“SOSPECHOSOS HABITUALES (the usual suspects)”, 1995 (Reseña / Review #1691).

Reseña Cultural nº: 1691 // Reseña Media nº: 44
Reseña actualizada. Publicada el 8 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Bryan Singer
Actores principales: Kevin Spacey (Verbal Kint), Gabriel Byrne (Dean Keaton), Benicio del Toro (Fenster), Stephen Baldwin (Mc Manus), Kevin Pollack (Hockney), Chazz Palmintieri (David Kujan)
Año: 1995 Duración aprox.: 92 minutos
Publicado por: FILMAX Formato: DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

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California. Un barco, un asesinato en la cubierta, y unas llamas que empiezan a extenderse. Nueva York, seis semanas antes. Tras el robo de un camión cargado de armas, Dave Kujan, agente de Aduanas, detiene a cinco sospechosos sin prueba alguna basándose en la suposición de que ese robo tan solo ha podido ser realizado por profesionales. Tras la detención, los somete a una sesión de interrogatorio y a otra de reconocimiento, pero las coartadas son sólidas y veraces. Los detenidos son Verbal Kint (que está impedido con medio cuerpo inválido pero es inteligente y organizado), Dean Keaton (ex-policía y un frío profesional del robo en permanente estado de alerta), Fenster (gran conocedor del mundo delictivo y que se mueve dentro de él como pez en el agua), Mc Manus (asesino profesional de disparo certero, pero muy impulsivo y visceral), y Hockney (metódico y siempre bien cubierto con la coartada perfecta). Sobrevolando sobre las cabezas de estos delincuentes profesionales siempre moviéndose en el inestable mundo de los grandes golpes, se encuentra la figura de un ser desconocido llamado Keyser Soze, una leyenda. Cinco profesionales atrapados en la red tendida por Keyser Soze porque sabe cómo manejarles, y si Keyser Soze te necesita, nunca podrás rechazar su oferta porque no existe en su vocabulario la palabra “No”. Pero los cinéfilos lectores de Lux Atenea se preguntarán: ¿quién es Keyser Soze?

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Keyser Soze es una leyenda, es una vida marcada por la tragedia sufrida por su familia, pero hay quien asegura que en realidad es el mismísimo Diablo. Un ser maligno que nadie ha visto, que siempre permanece oculto, y hasta su sombra es despiadada. La mente de Keyser Soze es una fría calculadora, meticulosa hasta extremos inconcebibles, precisa, ágil en la acción, con una voluntad férrea, con una sed de venganza incontenible que cuando se desata nadie encuentra un refugio seguro. Nadie está a salvo si es señalado por la mano de Keyser Soze, una pesadilla personificada en un ser de carne y hueso. ¿O tal vez tan sólo sea un fantasma? ¿Será un mito, una historia ficticia? Estas preguntas aparecerán en la mente del cinéfilo lector de Lux Atenea viendo la película “Sospechosos habituales”, y durante noventa minutos esas preguntas sin respuestas aparentes se convierten en la base principal de la intriga que sostiene esta magnífica trama de suspense. Todo es turbio en este largometraje, y la sombra de la sospecha lo cubre absolutamente todo y a todos. Los cabos sin atar se van multiplicando según va pasando el tiempo minuto a minuto, pero los dólares que circulan se cuentan por miles. Además, “Sospechosos habituales” es una película dinámica cuya excelente trama forma el esqueleto y sus personajes dan solidez a la historia, ese cuerpo interpretativo esencial para poder crear una gran película. Un largometraje con tintes de novela negra donde la acción tan solo es frenada provisionalmente por la pregunta naciente y la incógnita sin despejar. Sus escenas son vivas, sentimentales, sugerentes y duras, destacando especialmente algunas de ellas como cuando Fenster durante la sesión de reconocimiento ha de decir la frase “¡Dame las llaves, cabrón!”, la escena donde las miradas se van cruzando entre los cinco sospechosos al salir de la comisaría, la secuencia del robo en el garaje donde la tensión se puede cortar con un cuchillo, o la escena del poli-taxi express en la cual se denuncia la corrupción policial en Nueva York con mucho arte.

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Y si hablamos de los actores que brillaron en esta película por sus interpretaciones, por ejemplo, el actor estadounidense Kevin Spacey dio el salto a la fama gracias a ella. Por sus cualidades artísticas, Kevin Spacey es uno de los actores que más me gusta porque considero que es todo un maestro de la interpretación. Un actor que logrado que su nombre se haya convertido en sinónimo de calidad cinematográfica. Y que decir del actor irlandés Gabriel Byrne, porque en “Sospechosos habituales” está soberbio y con un as siempre guardado en la manga. Y si miramos al actor puertorriqueño Benicio del Toro, aquí podemos verle creciendo artísticamente con esa fuerza que imprime a sus personajes, unos personajes con carácter. Además, en este largometraje también podrán disfrutar con las interpretaciones de otros actores como Stephen Baldwin dando esa clase a un asesino tan peligrosamente impulsivo como Mc Manus, a Kevin Pollack muy sobrio pero haciéndose imprescindible en esta trama, y con Chazz Palmintieri dando esa aura especial a este detective que, a través de su investigación, va viendo como poco a poco va acorralándolos para acercarse a la verdad. Sin duda alguna, poder tener a un grupo de actores de esta calidad artística garantiza que una buena trama reluzca con mayor intensidad cinematográfica. Pongan todo esto en manos de un director con la capacidad de organización de Bryan Singer (tardó solamente treinta y cinco días en rodar esta película), y el resultado final se llama “Sospechosos habituales” con uno de los mejores finales que haya visto en una película. Si deciden adquirir esta edición especial publicada en formato DVD por la mítica compañía Filmax en España, recomiendo que no se pierdan la sección de “Curiosidades” incluida en los extras porque es sencillamente… ¡¡¡sorprendente!!! “Sospechosos habituales”, pasión por el Séptimo Arte provocada por esta película de culto dentro del mejor cine de suspense. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“DEAD SPACE: PERDICIÓN (dead space: downfall)”, 2008 (Reseña / Review #1684).

Reseña Cultural nº: 1684 // Reseña Media nº: 40
Reseña actualizada. Publicada el 29 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: CHUCK PATTON
País: EE.UU Año: 2008
Productora: FILM ROMAN / ELECTRONIC ARTS / STARZ MEDIA
Duración aprox.: 74 minutos
Publicado en España por: SONY PICTURES
Año: 2008 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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Suspense, Terror, y Ciencia-Ficción. Tres palabras que definen perfectamente esta película de animación, y cuyas brutales escenas gore garantizan este impactante espectáculo visual en la pantalla para impresionar al cinéfilo lector de Lux Atenea afín a la vanguardia. Con una trama que, básicamente, sigue los parámetros ya establecidos en la mítica película “Alien”, “Dead Space: Perdición” adquiere un mayor interés artístico al ser la precuela del shooter de terror homónimo publicado por la mítica compañía estadounidense Electronics Arts. Su visualización previa adquiere una gran importancia antes de empezar a jugar a este videojuego, ya que el final de esta película de animación se ha enlazado con su inicio. Por lo tanto, a los cultos lectores de Lux Atenea que juegan a “Dead Space” y no entienden del todo su trama, u otras de las características y particularidades que definen y perfilan esta intrigante historia, seguro que esta película resolverá muchas de sus dudas al respecto. “Dead Space: Perdición” es una película de animación cuya trama de ciencia-ficción nos sitúa en el descubrimiento de una gigantesca estructura extraterrestre en la superficie de un planeta, originando un serio conflicto religioso debido al fanatismo que presenta una corriente religiosa cuyos seguidores se autodenominan como unitologistas. Tras este interesante y enigmático hallazgo, extraños sucesos empiezan a encadenarse en la base instalada en las cercanías de esa misteriosa construcción, junto a una serie de asesinatos y de actos violentos como nunca se hayan visto en aquel lugar. Vertebrado por terroríficas sorpresas apareciendo constantemente en pantalla a lo largo de toda la película, debido a las especiales características alienígenas que aquí se presentan, la magnífica combinación de alta tecnología con angustiosos ambientes donde la oscuridad y la sangre están siempre presentes convierten estos escenarios en auténticos cementerios high-tech en el espacio.

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Como analista cultural, creo que conviene subrayar que “Dead Space: Perdición” es una extraordinaria película de animación destinada a un público adulto debido a sus impactantes y sangrientas escenas. Presentando dibujos influenciados por este inconfundible estilo de ilustración para diseñar personajes que es característico en el panorama cinematográfico occidental a la hora de crear películas y series de animación, en este largometraje se han combinado imágenes de gran calidad con dibujos muy esquematizados y sin prácticamente tonalidades cromáticas. Un contraste absoluto unido a fascinantes detalles tecnológicos que engrandecen esta película como la sierra de luz, el indicador luminoso de vida que llevan a la espalda los humanos, o el sistema utilizado para sacar el monolito extraterrestre del planeta, nos ofrecen una realidad tecnológica futurista que atraerá a los fieles seguidores de este estilo cinematográfico. Una atmósfera obscura y tétrica donde el misterio y el suspense están presentes esta historia en la mayor parte de su desarrollo. “Dead Space: Perdición” destaca por sus impactantes escenas sangrientas donde la estética gore hace acto de presencia con todo tipo de mutilaciones, desmembramientos, cuerpos que revientan desde dentro, escenarios salpicados con sangre hasta el último rincón, brutales cortes e impactos en los cuerpos… haciéndonos recordar de nuevo que esta película de animación no está hecha para ser visualizada por el público infantil. Después de este necesario apunte artístico, una vez vista y analizada, por su calidad creo que este largometraje debería haber tenido un poco más de promoción en los medios de información para dar a conocer esta impactante obra al gran público, ya que creo que existe un gran número de espectadores interesados en este género cinematográfico en todo el mundo. “Dead Space: Perdición”, una película de animación brutal y terrorífica que será muy apreciada por los incondicionales seguidores de la temática “Alien” dentro de la ciencia-ficción. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“BATTLE ROYALE”, 2000 (Reseña / Review #1683).

Reseña Cultural nº: 1683 // Reseña Media nº: 39
Reseña actualizada. Publicada el 19 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Kinji Fukasaku
Actores principales: Takeshi Kitano (Profesor Kitano), Ko Shibasaki (Mitsuko)
Año : 2000 Duración aprox.: 114 minutos
Publicado por: MANGA FILMS, S.L.
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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“Al inicio del milenio, la nación sufrió una profunda crisis. Con un quince por ciento de desempleo, diez millones de personas quedaron en paro. Ochocientos mil estudiantes boicotearon los institutos. Los adultos dejaron de confiar en la juventud y empezaron a temerla. Finalmente, se aprobó la ley de la reforma educativa del milenio, también conocida como ley B.R”. Con este prólogo comienza la película “Battle Royale”. Frente a una situación cercana a la anarquía en el sistema educativo, se ha aprobado la ley B.R. Los alumnos que son sometidos a la ley Battle Royale, son reunidos en un grupo del cual solamente sobrevivirá uno y la clase B de un instituto ha sido seleccionada. Cuarenta alumnos a los que se les unirá dos incorporaciones sorpresa. Desorientados por esa amarga sorpresa y bajo control militar, son tratados como animales y soltados en un medio hostil cuya ley es la ley de la jungla, la ley del más fuerte. ¿O del más listo? ¿O del que tiene más suerte? ¿O del psicópata más insensible? Ya se verá. Este grupo ha sido trasladado a una isla y cada alumno tiene un collar explosivo en el cuello que se activará cuando las normas se incumplan, teniendo avisos cada seis horas que les informan sobre las zonas peligrosas en la isla. Unos lugares que, una vez activados, estar allí supone la muerte segura. En aquella isla permanecerán durante tres días, pero en ese periodo de tiempo solamente se puede salvar uno de ellos, y si sobreviven más de uno, todos los collares explotan. A cada uno de ellos se les ha dado una mochila de supervivencia que incluye, aparte de comida y objetos para el aseo, un arma aleatoria que puede ser un subfusil, una pistola automática, un revolver, una escopeta, una espada, una ballesta, una navaja… Y en la isla, todo vale, no hay reglas salvo la supervivencia de una única persona. La confusión, la tensión, y el miedo a perder la vida serán los tres factores principales para desencadenar los actos más salvajes y violentos. En un escenario así, ¿confiarías en tu mejor amigo? ¿y en una persona con una actitud inocente? ¿y en palabras que hablan de paz y amor? Además, ¿crees que la unión, la fraternidad, y el amor triunfarían en un entorno tan salvaje? ¿Cuál es la verdadera cara del ser humano? ¿Triunfarán el instinto de supervivencia y los pensamientos más egoístas? ¿Es el débil, una presa fácil?

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El actor japonés Takeshi Kitano en el papel del profesor Kitano, se presenta frío, estricto, firme, y con una pesada mochila a la espalda llena de cargas emocionales, destacando sobre todo su mirada y su impasibilidad. Pero Takeshi Kitano comparte protagonismo con otra magnífica actriz como Ko Shibasaki en el papel de una de las alumnas llamada Mitsuko. Una dulce joven que, guadaña en la mano, ve cambiadas sus prioridades en la vida radicalmente. La imagen de Mitsuko impactará al cinéfilo lector de Lux Atenea y, en algunas escenas, llega incluso a cruzar los límites del cine de acción para pasar por unos instantes al cine de terror. Ko Shibasaki tiene grandes cualidades artísticas para destacar como actriz ideal a la hora de dar vida a personajes cargados de intensidad y emotividad porque, en el reino de los gestos, los japoneses son auténticos genios hasta convertir los movimientos y las expresiones corporales en puro arte. Mediante el uso de esta técnica, los gestos de los personajes transmiten al espectador la tensión en la acción que transcurre en cada escena, haciendo que lo viva mucho más intensamente. A nivel sonoro, la Música Clásica que se ha utilizado como banda sonora de la película se revela como un contrapunto necesario para dar ese contraste que realce los actos de violencia. Su paralelismo con la película “La naranja mecánica” (1971) es inmediato, destacando también en su época por su brutal violencia. Música Clásica y violencia, la sensibilidad y lo salvaje configurando dos caras de una misma moneda para exaltar la barbarie.

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Dirigida por Kinji Fukasaku, en el momento de rodar esta película tenía setenta años de edad y “Battle Royale” es su película número sesenta. Un artista admirable al cual la edad no le impide seguir desarrollando su creatividad audiovisual, y es digno de elogio verle con estas ganas en el ‘making of’ incluido en los extras del DVD, sorprendiéndonos con este derroche de energía y vitalidad que más quisieran poseer algunos artistas mucho más jóvenes. En su labor como director, tras muchos años de experiencia de rodaje a sus espaldas se ha convertido en todo un maestro del cine de acción con dosis altas de violencia y, en esta obra cinematográfica, la sangre es utilizada sin tener que hacerla correr como auténticos ríos, como así acostumbran a usarla normalmente en muchas otras películas orientales dentro de esta temática. Esto hace que “Battle Royale” sea una película violenta, pero sin llegar a saturar por su exceso de sangre gratuita hasta llegar al gore. En este atrayente largometraje distópico destacan escenas como cuando aparece la cara de una ganadora de la prueba al inicio de la película, la escena del autobús donde todos los alumnos se quedan dormidos menos uno, la escena donde rueda una cabeza con casco y una bonita dentadura, y, sobre todo, destacan las escenas en donde aparece la imagen del video explicativo de Battle Royale y la isla donde van a ser confinados, siendo un guiño al mundo freaky. ¿Alguien se atreve a cuchichear? Como apunte final, comentar que su final sigue la misma línea de las últimas creaciones cinematográficas japonesas incluyendo, como no, esta rayada. Así es la impredecible creatividad del país del Sol Naciente, siempre sorprendente. “Battle Royale”, el juego ha comenzado en esta distopía futurista llena de acción, violencia, y muertes, muchas muertes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PROMESAS DEL ESTE (eastern promises)”, 2007 (Reseña / Review #1682).

Reseña Cultural nº: 1682 // Reseña Media nº: 38
Reseña actualizada. Publicada el 16 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

DIRECTOR: DAVID CRONENBERG
ACTORES PRINCIPALES: NAOMI WATTS, VIGGO MORTENSEN, VINCENT CASSEL, ARMIN MUELLER-STAHL
AÑO: 2007 DURACIÓN APROX.: 100 minutos
PUBLICADO POR: UNIVERSAL PICTURES IBERIA, S.L.C AÑO: 2010
FORMATO: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

PROMESAS DEL ESTE eastern promises 2007 DVD CRONENBERG VIGGO MORTENSEN

“Promesas del Este” es una coproducción británica y estadounidense basada en el guión escrito por Steven Knight, y dirigida por uno de los directores cinematográficos cuyo talento artístico nos viene deslumbrando desde finales del siglo XX hasta la actualidad: David Cronenberg. Este legendario director canadiense, tomando la ciudad de Londres como escenario para ser mostrada a través de su plano social mafioso y corrupto, en esta extraordinaria película nos ofrece esta cruda visión de la sociedad occidental del siglo XXI caracterizada por su creciente inhumanidad, convirtiendo cada una de sus grandes ciudades en auténticas junglas de cristal, hormigón, y asfalto donde la violencia está latente cada día. Partiendo de una escena inicial donde el cinéfilo lector de Lux Atenea observará a una chica rusa desamparada y moribunda que termina muriendo en el hospital tras su embarazo prematuro, será su diario el origen principal de toda esta violenta trama mostrada a través de contrastes psicológicos continuos. Cuando Anna Khitrova (Naomi Watts) que trabaja en ese hospital de comadrona, coge el diario, debido a que está escrito en ruso y no entiende ese idioma, acaba llevándolo al dueño de un restaurante para que lo traduzca. A partir de ese momento, todo se complicará en su vida debido a los datos tan comprometedores que ese diario tiene en sus páginas sobre un importante jefe mafioso ruso. Pero, por encima de esta intrigante y violenta trama, “Promesas del Este” es una película muy tensa que juega con los sentimientos y con la sensibilidad del espectador para generarle fuertes emociones. Unas emociones que el cine actual parece haber dejado en manos de los efectos especiales, y no basadas en la trama y en los diálogos protagonizados por los actores tras ser realzados en sus interpretaciones. Precisamente por estas admirables interpretaciones, sobre todo la del actor Viggo Mortensen como Nikolai Luzhin, esta película fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea deseosos de poder disfrutar de una buena película.

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La actriz británica Naomi Watts interpreta con absoluta credibilidad a Anna Khitrova, un personaje que se mueve emocionalmente a lo largo de toda la película entre la insensibilidad de su tío ruso y el lastre psicológico de su reciente embarazo malogrado. El magnífico actor alemán Armin Mueller-Stahl encarna a Semyon, el dueño del restaurante Trans-Siberian, y con esta mirada imborrable en la gran pantalla destaca especialmente por su inteligencia, su pragmatismo, y su instinto maquiavélico disfrazado de sincera hospitalidad. El extraordinario actor francés Vincent Cassel hace otro excelente papel al dar vida a Kirill, hijo único de Semyon y capitán de Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen) dentro de la organización mafiosa, dando realismo al carácter alocado, visceral, inmaduro, caprichoso, y muy violento de este difícil personaje. Pero es el actor Viggo Mortensen quien más destaca en este largometraje tras su genial interpretación de Nikolai Luzhin, chofer de Semyon (dueño del restaurante) y al servicio de su hijo Kirill, que se comporta de forma muy profesional, fría, y eficaz a la hora de tratar asuntos delicados de la familia para que no dejen rastro. Su peculiar humor negro y su carácter analítico, calculador, misterioso, crea una imagen de indomabilidad y de insondable personalidad que atraerá con toda seguridad la atención del espectador. Como analista cultural, sin duda alguna, valoro su interpretación de Nikolai Luzhin poniéndole cuerpo y alma como una de las mejores de toda su carrera cinematográfica.

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En “Promesas del Este”, los personajes principales de esta película son vistos por el espectador en un ambiente plagado de contrastes como el existente entre la hospitalidad y el lujo extremo mostrado por los mafiosos rusos y sus implacables métodos, entre la macabra forma de actuar de Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen) y sus destellos de generosidad y piedad, entre las órdenes oficiales de las fuerzas policiales y el interés del topo para detener al jefe de la organización mafiosa. Todo ello, mostrado siempre con el aura siniestra y peligrosa de este ambiente interno de la mafia rusa mostrado por David Cronenberg en esta película, y que domina e impregna cada fotograma. “Promesas del Este” es una película brutal y salvaje donde las muertes, las venganzas, los asesinatos, la ferviente religiosidad, los negocios sucios que proporcionan grandes márgenes de beneficio, el secretismo siempre latente, los rituales mafiosos, las traiciones… fascinarán al público. Una atracción generada por el simbolismo de los tatuajes dentro de las organizaciones mafiosas rusas, por sus contundentes procedimientos, su impenetrabilidad a la hora de dificultar considerablemente la posible entrada de topos en la organización, por el choque violento entre dos organizaciones mafiosas (en este caso, entre la mafia chechena y la rusa)… Todo ello se convierte en características propias de un impactante largometraje sobre la Mafia, y que han sido potenciadas gracias a la excelsa perspectiva artística de uno de los grandes maestros de la dirección cinematográfica. Impactantes e imborrables escenas a las que nos tiene acostumbrados David Cronenberg a lo largo de toda su dilatada carrera. Concepto, imagen, y mensaje han sido siempre su principal tarjeta de presentación, y los frutos de su visionario talento creativo siguen ofreciéndonos estos largometrajes tan obscuros y sublimes. “Promesas del Este”, todo fiel seguidor de la obra de David Cronenberg no debe perderse esta película rodada por este director de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“AMERICAN PSYCHO”, 2000 (Reseña / Review #1671).

Reseña Cultural nº: 1671 // Reseña Media nº: 35
Reseña actualizada. Publicada el 16 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Mary Harron
Actores principales: Willem Dafoe (Inspector Donald), Christian Bale (Patrick Bateman)
Año: 2000 Duración aprox.: 98 minutos
Publicado por: COLUMBIA TRISTAR Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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Basada en la novela homónima escrita por Bret Easton Ellis, todo un best seller, la directora de cine canadiense Mary Harron se atrevió a llevarla a la gran pantalla de forma bastante arriesgada dada la complejidad existente tanto en su trama como en su personaje principal, Patrick Bateman. En toda adaptación cinematográfica de un libro, siempre hay partes del mismo que no quedan reflejadas en imágenes pero, en este caso en particular, ese aspecto artístico no ensombrece para nada el magnífico trabajo realizado. El culto a las apariencias existente en ciertos círculos de alto poder adquisitivo queda muy bien reflejado en esta película, y dentro de ese juego hipócrita para aparentar ser lo que no se es, y en un mundo en el cual se adora el maquiavélico lema de “el fin justifica los medios”, qué pueden esperar encontrar en esos ambientes y en esos círculos económicos tan competitivos. Inmersos en una dinámica existencial tan extrema, la película “American Psycho” presenta otro estilo, un estilo acorde con la jungla de asfalto donde se desarrolla su siniestra trama porque Patrick Bateman personifica la cara obscura del ser humano. Estéril en su reino esterilizado, siempre impoluto, con compostura y con una pulcritud convertida en la imagen del éxito, detrás de su sonrisa y de su cuidado corporal, detrás de este yuppie con una fortuna en su cuenta bancaria se encuentra una demoníaca sombra: la sombra del éxito profesional a cualquier precio. Patrick Bateman es un esclavo del cuerpo, un yuppie materialista y envidioso, y un adicto al dinero que hará lo que sea para que sus deseos se hagan realidad. Con una inteligencia tan afilada como una cuchilla, calculador y ordenado hasta la obsesión, cree que el mundo es su territorio, su coto privado. Ese lugar donde puede hacer y deshacer lo qué desee, cuándo lo desee, y cómo lo desee. Y si algo o alguien entorpeciera sus designios o sus caprichos, su interior sufrirá una brusca transformación que le hará pasar de la serenidad más absoluta a la violencia más salvaje porque Bateman es un individuo que no sabe controlar sus impulsos. Y no solamente no los controla, sino que le dominan. Los cinéfilos lectores de Lux Ateena comprobarán cómo la agresividad sale por cada poro de su piel cuando algo no sale como el quiere, o como el desea, y todo ello le lleva a cometer los actos más atroces con aquellos que osan ponerse por delante de él, o que simplemente le molestan en ese momento.

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Pero no se confundan, en Patrick Bateman no existe el sentimiento de culpabilidad porque su conciencia está muerta y su ataúd está enterrado bajo su piel. La indiferencia ante sus crímenes es absoluta y, es más, sus asesinatos son casi rituales. Sádico, narcisista hasta el extremo de romper los espejos con solo mirarlos, Patrick Bateman es un ser que ofrece caricias muy peligrosas. Un ser egoísta al cual los sentimientos de los demás le traen sin cuidado, y si hablamos de su sadismo, sus dibujos hablan por si mismos: su dietario se ha terminado convirtiendo en un siniestro manual de anatomía. Poco más se puede decir. Tras esta descripción de Patrick Bateman, el cinéfilo lector de Lux Atenea intuirá que el extraordinario actor Christian Bale se ha vaciado artísticamente interpretando a este difícil personaje, bordándolo en todos sus aspectos. Otro genial artista dentro de este reparto es el mítico actor Willem Dafoe en su papel como inspector, pero no tiene muchas oportunidades para explotar su personaje, quedando entre dos aguas a lo largo de toda la película. De su interpretación me quedo con esas sonrisas que no sabemos muy bien si están escondiendo un as en la manga, o son pura cortesía. Como en todo buen thriller que se precie, las escenas que verán les dejarán impresionados tanto por su intensidad como por su impacto visual, destacando escenas como la persecución por los pasillos de la planta del edificio que dejarán un poco alterado al espectador. En “American Psycho”, otras escenas que les atraerán son Patrick Bateman y su novia en el taxi con él escuchando lo último de Robert Palmer y ella organizando asuntos, cuando Patrick Bateman llama al restaurante y recibe una respuesta muy peculiar por parte de quien le atiende, la mítica escena de las tarjetas de presentación con una atmósfera de envidia y vanidad que casi asfixia, o escenas con cierto toque de humor como cuando Patrick Bateman va al cuarto de baño a saludar a uno de sus compañeros y… Por lo tanto, el espectador se preguntará si Patrick Bateman mata para ver muerto aquello que tiene en su interior y no quiere ver, mata para no ver a aquellos que piensa que están por encima de él, o mata porque se siente más allá del Bien y el Mal. Con frases como “Quiero que los demás sientan mi dolor” saliendo de su boca, habrá quien piense que Patrick Bateman es una víctima según la doctrina actual ‘políticamente correcta’, y le comprenderán y le verán más como una víctima de la sociedad en vez de como un brutal psicópata y un verdugo. “American Psycho”, ¿será todo fruto de su imaginación? ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
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“LOS RÍOS DE COLOR PÚRPURA (les revières pourpres)”, 2000 (Reseña / Review #1668).

Reseña Cultural nº: 1668 // Reseña Media nº: 34
Reseña actualizada. Publicada el 18 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Mathieu Kassovitz
Actores principales: Jean Reno (Comisario Pierre Niemans), Vincent Cassel (Max Kerkerian)
Año: 2000 Duración aprox.: 101 minutos
Publicado por: COLUMBIA TRISTAR Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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Sin ojos y sin manos, es encontrado el torturado cuerpo de un bibliotecario universitario colgado en la pared de un acantilado. Lejos de allí, en una pequeña ciudad se ha producido la profanación de una tumba en un cementerio y un robo en el archivo de un colegio. A estos dos hechos les une un hilo común, un nombre: Judith Hérault. Así comienza esta atrayente película, este thriller ambientado en un medio natural agreste como es la alta montaña donde los paisajes sublimes menguan considerablemente ese poder autoatribuido por el propio ser humano. Además, el asesino se presenta como una persona metódica que deja a sus víctimas exactamente como quiere que los descubran, y en un juego de pistas que permite al asesino ir situando a los investigadores en los lugares por él determinados, ahí y en ese momento, porque las reglas son sus reglas. Como punto central de este enigma se encuentra la Universidad de Guernon, una antigua institución caracterizada por su especial y cuidada selección a la hora de escoger su personal y alumnos, teniendo una gran influencia en esa zona. Dirigiéndola se encuentra un rector cuyas razones dadas en esta investigación abierta, ni convencen ni facilitan en algo la posible resolución de este escurridizo caso. A cargo de la investigación se encuentra el comisario Neumans, papel interpretado por el conocido actor francés Jean Reno, siempre permanentemente atento y concentrado en todo lo que le rodea porque no quiere que ningún detalle se le escape. En su investigación se cruzará el teniente Max, interpretado por el actor Vincent Cassel, que como un perro de presa persigue y persigue constantemente su objetivo siguiendo su rastro. Incansable, se guía fundamentalmente de su instinto y de su fino olfato investigador.

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A nivel artístico, estos dos actores dan verosimilitud a sus papeles como investigadores, y con ese realismo y minuciosidad que provocará que el cinéfilo lector de Lux Atenea se sumerja en esta intrigante trama. Como analista cultural, me parece una pena que las dos buenas interpretaciones que realizan Jean Reno y Vincent Cassel en esta película, se vean un poco ensombrecidas por las figuras de los dos policías que acompañan al teniente Max en unas escenas que quieren parecer humorísticas, y no hacen ninguna gracia. Por ejemplo, escenas como la de estos dos policías jugando con las novicias quita mucha seriedad a la película, o la patética escena protagonizada por unos skins un tanto surrealistas es muy poco creíble. En estos casos, el director de la película Mathieu Kassovitz no ha estado para nada acertado, todo lo contrario a su gran estilo y talento a la hora de grabar esas tomas artísticas que nos hacen amar al cine. Unas tomas cercanas que aproximan estos personajes al espectador y que, aunque no son visualmente espectaculares, cuidando siempre la incertidumbre te mantienen con una intriga constante hasta el final. En “Los ríos de color púrpura” podrán disfrutar de una buena película cuyos paisajes montañosos rodeando valles aislados imprimen una mayor fuerza e intensidad a esta historia. Disfrutarán viendo escenas sorprendentes como la del teniente colocando una banqueta en un local, o con la escena del hombre de los ojos vidriosos, o con escenas más tensas como la carrera del comisario por la escalera, o cuando el teniente corre por la pista de atletismo, además de escenas inquietantes como la bajada por la grieta del glaciar y la entrada en la gruta formada bajo el mismo. “Los ríos de color púrpura”, un buen thriller para ver repetidas veces con atención en busca de detalles ocultos. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SU PROPIA VÍCTIMA (dead ringer)”, 1964 (Reseña / Review #1663).

Reseña Cultural nº: 1663 // Reseña Media nº: 33
Reseña actualizada. Publicada el 24 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: PAUL HENREID Guión: ALBERT BEICH y OSCAR MILLARD
Actores principales: BETTE DAVIS, KARL MALDEN, PETER LAWFORD
País: EE.UU Año: 1964 Productora: WARNER BROS. PICTURES Duración aprox.: 111 minutos
Publicado en España por: IMPULSO RECORDS, S.L. Año: 2009 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

SU PROPIA VICTIMA DVD 1964 BETTE DAVIS KARL MALDEN

“Su Propia Víctima” es una magnífica película que Bette Davis rodaría tras el inesperado gran éxito del largometraje “¿Qué fue de Baby Jane?” (1962), reseñado recientemente en Lux Atenea. Un thriller dramático cuya admirable remasterización realizada para esta edición en DVD nos permite disfrutar en toda su riqueza visual, esta trágica historia protagonizada por dos hermanas gemelas: Edith (tosca, seca, y cuyas graves dificultades económicas están a punto de dejarla en la calle por no tener dinero para seguir pagando el alquiler de su casa) y Margaret (elegante, educada, una rica viuda sin hijos y muy poco afectada por el reciente fallecimiento de su marido, a cuyo entierro asiste Edith al comienzo de la película). Tiempo atrás, Margaret le quitó su amor a Edith, casándose posteriormente tras haberlo engañado diciéndole que estaba embarazada de él. El descubrimiento de ese engaño tras el fallecimiento del marido de Margaret se convertirá en el desencadenante de una venganza personal de Edith contra Margaret que la llevará a cometer un horrible crimen. Tras sustituir a su hermana y pasar a disfrutar de su confortable vida, la aparición de un policía (Karl Malden) unido a Edith y, sobre todo, del amante secreto de su hermana Margaret (Peter Lawford), acabarán complicando esa nueva vida de privilegiado status económico. La genial interpretación que Bette Davis realiza en estos dos personajes tan iguales físicamente y, a su vez, tan diferentes en su esencia tras haber sido moldeados de forma tan distinta por lo económico, termina ofreciéndonos absoluta credibilidad a esta dramática historia propia del mejor cine negro. Una trama muy bien construida y desarrollada donde la tensión y el suspense te llevan a no levantarte del asiento hasta su apoteósico final.

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Detalles como la contraseña de la caja fuerte en la casa de su hermana Margaret, la simpatía/rechazo del perro hacia sus dueños como eficaz indicador de la auténtica realidad que permanece oculta a la mirada de los seres humanos, la estética obscura y siniestra de muchos de los escenarios aquí mostrados (llegando a adentrarse en el terreno de lo tétrico y de lo macabro en algunas ocasiones), la mirada analítica de Karl Malden como pocos actores pueden ofrecernos en la representación de un agente de la ley, el uso de la máscara como clave de las relaciones humanas en sociedad (e incluso, en la intimidad), las dificultades que se presentan a Edith a la hora de adaptarse a su nuevo rol… convierten a esta película en una auténtica joya del Séptimo Arte para ser disfrutada en múltiples veladas, porque qué sería de la magia del cine si no lo pudiéramos disfrutar en la oscuridad de la noche. En el largometraje “Su Propia Víctima”, la venganza toma sentido en una persona que ha sufrido grandes carencias en su vida cotidiana tras haber sido engañada. Amor y riqueza que se alejaron de sus manos tras los maquiavélicos planes tramados por una hermana más interesada en estar rodeada de lujo y prosperidad económica, que de estar al lado de la persona a la que ama. Esta justificación al crimen cometido, que se percibe claramente en la primera parte de esta historia, es la que da al espectador esa dualidad moral entre lo socialmente condenable y la justicia tomada por la mano de una persona que no ha visto su vida realizada por culpa de un cruel engaño. Además, las difíciles situaciones a las cuales se enfrentará Edith en su papel de Margaret, llegarán a afectarla psicológicamente tanto en su personalidad como en relación a la nueva perspectiva con la cual ha de ver ahora el mundo. Un entorno al que debe engañar con eficacia para que no descubran su verdadera identidad. Además, “Su Propia Víctima” destaca cinematográficamente por las excelentes escenas y tomas rodadas, todo ello a través de la magia y de ese ambiente artístico que sólo las películas filmadas en blanco y negro pueden ofrecer al cinéfilo lector de Lux Atenea. Cine en blanco y negro que, por cierto, parece estar reviviendo una segunda época de esplendor como forma de expresión audiovisual en este inicio del siglo XXI. Algo deben tener las obras cinematográficas rodadas en blanco y negro para seguir despertando emociones entre los espectadores más cultos. “Su Propia Víctima”, excelsa película para dejarse hechizar por el hipnótico embrujo interpretativo de Bette Davis. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

SU PROPIA VICTIMA dead ringer 1964

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ÚLTIMO ESCALÓN (stir of echoes)”, 1999 (Reseña / Review #1661).

Reseña Cultural nº: 1661 // Reseña Media nº: 32
Reseña actualizada. Publicada el 15 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: David Koepp
Actores principales: Kevin Bacon (Tom Witzky), Illeana Douglas (Lisa), Kathryn Erbe (Maggie Witzky), Zachary David Cope (Jake)
Año : 1999 Duración aprox.: 95 minutos
Publicado por: LAUREN FILM, S.A. Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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Tom Witzky y su esposa Maggie asisten a una fiesta junto a un grupo de amigos, y al final de la velada empiezan a hablar sobre el poder de la hipnosis. En este grupo se encuentra Lisa, hermana de Maggie, una persona de creencias profundas en las Ciencias Paranormales y en el Más Allá. Todo lo contrario a Tom Witzky, una persona muy escéptica en esos temas. En defensa de su incredulidad y en apoyo a sus ideas, Tom decide someterse a una sesión de hipnotismo de la mano de Lisa para dejarla en evidencia. Tras esta sesión, la vida de Tom no volverá a ser la misma. Comenzará a sentirse un poco raro, y empezará a ver imágenes aparentemente aleatorias y sin conexión con la realidad de su presente. ¿Estará Tom padeciendo una sugestión post-hipnótica? ¿O tal vez tenga un estado alterado de consciencia, habiendo quedado una puerta mental abierta a todo lo que realmente hay a su alrededor? “El último escalón” es una película escrita y dirigida por David Koepp, y que podemos catalogar como de terror y suspense. Su banda sonora a cargo del mítico James Newton Howard (compositor que ya he comentado anteriormente en la reseña que publiqué sobre la película “Pactar con el Diablo”), es sugerente y se sincroniza musicalmente a la perfección con el desarrollo y con la evolución de la interesante y siniestra trama. Talento en la composición que es toda una garantía de originalidad y de sentido artístico a la hora de transmitir la esencia de un largometraje a través de su banda sonora para dar credibilidad a la acción, al momento cinematográfico, junto a otros aspectos artísticos fundamentales como son la interpretación (que analizaré más adelante), la imagen, los escenarios… Pero hay uno que, desde mi punto de vista como analista cultural, es clave, y no es otro que los pequeños detalles. Detalles como el frío que emite el fantasma y cómo afecta a todo lo que se encuentra cerca de él, la alteración del tiempo cuando se produce una aparición, la ingesta exagerada de líquidos que realiza Tom, la sucesión y la intensidad de las visiones que sufre, e, incluso, hasta la acertada relación que el director David Koepp llega a establecer entre el sexo y los estados de trance. Flashes hacia lo inexplicable, y saltos al otro lado de lo comprensible. En resumidas cuentas, detalles que acercan la ficción de esta película a la realidad del espectador para poder atrapar su interés y atraer su atención para condicionar sus emociones.

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En esta magnífica película, el actor estadounidense Kevin Bacon realiza una interpretación extraordinaria de este personaje bastante complejo por las circunstancias que ha de vivir, y padecer. Tom Witzky es un hombre con ese aire de fracasado, una persona decepcionada cuya vida familiar se ve bruscamente desequilibrada tras esa sesión de hipnotismo. En la interpretación de su papel destacaría especialmente el mensaje emocional que transmite su mirada, la rotundidad de sus gestos, y la tensión en su rostro que habla por sí solo. Si hablamos de su esposa Maggie, interpretada por la actriz Kathryn Erbe, la obsesión que empieza a observar en el comportamiento de su marido terminará convirtiéndose en una situación cada vez más difícil de llevar para una persona que no posee ni entiende ese poder. Su comprensión se limita a la Razón, pero cuando algo ha superado los límites de esa misma Razón, esa comprensión resulta una ardua tarea y, mucho más, cuando ese estado alterado de consciencia lleva a Tom a momentos de gran excitación nerviosa y a estallidos de agresividad. Complementando este selecto apartado interpretativo, el joven actor Zachary David Cope en la piel de Jake, hijo de Tom y Maggie, da un perfil perfecto para esta obscura trama haciéndola más profunda y luminosa. Además, en una película de terror y suspense no pueden faltar esas escenas que nos impacten que, en el caso de “El último escalón”, ya la primera escena dejará impresionados a los cinéfilos lectores de Lux Atenea que lo visualicen. Luego, quedarán cautivados con otras escenas inquietantes como la de Tom Witzky frente al espejo y el diente, la escena del sueño premonitorio, e incluso hay escenas con cierta gracia como la de Jake, Tom, y la guitarra, u otras escenas angustiosas como la de Maggie cuando se toma un baño, convirtiendo a esta película en una seria candidata para ser mencionada en tertulias sobre cine. Sin duda, “El último escalón” es una película cuya complejidad les llevará a descubrir nuevos detalles cada vez que vuelvan a visionarla. Por cierto, una pregunta: ¿cuántas veces necesitó repetir Kevin Bacon la escena del cubo y la ventana? “El último escalón”, abrir una puerta supraterrenal muchas veces puede resultar bastante complicado, pero lo más fácil es que volver a cerrarla pueda resultar imposible. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

EL ULTIMO ESCALON stir of echoes 1999

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PACTAR CON EL DIABLO (the devil´s advocate)”, 1997 (Reseña / Review #1657).

Reseña Cultural nº: 1657 // Reseña Media nº: 31
Reseña actualizada. Publicada el 13 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por : Taylor Hackford
Actores principales: Al Pacino (John Milton), Keanu Reeves (Kevin Lomax), Charlize Theron (Mary Ann Lomax), Jeffrey Jones (Eddie Barzoon), Craig T. Nelson (Alexander Cullen)
Año : 1997 Duración aprox.: 138 minutos
Publicado por: WARNER BROS. Formato : DVD (EDICIÓN COMPRADA)

PACTAR CON EL DIABLO the devil´s advocate 1997

Ser una persona imbatible en el trabajo debe ser una sensación muy poderosa, y si encima se recompensa ese éxito profesional siendo considerado un elegido dentro de la empresa, entonces el afortunado debe sentirse el rey del mundo. Sobre esta base existencial y humana gira “Pactar con el Diablo”, una película cuyo guión está basado en la novela homónima escrita por Andrew Neiderman. En el fondo, “Pactar con el Diablo” es un largometraje que nos habla sobre la esencia del ser humano, o mejor dicho, sobre ese Ego permanentemente insatisfecho de todo, aunque lo tenga todo. Éxito, prestigio, victorias, fama… no son otra cosa que leña en la hoguera insaciable del Ego, pero esos excesos no son gratuitos. Al final, siempre pasan factura porque el ser humano que juega a ser Dios acaba cayendo en su propio Infierno. Si hablamos de poseer bienes, de acumular cosas materiales, entonces el ser humano es capaz de cualquier cosa con tal de poder adquirirlos. Por lo tanto, el resumen de este análisis no es otro que cada ser humano no hace más por su Ego no porque no pueda, sino porque no tiene oportunidad para hacerlo. Si este ansiado bien material es el dinero, su tiempo en esta vida se irá evaporando en pro del dinero y, además, siempre las cantidades de dinero que lleguen nunca serán suficientes. Y a más dinero, menos vida compartida con quienes le quieren de verdad, y con más gente interesada acercándose.

PACTAR CON EL DIABLO the devil´s advocate 1997 DVD

Los deseos, la ilusiones, la popularidad… juegan con los sueños más íntimos del ser humano en una lucha entre lo material y lo espiritual. Si quienes le quieren protestan por su ausencia en sus vidas, siempre creerá que con comprarles una jaula de oro, todo estará resuelto. Como muy bien comenta una de las protagonistas en la película, para poder ver a su marido “tiene que concertar una cita”. Pero, ¿qué sucede si todo se empieza a torcer? Siempre quedarán los vicios para tapar esos agujeros existenciales que empiezan a aparecer en su vida. Alcohol, drogas, sexo… el desenfreno absoluto para tapar la mala conciencia porque la conciencia no se deja vender, ni atontar, ni engañar por los bienes materiales ni por el éxito. De esta forma, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que visualicen esta película podrán comprobar como Kevin Lomax y su mujer Mary Ann pasan del beso continuo al beso en la cara y, de ahí, a la ausencia de contacto según Kevin va escalando más y más puestos según va ganando más y más dinero, y según Kevin va creyéndose más y más invencible satisfaciendo a su Ego. Respecto a la crítica que se observa en la película sobre el poder del sistema judicial en la sociedad moderna, sencillamente es real y omnipresente. El poder judicial es el rey de nuestra sociedad, y aquellos que forman parte de su estructura están situados por encima del ciudadano común. Todos conocemos su inmenso poder, y por algo se le llama el Poder Judicial. Las palabras hablan por sí mismas.

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Concluyendo estos análisis sobre las temáticas tratadas en esta excelsa película, otro de sus pilares principales se sustenta en los poderes ocultos que existen sobre la tierra, poderes supraterrenales que cuentan con la ventaja de la incredulidad sobre su existencia por parte de un porcentaje creciente de la población. En un mundo capitalista, materialista, donde lo material lo es todo y el dinero es el más poderoso Dios que adorar, actualmente hablar de la existencia de esos poderes que viven, se desarrollan, influyen, y marcan nuestra vida como especie es menos creíble socialmente que hablar sobre la identidad política de Caperucita Roja, o decir que el Lobo Feroz era en realidad un activista de Greenpeace. En las sociedades más avanzadas, lo espiritual está en claro retroceso y el culto a lo material disfruta de una época de gloria y de máximo esplendor en cuanto a creyentes materialistas se refiere. Entrando también en detalles técnicos y artísticos que engrandecen a esta película, destacan tanto la iluminación como los efectos especiales, realzando considerablemente cada uno de los escenarios en los cuales se mueven los personajes. Los decorados son impactantes, especialmente en la guarida de Philip Moyés y en la acuática azotea del rascacielos de John Milton. Esto, unido a una banda sonora original compuesta por James Newton Howard que ha sido armoniosamente integrada en el desarrollo de su trama, convierten a “Pactar con el Diablo” en una magna película muy bien vertebrada artísticamente. Y si hablamos de escenas impactantes, hay imágenes que se quedarán en la mente del espectador como, por ejemplo, la escena donde Kevin entra en la iglesia donde se ha refugiado su esposa, la escena donde Kevin se encuentra andando por una avenida de Manhattan desierta, o con la escena donde las estatuas de la escultura que tiene John Milton en su despacho cobran vida. Algunas escenas memorables que quedan sin mencionar, pero no conviene desvelarlo todo en una película tan excelsa y atrayente. Una curiosidad: en el trailer cinematográfico incluido en los extras de esta edición en DVD aparecen escenas que no salen en la película. Incluso se puede observar en una de las tomas la sombra de uno de los cámaras grabando la escena sobre la plataforma de una grúa (Atenea dixit). Pero una importante pregunta sigue en el aire: ¿quién es el personaje principal de esta película? Indudablemente, John Milton (Al Pacino). Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con el arte interpretativo de Al Pacino en esta película. Al Pacino da vida a John Milton no solamente con sus actos y con sus palabras, sino con el lenguaje de los gestos. Por este motivo, su sonrisa, su risa, su mirada… se convierten en detalles fundamentales a la hora de dar realismo y credibilidad a su demoníaca personalidad. Y todo ello, unido a unos escenarios absolutamente sobrecogedores (como el salto de agua de la azotea con la ciudad a sus pies) llevan a Al Pacino a convertir este largometraje en una grandiosa y tenebrosa película. Una experiencia alcanzada dentro del arte de la interpretación que está únicamente reservada a los grandes actores y actrices. Si verdaderamente aman el Séptimo Arte, no duden un segundo en ver esta película en su versión original, e inclínense ante el despliegue interpretativo y artístico que Al Pacino nos ofrece, surgiendo de su boca maravillosas frases aquí traducidas al idioma español:

Lux Atenea 4 - 1

– “Si el diablo te comenta que te cortes el pelo, ve eligiendo peluquero”
– “… (en referencia al cuello) una tierra sin dueño donde luchan la mente y el cuerpo”
– “Narcisismo, la droga más natural”
– “La culpabilidad es un pesado saco de piedras. Tienes que librarte de él lo antes posible”
– “La virtud del diablo está siempre oculta”
– “La vanidad es sin duda, mi pecado favorito”
– “Es tan bella que te deja helado”
– “La presión, la presión lo cambia todo. Algunas personas al límite, responden. Otras, fallan”.
– “Yo soy la sorpresa”

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Como punto y final en esta reseña, he seleccionado este diálogo en la película donde John Milton realiza una cuidada y precisa radiografía existencial del ser humano en la sociedad actual. “Pactar con el Diablo”, una de mis diez películas favoritas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Coge y acerba el apetito humano hasta que puedas romper los átomos con su enorme ansia. Levanta egos del tamaño de catedrales, y con fibra óptica conecta el mundo con sus egocéntricos impulsos. Adorna las atribuciones más osadas con oropel, dólares y fantasías hasta que todo ser humano sea aspirante a emperador, sea su propio Dios, y Eddie será el resultado. Mientras buscamos nuestro propio beneficio, ¿quién cuida del planeta? El aire es más plomizo, el agua más ácida, hasta la miel tiene cierto regusto metálico gracias a la radioactividad. El mundo se acaba… No hay tiempo para pensar, para prepararse, han hipotecado el futuro, a corto plazo, pero no hay futuro. Estamos sobre un caballo desbocado. Quieras o no, el mañana está en manos de un millón de Eddies Barzoon. Un montón de capullos dispuestos a dar por el culo a este planeta de Dios, y luego lavarse las manos como si no hubiera pasado nada, para volver cuanto antes a los ordenadores para acumular sus putas horas extra, y volver luego a casa. Eres responsable de tus propios actos, Eddie. En este juego, uno no puede plantarse.”

PACTAR CON EL DIABLO

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.