Reseña Cultural nº: 54 // Reseña Musical nº: 17

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 18 de noviembre del año 2006 en Lux Atenea .

Publicado por : Nostradamus Records, (NOS-1002), 1982
Edición comentada : Vinilo 7” (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: The Nothing Song / Love me for my Mind / Ignorence is the Control
Valoración de la calidad del vinilo : 9 (excelente vinilo, destacando tanto el material utilizado como la grabación e impresión, que son dignos de elogio; estas canciones mantienen ese aura que lo impregna todo con perfumes musicales de la década de los ochenta)

En Lux Atenea, si de homenajes musicales se trata, invito a nuestros cultos lectores a ir hacia atrás en el tiempo hasta el año 1982. En los Estados Unidos de América, un joven grupo musical acaba de presentar su primer disco. Lo que no saben en aquel momento cada uno de los miembros de este grupo, sobrados de calidad, talento, y de pasión musical, es que llegarán a marcar una era dentro de la escena gótica a partir de la década que están viendo nacer, pero no con el nombre de su banda, sino dentro de otro grupo musical llamado Christian Death donde se integrarán. ¿Cuál es el nombre de este joven grupo musical? Pompeii 99. Y los miembros de la banda se llaman Gitane Demone, Valor, David Glass… Ya empiezan a sonarle estos nombres al melómano lector de Lux Atenea afín a la escena musical dark. En Pompeii 99, como no podía ser de otra forma, el peso de la interpretación vocal de los temas compuestos caía en su cantante femenina Gitane Demone, con una voz impresionante que ya destacaba por su potente registro y por su versatilidad en la interpretación, pero que aún necesitaría perfeccionar un poco más antes de ofrecernos durante las próximas décadas esos melódicos pasajes vocales obscuros que han marcado para siempre la escena músical gótica. Gitane Demone, eterna Gitane Demone, cuya voz se ha convertido en un auténtico fetiche artístico dentro del estilo gótico. En devoción musical. Brindemos con champagne rosado francés por Gitane Demone, y por su incomprable e inigualable voz que tanta pasión nos transmite cada vez que la escuchamos en un tema musical, aunque sea en el trasfondo sonoro de una canción como coro.

El grupo musical Pompeii 99 presentaría su primer vinilo homónimo y la primera canción que encontramos en este disco lleva por título “The Nothing Song”, un tema musical que innumerables veces he incluído en mis sesiones como DJ en locales góticos. “The Nothing Song” es una canción influida por ritmos ska, por corrientes musicales trasgresoras, y por lejanos vientos conceptuales provenientes del jazz más oscuro y non-mainstream, o más políticamente incorrecto. Con un alma artística irreverente heredera del espíritu de la década de los setenta, su fascinante atracción musical se ha convertido en algo vivo, actual y perenne, pasen los años que pasen. La canción “Love for my Mind” cierra la cara A de este precioso vinilo, un magnífico tema que hubiera encajado muy bien dentro de la banda sonora musical de la mítica serie de televisión “La Familia Monster (The Munsters)”. El pasaje melódico que nos ofrece este teclado, tan inconfundible y característico en épocas musicales anteriores a la publicación de este disco, nos invita a cerrar los ojos para disfrutarlo más intensamente, e imaginar que estamos en el interior de una mansión encantada, o en el mítico salón de la casa de los Munsters en compañía de Lily, Herman, Eddie, Marilyn, Sam… En cuanto damos la vuelta a este vinilo y ponemos suavemente la aguja del giradiscos en su cara B, poco tiempo después empezará a sonar la canción “Ignorence is the Control”. En este tema, con Valor como vocalista y la espléndida Gitane Demone perfilando los coros, instrumentalmente presentará pasajes melódicos muy originales y atrayentes, sobre todo en el plano sonoro perteneciente a la guitarra, pecando un poco de inconexión y de una adecuada integración entre los distintos cambios de estilo que aparecen a lo largo de toda la canción, poniendo el punto y final a este sorprendente trabajo musical. Sin duda alguna, dentro de la escena dark, la audición de los temas compuestos por Pompeii 99 es más que necesaria para poder hacernos una idea cuáles fueron los orígenes musicales de los miembros de este grupo y, de la que fue, la banda gótica por excelencia de las décadas de los ochenta y noventa. Me estoy refiriendo a Christian Death, tanto en la etapa de Rozz Williams como en la de Valor. Etapas artísticas gloriosas marcadas por una calidad y un talento creativo dentro de la musica gótica que son ya legendarias, y que no evitaron ser teñidas con la oscura traición. De un tema tan turbio como el caso de Rozz Williams y Valor, ya comenté sobre ello en pasadas reseñas y seguiré comentando en otras próximas para poner luz sobre ese asunto. Como analista musical non-mainstream, dentro de la escena gótica, para los lectores que deseen saber la verdad sobre este delicado tema, mi consejo es que lean el comentario que la propia Gitane Demone dejó en un recopilatorio musical sobre sus temas más importantes cuyo título es “Life in Death 85-89”. En el libreto incluido en este álbum lo deja todo muy claro, con los puntos y las comas donde hay que ponerlas. Todo lo demás, no son más que habladurías e historias sensacionalistas sin base real alguna. “Pompeii 99”, sin duda alguna, este vinilo es una de las ediciones discográficas más buscadas y valoradas por los coleccionistas dentro de la escena musical gótica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 53 // Reseña Literaria nº: 27

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Reseña actualizada. Publicada el 1 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

Publicado por: EDICIONES ROBINBOOK, S.L.
ISBN: 84-96924-05-5
Edición: 2007 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 240

En mi biblioteca, “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2” es un libro muy especial que llevaba ya unos cuantos años esperando su relectura y, en este verano, tocaba ya volver a adentrarse ante los interesantes temas que en sus páginas se abordan. Su autor, Gavin Baddeley, les resultará sobradamente conocido a los bibliófilos lectores de Lux Atenea tras el éxito alcanzado con la reseña que escribí sobre su excelente obra “Diseccionando a Marilyn Manson”, en vista al impresionante número de visitas y de lecturas recibidas desde su publicación. El interés informativo que atesoran las páginas de “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2” viene dada por el amplio arco cultural no musical explicado detalladamente en su interior, con el apasionante mundo del cine, del cómic, y de la literatura destacando por encima de la inevitable mención a este obscuro mundo musical. Solamente en sus primeras treinta páginas, el selecto contenido cultural mostrado dejará impresionados a los cultos lectores de Lux Atenea si lo que esperaban es un libro dedicado única y exclusivamente al apartado musical. Una temática ampliamente desarrollada y precisada en capítulos como “Las flores del Mal”, “Una belleza más siniestra”, “Oscuros ángeles del pecado” o “Las sombras oscuras nos abruman”. De lectura más lineal que la mítica e incomparable obra “Gothic Rock” de Mick Mercer , en cambio, “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2” aborda con mayor profundidad en el análisis en cuanto a la descripción de las circunstancias y de los vaivenes artísticos (y no artísticos) que condicionaron a muchos de los grupos, cantantes y músicos de esta escena gótica. Una apertura musical en el tiempo que abarca varias décadas y que, en su concreción y desarrollo conceptual desde finales de la década de los setenta, importantes factores aquí explicados han llegado finalmente a definir y dar forma a lo que conocemos actualmente como música gótica. Es más, creo que los libros “Gothic Rock” (Mick Mercer) y “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2” (Gavin Baddeley) se complementan perfectamente cuando el lector busca información fidedigna y un conocimiento profundo de esta interesante temática, sobre todo si es apasionadamente afín a esta escena musical.

Analizado de forma global, “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2” es un libro de imprescindible lectura y análisis. Eso sí, he vivido personalmente estas etapas de la escena gótica en España a lo largo de más de dos décadas y, en obras de esta temática me sigue faltando algo fundamental que movió todo este movimiento cultural, existencial, conceptual, y filosóficamente ya extinto en la escena gótica española: los valores éticos y morales. Sin ellos, nada hubiera sido tal y como fue sin ningún punto de comparación. Una época que rompió moldes, conceptos y perspectivas con valores que actualmente están muertos y bien sepultados en el mundo gótico nacional transformado en un denso bosque de Egos y vanidades, y que ha acabado convertido a lo largo del tiempo en un completo erial en lo que a Cultura Gótica se refiere. Una escena gótica española actual que, al contrario que en la escena internacional, se ha convertido en un vistoso, ostentoso, y siniestro envoltorio para el vacío cultural más alarmante que haya vivido nunca. Una escena gótica española que perfectamente se podía resumir en dos lemas actualmente vigentes, dominantes e inamovibles: ‘Estética Gótica versus Cultura Gótica’, y ‘Ego versus valores éticos y morales’. Con planteamientos existenciales y prioridades estéticas de este calado, así de esplendorosa y radiante se encuentra la escena gótica española en esta segunda década del siglo XXI. Menos mal que aún hay interés en desarrollar y ampliar la Cultura Gótica de verdad fuera de nuestras fronteras.

Tal vez, en algún momento futuro se publicará un ensayo o un artículo sobre la escena gótica española actual donde se explique claramente que muchos de los que se consideran y autodefinen como góticos, en realidad no son más que fugaces posmodernos estéticamente siniestros queriendo dar lecciones de lo que es o no gótico. Aquí dejo la idea para quien desee desarrollarla y escribir sobre ello porque sería un libro de lo más revelador, y porque veo demasiadas personas incultas, pero estéticamente siniestras para lucir, enseñoreándose de lo gótico publicamente y rechazando precisamente a aquellas personas que aman la auténtica Cultura Gótica. Por mi parte, hace años en la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD quedó muy clara la definición de lo gótico en el artículo de opinión titulado «¿Qué es lo verdaderamente gótico?» y, desde entonces, esta definición me sigue pareciendo la más cercana a la raíz cultural gótica como perspectiva existencial en esta vida. “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2”, la complejidad de una corriente cultural que no se define únicamente por un estilo o estilos musicales, y por una estética concreta, sino por mucho más. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 52 // Reseña Musical nº: 16

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 12 de junio del año 2017 en la 1ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 1st NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias a PARANOIA INDUCTA por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: CD Picture en digipak formato A5 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Marzo 2017
Sello discográfico: RAGE IN EDEN
Código de referencia: RAGE 117
Tracklist: 1- Desolation Zone // 2- Today We Will All Die // 3- Whispers And Cogs // 4- And Soon The Darkness // 5- From The Dephts // 6- The Noonday Demon // 7- Sanctuary Of Madness // 8- Witchtrap // 9- I’m Just Pain // 10- Children of Saturn // 11- My Own Purgatory // 12- Shadow People // 13- Near-Death Experience // 14- Locked-in Syndrome
Artistas: Anthony Armageddon Destroyer
Trabajo musical: Anthony Armageddon Destroyer
Trabajo artístico: Grzegorz Pietranis (diseño gráfico), Maria Kuczara (fotografía)
Datos técnicos: Grabado entre los meses de abril de 2013 y junio de 2016 en U.P.F Studio
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Today We Will All Die // 4- And Soon The Darkness // 5- From The Dephts // 10- Children of Saturn // 11- My Own Purgatory

Este grandioso álbum musical está dedicado a la memoria de la artista Amellia Karina Ciepiela, cuyos impactantes diseños fotográficos pudieron disfrutar los apasionados lectores de Lux Atenea en su anterior álbum «Maze of Death», ya reseñado en esta página cultural non-mainstream. Con “From The Depths”, el círculo conceptual de esta siniestra trilogía musical (“Evil Angel”, «Maze of Death» y “From The Depths”) se cierra a través de pasajes sonoros innovadores que son ya la tarjeta creativa que viene definiendo con sumo talento Anthony Armageddon Destroyer, alma mater de Paranoia Inducta, en cada uno de sus nuevos trabajos. Un contundente despliegue sonoro que les impresionará gracias a la complejidad y al irresistible atractivo obscuro que tiene el estilo musical Apocalyptic Death Industrial creado y concebido por el propio Anthony Armageddon Destroyer. “From The Depths” ha sido presentado oficialmente el pasado mes de marzo a través del prestigioso sello discográfico polaco Rage In Eden, sobradamente conocido por nuestros melómanos lectores, en esta preciosa edición en digipak de formato A5 en cuyo diseño de portada, concebido por Grzegorz Pietranis con fotografía de Maria Kuczara, se ha integrado a la perfección la esencia neoclásica con la negrura existencial que es propia de la belleza siniestra, convirtiendo incluso el interior de esta lujosa edición en una experiencia visual incomparable presidida por el versículo 15 del capítulo 20 del Apocalipsis de San Juan («…y el que no se halló inscrito en el libro de la vida fue arrojado al lago de fuego.»). Retornando al plano musical, de nuevo esta talentosa fusión de dark-ambient y música experimental les dejará profundamente sobrecogidos en este viaje vertebrado por catorce composiciones que sacarán a la luz sus miedos espirituales ocultos en el inescrutable universo mental.

En este año 2017, Paranoia Inducta retorna al primer plano dentro de la escena musical underground más oscura con este colosal trabajo artístico paciente y detalladamente perfilado entre los años 2013 y 2016, y cuya audición empezaremos a disfrutar en cuanto el tema “Desolation Zone” nos lleve a estos inhóspitos entornos que nos provocan aflicción y desamparo, adentrándonos en la excelsa composición “Today We Will All Die” de inmisericorde tristeza gracias a este irresistible y melódico piano de esencia melancólica que te embruja mentalmente nota tras nota, quedando “Whispers And Cogs” como falso refugio del espíritu deseoso de una paz que ya nunca llegará. A continuación, el impresionante tema “And Soon The Darkness” se presentará como una nube de cenizas que convertirá en negrura psíquica todo lo que toque a su paso, siendo el precioso tema homónimo del álbum “From The Dephts” el que perfile el halo de esperanza y de inevitable desesperanza ante la adversidad, encarnándose en “The Noonday Demon” en infernales seres cuya existencia es posible únicamente por la maldad humana de la que se alimentan, siendo la composición “Sanctuary Of Madness” la fiel recreación sonora de la pérdida de control del destino ante el creciente poder del Reino de la Muerte que ya es presente. El Art Regia más siniestra aparecerá en el tema “Witchtrap” para provocar dolor, sufrimiento y agonía en quienes degradan sus espíritus por malas artes, llevándonos directamente al cruel espectáculo del padecimiento imposible de calmar en “I’m Just Pain” hasta que “Children of Saturn” nos dé las claves místicas de la parálisis de la vida como razón universal de esas energías capaces de inmovilizarlo todo, y sin movimiento, cambio y transformación, la vida desaparece como tal, quedando extáticos en este Reino de Hades genialmente recreado en el tema “My Own Purgatory” incluso en sus sampler de cantos gregorianos y en el sonido de las campanas al final de la composición. Con “Shadow People” adquiriendo protagonismo existencial en este grandioso trabajo musical, la transición a la atmósfera sonora de “Near-Death Experience” nos invitará a sentir ese estado de no existencia carnal mediante pasajes musicales para piano que les estremecerán, hasta que “Locked-in Syndrome” ponga el punto y final a este apocalíptico paseo por el aciago destino humano donde el inconsciente siempre terminará poseído por el caos en su inexorable rumbo a la Nada. “From The Depths”, el Apocalyptic Death Industrial es vanguardia musical de imprescindible audición para los melómanos más exigentes, y Paranoia Inducta es su representante artístico más puro. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 51 // Reseña Musical nº: 15

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Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 27 de marzo del año 2014.

Quiero dar las gracias a PARANOIA INDUCTA por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: CD Picture en digipak formato A5, edición limitada de 500 unidades (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Agosto 2013
Sello discográfico: OLD TEMPLE / DOOMSDAY FACTORY
Código de referencia: OLD.65
Tracklist: 1- Angels Whispers // 2- Maze Of Death // 3- Prozac Nation // 4- Burning Shadows // 5- Dark Messiah // 6- The Kingdom Of Pain // 7- Kill Me Once Again // 8- Circle Of Despair // 9- Eternal Fear // 10- Abandoned Paradise // 11- Digital Coma // 12- I’m Just Your Remorse
Artistas: Anthony Armageddon Destroyer
Trabajo musical: Escrito por Anthony Armageddon Destroyer
Diseño Artístico: Grzegorz Pietranis (diseño gráfico), Amellia Karina Ciepiela (fotografía)
Datos técnicos: Grabado entre los años 2010 y 2013 en U.P. F Studio
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Angels Whispers // 5- Dark Messiah // 7- Kill Me Once Again

“Maze Of Death”, ultratumba sonora. Aunque este impresionante álbum lo he recibido recientemente, fue presentado oficialmente en agosto de 2013 gracias a la colaboración entre los sellos discográficos Old Temple y Doomsday Factory. Publicado en una lujosa edición en digipak en formato A5 limitada a 500 unidades, lo primero que atraerá a los melómanos lectores de Lux Atenea que lo adquieran en su edición original es su misterioso diseño, con esta mezcla visual de lo conceptualmente místico con la contundencia psicológica de lo mortuorio, o de lo visualmente ruinoso con lo metafóricamente divino. Un extraordinario trabajo de diseño y fotografía creado por Grzegorz Pietranis y Amellia Karina Ciepiela respectivamente, que me ha impactado por su contundente mensaje visual perfecto para una obra musical de esta calidad. Y es que “Maze Of Death” ha sido creado como continuación musical del álbum «Evil Angel» compuesto por Anthony Armageddon Destroyer, alma mater de Paranoia Inducta, desarrollando este estilo musical al que denomina como Apocalyptic Death Industrial en una innovadora y talentosa fusión de dark-ambient y música experimental. Pero “Maze Of Death” es más contundente en su filosofía existencial, en los crudos reflejos de soledad que transmiten sus temas y, sobre todo, en la siniestra belleza que presentan cada una de estas obscuras composiciones. Una espectacular muestra de talento musical que podrán empezar a disfrutar sumergiéndose en las excelsas aguas de melancolía del tema “Angels Whispers”, cuya melodía para piano les embrujará el alma en cuanto escuchen sus primeros compases. ¡¡¡“Angels Whispers”, inicio emotivo y contundente!!!

Todavía profundamente impactados con la audición anterior, el tema “Maze Of Death” que da título a este colosal álbum les sensibilizará aún más el espíritu con este salvífico neoclasicismo sonoro teñido de negrura, presentándose posteriormente “Prozac Nation” con tormentosos pasajes cargados de ácida sátira social que nos llevarán directamente a escenarios más infernales, perversos y retorcidos en “Burning Shadows” que, con el tema “Dark Messiah” sonando alrededor nuestro, la diabólica oscuridad acabará erigiéndose como poderoso espíritu dominante. ¡¡¡“Dark Messiah”, música siniestra llevada a su más obscuro extremo!!! Promesas de dolor, sacrificios e inmolaciones en pro de la decadencia se presentarán en un tema emocionalmente tan brutal como “The Kingdom Of Pain”. Un ritual de perdición que, en la sobrecogedora composición “Kill Me Once Again”, se transformará en un sangriento ciclo de locura y caos que derivará en un desolador paisaje donde reina la desesperanza, la amargura y la muerte en “Circle Of Despair”. Condena imperecedera para el alma que será recreada con sumo talento en “Eternal Fear” en su suplicante soledad, presentando esa lóbrega ambientación en “Abandoned Paradise” como despiadado destino para el alma penitente. Mucho más pulsante y vibrante aparecerá la composición “Digital Coma” dando ese fugaz parpadeo de luz en medio de la oscuridad que nos llevará al tema “I’m Just Your Remorse”, clausurando este extraordinario álbum con pasajes sonoros de inquietud y temor que predestinarán el inexorable suplicio. “Maze Of Death”, una espectacular edición discográfica para sibaritas de la música dark. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 50 // Reseña Literaria nº: 26

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 30 de enero del año 2014 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias al MUSEO NACIONAL DEL PRADO (MADRID) por su cortesía al enviarme este promocional.

Publicado por: MUSEO NACIONAL DEL PRADO
ISBN: 84-8480-282-2
Edición: 2013 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL DIGITAL)
Páginas: 192

Desde el 21 de enero al 4 de mayo de 2014, en las salas A y B del Edificio Jerónimos perteneciente al Museo Nacional del Prado estará abierta al público la magna exposición cultural “Las Furias. De Tiziano a Ribera”. Gracias a la cortesía mostrada por el Área de Comunicación del propio museo con Lux Atenea ha sido posible que pueda reseñar este ilustre catálogo oficial de la exposición titulado “Las Furias. Alegoría política y desafío artístico”, convirtiendo su lectura y análisis en un viaje en el tiempo a una época donde Arte y política cristalizaron en una nueva concepción de la obra a través del significado simbólico de los elementos míticos que lo protagonizaban. Un axis mitológico donde la representación de las Furias se convertiría en la base fundamental de la obra dentro del Arte europeo pocos años después del comienzo de la Edad Moderna, y teniendo al año 1548 como fecha clave de inicio cuando la Reina Consorte María de Hungría entra en contacto con el maestro Tiziano para que pintara cuatro lienzos donde se representaran las figuras mitológicas de Ticio, Tántalo, Sísifo e Ixión. Una magnífica inmortalización pictórica originariamente artística, pero de indudable trasfondo político debido a la intencionalidad de su mensaje al unir simbólicamente a estos personajes mitológicos con los príncipes alemanes que habían sido derrotados por el emperador Carlos V en la batalla de Mülhberg (24 de abril de 1547). A partir de ese momento, en un periodo comprendido entre mediados del siglo XVI y finales del siglo XVII, las Furias se convertirían en las estrellas por excelencia de la representación artística para las monarquías y para los gobernantes europeos, contratando para esta labor a ilustres maestros de la época como Miguel Ángel, Ribera, Rubens, Tiziano o Salvator Rosa. Genialidad y talento que harían realidad esos sueños artísticos en una serie de obras que, durante 120 años, dominarían y resaltarían la creación pictórica a través de representaciones de gran fuerza visual donde la contemplación del dolor continúa impresionándonos aún hoy día en esta segunda década del siglo XXI.

Las Furias se convierten en una alegoría política y en su expresión artística, cruda e impactante por el sufrimiento que reflejan, provocando que el espectador pueda alcanzar un mayor nivel de consciencia por su mensaje debido a la trágica y dramática historia protagonizada por cada uno de estos personajes mitológicos condenados por los Dioses a padecer un cruel castigo en el Hades: Ixión ha de dar vueltas eternamente alrededor de una rueda ardiente a la que está atado con serpientes por haber querido seducir a la diosa Hera, Ticio ve su hígado devorado por un buitre por haber intentado violentar a una de las amantes de Zeus, Sísifo está condenado a mover una gran piedra hasta la cima de una empinada montaña por haber contado las infidelidades de Zeus, y Tántalo es castigado a sufrir hambre y sed por haber matado a su hijo Pélope para ofrecerlo como comida en un banquete donde los Dioses eran sus invitados. Como impactante ejemplo de esta genialidad artística, solamente hace falta que los cultos lectores de Lux Atenea visiten esta exposición y contemplen en vivo la obra de Salvator Rosa “Prometeo” para tomar consciencia de ese mensaje moral, siempre unido a la fuerza y a la intensidad en la esencia de lo mitológico. Pasiones humanas que trasgreden las leyes de lo divino provocando el inevitable castigo, revelando ese choque entre lo mundano y lo espiritual incluyéndose en lo mundano a todo aquello que se rebela contra lo que mantiene unido lo terrenal y lo divino, y que es representado en la figura del emperador. Un emperador que integra en su sentido más profundo la grandeza aristocrática con la trascendencia religiosa de lo espiritual, quedando señalada toda oposición a lo imperial como una rebelión al orden divino universal y que, por el carácter irreconciliable de estos opositores, han de ser castigados una vez descubiertos. Un significado político unido a las Furias donde monarquías versus repúblicas, papado versus protestantismo, encuentran en estas representaciones el escenario ideal para reflejar fielmente sus intereses políticos a través de estas alegorías. Una sensibilidad despertada a través de lo visual que impactará profundamente a los cultos lectores de Lux Atenea en cuanto contemplen estas obras directamente en persona.

Una exposición tan cuidada y espectacular como “Las Furias. De Tiziano a Ribera” ha sido posible organizarla gracias al eminente trabajo realizado en la definición temática y en la vertebración artística de este evento por Miguel Falomir, comisario de la exposición y jefe del Departamento de Pintura Italiana y Francesa (hasta 1700) del Museo del Prado. Un evento cultural que hará las delicias del público asistente y que, con la ayuda de este detallado catálogo, podrá conocer con mayor profundidad y detalle el mensaje contenido en cada una de estas obras seleccionadas, y de una belleza artística incomparable. Una extraordinaria selección de obras de carácter internacional donde la colaboración de países como Austria, Bélgica, Francia, Italia, Holanda, Hungría, Reino Unido, Puerto Rico y España ha sido fundamental para hacer realidad este sueño cultural. Para poder conocer la realidad política de esa época, y poder comprender tambien el significado del mensaje representado en cada una de estas obras, nada mejor que la atenta lectura este didáctico catálogo vertebrado en cinco apartados muy reveladores (Introducción: mitos e historias / Tiziano, María De Hungría y la alegoría política / De monarcas, traidores y amantes despechados / El desafío artístico: escorzos inverosímiles y expresiones extremas / Originalidad e imitación; antiguos y modernos). Como apunte final en esta reseña, quisiera adjuntar la relación de las veintiocho obras reunidas en esta ilustre exposición para que puedan tener una visión de la grandeza artística alcanzada en este evento cultural. “Las Furias. Alegoría política y desafío artístico”, estética, mensaje y trasfondo, fundidos en ilustres obras seleccionadas para una exposición única e irrepetible. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

1- Leone Leoni (Arezzo, 1509–Milán, 1590), “Carlos V (recto) / Júpiter fulminando a los gigantes (verso)”, h. 1549
2- Miguel Ángel Buonarroti (Caprese, 1475–Roma, 1564), “Ticio (recto) / Cristo resucitado (verso)”, 1532
3- Nicolas Beatrizet (Thionville o Lunéville, h. 1515–Roma, 1565), editado por Antonio Lafreri (Orgelet, h. 1512–Roma, 1577) “Ticio”, h. 1540
4- José Trilles y Badenes (Castellón de la Plana, 1827–?), “Laocoonte”, 1887
5- Tiziano (Pieve di Cadore, h. 1485/90–Venecia, 1576), “Sísifo”, 1548-49
6- Tiziano (Pieve di Cadore, h. 1485/90–Venecia, 1576), “Ticio”, h. 1560-65
7- Giulio Sanuto (Venecia?, 1540–?, 1588), “Tántalo”, h. 1565
8- Gregorio Martínez (Valladolid, 1547–Valladolid, 1598), “El suplicio de Ticio”, 1590-96
9- Cornelis Cort (Hoorn, 1533–Roma, 1578), “Prometeo”, 1566
10- Cornelis Cornelisz. van Haarlem (Haarlem, 1562–Haarlem, 1638), “Ixión”, 1588
11- Cornelis Cornelisz. van Haarlem (inv.) (Haarlem, 1562–Haarlem, 1638), Hendrick Goltzius (grab.) (Bracht-am-Niederrhein, 1558–Haarlem, 1617), “Tántalo”, 1588
12- Cornelis Cornelisz. van Haarlem (inv.) (Haarlem, 1562–Haarlem, 1638), Hendrick Goltzius (grab.) (Bracht-am-Niederrhein,1558–Haarlem, 1617), “Ixión”, 1588
13- Cornelis Cornelisz. van Haarlem (inv.) (Haarlem, 1562–Haarlem, 1638), Hendrick Goltzius (grab.) (Bracht-am-Niederrhein, 1558–Haarlem, 1617), “Ícaro”, 1588
14- Cornelis Cornelisz. van Haarlem (inv.) (Haarlem, 1562–Haarlem, 1638), Hendrick Goltzius (grab.) (Bracht-am-Niederrhein, 1558–Haarlem, 1617), “Faetón”, 1588
15- Cornelis Cornelisz. van Haarlem (Haarlem, 1562–Haarlem, 1638), “Ticio (recto) / Estudio de brazo (verso)”, 1588
16- Hendrick Goltzius (Bracht-am-Niederrhein, 1558–Haarlem, 1617), “Ticio”, 1613
17- Pedro Pablo Rubens (Siegen, 1577–Amberes, 1640), Frans Snyders (Amberes, 1579–Amberes, 1657), “Prometeo”, h. 1611-12, ampliado en 1618
18- Theodoor Rombouts (Amberes, 1597–Amberes, 1637), “Prometeo”, h. 1627-28
19- José de Ribera (Játiva, 1591–Nápoles, 1652), “Ticio”, 1632
20- José de Ribera (Játiva, 1591–Nápoles, 1652), “Estudio de narices y bocas”, 1622
21- José de Ribera (Játiva, 1591–Nápoles, 1652), “Ixión”, 1632
22- Luca Giordano (Nápoles, 1634–Nápoles, 1705), “Prometeo”, h. 1660
23- Gioacchino Assereto (Génova, 1600–Génova, 1649), “El suplicio de Prometeo”, h. 1640-49
24- Gioacchino Assereto (Génova, 1600–Génova, 1649), “Tántalo”, 1640-49
25- Antonio Zanchi (Este, 1631–Venecia, 1722), “Sísifo”, 1660-65
26- Giovanni Battista Langetti (Génova, 1635–Venecia, 1676), “Tántalo”, antes de 1660
27- Giovanni Battista Langetti (Génova, 1635–Venecia, 1676), “Ixión”, h. 1663
28- Salvator Rosa (Arenella, 1615–Roma, 1673), “Prometeo”, h. 1640

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 49 // Reseña Literaria nº: 25

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 28 de marzo del año 2014 en Lux Atenea.

Publicado por: FUNDACIÓN MAPFRE
ISBN: 84-9844-150-5
Edición: 2009 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 410

Este lujoso volumen de gran formato es la más completa edición que se haya publicado en España sobre este ilustre trabajo artístico, incluyendo en su interior no solamente la reproducción de estas impresionantes laminas, sino también dos relevantes estudios sobre esta temática cultural realizados por Werner Spies (“Los desastres del siglo”) y Jürgen Pech (“Enfocar la fantasía”), y una selecta bibliografía realizada por Mercedes Rivas. “Max Ernst: Une Semaine de Bonté. Los Collages Originales” fue el catálogo oficial de la exposición cultural organizada por la Fundación MAPFRE en el año 2009 (11 de febrero – 31 de mayo 2009, Madrid). En tan ilustre evento se pudo admirar los collages originales de esta novel-collage creada por el artista alemán nacionalizado francés Max Ernst en el año 1933, obra original que no se exponía en la ciudad de Madrid desde el año 1936 (Biblioteca Nacional de España). En total, ciento ochenta y tres piezas expuestas en este excepcional evento ya que únicamente llegaron a ser mostradas en tres ciudades europeas más: Viena, Brühl y Hamburgo. Los bibliófilos lectores de Lux Atenea que adquieran un ejemplar de esta lujosa edición podrán comprobar la excelsa calidad de impresión aquí realizada, convirtiendo la lectura, la observación y el análisis de estas páginas en un momento cultural muy especial para el lector en una atmósfera literaria única. Páginas transformadas en un viaje a otro tiempo donde la fascinación por la obra del genial maestro Max Ernst renace con atrayente brillantez y vigor.

Como artista, Max Ernst (1891 – 1976) poseía una mente intelectual y creativa excepcionalmente prodigiosa tanto a nivel académico (estudios universitarios en Literatura, Historia del Arte, Filosofía, y Psiquiatría), como a nivel artístico hasta convertirse en uno de los genios más prominentes del Surrealismo y del Dadaísmo. Su espíritu creativo polifacético le llevaría a abrir el arco intelectual y conceptual, participando como actor en el cine surrealista rodado por un director tan innovador y revolucionario en su época como Luis Buñuel (en su mítica película “La Edad de Oro”, Max Ernst interpretaría a uno de sus personajes). Incluso, gracias a su amistad con August Macke, tendría relación con corrientes culturales de vanguardia como El Jinete Azul (recomiendo la lectura de la reseña del libro “Der Blaue Reiter” publicada en Lux Atenea). En definitiva, un artista de espíritu renacentista con una inteligencia superior para la creación y para la innovación técnica, tras inventar el frottage en el año 1925 (técnica de impresión en la que se usa un lápiz, negro o de color, que es frotado sobre un papel colocado encima de un objeto, consiguiendo como resultado perfiles y texturas de gran viveza visual). Y es que la búsqueda de métodos artísticos especiales que pudieran reflejar su imaginativo mundo a través del uso de técnicas en dos y tres dimensiones en una obra, se convertiría en una de sus obsesiones.

“Une Semaine De Bonté ou les sept éléments capitaux (Una Semana De Bondad o los siete elementos capitales)”, año 1934, fue el título de la última novel-collage creada por el maestro Max Ernst tras “La Femme 100 têtes” (1929) y “Rêve d’une petite fille qui voulut entrer au Carmel” (1930). Un inteligente dimensionamiento de imágenes donde el talento de este artista destacaría por el impactante diseño de cada uno de estos collages. Entre estas obras, “Une Semaine De Bonté” destacaría por el controvertido mensaje mostrado en esta serie de láminas interrelacionadas, donde la ausencia de palabras es sustituida por la capacidad de interpretación e imaginación del espectador. Una novela puramente visual creada por Max Ernst durante su estancia en la preciosa ciudad italiana de Vigoleno durante el verano del año 1933, y estéticamente inspirada en catálogos, revistas y novelas ilustradas publicadas en el siglo XIX. La fuerza visual que tiene cada uno de estos collages conmoverá al culto lector de Lux Atenea, convirtiendo cada página en una nueva experiencia debido a la intensidad del mensaje ahí reflejado. “Une Semaine De Bonté” tiene impactantes escenas donde la violencia, el horror, la crueldad, la muerte… configuran una trágica trama dividida en varios libros, los cuales están divididos a su vez en siete apartados, cada uno de los cuales corresponde a un día de la semana. Pero el misterio también ha tocado cada uno de esos apartados debido al enigmático mensaje de los signos utilizados por el autor para marcarlos y diferenciarlos. Una atmósfera obscura y enigmática que aumentará su interés en la siniestra belleza de esta obra, y que solamente al final verá esclarecido e iluminado su desenlace desplegando con maestría la fantasía, lo voluptuoso, lo inconsciente, y lo onírico.

Aunque, en esta interesante obra, desde el comienzo pueda parecer excesiva y un tanto demoníaca, todo cobra significado en su conjunto según vamos comprendiendo el mensaje contenido en su simbología. El primer libro, Domingo, está definido como “La boue” (el barro); el segundo, Lunes, como “L’ eau” (el agua); el tercero, Martes, “Le feu” (el fuego); y así sucesivamente, Miércoles “Le sang” (la sangre), Jueves “Le noir” (la oscuridad), Viernes “La vue ‘ (la vista) y Sábado “L’inconnu” (lo desconocido). Además, el simbolismo también ofrece su más impactante reflejo visual en los distintos personajes que encontrarán en estas láminas como el poderoso hombre con cabeza de león, el Sagrado Corazón, la mujer como figura dominante el Lunes (el agua), la corte del Dragón, Edipo con cabeza de pájaro, la Esfinge, el gallo solar… junto al sublime arte poético del surrealismo de la mano de André Breton, Paul Eluard, Marcel Schwob… Una hermética configuración de extraños personajes en actos inimaginables bajo el embrujo psicológico del Surrealismo que ha elevado a esta novel-collage hasta su máxima categoría dentro de ese universo conceptual. “Max Ernst: Une Semaine de Bonté. Los Collages Originales”, en el siglo XX, la vanguardia artística de la década de los treinta aún continúa fascinándonos en esta centuria. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 48 // Reseña Literaria nº: 24

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Reseña actualizada. Publicada el 7 de enero del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: JUNTA DE ANDALUCÍA – CONSEJERÍA DE CULTURA
ISBN: 84-8266-783-6
Edición: 2008 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 440

La corriente artística austriaca radical y extrema conocida como Accionismo Vienés fue protagonista cultural de la impactante exposición organizada en la ciudad de Sevilla por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) en el año 2008, y cuyo excelso catálogo oficial es el que he elegido para leer y analizar en esta reseña. Con una cuidada calidad de impresión donde se han utilizado materiales de alta calidad, la extraordinaria edición “Accionismo Vienés”, publicada por la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía, se ha convertido en una de las referencias editoriales ineludibles a la hora de buscar fuentes de información sobre esta controvertida temática artística, en vista al extenso y detallado tratamiento cultural ampliamente mostrado en más de cuatrocientas páginas. Una corriente artística siempre polémica, incluso hoy día, a pesar de los años que han transcurrido desde entonces ya que el Accionismo Vienés surgió principalmente en las décadas de los sesenta y setenta. Por este motivo, esta exposición terminó convirtiéndose en un evento cultural de primer orden que remarcó a la ciudad de Sevilla dentro del importante eje cultural europeo, y donde el Arte más extremo y transgresor pudo encontrar el entorno perfecto donde ser expuesto al público en todo su esplendor. En su visionado más impactante y rupturista. De esta forma, las impresionantes obras creadas por los artistas Günter Brus, Otto Muehl, Hermann Nitsch y Rudolf Schwarzkogler pudieron ser sentidas y analizadas por el público interesado en la corriente artística del Accionismo Vienés para ser analizado a través de una amplísima muestra de pinturas, fotografías, y los documentos más representativos procedentes de la Colección privada Hummel. Como legado de tan magno evento ha quedado este lujoso catálogo, que hará las delicias del culto lector de Lux Atenea interesado en conocer y profundizar en estas manifestaciones artísticas donde los límites morales y éticos de la época fueron arrolladoramente traspasados en pro de las ideas novedosas íntegramente experimentales. Pero, ¿por qué fue tan provocador e impactante el Accionismo Vienés (Wiener Aktionismus) para la sociedad de la época? Vamos a analizarlo.

Curiosamente, el Accionismo Vienés no tuvo un decálogo o una sociación que definiera con exactitud sus conceptos artísticos y filosóficos, aunque el “Manifiesto de la Acción Material” de Otto Mühl pueda llegar a servirnos perfectamente para tener una idea más clara de su visión artística. Sencillamente, el Accionismo Vienés surgió dentro de la escena artística austriaca a través de obras transgresoras y radicales creadas por artistas cuya distanciada o nula relación personal entre ellos, imposibilitó cualquier posible unión de sus visiones y perspectivas del Arte en un punto común. Y sus creaciones pueden llegar a hacernos pensar lo contrario, pero la uniformidad en su fundamento conceptual directamente no existió. Para estos alquimistas del Arte extremo, la inquietud que sus obras provocaban en el espectador debido a la impactante crudeza visual de la estética utilizada en su creación, fue llevada a su punto más extremo posible. Un factor conceptual ineludiblemente transgresor que, por cierto, provocaría que muchos expertos de la época llegaran a no considerar a estas obras como pertenecientes al mundo del Arte. Una controversia que siempre será inevitable que exista en este mundo cuando un artista o un grupo de artistas deciden cruzar la línea de la belleza sublime para adentrarse en el obscuro mundo psicológico de la Belleza Siniestra. La mentalidad más tradicional, asentada firmemente en la sociedad austriaca de la época, se opuso totalmente a las “acciones” protagonizadas por estos artistas a través de sus obras concebidas como performance extremas realizadas en entornos controlados. En estas “acciones”, lo violento, lo sexual, lo sangriento, y lo macabro, fueron mostrados con total crudeza y absoluto realismo que estos artistas llegaron a provocar fuertes reacciones sociales con la presentación de estas obras, llegándose incluso a perseguir judicialmente a alguno de estos creadores por su arte escandaloso e inaceptable mostrado al público. Para los accionistas vieneses, no había límite alguno a la hora de crear una obra de Arte por extrema que esta fuera en su estética.

Los arrestos y las condenas no tardarían en aparecer en el presente de estos artistas, obligando a alguno de ellos a huir del país, y no sería hasta el año 1966, fecha oficial del reconocimiento internacional de esta corriente artística, cuando esas inquisidoras aguas sociales empezaron poco a poco a retornar a cauces más calmados. Pero, ¿qué había hecho el Accionismo Vienés para generar tal convulsión y rechazo social? Para estos artistas, el cuerpo humano se convirtió en la base principal sobre el cual crear su obra artística. Partiendo de este principio, empezaron a experimentar con el cuerpo humano, incluso con sus propios cuerpos, como base sobre el cual crear y dar forma a una idea. Del acto de pintar un cuerpo para convertirlo en obra de arte, se fue subiendo poco a poco en el nivel impacto estético sobre el cuerpo humano hasta llevarlo a situaciones cada vez más extremas. Llegó un momento en ese radicalismo artístico que se dejaron a un lado todas las bases artísticas relacionadas con el mundo de la Pintura, de la Escultura, y del Teatro, donde habían desarrollado su labor creadora hasta entonces, y se lanzaron directamente a la creación de acciones y performance en terrenos que, hasta entonces, no eran considerados como parte del mundo del Arte. Indudablemente, la polémica social y cultural sería inevitable a partir de ese momento en cuanto su impacto visual, volviéndose aún más extremo y violento en esa búsqueda de la vanguardia artística más realista y provocadora para el espectador. Una agresividad estética que rompería muchos moldes conceptuales respecto a cuáles son los límites del Arte, y cuya controversia sigue estando aún vigente en este siglo XXI tras cada presentación de una nueva obra firmada algunos artistas polémicos conocidos por una parte del público actual, y cuya fuente de inspiración bien podíamos relacionar con este revolucionario Accionismo Vienés. El cuerpo humano ya es tomado como objeto artístico y, por ello, se presentará psicológicamente muy subversivo en el momento vivido por el espectador cuando lo contempla si el mensaje y la estética de la obra rompen sus fundamentos éticos y morales.

Personalmente, he de reconocer que mi primer contacto con el Accionismo Vienés fue en Madrid gracias a la labor informativa de mi amigo Carlos «Jack», persona que siente auténtica pasión por esta corriente artística. El tiempo y, sobre todo, mi voluntad firme a la hora de conocer esta filosofía artística más en profundidad, me ha llevado a encontrar el sentido de sus raíces conceptuales para poder dar valor artístico al Accionismo Vienés en la actualidad. Como analista cultural non-mainstream, creo que esta filosofía artística empieza a tener fieles seguidores en la Posmodernidad, los cuales toman la modificación estética de su cuerpo como proyección de su personalidad y Ego, de sus ilusiones y de sus motivaciones humanas, de sus denuncias sociales y de sus aspiraciones dentro de una sociedad posindustrial donde las leyes morales tradicionales y la ética moderna están en decadencia. Igual que hizo el Accionismo Vienés, la sociedad postindustrial hacia donde nos dirigimos no reconocerá lo moral y lo ético como base de la sociedad, sino que serán las leyes vigentes las que marcarán y definirán a la sociedad, y siempre desde un punto de vista y un fundamento muy flexibles a nivel legislativo debido a la aceleración de los cambios sociales que están provocando los avances tecnológicos. Por este motivo, es lógico que el mundo religioso, con su visión moral y ética de la sociedad y del ser humano, esté chocando frontalmente con los postulados postindustriales e, incluso, con el constante incremento de la aceptación social de las bases filosóficas posmodernas donde el individuo prevalece por encima de todo, y donde la diversidad de puntos de vista respecto a un mismo hecho o acto, están consolidando un relativismo en la sociedad con el cual el individuo posmoderno consolida su avanzada visión del mundo. Estoy seguro que las personas posmodernas en la actualidad no se llevarán las manos a la cabeza al ver estas obras tan radicales, ni tampoco les resultarán inaceptables las creaciones concebidas por los artistas del Accionismo Vienés. Más bien verán en ellos, en esta vanguardia artística del siglo XX, una representación de su propia visión del mundo a través de estas manifestaciones artísticas. Las modificaciones corporales mediante cirugía, concebidas como elementos de curación terapéutica y de liberación personal, ya están empezando a ser algo comúnmente aceptado dentro de nuestra sociedad postindustrial, y ese mismo cuerpo humano transformado y modificado fue la base principal con la cual esta corriente artística situó a Austria en la primera línea de vanguardia. “Accionismo Vienés”, una obra esencial para poder analizar y conocer hasta dónde llegaron artísticamente estos inquietos creadores a través de sus perspectivas extremas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 47 // Reseña Literaria nº: 23

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Reseña actualizada. Publicada el 15 de noviembre del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: BENEDIKT TASCHEN VERLAG GmbH.
ISBN: 3-8228-7916-9
Edición: 1997 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 96

Nacido en el año 1935, el artista checo Jan Saudek ha logrado inmortalizar su nombre dentro del selecto grupo de fotógrafos que han marcado el mundo del Arte. Gracias a un estilo muy personal basado en fotografías en blanco y negro, este talentoso artista da el punto y final a cada una de sus obras coloreándolas a mano hasta darles ese toque vivo tan extremo que, incluso, logra llevar a esa instantánea hasta el límite visual de lo grotesco. Así de espectacular se presentará la hipnótica obra fotográfica de Jan Saudek en las páginas de este libro. Tras décadas de laborioso trabajo en busca de la perfección técnica con la cual poder dar vida a sus ideas e inspiraciones transformadas en imágenes, desde la década de los ochenta, el éxito finalmente ha venido sonriendo a este artista único en su estilo fotográfico cuyo reconocimiento internacional tuvo como máximo galardón el haber sido nombrado por el Ministerio de Cultura Francés como Caballero de las Artes y las Letras en el año 1990. Con imágenes que no dejan indiferente a quienes las contemplan debido a su profunda e intensa carga psicológica, Jan Saudek ha logrado cautivar las mentes de miles de personas que han asistido a sus exposiciones gracias al talento que transmite cada una de estas fotografías. Una inteligente dimensión plástica lograda a través de la virtuosa utilización de los colores sobre fotografías en blanco y negro que nos llevan irremediablemente a la Modernidad. Paradójicamente, la estética fotográfica de Jan Saudek tiene sus raíces en lo antiguo y su razón de ser en lo tradicional.

Fotografías oscuras con una gran carga sentimental, tal y como ha reconocido en múltiples ocasiones el propio autor al hablar de su obra, y que nos llevan al circo de lo humano y a la presencia del individualismo como algo extraño que, a su vez, es muy cercano a la esencia de nuestra especie en su vagar por este mundo. Los cultos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con la visión de la belleza femenina más propia de otras épocas que domina estéticamente en las fotografías de Jan Saudek, reflejando también esos ambientes decadentes propios de sociedades tradicionales donde lo industrial empieza a alterar la vida cotidiana de los ciudadanos que venían manteniendo desde generaciones, transformando el ambiente reinante dentro de sus propios hogares. Con atmósferas barrocas que llevan consigo lo lúgubre y lo decadente hasta su límite psicológico porque llega a parecer casi burlesco en algunas ocasiones, los fondos oscuros, como sucios y degradados, se terminan configurando como el escenario perfecto para reflejar la pobreza moral y la supervivencia a costa de la pérdida de la belleza y del alma espiritual. Un abandono de los valores humanos para ganar un día más de vida y así poder seguir adelante en un mundo duro, inmisericorde, siniestramente áspero, y sin calor emocional alguno donde poder refugiarse. En este universo humano sentimentalmente gélido es donde Jan Saudek encontró el mundo perfecto para reflejar sus inquietudes artísticas, pero sin perder nunca de vista ese lado emocional que permitiera al espectador identificarse con las imágenes capturadas en estas fotografías. Sin duda alguna, Jan Saudek es un auténtico genio innovador dentro del Arte Fotográfico, y su perspectiva artística y su mensaje existencial van a seguir bien vivos en el panorama artístico de este siglo XXI, debido al proceso de deshumanización social y de aislamiento personal al que van a estar sometidos los ciudadanos que residan en megalópolis cuya expansión parece no tener fin. Por este motivo, este precioso libro es de imprescindible visualización y análisis para poder conocer su obra fotográfica y estas perspectivas humanas por él imaginadas. “Jan Saudek”, con suma maestría, Jan Saudek destaca como creador de Belleza Siniestra inmortalizada en fotografías para oscuros posmodernos en ciernes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 46 // Reseña Literaria nº: 22

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Reseña actualizada. Publicada el 13 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: CIRO EDICIONES, S.A. / BIBLIOTECA EL MUNDO
ISBN: 84-96600-46-7
Edición: 2006 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 160

Por la excelencia creativa mostrada en sus prestigiosas obras, Antonio López García se ha convertido por méritos propios en uno de los artistas españoles más importantes de los últimos cien años. Galardonado con el Premio Príncipe de Asturias en el año 1985 y, más recientemente, con el prestigioso Premio Velázquez en 2006, la fascinante obra artística de Antonio López García está mayormente englobada dentro del estilo Hiperrealista, ya sea en el campo del Dibujo, de la Pintura o, incluso, de la Escultura. Un estilo hiperrealista muy personal establecido como frontera emocional entre la obra y la realidad, entre la obra y la fotografía, entre la obra y la vida orgánica, o entre la obra y la percepción de los sentidos humanos a la hora de situarnos en esta realidad. Un estilo artístico difícil y complicado ya que obliga al creador artístico a tener una técnica muy depurada para poder dar vida a sus obras dentro de este hiperrealismo tan sorprendente como inquietante. Una inquietud emocional cuya raíz conceptual permite reflajar en la obra aquello que parece real a nuestros ojos y no lo es, siendo esta particularidad una de las características principales de la belleza siniestra, y lo siniestro también destaca y adquiere protagonismo en algunos cuadros creados por este genio de la pintura. Como los cultos lectores de Lux Atenea podrán comprobar cuando adquieran un ejemplar de este magnífico libro, ese trasfondo siniestro lo encontrarán en la belleza que reflejan cuadros como “Conejo Desollado”, “La Cena”, “Mujer Durmiendo”, “La Alacena”, en la imagen del niño en el óleo “Emilio y Angelines”…, o, por ejemplo, en las esculturas de las cabezas de sus nietos realizadas en escayola por el propio Antonio López.

La mayor parte de la obra pictórica que el genial artista Antonio López ha creado en las últimas décadas se presenta como un fiel reflejo de la vida urbana más íntima y privada, huyendo completamente de la deslumbrante luminosidad cosmopolita. A través de esta perspectiva de trasfondo existencial, los bibliófilos lectores de Lux Atenea quedarán profundamente impactados al contemplar obras tan espectaculares como “Nevera Nueva”, “Mujer en la bañera (1968)”, “Mujer en la bañera (1971)”, “Lavabo y Espejo (óleo que pueden apreciar en la imagen de la portada del libro)”… Además, comprobarán cómo Antonio López se ve inexorablemente atraído por los edificios abrazados posesivamente por el tiempo y el inexorable efecto de degradación que ello provoca en el interior de las viviendas, encontrando una fértil y creativa fuente de inspiración casi inagotable cuyas imágenes reflejadas en el lienzo acaban resultando muy cercanas a algunas de las imágenes que vemos en la vida cotidiana de una gran ciudad. Decoraciones desangeladas que el paso del tiempo acaba cubriendo de decadente estética siniestra, quedando perfectamente reflejados hasta el más mínimo detalle en los cuadros firmados por Antonio López titulados “Estudio con Tres Puertas”, “El Water”, “Taza de Water y Ventana”… Como no podía ser de otra forma, las casas antiguas también fascinan a este talentoso artista, dando como fruto final a obras tan extraordinarias como “Casa de Antonio López Torres”, “Habitación en Tomelloso”, “El Aparador”… Pero, es en los últimos años cuando la ciudad de Madrid concentra la atención artística de Antonio López, inmortalizando su personalidad urbanística y paisajística en cuadros tan admirables como “Madrid desde Vallecas”, “Afueras de Madrid desde el cerro Almodovar”, “El Campo de Moro”… o en pintura urbana que se muestra tan espectacularmente bella en cuadros como “Madrid desde Capitán Haya”, “Madrid desde Torres Blancas”, “Gran Vía, Clavel”, “Gran Vía”, “Madrid Sur”… En definitiva, esta preciosa edición atesora en su interior una espectacular y completa selección de las creaciones pictóricas firmadas por este prestigioso artista, y seguro que será más de una vez consultado por su calidad informativa. “Antonio López García”, libro de imprescindible lectura y análisis para quienes aman las obras pictóricas más relevantes con sello español. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 45 // Reseña Literaria nº: 21

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Reseña actualizada. Publicada el 5 de enero del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: CÍRCULO DE BELLAS ARTES
Edición: 1997 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 130

Algo tiene el cuadro “El Jardín de las Delicias” del pintor holandés Jeroen Anthoniszoon van Aken, Hieronymus Bosch (1450-1516), que te deja hipnotizado en cuanto fijas la mirada en este famoso tríptico. Popularmente conocido en España con el nombre de El Bosco, este innovador artista y su extraordinaria obra ya fueron protagonistas en una de las ediciones de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD que publiqué entre los años 1999 y 2002, abordando esta interesante temática en un artículo para que los lectores pudieran conocer un poco más en profundidad el significado simbólico guardado en tan maravillosa obra. “El Jardín de las Delicias”, auténtica joya de referencia dentro de la Historia Universal de la Pintura, posee un aura artística que lograría fascinar con tal intensidad y pasión a la artista japonesa Mariko Umeoka Taki que dedicaría cinco años de su vida al estudio, contemplación y dibujo en gran formato de esta hipnótica obra pictórica. Una entrega artística y espiritual en Mariko Umeoka Taki muy cercana a lo místico. El fruto artístico final de esa detallada labor de estudio, de inspiración y de creación pudo contemplarse en el año 1997 en la exposición organizada por el Círculo de Bellas Artes en Madrid, en colaboración con la Embajada de Japón en España. La genial artista Mariko Umeoka Taki tuvo la oportunidad de presentar su propia versión personal del famoso y enigmático cuadro “El Jardín de las Delicias”, y, como no podía ser de otra forma, mi asistencia a tan magno e irrenunciable evento cultural no tardó en realizarse, quedando este catálogo oficial de la exposición como recuerdo de los momentos únicos e irrepetibles que viví debido a la trascendencia cultural allí experimentada.

Actualmente, la obra “El Jardín de las Delicias” pertenece a la prestigiosa y espectacular colección pictórica gestionada por el Museo Nacional del Prado (Madrid), encontrándose expuesta al público en una de sus más preciosas salas. Sin ninguna duda, recomiendo a los cultos lectores de Lux Atenea visitar este magnífico museo para que puedan observar atentamente y disfrutar este impresionante tríptico. “El Jardín de las Delicias” atraerá su mirada para centrarla en sus diversas y misteriosas figuras. Lo que les dejará muy asombrados es su colosal tamaño cuando tengan esta obra delante de sus ojos, que unido al elegante formato utilizado por El Bosco con dos siniestras puertas diseñadas de tal forma que permiten ocultar con total discreción el enigmático mensaje contenido en su interior, hará que la contemplación de este tríptico sea aún más impactante. Además, la fuerza y la intensidad de sus colores ofrecen una imagen muy viva de este mundo abstracto que aparentemente parece ser el nuestro, y cuyos detalles simbólicos son mucho más cercanos al inconsciente humano al igual que también se vió reflejado en el Surrealismo y en el Expresionismo. Pero la época de Hieronymus Bosch nos llevaría a muchos siglos atrás en el tiempo, ya que el Surrealismo y el Expresionismo son del siglo XX aunque compartan ese trasfondo psicológico en su estilo. Europa vivió el auge y el esplendor del Surrealismo y del Expresionismo hace un siglo y, durante este tiempo, ha habido expertos que se han referido a “El Jardín de las Delicias” como la primera obra surrealista en la Historia de la Pintura por su simbolismo. Precisamente, es el mensaje transmitido por ese simbolismo tras ser desvelado por Mariko Umeoka Taki en sus obras y en este catálogo oficial, lo que da importancia cultural e informativa a esta reseña.

En este volumen, aparte de los análisis artísticos realizados por ilustres expertos relacionados con el Arte, las páginas de este lujoso catálogo contienen didácticas explicaciones de los elementos que conforman y dan sentido a este cuadro, cuyo detallado reflejo en dibujos, esquemas, e imágenes en gran formato, convierten a esta edición en una joya de biblioteca de obligada lectura. Un libro de referencia en cuanto al profundo estudio que se ha realizado sobre el significado de los mensajes representados simbólicamente por El Bosco en este cuadro, y cuyo estilo pictórico no tiene paralelismo alguno ni identificación posible con las tendencias artísticas de la época. Además, la propia estructura y división del cuadro en cuatro temáticas místicas como son el Paraíso, El Jardín de las Delicias, el Infierno, y la Creación reflejados en esta monumental obra, añade más incógnitas aún al espectador profano interesado en esta materia. Por esta admirable labor de investigación llevada a cabo por Mariko Umeoka Taki, y que tan detalladamente ha descrito en este catálogo, aconsejo a los bibliófilos lectores de Lux Atenea que, si tienen oportunidad de adquirir un ejemplar de este catálogo, no duden un segundo en comprarlo. Tanto por la cuidada calidad de impresión que tiene esta edición a todo color donde se ha utilizado papel de alto gramaje, como por la belleza que transmiten las obras de Mariko Umeoka Taki aquí inmortalizadas en imágenes, o por su interesante contenido informativo, este precioso catálogo se ha convertido en una buscada edición destinada a engrandecer toda biblioteca caracterizada por su más distinguida selección cultural. “Encuentro con El Bosco”, cuando el simbolismo de un cuadro tan misterioso y enigmático como “El Jardín de las Delicias” es descifrado por la inteligente mirada de esta talentosa artista japonesa. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.