“EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI (das kabinett des Dr. Caligari)”, 1920 (Reseña / Review #1762).

Posted on 26 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1762 // Reseña Media nº: 115
Reseña actualizada. Publicada el 20 de enero del año 2015 en Lux Atenea.

Director: ROBERT WIENE
Guión: CARL MEYER, HANS JANOWITZ
Actores principales: WERNER KRAUSS (doctor Caligari), CONRAD VEIDT (Cesare), LIL DAGOVER (Jane), FRIEDRICH FEHÉR (Franzis), HANS HEINRICH von TWARDOWSKI (Alan), RUDOLF LETTINGER (doctor Olson)
País: ALEMANIA Año: 1920 Productora: RUDOLF MEINERT – ERICH POMMER / DECLA Duración aprox.: 77 minutos
Publicado en España por: DIVISA HOME VÍDEO
Año: 2014 Formato: DVD nueva edición restaurada (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Doctor Caligari: El nacimiento del horror en la Primera Guerra Mundial // Galería // Fichas // Filmografías

Como analista cultural, valoro a esta mítica película muda como una de la máximas representantes del cine de culto por su excelencia artística. Con ella surge el Big Bang creativo que experimentaría el cine alemán a través del nacimiento de esta corriente expresionista que tantas joyas cinematográficas nos ha legado. Por el virtuosismo creativo y pionero del legendario director de cine germano Robert Wiene (1873-1938), el gótico largometraje “El Gabinete Del Doctor Caligari” se erige majestuosamente como la primera película del Expresionismo alemán, elevando la grandeza artística mostrada por el cine mudo gracias a su hipnótica capacidad para hechizarnos, para seducir la mente del cinéfilo lector de Lux Atenea en cuanto contemple este espectáculo cinematográfico. Una magnética atracción por el terror psicológico en esta historia de suspense que vio la luz en el año 1920, a través de esta genial distorsión de la realidad donde las atmósferas angustiosas cobran vida en entornos densos y opresivos, y donde el factor mental y psicológico se presenta intenso y provocador ante los ojos del espectador. Todo gracias a esta fascinante belleza estética utilizada para dar trasfondo y carácter único a estos escenarios mediante el uso de formas distorsionadas, retorcidas, y tan mágicamente irreales por la perspectiva visual en diagonal que proyectan, y que fueron diseñados y pintados por los artistas Hermann Warm, Walter Röhrig, y Walter Reimann para pasar a la Historia del Séptimo Arte. En esta lujosa edición en formato DVD publicada por la prestigiosa compañía Divisa Home Vídeo en el año 2014, se ha incluido la edición restaurada del negativo original que fue realizada por la Fundación Friedrich Wilhelm Murnau en una coproducción de 2DF en colaboración con el canal Arte y Transit Film, siendo proyectada por primera vez al público el día 9 de febrero de 2014 en el Festival Internacional de Berlín, Berlinale. Una laudable restauración en 4K realizada por L’Immagine Ritrovata para recuperar esta película de culto hasta ofrecer al cinéfilo una calidad excepcional e inimaginable hace tan sólo unos años, además de ser la edición más completa de todas las existentes al haber pasado de sesenta a más de setenta minutos de duración. En esta publicación en DVD también se ha incluido la banda sonora compuesta e interpretada por el artista estadounidense John Zorn para esta edición restaurada de la película, junto al interesante documental “Doctor Caligari: El nacimiento del horror en la Primera Guerra Mundial” de más de cincuenta minutos de duración que encantará a los cultos lectores de Lux Atenea que adquieran esta lujosa edición. Como analista cultural, me ha sorprendido e impresionado el nivel de calidad que se ha logrado alcanzar en esta restauración de las imágenes de la película. ¡¡¡Chapeau!!!

“Cesare, yo te llamo; yo, el doctor Caligari, tu amo. Despierta por un instante de tu oscura noche.”

Quisiera remarcar la admirable labor interpretativa mostrada por los actores en esta película, hasta dar absoluta credibilidad al siniestro ambiente de distorsión psicológica de la realidad expuesto en esta historia. Entre sus actores principales, quisiera destacar muy especialmente el extraordinario trabajo interpretativo realizado por el actor Werner Krauss, dando vida al doctor Caligari con esta extraña actitud, estos andares, esta siniestra mirada en un rostro marcado por el tiempo, además de transmitir esa Sabiduría y ese Conocimiento oculto al común de los mortales. El doctor Caligari, que inicialmente vemos manipulando a Cesare aprovechándose de su sonambulismo para que cometa asesinatos, tras un giro radical en esta historia se presentará su perfil real que cambiará completamente la visión que el espectador tenía sobre este personaje ya resaltado en el título del largometraje. Si en algo es artísticamente transgresor e innovador “El Gabinete Del Doctor Caligari” es en estos giros radicales que suceden en su trama, y que provocan cierto desconcierto. Giros cinematográficos que, llevados a una época más actual, serían comparables a los utilizados por el maestro David Lynch en algunas de sus películas más emblemáticas como, por ejemplo, en “Carretera Perdida (lost highway)”, ya reseñada en este blog cultural. Otro de los grandes valores cinematográficos que presenta este mítico largometraje es el expresivo maestro de la interpretación Conrad Veidt en el papel del sonámbulo Cesare. Un laudable actor de gloriosa carrera cinematográfica, y cuya mítica película de culto “El Hombre Que Ríe” (ya reseñada en Lux Atenea) recomiendo disfrutar a los cinéfilos lectores. Retornando a esta película, con sus gestos, con su mirada, con estas expresiones… Conrad Veidt se presenta como un auténtico mago del encanto teatral llevado a la gran pantalla para provocar emociones intensas. Un legendario actor que ha dado vida y alma a personajes convertidos ya en iconos no solamente dentro del cine mudo, sino también en la Historia más ilustre del Séptimo Arte. Un virtuosismo interpretativo absolutamente sublime y capaz de empatizar con el espectador, transmitiéndole emociones y sentimientos más propios de entornos espirituales por sus claroscuros que a través del reflejo visual estrictamente cinematográfico. Sin duda alguna, Conrad Veidt tiene ese carisma, ese don tan especial para adueñarse de la pantalla en cuanto hace acto de presencia sin que muchas veces sea necesario hacer grandes gestos. Incluso en la inmovilidad más absoluta, como cuando el doctor Caligari presenta a Cesare al público ante los ojos de Franzis y Alan, Conrad Veidt sigue dominando totalmente la escena con su carisma artístico. El sonámbulo Cesare te fascinará nada más verlo, como si el actor Conrad Veidt hubiera nacido específicamente para dar vida y credibilidad en pantalla a este icónico personaje.

Seis actos vertebran la trama de esta tenebrosa y siniestra historia marcada indeleblemente por la ruptura de la realidad y de la cordura mental, y que comenzará en un tranquilo y extraño patio donde Franzis (actor Friedrich Fehér) empezará a narrar un misterioso suceso que le ocurrió en la feria de su pueblo natal, Holstenwall (Alemania), junto a su amigo Alan (actor Hans Heinrich von Twardowski). En el pueblo aparece el doctor Caligari para conseguir el permiso que le permita ofrecer su atracción en la feria, donde un sonámbulo con el don de la adivinación es el protagonista: Cesare. A partir de ese momento, en el pueblo se empiezan a descubrir asesinatos sin explicación aparente, y cuando Franzis y Alan entran en la atracción del doctor Caligari, la vida de Alan quedará sentenciada cuando Cesare le pronostique que morirá pronto. Tras conocer la muerte de su amigo, las sospechas se despertarán en Franzis respecto al doctor Caligari y su tenebroso sonámbulo, y cuando su novia Jane (actriz Lil Dagover) es secuestrada por Cesare, se produce un hecho crucial en esta historia al no querer matarla Cesare por orden del doctor Caligari. Huyendo con ella, es perseguido, pero a partir de aquí, sueños, locuras, imaginación, fantasías, secretos, pesadillas, y la realidad, se entrecruzarán en esta distorsión psicológica reflejada siempre con arte y maestría durante toda esta obra cinematográfica, creando esta amalgama de esencia conceptual surrealista y fuerte impacto visual y psicológico. También caerá el velo que ocultaba la auténtica realidad, mostrándose el verdadero trasfondo de esta historia, de ahí que su fundamento conceptual relacionado con el terror psicológico se convierta en la etiqueta perfecta para poder catalogar a esta película porque su trama no es lineal, sino que está llena de sorpresas que invito a descubrir a los cinéfilos lectores de Lux Atenea durante su visualización. El mundo psicológico y onírico, junto a ese espejo con dos caras opuestas (fantasía e imaginación), serán los que les permitirán desvelar la auténtica realidad del doctor Caligari. Sin duda alguna, Carl Mayer y Hans Janowitz mostraron su más sublime maestría a la hora de escribir este fascinante y sorprendente guion, teniendo en cuenta que estamos hablando de una película rodada en el año 1919, tan solo un año después del final de la Primera Guerra Mundial, siendo proyectada por primera vez al público el día 26 de febrero del año 1920 en la ciudad de Berlín.

“No puede haber sido Cesare: Cesare estuvo durmiendo todo el tiempo.”

Gracias a su magia artística tan cautivadora, de la película “El Gabinete Del Doctor Caligari” quisiera destacar imágenes y escenas imposibles de olvidar como, por ejemplo, la fantasmagórica aparición de Jane en la escena al principio de la película, la sonrisa que provoca ver al pequeño mono en la feria amenazando a todo aquel que se acerca al organillero para darle unas monedas y cómo desafía al enano, la triste y desangelada habitación del secretario del ayuntamiento donde encuentran su cuerpo y el curioso diseño utilizado para representar el cristal roto de la ventana por donde entró el asesino, la siniestra aparición de Cesare ante el público, la solemne y mítica secuencia del despertar de Cesare y su inolvidable rostro mitad clown mitad terror gótico, la terrible escena cuando Alan pregunta a Cesare por su destino, o la sombra del asesino apareciendo en la habitación de Alan, y sus gestos con las manos ante el mortal peligro que se cierne sobre él. La belleza y la estética gótica de “El Gabinete Del Doctor Caligari” son únicas y fascinantes como, por ejemplo, la calle por la cual transitan Franzis y Alan en un entorno psicológicamente opresivo como si las paredes fueran a colapsarse en cualquier momento sobre ellos y con estas líneas dibujadas como si fuera la partitura de un músico loco, observando el interior de este angustioso y caótico ayuntamiento, el diseño completamente surrealista del asiento y de la mesa del secretario del ayuntamiento, el lúgubre y amenazante estilo de letra utilizado para los carteles del guion de la película, el diseño interior de la casa de Franzis donde es todo un placer parar la imagen y recrearse en su contemplación, el tenebroso diseño del cartel de Cesare el sonámbulo, el insólito diseño del florero que aparece en la escena donde Jane está leyendo un libro, o la visión de estas extrañas calles y siniestras casas del pueblo de Holstenwall donde los ángulos de 90 grados son escasos, y donde uno inmediatamente encuentra la fuente de inspiración que halló el director estadounidense Tim Burton para algunas de sus más famosas creaciones artísticas (recomiendo la lectura del libro “Tim Burton por Tim Burton” ya reseñado en Lux Atenea). Todo en esta película de culto es espectacular en su estética visual, como la gran altura y el diseño piramidal que presenta la celda y la poliédrica forma del peso al que está encadenado el preso, quedando centrada la atención visual en él incluso a través de las formas dibujadas en el suelo, o la intrigante escena donde Franzis entra en el manicomio, situándose en su patio curiosamente a la izquierda y justo donde convergen los dibujos (como también ocurría con el preso en la celda), además del terrorífico diseño del despacho del director del manicomio con libros amontonados en el suelo y en su mesa, el esqueleto humano colgado… y que ya se intuía previamente en el lúgubre diseño del pasillo que conduce a esa estancia.

El largometraje “El Gabinete Del Doctor Caligari” es muy tétrico y obscuro, presentando escenas muy impactantes como cuando las maléficas miradas del doctor Caligari y Cesare quedan fijadas en Jane estando sola dentro de la carpa y que provocan que se sienta amenazada y salga corriendo, la tenebrosa salida del cementerio protagonizada por Franzis, Jane y su padre tras haber asistido al entierro de Alan en este escenario de siniestra belleza, la imagen un tanto fúnebre donde se ve al doctor Caligari con Cesare tumbado a su lado hasta dar la impresión de que estuviera velando a un muerto, la extraordinaria escena de la entrada del sonámbulo en el despacho del doctor Caligari, la mítica secuencia donde se ve a Cesare llevándose a Jane y la huida de éste tras dejar a Jane en el camino al ser perseguido por la gente, la impactante visión de la cara del doctor Caligari tras haberle puesto la camisa de fuerza, y la siniestra y terrible escena final en el populoso patio del manicomio con la furiosa respuesta de Franzis. Una de las más espectaculares y siniestras imágenes en esta película aparece con la sombría y empinada escalera que Franzis ha de subir para comunicar la muerte de su amigo a los agentes de la autoridad, o con la terrorífica llegada de Cesare a la habitación de Jane donde ella queda situada en un primer plano, y en una posición dormida que inspirará a la famosa escena de la película de culto “Nosferatu” (1924), cómo éste es incapaz de matarla, e impresiona observar el perturbado rostro de Cesare y su cara de loco cuando despierta a Jane y la agarra para llevársela. Como pueden comprobar, esta película convierte setenta minutos de proyección en una constante y exquisita estimulación de los sentidos durante su atenta visualización, porque “El Gabinete Del Doctor Caligari” representa fielmente lo que es la magia del cine y por qué ha conseguido conquistarnos de forma tan apasionada.

“Hay fantasmas… nos rodean por todas partes.”

Como último apunte, invito a los cultos lectores a reflexionar sobre la influencia que tuvo esta mítica película en la estética siniestra que caracterizó al legendario grupo musical gótico Bauhaus a finales de la década de los setenta y principios de los ochenta, con su mítico cantante Peter Murphy a la cabeza. Observo atentamente algunas escenas de esta película, e inmediatamente vienen a la mente algunas imágenes de los videoclips y fotografías protagonizadas por Peter Murphy. Una influencia estética en la cual también profundizó el magnífico Gavin Baddeley en su extraordinario libro “Los Ángeles Del Pecado. Cultura Gótica II” (ya reseñado en Lux Atenea). En el fondo, el Expresionismo alemán renaciendo en el siniestro mundo musical gótico. En esta reseña también he hecho mención a otros genios cinematográficos como David Lynch o Tim Burton, e invito a seguir sumergiéndose dentro de esta interesante temática ya que les deparará grandes descubrimientos que no esperaban. La influencia estética y conceptual de esta película en artistas posteriores sigue teniendo una larga sombra que se proyecta hasta nuestros días, de ahí su eterna grandeza y prestigio inmutable dentro de la vanguardia. “El Gabinete Del Doctor Caligari”, película de culto y obra maestra por excelencia dentro del Séptimo Arte, y del Expresionismo alemán más selecto e innovador rodado en Europa. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PI, FE EN EL CAOS (PI: faith in chaos)”, 1998 (Reseña / Review #1760).

Posted on 26 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1760 // Reseña Media nº: 113
Reseña actualizada. Publicada el 4 de noviembre del año 2013 en Lux Atenea.

Director: DARREN ARONOFSKY
Guión: DARREN ARONOFSKY
Actores principales: SEAN GULLETTE (Maximillian Cohen), MARK MARGOLIS (Sol Robeson), BEN SHENKMAN (Lenny Meyer), PAMELA HART (Marcy Dawson), STEPHEN PEARLMAN (Rabbi Cohen), SAMIA SHOAIB (Devi), AJAY NAIDU (Farrouhk)
País: EE.UU Año: 1998 Productora: HARVEST FILM WORKS TRUTH & SOUL / PLANTTAIN FILMS
Duración aprox.: 86 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VIDEO
Año: 2000 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Tráiler // Menú interactivo 3D // Biofilmografías director y actores

Hay películas que te marcan nada más verlas, que atesoran escenas que te fascinan y te llevan a repetir la visualización de la obra cinematográfica a partir de entonces. Un claro ejemplo de esta estimulada pasión es la película “Pi, fe en el caos”, largometraje que tuve el placer de disfrutar a principios del mes de diciembre del año 1999, fecha oficial de su estreno en una mítica sala de cine en Madrid, y cuya magna banda sonora (Clint Mansell, Orbital, Autechre, Aphex Twin, Massive Attack…) tuve el placer de analizar y reseñar en el mes de julio del año pasado para describir sus excelencias musicales a los melómanos lectores de Lux Atenea. Con el paso del tiempo, “Pi, fe en el caos” se ha convertido en una película de culto, habiendo sido galardonada con el Premio al Mejor Director en el prestigioso Festival de Cine de Sundance en 1998. Como ópera prima del director de culto Darren Aronofsky (“Requiem por un sueño”, “La fuente de la vida”, “El luchador”, “El cisne negro”…), esta incomparable película es un claro ejemplo de pura vanguardia surgida dentro del cine independiente estadounidense donde el drama y la intriga resplandecen siniestramente en su trama, más propia del universo literario kafkiano. La desesperación y la angustia que transmiten muchas de sus escenas, fluyen en esta atmósfera propia de la ciencia-ficción donde la aspereza del thriller psicológico te atrapa e hipnotiza hasta el último segundo. Rodada en blanco y negro con genial maestría en míticos barrios y distritos neoyorkinos como Brooklyn, Lower East Side, Chinatown, y Coney Island, en “Pi, fe en el caos” resalta la sublime labor de interpretación realizada por actores y actrices como Sean Gullette en el papel de Maximillian Cohen (protagonista principal en esta película), Ben Shenkman en el papel de Lenny Meyer, la fotogénica actriz Pamela Hart en el papel de Marcy Dawson… o auténticos maestros de la interpretación como el actor Mark Margolis en el fascinante papel de Sol Robeson (amigo de Max), o el magnífico actor Stephen Pearlman en el papel del misterioso Rabbi Cohen. Talento y genialidad en la dirección unida a estos extraordinarios actores dio como fruto final esta obscura película que rozó la perfección artística.

En este siglo XXI estamos viviendo un periodo de transición entre el caduco mundo moderno y la imparable sociedad posmoderna subida al creciente impulso de la globalización. Un mundo donde el relevante peso de lo económico queda reflejado en la importancia de los movimientos bursátiles en las sociedades más avanzadas de todo el planeta, configurando y definiendo las reglas del sistema financiero a nivel global. Pero, qué ocurriría si una persona con el don de poder realizar inimaginables cálculos matemáticos con su mente privilegiada, le permitiera conocer el orden que rige el aparente caos de los movimientos bursátiles y predecir la evolución de sus valores. Con este atrayente eje como base principal de su trama, en la película “Pi, fe en el caos” podrán conocer la historia de Maximillian Cohen, Max, un excepcional matemático en busca de esa clave económica cuyo desvelo terminará llevándole a una peligrosa posición debido a los intereses económicos que despiertan sus investigaciones en una firma de brokers de Wall Street llamada Lancet Percy, y en una secta de místicos judíos que haciendo uso de la Cábala investigan los secretos de las Sagradas Escrituras para desvelarlos. Tras haber hablado con esta secta, Max, que padece fuertes dolores de cabeza y puntuales pérdidas de la realidad de corte paranoico, ha centrado sus investigaciones en el cálculo matemático haciendo uso de la informática, y para conseguir su objetivo ha creado un programa al que ha bautizado con el nombre de Euclides que, tras ejecutarlo, parece tener un aparente error de programación (un bug) en vista a los resultados que está dando. El problema vendrá cuando esos datos, en los que se predicen increíbles y sorprendentes movimientos bursátiles, lleven a la empresa de Wall Street a hacerse con su programa informático Euclides a cualquier precio, y a la secta judía a conseguirlo también para hallar un número sagrado relacionado con el Templo de Salomón y con Dios. Con esta atrayente y angustiosa trama se desencadenará una atmósfera kafkiana donde la desesperación de Max se convertirá en un trastornado crescendo absolutamente delirante donde se contraponen los intereses materiales y espirituales, persiguiendo y presionando a Max para que les dé ese valioso programa.

En esta película de culto, las escenas que más me impactaron fueron los terribles e impactantes flashes visuales fundidos con punzantes ráfagas sonoras con las cuales el director Darren Aronosky refleja los dolores de cabeza que padece Max, cómo Marcy Dawson de la empresa Lancet Percy trata de tentar a Max ofreciéndole un potentísimo y avanzado microprocesador para ganárselo, o la naturaleza matemática y ordenada de Max que se representa visualmente a lo largo de la película con las anotaciones que va realizando en su diario. “Pi, fe en el caos” es una película con escenas psicológicas muy tensas como la agobiante imagen de Max ante el potente ordenador construido por él mismo y que aparece en pantalla como un avanzado frankenstein tecnológico, la atmósfera persecutoria y paranoica que se respira en las escenas de Max en el metro, o la claustrofóbica casa donde vive cuyas secuencias en blanco y negro aumentan aún más su intensidad visual. Lo simbólico, lo metafórico, y el mensaje de su trasfondo conceptual han quedado perfectamente reflejados en este largometraje como, por ejemplo, en la simbólica imagen de la crema disolviéndose en el café y el humo del cigarrillo formando ambos espirales como metafórico reflejo visual de la secuencia de Fibonacci (proporción áurea), la reflexiva y analítica soledad de Max que se observa en la escena de la playa, la impactante escena donde Max toca un ensangrentado cerebro con la punta de su bolígrafo hasta perder la consciencia, la imagen de la hormiga incapaz de quitarse la sustancia pegajosa de su cuerpo como imagen simbólica para poder comprender cómo Max se va enredando inexorablemente en este asunto, o la incipiente desesperación de Max en el laberíntico abismo en el que se ha metido a la búsqueda del número de 216 dígitos, y que se refleja en las representaciones anatómicas del cerebro y en su cabeza afeitada. Intriga y ciencia-ficción, dramatismo elevado al cubo en este thriller psicológico, una banda sonora de auténtico lujo como trasfondo musical para sus mejores escenas… en definitiva, películas de culto con esta excelsa calidad dentro del cine independiente estadounidense siempre engrandecerán al Séptimo Arte. “Pi, fe en el caos”, el impactante nacimiento artístico de la magia cinematográfica creada por el director de culto Darren Aronofsky. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Todo lo que nos rodea se puede representar y entender mediante números.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SINISTER”, 2012 (Reseña / Review #1758).

Posted on 26 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1758 // Reseña Media nº: 111
Reseña actualizada. Publicada el 26 de mayo del año 2013 en Lux Atenea.

Director: SCOTT DERRICKSON
Guión: C. ROBERT CARGILL, SCOTT DERRICKSON
Actores principales: Ethan Hawke (Ellison Oswalt), Juliet Rylance (Tracy), Fred Dalton Thompson (sheriff), James Ransone (policía), Michael Hall D´Addario (Trevor), Clare Foley (Ashley)
País: EE.UU Año: 2012 Productora: AUTOMATIK ENTERTAINMENT / BLUMHOUSE PRODUCTIONS / POSSESSED PICTURES
Duración aprox.: 115 minutos
Publicado en España por: AURUM PRODUCCIONES, S.A.
Año: 2013 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Comentario de la película con el director: Scott Derrickson // Comentario de la película con los guionistas: Scott Derrickson y C. Robert Cargill // Autores de crímenes reales // Vivir en una casa de la muerte // Trailer en español

“Sinister” es un largometraje que lo tiene todo para ser considerado como película de culto, aunque este prestigioso galardón artístico otorgado por los cinéfilos más apasionados suele tardar un tiempo en ser reconocido públicamente. A veces, incluso pasan varias décadas. Estrenada oficialmente en los Estados Unidos de América a finales del año 2012, “Sinister” es una excelente película de terror donde oscuros hechos sobrenaturales vertebran cada una de sus escenas hasta llevarnos a un impresionante e inesperado final. ¡¡¡Y qué final de película!!! Teniendo como actor principal a Ethan Hawke interpretando con maestría el papel del escritor Ellison Oswalt, es precisamente la extraordinaria labor realizada por otros actores de segundo nivel como Juliet Rylance en el papel de su esposa Tracy, de Clare Foley y Michael Hall D’Addario interpretando con credibilidad a sus hijos Ashley y Trevor, la impactante presencia en pantalla del actor Vincent D’Onofrio como el erudito profesor Jonas, o del preocupado y enigmático sheriff de King County interpretado por Fred Dalton Thompson, lo que convierte a este largometraje en una obra maestra como thriller de corte paranormal. Además, el uso en esta historia del metraje encontrado de forma fortuita, y que utiliza el director Scott Derrickson para perfilar esta obra cinematográfica uniéndola técnica y artísticamente a otras películas de culto como “The Blair Witch Project” (1999) o “Cloverfield” (2008), nos ofrece un realismo que sobrecogerá al cinéfilo lector de Lux Atenea. Estas tomas inestables y aceleradas más propias del cine underground y de vanguardia, y esta visión de las escenas en primera persona impactan y conmueven. Si a todo ello le unimos esta terrorífica banda sonora compuesta por Christopher Young (recomiendo la lectura de la reseña musical BSO / OST “Sinister”), a la cual se ha añadido los míticos y sobrecogedores temas “Sacrifice”, “Call From The Grave”, y “Enthral” del legendario dúo musical noruego Aghast, y el tema “Waking Cthuhlu” de Aghast Manor, el perfil siniestro no puede tener una mayor relevancia sonora en esta película de terror.

Hay películas que te impactan y te sorprenden nada más verlas. Escenas y tramas donde uno se identifica plenamente con el arte cinematográfico mostrado por el director a través de secuencias e interpretaciones de sus actores que transforman ambientaciones y acciones en algo casi real, palpable, y siniestramente actual a pesar de ser una historia de terror ficticia. Cuando en el Séptimo Arte aparece un largometraje con esta alma conceptual, la obra pasa a ser vista como algo muy personal y profundo porque, en el fondo, la obra cinematográfica termina convirtiéndose en una película de culto para el cinéfilo. Cuando además, una obra cinematográfica dentro del cine de terror logra despertar ese imaginario oscuro, fantasmagórico, ilusorio, y extrañamente atrayente en el espectador, se produce una especie de siniestra catarsis que ha hecho diferenciar siempre al cine de terror, de horror, y de suspense del resto de géneros cinematográficos. Un estilo a la hora de hacer cine que sigue estando muy vivo en la actualidad para muchos amantes del Séptimo Arte. Si además unimos a esta atracción la suma constante de películas consideradas de culto dentro de este mismo género, está claro que directores con este instinto creativo como Scott Derrickson en “Sinister”, empiezan a brillar con una luz muy especial de cara a un futuro teñido de grandeza artística de carácter legendario.

“La única conexión entre todos los asesinatos es que mata a todos los miembros de la familia menos a uno.”

Esta historia de terror y suspense comienza con la siniestra visualización de la grabación doméstica en cinta de película de Super 8, donde cuatro miembros de una familia están encapuchados y atados por el cuello con sogas que están sujetas a una gran rama de un árbol. Cuando es cortada, el fatídico final de sus vidas queda grabado con horror en esa macabra cinta. A continuación, se inicia esta historia sobrenatural y paranormal con la llegada de la familia del escritor Ellison Oswalt (actor Ethan Hawke) a su nueva casa, lugar donde espera encontrar la inspiración literaria que le haga retornar al éxito entre el público. Realizando la mudanza con su esposa Tracy (actriz Juliet Rylance), Ellison Oswalt es visitado por el sheriff de la localidad (actor Fred Dalton Thompson) para tratar de convencerle de que lo mejor que puede hacer él y su familia es marcharse de allí. Y es que Ellison Oswalt ha elegido esa casa precisamente por los extraños y sangrientos sucesos que allí ocurrieron, habiendo ocultado esa información a su familia. Una vez allí, lo primero que le llama la atención es ese gran árbol con la rama cortada aun colgando de él. Cuando sube al desván de la casa, allí encuentra una caja que contiene cintas domésticas en formato Super 8 tituladas “Jugando en familia ´11”, “Barbacoa ´79”… junto a un proyector. Todo aparenta normalidad con la familia estableciéndose definitivamente allí, pero cuando Ellison Oswalt empieza a reconstruir en su despacho los crímenes que allí sucedieron y visualiza el contenido de esas cintas, su vida cambiará radicalmente. La contemplación directa del horror ocurrido en esa misma casa parece sobrepasarle, quedando ese misterio envuelto aún más con lo enigmático por la desaparición de la hija de la familia allí asesinada. Fruto de sus investigaciones, descubrirá que esas cintas fueron grabadas por diferentes familias que aparecieron salvajemente asesinadas en varios lugares, tal y como quedaron grabadas en ellas, y además ampliando esta atmósfera de tensión y terror, una serie de inexplicables sucesos empezarán a ocurrirle hasta llevar a Ellison Oswalt al límite de sus fuerzas en esta inquietante investigación que terminará por obsesionarle. Con la entrada en escena del erudito profesor Jonas (actor Vincent D’Onofrio), de una deidad infernal de origen babilónico llamado Bughuul, y el descubrimiento del enigma que envuelve a estos salvajes e inexplicables crímenes familiares, la película “Sinister” tiene como colofón uno de esos finales que los cinéfilos lectores de Lux Atenea no olvidarán. Este largometraje lo tiene todo para que disfruten el mejor cine de terror con intensidad, pasión, miedo… y algún que otro susto.

La magia del Séptimo Arte provoca una atracción mental clara e inconfundible porque algunas de sus escenas rodadas quedan grabadas en la memoria del espectador. En esta excelsa película de terror sobrenatural me han impactado algunas impresionantes secuencias como la escena inicial de la cinta de Super 8 que ya de entrada te deja helado, la escalofriante escena donde su hijo Trevor sale de una caja situada inexplicablemente en un pasillo de la casa, con la brutal imagen de los degollamientos reflejados en las gafas de Ellison Oswalt mientras suena este impresionante tema de Aghast como música de fondo, la terrorífica escena donde la imagen de Bughuul cobra vida en la pantalla del portátil de Ellison Oswalt y luego él observa cómo fantasmagóricas manos lo empujaban hacia abajo en la grabación de su accidente en el desván, la impresionante escena del escritor recorriendo la casa mientras los espectros de los niños le observan (reflejando fielmente en sus movimientos la distinta dimensión espacio-tiempo en el que se mueven para un mismo instante), la espeluznante secuencia de la piscina con la siniestra figura de Bughuul observando desde el fondo de ella y girándose luego hacia la cámara, la atroz revelación contenida en las secuencias extendidas que Ellison Oswalt encuentra sorprendentemente en su nueva casa, o la impactante visualización de cada una de las brutales secuencias grabadas en Super 8 con ahogamientos (“Fiesta piscina ´66”), incineraciones (“Barbacoa ´79”), mutilaciones usando un cortacésped (“Trabajo en el jardín ’86”), degollamientos (“Hora de dormir ’98”), y ahorcamientos (“Jugando en familia ´11”). Lo tenebroso, lo siniestro, y lo demoníaco son esenciales en esta película como, por ejemplo, en el uso simbólico que el director hace del escorpión como claro aviso cuando el escritor sube al desván, observar la misteriosa tapa de la caja en cuyo interior han dibujado cada uno de los asesinatos grabados en cinta y donde está siempre presente un misterioso personaje llamado Mr. Boogie, la fantasmagórica escena del perro negro gruñendo mientras observa a los espectros de los niños situados detrás de Ellison Oswalt, la simbólica escena donde Ellison Oswalt quema el proyector y las cintas en el jardín de la casa, o la impactante visión de los sangrientos símbolos y signos directamente relacionados con el demoníaco Bughuul, el cual necesita devorar a las almas de los niños para poder vivir. En esta magnífica edición en formato DVD siempre es de agradecer que se hayan incluido en los extras los comentarios del propio director e, incluso, el comentario de sus guionistas Scott Derrickson y C. Robert Cargill. La compañía Aurum Producciones (desde 2013, renombrada como eOne Films) también ha tenido un gran acierto al incluir los documentales “Autores de crímenes reales” y “Vivir en una casa de muerte” en este DVD porque son impresionantes. En definitiva, una edición perfecta para inmortalizar esta magna obra destinada a ser admirada durante los próximos años por su calidad artística y por su irresistible trama de suspense. “Sinister”, película de imprescindible visualización para los amantes del mejor cine de terror rodado en este siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“ENTIERRO A MEDIANOCHE (Bowery at midnight)”, 1942 (Reseña / Review #1757).

Posted on 25 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1757 // Reseña Media nº: 110
Reseña actualizada. Publicada el 10 de febrero del año 2013 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a empresa TEMA DISTRIBUCIONES por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Director: WALLACE FOX
Guión: GERALD SCHNITZER
Actores principales: BELA LUGOSI (profesor Frederick Brenner / Karl Wagner), WHEELER OAKMAN (Stratton), LEW KELLY (Doc Brooks), DAVE O´BRIEN (Pete Crawford), TOM NEAL (Frankie Mills), JOHN ARCHER (Richard Dennison), WANDA McKAY (Judy Malvern), JOHN BERKES (Fingers Dolan), ANNA HOPE (Mrs. Brenner)
País: EE.UU Año: 1942 Productora: BANNER PRODUCTIONS / MONOGRAM PICTURES Duración aprox.: 61minutos
Publicado en España por: TEMA DISTRIBUCIONES Año: 2009
Formato: Digipak 2DVD de seis paneles “The Bela Lugosi Collection” (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)

DVD: Entierro A Medianoche // Asesinato Por Television // Bela Lugosi Contra El Gorila // Los Ojos Misteriosos De Londres
EXTRAS: Trailers de Bela Lugosi // Selecciones de Drácula // Bela Lugosi en You Asked For It // Biofilmografía de Bela Lugosi // Galería de fotos

“Entierro A Medianoche” es una hipnótica película donde el protagonismo de la mítica figura artística de Bela Lugosi atraerá a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. Incluida en versión original subtitulada dentro de la lujosa edición en digipak 2DVD “The Bela Lugosi Collection” publicada por la compañía Tema Distribuciones, “Entierro A Medianoche” es un thriller donde el cine fantástico y de terror se funde en esta misteriosa trama con un notable ritmo de asesinatos a lo largo del largometraje, y donde nada es lo que parece. Teniendo como escenario principal a la famosa calle neoyorquina Bowery situada en Manhattan, esta historia comienza con Fingers Dolan fugándose de la prisión, un delincuente apodado ‘manitas de oro’ que es muy bien interpretado por el actor John Berkes. Tras robar un vehículo para escapar, huyendo de la policía terminará hallando cobijo en una casa de beneficencia dirigida por el señor Karl Wanger, inquietante personaje protagonizado por el mítico actor Bela Lugosi. Este lugar de refugio situado en la calle Bowery no es más que la tapadera desde la cual Karl Wanger dirige las operaciones criminales de su banda, y cuando éste reconoce a Fingers Dolan como reputado experto en abrir cajas fuertes, no duda en ofrecerle un trabajo para que, junto a su socio Stratton, roben a un joyero. Tras el éxito de la operación, el señor Wanger ordenará a su socio Stratton que mate a Fingers Dolan para no dejar rastro, obedeciendo inmediatamente su orden. Pero Karl Wanger (Bela Lugosi) tiene una doble vida. Por un lado es el jefe de esta banda criminal y, por otro, vive sin ningún tipo de sospecha como psicólogo y profesor de reconocido prestigio llamado Frederick Brenner. Una doble vida que nadie conoce, ni siquiera su solitaria esposa (actriz Anna Hope). Delincuentes de todo tipo seguirán llegando a su casa de beneficencia, así como la ejecución de nuevos asaltos y robos que provocarán la alarma entre los ciudadanos por la espectacularidad de estas acciones y por la sucesión de muertes que conllevan, llevando al sargento de la policía Pete Crawford (actor Dave O´Brien) a investigar este turbio asunto. Todo se complicará aún más con la llegada de otro delincuente a la casa de beneficencia, Frankie Mills (actor Tom Neal), la ejecución con éxito de un nuevo robo planeado por Karl Wanger, y el sorprendente asesinato a sangre fría de su socio Stratton a manos de Frankie Mills. Con la aparición en la casa de beneficencia de Richard Dennison (actor John Archer), novio de Jude (ayudante de Karl Wagner que lo tiene idealizado y cuyo papel ha sido muy bien interpretado por la actriz Wanda McKay), debido a los estudios que éste está llevando a cabo para su tesis todo se acelerará en esta intrigante trama.

“Entierro A Medianoche” es una película que encantará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por varios motivos. Tiene una trama muy bien vertebrada, una evolución de la misma donde el misterio sigue latente hasta el final, un magnífico rodaje dirigido con inteligencia y maestría por Wallace Fox, unos escenarios que cautivan al espectador y donde destaca especialmente la casa de beneficencia con sus múltiples puertas y pasadizos secretos, y, sobre todo, por estos dos extraordinarios personajes interpretados por los actores Lew Kelly y el mítico Bela Lugosi. Lew Kelly, en el papel del doctor Brooks y enigmático ayudante de Karl Wagner, es uno de esos personajes que te cautivan nada más verlo en escena. De comportamiento extraño y un tanto esquizofrénico, el actor Lew Kelly supo reflejar con fidelidad y credibilidad absoluta a este ser asustadizo y misterioso que, durante la película, no hace más que quedarse con los cuerpos de las personas que han sido asesinadas en la casa de beneficencia. Cuando luego descubrimos qué es lo que hace con ellos, se convierte en esa dimensión mitad terror mitad científica, que al final siempre acabas recordando de esta película. Respecto al mítico y reverenciado actor Bela Lugosi, tanto en el papel del profesor Frederick Brenner como siendo el frío y calculador líder de la banda, siempre nos da la sensación de tenerlo todo bajo control y de estar siempre un nivel por encima de las circunstancias. Su presencia seria y analítica a través de la cual consigue manipular a su antojo a quienes le rodean, en cambio, presenta una cara más débil y humana al aparecer en escena sufriendo pesadillas que le atormentan. El implacable peso de la conciencia. Así de grandiosa se presentará la película “Entierro A Medianoche” ante los ojos del cinéfilo con momentos tan especiales como la escena del vagabundo yendo a comprar medicinas por orden de Jude y decidiendo cambiar ese dinero por otras medicinas más espirituosas, con la escena en la cual Frankie Mills hace de ciego para disimular antes de cometer el robo en una joyería, con la lúgubre escena del cementerio de delincuentes que Karl Wagner esconde en los subterráneos de la casa de beneficencia, o en la espectacular fuerza visual de la escena protagonizada por Richard Dennison donde Wagner le presenta a Frankie Mills, respirándose una tensión que ve incrementada su intensidad con el inteligente diálogo que aquí se desarrolla. “Entierro A Medianoche”, sublime cine de culto que sigue realzando el arte cinematográfico de Bela Lugosi en este siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ENIGMA… DE OTRO MUNDO (the thing from another world)”, 1951 (Reseña / Review #1756).

Posted on 25 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1756 // Reseña Media nº: 109
Reseña actualizada. Publicada el 9 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: CHRISTIAN NYBY, HOWARD HAWKS
Guión: CHARLES LEDERER
Actores principales: KENNETH TOBEY (Capitán Patrick Hendry), ROBERT CORNTHWAITE (Dr. Arthur Carrington), JAMES ARNESS (La Cosa), DOUGLAS SPENCER (Scotty, periodista), MARGARET SHERIDAN (Nikki Nicholson)
País: EE.UU Año: 1951 Productora: RKO RADIO PICTURE / WINCHESTER PICTURES CORP.
Duración aprox.: 83 minutos
Publicado en España por: CREATIVEWORLD PROMOTIONS
Año: 2012 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Llega la noche, y ver una película de terror y ciencia-ficción de los años cincuenta con la luz apagada es todo un placer para el cinéfilo al desplegar el arte cinematográfico en blanco y negro toda su magia. En esta ocasión, el largometraje elegido no es otro que “El Enigma… De Otro Mundo”, una película mítica que, tras el largo tiempo pasado desde su estreno oficial en el año 1951, no ha hecho más que aumentar su prestigio artístico hasta llegar a convertirse en una película de culto. Considerada como el primer largometraje de ciencia-ficción de estilo moderno, en este siglo XXI es todo un lujo el poder disfrutar esta obra del Séptimo Arte a través de la magnífica edición en formato DVD publicada por la compañía Creativeworld Promotions en 2012. Con un guión basado en el relato “Who Goes There?” del genial escritor de ciencia-ficción estadounidense John W. Campbell Jr., la película “El Enigma… De Otro Mundo” fue dirigida por Christian Nyby bajo asesoramiento del talentoso director estadounidense Howard Hawks (1896-1977), que también era su productor. Una experiencia técnica que los cinéfilos lectores de Lux Atenea comprobarán en cuanto observen sus secuencias a través del estilo, de la iluminación, y de las posiciones de cámara utilizadas en su rodaje. Una atmósfera de misterio y suspense acrecentada aún más por el uso de celuloide en blanco y negro, transmitiendo en imágenes, este ambiente de horror que también ha sido recreado musicalmente con maestría en su banda sonora por Dimitri Tiomkin. “El Enigma… De Otro Mundo” es un viaje a lo desconocido donde una temible criatura del espacio busca la sangre de los seres vivos para alimentarse, como si fuera un vampiro interestelar llegado al planeta Tierra. Con el inhóspito Polo Norte como escenario de esta trama y con una base científica como lugar de acción, un grupo de soldados y de científicos verán sus destinos dramáticamente cambiados tras la caída de esta nave extraterrestre que, tras estrellarse, ha quedado hundida en el hielo. Localizada su posición, durante el intento de recuperación de la nave descubren el cuerpo congelado de un extraño ser, llevándolo a la base para su estudio. Una acción de interés científico que, en muy poco tiempo, acabará convirtiéndose en el principal detonante de esta trágica historia de terror cuando en un irresponsable acto de subida de temperatura en el almacén donde depositaron el cuerpo del alienígena, provoque su descongelación. Retornando sorprendente e inexplicablemente a la vida, la más seria amenaza para los seres humanos acaba de abrir sus ojos, y este ser alienígena sabrá cómo utilizar su poder para provocar el desconcierto en la base. Las muertes empiezan a sucederse, y militares y científicos tratarán de evitar que este peligro latente logre escapar rumbo a la civilización donde sería incontrolable.

De la película “El Enigma… De Otro Mundo”, una de sus cualidades que más me ha llamado la atención ha sido el choque frontal que se produce entre la actitud militar y científica, de cara a afrontar el difícil reto de eliminar o anular a este peligroso y escurridizo ser extraterrestre. Mientras el capitán Patrick Hendry (actor Kenneth Tobey) trata de hacer todo lo posible para matarlo, el prestigioso doctor Arthur Carrington (actor Robert Cornthwaite), ganador de un premio Nobel, trata de atraparlo y controlarlo para su estudio científico con todos los problemas que conlleva esa perspectiva para abordar este peligro mortal. Aunque al doctor Arthur Carrington se le notan actitudes y gestos muy soberbios, sabe siempre cómo maquillarlos con la retórica de la lógica científica que, en el mundo moderno, es ley inmutable. Pero más allá del análisis subjetivo de sus protagonistas, en este largometraje, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de escenas e imágenes imposibles de olvidar como la impresionante belleza del avión aterrizando en el hielo gracias a los esquíes en las ruedas, la graciosa escena de Patrick Hendry tomando una copa con Nikki Nicholson (actriz Margaret Sheridan) mientras permanece sentado en una silla con las manos atadas a la espalda, la imagen de la Cosa (actor James Arness) atacando a los perros en medio de la ventisca, o cuando descubren el brazo de la Cosa que uno de los perros le ha arrancado antes de morir y, al analizarlo, comprueban que está formado por un tejido que no tiene ni sangre ni terminaciones nerviosas. Impresiona ver sus caras de estupefacción cuando observan que el brazo ha cobrado vida, al igual que observar la monstruosa garra de la Cosa atrapada con la puerta. Otras secuencias inolvidables son cuando el doctor Arthur Carrington muestra a su equipo cómo afecta a las características de esta especie extraterrestre la alimentación con sangre según la procedencia de la misma, la violenta escena de la entrada de la Cosa en la estancia de los soldados, el detalle del vaho al hablar cuando en la base empieza a bajar la temperatura, o la espectacular escena final con la Cosa atacándoles frente a frente. Como apunte final, en el año 1982, el mítico director de cine John Carpenter hizo una adaptación de esta película titulada “La Cosa”, pero con una trama más literal respecto a la obra literaria original, presentándose en el año 2011 su precuela dirigida por el director Matthijs van Heijningen Jr. y sin éxito entre el público. Pero ninguna de ellas es comparable a la magia y al encanto cinematográfico de esta primera versión. “El Enigma… De Otro Mundo”, cine de los años cincuenta para sumergirnos en atrayentes atmósferas de ciencia-ficción, terror, misterio… ¿qué más se puede pedir a una película de culto? ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ASCENSOR (de lift)”, 1983 (Reseña / Review #1755).

Posted on 25 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1755 // Reseña Media nº: 108
Reseña actualizada. Publicada el 14 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: DICK MAAS
Guión: DICK MAAS
Actores principales: HUUB STAPEL (Felix Adelaar, técnico de mantenimiento), WILLEKE van AMMELROOY (Mieke de Beer), JOSINE van DALSUM (Saskia Adelaar, periodista), PIETER LUTZ (gerente del edificio)
País: Países Bajos Año: 1983
Productora: FIRST FLOOR FEATURES / SIGMA FILM PRODUCTIONS
Duración aprox.: 94 minutos
Publicado en España por: INVERSIONES DERECHOS AUDIOVISUALES, S.L.
Año: 2011 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Cuando el universo creativo dentro del Séptimo Arte lleva el terror a máquinas y objetos que forman parte de nuestra vida cotidiana en la sociedad moderna, el efecto es demoledor en la mente de muchos espectadores. Darles vida y una maléfica intencionalidad en sus acciones contra el ser humano mientras se camuflan tras una apariencia inerte, pasiva, y programada, no hace más que aumentar el terrorífico efecto de sus actos con dramáticas consecuencias. Como analista cultural, una de las películas que considero míticas dentro de esta atrayente temática de terror y de ciencia-ficción es “El Ascensor”, cuya visualización ha provocado más de una fobia temporal a los ascensores en algunos cinéfilos que han disfrutado este inolvidable largometraje. Con música, guión, y dirección a cargo del artista neerlandés Dick Maas, la tenebrosa historia de suspense que da sentido a la trama de “El Ascensor” está basada en este intrigante y sangriento suceso ocurrido en un edificio de oficinas situado en la ciudad alemana de Hamburgo donde, tras haber recibido el impacto directo de un rayo en una noche tormentosa, uno de sus ascensores deja de funcionar bien, provocando que cuatro personas queden atrapadas en la cabina hasta casi perder la vida. Aparentemente, el ascensor no funciona bien y deciden llamar al servicio de mantenimiento para que un técnico lo arregle. Una vez allí, el técnico comprueba que todo parece estar correcto, pero este ascensor ha cobrado vida con una consciencia asesina destinada a matar a las personas. Esta máquina aparentemente inocente, inofensiva, y predecible como es el ascensor, ha empezado a comportarse de modo extraño y con intenciones maléficas para quienes se acerquen a él. Por este motivo, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que deseen tener una película que les deje con el miedo y la intranquilidad en el cuerpo, les recomiendo que adquieran esta magnífica edición en formato DVD publicada por la compañía Inversiones Derechos Audiovisuales en el año 2011. Un largometraje para amantes del cine de terror y de ciencia-ficción siniestramente teñido de modernidad.

Teniendo como protagonista principal de esta intrigante historia al técnico de mantenimiento de ascensores Felix Adelaar (actor Huub Stapel), “El Ascensor” proyecta la atmósfera urbana de normalidad que consideramos propia de la vida cotidiana de un ciudadano común en la sociedad moderna, y que es perfectamente recreada en este mítico largometraje de terror para sumergir al espectador en un entorno aparentemente seguro. Además, junto a algunas pinceladas ocasionales de humor, una de las cualidades artísticas más importantes que tiene esta película son las imágenes y las escenas inolvidables que presenta, entre las cuales destacaría la brutal y sorprendente secuencia del ahorcado, o el lúgubre graznido de los cuervos en el exterior del edificio como simbólico sonido de la presencia de la muerte y de lo diabólico en aquel lugar. Impresiona observar cómo esta máquina juega con la vida de las personas, observándose muy claramente su sádico comportamiento en la escena del vigilante con su cabeza atrapada por las puertas del ascensor, o provocando la tensión que se respira en la escena del ciego, o en el angustioso suspense latente en la escena del técnico de mantenimiento subido encima de la cabina mientras revisa detalladamente el hueco del ascensor (y con el angustioso sonido de los latidos como fondo), o en la impactante escena de la niña con su muñeca frente a las puertas del ascensor, y cómo éste juega con ella para tratar de matarla en uno de los momentos más tensos e inquietantes de este largometraje. En definitiva, la vida cotidiana de cualquier persona que viva o trabaje en un edificio con ascensor convertida en una impactante historia de terror. “El Ascensor”, una vez vista esta película, te lo pensarás dos veces antes de subir a uno. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA SOMBRA DEL VAMPIRO (shadow of the vampire)”, 2000 (Reseña / Review #1754).

Posted on 24 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1754 // Reseña Media nº: 107
Reseña actualizada. Publicada el 4 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: E. ELIAS MERHIGE
Guión: STEVEN KATZ
Actores principales: JOHN MALKOVITCH (Friedrich Wilhelm Murnau), WILLEM DAFOE (Max Schreck), CATHERINE McCORMACK (Greta Schröder), UDO KIER (Albin Grau), EDDIE IZZARD (Gustav von Wangenhein), CARY ELWES (Fritz Arno Wagner), ADEN GILLET (Henrik Galeen), RONAN VIBERT (Wolfgang Müller)
País: EE.UU – REINO UNIDO – LUXEMBURGO Año: 2000
Productora: LIONS GATE FILMS – SATURN FILMS – BBC FILMS – DELUX PRODUCTIONS – LUXEMBURG FILM FUND
Duración aprox.: 88 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VIDEO
Año: 2001 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “La Sombra Del Vampiro”
EXTRAS: Biofilmografías de directores y actores // Trailer // Spot // Making of

Años veinte, era dorada de la cinematografía germana con el Expresionismo alemán brillando en su máximo esplendor. Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931), uno de sus míticos directores, será el protagonista principal de esta historia de terror perfilada con grandes claroscuros donde lo sarcástico y lo cómico sirven de contraste con lo tétrico y lo siniestro, resaltando aún más como geniales pinceladas artísticas. En esta historia de ficción, el director de cine Murnau (actor John Malkovitch), tras no poder conseguir los derechos de la obra de Bram Stoker “Drácula” para llevarla al cine debido a la negativa de la viuda del autor, decide rodar otra historia protagonizada por un vampiro y contratar al misterioso actor Max Schreck (actor Willem Dafoe) para que dé vida a su personaje principal, el conde Orlock. Debido a la leyenda que arrastraba en su época este actor en relación a su naturaleza vampírica, la maléfica realidad irá manifestándose a lo largo del rodaje. Murnau quiere rodar su obra “Nosferatu, el vampiro” (1922) con el máximo realismo posible, y no duda en convertirse en un interesado e insensible Mefistófeles del Séptimo Arte tras haber negociado con el tenebroso actor Max Schreck que podrá vampirizar a la bella actriz Greta Schröder (actriz Catherine McCormack), una vez haya terminado el rodaje. Cuando este vampiro llega desde Checoslovaquia para empezar trabajar en la película, sus incontenibles ansias de sangre empezarán a hacer estragos entre los miembros del rodaje hasta provocar el pánico entre ellos. El miedo se extenderá entre todos los participantes en este siniestro largometraje, pero el egoísmo de Murnau le llevará a resolver todo tipo de situaciones, por difíciles que sean, a base de una mezcla de cinismo y de falsa comprensión donde el arte interpretativo del actor John Malkovitch resalta especialmente por su credibilidad en pantalla. El ingenio que tiene a la hora de manipular a los asustados miembros de su equipo de rodaje en beneficio propio, provocará más de una mirada de sorpresa en el cinéfilo lector de Lux Atenea durante su visualización.

En esta extraordinaria película, el director neoyorkino E. Elias Merhige aprovecha la leyenda cinematográfica real aún vigente sobre la naturaleza vampírica del actor alemán Max Schreck (1879-1936), famoso por su inolvidable interpretación del personaje de Nosferatu en la obra maestra homónima de Murnau, para moverse en esa delgada línea que separa lo ficticio y lo real, y para dar más fuerza e incertidumbre a la trama de esta tenebrosa historia. Con el cinismo convertido en acto hilarante para el espectador, “La Sombra Del Vampiro” también presenta características de una película dramática que fascinarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. El extraordinario trabajo realizado en vestuario, maquillaje, escenarios, fotografía, y en su impresionante banda sonora compuesta por Dan Jones, con el paso de los años han convertido a “La Sombra Del Vampiro” en una película de culto por esta obscura y atrayente temática reflejada en imágenes bajo la dirección de Elias Merhige. El arte interpretativo mostrado por estos magníficos actores llevaría incluso a Willem Dafoe a ser nominado al Oscar al Mejor Actor Secundario, tras la sobrecogedora interpretación del malévolo e intrigante actor Max Schreck potenciado visualmente con este impresionante trabajo de caracterización y de maquillaje hasta transformarlo en un auténtico vampiro. Por este motivo, “La Sombra Del Vampiro” sería también nominada al Oscar al Mejor Maquillaje. En definitiva, estamos ante la reencarnación de Nosferatu en pantalla a las puertas del siglo XXI.

Como analista cultural, para que una película me encante, me fascine, y me lleve a comprala en su edición original en formato DVD, previamente tiene que haberme impactado con escenas únicas e irrepetibles que rápidamente se quedan grabadas en la mente, y que identifico inmediatamente con ese largometraje a lo largo de los años. En el caso de “La Sombra Del Vampiro”, esta sucesión de escenas sigue siendo uno de los principales motivos que me llevan a volver a disfrutarla porque, en cada visualización, siempre descubro algo nuevo, algo que me sorprende y que había pasado desapercibido hasta entonces. De todas estas escenas, quisiera destacar la secuencia cuando los miembros del rodaje pasan la primera noche en ese siniestro hospedaje, la inolvidable y sarcástica secuencia en la cual Murnau y Max Schreck negocian para que deje a su equipo de rodaje en paz, o cuando Greta entra en pánico durante el rodaje al darse cuenta que Max Schreck no se refleja en el espejo. Lo gótico, lo vampírico, y lo siniestro están presentes en “La Sombra Del Vampiro” con la primera visión del actor Max Schreck cuando le llevan la jaula con su alimento para que coma, cuando Max Schreck atrapa un murciélago y le chupa la sangre delante del guionista Henrik Galeen (actor Aden Gillet) y del productor de la película Albin Grau (actor Udo Kier), en la lúgubre imagen de Max Schreck cuando le llevan el frasco con sangre, cuando durante el rodaje de una escena el director asusta a Gustav para que se corte con un cuchillo delante de Max Schreck y de esta manera provocar su reacción delante de la cámara, o cómo el tenebroso Max Schreck asusta al actor Gustav von Wangenhein (actor Eddie Izzard) en la escena del contrato que interpretan juntos. ¡Su cara de estupefacción es absoluta! Las sombras, el reflejo del ambiente de trabajo dentro del mundo del cine en aquella época, las imágenes en blanco y negro con las cuales el director Elias Merhige trata de recrear el estilo característico del cine mudo en esta película, el avión con el cual se trasladan a la isla de Heligoland… todo en este largometraje es un viaje cinematográfico a otra época y con la presencia del vampiro permanentemente acechando. “La Sombra Del Vampiro”, drama, terror, y humor negro fundidos en el crisol artístico del Séptimo Arte. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LAS TRES CARAS DEL MIEDO (I tre volti della paura / black sabbath)”, 1963 (Reseña / Review #1753).

Posted on 24 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1753 // Reseña Media nº: 106
Reseña actualizada. Publicada el 6 de marzo del año 2015 en Lux Atenea.

Director: MARIO BAVA
Guión: MARIO BAVA, ALBERTO BEVILACQUA y MARCELLO FONDATO, basado en las historias escritas por Chéjov, Tolstoi, y Guy de Maupassant
Actores principales: BORIS KARLOFF (Gorka), SUSY ANDERSEN (Sdenka), MARK DAMON (Vladimir d’Urfé), LYDIA ALFONSI (Mary), MICHELE MERCIER (Rosy), JACQUELINE PIERREUX (Helen Chester)
País: ITALIA / REINO UNIDO / FRANCIA Año: 1963
Productora: EMMEPI CINEMATOGRAFICA / LYRE CINEMATOGRAPHIQUE / GALATEA S.p.A.
Duración aprox.: 89 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS
Año: 2013 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

En el año 1969, previamente a saltar a la fama mundial, una banda británica decide cambiar su nombre (Earth) por el de Black Sabbath tras el cambio experimentado en su estilo musical. A parte del mayor impacto entre el público que traía consigo su nuevo nombre respecto al anterior, y como orientación de su nuevo estilo, la fuente de inspiración que originó su nuevo nombre fue el título homónimo de una película de terror rodada por el genial director italiano Mario Bava (1914-1980). “Black Sabbath” fue el título de ese largometraje en Reino Unido y en los Estados Unidos de América, pero su título original en Italia fue “I Tre Volti Della Paura” y en España acabó siendo “Las Tres Caras Del Terror”. Rodada de forma magistral por el director de culto Mario Bava, esta tenebrosa película fue presentada oficialmente en las salas de cine en el año 1963, provocando un gran impacto en la opinión pública debido a la maestría artística desplegada por este genio cinematográfico. El arte fotográfico mostrado en sus imágenes y la utilización del intenso cromatismo que ofrece el pathécolor para dar mayor espectacularidad y realismo a sus escenas, han convertido a algunas de ellas en secuencias de culto dentro del cine de terror y suspense más selecto para muchos cinéfilos. El largometraje “Las Tres Caras del Miedo” tiene un excelso guión escrito por el propio Mario Bava, junto a Alberto Bevilacqua y Marcello Fondato, dando vida y magia cinematográfica a estas tres historias basadas en los relatos firmados por grandes maestros de la literatura como Guy de Maupassant (1850-1893) para la trama de “El Teléfono”, el conde Alekséi Tolstói (1817-1875) para vampírica historia de “Los Wurdalak”, y Antón Chéjov (1860-1904) para el terror psicológico mostrado en “La Gota De Agua”. Su magnífica banda sonora de corte clásico compuesta por Roberto Nicolosi, aumenta la sensibilidad que transmiten sus escenas hasta sumergirnos completamente en estas tres tramas completamente independientes. Con una carátula reversible, esta magnífica edición en formato DVD publicada por Regia Films en el año 2013, se convertirá en una destacada referencia dentro de la videoteca de los cinéfilos lectores de Lux Atenea que consigan esta gótica joya dentro del Séptimo Arte.

La magia del terror cinematográfico comienza con el mítico actor Boris Karloff como tenebroso maestro de ceremonias para presentar estas tres historias de terror donde lo sobrenatural, lo demoníaco, y lo misterioso adquieren esta irresistible dimensión audiovisual para provocar sensaciones sobrecogedoras en el espectador, sobre todo con esta excelsa calidad de imagen. “El Teléfono” será la primera historia que disfrutaremos mientras el teléfono no para de sonar en el interior de una casa elegantemente decorada, dejando de sonar justo antes de que su dueña, Rosy (actriz Michèle Mercier), entre en la casa. Pero las llamadas seguirán sucediéndose sin que nadie conteste al otro lado del aparato, por lo que esa situación empieza a molestarla. En una de esas insistentes llamadas, una voz amenaza a Rosy con matarla antes del alba por venganza, dejándola inquieta e intrigada respecto a quién puede ser esa persona, pasando a un estado de profundo temor ante la seriedad de las amenazas. Su desesperación irá en aumento con el paso del tiempo, por lo que decide llamar a su amiga Mary (actriz Lydia Alfonsi) para que le ayude, quedando en ir para hacerla compañía. Con Mary ya en su casa, las llamadas amenazantes desaparecen, llegará el alba, y en esa casa habrá dos muertes. ¿Seguirá viva Rosy? ¿Quién era la persona que amenazaba a Rosy? Estas respuestas quedan en manos de los cinéfilos lectores de Lux Atenea que deseen visualizar el sangriento final de esta magnífica historia de suspense. A continuación, en “Los Wurdalak”, esta gótica historia de vampiros será protagonizada por el conde Vladimir d’Urfé (actor Mark Damon) cruzando a caballo tierras inhóspitas donde acecha la muerte, al tratar de llegar a la localidad de Gersy. De camino, encuentra una casa y decide hacer una parada para poder pasar la noche bajo techo. Pero las personas que lo habitan, aunque hospitalarias, se comportan de un modo un tanto extraño, advirtiéndole sobre la amenaza que supone su padre Gorka (actor Boris Karloff) para su vida. Le aconsejan que se marche por su bien, pero el conde no hará caso a sus palabras y decide quedarse, ya que se siente profundamente atraído por una de las mujeres de la casa llamada Sdenka (actriz Susy Andersen). Ella se mantiene distante y un tanto temerosa ante el serio peligro que supone que su padre se haya convertido en un wurdalak. El conde cree que eso no son más que leyendas, pero la creciente inquietud va apoderándose poco a poco de los moradores de la casa ya que la realidad más terrible no tardará mucho en presentarse ante sus ojos.

Finalmente, en “La Gota De Agua”, será la posesión de un anillo lo que llevará a la perdición a quienes lo tengan en su poder, llevándonos a principios del siglo XX cuando la enfermera Helen Chester (actriz Jacqueline Pierreux) es requerida en una mansión para que vista a la dueña de la casa recién fallecida. En esa atmósfera mortuoria y fantasmagórica, a escondidas, Helen robará el anillo que llevaba puesto la mujer en una de las manos, ejecutando este acto que cambiará completamente su destino. El lado más oscuro del espiritismo empezará a envolverla para atraparla inexorablemente, siendo torturada por entes de otro mundo con intenciones infernales que convertirán su vida en un constante temor y sobresalto. Tres fascinantes historias vertebrando la película “Las Tres Caras Del Miedo”, y atesorando escenas de gran belleza artística como, por ejemplo, el temor y el miedo que se respira cuando Rosy abre el cajón del mueble para coger el dinero y las joyas mientras tiene a esta siniestra estatua como testigo, la visión de los ojos amenazantes detrás de la persiana, o la tenebrosa imagen de Rosy junto al querubín que decora una de las ventanas, mientras es presa de la desesperación. Boris Karloff es espectacular interpretando a Gorka con sus andares pesados cuando llega a la casa, ver sus ojos y sus expresiones en la escena cuando le llevan un plato de comida, u observar la impactante imagen de su cara al otro lado de la ventana. La estética gótica está presente en la película “Las Tres Caras Del Miedo” a través de la belleza siniestra, por ejemplo, en la tenebrosa atmósfera que se respira en las ruinas del antiguo convento, en el primer plano de los ojos de Sdenka tras haber retornado a la casa, con la tétrica imagen de la lámpara de techo y las lúgubres estancias de la mansión llena de gatos, con el maléfico simbolismo de la mesa con las cartas y la visión de las muñecas tiradas en el suelo, en la diabólica imagen de la señora de la mansión postrada en la cama y con esa mano que parece una garra, con el simbolismo demoníaco de la mosca posándose en la mano de la muerta, o en la espeluznante figura de decoración de los dos niños colocada encima de la mesilla de noche. Una película que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por la hipnótica visión de la casa de Helen iluminada tan solo por las luces de los relámpagos que entran a través de la ventana ovalada, con el sonido martilleante de las gotas de agua al caer, o con la siniestra figura de la muerta acercándose a Helen. La verdad es que el pathécolor ofrece una calidad en las imágenes que te impresiona por su nitidez y por su contraste, dando una gran intensidad a los colores hasta convertir este largometraje en una brillante obra artística. Sobre todo, en manos de un director como Mario Bava con este talento y esta maestría que vuelve a ser protagonista en este blog cultural, y espero que el retorno a su prestigiosa obra cinematográfica no se demore mucho en el tiempo con la publicación de nuevas reseñas sobre su legado artístico. “Las Tres Caras Del Miedo”, siniestra delicatessen dentro del mejor cine de terror y de suspense rodado en la década de los sesenta. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SILLA ELÉCTRICA PARA OCHO HOMBRES (the last mile)”, 1959 (Reseña / Review #1752).

Posted on 23 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1752 // Reseña Media nº: 105
Reseña actualizada. Publicada el 11 de febrero del año 2015 en Lux Atenea.

Director: HOWARD W. KOCH
Guión: MILTON SUBOTSKY y SETON I. MILLER
Actores principales: MICKEY ROONEY (John “Killer” Mears), FRANK OVERTON (padre O’Connors), MICHAEL CONSTANTINE (Eddie “Ed” Werner), JOHN VARI (Jimmy “Jim” Martin), DONALD BARRY (Drake), CLIFFORD DAVID (Richard Walters)
País: EE.UU Año: 1959 Productora: VANGUARD PRODUCTIONS
Duración aprox.: 81 minutos
Publicado en España por: BANG BANG MOVIES
Año: 2013 Formato: DVD con libreto de 12 páginas (EDICIÓN COMPRADA)

En esta joya del cine de suspense, ver al mítico actor Mickey Rooney interpretando a este asesino sentenciado a la pena capital que termina provocando una rebelión en el corredor de la muerte de la prisión donde cumple condena, no tiene precio. La grandeza artística atesorada en “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” (1959), me ha llevado a elegir esta película para ser incluida en la selección cinematográfica que estoy reseñando en Lux Atenea. Esta lujosa edición en formato DVD fue publicada en España por la compañía Bang Bang Movies en el año 2006, y fue engalanada con esta carátula reversible y este interesante libreto de doce páginas. Una edición perfecta para disfrutar “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, al ser ese mítico largometraje que encantará a los cinéfilos que se apasionan disfrutando de los mejores thrillers que ha creado el cine de suspense a lo largo de toda su historia. Un drama espectacular y angustioso rodado en blanco y negro con absoluta maestría por el director estadounidense Howard W. Koch para dar alma a este guion, basado en la obra de teatro “The Last Mile” escrita por John Wexley tras los hechos reales ocurridos en una prisión del suroeste de los Estados Unidos de América. Concebido como remake de la película dirigida por Samuel Bischoff y presentada al público en el año 1932, dentro del cine negro, “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” eleva el nivel de tensión y de desesperación en esta asfixiante atmósfera carcelaria protagonizada por presos condenados a muerte que esperan angustiosamente su ejecución en tan lúgubre corredor. Aunque este largometraje proyecta un claro mensaje de rechazo a ese sistema, por supuesto, no exento de controversia como todo lo relacionado con esta temática social, la espectacularidad artística que presenta “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” convierte a esta película en una siniestra bajada a los infiernos con rebelión incluida. Presos y guardianes quedan situados en un limbo moral donde es difícil establecer una línea ética de separación, en vista a los comportamientos aquí reflejados en impactantes escenas. En un entorno tan horrible, nunca hay que olvidar que estos presos son asesinos a pesar de la sensibilidad que se puede despertar en el espectador al contemplar la terrible incertidumbre que les aplasta día a día. Una angustiosa y desesperada espera en las celdas del corredor de la muerte. Con imágenes de sufrimiento aumentado en secuencias de gran fuerza simbólica como, por ejemplo, la tortura psicológica que supone a los presos observar la mortuoria bajada en la intensidad de la iluminación del corredor cuando están haciendo pruebas en la silla eléctrica, o cuando están ejecutando a un preso en ella. Si además le añadimos esta extraordinaria banda sonora compuesta por Van Alexander, y el embrujo interpretativo de este dramático thriller en versión original subtitulada al no haber sido doblada al idioma español, el disfrute de su visualización no ha de esperar más para materializarse en la pantalla con Michey Rooney como principal protagonista.

En “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, el director Howard W. Koch supo cómo tocar la fibra sensible del espectador a través de las imágenes en esta película. El actor Mickey Rooney, interpretando el papel del despiadado preso John “Killer” Mears, logra crear esa empatía propia del anti-héroe pese a sus actitudes violentas y radicales que le arrastran a un aciago destino. John Mears es un asesino, personifica al Mal, pero cuando se observa en pantalla al guardián llamado Drake sonriendo con malicia a estos presos, esa línea del Bien y del Mal queda completamente difuminada. La interpretación de este personaje a cargo del actor Donald Barry es sublime, extendiendo sus malévolos e intencionados gestos de desprecio hacia los condenados con un amplio abanico de acciones orientadas siempre a hacerles padecer aún más su terrible castigo dictado por la justicia. Otros grandes contrastes que imprimen una gran intensidad emocional al contemplar esta obra, están protagonizados por personajes inolvidables como el padre O’Connors interpretado por el actor Frank Overton, cuya figura estoica aparenta aportar un poco de luz espiritual a este entorno carcelario tan tenebroso, pero su presencia siempre acaba siendo sinónimo de una ejecución inminente para el preso visitado. El preso Jimmy “Jim” Martin interpretado por el actor John Vari, refleja en pantalla la resignación absoluta camino a la silla eléctrica, junto a la irremediable demencia y pérdida de la cordura que muestra el preso Eddie “Ed” Werner (actor Michael Constantine) mientras espera a la muerte en su celda, o el desesperado ruego del preso Richard Walters (actor Clifford David) a John Mears cuando es herido gravemente, esperando una rápida llegada de la Muerte con esa suplicante petición. Un amplio espectro psicológico vertebrando esta atrayente historia de forma magistral, y creando con ello la sólida base artística que siempre ha sostenido ese halo artístico que ha dado prestigio internacional al cine de Hollywood hasta nuestros días. “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” es grandeza, la obscura y mefistofélica grandeza cinematográfica tocada por la inexorable perdición. Grandeza artística inmortal a fin de cuentas.

Tragedia, drama, y desesperación en esta terrible encrucijada llamada “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, siendo la Muerte quien tiene todo bajo control. Los hilos del destino están controlados por ella, y nadie puede escapar a sus designios a pesar de que un grupo de presos condenados a muerte traten de encontrar una salida a su situación límite, llevando a cabo un motín provocado por John Mears. Una vez iniciada la rebelión, todos serán engullidos por este caótico escenario donde todo es extremo, irracional, violento, visceral… pero, a pesar de todo, la cárcel continúa cumpliendo su función como prisión: estos presos siguen estando encerrados en su interior. ¿Qué salida podrán hallar en esa situación tan desesperada? La respuesta la dejo en manos del cinéfilo lector de Lux Atenea dispuestos a disfrutarla. En esta película encontrarán imágenes y escenas inolvidables como la sublime y terrible secuencia cuando el padre O’Connors reza el Padrenuestro en la celda de Jimmy y la atmósfera desoladora que se respira en el corredor con sus palabras, el aciago momento del afeitado antes de la ejecución, o los sueños y los recuerdos que aparecen en la mente de cada preso ante el horizonte inexorable de su muerte. “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” es el arte de la interpretación reflejada en las duras e implacables expresiones que John Mears muestra en los planos cortos, los gestos horribles y desencajados de Jimmy cuando vienen los guardias de la prisión para llevárselo a la silla eléctrica, en las agrias miradas de desprecio de John Mears a Drake, el gesto del guardia al echar whisky en el café incluido en la cena que lleva a Richard Walters, o en la violenta escena cuando John Mears coge por el cuello al guardia con su cara gesticulando de forma tan visceral e impactante. Impresiona contemplar la interesante charla entre el Padre O’Connors y John Mears en una conversación que se mueve entre la fe religiosa y la incredulidad espiritual de la Razón, observar el cambio radical en la actitud de Drake cuando ha perdido todo su poder y se encuentra ante la muerte, con el endiablado sonido de los subfusiles Thompson y la ametralladora Vickers al disparar sus ráfagas, la creciente tensión que transmite esta sangrienta espiral en la cual todo va derivando hacia la escena final protagonizada por John Mears, o viendo la obligada inflexibilidad del alcaide de la prisión en cumplimiento de su deber ante John Mears, a pesar de que amenaza con matar a su cuñado que tiene como rehén. “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, el mítico actor Mickey Rooney dando vida a uno de los personajes más extremos que haya protagonizado en su larga y exitosa carrera cinematográfica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“HEAT”, 1995 (Reseña / Review #1751).

Posted on 23 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1751 // Reseña Media nº: 104
Reseña actualizada. Publicada el 15 de febrero del año 2013 en Lux Atenea.

Director: MICHAEL MANN
Guión: MICHAEL MANN
Actores principales: ROBERT DE NIRO (Neil McCauley), AL PACINO (Vincent Hanna), VAL KILMER (Chris Shiherlis), JON VOIGHT (Nate), TOM SIZEMORE (Michael Cheritto), WILLIAM FICHTNER (Roger Van Zant), DENNIS HAYSBERT (Donald Breedan), KEVIN GAGE (Waingro), NATALIE PORTMAN (Lauren Gustafson)
País: EE.UU Año: 1995 Productora: WARNER BROS / REGENCY ENTERPRISES
Duración aprox.: 164 minutos
Publicado en España por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A.
Año: 2005 Formato: 2DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: Película “HEAT” // Comentario del escritor/productor/director Michael Mann // 3 trailers cinematográficos
DVD 2: 11 escenas suprimidas // Documental “La realización de Heat” // Documental “Regreso a la escena del crimen”, visita a los exteriores reales del rodaje en Los Ángeles 10 años después // Documental “Al Pacino y Robert De Niro”, anatomía del enfrentamiento

Una de las obras maestras dentro del cine policiaco de acción e intriga es “Heat”. Un thriller del año 1995 donde lo dramático y lo extremo fue concebido y rodado en bellas e inolvidables imágenes por uno de los mayores talentos artísticos del cine moderno: el director estadounidense Michael Mann. “Heat” es un largometraje espectacular donde no solamente es magnífico su guión, sino también la fascinación que provocan sus tomas rodadas, encumbrando el excelente trabajo de Dante Spinotti como director de fotografía que queda resaltado también en algunos apartados como las secuencias en exteriores o la iluminación. Si a toda esta grandeza artística añadimos este selecto reparto con actores de primer nivel, es lógico e inevitable que surgiera esta magia audiovisual en la gran pantalla llamada “Heat” tras quedar orquestados por la inspirada perspectiva cinematográfica del director Michael Mann. A los cinéfilos lectores de Lux Atenea les resultará difícil encontrar un reparto de este nivel en una sola película, integrándose todos de forma fluída y creíble en este largometraje de acción. En “Heat” también disfrutarán contemplando el arte interpretativo de otros actores de renombre, ya sea con la jovencísima actriz Natalie Portman en el papel de Lauren Gustafson, con el actor William Fichtner interpretando al turbio hombre de negocios Roger Van Zant, o con la impactante y salvaje presencia de dos carismáticos actores como Kevin Gage personificando al sádico asesino Waingro y al actor Danny Trejo en el papel del delincuente común también llamado Trejo. A ellos se une el mítico y siempre convincente actor Jon Voight en el papel de Nate (personaje encargado de realizar trabajos de información y contactos dentro del oscuro mundo de la delincuencia), el actor secundario Tom Sizemore que es todo un lujo como atracador de vida aparentemente familiar llamado Michael Cheritto, o con el actor Val Kilmer en una de sus mejores interpretaciones cinematográficas haciendo el papel del atracador profesional Chris Shiherlis, un ludópata que todo lo que gana con los atracos se lo gasta en apuestas, motivo por lo cual la relación con su mujer está en un punto límite. Pero, en “Heat”, ver el espectacular porte que presenta el actor Val Kilmer en esta película, trajeado, con su pelo rubio recogido atrás con una coleta, con las manos enfundadas en guantes negros mientras corre y dispara su fusil de asalto detrás de los vehículos en uno de los atracos, son imágenes que se quedarán grabadas en la mente del cinéfilo. Sin duda, una de las mejores interpretaciones en la carrera artística de Val Kilmer, y esta escena es un claro ejemplo del virtuosismo y del estilo inconfundible del Michael Mann como director. ¡¡¡Grandioso!!!

La mítica película “Heat” destaca, sobre todo, por la deslumbrante reunión de los actores Al Pacino y Robert De Niro como auténticos colosos dentro del Séptimo Arte. Al Pacino interpreta con maestría al detective Vincent Hanna, un policía con la mentalidad de un paciente cazador siempre alerta. Antiguo marine que terminó trabajando para el Departamento de Narcóticos, como teniente especializado en robos y homicidios destaca por ser un inteligente analista. Incansable y muy efectivo en su trabajo, sus éxitos profesionales es la otra cara de su desastrosa vida personal tras haberse divorciado en dos ocasiones. En cambio, Robert De Niro en el papel de Neil McCauley, experto atracador y líder de la banda, es todo lo contrario. Sin vida personal más allá de fugaces escarceos, el solitario Neil McCauley es un exconvicto al que le gusta planear atracos con sumo detalle para que su efectividad sea casi absoluta. Muy directo en sus planteamientos y firme en sus decisiones, Neil McCauley es un atracador frío, calculador, duro, meticuloso, muy profesional, y al cual no le gusta correr ningún riesgo. El destino terminará cruzando la vida de estos dos personajes en un espectacular enfrentamiento como si de una partida de ajedrez se tratara. Neil McCauley organiza una banda de atracadores moderna, profesional, bien armada, y muy bien preparada que se vale de inteligentes acciones y artimañas para escapar de la policía. Tras el éxito del atraco al furgón al comienzo de la película (1.600.000 dólares en títulos), cuando intentan liquidar a uno de la banda (Waingro) por haber usado su arma con demasiada ligereza e irresponsabilidad, éste logra escapar. Intentando vender esos títulos a su antiguo propietario, el empresario Roger Van Zant (actor William Fichtner) toma la decisión de eliminarlos por cuestión de prestigio y de respeto. Pero también la policía ha empezado a investigar a otro miembro de la banda, Michael Cheritto (actor Tom Sizemore), y todo el grupo empieza a estar bajo vigilancia sin que la policía sepa realmente el trasfondo de todo lo que se traen entre manos. Cuando Waingro y el empresario Roger Van Zant se alían, esta trama se empezará a complicar. Uno de los mayores atractivos que tiene esta película es ver cómo se entremezclan las vidas y las pasiones personales de cada uno de sus personajes en relación a sus trabajos, presentando unas vidas privadas complejas, difíciles, insatisfactorias, y muy complicadas.

“Tengo que aferrarme a mi angustia. La conservo porque la necesito. Me mantiene fuerte, alerta.”

El cine, por encima de todo, es Belleza y Arte representadas en imágenes y en escenas, y, como analista cultural, el arte de Michael Mann me encanta precisamente por su talento en la selección de planos, de escenarios, y por el admirable uso de filtros en el objetivo de la cámara. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con estas tomas nocturnas porque son impresionantes. Contemplarán la belleza en imágenes cuando Neil McCauley pasa al lado de la estatua iluminada en medio de la noche oscura, en la escena del helicóptero sobrevolando la urbe en plena noche con las luces de la ciudad como fondo, o también con la escena final localizada en la pista de aterrizaje del aeropuerto de Los Ángeles donde la tensión que transmite la pantalla te hipnotiza. “Heat” no solamente te apasiona por tener un extraordinario guión y unos excelentes actores, sino también al presentar otras espectaculares secuencias como el impactante asalto al furgón blindado al inicio de la película con los atracadores con sus caras cubiertas con máscaras de hockey, y cuando estallan las ventanas de los coches por la onda expansiva provocada con el estallido de los explosivos. Una película con escenas marcadas por la astucia y la inteligencia en la acción como en el puerto cuando Neil McCauley logra engañar al inspector Vincent Hanna para saber quiénes le están investigando, con la tensión latente en el intercambio acordado con Roger Van Zant, en la escena del asalto a la empresa de metales preciosos como imagen muy clara de las precauciones extremas que toma Neil McCauley en sus atracos, y para ver cómo la policía les espía sin que tengan consciencia de ello. Me encanta visualizar la memorable escena de la conversación que mantienen Neil McCauley y Vincent Hanna cara a cara en una mesa del Kate Mantelini´s, y, sobre todo, el atraco al banco Far East National Bank a plena luz del día. Escena mítica en la Historia del Cine de Acción, y que lo tiene todo. Persecución en las calles de Los Ángeles, el eco del sonido de los disparos de las armas automáticas rebotando en los edificios como si de una guerra en Los Ángeles se tratara, observar la sincronizada técnica militar con la cual los miembros de la banda van cubriéndose y protegiéndose de los disparos de la policía mientras huyen, ver a estos dos mitos cinematográficos como Robert De Niro y Al Pacino frente a frente sumando intensidad a la acción, visualizar este salvaje tiroteo en el parking del supermercado, el inolvidable momento cuando el detective Vincent Hanna dispara al atracador Michael Cheritto… En definitiva, una colosal batalla en una ciudad moderna como escenario de este duelo a muerte. Tomas espectaculares, escenas impresionantes, intensidad en la acción, y ¡¡¡pura adrenalina en imágenes!!!

Conmemorando los diez años de su estreno en la gran pantalla, esta edición especial presentada en el año 2005 por Warner Home Video es la más completa que se haya publicado hasta el momento. Una lujosa edición que incluye once escenas suprimidas como parte de los extras en el segundo DVD, además del documental “La realización de Heat (The making of Heat)” donde podemos conocer la historia real de Neil McCauley, personaje en el cual está inspirado este largometraje, junto a interesantes análisis de los personajes de la película, impresiones y comentarios del director y de los propios actores, y, sobre todo, descubrir cómo Michael Mann consiguió alcanzar estos niveles de realismo durante el rodaje. El documental “Regreso a la escena del crimen (Return To The Scene Of The Crime)” es una visita a los exteriores reales donde se hizo este rodaje en Los Ángeles diez años después, y se desvela cómo localizaron los exteriores que quería Michael Mann para esta película, qué magia artística encontró en esos lugares, cuáles fueron las particularidades y dificultades del rodaje en el aeropuerto de Los Ángeles… Y el documental “Al Pacino y Robert De Niro: anatomía del enfrentamiento (Pacino and De Niro: Conversation)” será de imprescindible visualización para los fieles seguidores de estos dos míticos actores, de estos dos auténticos genios convertidos en los protagonistas principales de esta magna obra. “Heat”, una de las películas más espectaculares e impactantes en la Historia del Cine Neo-noir. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la etiqueta: Película Suspense

“EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI (das kabinett des Dr. Caligari)”, 1920 (Reseña / Review #1762).

“PI, FE EN EL CAOS (PI: faith in chaos)”, 1998 (Reseña / Review #1760).

“SINISTER”, 2012 (Reseña / Review #1758).

“ENTIERRO A MEDIANOCHE (Bowery at midnight)”, 1942 (Reseña / Review #1757).

“EL ENIGMA… DE OTRO MUNDO (the thing from another world)”, 1951 (Reseña / Review #1756).

“EL ASCENSOR (de lift)”, 1983 (Reseña / Review #1755).

“LA SOMBRA DEL VAMPIRO (shadow of the vampire)”, 2000 (Reseña / Review #1754).

“LAS TRES CARAS DEL MIEDO (I tre volti della paura / black sabbath)”, 1963 (Reseña / Review #1753).

“SILLA ELÉCTRICA PARA OCHO HOMBRES (the last mile)”, 1959 (Reseña / Review #1752).

“HEAT”, 1995 (Reseña / Review #1751).