es demoledor en la mente de muchos espectadores. Darles vida y una maléfica intencionalidad en sus acciones contra el ser humano mientras se camuflan tras una apariencia inerte, pasiva, y programada, no hace más que aumentar el terrorífico efecto de sus actos con dramáticas consecuencias. Como analista cultural, una de las películas que considero míticas dentro de esta atrayente temática de terror y de ciencia-ficción es “El Ascensor”, cuya visualización ha provocado más de una fobia temporal a los ascensores en algunos cinéfilos que han disfrutado este inolvidable largometraje. Con música, guión, y dirección a cargo del artista neerlandés Dick Maas, la tenebrosa historia de suspense que da sentido a la trama de “El Ascensor” está basada en este intrigante y sangriento suceso ocurrido en un edificio de oficinas situado en la ciudad alemana de Hamburgo donde, tras haber recibido el impacto directo de un rayo en una noche tormentosa, uno de sus ascensores deja de funcionar bien, provocando que cuatro personas queden atrapadas en la cabina hasta casi perder la vida. Aparentemente, el ascensor no funciona bien y deciden llamar al servicio de mantenimiento para que un técnico lo arregle. Una vez allí, el técnico comprueba que todo parece estar correcto, pero este ascensor ha cobrado vida con una consciencia asesina destinada a matar a las personas. Esta máquina aparentemente inocente, inofensiva, y predecible como es el ascensor, ha empezado a comportarse de modo extraño y con intenciones maléficas para quienes se acerquen a él. Por este motivo, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que deseen tener una película que les deje con el miedo y la intranquilidad en el cuerpo, les recomiendo que adquieran esta magnífica edición en formato DVD publicada por la compañía Inversiones Derechos Audiovisuales en el año 2011. Un largometraje para amantes del cine de terror y de ciencia-ficción siniestramente teñido de modernidad.

Teniendo como protagonista principal de esta intrigante historia al técnico de mantenimiento de ascensores Felix Adelaar (actor Huub Stapel), “El Ascensor” proyecta la atmósfera urbana de normalidad que consideramos propia de la vida cotidiana de un ciudadano común en la sociedad moderna, y que es perfectamente recreada en este mítico largometraje de terror para sumergir al espectador en un entorno aparentemente seguro. Además, junto a algunas pinceladas ocasionales de humor, una de las cualidades artísticas más importantes que tiene esta película son las imágenes y las escenas inolvidables que presenta, entre las cuales destacaría la brutal y sorprendente secuencia del ahorcado, o el lúgubre graznido de los cuervos en el exterior del edificio como simbólico sonido de la presencia de la muerte y de lo diabólico en aquel lugar. Impresiona observar cómo esta máquina juega con la vida de las personas, observándose muy claramente su sádico comportamiento en la escena del vigilante con su cabeza atrapada por las puertas del ascensor, o provocando la tensión que se respira en la escena del ciego, o en el angustioso suspense latente en la escena del técnico de mantenimiento subido encima de la cabina mientras revisa detalladamente el hueco del ascensor (y con el angustioso sonido de los latidos como fondo), o en la impactante escena de la niña con su muñeca frente a las puertas del ascensor, y cómo éste juega con ella para tratar de matarla en uno de los momentos más tensos e inquietantes de este largometraje. En definitiva, la vida cotidiana de cualquier persona que viva o trabaje en un edificio con ascensor convertida en una impactante historia de terror. “El Ascensor”, una vez vista esta película, te lo pensarás dos veces antes de subir a uno. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA SOMBRA DEL VAMPIRO (shadow of the vampire)”, 2000 (Reseña / Review #1754).

Posted on 24 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1754 // Reseña Media nº: 107
Reseña actualizada. Publicada el 4 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: E. ELIAS MERHIGE
Guión: STEVEN KATZ
Actores principales: JOHN MALKOVITCH (Friedrich Wilhelm Murnau), WILLEM DAFOE (Max Schreck), CATHERINE McCORMACK (Greta Schröder), UDO KIER (Albin Grau), EDDIE IZZARD (Gustav von Wangenhein), CARY ELWES (Fritz Arno Wagner), ADEN GILLET (Henrik Galeen), RONAN VIBERT (Wolfgang Müller)
País: EE.UU – REINO UNIDO – LUXEMBURGO Año: 2000
Productora: LIONS GATE FILMS – SATURN FILMS – BBC FILMS – DELUX PRODUCTIONS – LUXEMBURG FILM FUND
Duración aprox.: 88 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VIDEO
Año: 2001 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “La Sombra Del Vampiro”
EXTRAS: Biofilmografías de directores y actores // Trailer // Spot // Making of

Años veinte, era dorada de la cinematografía germana con el Expresionismo alemán brillando en su máximo esplendor. Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931), uno de sus míticos directores, será el protagonista principal de esta historia de terror perfilada con grandes claroscuros donde lo sarcástico y lo cómico sirven de contraste con lo tétrico y lo siniestro, resaltando aún más como geniales pinceladas artísticas. En esta historia de ficción, el director de cine Murnau (actor John Malkovitch), tras no poder conseguir los derechos de la obra de Bram Stoker “Drácula” para llevarla al cine debido a la negativa de la viuda del autor, decide rodar otra historia protagonizada por un vampiro y contratar al misterioso actor Max Schreck (actor Willem Dafoe) para que dé vida a su personaje principal, el conde Orlock. Debido a la leyenda que arrastraba en su época este actor en relación a su naturaleza vampírica, la maléfica realidad irá manifestándose a lo largo del rodaje. Murnau quiere rodar su obra “Nosferatu, el vampiro” (1922) con el máximo realismo posible, y no duda en convertirse en un interesado e insensible Mefistófeles del Séptimo Arte tras haber negociado con el tenebroso actor Max Schreck que podrá vampirizar a la bella actriz Greta Schröder (actriz Catherine McCormack), una vez haya terminado el rodaje. Cuando este vampiro llega desde Checoslovaquia para empezar trabajar en la película, sus incontenibles ansias de sangre empezarán a hacer estragos entre los miembros del rodaje hasta provocar el pánico entre ellos. El miedo se extenderá entre todos los participantes en este siniestro largometraje, pero el egoísmo de Murnau le llevará a resolver todo tipo de situaciones, por difíciles que sean, a base de una mezcla de cinismo y de falsa comprensión donde el arte interpretativo del actor John Malkovitch resalta especialmente por su credibilidad en pantalla. El ingenio que tiene a la hora de manipular a los asustados miembros de su equipo de rodaje en beneficio propio, provocará más de una mirada de sorpresa en el cinéfilo lector de Lux Atenea durante su visualización.

En esta extraordinaria película, el director neoyorkino E. Elias Merhige aprovecha la leyenda cinematográfica real aún vigente sobre la naturaleza vampírica del actor alemán Max Schreck (1879-1936), famoso por su inolvidable interpretación del personaje de Nosferatu en la obra maestra homónima de Murnau, para moverse en esa delgada línea que separa lo ficticio y lo real, y para dar más fuerza e incertidumbre a la trama de esta tenebrosa historia. Con el cinismo convertido en acto hilarante para el espectador, “La Sombra Del Vampiro” también presenta características de una película dramática que fascinarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. El extraordinario trabajo realizado en vestuario, maquillaje, escenarios, fotografía, y en su impresionante banda sonora compuesta por Dan Jones, con el paso de los años han convertido a “La Sombra Del Vampiro” en una película de culto por esta obscura y atrayente temática reflejada en imágenes bajo la dirección de Elias Merhige. El arte interpretativo mostrado por estos magníficos actores llevaría incluso a Willem Dafoe a ser nominado al Oscar al Mejor Actor Secundario, tras la sobrecogedora interpretación del malévolo e intrigante actor Max Schreck potenciado visualmente con este impresionante trabajo de caracterización y de maquillaje hasta transformarlo en un auténtico vampiro. Por este motivo, “La Sombra Del Vampiro” sería también nominada al Oscar al Mejor Maquillaje. En definitiva, estamos ante la reencarnación de Nosferatu en pantalla a las puertas del siglo XXI.

Como analista cultural, para que una película me encante, me fascine, y me lleve a comprala en su edición original en formato DVD, previamente tiene que haberme impactado con escenas únicas e irrepetibles que rápidamente se quedan grabadas en la mente, y que identifico inmediatamente con ese largometraje a lo largo de los años. En el caso de “La Sombra Del Vampiro”, esta sucesión de escenas sigue siendo uno de los principales motivos que me llevan a volver a disfrutarla porque, en cada visualización, siempre descubro algo nuevo, algo que me sorprende y que había pasado desapercibido hasta entonces. De todas estas escenas, quisiera destacar la secuencia cuando los miembros del rodaje pasan la primera noche en ese siniestro hospedaje, la inolvidable y sarcástica secuencia en la cual Murnau y Max Schreck negocian para que deje a su equipo de rodaje en paz, o cuando Greta entra en pánico durante el rodaje al darse cuenta que Max Schreck no se refleja en el espejo. Lo gótico, lo vampírico, y lo siniestro están presentes en “La Sombra Del Vampiro” con la primera visión del actor Max Schreck cuando le llevan la jaula con su alimento para que coma, cuando Max Schreck atrapa un murciélago y le chupa la sangre delante del guionista Henrik Galeen (actor Aden Gillet) y del productor de la película Albin Grau (actor Udo Kier), en la lúgubre imagen de Max Schreck cuando le llevan el frasco con sangre, cuando durante el rodaje de una escena el director asusta a Gustav para que se corte con un cuchillo delante de Max Schreck y de esta manera provocar su reacción delante de la cámara, o cómo el tenebroso Max Schreck asusta al actor Gustav von Wangenhein (actor Eddie Izzard) en la escena del contrato que interpretan juntos. ¡Su cara de estupefacción es absoluta! Las sombras, el reflejo del ambiente de trabajo dentro del mundo del cine en aquella época, las imágenes en blanco y negro con las cuales el director Elias Merhige trata de recrear el estilo característico del cine mudo en esta película, el avión con el cual se trasladan a la isla de Heligoland… todo en este largometraje es un viaje cinematográfico a otra época y con la presencia del vampiro permanentemente acechando. “La Sombra Del Vampiro”, drama, terror, y humor negro fundidos en el crisol artístico del Séptimo Arte. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LAS TRES CARAS DEL MIEDO (I tre volti della paura / black sabbath)”, 1963 (Reseña / Review #1753).

Posted on 24 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1753 // Reseña Media nº: 106
Reseña actualizada. Publicada el 6 de marzo del año 2015 en Lux Atenea.

Director: MARIO BAVA
Guión: MARIO BAVA, ALBERTO BEVILACQUA y MARCELLO FONDATO, basado en las historias escritas por Chéjov, Tolstoi, y Guy de Maupassant
Actores principales: BORIS KARLOFF (Gorka), SUSY ANDERSEN (Sdenka), MARK DAMON (Vladimir d’Urfé), LYDIA ALFONSI (Mary), MICHELE MERCIER (Rosy), JACQUELINE PIERREUX (Helen Chester)
País: ITALIA / REINO UNIDO / FRANCIA Año: 1963
Productora: EMMEPI CINEMATOGRAFICA / LYRE CINEMATOGRAPHIQUE / GALATEA S.p.A.
Duración aprox.: 89 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS
Año: 2013 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

En el año 1969, previamente a saltar a la fama mundial, una banda británica decide cambiar su nombre (Earth) por el de Black Sabbath tras el cambio experimentado en su estilo musical. A parte del mayor impacto entre el público que traía consigo su nuevo nombre respecto al anterior, y como orientación de su nuevo estilo, la fuente de inspiración que originó su nuevo nombre fue el título homónimo de una película de terror rodada por el genial director italiano Mario Bava (1914-1980). “Black Sabbath” fue el título de ese largometraje en Reino Unido y en los Estados Unidos de América, pero su título original en Italia fue “I Tre Volti Della Paura” y en España acabó siendo “Las Tres Caras Del Terror”. Rodada de forma magistral por el director de culto Mario Bava, esta tenebrosa película fue presentada oficialmente en las salas de cine en el año 1963, provocando un gran impacto en la opinión pública debido a la maestría artística desplegada por este genio cinematográfico. El arte fotográfico mostrado en sus imágenes y la utilización del intenso cromatismo que ofrece el pathécolor para dar mayor espectacularidad y realismo a sus escenas, han convertido a algunas de ellas en secuencias de culto dentro del cine de terror y suspense más selecto para muchos cinéfilos. El largometraje “Las Tres Caras del Miedo” tiene un excelso guión escrito por el propio Mario Bava, junto a Alberto Bevilacqua y Marcello Fondato, dando vida y magia cinematográfica a estas tres historias basadas en los relatos firmados por grandes maestros de la literatura como Guy de Maupassant (1850-1893) para la trama de “El Teléfono”, el conde Alekséi Tolstói (1817-1875) para vampírica historia de “Los Wurdalak”, y Antón Chéjov (1860-1904) para el terror psicológico mostrado en “La Gota De Agua”. Su magnífica banda sonora de corte clásico compuesta por Roberto Nicolosi, aumenta la sensibilidad que transmiten sus escenas hasta sumergirnos completamente en estas tres tramas completamente independientes. Con una carátula reversible, esta magnífica edición en formato DVD publicada por Regia Films en el año 2013, se convertirá en una destacada referencia dentro de la videoteca de los cinéfilos lectores de Lux Atenea que consigan esta gótica joya dentro del Séptimo Arte.

La magia del terror cinematográfico comienza con el mítico actor Boris Karloff como tenebroso maestro de ceremonias para presentar estas tres historias de terror donde lo sobrenatural, lo demoníaco, y lo misterioso adquieren esta irresistible dimensión audiovisual para provocar sensaciones sobrecogedoras en el espectador, sobre todo con esta excelsa calidad de imagen. “El Teléfono” será la primera historia que disfrutaremos mientras el teléfono no para de sonar en el interior de una casa elegantemente decorada, dejando de sonar justo antes de que su dueña, Rosy (actriz Michèle Mercier), entre en la casa. Pero las llamadas seguirán sucediéndose sin que nadie conteste al otro lado del aparato, por lo que esa situación empieza a molestarla. En una de esas insistentes llamadas, una voz amenaza a Rosy con matarla antes del alba por venganza, dejándola inquieta e intrigada respecto a quién puede ser esa persona, pasando a un estado de profundo temor ante la seriedad de las amenazas. Su desesperación irá en aumento con el paso del tiempo, por lo que decide llamar a su amiga Mary (actriz Lydia Alfonsi) para que le ayude, quedando en ir para hacerla compañía. Con Mary ya en su casa, las llamadas amenazantes desaparecen, llegará el alba, y en esa casa habrá dos muertes. ¿Seguirá viva Rosy? ¿Quién era la persona que amenazaba a Rosy? Estas respuestas quedan en manos de los cinéfilos lectores de Lux Atenea que deseen visualizar el sangriento final de esta magnífica historia de suspense. A continuación, en “Los Wurdalak”, esta gótica historia de vampiros será protagonizada por el conde Vladimir d’Urfé (actor Mark Damon) cruzando a caballo tierras inhóspitas donde acecha la muerte, al tratar de llegar a la localidad de Gersy. De camino, encuentra una casa y decide hacer una parada para poder pasar la noche bajo techo. Pero las personas que lo habitan, aunque hospitalarias, se comportan de un modo un tanto extraño, advirtiéndole sobre la amenaza que supone su padre Gorka (actor Boris Karloff) para su vida. Le aconsejan que se marche por su bien, pero el conde no hará caso a sus palabras y decide quedarse, ya que se siente profundamente atraído por una de las mujeres de la casa llamada Sdenka (actriz Susy Andersen). Ella se mantiene distante y un tanto temerosa ante el serio peligro que supone que su padre se haya convertido en un wurdalak. El conde cree que eso no son más que leyendas, pero la creciente inquietud va apoderándose poco a poco de los moradores de la casa ya que la realidad más terrible no tardará mucho en presentarse ante sus ojos.

Finalmente, en “La Gota De Agua”, será la posesión de un anillo lo que llevará a la perdición a quienes lo tengan en su poder, llevándonos a principios del siglo XX cuando la enfermera Helen Chester (actriz Jacqueline Pierreux) es requerida en una mansión para que vista a la dueña de la casa recién fallecida. En esa atmósfera mortuoria y fantasmagórica, a escondidas, Helen robará el anillo que llevaba puesto la mujer en una de las manos, ejecutando este acto que cambiará completamente su destino. El lado más oscuro del espiritismo empezará a envolverla para atraparla inexorablemente, siendo torturada por entes de otro mundo con intenciones infernales que convertirán su vida en un constante temor y sobresalto. Tres fascinantes historias vertebrando la película “Las Tres Caras Del Miedo”, y atesorando escenas de gran belleza artística como, por ejemplo, el temor y el miedo que se respira cuando Rosy abre el cajón del mueble para coger el dinero y las joyas mientras tiene a esta siniestra estatua como testigo, la visión de los ojos amenazantes detrás de la persiana, o la tenebrosa imagen de Rosy junto al querubín que decora una de las ventanas, mientras es presa de la desesperación. Boris Karloff es espectacular interpretando a Gorka con sus andares pesados cuando llega a la casa, ver sus ojos y sus expresiones en la escena cuando le llevan un plato de comida, u observar la impactante imagen de su cara al otro lado de la ventana. La estética gótica está presente en la película “Las Tres Caras Del Miedo” a través de la belleza siniestra, por ejemplo, en la tenebrosa atmósfera que se respira en las ruinas del antiguo convento, en el primer plano de los ojos de Sdenka tras haber retornado a la casa, con la tétrica imagen de la lámpara de techo y las lúgubres estancias de la mansión llena de gatos, con el maléfico simbolismo de la mesa con las cartas y la visión de las muñecas tiradas en el suelo, en la diabólica imagen de la señora de la mansión postrada en la cama y con esa mano que parece una garra, con el simbolismo demoníaco de la mosca posándose en la mano de la muerta, o en la espeluznante figura de decoración de los dos niños colocada encima de la mesilla de noche. Una película que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por la hipnótica visión de la casa de Helen iluminada tan solo por las luces de los relámpagos que entran a través de la ventana ovalada, con el sonido martilleante de las gotas de agua al caer, o con la siniestra figura de la muerta acercándose a Helen. La verdad es que el pathécolor ofrece una calidad en las imágenes que te impresiona por su nitidez y por su contraste, dando una gran intensidad a los colores hasta convertir este largometraje en una brillante obra artística. Sobre todo, en manos de un director como Mario Bava con este talento y esta maestría que vuelve a ser protagonista en este blog cultural, y espero que el retorno a su prestigiosa obra cinematográfica no se demore mucho en el tiempo con la publicación de nuevas reseñas sobre su legado artístico. “Las Tres Caras Del Miedo”, siniestra delicatessen dentro del mejor cine de terror y de suspense rodado en la década de los sesenta. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“INFERNO”, 1980 – DARIO ARGENTO (Reseña / Review #1750).

Posted on 22 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1750 // Reseña Media nº: 103
Reseña actualizada. Publicada el 28 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: DARIO ARGENTO
Guión: DARIO ARGENTO
Actores principales: LEIGH McCLOSKEY (Mark Elliot), IRENE ELLIOT (Rose Elliot), ELEONORA GIORGI (Sara), DARIA NICOLODI (Elise Stallone Van Adler), SACHA PITOËFF (Kazanian)), ALIDA VALLI (Carol, portera del edificio), VERONICA LAZAR (enfermera), GABRIELE LAVIA (Carlo), FEODOR CHALIAPIN, Jr (profesor Giorgio Arnold / Dr. Varelli), ANIA PIERONI (estudiante de música), LEOPOLDO MASTELLONI (John, mayordomo)
País: ITALIA Año: 1980 Productora: PRODUZIONI INTERSOUND
Duración aprox.: 103 minutos
Publicado en España por: MEMORY SCREEN
Año: 2014 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Inferno” es, sin ningún género de duda, la película más compleja, provocadora, mística, y siniestra que haya rodado el director italiano Dario Argento en su prestigiosa carrera dentro del Séptimo Arte más underground. Perteneciente a la Trilogía de las Tres Madres como segunda entrega tras el mítico largometraje “Suspiria” (1977), en “Inferno”, Dario Argento profundiza aún más en el uso de la simbología, de las enseñanzas místicas alquímicas, y bajo la influencia psicológica del ilustre maestro Carl Gustav Jung (1875-1961) en la creación y definición de escenarios hasta lograr sumergir al cinéfilo afín a su obra en este otro mundo sobrenatural donde el terror adquiere proporciones demoníacas épicas. Con indiscutibles influencias literarias enraizadas en la obra del decimonónico escritor británico del Romanticismo Thomas de Quincey (1785-1859), de su libro “Suspiria de Profundis” (1845) toma la idea de las tres figuras femeninas, dando título a esta saga cinematográfica de Las Tres Madres protagonizadas por tres siniestras brujas enlazadas con la Muerte: Mater Suspiriorum (bruja con mayores conocimientos) aparece en la película “Suspiria”, Mater Tenebrarum (bruja terrible y sádica) se manifiesta en “Inferno”, y Mater Lachrymarum (bruja poderosa unida al inframundo) muestra su poder en “La Madre del Mal” (2007). Tres entidades infernales cuyas tenebrosas manos influyen en el destino de las personas, controlando nuestro mundo. Una presencia mucho más obvia en “Inferno” y “La Madre del Mal” que en el largometraje “Suspiria” de cara a los fieles seguidores de Dario Argento, motivo por el cual, es muy probable que la película “Inferno” les resulte un tanto desconcertante y caótica a los espectadores profanos. “Inferno” también es la entrega más tétrica, hermética, mágica, y violenta de la trilogía de las Tres Madres, conservando la estética siniestra de “Suspiria” en su vertiente gótica pero aquí es llevada a una atmósfera más demoníaca, irracional, y perversa. El Mal en su máxima expresión visual como maléfico arquetipo universal, omnipresente e inmutable a la acción humana. Tanto es así, que el propio Dario Argento valora personal y artísticamente a “Inferno” como su película más compleja y excelsa.

Esta tenebrosa historia comienza en el mes de abril en la ciudad de Nueva York, mientras vemos a Rose Elliot (actriz Irene Miracle) en su apartamento hojeando un libro recién comprado a un anticuario llamado Kazanian (Sacha Pitoeff), y cuyo título es “Las Tres Madres”. Una enigmática obra escrita por el arquitecto E. Varelli en cuyas páginas, en clave ocultista, describe la construcción de tres edificios por él diseñados que están directamente relacionados con estas Tres Madres: el edificio construido en la ciudad alemana de Friburgo está dedicado a Mater Suspiriorum (Madre de los Suspiros, la tristeza), en Roma está dedicado a Mater Lachrymarum (Madre de las Lágrimas, el sufrimiento y el dolor), y en la ciudad de Nueva York está dedicado a Mater Tenebrarum (Madre de las Tinieblas, la maldad). Tras escribir una carta a su hermano Mark (actor Leigh McCloskey), Rose Elliot como residente en el edificio mencionado en el libro, decide consultar sobre esa extraña obra a Kazanian, dueño de la tienda de antigüedades situada al lado del edificio, para saber si su contenido es real o ficticio ya que quiere entrar en el sótano en busca de la clave descrita en sus páginas. Una vez dentro, descubrirá un estanque donde se caerán sus llaves y al sumergirse en él para recuperarlas, comprobará que ese lugar bajo el agua está ricamente decorado con figuras y elementos simbólicos destinados a utilizarse en un ritual presidido por el cuadro de Mater Tenebrarum. Posteriormente, en la ciudad de Roma, cuando su hermano Mark se encuentra en un Aula de Música recibiendo clases, mientras escucha la maravillosa composición “Va pensiero…” (perteneciente a la ópera “Nabucco” de Giuseppe Verdi) decide abrir la carta de Rose, siendo testigo de un asombroso suceso que ocurrirá en ese mismo lugar teniendo como protagonista a una misteriosa estudiante con su gato que le mirará fijamente (interpretada por la carismática actriz Ania Pieroni). Su compañera de estudios llamada Sara (actriz Eleonora Giorgi) se da cuenta que Mark ha dejado olvidada la carta en su mesa y cuando quiere avisarle, éste ya se ha marchado. Decide devolverle la carta pero tras leer su contenido, cambia de idea y se presenta ante el edificio que alberga la biblioteca filosófica de la fundación Abertny en busca de un ejemplar del libro de Las Tres Madres. Mark, tras haber hablado con Rose por teléfono, viaja a Nueva York para reunirse con su hermana pero una vez allí, se encuentra que ha desaparecido sin dejar rastro, motivo por el cual, empieza a investigar para tratar de descubrir qué ha pasado con su hermana y desvelar el misterio que se oculta en ese extraño edificio.

Como ya comenté en mi reseña publicada en Lux Atenea sobre la película “Seis Mujeres Para El Asesino” (1964) dirigida por el maestro Mario Bava, los colores rojo y azul adquieren un protagonismo muy especial en el apartado fotográfico y de iluminación en su estilo cinematográfico, y, en “Inferno”, esta influencia cromática también está presente debido a la participación del propio director Mario Bava en el rodaje de algunas de estas escenas tras la baja por enfermedad de Dario Argento. Es de sobra conocido que Dario Argento fue el alumno aventajado del genial maestro Mario Bava, tomando estos colores como base fundamental para la creación y para la definición de escenarios con atrayentes elementos simbólicos en sus largometrajes. Por este motivo, “Inferno” garantiza la visión y el disfrute de inolvidables imágenes y escenas en esta lujosa edición en formato DVD publicada por Memory Screen, como la secuencia inicial de Rose Elliot mientras hojea el libro “Las Tres Madres” y con el acto simbólico de separación de dos hojas unidas utilizando un cuchillo como si estuviera cortando un sello prohibido, con la tenebrosa imagen del edificio en plena noche y el color rojo iluminando la parte baja como si el mismísimo infierno estuviera allí presente, con la inquietante visión de la tienda de antigüedades Kazanian y admirando la obscura belleza que presenta su decoración interior, con la imborrable imagen de las sombras de Rose y Kazanian mientras hablan detrás de la puerta, o con la tétrica visión de Kazanian observando tras el escaparate. Todo en “Inferno” es hipnótico y obscuro como la mágica presencia de la Luna situada arriba en la escalera que conduce al sótano, en la sensación de abandono y de decrepitud que se respira en ese sótano tan sombrío potenciado además con el efecto lumínico de los tonos azules y rojos, con el protagonismo simbólico del agua pero no como elemento salvífico sino como encubridor y protector de lo maléfico frente la intrusión humana, o con la inolvidable escena de la inmersión en este espectacular escenario sumergido donde el agua se convierte en el elemento principal para poder contemplar este extraño y mágico entorno con sorpresa incluida. Imágenes, símbolos, y significados esotéricos mostrándose en la siniestra y fascinante secuencia de la bella estudiante de música con su gato (y que no es otra que Mater Lachrymarum), o en el número 49 como clave hermética que une simbólicamente a estos edificios. Impresiona observar tras la cortina roja, esta espectacular visión de la biblioteca diseñada como si fuera una iglesia, y con ese encanto tan especial que refleja el saber antiguo documentado, Solamente faltaría que pudiéramos percibir también el incomparable olor a libros que desprendería ese mágico lugar, para caer irremediablemente en su embrujo. Destacan también la rúbea iluminación en la zona de estanterías donde está localizado el libro “Las Tres Madres” en la biblioteca, el infernal laboratorio del alquimista y su monstruosa mano demoníaca, el distorsionado reflejo del asesino en el trozo de pomo roto de la puerta, o la presencia del Mal que se intuye en cada sombrío pasillo como si de una pesadilla real se tratara.

“Este edificio se ha convertido en mi cuerpo. Sus ladrillos son mis células, sus pasillos son mis venas. Y su horror, mi propia vida.”

El edificio y su simbolismo. “Inferno” es una excelsa obra de culto y sus imágenes van apareciendo con tanta información como si fueran las páginas de un libro. Es fascinante observar la ambientación gótica del interior del edificio con una estética siniestra donde se entremezcla lo lúgubre con lo decadente, la curiosa y sorprendente placa colocada en la entrada del edificio indicando que en el año 1924 allí residió George Gurdjieff, interesante referencia mística y esotérica incluida por Dario Argento en este largometraje, además del atrayente diseño industrial antiguo de la estancia a la cual se accede bajando por la escalera de servicio, o el impresionante diseño del friso del edificio con monstruos y criaturas de significado esotérico, al igual que la barandilla negra. Provoca inquietud la lujosa decoración del hogar del profesor Giorgio Arnold y la tensión que provoca verle hablar a través del dispositivo electrónico, o la desconfianza que nos transmite Carol, la portera del edificio interpretada por la actriz Alida Valli, sobre todo por su falsa amabilidad mostrada en la escena del ascensor junto a la enfermera (actriz Veronica Lazar) y el profesor Giorgio Arnold (actor Feodor Chaliapin Jr.), que es en realidad el arquitecto Varelli. Lo siniestro está presente en esta magna obra hasta con el diseño en este tono rojo tan intensamente demoníaco con el cual se ha decorado la planta donde vive Rose, o la sospecha que despierta el mayordomo John (actor Leopoldo Mastelloni) en el irracional comportamiento de la vecina de Rose, la condesa Elise Stallone Van Adler, interpretada por la actriz Daria Nicolodi y que también participó en el reparto de las películas de Dario Argento “Rojo Oscuro”, “Tenebre”, y “La Madre Del Mal”. Pero Dario Argento es puro virtuosismo cinematográfico a la hora de configurar secuencias inolvidables como la brutal escena de Kazanian y el saco con los gatos en el estanque de Central Park, el ataque de las ratas que tiene lugar a continuación en el eclipse de Luna, la cara de sorpresa que tendrá el cinéfilo lector de Lux Atenea cuando vea cómo el vendedor de perritos calientes camina sobre el agua, la siniestra belleza que adquiere la escena en la sala gótica donde se presenta Mater Tenebrarum ante Mark, y la espectacular aparición de la Muerte ante él como clave fundamental de Las Tres Madres. ¡¡¡Impresionante!!! En definitiva, la película “Inferno” es el culto a la imagen, a la magnética e irresistible atracción hacia el Séptimo Arte dentro del horror sobrenatural bajo la terrible influencia del esoterismo más obscuro. “Inferno”, película de culto y destacada joya cinematográfica iluminando este siniestro universo artístico creado por Dario Argento. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL HOTEL DEL HORROR (horror hotel / the city of the dead)”, 1960 (Reseña / Review #1749).

Posted on 21 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1749 // Reseña Media nº: 102
Reseña actualizada. Publicada el 21 de enero del año 2015 en Lux Atenea.

Director: JOHN MOXEY
Guión: GEORGE BAXT y MILTON SUBOTSKY
Actores principales: CHRISTOPHER LEE (Alan Driscoll), DENNIS LOTIS (Richard Barlow), PATRICIA JESSEL (Elizabeth Selwyn / Mrs. Newless), TOM NAYLOR (Bill Maitland), BETTA ST. JOHN (Patricia Russell), VENETIA STEVENSON (Nan Barlow), VALENTINE DYALL (Jethrow Keane), ANN BEACH (Lottie), NORMAN MACOWAN (reverendo Russell)
País: REINO UNIDO Año: 1960 Productora: VULCAN FILMS PRODUCTION
Duración aprox.: 78 minutos
Publicado en España por: PAYCOM MULTIMEDIA
Año: 2009 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Las obras rodadas en blanco y negro tienen un encanto muy especial dentro del cine de terror, y el largometraje “El Hotel Del Horror” es una película de serie B que algunos consideramos muy seriamente como cine de culto por su calidad artística, y por la maestría del director a la hora de provocar miedo y suspense en el espectador haciendo uso de lo bello y de lo siniestro en su rodaje, y sin recurrir a técnicas facilonas para sobresaltar al público como subir el volumen del sonido de forma repentina, con gritos desmedidos y exagerados, con la aparición de una imagen horrible sincronizada con los elementos anteriores… Lo único que no entiendo, ni entenderé, es el diseño del cartel de la película porque creo que puede despistar un poco a los cinéfilos lectores de Lux Atenea sobre la temática de este largometraje. “El Hotel Del Horror” puede llegar a parecer una película de zombis que tan de moda están ahora, pero realmente estamos hablando de una historia de corte gótico donde la brujería y lo demoníaco son protagonistas en su trama. En esta admirable labor artística para dar alma y sentido a su guion, el nivel de calidad alcanzado por George Baxt y Milton Subotsky es extraordinario dentro de este género cinematográfico. Con un desarrollo de la trama elegante, la experta mano del director John Moxey es capaz de embrujarnos a través de imágenes y secuencias de gran belleza visual para que no apartemos nuestra mirada de la pantalla. Su gran talento para crear atmósferas fantasmagóricas y solemnes escenarios cargados de tensión, de terror, y suspense, junto a su banda sonora de estilo clásico compuesta por Douglas Gamley, suponen además un plus artístico al estimular la sensibilidad emocional del espectador en entornos mortuorios de trasfondo satánico y fuerte impacto visual. Una grandeza creativa que, en la década de los sesenta, dentro del cine de terror de serie B destacarían las productoras británicas con un estilo y una espectacularidad en pantalla únicas a través de películas emblemáticas que sobrecogieron al público en aquella era irrepetible dentro de este género. “El Hotel Del Horror” es una de esas películas remarcada por el protagonismo interpretativo del mítico actor inglés Christopher Lee en esta tétrica historia. Su magia artística tan carismática y seductora dentro del cine de terror, siempre es garantía de éxito y de atracción para el público. En este largometraje, su labor resulta aún más fascinante ante la siniestra obscuridad que rodea a su personaje de forma permanente: el profesor Alan Driscoll. El genial actor Christopher Lee nos sumerge en esta trama donde aparece la brujería, una secta satánica, muertes y asesinatos, pasadizos secretos, maléficos grimorios, sacrificios nigrománticos… en un pueblo al margen de la civilización donde la niebla es permanente. Si el cinefilo lector se considera amante del mejor cine de terror, la película “El Hotel Del Horror” le cautivará seguro.

Día 3 de marzo del año 1692, Whitewood (Massachusetts, Nueva Inglaterra). Esta gótica historia de terror comienza con la condena a la hoguera de Elizabeth Selwyn (brillantemente interpretada por la actriz Patricia Jessel) por la muerte de Abigail Addams. Esta impactante escena de la quema de una bruja me ha recordado al inicio de la película de culto del maestro Mario Bava “La Máscara del Demonio” (ya reseñada en Lux Atenea), y que curiosamente también fue presentada al público en el año 1960. A partir de aquí, en un repentino salto en el tiempo hasta la segunda mitad del siglo XX, esta historia continuará con el profesor Alan Driscoll impartiendo una de sus clases sobre la brujería en el siglo XVII en Nueva Inglaterra, destacando la joven Nan Barlow (actriz Venetia Stevenson) entre sus alumnos. Nan Barlow tiene interés en profundizar en esa atrayente temática porque quiere realizar un estudio de campo para su tesis, y de esta forma poder conseguir más información directamente en el lugar donde ocurrió aquella quema de brujas, aconsejándole el profesor Alan Driscoll que se dirija a Whitewood. Nan Barlow coge su coche y viaja hasta ese pueblo, alojándose por recomendación de su profesor en la Posada del Cuervo regentada por Mrs. Newless. En este papel, la actriz Patricia Jessel se muestra excelsa y colosal, flemática y emocionalmente fría, altiva e insensible… y con ese halo inquietante que la sitúa por encima del Bien y del Mal. En Whitewood se oculta algo maléfico, las personas que lo pueblan observan fijamente con escalofriantes miradas… hasta que finalmente Nan Barlow termina desapareciendo en la noche del Sabbat de Candlemas. Pasado el tiempo, al no tener noticias de ella, su hermano el profesor Richard Barlow (actor Dennis Lotis) junto a Bill Maitland (actor Tom Naylor) se ponen en contacto con las autoridades porque no pueden localizarla, iniciándose una investigación oficial. Se acabará cerrando el caso al no encontrar ninguna pista que pueda aclarar su paradero, por lo que Richard Barlow y Bill Maitland deciden iniciar su búsqueda en persona siguiendo sus pasos. Una investigación que les llevará hasta Whitewood para descubrir aquello que jamás se hubieran imaginado. “El Hotel Del Horror” les abrirá su mundo mortuorio, y su más terrible y demoníaco secreto donde la vida y la sangre no son más que monedas de cambio para alcanzar ese poder que desean tener algunos seres humanos. Una película donde soplan los siniestros vientos del weird tale dentro del pulp más suave, y sobre el cual aconsejaría a los bibliófilos lectores la inmersión literaria a través de la magnífica obra “Los Hombres Topo Quieren Tus Ojos”, ya reseñada en Lux Atenea.

Esta obra cinematográfica es una película de culto, y una tenebrosa delicatessen audiovisual donde da gusto contemplar la siniestra belleza que muestran sus inolvidables imágenes y escenas, entre las cuales destacaría por su brillantez artística a la figura del encapuchado sin rostro como la muerte y manos con uñas afiladas, la aparición de la bruja Elizabeth Selwyn siseando como una serpiente (¡¡¡pura genialidad!!!), el tiempo parece pararse un segundo al igual que el sonido ambiental cuando Elizabeth Selwyn fija su mirada en la antorcha que han encendido para prender la leña bajo sus pies, o las gélidas miradas que lanza el profesor Alan Driscoll al alumno Bill Maitland por sus faltas de respeto. “El Hotel Del Horror” es tremendamente gótico por las terroríficas máscaras que decoran una de las paredes de la estancia donde el profesor Alan Driscoll imparte sus clases, por la presencia de la niebla ya en la gasolinera situada en la carretera que lleva al pueblo, con la espectral aparición de Jethrow Keane a un lado de la carretera solicitando que le lleven a Whitewood, en la inexplicable e inquietante desaparición de Jethrow Keane (actor Valentine Dyall) en el coche de Nan Barlow, observando la decoración de época de la habitación de Nan Barlow en la Posada del Cuervo, o por la fantasmagórica imagen nocturna del cementerio de Whitewood. ¡¡¡Impresionante!!! Un largometraje que fascinará al cinéfilo con el descubrimiento fortuito de la trampilla, por la siniestra belleza presente cuando el reverendo Russell (actor Norman Macowan) va desapareciendo poco a poco en el interior de su iglesia mientras advierte a Nan Barlow, con el encanto de la tienda de antigüedades de Patricia Russell (actriz Betta St. John), en la tenebrosa procesión que Nan Barlow observa desde la ventana que da al cementerio, o en la bajada del cuchillo de sacrificio en manos de Mrs. Newless y el corte de la tarta. “El Hotel Del Horror” es muy tenebroso por la diabólica visión de Elizabeth Selwyn que Bill Maitland tiene conduciendo su coche, por la angustia permanente reflejada en el rostro de Lottie (actriz Ann Beach) y su cruel destino, en la risa malévola de Mrs. Newless propia de quien juega con la vida y la muerte de los demás a su gusto y capricho, por el secreto de Alan Driscoll escrito en la lápida del cementerio de Whitewood, y por el inquieto suspense que uno siente en la última escena donde Richard Barlow empieza a recorrer los pasillos subterráneos donde se realizan los sangrientos sacrificios, y que nos llevará directamente a este tenso e inesperado final. Como último apunte, recomiendo a los cinéfilos lectores de Lux Atenea que disfruten este largometraje en una noche invernal, y que apaguen la luz para sumergirse en la irresistible atracción del arte cinematográfico en blanco y negro. Toda una experiencia. “El Hotel Del Horror”, como analista cultural es un honor el poder rescatar del olvido a esta película de culto dentro del cine de terror. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ESTRANGULADOR DE BOSTON (the Boston strangler)”, 1968 (Reseña / Review #1748).

Posted on 21 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1748 // Reseña Media nº: 101
Reseña actualizada. Publicada el 28 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Director: RICHARD FLEISCHER
Guión: EDWARD ANHALT
Actores principales: TONY CURTIS (Albert DeSalvo), HENRY FONDA (John S. Bottomly), GEORGE KENNEDY (detective Phil DiNatale)
País: EE.UU Año: 1968 Productora: 20th CENTURY FOX
Duración aprox.: 111 minutos
Publicado en España por: 20th CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. Año: 2006 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“El Estrangulador de Boston” es un impactante thriller cinematográfico cuya trama está basada en la investigación policial que acabaría identificando a Albert DeSalvo como autor de los crímenes cometidos por el estrangulador de Boston, siendo hallado culpable y condenado a cadena perpetua tras el asesinato de trece mujeres entre los años 1962 y 1964. El caso policial relacionado con este asesino en serie es uno de los más estudiados y analizados debido a la complejidad de la patología psiquiátrica de Albert DeSalvo, porque la amnesia y el Trastorno de Identidad Disociativo en su psicótica personalidad complicaron durante mucho tiempo esta investigación llevada a cabo por las fuerzas de orden para la resolución de este caso criminal de gran impacto en la opinión pública. Rodada en color, esta película destaca sobre todo por la forma a través de la cual el extraordinario director de cine estadounidense Richard Fleischer terminó reflejando la psicología de este despiadado asesino. El uso de varias imágenes en pantalla en algunas secuencias, y que, en algunos momentos, llega a haber hasta siete simultáneas ofreciendo cada una de ellas una perspectiva distinta del mismo escenario, nos permite observar y analizar cada instante o suceso importante en la trama. Una sorprendente técnica audiovisual que, en manos de este genial director, logra engrandecer el arte cinematográfico como muy pocos creadores son capaces de configurar. Por este motivo, la película “El Estrangulador de Boston” garantizará a los cultos lectores de Lux Atenea la visualización de un excelso largometraje de intriga y misterio donde podrán sentir con sumo realismo, el tremendo pánico ciudadano que todos estos crímenes provocaron en la ciudad de Boston durante aquellos años.

Aunque inicialmente parecía que las mujeres mayores eran el objetivo principal del estrangulador de Boston, y todo apuntaba a un médico como supuesto culpable de esos crímenes debido al uso del doble nudo cuadrado utilizado normalmente por parte de ese maníaco, la desorientación y los prejuicios propios de aquella época empezaron a salir a la luz durante las investigaciones. Cuando la policía comienza la búsqueda de este asesino en serie, fetichistas, gays, voyeurs, hombres con perversiones únicamente confesables a prostitutas, lectores de cierto tipo de literatura… terminan convirtiéndose en los primeros perfiles de sospechosos a investigar. Pero el número de mujeres asesinadas continúa, las investigaciones siguen sin aportar ninguna pista fiable sobre el asesino, y la policía en su desesperada búsqueda del homicida llega incluso a solicitar la colaboración de un médium que, supuestamente, terminó llevándoles a la detención del posible asesino. Todo ello cambiará radicalmente a partir de la séptima víctima, una joven negra, al quedar este crimen completamente diferenciado de los asesinatos anteriores, ancianas blancas. Esta atmósfera de misterio que empezó al comienzo de la película y donde permanecía oculto el rostro del asesino, no será hasta el ecuador de este largometraje cuando el espectador pueda empezar a ver cómo es el modus operandi del estrangulador de Boston a la hora de poder entrar en las casas de sus víctimas pese a la alarma social.

En esta obra, el director Richard Fleischer sabe cómo reflejar en imágenes ese choque existente entre la visión policial, jurídica, y médica a la hora de resolver este caso. Por este motivo, los espectadores concentrados en la intensidad de los acontecimientos, durante la evolución de su trama pasarán de un thriller a una película de trasfondo mental y análisis psicológico profundo sin prácticamente darse cuenta de ello. Un cambio sutil en el sentido conceptual de la película, favorecido por la excelente interpretación de sus personajes por parte de estos grandes actores, destacando especialmente el difícil papel de Albert DeSalvo interpretado por el mítico actor Tony Curtis. Dentro de la misteriosa complejidad de este asesino en serie con la máscara permanentemente puesta sobre su rostro para complicar su identificación, la naturalidad con la cual Tony Curtis presenta la frialdad emocional de este personaje, el oportunismo caótico con el que solía elegir a veces a sus víctimas, el desquiciado temperamento que lo caracterizaba, el solapamiento mental de sus recuerdos perfectamente reflejados en sus gestos y expresiones… engrandecen artísticamente a este actor estadounidense. En “El Estrangulador de Boston” encontrarán a este escalofriante Tony Curtis interpretando escenas cinematográficas brutales y sobrecogedoras que se quedarán grabadas en su memoria.

También el legendario actor Henry Fonda adquiere relevancia en esta película al interpretar el papel de John S. Bottomly, un analítico e inteligente funcionario público que, por orden del Fiscal General, es designado como coordinador de la investigación por parte del Estado para poder capturar a este esquivo homicida que tanta repercusión empezaba a tener en los medios de comunicación. Otro gran actor secundario como George Kennedy, en su papel del investigador Phil DiNatale, fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea interpretando a este detective absolutamente desbordado por la difícil situación que ha de afrontar. Si desean tener una muestra clara de la magnífica obra artística de George Kennedy, recomiendo la lectura de la reseña que publiqué sobre la impactante película “El Caso de Lucy Harbin” (1964). “El Estrangulador de Boston” presenta impactantes escenas como la secuencia del estrangulador de Boston frente al espejo, cuando conversa con su mujer tras ir a visitarle al hospital para hablar con él, la tensa escena del interrogatorio de John S. Bottomly (Henry Fonda) a Albert DeSalvo (Tony Curtiss) y la readaptación mental que éste hace de los hechos ocurridos en uno de sus ataques, la siniestra imagen de una de sus víctimas andando al lado de los maniquíes, la imagen con profunda carga psicológica en la visión de Albert DeSalvo cuando ve a su mujer en perspectiva y a lo lejos… Como apunte final en esta edición íntegra del largometraje publicada en formato DVD por 20th Century Fox en el año 2006, quisiera subrayar que algunas secuencias permanecen en su idioma original porque no fueron dobladas en aquella época tras haber sido censuradas por su controvertido mensaje. “El Estrangulador de Boston”, la película del asesino en serie estadounidense cuya psicopatía llegó a contraponer en aquella época a las leyes judiciales con la lógica científica y médica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la etiqueta: Película Terror

“EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI (das kabinett des Dr. Caligari)”, 1920 (Reseña / Review #1762).

“SINISTER”, 2012 (Reseña / Review #1758).

“ENTIERRO A MEDIANOCHE (Bowery at midnight)”, 1942 (Reseña / Review #1757).

“EL ENIGMA… DE OTRO MUNDO (the thing from another world)”, 1951 (Reseña / Review #1756).

“EL ASCENSOR (de lift)”, 1983 (Reseña / Review #1755).

“LA SOMBRA DEL VAMPIRO (shadow of the vampire)”, 2000 (Reseña / Review #1754).

“LAS TRES CARAS DEL MIEDO (I tre volti della paura / black sabbath)”, 1963 (Reseña / Review #1753).

“INFERNO”, 1980 – DARIO ARGENTO (Reseña / Review #1750).

“EL HOTEL DEL HORROR (horror hotel / the city of the dead)”, 1960 (Reseña / Review #1749).

“EL ESTRANGULADOR DE BOSTON (the Boston strangler)”, 1968 (Reseña / Review #1748).