“AVALON”, 2001 (Reseña / Review #1743).

Reseña Cultural nº: 1743 // Reseña Media nº: 96
Reseña actualizada. Publicada el 1 de noviembre del año 2013 en Lux Atenea.

Director: MAMORU OSHII
Guión: KAZUNORI ITÔ
Actores principales: MALGORZATA FOREMNIAK (Ash), WLADYSLAW KOWALSKI (Game Master), JERZY GUDEJKO (Murphy), DARIUSZ BISKUPSKI (Bishop), BARTEK SWIDERSKI (Stunner), KATARZYNA BARGIELOWSKA (recepcionista)
País: JAPÓN-POLONIA Año: 2001 Productora: BANDAI VISUAL Co. Ltd
Duración aprox.: 103 minutos
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: 2DVD edición limitada (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: Película “Avalon” // Trailer // Ficha Artística // Ficha Técnica // Biofilmografía Del Director // Citas De Mamoru Oshii
DVD 2: Making of: Días de Avalon // Los Efectos Especiales // El Cine De Mamoru Oshii // Galería De Fotos

DVD AVALON MAMORU OSHII

Aunque el director cinematográfico japonés Mamoru Oshii es mucho más conocido por su mítica película de animación “Ghost in the Shell” (1995), en el año 2001 presentó esta interesante película de ciencia-ficción cuya trama estaba basada en juegos de realidad virtual en la Red. Los juegos online que, aunque ahora nos parecen de lo más normal del mundo, en el año 2001 eran poco más que una utopía como medio de entretenimiento de gran impacto y difusión social. Ahora mismo, todavía no está disponible la tecnología, el software, y las velocidades de transmisión necesarias en la Red para soportar los juegos online de Realidad Virtual, pero el gran talento de Mamuro Oshii ya pronosticaba el éxito entre el público de los juegos online en el futuro con su película “Avalon”, casi con una década de antelación. Por este motivo, he seleccionado su largometraje “Avalon” como obra cinematográfica a recomendar a los cinéfilos lectores de Lux Atenea para su disfrute. Rodada íntegramente en Polonia, la espectacularidad que presentan muchas de sus escenas hizo que fuera galardonada con el Premio a la Mejor Fotografía en el Festival de Cine Fantástico de Sitges en el año 2001. De inconfundible ambientación cyberpunk, “Avalon” es una película de acción donde el cine de ciencia-ficción adquiere ese atractivo visual tan especial, y con el cual se identifican los espectadores con gustos artísticos experimentales más alejados de los cánones cinematográficos oficiales, populares, exitosos (y muchas veces vacuos) que vienen condicionando y dando forma al cine comercial de las últimas décadas. “Avalon”, sin llegar a ser una película de culto, sí tiene ese punto vanguardista cuyo trasfondo social sitúa a su trama en una realidad futura que, de seguir avanzado las tecnologías en Internet a este ritmo en la actualidad, serán una realidad mucho antes de lo que creemos. La virtualización en las aplicaciones destinadas a Internet está cada vez más cercana tecnológicamente, los ordenadores personales con grandes capacidades de procesamiento gráfico son cada vez más económicos, y en cuanto haya un abaratamiento de las conexiones ultrarrápidas junto a la comercialización de dispositivos de interconexión virtual a un precio asequible, el universo digital en Internet que actualmente conocemos, en unas pocas décadas nos parecerá tan primario y lejano como ahora vemos a las antiguas conexiones de 56k de velocidad y a las BBS (Bulletin Board System) que, en su momento, era lo más avanzado que había en la Red.

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Teniendo como escenario a un mundo futuro post-apocalíptico tras una cruenta guerra, la desolación y la falta de expectativas en la población (que se mueve en un entorno de alta tecnología) ha llevado a una parte de ella a engancharse a un juego bélico de realidad virtual tremendamente adictivo llamado Avalon. Una vía de escape de su triste presente y su desesperante futuro. Teniendo como medio de pago a créditos monetarios que incluso se pueden ganar jugando, Avalon se ha transformado en un mundo virtual muy popular donde los jugadores más expertos adquieren renombre entre la población como si fueran héroes, destacando Ash entre ellos al ser considerada como su mejor jugadora. El estilo de juego de Ash resalta por su habilidad, por su destreza e inteligencia, pero Ash se entera que un antiguo amante suyo, Murphy, ha quedado atrapado dentro del juego intentando acceder a niveles superiores únicamente accesibles para los jugadores más expertos. Intrigada por saber dónde está, qué le ha ocurrido, y cómo son verdaderamente esos niveles superiores del juego, si es que existen, Ash se adentrará en Avalon teniendo pleno conocimiento de que si falla en su misión, puede acabar convertida en un vegetal como ya les ha sucedido a otros jugadores. Por su extraordinaria trama, la película “Avalon” se muestra como un misterioso largometraje cyberpunk de acción donde la intriga y el suspense fijan la atención del cinéfilo a la pantalla mientras impactantes escenas van sucediéndose, y teniendo siempre presente lo trágico y lo dramático como base esencial del peligro que acecha y se oculta detrás de este misterio llamado “Avalon”.

Lux Atenea 4 - 5

“Avalon” es un largometraje que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por el magnífico uso de imágenes en blanco y negro con tonalidades cálidas obtenidas utilizando un filtro ámbar, como si estuviéramos contemplado algo casi onírico y siniestro a su vez. Una atmósfera desangelada donde las personas que viven en ese mundo parecen haber perdido la esperanza en un futuro mejor, quedando los días de gloria convertidos en una realidad digital a través del juego Avalon. Un mundo apático donde el tremendo éxito de este juego en la población también encuentra acérrimos detractores, y no dudan incluso en pegar carteles en las calles alertando del peligro que este juego representa para las personas. Pero las generaciones más jóvenes ya tienen elegida su opción, que no es otra que jugar y coger más experiencia para llegar un día a ser esa figura respetada y admirada socialmente por las hazañas realizadas dentro del juego. Además, el hecho que jugadores expertos como Ash se ganen la vida con créditos Avalon convertibles en dinero en efectivo, no es más que un premonitorio avance cinematográfico de lo que pueden llegar a convertirse los videojuegos en Internet a nivel social durante este siglo XXI. “Avalon” nos ofrece ese desvelo futurista de realidad tan propio de la ciencia-ficción, y que tanto nos atrae y seduce. Todo ello sin dejar a un lado el trágico destino de “los olvidados”, también denominados como “los que no vuelven”, y que son aquellos jugadores que acaban con daños cerebrales irreversibles tras haber jugado a Avalon. Un riesgo latente cuya existencia en el mundo de ficción de esta película, quien sabe si en la realidad virtual futura que se vislumbra en el horizonte de Internet, termine convirtiéndose en algo verídico y real dentro de ese avanzado mundo tecnológico. Si a todo esto le unimos el admirable trabajo interpretativo realizado por estos actores, “Avalon” destaca de forma artística como una gran película.

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El mítico director japonés Mamoru Oshii, alejándose momentáneamente del mundo de la animación, aquí por primera vez en su carrera cinematográfica se atrevió a dirigir a actores reales. “Avalon” es una obra donde ha mimado el arte visual con mensaje simbólico, mostrándose como una hipnótica película que te embrujará, o dejarás de verla poco tiempo después de su inicio. El cine de ciencia-ficción tan innovador y con una trama tan compleja no admite medias tintas en cuanto a las impresiones que provoca en el espectador al ser visualizado y, por este motivo, como largometraje muy adelantado a su tiempo, “Avalon” es una obra que adoras y veneras, o te provoca indiferencia. Pero no se puede negar la gran belleza que irradian muchas de sus secuencias con imágenes imborrables como el espectacular ataque de Ash al helicóptero, las preciosas imágenes nocturnas de la ciudad mientras Ash va recorriendo sus calles de camino a su hogar, la encantadora presencia de la mascota de Ash (perro de la misma raza basset hound que la mascota de Mamoru Oshii), la interesante escena donde Ash comprueba que otro jugador está copiando sus tácticas y estrategias para ir completando también las misiones más difíciles del juego, o la sobrecogedora imagen de Bishop pasando entre olvidados en estado de coma sentados en sillas de ruedas. Impresiona observar el siniestro escenario de juego de las ruinas C66, el reflejo del individualismo en esta sociedad futura que se observa fielmente en los pasajeros del tranvía, la profunda soledad en la que vive Ash y que se ve muy claramente en la escena donde prepara comida cocinada por ella para su perro, la sublime belleza del área “Flak Tower22”, las impresionantes ruinas industriales D99 y la poderosa máquina de guerra ‘ciudadela’, la impactante secuencia donde Ash dispara a ghost para poder entrar en el especial A, o la siniestra escena de Ash y ghost en el auditorio.

Lux Atenea 4 - 6

Esta lujosa edición publicada por la mítica compañía Cameo Media en el año 2005, incluye un segundo DVD con extras de más de 170 minutos de duración. Vertebrado por los interesantes documentales “Making of: Días de Avalon”, “Los Efectos Especiales” y “El Cine De Mamoru Oshii”, en su atenta visualización, los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán especialmente impresionados con el contenido del documental “Making of: Días de Avalon”, al ver cómo se desarrolló la grabación de muchas de las secuencias y de las imágenes de la película. En “Avalon” destaca sobre todo la presencia del armamento militar del ejército polaco como el carro de combate T-72, el helicóptero de ataque Mil Mi-24D, o el vehículo blindado antiaéreo ZSU-23-4 Shilka, protagonistas principales en algunas de sus escenas más inolvidables. En los documentales también podrán conocer la tremenda complejidad que conlleva el rodaje en exteriores, y la influencia imprevisible del tiempo meteorológico con la posibilidad o no de grabar según el plan de trabajo, además de ver al director Mamoru Oshii con una pierna inmovilizada y en silla de ruedas tras el diagnóstico médico que lo relaciona directamente con un origen psicosomático… y otras curiosidades más. En el siguiente documental titulado “Los Efectos Especiales”, de la mano de Nobuaki Koga (supervisor de la empresa SpFX Studio), Tomohiko Shuto (empresa Omnibus Japan), Seichi Tanaka (director de imagen digital para los gráficos del juego Avalon de aspecto retro, inspirados en la nave espacial Vostok), Sato y Yamamoto (empresa Motor/lieZ encargada de los efectos especiales del tanque Ciudadela), y de Hayashi (director artístico digital), nos van explicando al detalle el laborioso trabajo que desarrollaron en esta película. Nos descubren algunos secretos tanto en la grabación previa como en la presentación final de muchas de sus escenas, revelándonos las técnicas utilizadas en las imágenes de síntesis creadas para esta obra cinematográfica, o describiéndonos cada uno de los retos técnicos a los que tuvieron que enfrentarse. Un admirable trabajo de digitalización que, teniendo en cuenta la tecnología disponible en aquella época, supieron combinar con maestría esta mezcla de ficción y de realidad virtual en 2D y 3D que perfila y define sus escenarios. Aquí quisiera destacar cómo se creó la escena donde muere uno de los personajes de la película, momento en el cual Mamoru Oshii quiso representar simbólicamente la belleza y lo efímero, o cómo se realizó el modelado y la animación de algunas armas militares que aparecen en la película, junto a deformaciones visuales temporales, efectos de bugs en el juego Avalon, el uso del equipo de digitalización Domino, el valor simbólico de la presencia del humo del cigarrillo en escenas de la película…

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A través de una innovación constante llena de talento y de riesgo, en el documental “El Cine de Mamoru Oshii: el anime espiritual” también podrán conocer la trascendencia artística y la vanguardia conceptual que este virtuoso pionero ha aportado al Séptimo Arte. Tanto en el mundo de la animación como en el universo más clásico del celuloide, verán su trayectoria cinematográfica marcada por obras de culto de indiscutible calidad como la mítica “Ghost In The Shell” (1995), “Patlabor 2” (1993), “Blood, El Último Vampiro” (2000), y “Ghost In The Shell 2: Innocence” (2004). Un mundo simbólico de gran belleza visual que se ha convertido en su particular e inconfundible sello artístico, y donde la filosofía cyberpunk dentro de la corriente No Future siempre presenta ese profundo escepticismo ante las bondades tecnológicas que parecen presentarse en nuestro futuro. Como padre del anime espiritual, la sensibilidad emotiva y la empatía que las obras de Mamoru Oshii provocan en el espectador lo han elevado hasta la sublime categoría de director de culto, y este prestigio artístico no ha supuesto cambio alguno en la evolución conceptual de sus obras, siempre punteras y reflexivas. En definitiva, una edición de auténtico lujo para engalanar esta muestra de genialidad creativa firmada por Mamoru Oshii. “Avalon”, los videojuegos como una vía de escape, como un reto vital a superar, y como un mundo virtual donde poder evadirse de la cruda realidad cotidiana que no se quiere ni admitir ni asimilar. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

AVALON 2001

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LENI RIEFENSTAHL: EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD / OLYMPIA (Triumph der Willems / Olympia)” (Reseña / Review #1733).

Reseña Cultural nº: 1733 // Reseña Media nº: 86
Reseña actualizada. Publicada el 29 de junio del año 2012 en Lux Atenea.

Director: LENI RIEFENSTAHL
Guión: LENI RIEFENSTAHL
País: ALEMANIA Año: 1935 (El Triunfo de la Voluntad) / 1938 (Olympia)
Productora: REICHSPARTEITAGSFILM (El Triunfo de la Voluntad); OLYMPIA FILM / TOBIS FILM KUNST (Olympia)
Duración aprox.: 102 minutos / 191 minutos / 81 minutos
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: Digipak 3DVD con libreto de 6 páginas, edición especial coleccionista (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: “El triunfo de la voluntad” 1935
DVD 2: “Olympia” 1938 (Olimpia: Olimpiada / Olimpia: Juventud Olímpica).
DVD 3 – EXTRAS: Día de Libertad (Tag der Freiheit) (cortometraje) // El Alquimista (documental de Xose Zapata) // Leni Riefenstahl (por Roman Gubern) // Biofilmografía Leni Riefenstahl

DVD LENI RIEFENSTAHL EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD OLYMPIA

Antes de empezar a comentar la excelsa obra cinematográfica de esta genial directora alemana e innovadora artista, quisiera dar una opinión personal y subjetiva bastante clara sobre ese intento informativo parcial y sectario que realizan algunos sobre el admirable trabajo artístico de Leni Riefenstahl (1902-2003), y donde se ha tratado de mezclar y enturbiar su magnífica obra por la relación que tuvo esta directora de cine con el gobierno nacionalsocialista alemán. Un hilo conductor que tratan de mostrar ante el público como justificación de su rechazo al Arte creado por Leni Riefenstahl, y cuya base moral y ética se apoya en el esperado rechazo de los ciudadanos ante esa unión directa del artista con sus líderes políticos. Desde mi punto de vista, esa etiqueta asignada a lo políticamente incorrecto cae por su propio peso si esas mismas personas que señalan a Leni Riefenstahl, no señalan con la misma contundencia y rechazo a otros geniales directores de cine como, por ejemplo, a Serguéi Eisenstein (con obras maestras en su haber como “El Acorazado Potemkin”, “Octubre”, “Alexander Nevsky”…) por su vinculación artística directamente relacionada con el gobierno comunista soviético, o a Elia Kazan (con obras maestras como “Un Tranvía Llamado Deseo”, “¡Viva Zapata!”, “Esplendor En La Hierba”…) por estar directamente vinculado con la caza de brujas desatada en Hollywood entre los años 1947 y 1956 por la Comisión de Actividades Antiamericanas, y donde testificaría contra otros compañeros de profesión acusados de ser comunistas. Por lo tanto, dejando la política a un lado, a los cinéfilos lectores de Lux Atenea voy a comentarles la obra artística de esta directora alemana porque tuvo una visión del Séptimo Arte muy adelantada a su tiempo. No debemos olvidar que “El Triunfo de la Voluntad” llegó a ser premiado en la Exposición Internacional de París del año 1937, por lo que sus premios y reconocimientos artísticos no tuvieron como origen solamente a Alemania y a los países occidentales afines al III Reich. De por sí, en este siglo XXI, analistas y expertos en esta materia siguen alabando las excepcionales dotes cinematográficas de Leni Riefenstahl por su sublime belleza artística, por su incomparable estilo a la hora de rodar secuencias y escenas, y por su agudeza técnica tan sobresaliente, opiniones que comparto mayormente.

“Es un prodigio que nunca más se ha repetido.”

Iniciamos este fascinante recorrido por el universo cinematográfico ideado y creado por Leni Riefenstahl con una de sus obras más carismáticas y avanzadas a su tiempo: “El Triunfo de la Voluntad”. Una excelsa obra comentada en este DVD por los expertos Ángel Luis Hueso y Xose Zapata, ofreciéndonos una opinión crítica y sincera desde una perspectiva profesional elaborada y constructiva alejada de convencionalismos y prejuicios. Un interesante recorrido cultural por esta película rodada en blanco y negro donde todo su simbolismo queda revelado punto por punto, detalle a detalle, mientras nuestra mirada queda fascinada ante la contemplación de estas muestras de genialidad artística, y con una sensación de modernidad que nos absorbe hasta establecer un contraste absoluto entre lo que estamos viendo y la consciencia de estar visualizando una obra creada hace casi ochenta años. Con una carga política en el trasfondo y en la evolución de sus imágenes muy clara, “El Triunfo de la Voluntad” se presentará ante los cinéfilos lectores de Lux Atenea tan colosal y mesiánica como Leni Riefenstahl perfiló. Una exaltación del líder cargada en elementos simbólicos que refuerzan su figura ante el pueblo, ante la nación, y ante el mundo, y donde las perspectivas y los encuadres durante su rodaje no dejarán de sorprenderles plano tras plano, mientras los comentarios en off van instruyendo en sus detalles artísticos y técnicos. En el fondo, el mayor logro alcanzado por Leni Riefenstahl en “El Triunfo de la Voluntad” ha sido crear una incomparable obra del Séptimo Arte con un nivel de calidad nunca alcanzado anteriormente, habiendo sabido perfilar gran parte de su mensaje con el espíritu schopenhaueriano en el cual esa voluntad humana está basada y fundamentada.

“Si hubiera que hacer un resumen de la estética de Riefenstahl, diría que consiguió armonizar una concepción estética neoclásica, geométrica, ordenada, equilibrada, con algunos hallazgos de la vanguardia.”

Una fusión de la imagen cinematográfica con lo filosófico que, pese a su indiscutible trasfondo político, en “El Triunfo de la Voluntad” adquiere una plasticidad y un poder visual en constante crescendo. Una intensidad audiovisual capaz de fascinar al espectador ante la presencia del sublime poder desatado, factor fundamental de esa voluntad convertida en hechos materiales y capaz de transformarlo todo en un nuevo principio de esplendor. En el fondo, Leni Riefenstahl supo convertir en subliminales imágenes el nacimiento de una supuesta nueva Edad de Oro en Europa con Alemania como punto de origen del cambio social y político, siendo la nación germana el nuevo eje de la civilización occidental donde todo quedaría orientado hacia la construcción de una nueva cultura. El tiempo y la realidad luego demostrarían el dramático futuro y la cruda realidad de esa nueva corriente política que llevaría a Occidente a una nueva guerra mundial, absolutamente devastadora para las naciones en Europa. Si hasta un político de la categoría de Winston Churchill llegó a decir en la edición de Great Contemporaries del año 1939 que “Siempre he dicho que si Gran Bretaña fuera derrotada en la guerra, espero que encontremos un Hitler que nos devuelva a nuestra posición correcta entre las naciones”, en el año 1935 cómo creen que reflejaría en imágenes a su aclamado líder esta innovadora directora de cine a la que pusieron a su disposición todos los medios económicos y técnicos que necesitara. Por ideas políticas, ningún artista que ame sus obras rechazaría esos medios casi ilimitados que darán vida a sus futuras creaciones.

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Respecto al contenido del segundo DVD de esta edición, en el que se ha incluido de nuevo las excelentes explicaciones realizadas por los expertos Ángel Luis Hueso y Xose Zapata, no comentaré nada más ya que fue analizado en la reseña que publiqué sobre su impresionante obra “Olimpiada Parte I y II” (en este DVD han sido titulados como “Olimpia: Olimpiada” y “Olimpia: Juventud Olímpica”). Por lo tanto, adentrémonos en el excepcional contenido del tercer DVD que incluye selectos e interesantes rodajes y documentales como extras. “Día de Libertad” es un cortometraje de corte militarista sobre la Wehrmacht, y donde el uso de película en blanco y negro no fue impedimento alguno para que Leni Riefenstahl, en esta moderna representación de la vida castrense, pudiera reflejar el día a día en los campamentos militares como imagen firme y organizada del carácter militar del pueblo alemán. Su banda sonora, acorde a la intensidad y a la firmeza marcial de la época, acompaña esta presentación de la vida de los soldados alemanes con absoluta naturalidad, a través de sorprendentes imágenes donde esta inteligente directora sabe utilizar la iluminación natural en exteriores y sus novedosos ángulos de enfoque como elementos clave en esta visión de la fortaleza y del poder militar de la Wehrmacht. Uno de los momentos audiovisuales más intensos de este cortometraje es la contemplación de sus exhibiciones en ejercicios realizados en eventos públicos. Su final, con una amplia demostración del poder aéreo de la Luftwaffe y del antiaéreo en manos de la Wehrmacht, no hará más que reforzar la imagen de Alemania como una moderna y poderosa potencia militar en aquella época en Europa.

“Ella fue pionera en una época pre-televisiva.”

A continuación, en el documental “El Alquimista”, será el enfoque audiovisual de Xose Zapata sobre la neutralidad española en la II Guerra Mundial, y sobre la evolución de la relación económica y política que se estableció entre Francisco Franco con el régimen nacionalsocialista alemán, los que serán descritos a través de detallados análisis históricos realizados por expertos. Un excelente trabajo documental sobre aquella etapa de nuestra historia no tan conocida a nivel público, y que será de sumo interés tanto para investigadores como para los cultos lectores de Lux Atenea interesados en ampliar sus conocimientos en este tema. En el documental sobre Leni Riefenstahl realizado por el crítico cinematográfico Román Gubern, conoceremos no solamente parte de la vida de Leni Riefenstahl en aquella época, sino también cómo era su carácter independiente y su firme personalidad. Finalmente, la biofilmografía de Leni Riefenstahl clausurará este impresionante documento artístico e informativo sobre su vida y obra, publicado por Cameo Media en el año 2006. “Leni Riefenstahl: El Triunfo de la Voluntad / Olimpia”, una edición en formato DVD de auténtico lujo para poder mostrar el talento artístico de la directora cinematográfica europea más sobresaliente en todo su esplendor. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Buscó su último paraíso en los fondos submarinos y se dedicó a realizar fotografía y cine subacuático.”

LENI RIEFENSTAHL EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD OLYMPIA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“MEPHISTO”, 1981 (Reseña / Review #1722).

Reseña Cultural nº: 1722 // Reseña Media nº: 75
Reseña actualizada. Publicada el 11 de noviembre del año 2012 en Lux Atenea.

Director: ISTVÁN SZABÓ
Guión: ISTVÁN SZABÓ
Actores principales: KLAUS MARIA BRANDAUER (Hendrik Höfgen), ILDIKÓ BÁNSÁGI (Nicoletta von Niebuhr), ROLF HOPPE (Tábornagy), KRYSTYNA JANDA (Barbara Bruckner), PETER ANDORAI (Otto Ulrichs), GYÖRGY CSERHALMI (Hans Miklas)
País: HUNGRÍA-ALEMANIA Año: 1981 Productora: OBJEKTIB STUDIO / MAFILM
Duración aprox.: 144 minutos (versión original íntegra en alemán) / 126 minutos (versión en español estrenada en salas)
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: 3DVD “ISTVÁN SZABÓ” (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “Mephisto”
EXTRAS: Trailer “The Naked Face” // Conversaciones con István Szabó y Klaus M. Brandauer // Ficha artística // Ficha técnica // Filmografías destacadas

DVD MEPHISTO 1981

“Mephisto” es el título de la película que inicia la trilogía creada por el director húngaro István Szabó sobre la ascensión y caída del Imperio Austro-húngaro. Una coproducción germanohúngara que llegó a ser premiada con prestigiosos galardones cinematográficos en el año 1981 como el premio al Mejor Guión en el Festival de Cannes y el Óscar a la Mejor Película Extranjera. Su extraordinario guión está basado en la novela homónima del escritor alemán Klaus Mann (1906-1949), obra literaria basada a su vez en la controvertida vida artística del actor y director de teatro alemán Gustaf Gründgens (1899-1963), y el ilustre director húngaro István Szabó supo reflejar con total fidelidad e intensidad emocional en la película “Mephisto”, el tenso y alterado ambiente que se pudo respirar en el mundo artístico y social a principios de la década de los treinta en Alemania. Un mensaje muy claro y directo sobre la supeditación del Arte en sus distintas vertientes al poder político cuando todo en el país ha de ser orientado al esplendor y al orgullo nacional. La evolución personal y artística de su protagonista principal, el actor Hendrik Höfgen (interpretado por el mítico actor austriaco Klaus Maria Brandauer), se transforma en la vía perfecta para mostrar esos choques frontales entre el éxito y la ética personal, entre los intereses profesionales y la conciencia interior, triunfando siempre las primeras opciones ante la irresistible atracción que ofrece el éxito al amparo del poder para un artista. Centrando la atención en esta magnífica edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Cameo Media en el año 2005, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que tengan en sus manos esta edición podrán disfrutar de la versión íntegra de este largometraje con casi veinte minutos extra que son esenciales para poder comprender su trama. No entiendo cómo pudieron cortar estas escenas en la versión oficial estrenada en las salas de cine españolas, porque su importancia es clave para que el espectador pueda entender el trasfondo y la evolución de esta historia. Como analista cultural, en muchos aspectos estas secuencias eliminadas me han recordado a otra excelsa película como “Apocalypse Now” (1979), donde la visualización de la versión Redux es fundamental respecto a la primera versión oficial que se llevó a la gran pantalla (recomiendo la lectura de la reseña que publiqué sobre el libro “Apocalypse Now, Odisea en los Territorios del Horror” de Iván Reguera).

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Iniciamos esta inolvidable aventura cinematográfica situándonos en la ciudad alemana de Hamburgo. Allí, el artista de teatro Hendrik Höfgen, actor de segundo nivel, se presenta ante el espectador como una persona cuyo ego desea engordar enormemente a través del elogio y de la fama, aunque para ello tenga que pagar un alto precio en cuanto a honestidad y sinceridad consigo mismo. Por este motivo, desde el principio de la película aparecerá como un ser desdichado y un fracasado a nivel privado, autotorturándose ante su delicada situación profesional y su precariedad económica. Hendrik Höfgen es un actor de teatro que necesita que le reafirmen con adulaciones, aunque de cara al público presente una imagen bien distinta. Sus miradas constantes ante el espejo, su clara y rotunda egolatría, ese pensar solamente en él y para él, su inseguridad que le lleva a avergonzarse de sí mismo, su narcisismo… en realidad no son más que muestras de sus pensamientos internos basados en un mundo irreal, imaginario, e idílico donde todos han de estar pendientes de él. Sus conversaciones consigo mismo frente al espejo no son más que exteriorizaciones de ese mundo interior en conflicto permanente con la realidad que le rodea. Pero Hendrik Höfgen es un inquieto apasionado del Arte, motivo por el cual dirige una compañía de teatro, recibe clases de danza que elevan sus ilusiones y estimulan sus sueños, tiene un socio a su lado en sus proyectos llamado Otto Ulrichs (actor Peter Andorai), pero con la llegada de Nicoletta von Niebuhr a la compañía de teatro (actriz Ildikó Bánsagi), su vida dará un primer giro importante. El éxito entre el público le sonríe, se enamora y se casa, pero esos aparentes días de vino y rosas terminarán cuando Hendrik Höfgen choque frontalmente con Hans Miklas (actor György Cserhalmi) por sus ideas nacionalsocialistas, con las cuales no está de acuerdo. Por ese motivo, no parará hasta echarlo de la compañía. Y también chocará con la familia burguesa de su mujer debido a que le incomoda su privilegiado estatus económico, ya que le hace sentir inferior.

Lux Atenea 4 - 5

Tras ser recomendado por su suegro y por la actriz Dora Martin, Hendrik Höfgen recibe una oferta para interpretar un papel en el Teatro Estatal de Berlín y, una vez allí, empezará con un trabajo sencillo y humilde en el escenario que le permitirá poco a poco ir creciendo profesionalmente, e ir moviéndose en círculos mucho más influyentes donde la presencia de personas poderosas afines al nacionalsocialismo será inevitable. En el Teatro Estatal de Berlín va aumentando su éxito y su protagonismo dentro de las obras que interpreta, fama que le abrirá las puertas del mundo del cine como actor haciendo papeles de soldado. Pero Hans Miklas también ha ido escalando posiciones dentro del partido dirigiendo a las juventudes nacionalsocialistas, y cuando finalmente Adolf Hitler llega al poder en Alemania, a partir de ese momento empezará un nuevo ciclo en la vida de Hendrik Höfgen que cambiará su destino radicalmente, siendo la descripción audiovisual más realista de su nueva situación el choque de opiniones y de pareceres entre él y su mujer. Ante el giro de los acontecimientos que suceden alrededor suyo, Hendrik Höfgen decide mantenerse al margen de todo. Su mujer se marcha a París con su familia, y él, que se encuentra rodando una película en la ciudad de Budapest, duda si volver a Alemania. Pero tras recibir halagos desde Berlín por parte de un Ministro/General del ejército alemán para relanzar el Teatro Nacional (papel interpretado con maestría por el actor alemán Rolf Hoppe), Hendrik Höfgen regresará al Teatro Estatal de Berlín. Con el exitoso retorno de la obra “Fausto” al teatro, entrará en el exclusivo círculo de las altas esferas de la cultura gracias a su impresionante interpretación de Mefistófeles, papel con el cual ha conquistado al Ministro/General ya que le identifica plenamente con su visión del Arte y de la Cultura alemanas. A partir de ese momento de gloria, Hendrik Höfgen no hará más que aumentar su voluble e insegura personalidad en pro de la fama, del éxito, y de la notoriedad pública que el poder político le ofrece a cambio de su arte orientado a los intereses nacionales. Y este poder político en manos del Ministro/General, no admite un ‘no’ como respuesta a sus proyectos y deseos.

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Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados con esta escenificación tan natural y creíble que Klaus Maria Brandauer nos ofrece en su extraordinaria interpretación del actor Hendrik Höfgen, dando credibilidad absoluta a este difícil personaje que es clave dentro de la trama de la película. Klaus Maria Brandauer se presenta como un actor colosal capaz de transmitir emociones con sus gestos, con su mirada, convirtiéndose en ese ser camaleónico que se transforma exteriormente en función de los acontecimientos y del carácter de las personas que le rodean. Hendrik Höfgen, confiando ciegamente en su capacidad de adaptación, cree que sus dotes de actor le sacarán siempre de cualquier situación por difícil que sea, pero la realidad siempre le acaba desbordando por no analizar en profundidad el trasfondo de la situaciones en las cuales está implicado. Además, la brillante luz del éxito que le ofrece el poder es demasiado tentadora para su ego. Un poder en manos del Ministro/General alemán cuya excelsa interpretación, a cargo del actor Rolf Hoppe, dejará profundamente impactados a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. En su magna interpretación del Ministro/General sabe cómo transmitir en la pantalla ese halo apolíneo de quien posee todo el poder, y quiere hacer realidad el ideal del Arte dirigido al pueblo alemán como sea. Por este motivo, la obra “Fausto” y la sublime interpretación de Mefistófeles a cargo de Hendrik Höfgen, terminan siendo observados por el Ministro/General como un símbolo perfecto de la nueva Alemania, del nuevo espíritu alemán, quedando tan impactado ante esa escenificación que el propio Ministro/General empezará a llamar con el nombre de Mefistófeles a Hendrik Höfgen. Pero esa fascinación y esa devoción por sus cualidades interpretativas también tendrán otra cara más obscura en la vida de Hendrik Höfgen, ya que el Ministro/General le irá marcando cada uno de los límites dentro de los cuales se podrá mover, conociendo cada detalle de su vida privada para manipularle, y orientándolo en pro de sus intereses. Una dinámica y una evolución de Hendrik Höfgen a lo largo de la película que se convierte en uno de los mayores trasfondos psicológicos que esta magna obra nos ofrece.

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En la película “Mephisto”, el arte cinematográfico del director húngaro István Szabó se presenta en uno de sus largometrajes de culto más aclamados. Hablar de István Szabó en “Mephisto” es hablar de impactantes escenas que se quedarán indeleblemente grabadas en la mente del cinéfilo. Extraordinarias escenas como cuando Hendrik Höfgen está bailando libremente mientras suena la música de can-can, cuando la marcha de la actriz Dora Martin a EE.UU lleva a un diálogo que permite al espectador comprender cómo piensa una persona pragmática y otra fantasiosa que está en su propio mundo de luces y éxito, o la escena donde podemos contemplar la camaleónica capacidad de transformación de Hendrik Höfgen en una magnífica secuencia de imágenes con personajes teatrales de todo tipo. Les impresionará ver la escena de las juventudes indicando el oficio de sus padres como reflejo del creciente éxito social del nacionalsocialismo entre el pueblo alemán, la impactante fuerza visual de la escena donde Hendrik Höfgen interpreta a Mefistófeles en la obra “Fausto” y el gesto de complicidad del guiño que le lanza al actor que interpreta a Fausto ante el clamor y la ovación desatadas entre el público, o la escena en la cual Hendrik Höfgen es llamado por el Ministro/General a su palco y el tenso cruce de miradas que se establece entre ellos, incluyendo la sorprendente imagen del palco desde la perspectiva del público asistente al teatro.

Lux Atenea 4 - 3

La belleza artística del cine también se presenta en la esplendorosa ambientación de la escena del discurso de Hendrik Höfgen presentando y comentando la estatua, en la simbólica escena de Hendrik Höfgen reunido en el despacho del Ministro donde el General está situado por encima de él como contundente imagen visual para indicar quién manda y quién obedece, o la inolvidable escena con Hendrik Höfgen en el estadio olímpico de Berlín iluminado por los focos. En definitiva, excelentes ambientaciones que combinan con maestría la intensidad cinematográfica con la fuerza de la interpretación teatral. Además, en esta magnífica edición en formato DVD, también podrán ver el interesante y reflexivo reportaje titulado “The Naked Face” (2001) donde el propio director István Szabó comenta cómo se interesó por el mundo del cine, y qué corrientes cinematográficas europeas como la Nouvelle Vague francesa o el cine italiano le atrajeron y le indicaron el camino a seguir, o cómo la política y la historia llegaron a condicionar su vida y su obra cinematográfica. Sus ideas y opiniones sobre el cine, sobre los actores, sobre las películas a nivel del espectador… pero desde un punto de vista psicológico, completan el interés informativo de este reportaje junto a las palabras de Klaus Maria Brandauer describiendo su pasado dentro del mundo del teatro en su etapa artística anterior a la película “Mephisto”, además de comentar su fugaz y desesperanzador paso por el mundo del cine cuya desilusión fue aún más profunda debido a las grandes diferencias que existen entre los actores de teatro y los actores de cine. En definitiva, estamos ante la edición más completa que se haya publicado hasta el momento de la grandiosa película “Mephisto”. “Mephisto”, cine europeo de culto firmado por uno de los directores con más talento en el siglo XX. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

MEPHISTO 1981

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.