“HEAT”, 1995 (Reseña / Review #1751).

Reseña Cultural nº: 1751 // Reseña Media nº: 104
Reseña actualizada. Publicada el 15 de febrero del año 2013 en Lux Atenea.

Director: MICHAEL MANN
Guión: MICHAEL MANN
Actores principales: ROBERT DE NIRO (Neil McCauley), AL PACINO (Vincent Hanna), VAL KILMER (Chris Shiherlis), JON VOIGHT (Nate), TOM SIZEMORE (Michael Cheritto), WILLIAM FICHTNER (Roger Van Zant), DENNIS HAYSBERT (Donald Breedan), KEVIN GAGE (Waingro), NATALIE PORTMAN (Lauren Gustafson)
País: EE.UU Año: 1995 Productora: WARNER BROS / REGENCY ENTERPRISES
Duración aprox.: 164 minutos
Publicado en España por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A.
Año: 2005 Formato: 2DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: Película “HEAT” // Comentario del escritor/productor/director Michael Mann // 3 trailers cinematográficos
DVD 2: 11 escenas suprimidas // Documental “La realización de Heat” // Documental “Regreso a la escena del crimen”, visita a los exteriores reales del rodaje en Los Ángeles 10 años después // Documental “Al Pacino y Robert De Niro”, anatomía del enfrentamiento

DVD Heat 1995 Michael Mann

Una de las obras maestras dentro del cine policiaco de acción e intriga es “Heat”. Un thriller del año 1995 donde lo dramático y lo extremo fue concebido y rodado en bellas e inolvidables imágenes por uno de los mayores talentos artísticos del cine moderno: el director estadounidense Michael Mann. “Heat” es un largometraje espectacular donde no solamente es magnífico su guión, sino también la fascinación que provocan sus tomas rodadas, encumbrando el excelente trabajo de Dante Spinotti como director de fotografía que queda resaltado también en algunos apartados como las secuencias en exteriores o la iluminación. Si a toda esta grandeza artística añadimos este selecto reparto con actores de primer nivel, es lógico e inevitable que surgiera esta magia audiovisual en la gran pantalla llamada “Heat” tras quedar orquestados por la inspirada perspectiva cinematográfica del director Michael Mann. A los cinéfilos lectores de Lux Atenea les resultará difícil encontrar un reparto de este nivel en una sola película, integrándose todos de forma fluída y creíble en este largometraje de acción. En “Heat” también disfrutarán contemplando el arte interpretativo de otros actores de renombre, ya sea con la jovencísima actriz Natalie Portman en el papel de Lauren Gustafson, con el actor William Fichtner interpretando al turbio hombre de negocios Roger Van Zant, o con la impactante y salvaje presencia de dos carismáticos actores como Kevin Gage personificando al sádico asesino Waingro y al actor Danny Trejo en el papel del delincuente común también llamado Trejo. A ellos se une el mítico y siempre convincente actor Jon Voight en el papel de Nate (personaje encargado de realizar trabajos de información y contactos dentro del oscuro mundo de la delincuencia), el actor secundario Tom Sizemore que es todo un lujo como atracador de vida aparentemente familiar llamado Michael Cheritto, o con el actor Val Kilmer en una de sus mejores interpretaciones cinematográficas haciendo el papel del atracador profesional Chris Shiherlis, un ludópata que todo lo que gana con los atracos se lo gasta en apuestas, motivo por lo cual la relación con su mujer está en un punto límite. Pero, en “Heat”, ver el espectacular porte que presenta el actor Val Kilmer en esta película, trajeado, con su pelo rubio recogido atrás con una coleta, con las manos enfundadas en guantes negros mientras corre y dispara su fusil de asalto detrás de los vehículos en uno de los atracos, son imágenes que se quedarán grabadas en la mente del cinéfilo. Sin duda, una de las mejores interpretaciones en la carrera artística de Val Kilmer, y esta escena es un claro ejemplo del virtuosismo y del estilo inconfundible del Michael Mann como director. ¡¡¡Grandioso!!!

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La mítica película “Heat” destaca, sobre todo, por la deslumbrante reunión de los actores Al Pacino y Robert De Niro como auténticos colosos dentro del Séptimo Arte. Al Pacino interpreta con maestría al detective Vincent Hanna, un policía con la mentalidad de un paciente cazador siempre alerta. Antiguo marine que terminó trabajando para el Departamento de Narcóticos, como teniente especializado en robos y homicidios destaca por ser un inteligente analista. Incansable y muy efectivo en su trabajo, sus éxitos profesionales es la otra cara de su desastrosa vida personal tras haberse divorciado en dos ocasiones. En cambio, Robert De Niro en el papel de Neil McCauley, experto atracador y líder de la banda, es todo lo contrario. Sin vida personal más allá de fugaces escarceos, el solitario Neil McCauley es un exconvicto al que le gusta planear atracos con sumo detalle para que su efectividad sea casi absoluta. Muy directo en sus planteamientos y firme en sus decisiones, Neil McCauley es un atracador frío, calculador, duro, meticuloso, muy profesional, y al cual no le gusta correr ningún riesgo. El destino terminará cruzando la vida de estos dos personajes en un espectacular enfrentamiento como si de una partida de ajedrez se tratara. Neil McCauley organiza una banda de atracadores moderna, profesional, bien armada, y muy bien preparada que se vale de inteligentes acciones y artimañas para escapar de la policía. Tras el éxito del atraco al furgón al comienzo de la película (1.600.000 dólares en títulos), cuando intentan liquidar a uno de la banda (Waingro) por haber usado su arma con demasiada ligereza e irresponsabilidad, éste logra escapar. Intentando vender esos títulos a su antiguo propietario, el empresario Roger Van Zant (actor William Fichtner) toma la decisión de eliminarlos por cuestión de prestigio y de respeto. Pero también la policía ha empezado a investigar a otro miembro de la banda, Michael Cheritto (actor Tom Sizemore), y todo el grupo empieza a estar bajo vigilancia sin que la policía sepa realmente el trasfondo de todo lo que se traen entre manos. Cuando Waingro y el empresario Roger Van Zant se alían, esta trama se empezará a complicar. Uno de los mayores atractivos que tiene esta película es ver cómo se entremezclan las vidas y las pasiones personales de cada uno de sus personajes en relación a sus trabajos, presentando unas vidas privadas complejas, difíciles, insatisfactorias, y muy complicadas.

“Tengo que aferrarme a mi angustia. La conservo porque la necesito. Me mantiene fuerte, alerta.”

El cine, por encima de todo, es Belleza y Arte representadas en imágenes y en escenas, y, como analista cultural, el arte de Michael Mann me encanta precisamente por su talento en la selección de planos, de escenarios, y por el admirable uso de filtros en el objetivo de la cámara. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con estas tomas nocturnas porque son impresionantes. Contemplarán la belleza en imágenes cuando Neil McCauley pasa al lado de la estatua iluminada en medio de la noche oscura, en la escena del helicóptero sobrevolando la urbe en plena noche con las luces de la ciudad como fondo, o también con la escena final localizada en la pista de aterrizaje del aeropuerto de Los Ángeles donde la tensión que transmite la pantalla te hipnotiza. “Heat” no solamente te apasiona por tener un extraordinario guión y unos excelentes actores, sino también al presentar otras espectaculares secuencias como el impactante asalto al furgón blindado al inicio de la película con los atracadores con sus caras cubiertas con máscaras de hockey, y cuando estallan las ventanas de los coches por la onda expansiva provocada con el estallido de los explosivos. Una película con escenas marcadas por la astucia y la inteligencia en la acción como en el puerto cuando Neil McCauley logra engañar al inspector Vincent Hanna para saber quiénes le están investigando, con la tensión latente en el intercambio acordado con Roger Van Zant, en la escena del asalto a la empresa de metales preciosos como imagen muy clara de las precauciones extremas que toma Neil McCauley en sus atracos, y para ver cómo la policía les espía sin que tengan consciencia de ello. Me encanta visualizar la memorable escena de la conversación que mantienen Neil McCauley y Vincent Hanna cara a cara en una mesa del Kate Mantelini´s, y, sobre todo, el atraco al banco Far East National Bank a plena luz del día. Escena mítica en la Historia del Cine de Acción, y que lo tiene todo. Persecución en las calles de Los Ángeles, el eco del sonido de los disparos de las armas automáticas rebotando en los edificios como si de una guerra en Los Ángeles se tratara, observar la sincronizada técnica militar con la cual los miembros de la banda van cubriéndose y protegiéndose de los disparos de la policía mientras huyen, ver a estos dos mitos cinematográficos como Robert De Niro y Al Pacino frente a frente sumando intensidad a la acción, visualizar este salvaje tiroteo en el parking del supermercado, el inolvidable momento cuando el detective Vincent Hanna dispara al atracador Michael Cheritto… En definitiva, una colosal batalla en una ciudad moderna como escenario de este duelo a muerte. Tomas espectaculares, escenas impresionantes, intensidad en la acción, y ¡¡¡pura adrenalina en imágenes!!!

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Conmemorando los diez años de su estreno en la gran pantalla, esta edición especial presentada en el año 2005 por Warner Home Video es la más completa que se haya publicado hasta el momento. Una lujosa edición que incluye once escenas suprimidas como parte de los extras en el segundo DVD, además del documental “La realización de Heat (The making of Heat)” donde podemos conocer la historia real de Neil McCauley, personaje en el cual está inspirado este largometraje, junto a interesantes análisis de los personajes de la película, impresiones y comentarios del director y de los propios actores, y, sobre todo, descubrir cómo Michael Mann consiguió alcanzar estos niveles de realismo durante el rodaje. El documental “Regreso a la escena del crimen (Return To The Scene Of The Crime)” es una visita a los exteriores reales donde se hizo este rodaje en Los Ángeles diez años después, y se desvela cómo localizaron los exteriores que quería Michael Mann para esta película, qué magia artística encontró en esos lugares, cuáles fueron las particularidades y dificultades del rodaje en el aeropuerto de Los Ángeles… Y el documental “Al Pacino y Robert De Niro: anatomía del enfrentamiento (Pacino and De Niro: Conversation)” será de imprescindible visualización para los fieles seguidores de estos dos míticos actores, de estos dos auténticos genios convertidos en los protagonistas principales de esta magna obra. “Heat”, una de las películas más espectaculares e impactantes en la Historia del Cine Neo-noir. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Heat 1995 Michael Mann

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“MARS ATTACKS!”, 1996 (Reseña / Review #1725).

Reseña Cultural nº: 1725 // Reseña Media nº: 78
Reseña actualizada. Publicada el 28 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Director: TIM BURTON
Guión: JONATHAN GEMS
Actores principales: JACK NICHOLSON (presidente James Dale / Art Land), GLENN CLOSE (Primer Dama Marsha Dale), ANNETTE BENING (Barbara Land), PIERCE BROSNAN (profesor Donald Kessler), DANNY DEVITO (apostador), SARAH JESSICA PARKER (Nathalie Lake), MARTIN SHORT (secretario de prensa Jerry Ross), MICHAEL J. FOX (Jason Stone), NATALIE PORTMAN (Taffy Dale), ROD STEIGER (general Decker), JACK BLACK (Billy Glenn Norris), TOM JONES, JIM BROWN (Byron Williams), SYLVIA SIDNEY (abuela Florence Norris)
País: EE.UU Año: 1996 Productora: WARNER BROS. PICTURES
Duración aprox.: 102 minutos
Publicado en España por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A.
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD MARS ATTACKS! TIM BURTON

No sé cuántas veces habré visto la película “Mars Attacks!” a día de hoy, y cada vez que vuelvo a visualizarla me sigue encantando como la primera vez que la vi en una sala de cine en Madrid, días después de su estreno. Una película de culto donde reina el humor negro. En esta obra cinematográfica, el genial director de cine estadounidense Tim Burton logró convertir esta película de ciencia-ficción en una ácida y sarcástica comedia donde la siniestra esencia del ser humano queda al descubierto, tras haber sido incorporada a las actitudes y pensamientos de estos marcianos decididos a invadir el planeta Tierra. A través de la música de Danny Elfman, que con solo escucharla unos instantes ya sabes que vas a ver un largometraje de Tim Burton, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán sumergirse en este espectacular despliegue audiovisual donde las escenas de acción y el intenso discurrir de su trama les hará disfrutar esta obra durante más de hora y media. En “Mars Attacks!”, el maestro Tim Burton realiza este homenaje cinematográfico a la colección de cromos del mismo nombre aparecido en el año 1962, alejándose de las ambientaciones predominantemente siniestras y oscuras que venían siendo características en las películas que había rodado hasta entonces. Aquí nos ofrece una atmósfera mucho más luminosa y alegre, pero sin perder totalmente ese acercamiento al horror que tanto le atrae. Colores intensos, plasticidad en las imágenes con diseños muy cuidados tanto en escenarios como en los vestuarios, encuadres perfectos, admirables movimientos de cámara, preeminencia de los gestos de los personajes en cada escena… dan esta esencia audiovisual que solamente el Séptimo Arte puede configurar. Pero, por encima de todo, son los impresionantes diseños que contemplamos en “Mars Attacks!” los que, en manos del talento creativo de Tim Burton, terminan convirtiéndose rápidamente en iconos de esta obra, y que recordamos inmediatamente en cuanto escuchamos cualquier mención a su título. Además, detalles como el anillo-ojo, la máquina utilizada por los marcianos para uniformar a sus soldados, el robot gigante, el vestido de la espía, incluso sus andares, se convierten en claros ejemplos de sus genialidades cinematográficas mientras jeeps, utilitarios, tractores, sillas de ruedas… con esqueletos humanos carbonizados van desfilando ante nuestros ojos.

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Indudablemente, hay escenas en “Mars Attacks!” que te marcan por su mensaje humorístico y sarcástico como en la escena donde el perrito se lleva la mano humana separada del cuerpo, cuando vemos al líder de los marcianos mirando el póster central de la revista Playboy, cuando el salón Kennedy de la Casa Blanca pasa del mito a la realidad de la pantalla, cuando los hijos del exboxeador se toman el ataque contra los marcianos como si estuvieran jugando a un videojuego, cuando las vacas ardiendo en estampida se presentan ante nuestros atentos ojos al principio de la película, cuando en el bunker somos testigos del discurso político ofrecido por el Presidente de los EE.UU ante el líder de los marcianos para poder alcanzar la paz… y, sobre todo, es la impactante escena de los marcianos en el Congreso lo que marcará ese punto de no retorno que acabará desembocando en el satírico final de la película. En “Mars Attacks!”, parece que la historia y la hegemonía de lo humano se han acabado en este planeta tras la llegada de estos extraterrestres, cuya alta tecnología convierte a nuestros avances científicos más avanzados en algo que raya lo ridículo. Un sentimiento de inferioridad ante tales demostraciones de poder tecnológico que incitará a los líderes de los gobiernos en el mundo a una Política de Apaciguamiento con los invasores a cualquier precio, y pese a que la agresividad, la violencia, y la crueldad mostradas por los marcianos son constantes. Actos brutales e inmisericordes que son interesadamente interpretados por los líderes políticos como errores o malentendidos en su falsa esperanza de poder alcanzar la paz con ellos para, de esta forma, poder llegar a tener acceso a su tecnología.

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La escena de la paloma es una muestra clara de la actitud belicista de estos marcianos en la Tierra, y que se hará presente y notorio en los salvajes juegos de los marcianos divirtiéndose con los monumentos más representativos de la Humanidad. La malvada ironía y el despiadado humor negro del líder de los marcianos, su visceral rechazo a la presencia de las aves volando libremente a su alrededor, el uso de su alta tecnología para jugar con los seres sin importarles en absoluto sus sentimientos y emociones, o cómo con sus avances científicos se burlan de la vida a su antojo. ¿Les suena de algo esa actitud? ¿Cuántos pueblos y civilizaciones recibieron con muestras de paz y concordia a otras culturas más avanzadas, y fueron posteriormente ultrajados, explotados y/o aniquilados? Observo en “Mars Attacks!” esa crítica a lo humano en particular, y a la máxima por la cual una civilización con mayor poder y tecnología siempre termina sometiendo a otras culturas y pueblos no tan avanzados en la gran mayoría de los casos a través de la utilización de la fuerza, pasando luego al abuso una vez dominados. Además, el uso de la fuerza combinada con el engaño siempre se convierte en una unión letal, como así se puede comprobar en esta película con la manipulación que los marcianos hacen de la televisión, utilizada como medio de propaganda para tapar sus verdaderas y violentas intenciones.

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Me encanta contemplar el espíritu psicológico y analítico con el cual Tim Burton lleva a la gran pantalla el pensamiento humano en sus diferentes manifestaciones y personificaciones. Una variedad de perspectivas humanas relacionadas con la realidad y que, independientemente de la época histórica o la cultura que seleccionemos, siempre llegaremos a encontrar en individuos con un enfoque científico pacifista de la vida (Pierce Brosnan / profesor Donald Kessler), otros con una visión mucho más alarmista y belicista ante lo desconocido (Rod Steiger / general Decker), personas con actitudes caprichosas motivadas por su privilegiada posición social (Glenn Close / Primera Dama Marsha Dale) y que afectan a su propia familia (Natalie Portman / Taffy Dale), otras en cambio aprovechan esa ventajosa posición dentro del círculo del poder para darse a la buena vida (Martin Short / secretario de prensa Jerry Ross), personas cursis y extravagantes en su imagen pública tan artificial (Sarah Jessica Parker / Nathalie Lake) mientras otros oportunistas buscan su momento (Michael J. Fox / Jason Stone), apasionados del juego donde la vida únicamente existe en el casino (Danny DeVito / apostador), personas acomodadas con mentalidades inmaduras claramente identificadas con los postulados new age (Annette Bening / Barbara Land), ancianos que parecen que están en su mundo pero en cambio se enteran de todo (Sylvia Sidney / abuela Florence Norris)… en definitiva, un amplio abanico de las diversas perspectivas a través de las cuales los seres humanos perciben y sienten este mundo, y que, en esta película, al ser observados desde la distancia parecen darnos una imagen un tanto ridícula y sin sentido. A nivel artístico, quisiera destacar los excelentes papeles interpretados por el grandioso actor Jack Nicholson, ya sea como presidente de los EE.UU (presidente James Dale) o como avaricioso capitalista al que solamente le importa una cosa, el dinero (Art Land). Completando este arco artístico, los cinéfilos lectores de Lux Atenea también podrán disfrutar la magnífica interpretación realizada por el actor secundario Jim Brown, en el papel de este exboxeador empleado en un casino para poder sacar adelante a su familia, o en este toque musical surrealista protagonizado por Tom Jones y que terminó convirtiéndose en la inconfundible canción de esta película. “Mars Attacks!”, la magia artística de Tim Burton en esta invasión extraterrestre que expone el lado más obscuro del ser humano ante el espejo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

MARS ATTACKS! 1996

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ÚLTIMO SAMURÁI (the last samurai)”, 2003 (Reseña / Review #1717).

Reseña Cultural nº: 1717 // Reseña Media nº: 70
Reseña actualizada. Publicada el 3 de abril del año 2013 en Lux Atenea.

Director: EDWARD ZWICK
Guión: JOHN LOGAN, MARSHALL HERSKOVITZ, EDWARD ZWICK
Actores principales: Tom Cruise (capitán Nathan Algren), Ken Watanabe (samurái Katsumoto), Tony Goldwyn (coronel Bagley), Timothy Spall (Simon Graham), Koyuki (Taka), Nakamura Shichinosuke (emperador Meiji), Masato Harada (Omura), Billy Connolly (sargento Zebulon Gant), Togo Igawa (general Hasegawa)
País: EE.UU Año: 2003 Productora: WARNER BROS. PICTURES
Duración aprox.: 148 minutos
Publicado en España por: WARNER HOME VIDEO, S.A.
Año: 2004 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “El Último Samurái” // Comentario del director Edward Zwick

DVD EL ULTIMO SAMURAI the last samurai 2003

La extraordinaria película “El Último Samurái” es cine épico de acción ambientado en el Japón del siglo XIX. Un próspero país en profunda transformación social, económica, y política situado en la encrucijada entre el tradicionalismo feudal representado por la figura del samurái y su código de honor, y la modernidad representada por el tremendo poder tecnológico e industrial que ésta desarrolla. Dos visiones sociales absolutamente incompatibles que terminarán en un enfrentamiento militar, originando una lucha desigual ante el gran desequilibrio existente entre el poder destructivo de uno y otro en el campo de batalla, quedando la balanza desnivelada de forma aplastante a favor de la modernidad industrial. Lo moral y lo ético son valores en decadencia dentro de una sociedad moderna unida al progreso tecnológico y científico inmerso en un mundo dominado por la Razón. La ética, la moral, la lealtad que en el mundo samurái lo es todo junto al honor, son valores sociales y personales profundamente enraizados en la vida tradicional, y es precisamente la visión realista del choque entre estos dos modelos de sociedad diametralmente opuestos donde el director estadounidense Edward Zwick alcanza su mayor profundidad conceptual en esta magnífica película. “El Último Samurái” es un largometraje que enamorará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea amantes del cine ambientado en Japón, y muy especialmente en todo lo relacionado con el fascinante y atrayente mundo de los samuráis. Eso sí, me ha resultado curioso comprobar cómo algunos críticos de cine consideran a Omura como un consejero un tanto negativo cuando, en realidad, lo que quiere es convertir a Japón en una poderosa nación que gracias a la Modernidad pueda tener independencia y no estar sometida a otras naciones extranjeras ya modernas. Reconozco que es muy atrayente dejarse arrastrar por el sentimentalismo romántico en referencia al tradicionalismo samurái, pero siendo realistas con la política internacional existente en la segunda mitad del siglo XIX, o una nación era moderna, poderosa, y tenía colonias a su servicio para explotar sus materias primas; o sencillamente pasabas a ser colonia o protectorado de otra nación, a ser condicionada y sometida por los intereses económicos y políticos de las naciones más modernas e industrializadas, y obligado a dejar anclado a tu sociedad tradicional en un nivel de vida mucho más bajo de lo que la Modernidad puede ofrecer, con las tensiones internas que ello puede generar en la ciudadanía a lo largo del tiempo. Porque la Modernidad no solamente trae consigo el acceso a poderosas armas, sino también una industrialización, una manufacturación, una mecanización, una electrificación, unos avances científicos y tecnológicos… que ninguna nación desea dejar a un lado cuando otras disfrutan de ese nuevo estatus tan poderoso. Y en política internacional, a las naciones débiles jamás se las respeta, convirtiéndose en peones de otras o desapareciendo absorbidas por naciones más fuertes.

Lux Atenea 4 - 4

La épica historia de “El Último Samurái” comienza con la imagen del samurái Katsumoto (actor Ken Watanabe) teniendo un sueño premonitorio unido simbólica y metafóricamente a un tigre. Tras esta impactante secuencia, viajaremos a la ciudad estadounidense de San Francisco, año 1876, abriéndose ante los ojos del espectador la alcohólica, decadente, y triste vida del capitán Nathan Algren (actor Tom Cruise), héroe nacional condecorado con la Medalla del Honor por su participación en la batalla de Gettysburg (1863) y por haber formado parte del legendario Séptimo de Caballería en la lucha contra los indios nativos. Una acción contra los pieles rojas de la cual no se siente nada orgulloso, pesando como una losa sobre su conciencia. Autotorturándose física y mentalmente, Nathan Algren ha terminado convirtiéndose en promotor de ventas al servicio de la famosa empresa fabricante de armas Winchester. Tras ser despedido, el sargento Zebulon Gant (actor Billy Connolly) le propone un trabajo bien remunerado acorde a su gran experiencia como militar, y en el que está en juego un fructífero negocio donde los Estados Unidos de América puede convertirse en el único proveedor de armas de Japón, a cambio de ayudar al emperador a llevar a cabo con éxito sus planes de reforma y modernización del país aplastando militarmente a aquellos que se le opongan. Nathan Algren y Zebulon Gant se reúnen con influyentes militares estadounidenses y diplomáticos japoneses entre los cuales destaca Omura (actor Masato Harada), consejero del emperador Meiji (actor Nakamura Shichinosuke), y el impasible coronel Bagley (actor Tony Goldwyn), oficial del Séptimo de Caballería que Nathan Algren ya tuvo como superior. El trabajo de Nathan Algren será ayudar al general Hasegawa (actor Togo Igawa) a adiestrar a sus tropas en el manejo de las nuevas armas. Una vez llega a Japón, allí se encuentra con un traductor y antiguo diplomático inglés llamado Simon Graham (actor Timothy Spall), el cual le pone al corriente de la vida y costumbres del país, sobre los grandes cambios que está experimentando la nación, cómo los samuráis se están oponiendo a esa modernización, y cómo ha de desenvolverse con las autoridades para poder cumplir su trabajo con eficacia.

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Liderados por Katsumoto Moritsugu, prestigioso samurái que también fue maestro del emperador, los samuráis se han rebelado contra el emperador por traicionar la tradición ancestral en pro de la modernidad, negándose a aceptar los radicales cambios que quiere instaurar en toda la nación. Pero la autoridad del emperador Meiji está en cuestión ante los ataques de Katsumoto a todo lo que representa lo moderno, y sin esperar a que las tropas hayan terminado de ser entrenadas, se ordena al general Hasegawa que aplaste ese levantamiento. Envalentonados por la superioridad de fuego de las nuevas armas y por el mayor número de tropas que llevan a la zona de conflicto, las consecuencias de ese grave error de cálculo y de menosprecio del poder del enemigo no se harán esperar, siendo derrotados en el campo de batalla. Tras ser vencido, el general Hasegawa practicará el ritual del seppuku para no cargar con la deshonra de la derrota, y en ese mismo enfrentamiento militar Nathan comprobará la tremenda astucia y valor que los samuráis despliegan en la acción, siendo rodeado, herido, y hecho prisionero por orden de Katsumoto tras comprobar su gran valor en combate cuando estaba a punto de ser ejecutado por uno de sus samuráis. Katsumoto se lo lleva al campamento donde pasará el invierno, encargándose de su cura la propia hermana de Katsumoto llamada Taka (actriz Koyuki). Nathan era un hombre perdido interiormente y atormentado existencialmente pero, una vez recuperado, entre los samuráis recuperará su norte anímico y espiritual según vaya asimilando las costumbres y tradiciones de los samuráis (bushido) en una armonía interior tan intensa y vital como jamás hubiera experimentado antes en su vida. En el otro extremo, en el bando del emperador se ha comprendido que solamente con fusiles no podrán aplastar a los samuráis, y autorizando la compra de armas más poderosas entre las que se incluyen piezas de artillería howitzer y ametralladoras tipo gatling, despliegan una terrorífica e incontenible superioridad de fuego imposible de parar o derrotar usando armas tradicionales. “El Último Samurái” es un épico largometraje de acción, pero la épica solamente alcanza su estado más puro en su trasfondo heroico si la tragedia y el drama están presentes en la vida de los elegidos.

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Los cinéfilos lectores de Lux Atenea se sorprenderán al comprobar que el rodaje en exteriores fue realizado en Nueva Zelanda, porque la ambientación ha sido lograda de forma impecable. También se han utilizado imágenes creadas por ordenador, haciendo que la mente del espectador se adentre rápidamente en la trama y en los escenarios donde se desarrolla esta historia, identificándose fácilmente con sus protagonistas y con las acciones en las cuales están involucrados gracias a este admirable realismo visual. Además, la intensidad emocional en la cual poco a poco nos vamos sumergiendo, convierten a “El Último Samurái” en toda una experiencia cinematográfica durante más de dos horas que dura esta película, Quedarán indeleblemente grabadas en la memoria algunas de estas bellas y extraordinarias imágenes y secuencias como, por ejemplo, la escena donde Nathan de nuevo se pone el uniforme e instantáneamente vuelve a revivir las carnicerías contra los nativos en las cuales participó, impresiona la excelente y meticulosa ambientación de la vida cotidiana de los ciudadanos japoneses en una ciudad de aquella época en rápida transformación, o la colosal batalla que se desencadena en el bosque cubierto por brumas entre las tropas del emperador y los sublevados con una carga de caballería samurái impresionante. Les cautivará la contemplación de la belleza que transmiten las armaduras de los samuráis, el sigiloso y letal ataque de los ninja al poblado ocultos en la oscuridad de la noche, o la épica batalla final donde el heroísmo y la valentía quedan perfumadas con la defensa de lo íntegro hasta la muerte. “El Último Samurái”, uno de los mejores papeles interpretados por el actor Tom Cruise, y con la espectacularidad y la magia cinematográfica ambientada en el Japón del siglo XIX. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

EL ULTIMO SAMURAI the last samurai 2003

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (what ever happened to Baby Jane?)”, 1962 (Reseña / Review #1694).

Reseña Cultural nº: 1694 // Reseña Media nº: 47
Reseña actualizada. Publicada el 21 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: ROBERT ALDRICH
Guión: LUKAS HELLER
Actores principales: BETTE DAVIS, JOAN CRAWFORD, VICTOR BUONO
País: EE.UU Año: 1962 Productora: WARNER BROS. PICTURES Duración aprox.: 135 minutos
Publicado por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A. Año: 2006
Formato: 2DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

DVD QUE FUE DE BABY JANE what ever happened to Baby Jane

Por su excelencia, la película “¿Qué fue de Baby Jane?” es una auténtica obra maestra dentro del Séptimo Arte, y por este motivo ha de ser incluida en Lux Atenea como parte esencial de esta selección de largometrajes recomendados para los cinéfilos lectores de este blog cultural. Además, esta edición especial publicada por Warner Home Video España incluye un segundo DVD con extras donde destacan documentales cinematográficos de calidad como “Bette Davis: Un volcán benévolo” (BBC, 1983), “Perfil cinematográfico: Joan Crawford” (BBC, 1967), y “Bette y Joan: La ambición ciega”. Sorprendentemente, esta sobresaliente película solamente fue premiada con el Óscar al Mejor Diseño de Vestuario en el año 1962. Basada en la novela homónima del escritor estadounidense Henry Farrell, este largometraje nos ofrece un drama terrible y sobrecogedor protagonizado por dos hermanas artistas cuya fama en la juventud se desvaneció a raíz del trágico y fatal accidente de una de ellas. Su eco en el presente, condiciona y marca totalmente sus vidas, sus actitudes, y su convivencia en una misma casa. Reflejando en impactantes imágenes esta estética siniestra y tenebrosa que se mantiene constante a lo largo de toda la película, encuentra sus puntos álgidos en algunas secuencias de corte claramente macabro, “¿Qué fue de Baby Jane?” provoca al espectador con las crueles y despiadadas escenas que presencia, identificándose inconscientemente con unos personajes y rechazando visceralmente a otros de forma inmediata (este es el auténtico trasfondo de la belleza siniestra en su dualidad emocional), y donde la identificación definitiva sobre quién es el verdugo y quién la víctima en realidad queda convertido en ese enigma permanente a lo largo de toda la trama, quedando desvelado de forma magistral por el mítico director Robert Aldrich en los minutos finales de la película. Les fascinarán las impresionantes escenas protagonizadas por esta terrorífica Bette Davis en el impactante papel de Jane Hudson, junto a la desamparada Joan Crawford encarnando a su hermana Blanche Hudson. Observando estas escenas dramáticas sacarán de su interior esos irremediables pensamientos y enrabietados instintos ante la contemplación de actos tan sumamente sádicos y crueles, haciendo que la vida del personaje con el cual se identifiquen les resulte de lo más injusta y vergonzosa.

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La película “¿Qué fue de Baby Jane?” presenta actos despóticos llevados al extremo en su sofisticación más destructiva, y que incluso son llevados al campo del sometimiento psicológico de quien lo sufre y padece, quedando todo amplificado con la respuesta absolutamente sumisa que quien lo recibe. Todo ello altera y condiciona el pensamiento del espectador ante un sufrimiento que ha de contemplar sin poder hacer nada mientras frases como “yo lo que haría en su lugar es…”, “yo no lo soportaría y allí la dejaría abandonada porque…”, “pero por qué no hace…”, inevitablemente surgirán en la mente del cinéfilo lector de Lux Atenea durante su visualización. Emociones tan inequívocamente humanas en respuesta a los terribles padecimientos que otra persona está sufriendo. Indudablemente, solamente dos excelsas actrices como Bette Davis y Joan Crawford pudieron dar alma y realismo a esta historia tan dramática, protagonizando gloriosas interpretaciones en este largometraje que se presentan tan estratosféricas como inalcanzables para la gran mayoría de los actores de Hollywood en la actualidad. Precisamente su virtuoso arte interpretativo es lo que ha convertido y seguirá convirtiendo a la película “¿Qué fue de Baby Jane?” en una obra maestra inigualable e insuperable, pasen los años que pasen. Presenciarán impresionantes escenas como las melancólicas canciones interpretadas por Jane Hudson (Bette Davis) recordando su gloriosa época pasada (que vivió entre los suaves pero caducos algodones de la fama), contemplarán las visitas a esta casa convertidas en posibles ángeles salvadores para Blanche Hudson (Joan Crawford), y observarán cómo los hechos circunstanciales terminan por apagar cada gesto de auxilio. Identificarán la película “¿Qué fue de Baby Jane?” con este disco sonando, con esta siniestra e inquietante muñeca a tamaño real de Jane Hudson cuando era una niña famosa, con esta obscura habitación convertida en una Dama de Hierro de cuatro paredes, con estas escaleras vistas como una montaña inexpugnable, con este teléfono tan inalcanzable como una estrella en la noche, con estas notas pidiendo ayuda donde todo parece haberse conjurado en contra de quien las escribe… Un diabólico ambiente tan dramático como desesperado en escenas definitivamente imborrables.

QUE FUE DE BABY JANE what ever happened to Baby Jane

Es todo un placer observar con atención los gestos, la mirada, los movimientos en escena de Bette Davis como si fuera una danza macabra bajo la influencia del horror, y es su vengativa esencia tan manifiestamente rebelde y maléfica lo que la convierte en una actriz única y tan atrayentemente carismática en esta película de culto. Lo mismo sucede con Joan Crawford y su virtuoso arte interpretativo en cuanto a su tremenda capacidad para trasmitir realidad y autenticidad absoluta a un personaje, por difícil y complejo que sea. Sólo con observar detenidamente su rostro ya nos habla de sufrimiento sin necesidad de abrir los labios, y en un cuerpo cuya energía vital vemos cómo se va perdiéndose poco a poco, asumiendo esta pérdida como si fuera su cruel e inevitable destino. “¿Qué fue de Baby Jane?” es observar lo aparentemente cotidiano como una danza siniestra donde una persona rota vive lo insufrible en esta casa convertida en una insoportable y tortuosa cárcel. Hasta el más mínimo detalle en la imagen, hasta el diseño de cada uno de los elementos de decoración se presenta con esta imagen funesta y desquiciada. Además, en esta película podrán disfrutar a Joan Crawford en lo más alto del Olimpo cinematográfico junto a la colosal actriz Bette Davis. Joan Crawford y Bette Davis, dos radiantes auras artísticas que brillan con fuerza en cada fotograma hasta convertir la mente del espectador en el registro imborrable de sus interpretaciones. Lo más increíble es que, en la época que se rodó está película, tanto Bette Davis como Joan Crawford decían que estaban pasando por una grave crisis en sus carreras como actrices. Después de ver esta película, ¿darán credibilidad a esa valoración que mostraron en público? Además, el absoluto rechazo y la perenne enemistad que estas dos actrices siempre se mostraron a lo largo de sus vidas estuvo bien presente durante el rodaje, dejando inmortalizado ese toque sarcástico y perverso en cada una de estas geniales escenas. Una perspectiva y una belleza gótica unida a lo moderno que hacen aún más atrayente a esta trágica historia. Y si analizamos este largometraje más profundamente, uno se pregunta sobre cuántas vidas ha roto el mundo del espectáculo en relación a artistas que, tras haber disfrutado de las mieles de la fama y del éxito, han acabado bebiendo las hieles del olvido y del desinterés público. “¿Qué fue de Baby Jane?”, una lujosa y respetable mansión en cuyo interior se encuentra viviendo la venganza en esta sala de torturas del mismísimo infierno. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

QUE FUE DE BABY JANE what ever happened to Baby Jane 1962

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.