“HEAT”, 1995 (Reseña / Review #1751).

Reseña Cultural nº: 1751 // Reseña Media nº: 104
Reseña actualizada. Publicada el 15 de febrero del año 2013 en Lux Atenea.

Director: MICHAEL MANN
Guión: MICHAEL MANN
Actores principales: ROBERT DE NIRO (Neil McCauley), AL PACINO (Vincent Hanna), VAL KILMER (Chris Shiherlis), JON VOIGHT (Nate), TOM SIZEMORE (Michael Cheritto), WILLIAM FICHTNER (Roger Van Zant), DENNIS HAYSBERT (Donald Breedan), KEVIN GAGE (Waingro), NATALIE PORTMAN (Lauren Gustafson)
País: EE.UU Año: 1995 Productora: WARNER BROS / REGENCY ENTERPRISES
Duración aprox.: 164 minutos
Publicado en España por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A.
Año: 2005 Formato: 2DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: Película “HEAT” // Comentario del escritor/productor/director Michael Mann // 3 trailers cinematográficos
DVD 2: 11 escenas suprimidas // Documental “La realización de Heat” // Documental “Regreso a la escena del crimen”, visita a los exteriores reales del rodaje en Los Ángeles 10 años después // Documental “Al Pacino y Robert De Niro”, anatomía del enfrentamiento

DVD Heat 1995 Michael Mann

Una de las obras maestras dentro del cine policiaco de acción e intriga es “Heat”. Un thriller del año 1995 donde lo dramático y lo extremo fue concebido y rodado en bellas e inolvidables imágenes por uno de los mayores talentos artísticos del cine moderno: el director estadounidense Michael Mann. “Heat” es un largometraje espectacular donde no solamente es magnífico su guión, sino también la fascinación que provocan sus tomas rodadas, encumbrando el excelente trabajo de Dante Spinotti como director de fotografía que queda resaltado también en algunos apartados como las secuencias en exteriores o la iluminación. Si a toda esta grandeza artística añadimos este selecto reparto con actores de primer nivel, es lógico e inevitable que surgiera esta magia audiovisual en la gran pantalla llamada “Heat” tras quedar orquestados por la inspirada perspectiva cinematográfica del director Michael Mann. A los cinéfilos lectores de Lux Atenea les resultará difícil encontrar un reparto de este nivel en una sola película, integrándose todos de forma fluída y creíble en este largometraje de acción. En “Heat” también disfrutarán contemplando el arte interpretativo de otros actores de renombre, ya sea con la jovencísima actriz Natalie Portman en el papel de Lauren Gustafson, con el actor William Fichtner interpretando al turbio hombre de negocios Roger Van Zant, o con la impactante y salvaje presencia de dos carismáticos actores como Kevin Gage personificando al sádico asesino Waingro y al actor Danny Trejo en el papel del delincuente común también llamado Trejo. A ellos se une el mítico y siempre convincente actor Jon Voight en el papel de Nate (personaje encargado de realizar trabajos de información y contactos dentro del oscuro mundo de la delincuencia), el actor secundario Tom Sizemore que es todo un lujo como atracador de vida aparentemente familiar llamado Michael Cheritto, o con el actor Val Kilmer en una de sus mejores interpretaciones cinematográficas haciendo el papel del atracador profesional Chris Shiherlis, un ludópata que todo lo que gana con los atracos se lo gasta en apuestas, motivo por lo cual la relación con su mujer está en un punto límite. Pero, en “Heat”, ver el espectacular porte que presenta el actor Val Kilmer en esta película, trajeado, con su pelo rubio recogido atrás con una coleta, con las manos enfundadas en guantes negros mientras corre y dispara su fusil de asalto detrás de los vehículos en uno de los atracos, son imágenes que se quedarán grabadas en la mente del cinéfilo. Sin duda, una de las mejores interpretaciones en la carrera artística de Val Kilmer, y esta escena es un claro ejemplo del virtuosismo y del estilo inconfundible del Michael Mann como director. ¡¡¡Grandioso!!!

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La mítica película “Heat” destaca, sobre todo, por la deslumbrante reunión de los actores Al Pacino y Robert De Niro como auténticos colosos dentro del Séptimo Arte. Al Pacino interpreta con maestría al detective Vincent Hanna, un policía con la mentalidad de un paciente cazador siempre alerta. Antiguo marine que terminó trabajando para el Departamento de Narcóticos, como teniente especializado en robos y homicidios destaca por ser un inteligente analista. Incansable y muy efectivo en su trabajo, sus éxitos profesionales es la otra cara de su desastrosa vida personal tras haberse divorciado en dos ocasiones. En cambio, Robert De Niro en el papel de Neil McCauley, experto atracador y líder de la banda, es todo lo contrario. Sin vida personal más allá de fugaces escarceos, el solitario Neil McCauley es un exconvicto al que le gusta planear atracos con sumo detalle para que su efectividad sea casi absoluta. Muy directo en sus planteamientos y firme en sus decisiones, Neil McCauley es un atracador frío, calculador, duro, meticuloso, muy profesional, y al cual no le gusta correr ningún riesgo. El destino terminará cruzando la vida de estos dos personajes en un espectacular enfrentamiento como si de una partida de ajedrez se tratara. Neil McCauley organiza una banda de atracadores moderna, profesional, bien armada, y muy bien preparada que se vale de inteligentes acciones y artimañas para escapar de la policía. Tras el éxito del atraco al furgón al comienzo de la película (1.600.000 dólares en títulos), cuando intentan liquidar a uno de la banda (Waingro) por haber usado su arma con demasiada ligereza e irresponsabilidad, éste logra escapar. Intentando vender esos títulos a su antiguo propietario, el empresario Roger Van Zant (actor William Fichtner) toma la decisión de eliminarlos por cuestión de prestigio y de respeto. Pero también la policía ha empezado a investigar a otro miembro de la banda, Michael Cheritto (actor Tom Sizemore), y todo el grupo empieza a estar bajo vigilancia sin que la policía sepa realmente el trasfondo de todo lo que se traen entre manos. Cuando Waingro y el empresario Roger Van Zant se alían, esta trama se empezará a complicar. Uno de los mayores atractivos que tiene esta película es ver cómo se entremezclan las vidas y las pasiones personales de cada uno de sus personajes en relación a sus trabajos, presentando unas vidas privadas complejas, difíciles, insatisfactorias, y muy complicadas.

“Tengo que aferrarme a mi angustia. La conservo porque la necesito. Me mantiene fuerte, alerta.”

El cine, por encima de todo, es Belleza y Arte representadas en imágenes y en escenas, y, como analista cultural, el arte de Michael Mann me encanta precisamente por su talento en la selección de planos, de escenarios, y por el admirable uso de filtros en el objetivo de la cámara. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con estas tomas nocturnas porque son impresionantes. Contemplarán la belleza en imágenes cuando Neil McCauley pasa al lado de la estatua iluminada en medio de la noche oscura, en la escena del helicóptero sobrevolando la urbe en plena noche con las luces de la ciudad como fondo, o también con la escena final localizada en la pista de aterrizaje del aeropuerto de Los Ángeles donde la tensión que transmite la pantalla te hipnotiza. “Heat” no solamente te apasiona por tener un extraordinario guión y unos excelentes actores, sino también al presentar otras espectaculares secuencias como el impactante asalto al furgón blindado al inicio de la película con los atracadores con sus caras cubiertas con máscaras de hockey, y cuando estallan las ventanas de los coches por la onda expansiva provocada con el estallido de los explosivos. Una película con escenas marcadas por la astucia y la inteligencia en la acción como en el puerto cuando Neil McCauley logra engañar al inspector Vincent Hanna para saber quiénes le están investigando, con la tensión latente en el intercambio acordado con Roger Van Zant, en la escena del asalto a la empresa de metales preciosos como imagen muy clara de las precauciones extremas que toma Neil McCauley en sus atracos, y para ver cómo la policía les espía sin que tengan consciencia de ello. Me encanta visualizar la memorable escena de la conversación que mantienen Neil McCauley y Vincent Hanna cara a cara en una mesa del Kate Mantelini´s, y, sobre todo, el atraco al banco Far East National Bank a plena luz del día. Escena mítica en la Historia del Cine de Acción, y que lo tiene todo. Persecución en las calles de Los Ángeles, el eco del sonido de los disparos de las armas automáticas rebotando en los edificios como si de una guerra en Los Ángeles se tratara, observar la sincronizada técnica militar con la cual los miembros de la banda van cubriéndose y protegiéndose de los disparos de la policía mientras huyen, ver a estos dos mitos cinematográficos como Robert De Niro y Al Pacino frente a frente sumando intensidad a la acción, visualizar este salvaje tiroteo en el parking del supermercado, el inolvidable momento cuando el detective Vincent Hanna dispara al atracador Michael Cheritto… En definitiva, una colosal batalla en una ciudad moderna como escenario de este duelo a muerte. Tomas espectaculares, escenas impresionantes, intensidad en la acción, y ¡¡¡pura adrenalina en imágenes!!!

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Conmemorando los diez años de su estreno en la gran pantalla, esta edición especial presentada en el año 2005 por Warner Home Video es la más completa que se haya publicado hasta el momento. Una lujosa edición que incluye once escenas suprimidas como parte de los extras en el segundo DVD, además del documental “La realización de Heat (The making of Heat)” donde podemos conocer la historia real de Neil McCauley, personaje en el cual está inspirado este largometraje, junto a interesantes análisis de los personajes de la película, impresiones y comentarios del director y de los propios actores, y, sobre todo, descubrir cómo Michael Mann consiguió alcanzar estos niveles de realismo durante el rodaje. El documental “Regreso a la escena del crimen (Return To The Scene Of The Crime)” es una visita a los exteriores reales donde se hizo este rodaje en Los Ángeles diez años después, y se desvela cómo localizaron los exteriores que quería Michael Mann para esta película, qué magia artística encontró en esos lugares, cuáles fueron las particularidades y dificultades del rodaje en el aeropuerto de Los Ángeles… Y el documental “Al Pacino y Robert De Niro: anatomía del enfrentamiento (Pacino and De Niro: Conversation)” será de imprescindible visualización para los fieles seguidores de estos dos míticos actores, de estos dos auténticos genios convertidos en los protagonistas principales de esta magna obra. “Heat”, una de las películas más espectaculares e impactantes en la Historia del Cine Neo-noir. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Heat 1995 Michael Mann

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“AVALON”, 2001 (Reseña / Review #1743).

Reseña Cultural nº: 1743 // Reseña Media nº: 96
Reseña actualizada. Publicada el 1 de noviembre del año 2013 en Lux Atenea.

Director: MAMORU OSHII
Guión: KAZUNORI ITÔ
Actores principales: MALGORZATA FOREMNIAK (Ash), WLADYSLAW KOWALSKI (Game Master), JERZY GUDEJKO (Murphy), DARIUSZ BISKUPSKI (Bishop), BARTEK SWIDERSKI (Stunner), KATARZYNA BARGIELOWSKA (recepcionista)
País: JAPÓN-POLONIA Año: 2001 Productora: BANDAI VISUAL Co. Ltd
Duración aprox.: 103 minutos
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: 2DVD edición limitada (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: Película “Avalon” // Trailer // Ficha Artística // Ficha Técnica // Biofilmografía Del Director // Citas De Mamoru Oshii
DVD 2: Making of: Días de Avalon // Los Efectos Especiales // El Cine De Mamoru Oshii // Galería De Fotos

DVD AVALON MAMORU OSHII

Aunque el director cinematográfico japonés Mamoru Oshii es mucho más conocido por su mítica película de animación “Ghost in the Shell” (1995), en el año 2001 presentó esta interesante película de ciencia-ficción cuya trama estaba basada en juegos de realidad virtual en la Red. Los juegos online que, aunque ahora nos parecen de lo más normal del mundo, en el año 2001 eran poco más que una utopía como medio de entretenimiento de gran impacto y difusión social. Ahora mismo, todavía no está disponible la tecnología, el software, y las velocidades de transmisión necesarias en la Red para soportar los juegos online de Realidad Virtual, pero el gran talento de Mamuro Oshii ya pronosticaba el éxito entre el público de los juegos online en el futuro con su película “Avalon”, casi con una década de antelación. Por este motivo, he seleccionado su largometraje “Avalon” como obra cinematográfica a recomendar a los cinéfilos lectores de Lux Atenea para su disfrute. Rodada íntegramente en Polonia, la espectacularidad que presentan muchas de sus escenas hizo que fuera galardonada con el Premio a la Mejor Fotografía en el Festival de Cine Fantástico de Sitges en el año 2001. De inconfundible ambientación cyberpunk, “Avalon” es una película de acción donde el cine de ciencia-ficción adquiere ese atractivo visual tan especial, y con el cual se identifican los espectadores con gustos artísticos experimentales más alejados de los cánones cinematográficos oficiales, populares, exitosos (y muchas veces vacuos) que vienen condicionando y dando forma al cine comercial de las últimas décadas. “Avalon”, sin llegar a ser una película de culto, sí tiene ese punto vanguardista cuyo trasfondo social sitúa a su trama en una realidad futura que, de seguir avanzado las tecnologías en Internet a este ritmo en la actualidad, serán una realidad mucho antes de lo que creemos. La virtualización en las aplicaciones destinadas a Internet está cada vez más cercana tecnológicamente, los ordenadores personales con grandes capacidades de procesamiento gráfico son cada vez más económicos, y en cuanto haya un abaratamiento de las conexiones ultrarrápidas junto a la comercialización de dispositivos de interconexión virtual a un precio asequible, el universo digital en Internet que actualmente conocemos, en unas pocas décadas nos parecerá tan primario y lejano como ahora vemos a las antiguas conexiones de 56k de velocidad y a las BBS (Bulletin Board System) que, en su momento, era lo más avanzado que había en la Red.

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Teniendo como escenario a un mundo futuro post-apocalíptico tras una cruenta guerra, la desolación y la falta de expectativas en la población (que se mueve en un entorno de alta tecnología) ha llevado a una parte de ella a engancharse a un juego bélico de realidad virtual tremendamente adictivo llamado Avalon. Una vía de escape de su triste presente y su desesperante futuro. Teniendo como medio de pago a créditos monetarios que incluso se pueden ganar jugando, Avalon se ha transformado en un mundo virtual muy popular donde los jugadores más expertos adquieren renombre entre la población como si fueran héroes, destacando Ash entre ellos al ser considerada como su mejor jugadora. El estilo de juego de Ash resalta por su habilidad, por su destreza e inteligencia, pero Ash se entera que un antiguo amante suyo, Murphy, ha quedado atrapado dentro del juego intentando acceder a niveles superiores únicamente accesibles para los jugadores más expertos. Intrigada por saber dónde está, qué le ha ocurrido, y cómo son verdaderamente esos niveles superiores del juego, si es que existen, Ash se adentrará en Avalon teniendo pleno conocimiento de que si falla en su misión, puede acabar convertida en un vegetal como ya les ha sucedido a otros jugadores. Por su extraordinaria trama, la película “Avalon” se muestra como un misterioso largometraje cyberpunk de acción donde la intriga y el suspense fijan la atención del cinéfilo a la pantalla mientras impactantes escenas van sucediéndose, y teniendo siempre presente lo trágico y lo dramático como base esencial del peligro que acecha y se oculta detrás de este misterio llamado “Avalon”.

Lux Atenea 4 - 5

“Avalon” es un largometraje que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por el magnífico uso de imágenes en blanco y negro con tonalidades cálidas obtenidas utilizando un filtro ámbar, como si estuviéramos contemplado algo casi onírico y siniestro a su vez. Una atmósfera desangelada donde las personas que viven en ese mundo parecen haber perdido la esperanza en un futuro mejor, quedando los días de gloria convertidos en una realidad digital a través del juego Avalon. Un mundo apático donde el tremendo éxito de este juego en la población también encuentra acérrimos detractores, y no dudan incluso en pegar carteles en las calles alertando del peligro que este juego representa para las personas. Pero las generaciones más jóvenes ya tienen elegida su opción, que no es otra que jugar y coger más experiencia para llegar un día a ser esa figura respetada y admirada socialmente por las hazañas realizadas dentro del juego. Además, el hecho que jugadores expertos como Ash se ganen la vida con créditos Avalon convertibles en dinero en efectivo, no es más que un premonitorio avance cinematográfico de lo que pueden llegar a convertirse los videojuegos en Internet a nivel social durante este siglo XXI. “Avalon” nos ofrece ese desvelo futurista de realidad tan propio de la ciencia-ficción, y que tanto nos atrae y seduce. Todo ello sin dejar a un lado el trágico destino de “los olvidados”, también denominados como “los que no vuelven”, y que son aquellos jugadores que acaban con daños cerebrales irreversibles tras haber jugado a Avalon. Un riesgo latente cuya existencia en el mundo de ficción de esta película, quien sabe si en la realidad virtual futura que se vislumbra en el horizonte de Internet, termine convirtiéndose en algo verídico y real dentro de ese avanzado mundo tecnológico. Si a todo esto le unimos el admirable trabajo interpretativo realizado por estos actores, “Avalon” destaca de forma artística como una gran película.

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El mítico director japonés Mamoru Oshii, alejándose momentáneamente del mundo de la animación, aquí por primera vez en su carrera cinematográfica se atrevió a dirigir a actores reales. “Avalon” es una obra donde ha mimado el arte visual con mensaje simbólico, mostrándose como una hipnótica película que te embrujará, o dejarás de verla poco tiempo después de su inicio. El cine de ciencia-ficción tan innovador y con una trama tan compleja no admite medias tintas en cuanto a las impresiones que provoca en el espectador al ser visualizado y, por este motivo, como largometraje muy adelantado a su tiempo, “Avalon” es una obra que adoras y veneras, o te provoca indiferencia. Pero no se puede negar la gran belleza que irradian muchas de sus secuencias con imágenes imborrables como el espectacular ataque de Ash al helicóptero, las preciosas imágenes nocturnas de la ciudad mientras Ash va recorriendo sus calles de camino a su hogar, la encantadora presencia de la mascota de Ash (perro de la misma raza basset hound que la mascota de Mamoru Oshii), la interesante escena donde Ash comprueba que otro jugador está copiando sus tácticas y estrategias para ir completando también las misiones más difíciles del juego, o la sobrecogedora imagen de Bishop pasando entre olvidados en estado de coma sentados en sillas de ruedas. Impresiona observar el siniestro escenario de juego de las ruinas C66, el reflejo del individualismo en esta sociedad futura que se observa fielmente en los pasajeros del tranvía, la profunda soledad en la que vive Ash y que se ve muy claramente en la escena donde prepara comida cocinada por ella para su perro, la sublime belleza del área “Flak Tower22”, las impresionantes ruinas industriales D99 y la poderosa máquina de guerra ‘ciudadela’, la impactante secuencia donde Ash dispara a ghost para poder entrar en el especial A, o la siniestra escena de Ash y ghost en el auditorio.

Lux Atenea 4 - 6

Esta lujosa edición publicada por la mítica compañía Cameo Media en el año 2005, incluye un segundo DVD con extras de más de 170 minutos de duración. Vertebrado por los interesantes documentales “Making of: Días de Avalon”, “Los Efectos Especiales” y “El Cine De Mamoru Oshii”, en su atenta visualización, los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán especialmente impresionados con el contenido del documental “Making of: Días de Avalon”, al ver cómo se desarrolló la grabación de muchas de las secuencias y de las imágenes de la película. En “Avalon” destaca sobre todo la presencia del armamento militar del ejército polaco como el carro de combate T-72, el helicóptero de ataque Mil Mi-24D, o el vehículo blindado antiaéreo ZSU-23-4 Shilka, protagonistas principales en algunas de sus escenas más inolvidables. En los documentales también podrán conocer la tremenda complejidad que conlleva el rodaje en exteriores, y la influencia imprevisible del tiempo meteorológico con la posibilidad o no de grabar según el plan de trabajo, además de ver al director Mamoru Oshii con una pierna inmovilizada y en silla de ruedas tras el diagnóstico médico que lo relaciona directamente con un origen psicosomático… y otras curiosidades más. En el siguiente documental titulado “Los Efectos Especiales”, de la mano de Nobuaki Koga (supervisor de la empresa SpFX Studio), Tomohiko Shuto (empresa Omnibus Japan), Seichi Tanaka (director de imagen digital para los gráficos del juego Avalon de aspecto retro, inspirados en la nave espacial Vostok), Sato y Yamamoto (empresa Motor/lieZ encargada de los efectos especiales del tanque Ciudadela), y de Hayashi (director artístico digital), nos van explicando al detalle el laborioso trabajo que desarrollaron en esta película. Nos descubren algunos secretos tanto en la grabación previa como en la presentación final de muchas de sus escenas, revelándonos las técnicas utilizadas en las imágenes de síntesis creadas para esta obra cinematográfica, o describiéndonos cada uno de los retos técnicos a los que tuvieron que enfrentarse. Un admirable trabajo de digitalización que, teniendo en cuenta la tecnología disponible en aquella época, supieron combinar con maestría esta mezcla de ficción y de realidad virtual en 2D y 3D que perfila y define sus escenarios. Aquí quisiera destacar cómo se creó la escena donde muere uno de los personajes de la película, momento en el cual Mamoru Oshii quiso representar simbólicamente la belleza y lo efímero, o cómo se realizó el modelado y la animación de algunas armas militares que aparecen en la película, junto a deformaciones visuales temporales, efectos de bugs en el juego Avalon, el uso del equipo de digitalización Domino, el valor simbólico de la presencia del humo del cigarrillo en escenas de la película…

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A través de una innovación constante llena de talento y de riesgo, en el documental “El Cine de Mamoru Oshii: el anime espiritual” también podrán conocer la trascendencia artística y la vanguardia conceptual que este virtuoso pionero ha aportado al Séptimo Arte. Tanto en el mundo de la animación como en el universo más clásico del celuloide, verán su trayectoria cinematográfica marcada por obras de culto de indiscutible calidad como la mítica “Ghost In The Shell” (1995), “Patlabor 2” (1993), “Blood, El Último Vampiro” (2000), y “Ghost In The Shell 2: Innocence” (2004). Un mundo simbólico de gran belleza visual que se ha convertido en su particular e inconfundible sello artístico, y donde la filosofía cyberpunk dentro de la corriente No Future siempre presenta ese profundo escepticismo ante las bondades tecnológicas que parecen presentarse en nuestro futuro. Como padre del anime espiritual, la sensibilidad emotiva y la empatía que las obras de Mamoru Oshii provocan en el espectador lo han elevado hasta la sublime categoría de director de culto, y este prestigio artístico no ha supuesto cambio alguno en la evolución conceptual de sus obras, siempre punteras y reflexivas. En definitiva, una edición de auténtico lujo para engalanar esta muestra de genialidad creativa firmada por Mamoru Oshii. “Avalon”, los videojuegos como una vía de escape, como un reto vital a superar, y como un mundo virtual donde poder evadirse de la cruda realidad cotidiana que no se quiere ni admitir ni asimilar. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

AVALON 2001

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“BULLET BALLET”, 1998 (Reseña / Review #1724).

Reseña Cultural nº: 1724 // Reseña Media nº: 77
Reseña actualizada. Publicada el 8 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: SHINYA TSUKAMOTO
Guión: SHINYA TSUKAMOTO
Actores principales: SHINYA TSUKAMOTO (Goda), KIRINA MANO (Chisato), TAKAHIRO MURASE (Goto), TATSUYA NAKAMURA (Idei), KYÔKA SUZUKI (Kiriko), HISASHI IGAWA (Kudo)
País: JAPÓN Año: 1998 Productora: KANGJEGYU FILMS
Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VÍDEO Año: 2003
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “Bullet Ballet”
EXTRAS: Ficha técnica y artística // Filmografía del director // Trailer

DVD BULLET BALLET 1998

Rodada en blanco y negro como todo buen thriller que desee proyectar en sus imágenes un dramático ambiente de suspense, la extraordinaria película “Bullet Ballet” es una muestra clara del cine japonés underground donde la siniestra estética fotográfica queda inmortalizada en la modernidad cosmopolita, decadente, y sucia que refleja. Un drama posmoderno protagonizado por el individuo sobrepasado por la realidad, y fascinado a su vez ante la contemplación de esta sublime belleza urbana en movimiento donde él queda siempre empequeñecido tras la aceptación de su intrascendente existencia. Dirigido por el talentoso maestro japonés Shinya Tsukamoto, director de la película de culto “Tetsuo” (ya reseñada en Lux Atenea), en esta trágica historia poblada por personajes con vidas llevadas al límite también interpreta a su personaje principal, Goda. Con un tempo lento en su desarrollo que es perfecto para que el espectador no caiga en un histriónico estado de tensión y angustia ante tal avalancha de intensos estímulos, si a ello le unimos una espectacular banda sonora con música ambient e industrial compuesta por Chu Ishikawa, todo encuentra su más perfecto equilibrio en esta egocéntrica posmodernidad basada en la tecnología y en el materialismo para su perduración como sistema social. “Bullet Ballet” se presentará ante el cinéfilo lector de Lux Atenea como una colosal película de imprescindible visualización, y donde el cine japonés underground encuentra en esta segunda década del siglo XXI envuelta en la crisis, el entorno y el escenario ideal para su correcta valoración artística. Los amantes del Séptimo Arte descubrirán en “Bullet Ballet”, ese cine de autor situado al margen del mainstream como máxima garantía de independencia y de creatividad artística en su definición conceptual y en su producción.

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Esta lúgubre historia comienza con Goda, trabajador con una existencia cotidiana normal cuya vida gira alrededor de su novia Kiriko, llevando diez años juntos. Un día, regresando a casa tras haber terminado su trabajo, verá cambiado su destino al encontrarse con la desagradable e inasumible sorpresa del suicidio de Kiriko tras haberse disparado con una pistola. En ese momento, todo su mundo se vendrá abajo, creciendo la tensión y la desesperación en su interior hasta caer poseído por una irresistible pasión por las armas que le llevará a entrar en un alocado y salvaje caos existencial. En las calles de Tokio se encuentra con una joven, Chisato, la cual vive en otro ambiente completamente distinto al suyo. Esa forma de vida violenta y extrema que late de forma oculta en las grandes ciudades, y que estimulará aún más la rabia y la ira interior de Goda en cuanto sea mínimamente provocado. Una agitada tensión interior que verá aumentará su desesperación cuando Goda descubra la auténtica realidad que provocó la muerte de Kiriko. En “Bullet Ballet”, el director Shinya Tsukamoto hace una excelente y convincente interpretación de este personaje en la película, ya que Goda achaca el origen de su difícil situación interior señalando siempre hacia fuera, hacia los demás. Goda no reflexiona. Únicamente actúa de forma violenta tratando de eliminar todo aquello que le perturba o molesta, y sin cambio o transformación interna, por lo que sus propios miedos y temores no hacen más que crecer, metiéndole de lleno en una violenta espiral de obscura y dramática salida. Como analista cultural, disfruto viendo la magna obra artística de Shinya Tsukamoto porque es todo un maestro a la hora de reflejar en imágenes, esa actitud de indiferencia posmoderna que muestran los ciudadanos ante los dramáticos acontecimientos que suceden a su alrededor… hasta que ellos resultan ser los afectados. Así se representará ante el espectador cuando observe la imperturbable actitud de Goda al llegar al portal de su casa, instantes antes de conocer la dramática desgracia que cambiará su vida. La imagen casi constante de las calles de Tokio con la suciedad, la degradación, y la inmundicia dominando estos escenarios tan decadentes, unido a la lucha sin cuartel entre bandas urbanas, configuran esta talentosa fusión artística de lo industrial con lo ultraviolento a través de escenas tensas, amargas, adrenalínicamente ácidas. También hay que destacar la magnífica interpretación que hace la actriz Kirina Mano en el papel de Chisato. La frialdad emocional que muestra siempre la andrógina Chisato, junto a la sádica e irresistible atracción que siente hacia todo lo que represente dolor, sufrimiento, o muerte, son una muestra clara de la profunda soledad interior en la que vive, aunque Chisato viva el día a día cubierta por esa máscara de indiferencia, de estar por encima del Bien y del Mal, y de mostrar ese valor extremo ante las personas. La actriz Kirina Mano ha logrado convertir a Chisato en uno de los personajes principales de este largometraje, gracias a esta extraordinaria interpretación de hermética y enigmática personalidad.

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El cine japonés underground es, sobre todo, trasfondo conceptual y existencial a través del adorado culto artístico a la imagen, a la estética, y al equilibrio incluso cuando se muestra extremo y transgresor. Así podrán comprobarlo y disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea en “Bullet Ballet” con esta visión cosmopolita bellamente reflejada en imágenes en blanco y negro, en el shock y en el bloqueo emocional que sufre Goda tras conocer la trágica noticia, cómo la paliza que recibe Goda a manos de la banda de Chisato le hace romper los límites del autocontrol, impulsándole a una nueva vida marcada por lo extremo y lo violento. Cautiva observar la inocencia inicial de Goda para moverse dentro de los bajos fondos y cómo el ser engañado y estafado le hace aprender, cómo Internet acaba convirtiéndose en la fuente principal donde Goda parece hallar el camino para conseguir el arma que tanto desea, o las contundentes imágenes donde se entremezclan secuencias bélicas y de la pistola como reflejo simbólico de los pensamientos de Goda. Es espectacular la escena del siniestro y decadente local underground caracterizada por estos giros de cámara, la impactante escena donde los instintos suicidas de Chisato hacen que Goda se enfrente con sus más terribles miedos y temores, la impresionante secuencia donde contemplamos el juego suicida que a Chisato le gusta practicar en los andenes de metro, y cómo ante la desesperación que tiene Goda para hacerse con un arma, aparece una oportunidad para conseguirla en el momento y de la forma más inesperada. Pero “Bullet Ballet” es extremo, como la brutal escena donde Goda convierte su entrada en lo violento en un salvaje ritual iniciático donde el valor es el antídoto para sus miedos, con la siniestra belleza que destila la escena del parque de atracciones, con la secuencia de Goda y Chisato en la azotea como imagen clara de las personas inmovilizadas por ese impasse existencial tras verse superadas por las circunstancias, con la imagen de Goda y Chisato en la escalera donde se refleja su situación al margen de esa sociedad alienante donde tratan de vivir y que también rechazan, o la terrible escena final como sangrienta apoteosis protagonizada por el tirador en una clausura propia del cine negro. “Bullet Ballet”, cuando el Séptimo Arte japonés es transgresor y completamente alejado del mainstream. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

BULLET BALLET 1998

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“DEAD SPACE: PERDICIÓN (dead space: downfall)”, 2008 (Reseña / Review #1684).

Reseña Cultural nº: 1684 // Reseña Media nº: 40
Reseña actualizada. Publicada el 29 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: CHUCK PATTON
País: EE.UU Año: 2008
Productora: FILM ROMAN / ELECTRONIC ARTS / STARZ MEDIA
Duración aprox.: 74 minutos
Publicado en España por: SONY PICTURES
Año: 2008 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DEAD SPACE PERDICION dead space downfall DVD 2008

Suspense, Terror, y Ciencia-Ficción. Tres palabras que definen perfectamente esta película de animación, y cuyas brutales escenas gore garantizan este impactante espectáculo visual en la pantalla para impresionar al cinéfilo lector de Lux Atenea afín a la vanguardia. Con una trama que, básicamente, sigue los parámetros ya establecidos en la mítica película “Alien”, “Dead Space: Perdición” adquiere un mayor interés artístico al ser la precuela del shooter de terror homónimo publicado por la mítica compañía estadounidense Electronics Arts. Su visualización previa adquiere una gran importancia antes de empezar a jugar a este videojuego, ya que el final de esta película de animación se ha enlazado con su inicio. Por lo tanto, a los cultos lectores de Lux Atenea que juegan a “Dead Space” y no entienden del todo su trama, u otras de las características y particularidades que definen y perfilan esta intrigante historia, seguro que esta película resolverá muchas de sus dudas al respecto. “Dead Space: Perdición” es una película de animación cuya trama de ciencia-ficción nos sitúa en el descubrimiento de una gigantesca estructura extraterrestre en la superficie de un planeta, originando un serio conflicto religioso debido al fanatismo que presenta una corriente religiosa cuyos seguidores se autodenominan como unitologistas. Tras este interesante y enigmático hallazgo, extraños sucesos empiezan a encadenarse en la base instalada en las cercanías de esa misteriosa construcción, junto a una serie de asesinatos y de actos violentos como nunca se hayan visto en aquel lugar. Vertebrado por terroríficas sorpresas apareciendo constantemente en pantalla a lo largo de toda la película, debido a las especiales características alienígenas que aquí se presentan, la magnífica combinación de alta tecnología con angustiosos ambientes donde la oscuridad y la sangre están siempre presentes convierten estos escenarios en auténticos cementerios high-tech en el espacio.

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Como analista cultural, creo que conviene subrayar que “Dead Space: Perdición” es una extraordinaria película de animación destinada a un público adulto debido a sus impactantes y sangrientas escenas. Presentando dibujos influenciados por este inconfundible estilo de ilustración para diseñar personajes que es característico en el panorama cinematográfico occidental a la hora de crear películas y series de animación, en este largometraje se han combinado imágenes de gran calidad con dibujos muy esquematizados y sin prácticamente tonalidades cromáticas. Un contraste absoluto unido a fascinantes detalles tecnológicos que engrandecen esta película como la sierra de luz, el indicador luminoso de vida que llevan a la espalda los humanos, o el sistema utilizado para sacar el monolito extraterrestre del planeta, nos ofrecen una realidad tecnológica futurista que atraerá a los fieles seguidores de este estilo cinematográfico. Una atmósfera obscura y tétrica donde el misterio y el suspense están presentes esta historia en la mayor parte de su desarrollo. “Dead Space: Perdición” destaca por sus impactantes escenas sangrientas donde la estética gore hace acto de presencia con todo tipo de mutilaciones, desmembramientos, cuerpos que revientan desde dentro, escenarios salpicados con sangre hasta el último rincón, brutales cortes e impactos en los cuerpos… haciéndonos recordar de nuevo que esta película de animación no está hecha para ser visualizada por el público infantil. Después de este necesario apunte artístico, una vez vista y analizada, por su calidad creo que este largometraje debería haber tenido un poco más de promoción en los medios de información para dar a conocer esta impactante obra al gran público, ya que creo que existe un gran número de espectadores interesados en este género cinematográfico en todo el mundo. “Dead Space: Perdición”, una película de animación brutal y terrorífica que será muy apreciada por los incondicionales seguidores de la temática “Alien” dentro de la ciencia-ficción. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“BATTLE ROYALE”, 2000 (Reseña / Review #1683).

Reseña Cultural nº: 1683 // Reseña Media nº: 39
Reseña actualizada. Publicada el 19 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Kinji Fukasaku
Actores principales: Takeshi Kitano (Profesor Kitano), Ko Shibasaki (Mitsuko)
Año : 2000 Duración aprox.: 114 minutos
Publicado por: MANGA FILMS, S.L.
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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“Al inicio del milenio, la nación sufrió una profunda crisis. Con un quince por ciento de desempleo, diez millones de personas quedaron en paro. Ochocientos mil estudiantes boicotearon los institutos. Los adultos dejaron de confiar en la juventud y empezaron a temerla. Finalmente, se aprobó la ley de la reforma educativa del milenio, también conocida como ley B.R”. Con este prólogo comienza la película “Battle Royale”. Frente a una situación cercana a la anarquía en el sistema educativo, se ha aprobado la ley B.R. Los alumnos que son sometidos a la ley Battle Royale, son reunidos en un grupo del cual solamente sobrevivirá uno y la clase B de un instituto ha sido seleccionada. Cuarenta alumnos a los que se les unirá dos incorporaciones sorpresa. Desorientados por esa amarga sorpresa y bajo control militar, son tratados como animales y soltados en un medio hostil cuya ley es la ley de la jungla, la ley del más fuerte. ¿O del más listo? ¿O del que tiene más suerte? ¿O del psicópata más insensible? Ya se verá. Este grupo ha sido trasladado a una isla y cada alumno tiene un collar explosivo en el cuello que se activará cuando las normas se incumplan, teniendo avisos cada seis horas que les informan sobre las zonas peligrosas en la isla. Unos lugares que, una vez activados, estar allí supone la muerte segura. En aquella isla permanecerán durante tres días, pero en ese periodo de tiempo solamente se puede salvar uno de ellos, y si sobreviven más de uno, todos los collares explotan. A cada uno de ellos se les ha dado una mochila de supervivencia que incluye, aparte de comida y objetos para el aseo, un arma aleatoria que puede ser un subfusil, una pistola automática, un revolver, una escopeta, una espada, una ballesta, una navaja… Y en la isla, todo vale, no hay reglas salvo la supervivencia de una única persona. La confusión, la tensión, y el miedo a perder la vida serán los tres factores principales para desencadenar los actos más salvajes y violentos. En un escenario así, ¿confiarías en tu mejor amigo? ¿y en una persona con una actitud inocente? ¿y en palabras que hablan de paz y amor? Además, ¿crees que la unión, la fraternidad, y el amor triunfarían en un entorno tan salvaje? ¿Cuál es la verdadera cara del ser humano? ¿Triunfarán el instinto de supervivencia y los pensamientos más egoístas? ¿Es el débil, una presa fácil?

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El actor japonés Takeshi Kitano en el papel del profesor Kitano, se presenta frío, estricto, firme, y con una pesada mochila a la espalda llena de cargas emocionales, destacando sobre todo su mirada y su impasibilidad. Pero Takeshi Kitano comparte protagonismo con otra magnífica actriz como Ko Shibasaki en el papel de una de las alumnas llamada Mitsuko. Una dulce joven que, guadaña en la mano, ve cambiadas sus prioridades en la vida radicalmente. La imagen de Mitsuko impactará al cinéfilo lector de Lux Atenea y, en algunas escenas, llega incluso a cruzar los límites del cine de acción para pasar por unos instantes al cine de terror. Ko Shibasaki tiene grandes cualidades artísticas para destacar como actriz ideal a la hora de dar vida a personajes cargados de intensidad y emotividad porque, en el reino de los gestos, los japoneses son auténticos genios hasta convertir los movimientos y las expresiones corporales en puro arte. Mediante el uso de esta técnica, los gestos de los personajes transmiten al espectador la tensión en la acción que transcurre en cada escena, haciendo que lo viva mucho más intensamente. A nivel sonoro, la Música Clásica que se ha utilizado como banda sonora de la película se revela como un contrapunto necesario para dar ese contraste que realce los actos de violencia. Su paralelismo con la película “La naranja mecánica” (1971) es inmediato, destacando también en su época por su brutal violencia. Música Clásica y violencia, la sensibilidad y lo salvaje configurando dos caras de una misma moneda para exaltar la barbarie.

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Dirigida por Kinji Fukasaku, en el momento de rodar esta película tenía setenta años de edad y “Battle Royale” es su película número sesenta. Un artista admirable al cual la edad no le impide seguir desarrollando su creatividad audiovisual, y es digno de elogio verle con estas ganas en el ‘making of’ incluido en los extras del DVD, sorprendiéndonos con este derroche de energía y vitalidad que más quisieran poseer algunos artistas mucho más jóvenes. En su labor como director, tras muchos años de experiencia de rodaje a sus espaldas se ha convertido en todo un maestro del cine de acción con dosis altas de violencia y, en esta obra cinematográfica, la sangre es utilizada sin tener que hacerla correr como auténticos ríos, como así acostumbran a usarla normalmente en muchas otras películas orientales dentro de esta temática. Esto hace que “Battle Royale” sea una película violenta, pero sin llegar a saturar por su exceso de sangre gratuita hasta llegar al gore. En este atrayente largometraje distópico destacan escenas como cuando aparece la cara de una ganadora de la prueba al inicio de la película, la escena del autobús donde todos los alumnos se quedan dormidos menos uno, la escena donde rueda una cabeza con casco y una bonita dentadura, y, sobre todo, destacan las escenas en donde aparece la imagen del video explicativo de Battle Royale y la isla donde van a ser confinados, siendo un guiño al mundo freaky. ¿Alguien se atreve a cuchichear? Como apunte final, comentar que su final sigue la misma línea de las últimas creaciones cinematográficas japonesas incluyendo, como no, esta rayada. Así es la impredecible creatividad del país del Sol Naciente, siempre sorprendente. “Battle Royale”, el juego ha comenzado en esta distopía futurista llena de acción, violencia, y muertes, muchas muertes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.