KRISHNAMURTI “LA LIBERTAD PRIMERA Y ÚLTIMA” (Reseña #1545).

Reseña Cultural: 1545 // Reseña Literaria: 222
Reseña actualizada. Publicada el 25 de febrero del año 2009 en Lux Atenea.

Publicado por: RBA, S.A.
ISBN: 84-473-2343-9
Edición: 2002 (EDICIÓN COMPRADA)

KRISHNAMURTI - LA LIBERTAD PRIMERA Y ULTIMA

Si cuando decimos iniciar la lectura de un libro, nos encontramos de primeras con un prólogo escrito por el maestro Aldous Huxley, no se puede esperar un mejor comienzo de lectura. Si además, según van pasando las páginas nos encontramos con mensajes directos y claros en los cuales se anima al lector a huir de las fórmulas preestablecidas para poder superar obstáculos que acaban paralizando la mente, entonces estamos hablando de una obra que estimulará a aquellas personas interesadas en la superación personal y en el conocimiento de sí mismo. Y para hablar y explicar en profundidad estos complicados temas de una manera sencilla y humilde, nadie mejor que todo un experto en la materia: Krishnamurti (1895-1986). La sociedad, desde que nacemos, nos insiste machacona e incansablemente en cómo debemos pensar, en vez de preocuparse realmente en enseñarnos cómo poder pensar de la forma más natural y humilde con uno mismo, porque de la armonía interior fluirá el equilibrio con el resto de las personas y seres. En una sociedad moderna como la actual, estos valores chocan frontalmente con los fundamentos principales que dan sentido a esta sociedad materialista del sálvese quien pueda, del culto al éxito individual a cualquier precio, o del lobo glorificado por masacrar incansablemente a todas las ovejas que se cruzan a su paso.

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Indiscutiblemente, el culto lector de Lux Atenea puede pensar que el mundo en el cual vivimos es el que es, es el que nos ha tocado vivir nos guste o no, y no es de esperar grandes cambios en estos fundamentos sociales y económicos basados en la salvaje explotación de los recursos naturales por una raza humana convertida en la mayor y más despiadada depredadora de su propia especie. En un planeta Tierra cuyos recursos están decreciendo cada vez más rápido, y cuya población humana sigue en aumento imparable, o la prolongación de este sistema devastador e insostenible a largo plazo nos lleva a la destrucción casi total de nuestra civilización (por denominarlo de alguna forma), o en todos los estamentos de la sociedad habrán de integrarse mensajes de esta profundidad transformadora para poder reorientar este mundo hacia otro sistema mucho más armonioso y equilibrado, si es que todavía hay tiempo. Aquí es necesario un apunte personal: no creo en la bondad y en la buena voluntad como actitud existencial mayoritaria en el ser humano. Creo que la raza humana en su conjunto es el Mal y el dinero es su justificación perfecta para hacer todo lo que hace, convirtiéndose en su verdadero Demonio, en su verdadero Satán, en el Diablo más perfecto contra el propio ser humano. Y como la semilla del Mal está incrustada en nuestros genes desde hace milenios, nadie en nuestro mundo querrá cambiar su estatus social salvo los más desfavorecidos, y todo colapsará inexorablemente. También sé que el ser humano es impredecible y decidido, por lo que los sueños más fantasiosos puede hacerlos realidad si en algún momento se lo propone. Todo es simplemente una cuestión de voluntad pero, ¿qué pondrá en movimiento a esa voluntad de cambio en un momento tan crítico como el actual?

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En esta obra, Krishnamurti nos habla sobre cómo calmar la mente, sobre cómo controlarla como paso previo y fundamental para poder expandir la mente a la verdadera Realidad, y sobre cómo eliminar el prejuicio que siempre trata de imponerse en nuestros criterios. Nos indica cómo evitar las comparaciones preestablecidas, ya sea por lo aceptado o por lo experimentado, porque cada ser y cada momento tienen características únicas e irrepetibles. La vida está influida por el tiempo, y el tiempo no se mueve en un ciclo hacia el pasado, sino hacia el futuro. Y en un mundo en constante movimiento y cambio, es casi imposible que se repitan las mismas características con los mismos seres en otro momento. Krishnamurti nos habla de un estado mental espontáneo y trascendente en donde nuestra actitud y aptitud ante la vida se transforman en un estado de alerta pasiva y de extrema sensibilidad con todo lo que nos rodea, pero sin la perturbación de los prejuicios ni la limitación de los pensamientos duales Bueno/Malo. La esencia del libro “La Libertad Primera y Última” es aprender a escuchar, no a hablar para hincharnos de vanidad. Es empezar a andar por ese camino en el cual el cambio de estado mental será ineludible y necesario, elevando poco a poco ese plano existencial que nos permita ir descubriendo más y más claves de la vida y de la propia existencia. “La Libertad Primera y Última” es sencillamente el autoanálisis como inicio del autocontrol, y es comprender que el aislamiento suele ser un acto de alejamiento del problema, no una solución al problema. “La Libertad Primera y Última” es asimilar con total humildad que cuanto mayor es el apego que tenemos a las cosas, mayor es el sufrimiento y el miedo a perderlas.

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Esta obra son respuestas a preguntas sobre temas tan fundamentales como qué es lo que buscamos. Sobre el individuo y la sociedad, sobre el conocimiento de uno mismo, sobre la acción y la idea, las creencias, el esfuerzo, la contradicción, qué es el Yo, el miedo, la sencillez, la percepción, el deseo, la relación y el aislamiento, el pensador y el pensamiento, o si el pensamiento puede resolver nuestro problemas. “La Libertad Primera y Última” mostrará al bibliófilo lector de Lux Atenea cual es la función de la mente, el autoengaño, la actividad egocéntrica, el tiempo y la transformación, el poder y la comprensión, la crisis actual, si se necesitan instructores espirituales, el Conocimiento, la disciplina, la soledad, el sufrimiento, la vida de relación, la guerra, el temor, el tedio y el interés, el odio, la murmuración y la crítica. Además de la creencia en Dios, aborda temas como la memoria, la oración y la meditación, la mente consciente e inconsciente, el problema sexual, el amor, la muerte, el tiempo, y las acciones sin ideas. “La Libertad Primera y Última” nos describe el trasfondo existencial de lo viejo y lo nuevo, el nombrar, lo conocido y lo desconocido, la verdad y la mentira, la comprensión instantánea, la simplicidad, la superficialidad y la trivialidad, la serenidad de la mente, el sentido de la vida, la confusión de la mente, la transformación… en resumidas cuentas, al reseñar la obra de Krishnamurti “La Libertad Primera y Última”, analizo y describo el contenido de uno de los libros que más me ha hecho pensar en los últimos años y, obviamente, que más veces he releído, consultado, y que volveré a releer para asimilar su Sabiduría. “La Libertad Primera y Última”, estas páginas serán perfectamente entendidas tras la experiencia personal del lector. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

KRISHNAMURTI LA LIBERTAD PRIMERA Y ULTIMA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PHRAGMENTS “ANTHEMS OF SOLITUDE” (CONSTRUCT.DESTROY.COLLECTIVE, 2020) (Reseña / Review #1544).

Reseña Cultural nº: 1544 // Reseña Musical nº: 1297

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Quiero dar las gracias al genial artista eslovaco MATEJ GYARFAS (PHRAGMENTS) por su cortesía al enviarme este promocional físico firmado y dedicado.

Edición reseñada: Ecopak CD de seis paneles, edición limitada de 111 unidades numeradas, edición firmada y dedicada (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Hollow // 2- Consequence // 3- Frontiers Of Hope // 4- An Ode To Our Times
Datos técnicos: Temas musicales grabados por Phragments entre los años 2017 y 2020; mezclado y masterizado por Simon Heath
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Hollow // 2- Consequence // 4- An Ode To Our Times

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Desde el año 2005, el genial artista eslovaco Matej Gyarfas, alma máter de Phragments, está revolucionando la escena dark ambient en sus bases conceptuales con la incorporación de elementos sonoros propios del industrial, del ritual ambient, de la electrónica experimental, hasta llevar a sus composiciones a nuevas fronteras musicales de carácter innovador. A finales del mes de diciembre del año 2020, presentó su álbum más reciente titulado “Anthems Of Solitude”, teniendo a la introspección, al individualismo, y a la soledad como fuentes de inspiración de estos cuatro temas, habiendo sido grabados entre los años 2017 y 2020 debido a su estilo de composición tan meticuloso, y barroco por su poso existencial. El álbum “Anthems Of Solitude” ha sido publicado en esta edición limitada de 111 unidades numeradas en ecopak CD de seis paneles por el sello discográfico Construct.Destroy.Collective, estando disponible también en formato digital a través de la página oficial de Phragments en Bandcamp, junto a algunas unidades en formato físico. El álbum “Anthems Of Solitude” ha sido engalanado con este elegante diseño creado por Nenad Branković, reflejando de forma sublime esa dualidad de la existencia a través del equilibrio visual entre la luz y la obscuridad. Vertebrado por cuatro temas musicales que han sido mezclados y masterizados por Simon Heath, alma máter de Atrium Carceri, su audición impresionará a los melómanos lectores de Lux Atenea por este exquisito uso del drone y de elementos sonoros propios del industrial, quedando fundidos con maestría en cada una de estas composiciones poseedoras de esa esencia del dark ambient, del industrial, y de la música electrónica experimental que tanto nos atrae y fascina. “Anthems Of Solitude” es perfecto para describir con el lenguaje musical, el trasfondo metafísico latente en las manifestaciones de soledad, de aislamiento social decidido libremente por una persona, de desencanto por la vida, de individualismo por inadaptación, y de búsqueda en el presente de ese sentido trascendente que pueda responder a preguntas existenciales clave para poder entender este mundo.

dedicatoria PHRAGMENTS - ANTHEMS OF SOLITUDE CD

Iniciamos la audición de esta magna obra entrando directamente en la caída al abismo del primer tema “Hollow”, hasta llegar a este siniestro entorno donde musicalmente el drone es esencial para dar cuerpo a esta atmósfera sonora propia del dark-ambient. Según va evolucionando esta composición, elementos musicales propios del industrial irán apareciendo con su metálica sonoridad y agudas frecuencias para convertir este escenario en algo inquietante y peligroso para la propia existencia. Como trasfondo filosófico, “Hollow” proyecta nihilismo extremo, pérdida de contacto con el suelo, obscura acritud espiritual, sobre todo en la parte central de la composición al aparecer estos planos musicales del ritual ambient de aura chamánica. Luego, retornaremos a la dinámica sonora inicial pero más vibrante y afilada, quedando los ecos como reveladores de esta inmensidad espacial que petrifica al alma, volviéndose todo colosal, extremo, y mucho más cercano al melómano hasta el final del tema. A continuación, “Consequence” aparecerá atronador, sonoramente invasivo, condicionando este entorno con su maléfica presencia. Sus actos irán manifestándose a lo largo del tiempo de forma implacable e inmutable, provocando desazón, debilidad, y fragilidad en quienes queden atrapados en su interior confiados en su elección aparentemente correcta. Ese exceso de confianza late en el tema “Consequence” como presagio de lo ya sentenciado, y las energías desatadas no serán nada positivas.

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Todo lo contrario al tema “Frontiers Of Hope” cargado de planos sonoros de trasfondo esperanzador, de luminosidad propia, pero hay que tener mucho cuidado con estas manifestaciones porque la esperanza puede llevar a la desesperanza, y la ilusión, a la desilusión. “Frontiers Of Hope” recrea ese impasse espiritual donde se espera una salida mientras todo fluye lentamente, muy lentamente, hasta casi dejar de percibir acción o cambio alguno. Poniendo el punto y final a este grandioso álbum aparecerá el impresionante tema “An Ode To Our Times” con su magnificencia sonora, ofreciéndonos este espectáculo musical de lo inconmensurable que irá abriendo el horizonte más y más hasta perderse en lo infinito. “An Ode To Our Times” es siniestro en su definición sonora, pero bellamente sublime debido al hieratismo que provoca en el melómano, sobre todo si escucha este tema con auriculares en soledad mirando el cielo nocturno. Toda una experiencia. “Anthems Of Solitude”, desde Bratislava (Eslovaquia), vanguardia musical de primer nivel dentro de la escena dark ambient más innovadora en la actualidad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

PHRAGMENTS ANTHEMS OF SOLITUDE

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LO QUE DIJO HARRIET”, BERYL BAINBRIDGE (Reseña #1543).

Reseña Cultural: 1543 // Reseña Literaria: 221
Reseña actualizada. Publicada el 10 de mayo del año 2015 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a la editorial IMPEDIMENTA por su cortesía al enviarme este promocional físico.
Publicado por: EDITORIAL IMPEDIMENTA
ISBN: 84-15979-55-5
Edición: Enero 2015 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 240

lo que dijo Harriet impedimenta

Presentado el pasado mes de enero con este elegante y espectacular diseño que da ese toque visual aristocrático y vintage, la cubierta de esta edición impresionará a los bibliófilos lectores de Lux Atenea por el hipnotismo de la imagen de su portada y por el irresistible tacto de su sobrecubierta. Una cualidad de esta cuidada impresión a través de la cual la editorial madrileña Impedimenta viene embelleciendo sus libros, hasta convertir el tacto de sus cubiertas y sobrecubiertas en uno de los más fetichistas que hay actualmente dentro el mundo editorial español. Arte y sensibilidad llevados al universo cultural de la edición literaria en papel, y cuya magia visual y táctil nunca podrán transmitir las ediciones digitales por muy espectaculares que puedan llegar a ser sus diseños en pantalla. La editorial Impedimenta conoce muy bien lo que verdaderamente le atrae al buen lector y, en la obra “Lo Que Dijo Harriet”, además ha atesorado en sus páginas interiores esta joya literaria firmada por Beryl Bainbridge (1932 – 2010), considerada muy acertadamente por los expertos como una de las escritoras más brillantes del siglo XX dentro de la literatura inglesa. Tanta relevancia tuvo su augusta obra artística que, un año después de su fallecimiento, en el año 2011 se creó un premio literario en su honor. Como muestra clara de ese talento artístico tan fascinante, en la obra “Lo Que Dijo Harriet”, los cultos lectores podrán comprobar y sentir ese hechizo en la narrativa que es propia de Beryl Bainbridge, y con un trasfondo emocionalmente ácido y transgresor en su temática que fue toda una provocación artística en una época en el Reino Unido marcada por el conservadurismo en la ética y en la moral social. “Lo Que Dijo Harriet” son páginas que cautivan, hechos que hechizan la mente del lector, y personajes que terminan siendo inolvidables por su perfilamiento psicológico tan preciso e inestablemente real. Un amplio arco de personajes que, tanto los principales como los secundarios, dan vida y realismo a esta historia de ficción que llega a parecer una biografía por sus revelaciones personales en clave femenina.

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Tras mi lectura y análisis, lo primero que me ha sorprendido en la historia narrada en este libro es que no existe una línea moral ni ética, ni se juzga a sus protagonistas a pesar de sus actitudes y pensamientos movidos únicamente para dar satisfacción a sus egos, siendo siempre ocultados bajo una apariencia de fragilidad o de una actitud inocente. En la obra “Lo Que Dijo Harriet”, la mentira se convierte en el velo que oculta la auténtica realidad de estos personajes inmersos en tremendas tensiones internas donde la insatisfacción es crónica y, en muchos casos, los vicios y la transgresión no son más que el reflejo de la pérdida del timón que dirige el destino de la propia vida. En el caso en particular de la protagonista principal de la obra, de nombre desconocido, en estas páginas del libro nos narra con sumo detalle y claridad ese periodo estival vivido en un verano marcado finalmente por la tragedia, y como sorprendente colofón de unas ansias de experiencias en la vida entremezcladas peligrosamente con los coqueteos amorosos y con unos pensamientos nacidos dentro de los límites mentales de la fantasía, haciéndola perder el contacto con la realidad. Si a ello le unimos su controvertida y dominante amiga Harriet, cuyo lema existencial es que todo es válido para conseguir lo que se desea, por caprichoso que ello pueda llegar a ser, el ocultamiento y el secreto acaban siendo la norma y el sello de su complicidad. Poniendo en ese mismo escenario a la inestable familia de Harriet que les hace ser incapaces de controlarla, a un vecino de la localidad insatisfactoriamente casado en pro de la estabilidad material y absolutamente desorientado en su presente en busca de una juventud perdida que no recuperará nunca, y a unos padres de nuestra protagonista que no logran ni siquiera percibir la verdadera personalidad de su hija, la inteligente trama del libro “Lo Que Dijo Harriet” cautivará a los bibliófilos lectores de Lux Atenea por su trasfondo psicológico y humano de carácter intemporal. Una trama muy cruda por su esencia malévola, e inquietantemente siniestra por su densidad emocional y sentimental que terminará tiñéndose con el color rojo de la tragedia. Pasiones truncadas por el peligroso juego de los intereses individuales movidos por el egoísmo que pone en manos del acto dramático, su repentina y sorpresiva resolución, dejando al lector completamente helado por la acción mortal de la sinrazón que lo envuelve. Una delicatessen literaria que, partiendo de la luz, su trama se vuelve tan obscura como lo inequívocamente humano. “Lo Que Dijo Harriet”, cuando la literatura del siglo XX es capaz de fascinar al lector del siglo XXI por su inteligente trama psicológica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

LO QUE DIJO HARRIET - BERYL BAINBRIDGE

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

GENESIS P-ORRIDGE & DAVE BALL “IMAGINING OCTOBER” (COLD SPRING RECORDS, 2022) (Reseña / Review #1542).

Reseña Cultural nº: 1542 // Reseña Musical nº: 1296

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico COLD SPRING RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Imagining October I // 2- Imagining October II // 3- Imagining October III // 4- Imagining October IV
Datos técnicos: Álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical de vanguardia

GENESIS P-ORRIDGE & DAVE BALL IMAGINING OCTOBER pic1

Por su carácter innovador, transgresor, y reivindicativo a través de la obra, el legado artístico de Genesis P-Orridge (1950-2020) sigue plenamente vigente en la actualidad con la publicación de joyas discográficas como “Imagining October”. Presentado oficialmente en este mes de mayo en formato digital a través del prestigioso sello discográfico británico Cold Spring Records, su lujosa edición en LP 12” con imagen grabada en la cara B del vinilo se encuentra actualmente en pre-pedido en la página oficial de Cold Spring Records en Bandcamp, teniendo previsto su envío a finales del próximo mes de septiembre. Engalanada su portada con estas imágenes del cortometraje homónimo dirigido por Derek Jarman en el año 1984, el trasfondo del mensaje contenido en los temas del álbum “Imagining October” renace en esta década del siglo XXI tan convulsa y agitada socialmente, y donde la decadencia de la posmodernidad y la creciente influencia de las corrientes de la Singularidad futura vuelven a poner encima de la mesa conflictos sociales en Occidente. A nivel sonoro, el maestro Martin Bowes en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido) ha vuelto a abrillantar un álbum musical hasta hacerlo artísticamente deslumbrante, teniendo en cuenta que estos temas aparecieron en la primera mitad de la década de los ochenta. La nitidez de su audición fascinará a los melómanos amantes de la vanguardia, al igual que estos espacios sonoros y estas dimensiones espaciales que te sumergen en entornos cargados de tensión, de desasosiego, de esperanzas rotas y desánimo.

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Vertebrado por cuatro composiciones creadas por Genesis P-Orridge y Dave Ball, artista sobradamente conocido por los melómanos lectores de Lux Atenea como co-fundador del dúo británico Soft Cell junto a Marc Almond, aquí se adentran en definiciones conceptuales eclécticas bajo la influencia de estilos como la electrónica experimental, ambient, industrial, minimal, además del uso de drones a la hora de crear estas lánguidas atmósferas sonoras. Grabado en el mítico estudio londinense DJM Studios, donde también grabaron sus álbumes Dr. Feelgood, The Tourists, Japan, The Rubettes, Elvis Costello, el grupo musical español Asfalto… en este año 2022, el álbum “Imagining October” sigue sonando a vanguardia. Esta es la grandeza conceptual alcanzada por Genesis P-Orridge y Dave Ball para poner banda sonora al cortometraje homónimo de Derek Jarman (1942-1994), artista reivindicativo de la presencia queer en el cine y que, en “Imagining October”, rompía esa visión dual del Telón de Acero opresivo y Occidente liberal, cuando el colectivo queer se encontraba sometido a fuertes presiones gubernamentales y sociales en Reino Unido. Para Derek Jarman, no existía esa frontera porque la persecución era prácticamente la misma en ambos lados. Los prejuicios y el rechazo social eran evidentes, y Derek Jarman utilizaba al arte como vía de exposición y de denuncia de esa situación injusta. El cortometraje “Imagining October”, al igual que el resto de la obra cinematográfica de Derek Jarman, muestra lo que la sociedad no desea ver, lo políticamente incorrecto, lo que ética y moralmente rechazan algunas corrientes religiosas, de ahí la firme y decida colaboración de dos legendarios artistas como Genesis P-Orridge y Dave Ball para reforzar ese mensaje de denuncia social a través del lenguaje musical. Debido a la relevancia artística y reivindicativa contenida en las obras de Derek Jarman, en España, en el año 2020, el Museo Reina Sofía y la Filmoteca Española unieron su sinergías en pro del Arte con una retrospectiva audiovisual dedicada a Derek Jarman, celebrándose del día 3 de noviembre al 28 de diciembre de ese mismo año. Derek Jarman, Genesis P-Orridge, Dave Ball, siguen brillando artísticamente como vanguardia adelantada a su tiempo.

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Iniciamos la audición de este impactante álbum adentrándonos en el tema “Imagining October I”, emanando de esta atmósfera sonora una solemnidad que incita a la apertura mental, al hieratismo existencial a través de la mirada reflexiva de lo observado, transformándose lo nebuloso en la cortina psíquica a cruzar. Con los fugaces destellos de iridiscencias apareciendo para mostrar aquello que va más allá de lo cotidiano, de lo previsto, de lo obvio, el minimalismo musical queda decorado con planos sonoros ambient y experimentales hasta llevarnos a otra perspectiva vital que no deja de brillar. Desembocando en el tema “Imagining October II”, la evolución sonora quedará condicionada por planos musicales ambient, post-industriales, experimentales, e industriales, volviéndose todo más denso, pesado, lánguido, y habiendo desaparecido completamente las iridiscencias del tema anterior. Un arco sonoro e instrumental que va a fluir a oleadas, emanando este poso dramático que quedará potenciado con la aparición de esta voz clásica del bel canto. Una obscuridad creciente donde el registro de voz grave se transforma en el eje de toda la estructura musical, centrando la atención del melómano lector de Lux Atenea durante su audición. Derivando hacia un estilo puramente experimental que se situará en la frontera con el noise, este sonido agudo que se perpetuará en el tiempo hasta el final del tema se convierte en el antagonista sonoro perfecto de la voz clásica masculina anterior.

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En “Imagining October III” volverán las voces clásicas fluyendo desde la lejanía, pero distorsionadas y saturadas en su nivel sonoro, creando una atmósfera de tensión y de dramatismo que conmueve y paraliza. Sutiles pinceladas musicales post-industriales en su trasfondo darán esta creatividad sonora de vanguardia, agudizando la atenta audición de esta composición. Clausurando este álbum tan innovador, el tema “Imagining October IV” cambiará completamente la configuración musical hasta ahora disfrutada, sumergiéndonos en este minimalismo instrumental donde hasta el eco queda amortiguado sonoramente. Todo en “Imagining October IV” es drástico, cortante, colosal, e inmisericorde, y esta percusión que suena a patíbulo acentuará la siniestra atmósfera que se respira. Con los planos musicales experimentales vibrando intensamente en la parte final de esta composición, todo queda desangelado y sin alma en este epílogo cargado de desilusión y de añoranza por lo que pudo ser y no fue. Al final de esta audición, una frialdad emocional dejará al melómano completamente paralizado durante unos minutos hasta retornar a su vida cotidiana que, durante un tiempo, no verá con los mismos ojos. “Imagining October”, sin duda alguna, quedarán profundamente impresionados con esta banda sonora compuesta por Genesis P-Orridge y Dave Ball para el cortometraje homónimo dirigido por Derek Jarman en el año 1984. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

GENESIS P-ORRIDGE & DAVE BALL IMAGINING OCTOBER

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PREGUNTAS A UN MAESTRO ZEN”, TAISEN DESHIMARU (Reseña #1541).

Reseña Cultural: 1541 // Reseña Literaria: 220
Reseña actualizada. Publicada en el año 2006 en Lux Atenea.

Publicado por : RBA
ISBN : 84-473-2335-8
Edición : 2002 (EDICIÓN COMPRADA)

PREGUNTAS A UN MAESTRO ZEN TAISEN DESHIMARU

Es probable que algunos bibliófilos lectores de Lux Atenea no conozcan al maestro Taisen Deshimaru e, incluso, que ni siquiera les suene su nombre, pero este maestro zen es una de las personas que más ha influido en la evolución filosófica del zen en Japón, y que más ha contribuido a la expansión del zen en Europa. 1914 fue el año de nacimiento del maestro Taisen Deshimaru y, ya desde muy pequeño, su vida estuvo orientada a la practica y al estudio del zen en su tierra natal, Japón. Durante la Segunda Guerra Mundial fue enviado a Indonesia y, tras el final de esa contienda bélica tan brutal y devastadora, decidió fundar el Instituto Cultural Asiático que se convertiría en la semilla de su futuro proyecto: establecer un dōjō zen en Europa. En el año 1967, el maestro Taisen Deshimaru llega a la ciudad de París con ese objetivo, y sus esfuerzos se verán recompensados en 1975 al conseguir su dōjō el rango de Templo Zen. Pero ese crecimiento no quedaría ahí parado, sino que continuaría con esa dinámica de expansión europea al llegar el número de sus dōjō en Occidente a superar la cifra del centenar. Con tales méritos en su haber, los cargos de responsabilidad llegarán en la misma proporción de los reconocimientos a su labor realizada, llegando incluso a alcanzar la presidencia de la Federación Budista Japonesa. Por lo tanto, el autor de este libro no es ningún neófito o neogurú dentro del mundo del zen, siendo una de las personas más importantes que hayan aparecido dentro del Budismo Zen en los últimos cien años. “Preguntas a un maestro zen”, como su propio nombre indica, es un libro vertebrado por una serie de preguntas y respuestas con el objetivo de hacer comprensible esta filosofía de vida, ya que el Budismo Zen es muy conceptual y la explicación de esos conceptos, fruto de la experiencia de los grandes maestros a lo largo de los siglos, se convierte en la pieza fundamental para la formación de la persona interesada en su inmersión dentro de esta perspectiva religiosa y existencial. Por este motivo, el valor que los maestros zen dan a la palabra es crucial, ya que estas son las encargadas de la transmisión del Conocimiento. Ellas son las encargadas de llevar el mensaje que propiciará el cambio en quien lo recibe, y un mal uso del lenguaje no supondrá otra cosa que la imposibilidad de llevar a buen término la transformación interior del individuo. En una estructura para el aprendizaje así definida, las reuniones y las conferencias ofrecidas por los maestros zen se hacen necesarias, imprescindibles, y “Preguntas a un maestro zen” es la selección de preguntas y respuestas más interesantes e importantes aparecidas durante doce años de su vida. Esas respuestas se convierten en Conocimiento adaptado a nuestra indómita racionalidad, y estos son algunos ejemplos de esas lecciones filosóficas a nivel conceptual y trascendente:

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– “Lo material es la tesis, lo espiritual la antítesis. El Zen, la vía de en medio, es la síntesis.”
– “El objeto de la fe es diferente para cada persona. Cada uno debe conocer por sí mismo el objeto de su fe.”
– “Los religiosos pueden acompañarnos al borde del río, pero no pueden beber por vosotros ni obligaros a beber.”
– “Sólo el silencio es vuestro verdadero origen.”
– “Los animales viven el verdadero Zen. Y puesto que los animales son así, el hombre debe progresar con relación a ellos.”
– “En nuestros días solamente se educa el intelecto, y no al individuo en cuanto tal.”
– “Ser diferente a los demás significa también soledad.”
– “La civilización moderna es egoísta. Los hombres son desgraciados.”
– “Yo no soy los demás y los demás no son yo.”
– “No debo seguir a los demás. Debo decidir por mí mismo.”
– “Uno no puede mentirse a sí mismo.”
– “No vale la pena confesarse a los demás. Hay que confesarse a sí mismo. Esta es la confesión más alta.”
– “Todo el mundo habla demasiado. El silencio es un buen karma.”
– “-Hay que actuar así, hay que actuar asá,…-; esto crea límites.”
– “La verdadera libertad se encuentra en el interior del espíritu. Algunas personas parecen objetivamente libres, pero subjetivamente no lo son.”

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“Preguntas a un maestro zen”, la retórica y la armonía como claves del mensaje existencial y espiritual del Budismo Zen. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

PREGUNTAS A UN MAESTRO ZEN - TAISEN DESHIMARU

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ORD “WITHERED BONES” (ZOHARUM, 2022) (Reseña / Review #1540).

Reseña Cultural nº: 1540 // Reseña Musical nº: 1295

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco ZOHARUM por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Ecopak CD (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Withered Bones Ground Into Ash // 2- Scattered to the Wind // 3- Mixed By Rain With Earth // 4- For New Life // 5- To Be Risen
Datos técnicos: Temas musicales grabados en los meses de otoño e invierno del año 2020 por Elena Popova en el Centro Musical Yunost (Voronezh, Rusia), y en su estructura musical definitiva durante el verano del año 2021 en estudio; composiciones mezcladas y masterizadas por Andrey Volkov
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena ritual ambient

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“Withered Bones” es el título del nuevo álbum de ritual ambient compuesto por el genial artista ruso Alexey Shipilov aka Ord Err, alma máter de ORD y propietario del sello discográfico Status Prod., habiendo configurado estos espectaculares escenarios sonoros bajo la influencia filosófica de la meditación oriental y del Budismo tibetano. Presentado oficialmente a finales del pasado mes de enero a través del prestigioso sello discográfico polaco Zoharum, “Withered Bones” ha sido publicado en formato digital y en esta edición limitada de 300 unidades en ecopak CD, quedando engalanado con este diseño mortuorio creado por el propio artista Ord Err donde la imagen de portada refleja esa perspectiva existencial del tempus fugit como paso obligado hacia lo ultraterreno donde se dirige el alma. A nivel musical, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con la audición de estos cinco temas que vertebran el álbum, tras haber sido mezclados y masterizados por Andrey Volkov con un equilibrio sonoro y un dimensionamiento espacial que facilitan la inmersión en este entorno ritual y mágico. Unos temas musicales que fueron grabados en los meses de otoño e invierno del año 2020 por Elena Popova en el Centro Musical Yunost (Voronezh, Rusia), para ser luego perfilados sonoramente en su estructura musical definitiva en estudio durante el verano del año 2021. Dentro de la escena ritual ambient actual, el álbum “Withered Bones” destaca como una de las obras maestras más importantes que se hayan publicado debido a su fundamento místico y filosófico, proyectándose cada uno de estos temas con esa aura de corte chamánico que caracteriza al budismo tibetano, también llamado budismo tántrico, al incorporar al budismo ese lado mágico, trascendente, y supraterrenal heredado en parte de la cultura bön originaria del Tíbet. Esas raíces ancestrales quedan recreadas en estos temas musicales gracias al talento artístico de Ord Err a la hora de definir sonoramente estas composiciones con el uso de instrumentos musicales tradicionales como el cuenco tibetano, campanas, flautas, y diferentes sonidos de percusión. La inmersión mental del melómano en estos escenarios de corte sacro es absoluta, convirtiendo a “Withered Bones” en una puerta sonora abierta a ese otro mundo al cual tarde o temprano nos dirigiremos.

ORD - WITHERED BONES pic2

Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra adentrándonos en el inframundo recreado en el tema “Withered Bones Ground Into Ash”, adquiriendo estas tonalidades sonoras del dark ambient que resultan perfectas para volver opaca a esta atmósfera, y difusa ante la visión de lo post-mortem. Con chirriantes trasfondos que se vuelven más y más espeluznantes, será la entrada de los instrumentos tradicionales lo que hará mutar a esta composición hacia cromatismos sonoros propios del ritual ambient, reafirmándose esa proyección artística cuando suenen estas campanas. Posteriormente, en el tema “Scattered to the Wind”, lo fugaz y lo perecedero de la vida carnal irán diluyéndose definitivamente en el tiempo hasta no quedar nada. A través de la recreación musical con iridiscentes planos instrumentales, todo lo importante que el individuo pueda haber valorado en vida, aquí queda anulado, disuelto en el tiempo, borrado hasta en la memoria cuando el alma queda liberada del cuerpo. En este sentido, la recreación musical en “Scattered to the Wind” es impresionante, y dejará hechizado a más de un melómano amante de estas corrientes sonoras de vanguardia, invitándole a varias audiciones más antes de continuar con el siguiente tema. Luego, la composición “Mixed By Rain With Earth” reflejará ese ciclo de la vida, de la carne, y de la materia donde todo vuelve a su esencia primigenia. Con catorce minutos de duración, “Mixed By Rain With Earth” es el tema de este álbum que más se proyecta en el tiempo, apareciendo el sonido de la lluvia desde su inicio como elemento purificador, como dador de vida, mientras las campanas suenan a un nivel superior para desencadenar esas energías sagradas que rigen la vida y la muerte en este mundo. La atmósfera de “Mixed By Rain With Earth” es solemne, respirándose el olor salvífico de lo suprahumano manifestándose a través de la alquimia espiritual, mientras lo tenebroso comienza a aparecer en el horizonte como obscura confirmación del final. “Mixed By Rain With Earth” sobrecoge, sobre todo en cuanto aparece la melódica presencia sonora de la flauta para revelar lo trascendente, ya que el ciclo de la vida y la muerte es imparable en este universo.

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Dentro de un estilo musical más ritual y chamánico surgirá el tema “For New Life” para irradiar la energía del renacimiento, esa evolución espiritual donde el alma por fin va acercándose a su verdadero mundo. La lluvia seguirá estando presente, pero esta atmósfera es ceremonial, mágica, y luminosa, quedando el rito como apertura a una nueva realidad completamente opuesta a las motivaciones y a las dinámicas vitales de nuestro mundo. “For New Life” es embriagador, hierático por la parálisis que provoca en el melómano al llevarle a la reflexión contemplativa, y, desde esa perspectiva, observar cómo una parte de la verdad existencial va revelándose. Desembocando en el tema de clausura titulado “To Be Risen”, instrumentalmente, será el arpa de boca lo que transmita la consolidación de lo trascendente, la creciente intensidad de la luz sagrada que ilumina para revelar, siendo estas vibraciones las que abran ese otro escenario espiritual en el cual el alma seguirá su rumbo de purificación. “To Be Risen” tiene una personalidad musical predominantemente tribal, étnica, transformando al ritual ambient en una visión de lo metafísico y de ese otro lado a donde se llega en lo post-mortem. “To Be Risen” transmite esa calma y esa armonía capaces de estimular a nuestra alma. “Withered Bones”, desde Rusia, esta obra maestra dentro de la escena ritual ambient les fascinará por la belleza instrumental y el trasfondo conceptual que presentan estas composiciones musicales. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

ORD - WITHERED BONES ZOHARUM 2022

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“DHAMMAPADA. LA ENSEÑANZA DE BUDA” (Reseña #1539).

Reseña Cultural: 1539 // Reseña Literaria: 219
Reseña actualizada. Publicada el 20 de noviembre del año 2006 en Lux Atenea.

Publicado por : RBA
ISBN : 84-473-2338-2
Edición : 2002 (EDICIÓN COMPRADA)

DHAMMAPADA LA ENSEÑANZA DE BUDA libro

Hablar del “Dhammapada” es hablar de uno de los libros sagrados más importantes del budismo, y es hablar de uno de sus pilares de Conocimiento más importantes. El Dhammapada, el camino del Dhamma, porque ‘pada’, en sánscrito es ‘camino o sendero’, y ‘dhamma’ deriva de la raíz verbal ‘dhri’ y significa ‘creencia recta, doctrina, verdad’. El dhamma, todo ser humano tiene unos deberes, una integración en su ser del Conocimiento de la Verdad que ha de llevarle a la iluminación, porque el budismo, no lo olvidemos, es sobre todo una ética humana, una moralidad elevada, y una vía espiritual serena y profunda cuyo objetivo final es la liberación del sufrimiento, dolor, o Dukkha. Por este motivo, para el bibliófilo lector de Lux Atenea, el Dhammapada se convierte en una fuente de ese Conocimiento que es fundamental para alcanzar ese estado de gracia divina, el anhelado Nirvana. Atrás quedará el karma, la ley de causa-efecto que afecta a la vida de las personas de forma crítica y determinante. Atrás quedará el doloroso ciclo de reencarnaciones con sus procesos de nacimiento y renacimiento, y una vida condicionada por actos erróneos cometidos en el pasado tanto en ésta como en otra vida. De esta forma, el pasado ignominioso pasa factura en el presente, pero también en manos de ese mismo ser estará el acto de corregir y de cambiar ese condicionamiento a través de unas pautas de comportamiento correctas. He aquí la importancia del Dhammapada, porque una gran parte de las claves para conseguir ese cambio están contenidas en sus versos. El Dhammapada es una recopilación de las lecciones que Buddha Shidharta Gautama dejó como legado en la India, un legado transmitido de forma oral por sus fieles seguidores durante siglos hasta que, en el siglo III a. de C., éstas fueron reunidas y escritas en un solo libro. Así surgió el Dhammapada, quedando vertebrado por cuatrocientas veintitrés estrofas mayoritariamente compuestas por dos versos, y divididas en los siguientes veintiséis capítulos:

Lux Atenea 4 - 2

Versos Gemelos – El Estado de Alerta y Vigilancia – La Mente – Las Flores – El Necio – El Pandit (Sabio) – El Arhant (Honesto) – Los Miles – El Mal – La Violencia – La Vejez – Uno Mismo – El Mundo – El Buddha – La Felicidad – Lo Querido – La Ira – La Impureza – El Estar dentro del Dharma – El Camino – Temas Diversos – El Mundo del Sufrimiento – El Elefante – La Sed – El Bhikkhu (Monje) – El Brahmán (Noble).

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El Dhammapada son lecciones fundamentales para poder recorrer la senda de la perfección con vitalidad y energía, pero el Dhamma es responsabilidad y Vinaya, la disciplina. El Dhammapada es renuncia con convicción tras haber sido engañados por la materia y por la Razón, además de ser fortaleza inmutable ante la adversidad. También es sintonía con la divinidad hasta que materia, espacio, sentimientos, tiempo, e impulsos queden atrás como pruebas superadas de carácter trascendente. El Dhammapada es vivir con un único objetivo: la liberación definitiva para alcanzar la armonía eterna. Además, esta lujosa edición ha sido complementada con un amplio estudio de esta doctrina titulado “Principales Conceptos Buddhistas”, el cual incluye cuarenta y seis referencias esenciales para poder comprender los términos más importantes mencionados dentro de las obras sagradas del Budismo, y también “Principales Conceptos Buddhistas” es una excelente guía donde las explicaciones se desarrollan de manera sencilla y transparente. Los cultos lectores de Lux Atenea que decidan adentrarse en este mundo espiritual resaltarán este apartado como una de sus fuentes de referencia a la hora de resolver las cuestiones que, inevitablemente, aparecerán durante su búsqueda de Conocimiento. En el Dhammapada, la persona con ganas de seguir este camino de aprendizaje encontrará esa Sabiduría tan preciada, una Sabiduría que exige un esfuerzo y una lucha constante contra los fantasmas de la mente, porque es en nuestra mente donde se encuentran nuestros padeceres, nuestras falsas ilusiones, nuestras pasiones y apetencias. Quien no tenga esta perspectiva existencial como ser humano, seguirá comportándose en esta vida como un insensato y sus insensateces le seguirán trayendo nuevos sufrimientos hasta que ‘sus ojos vean la realidad’. El Dharma es toda una filosofía de vida, un comportamiento no violento basado en la ética y moralidad enseñada por Buddha. Un camino religioso alejado de una fe que no se siente ni se entiende, y de unos ritos y ceremonias que no sirven nada más que para desviar a las personas por caminos sin principio ni fin alguno. El Budismo es conducta, una conducta sabia, armoniosa, e iluminada por la divinidad. Budismo es pureza interior, es luz. “Dhammapada. La enseñanza de Buda”, una obra maestra llena de Belleza, Conocimiento, y Sabiduría para poder alcanzar la divina armonía. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

DHAMMAPADA LA ENSEÑANZA DE BUDA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

BILLY IDOL “THE ROAD SIDE – EP” (DARK HORSE RECORDS, 2021) (Reseña / Review #1538).

Reseña Cultural nº: 1538 // Reseña Musical nº: 1294

Edición reseñada: Ecopak CD Maxi con libreto de 8 páginas, y vinilo EP 12” con cubierta para el disco de vinilo (EDICIONES COMPRADAS)
Tracklist: 1- Rita Hayworth // 2- Bitter Taste // 3- U Don’t Have To Kiss Me Like That // 4- Baby Put Your Clothes Back On
Datos técnicos: Temas mezclados por Mark Rankin; álbum masterizado por Gavin Lurssen, y masterizado por Chris Bellman para esta edición discográfica en vinilo
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Bitter Taste // 4- Baby Put Your Clothes Back On

Billy Idol The Road Side vinyl cover

Presentado oficialmente a mediados del mes de septiembre del pasado año 2021 a través del mítico sello discográfico estadounidense Dark Horse Records, “The Road Side” ha sido publicado en este precioso ecopak CD, en este espectacular vinilo EP 12”, y en vinilo azul EP 12”. Habiendo sido engalanado con este elegante diseño creado por Shepard Fairey en Studio Number One (Los Ángeles, California) donde queda resaltada esta impactante fotografía de Billy Idol en blanco y negro realizada por el talentoso artista Michael Muller, destaca especialmente por esta dura mirada al pasado y por el mensaje metafórico que transmite el tormentoso camino recorrido representado en esta carretera bajo el cielo nublado. Una imagen que atraerá la mirada del melómano lector de Lux Atenea, sobre todo, por la empatía emocional que puede generar en el interior del melómano con más de medio siglo a sus espaldas, y tras todos los sinsabores existenciales y todos problemas vividos y sufridos en esta vida que muchas veces parece la tortuosa condena que Tánatos hizo cumplir a Sísifo en el inframundo. En el fondo, la vida siempre es eso… problemas, problemas, problemas, y más problemas, y cuando superamos uno de ellos, al poco tiempo aparecerá otro problema de donde menos lo pudiéramos imaginar, y vuelta a empezar. Toda esta visión existencial de la vida ha quedado concentrada en esta imagen de portada inmortalizada por Michael Muller, y observarla en esta edición en vinilo 12” es espectacular y para enmarcarla. “The Road Side” es eso mismo, la amarga esencia de la vida, y cuando una persona destaca por su experiencia y por la Sabiduría contenida en sus palabras, no duden un segundo que cada lección que aprendió fue a través del error cometido, de la confianza traicionada, de los padecimientos físicos a superar, de las envidias y de las argucias urdidas a sus espaldas por otras personas deseosas de verle padecer y caer, de las pasiones superadas con sacrificio, y de todo lo importante que se fue perdiendo inexorablemente a lo largo del tiempo porque la vida humana siempre es la pérdida, se elija lo que se elija. Según pasa el tiempo, la persona con inquietudes trascendentales va viendo que cada vez van quedando menos cartas existenciales en su mano que le unan a este mundo, y esa visión de la vida ha quedado reflejada en esta magnífica fotografía de Billy Idol tomada por Michael Muller para embellecer la portada de este extraordinario EP.

Billy Idol The Road Side EP vinyl

A nivel sonoro, tras el equilibrado proceso de mezcla realizado por Mark Rankin en cada uno de estos temas, el EP “The Road Side” nos presenta esta magnífica dimensión musical gracias al trabajo técnico de masterización de Gavin Lurssen tras haber pasado por sus expertas manos, destacando especialmente la armonizada masterización de Chris Bellman que ha definido sonoramente esta lujosa edición discográfica en vinilo rica en matices. Los melómanos lectores de Lux Atenea que deseen disfrutar el EP “The Road Side” en su plenitud sonora, sin duda, habrán de elegir esta preciosa edición en disco de vinilo de 12” porque es aquí donde cada uno de estos temas alcanza su perfección sonora y su máximo realismo instrumental y vocal. ¡¡¡Este vinilo suena espectacular!!! En este grandioso EP, tanto Billy Idol como el guitarrista Steve Stevens vuelven a demostrar su incombustible talento artístico, habiendo contado con la colaboración profesional de músicos como Zelma Davis (coros en los temas “Rita Hayworth”, “Bitter Taste” y “Baby Put Your Clothes Back On”), Blair Sinta (baterísta en “Rita Hayworth”), y Butch Walker (batería, guitarras, bajo, coros, teclados, percusión, y programaciones), además de Grant Michaels (“Rita Hayworth”), Sam Hollander (“Rita Hayworth”), Joe Janiak (“Bitter Taste”), y Tommy English (“Bitter Taste”) en la composición de estos temas. Una asociación artística y creativa de primer nivel que se nota en cuanto a brillantez en la interpretación y en su definición musical, perfilando sonoramente este mosaico artístico tan fluido donde mensaje y recreación musical son perfectamente integrados para deslumbrar al melómano. Fiel a su talentoso estilo, Billy Idol sigue demostrando en cada nuevo tema que presenta que su embrujo musical sigue siendo radiante, emanando estos claroscuros existenciales que te seducen melódicamente, y cuya interpretación lírica te hace empatizar con estos sentimientos profundos como solamente Billy Idol es capaz de describirnos con su voz. Llevo disfrutando su arte interpretativo desde mediados de la década de los ochenta porque nada más publicarse “Vital Idol” (1985), fue uno de los primeros vinilos que compré. Pero, de hace unos años, su voz se ha vuelto más crooner y con este inconfundible tono de voz grave que transmite esencia de vida, como si fuera un cantante de Rhythm & Blues con décadas de experiencia sobre el escenario, mostrando siempre su alma artística en cada nueva actuación para alcanzar esa catarsis y ese ritual sonoro con el público. Llevado al universo musical del rock, con esta contundencia artística se presenta Billy Idol en su nuevo EP “The Road Side”.

Billy Idol The Road Side EP CD

Depositamos este disco de vinilo con suavidad en el giradiscos, ponemos la aguja en el comienzo del surco de su cara A, y, cuanto el vinilo empieza a girar, con una furia sonora brutal aparecerá el tema “Rita Hayworth”, descorriendo el telón del mundo del espectáculo para mostrar su verdadero rostro. Mentiras, retórica edulcorada con malévolas intenciones, inocencias engañadas con falsas promesas, el destello del éxito para deslumbrar a quien lo desea, depredadores deseosos de devorar a quienes quieren la fama… todo en “Rita Hayworth” se muestra líricamente con crudeza, quedando la furiosa guitarra eléctrica de Steve Stevens como recreación melódica de esta trituradora de carne humana siempre deseosa de mostrar el estrellato artístico como cebo para incautos e incautas. A continuación, esta obra maestra titulada “Bitter Taste” nos llevará a momentos de reflexión de poso amargo. En la lírica de la canción “Bitter Taste” se ven esas pinceladas existenciales autobiográficas mostradas sin filtro alguno (sobre todo en ‘broken leg, born again’), creando un collage de duras experiencias vividas que terminan configurando un pasado que destila belleza, pero esa belleza siniestra donde se tiene la sensación de estar bajo la atenta mirada de la Muerte. La vida asumiendo la repentina aparición de la Muerte, la vida como un tortuoso calvario donde puntualmente parece cambiar el destino a mejor, la vida como un cielo permanentemente cubierto por nubes tormentosas y que a veces unos rayos de luz logran atravesarlas tras abrirse un hueco, la vida como un camino marcado por una cola de tareas de problemas que nunca se acaban, pero se sigue adelante hasta el último aliento. Así se presentará la canción “Bitter Taste” a los melómanos lectores de Lux Atenea. Con diferencia, “Bitter Taste” es el tema musical que más veces he escuchado desde que fuera presentado su videoclip en el canal oficial de Billy Idol en Youtube. Cuando lo vi, el contador de visualizaciones no llegaba a los mil y, en la actualidad, ya ha sobrepasado los tres millones de visualizaciones. Nada más verlo, no dudé un segundo en hacer seguimiento de su publicación discográfica, y estas dos ediciones en ecopak CD y en vinilo de 12” son auténticas joyas musicales para mí. “Bitter Taste” es más que una canción. “Bitter Taste” es la realidad humana llevada a su trasfondo existencial más puro, y esta esencia emana a través de la voz de Billy Idol con la credibilidad de quien ha vivido, de quien ha sufrido, y de quien sigue adelante porque nada es gratis en este mundo, nada se regala, nada se obtiene sin esfuerzo, y porque el dolor te hace valorar las cosas. Estas lecciones de vida y de superación personal quedan reflejadas en cada nota, en cada palabra, en cada emotiva melodía de esta canción. ¡¡¡“Bitter Taste”, una de las mejores canciones de Billy Idol!!!

Lux Atenea 4 - 4

Posteriormente, las pulsantes programaciones de Butch Walker en el tema “U Don’t Have To Kiss Me Like That” nos sumergirán en esas situaciones subidas de tono que han caracterizado a algunos míticos temas de Billy Idol. En el caso de “U Don’t Have To Kiss Me Like That”, lo carnal vuelve a hacer aflorar los instintos en busca de ese ansiado placer, y donde nada ni nadie importa salvo ese momento a disfrutar. Una canción musicalmente intensa donde los coros de Zelma Davis son omnipresentes por su selénica esencia embriagadora, y con la guitarra de Steve Stevens impulsando toda estructura musical hacia el exceso, hacia la ígnea calidez del deseo desatado. Aquí la voz de Billy Idol se transforma en la obsesión de quien lo quiere ahora, ya mismo. Un carpe diem carnal sin cadenas mentales que lo atenacen. Todo lo contrario a la magnífica canción “Baby Put Your Clothes Back On” donde el deseo de no dañar a otra persona a la que desea, a la que se quiere, lleva a cortar ese vínculo emocional sabiendo que no conducirá a nada bueno en el futuro, sobre todo en relación a la otra persona. Una lírica que destila autoconocimiento personal, que refleja hartazgo de provocar dolor aunque las intenciones fueran buenas, y que reafirma el convencimiento en la amargura existencial interior que tarde o temprano se desatará, provocando dolor en la otra persona. Melódicamente, “Baby Put Your Clothes Back On” es impresionante y, a nivel lírico, solamente de la fuente de la experiencia vital más amarga pueden salir estas palabras cargadas de resignación y de mirada cansada. Donde unos ojos quedaron hechizados al contemplar los signos de la experiencia en la vida enfrente suya, mirando a esos mismos ojos, la otra persona vio aquellas ilusiones y esperanzas que le impulsaban a vivir en el pasado y que esta vida acabó quemando, negándose a seguir dando continuidad a ese camino de perdición marcado por las desilusiones, el dolor, la amargura sentimental, el desasosiego, y la misantropía. “The Road Side”, por su calidad musical es imprescindible la audición de este extraordinario EP en su edición discográfica en vinilo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

BILLY IDOL THE ROAD SIDE EP DARK HORSE RECORDS

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“MISHIMA O EL PLACER DE MORIR”, JUAN ANTONIO VALLEJO-NÁGERA (Reseña #1537).

Reseña Cultural: 1537 // Reseña Literaria: 218
Reseña actualizada. Publicada el 25 de noviembre del año 2015 en Lux Atenea conmemorando el 90º aniversario del nacimiento del maestro literario japonés YUKIO MISHIMA, KIMITAKE HIRAOKA (14 de enero de 1925 – 25 de noviembre de 1970).

Publicado por: EDITORIAL PLANETA, S.A.
ISBN: 84-320-4312-5
Edición: 1985 (segunda edición) (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 212

Mishima o el placer de morir vallejo-nágera

Conmemorar el 90º aniversario del nacimiento del genio de la literatura japonesa Yukio Mishima en el mismo día de su muerte, refleja simbólicamente el cierre de ese círculo existencial que movió a lo largo de toda su vida a este escritor único e irrepetible. De ahí que haya seleccionado el excelso libro “Mishima o el placer de morir” del doctor Juan Antonio Vallejo-Nágera, psiquiatra, como obra literaria perfecta para ser reseñada dentro de esta perspectiva relacionada con la vida y con la muerte ritual llevada a cabo por el propio Mishima mediante el tradicional seppuku (hara-kiri) hace cuarenta y cinco años. En este libro, los bibliófilos lectores de Lux Atenea podrán adentrarse en su enigmática y atrayente vida en clave cultural, literaria, y existencial tras haber sido analizada psicológicamente con profundidad y rigor por este prestigioso doctor que, de forma privilegiada, pudo contar en aquella época con el beneplácito de la viuda de Mishima, Yoko Sugiyama, para dar este trasfondo lo más objetivo posible sobre la vida y sobre los pensamientos reales que movieron a este genio literario a lo largo de su vida. Las lecturas y relecturas del libro “Mishima o el placer de morir”, publicado por la prestigiosa editorial Planeta a principios de la década de los ochenta, ha venido acompañándome desde entonces cada vez que he leído (o releído) una obra escrita por Mishima, y como paso previo ineludible para situarme en ese punto intelectual y emocional que resulta indispensable para poder comprender el auténtico mensaje contenido en sus libros. Y es que las obras de Mishima, como radiantes frutos culturales creados por esta mente superdotada para el universo literario japonés, en realidad ocultan un mensaje existencial que va mucho más allá de la belleza estética de su lírica, del perfilamiento de sus personajes, o de la propia trama de la historia. Claroscuros existenciales donde indeleblemente se entremezclaron en su personalidad adulta tanto el sentimiento de inferioridad, que siempre le acompañó desde edad temprana en cuanto tomó contacto con la sociedad y con el mundo, como la insatisfacción existencial crónica agudizada año tras año por la desconexión empática con el resto de la humanidad, y que fue incrementándose constantemente con el paso del tiempo. Si a ello le unimos el código de honor tradicional en la cultura japonesa (no hay que olvidar que Yukio Mishima fue educado dentro de un sistema basado en el culto al Emperador), y al hecho de que fuera rechazado por el ejército japonés como kamikaze en la Segunda Guerra Mundial por sus problemas físicos (de ahí su culto al cuerpo años después), la muerte ritual con honor siempre estuvo acompañándole a partir de entonces.

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Hablar de Yukio Mishima es hablar del mayor genio literario japonés del siglo XX sin ningún género de duda, siendo incluso reafirmado en tan eminente posición por otro gran maestro de la literatura nipona como Yasunari Kawabata (1899-1972), galardonado con el premio Nobel en el año 1968. Pero no hay que olvidar nunca que hablar de Mishima es hablar de un ser humano con un coeficiente intelectual de tal nivel que esa misma cualidad le acabaría condenando inexorablemente a la inadaptación social. Aunque en su edad adulta, encumbrado por el éxito literario, llegara a practicar un exhibicionismo narcisista un tanto extremo incluso para nuestra época, y que vemos más bien como algo propio de una persona grotesca y extrovertida, una cosa fue su imagen pública y otra la auténtica realidad mental que se ocultaba celosamente en su interior. De por sí, tanto cuidó el hecho de no mostrar esa trágica y triste realidad interior que organizó una fúnebre y siniestra exposición abierta al público sobre su vida y obra días antes de su suicidio ritual, rodó también una película muy explícita sobre el ritual del seppuku (“El Rito de Amor y de Muerte”), escribió obras con cierta insistencia sobre personajes que ejecutaban su propia muerte a través del hara-kiri, y nadie sospechó que Mishima acabaría teniendo una muerte ritual que ya llevaba tiempo anunciando. Ni siquiera su propia esposa Yoko llegó a imaginar algo al respecto. De ahí que muchos aspectos de su vida y de su pensamiento sean observados y analizados desde un punto de vista occidental como algo incongruente, inexplicable, o simplista, cuando, en realidad, desde una perspectiva enraizada en el tradicionalismo japonés basado en el honor y en las relaciones sociales concebidas para evitar la vergüenza del prójimo, la muerte ritual sea observada con admiración y respeto como método para recuperar el honor, para demostrar fidelidad hasta sus últimas consecuencias, para limpiar lo vergonzoso, o para denunciar lo injusto.

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El seppuku puede parecer un acto un tanto extremo en Occidente debido a nuestras raíces culturales actuales predominantemente cristianas, y con una ciudadanía que valora la vida de las personas encima de todo. Pero ese mismo acto de autosacrificio sería entendido perfectamente por otras culturas pre-cristianas europeas precisamente por su trasfondo ético relacionado con el honor y con la fidelidad. En el caso en particular del seppuku llevado a cabo por este genio literario, qué honor y/o qué fidelidad fue rota para llevarle a tomar esa firme decisión. A la hora de analizar la intencionalidad en Yukio Mishima, ese punto trágico y crítico ha de ser visto como su momento final que deseó con la intención de desatar una serie de cambios en la sociedad japonesa que llevaran a un retorno al tradicionalismo a partir de entonces. Después de la Segunda Guerra Mundial, Japón fue reconstruido cimentando su sociedad con nuevos pilares éticos y morales relacionados con la modernidad y con la sociedad de consumo, convirtiéndose el abandono del culto al Emperador en la piedra maestra de la nueva ciudadanía japonesa. Una ruptura definitiva con la tradición dentro de su sociedad que, iniciada en la era Meiji a finales del siglo XIX con la pérdida histórica y cultural del legado samurái debido el pujante poder de la industrialización que trajo la modernidad consigo (a los cultos lectores de Lux Atenea les recomiendo la lectura de la reseña que publiqué sobre la película “El Último Samurái”), ese ciclo de transformación social y cultural sería finalmente completado nada más terminar la Segunda Guerra Mundial con la pérdida de la deidad del Emperador. Una situación que Yukio Mishima siempre se negó a acertar.

Lux Atenea 4 - 4

Quedarnos con una visión política como esencia humana de Mishima sería demasiado simplista y errónea, aunque verdaderamente existieran y acabaran llevándole hasta su propia muerte ritual. Personalmente, a Mishima siempre lo valoraré artísticamente como el más excelso, elegante, y refinado escritor de la literatura japonesa del siglo XX. Leer y releer sus obras siempre es sinónimo de disfrute emocional a través de la sensibilidad y de la armonía. Los inolvidables personajes a los que dio vida, y que muchas veces reflejaban caracteres de su propia personalidad, destilan siempre esa esencia humana que tan difícil es encontrarla en las obras literarias de otros autores. Su fascinante interioridad psicológica, propia del alma radiante en busca de la plenitud más allá de lo material, personifica al Ideal en su grado más puro y espiritual. He aquí su grandeza artística. Pero nunca hay que confundir a este escritor en su faceta pública, con la persona solitaria que siempre se sintió al margen de la sociedad y de las personas. En el fondo, la vida de Mishima estuvo marcada por fuertes contrastes que no te dejan indiferente. Ya sea por su tímida sensibilidad o por su otra cara narcisista, ya sea por su vida pública extrovertida reflejada en los medios de comunicación o por su soledad extrema bañada en angustia existencial, o ya sea por su ideología política o por su excelso talento para la literatura y el teatro, de lo que nunca se podrá acusar a Mishima es de no haber sido fiel a su Ideal hasta el final. Por este motivo, nadie mejor que el doctor Vallejo-Nágera para mostrarnos ese lado humano que unió a este genio literario con lo divino partiendo de una realidad terrenal, habiendo entendido perfectamente tanto el espíritu japonés como el occidental a través de sus raíces culturales. Sin duda alguna, el trasfondo espiritual de su obra será sentido por los futuros lectores en todo el mundo por los siglos de los siglos. “Mishima o el placer de morir”, la mejor biografía en clave psicológica que se haya escrito sobre este admirado genio literario japonés. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

MISHIMA O EL PLACER DE MORIR JUAN ANTONIO VALLEJO-NÁGERA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SONIC YOUTH “IN/OUT/IN” (THREE LOBED RECORDINGS, 2022) (Reseña / Review #1536).

Reseña Cultural nº: 1536 // Reseña Musical nº: 1293

Quiero dar las gracias a RIOT ACT MEDIA por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Basement Contender // 2- In & Out // 3- Machine // 4- Social Static // 5- Out & In
Datos técnicos: Álbum masterizado por Carl Saff
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Basement Contender // 2- In & Out // 3- Machine // 5- Out & In

SONIC YOUTH - IN OUT IN pic1

Desde 1981 hasta 2011, año de su disolución, el grupo neoyorkino Sonic Youth estuvo revolucionando la escena indie rock a nivel conceptual con nuevas estructuras musicales más cercanas a la escena experimental en cuanto a perspectiva sonora, moviéndose casi siempre como pioneros dentro del panorama non-mainstream. Personalmente, a mediados de la década de los ochenta fue cuando conocí la música de Sonic Youth y, desde entonces, no he dejado de seguir disfrutando sus temas hasta la actualidad. Además, tanto en la década de los ochenta como en los noventa, dentro del circuito madrileño de gothic clubs nunca entendí por qué incluían a Sonic Youth en muchos de los flyers cuando en la gran mayoría de esas fiestas nunca sonaban sus canciones en pista. No sé, debía ser un gran reclamo musical. Cuando empecé mi labor cultural como DJ a finales de los noventa, no dudé un segundo en incluir temas de Sonic Youth en mis sesiones musicales y con un gran éxito entre el público porque esta banda estadounidense tiene canciones muy obscuras. Por supuesto, los puristas góticos de turno ponían el grito en el cielo por incluir estos temas ya que para ellos lo gótico solamente es música+vestimenta, sobre todo lo segundo, y jamás entenderán que lo gótico es una perspectiva, una visión existencial de la vida, y la siniestra belleza musical de Sonic Youth siempre me ha parecido perfecta como reflejo de esta forma de ver el mundo, la sociedad, y el sentido de la propia existencia en este inhóspito entorno. Sonic Youth estuvo treinta años en la vanguardia y, en este álbum recopilatorio titulado “In/Out/In”, los melómanos lectores de Lux Atenea podrán comprobar cómo es un ejemplo claro y contundente de su talento musical en sus últimos diez años de transgresión sonora. “In/Out/In” fue presentado oficialmente a mediados del pasado mes de marzo a través del prestigioso sello discográfico estadounidense Three Lobed Recordings, habiendo sido publicado en formato digital, en cassette, en CD, en una edición limitada de 3000 unidades en vinilo color granate LP 12”, en una edición limitada de 500 unidades en vinilo plateado LP 12”, además de estar ya disponible en pre-pedido para la nueva edición en vinilo negro LP 12” cuya entrega está prevista para finales del próximo mes de junio. Engalanado con esta impactante imagen de portada diseñada por Darryl Norsen, en algunas ediciones discográficas anteriormente citadas la portada varía en cuanto al color de impresión, reflejando visualmente esta magia de Sonic Youth en la composición de forma simbólica con estas líneas sinuosas que fluyen como olas, además de atraer nuestra mirada con esta estética tan urbana y underground. En cuanto al registro sonoro de este álbum, el trabajo técnico de masterización realizado por Carl Saff es admirable al convertir su audición en toda una experiencia para los amantes de la música de vanguardia y experimental.

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A nivel conceptual, “In/Out/In” es un álbum recopilatorio que rompe cualquier esquema o idea musical preconcebida respecto a la esencia conceptual que tienen algunos melómanos sobre Sonic Youth, moviéndose en terrenos sonoros experimentales cuya frontera con el noise queda muy difusa. “In/Out/In” es transgresor y muy provocativo en relación con la profundidad del mensaje que fundamenta cada uno de estos temas, llevándonos a la reflexión y a la contemplación de lo siniestro como vía de revelación existencial. Sonic Youth tuvo varias formaciones a lo largo de su carrera musical, estando formado por Kim Gordon, Thurston Moore y Lee Ranaldo desde sus inicios hasta 2011, y a los cuales se unió el baterista Steve Shelley en 1985 y Mark Ibold en 2006. En el caso de Jim O’Rourke, estuvo en Sonic Youth desde 1999 hasta el año 2005, motivo por el cual, participó en la composición de los dos últimos temas de este álbum, “Social Static” y “Out & In”. Los otros tres temas que vertebran este álbum fueron compuestos por Kim Gordon, Lee Ranaldo, Steve Shelley y Thurston Moore. “Social Static” y “Out & In” fueron grabados en el año 2000, “Basement Contender” y “Machine” en 2008, “In & Out” en 2010, y este largo periodo de tiempo de creación musical nos ofrece una mirada sonora amplia y profunda sobre este sentimiento creativo tan pasional desarrollado por Sonic Youth, siempre al margen de modas y de tendencias musicales de éxito. Dentro de la escena indie, Sonic Youth grabó los temas que quiso, compuso aquello que les hacía sentir vivos como artistas, y un hecho al margen de la música como la separación de Kim Gordon y Thurston Moore fue lo que llevó a esta banda neoyorkina a su desaparición. Personalmente, entiendo perfectamente esa circunstancia y los efectos que provoca porque esa terrible experiencia la tuve cuando fui editor de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD (1999-2002). Sé lo que suponen esas situaciones tan cargadas de desasosiego y tensión a la hora de crear y de materializar ideas que hagan perdurar un proyecto. En el fondo, ese es el lado obscuro del amor, erigiéndose absolutamente siniestro e implacable en nuestra vida cuando se termina.

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Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra sumergiéndonos en la esencia musical de “Basement Contender” con este regusto melódico inicial del tema tocado en ensayo. Luego seremos mecidos entre vaivenes instrumentales donde la batería es clave en la orquestación de este mosaico melódico, resplandeciente y vivo desde el comienzo, y que irá desplegándose en intensidad sin perder su cohesión, ya de por sí alterada en su dimensión musical donde cada instrumento es melódicamente libre, salvo la batería. “Basement Contender” es luminoso como un atardecer de verano, quedando sus notas musicales flotando en el aire para perfumarlo e invitarnos a la desconexión mental, enfocando nuestros pensamientos en la belleza de esta composición. Un hedonismo melódico que encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea por su embriaguez y por su vigorosidad vital, sobre todo en su parte final. A continuación, el tema homónimo del álbum aparecerá vibrante y pulsante, mientras el entorno se va obscureciendo poco a poco hasta hacerse más selénico en su reflejo artístico. “In & Out” te impulsa, te incita a la aventura en busca de esa novedad que motive, que apasione, mientras el mundo sigue girando alrededor de su alocado y vacío eje existencial. Un magnífico tema para disfrutar en la noche y en soledad observando las luces de neón que iluminan las calles de la ciudad, dando un paseo por las distintas manifestaciones humanas que pueblan la noche, ya sean positivas o no tanto, como si la urbe no descansara nunca. “In & Out” también tiene ese punto iniciático, trascendente por su capacidad para revelar, estableciendo esa conexión espiritual donde el lenguaje musical es ideal para poder describirlo a través de emociones y de sentimientos. En cambio, el tema “Machine” es mucho más potente, arrojando su contundencia instrumental desde el comienzo para deslumbrar al melómano afín a la escena indie. Con guitarras eléctricas que desgarran con sus afiladas descargas sonoras, y esta contundente batería convertida en metódico director de este teatro de la imaginación humana, “Machine” impresiona por el talento interpretativo que Sonic Youth desarrolla a lo largo de toda esta composición, siempre en constante evolución y transformación. ¡¡¡“Machine”, esencia conceptual de Sonic Youth!!!

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Posteriormente, será en el tema “Social Static” donde lo experimental va a alcanzar su manifestación musical más sorprendente a lo largo de estos once minutos, mutando conceptualmente de los ciclos industriales y de sus ambientaciones metálicas hasta los chirriantes registros sonoros del noise, presentando un escenario opresivo y estresante como percepción distópica del ser humano presente y futuro. “Social Static” perfectamente podía incluirse dentro de los márgenes del dark ambient en algunos momentos, o dentro de la escena industrial por este entorno degradado y deshumanizado que recrea, y, en su parte final, hasta dentro de la escena experimental más trasgresora por estos cromatismos sonoros tan innovadores. Sin duda, “Social Static” es el tema que más les impactará durante esta audición. Finalmente, la clausura de este EP llegará con el grandioso tema “Out & In”, decadente y depresivo en su inicio hasta casi la languidez existencial más absoluta gracias a estas guitarras cercanas sonoramente a lo decrépito. En “Out & In”, estas dos guitarras eléctricas toman el peso instrumental de toda esta estructura como si fueran dos potentes columnas melódicas, sólidamente plantadas para sostener toda la tensión y toda la fiereza musical que irá desplegándose. Tras este valle sonoro, las guitarras eléctricas se volverán cortantes y muy agudas en sus registros sonoros hasta convertirse en este incontrolable torbellino instrumental que arrasa todo a su paso. Será aquí donde la batería y el bajo tomen el control musical de este tema, adquiriendo este acelerado ritmo donde las guitarras eléctricas van creando este caleidoscopio noise en donde entraremos para nuestra perdición, derivando luego hacia el indie rock en su epílogo artístico. “In/Out/In”, el talento creativo y el virtuosismo interpretativo de Sonic Youth concentrados musicalmente en este EP. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

SONIC YOUTH IN OUT IN THREE LOBED RECORDINGS

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.