Acerca de Félix V. Díaz

Félix V. Díaz, desde el año 1999, siendo pionero en España como analista cultural orientado a la difusión de las obras artísticas más selectas inspiradas en la mirada más profunda a lo Bello, a lo Sublime, y a lo Siniestro (Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, Shadow's Garden, Ouroboros Webzine y, actualmente, publicando en mi blog cultural y existencial Lux Atenea).

Review #2288).

Posted on 17 julio, 2025 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2288 // Reseña Musical nº: 1475

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico franco-belga Pogo Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: SIDE A: 1- Raise // 2- Fire and Fear // 3- Too Late
SIDE B: 4- Deathly Silence // 5- The Soft Whispers // 6- Earth
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Cyrille Gachet en los meses de invierno del año 2024; álbum masterizado en el mes de mayo de 2024 por Alan Douches en Westwestside Music
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandioso Álbum Musical dentro de la escena sludge rock

Presentado oficialmente a principios del pasado mes de enero, el álbum “Deathly Silence” de la banda francesa Membrane se ha convertido en el máximo exponente de creatividad musical dentro de su apasionante carrera artística. El álbum “Deathly Silence” ha sido publicado en formato digital, en una preciosa edición limitada de 150 unidades en LP 12” en vinilo transparente, y en una selecta edición splatter limitada a 150 unidades en LP 12” en vinilo blanco y negro, gracias a la colaboración discográfica entre el prestigioso sello franco-belga Pogo Records, el sello discográfico francés Day Off, el sello discográfico francés Araki Records, el sello Ma Saret Records, y Blind Prod. Engalanado con este magnífico diseño artístico creado por McVtx, destaca especialmente por su siniestra portada de trasfondo fúnebre donde la iluminación es clave en su belleza como imagen en blanco y negro. Formado por Nicolas Frère (guitarra eléctrica y vocalista), Nicolas Cagnoni (bajo y coros), Maxime Weingand (batería), y Hugo Perestrelo (guitarra eléctrica), la banda musical francesa Membrane destaca especialmente por su avanzada perspectiva creativa dentro del estilo sludge rock, decorado con algunas pinceladas conceptuales propias del doom metal. Vertebrado por seis temas, el álbum “Deathly Silence” no les concederá tregua alguna salvo en los valles musicales definidos en algunos de sus temas, teniendo cada canción su propia personalidad sonora donde hasta la lírica es magníficamente interpretada por Nicolas Frère dentro de una amplio abanico de registros vocales. Tras haber pasado por el proceso técnico de masterización realizado por Alan Douches, este álbum impresionará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena sludge rock, e incluso metal, precisamente por su intensidad sonora donde el bajo, las guitarras eléctricas, y la batería son apocalípticas y arrolladoras, pudiendo ser disfrutadas con un extraordinario nivel de nitidez sonora. Como analista musical, siempre recomendaré la adquisición de su edición en vinilo precisamente por la calidad que ofrece este formato discográfico, pudiendo sentir los temas en su plenitud artística.

Iniciamos la audición de este espectacular álbum sumergiéndonos en la furiosa atmósfera sonora del tema “Raise”, sin concesión alguna a la calma, mientras las guitarras eléctricas crean este muro casi ruidístico por su densidad y por su aspereza musical. Un comienzo de álbum intenso, ácido, y desgarrador donde la voz de Nicolas Frère destaca por sus gritos desde el alma, y por este plano instrumental para bajo que le da potencia y solidez a toda la estructura, perfilando una composición que se desarrolla a través de oleadas salvajes. Un entorno que, como jungla despiadada, es recreado con sumo talento en la parte final de la canción con esta batería de auténtico lujo marcando el tempo, con estas guitarras apocalípticas, y, posteriormente, con el muro sonoro para guitarra que define claramente a esta composición. Sludge rock espectacular que dejará profundamente impactado al melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta joya discográfica, sobre todo en su lujosa edición en vinilo. A continuación, el tema “Fire and Fear” surgirá con una entrada mucho más tranquila pero, rápidamente, la batería nos anticipará la aparición inminente de su rugiente guitarra acompañada por un plano lírico contenido, desatándose toda la tensión con este torbellino instrumental que avanzará con la arrogancia de quien extiende la violencia y la destrucción. Con un valle sonoro donde su afilada guitarra se eleva como un siniestro ave fénix apocalíptico, mientras el bajo ahonda en lo lúgubre hasta adentrarse en el estilo doom metal, con firmeza marcarán la tormentosa aparición del espíritu artístico de Membrane con una potencia inmisericorde, incluso en la parte final del tema donde hasta la calma tras la tormenta crea inquietud. Un horizonte musical que se presentará absolutamente desgarrador porque sale de dentro, de la rabia contenida. Con el tema “Too Late” no dando descanso posible, su melodiosa entrada para guitarra irá definiendo un entorno decadente donde el fracaso no es asimilado, aunque la realidad marque lo contrario. En esta canción, los matices en la interpretación lírica son esenciales porque, a nivel conceptual, Membrane lleva a esta composición hasta la frontera del sludge rock con el doom metal pero sin traspasarlo. Bajando un nivel de intensidad en su desarrollo instrumental, en “Too Late” destaca especialmente este plano para guitarra situado en lo alto de la estructura musical, mientras el plano vocal queda en un nivel inferior como tapado por una nebulosa de perdición. Esta recreación artística queda fielmente representada en su epílogo musical donde la voz son lamentos, y con la melodiosa guitarra mostrando aquello que no se desea ver en el presente. ¡¡¡“Too Late”, magnífico tema!!!

Posteriormente, el tema homónimo del álbum lo cubrirá todo de oscuridad existencial como la entrada a un cementerio en soledad, surgiendo las guitarras y la batería con una estructura dimensional espectacular, y dentro de un tempo pausado e inquietantemente apaciguado. Pero la explosión sonora estallará orquestada por esta batería de auténtico lujo, estableciendo un paso casi marcial en su evolución que abrirá los espacios de su estructura instrumental a la guitarra, de nuevo, situada en un nivel superior. Con un registro vocal llevado al extremo de su tensión interior, en esta fase de la composición, el tema “Deathly Silence” se transformará en una delicatessen dentro del estilo doom metal, proyectando un halo de perdición casi irrespirable por el aciago destino que presagia y que se reforzará musicalmente hablando en la parte final de la canción. ¡¡¡“Deathly Silence”, grandioso tema!!! En cambio, en “The Soft Whispers”, Membrane nos presenta una estructura siniestra en su ambientación pero mucho más abierta en su dimensión. Una estructura multicapa donde cada instrumento queda estratificado, y no establecido en una única línea horizontal. Incluso con la entrada de este sampler, el melómano lector de Lux Atenea reafirmará su fascinación ante lo innovador, ante el talento en la composición musical, y ante la pasión en la interpretación tanto lírica como instrumental, avanzando este tema con los pesados pasos de un coloso. “The Soft Whispers” se mueve con soltura y con un claro trasfondo artístico dentro de unos límites de intensidad que permiten remarcar cada instrumento, quedando el plano vocal en un segundo nivel para que podamos sentir su trasfondo lírico en cada uno de sus matices, y en cada uno de sus cambios de registro. Por este motivo, seguro que disfrutarán de varias audiciones más del tema “The Soft Whispers” antes de que “Earth” clausure este intenso álbum. Un final musical superlativo donde el protagonismo del plano vocal es total desde su inicio, derivando hacia un estilo más gótico que será reconducido de nuevo hacia el sludge rock. Apoyado con solidez por las guitarras, la batería me parece espectacular por su sentido del tempo, y por el alma sonora que define a esta composición a nivel instrumental, llegando a su epílogo con la mirada fija en ese abismo al cual seremos arrojados inexorablemente. “Deathly Silence”, la banda musical francesa Membrane transformando el estilo sludge rock en pura vanguardia dentro de esta escena marcada por el inconformismo existencial más visceral. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

7697 MILES “KECHU” (KINETIK RECORDS, mayo 2025) (Reseña / Review #2287).

Posted on 16 julio, 2025 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2287 // Reseña Musical nº: 1474

Quiero dar las gracias al genial artista alemán Dieter Mauson (Nostalgie Éternelle, Delta-Sleep-Inducing Peptide, Occupied Head, 7697 Miles) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Fill Kolor // 2- Traykem // 3- Walüng // 4- Vichuquen // 5- Aiwiñ // 6- Yelmen // 7- Kimngeay
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena ambient más experimental

A mediados del pasado mes de mayo fue presentado el nuevo álbum del dúo musical 7697 Miles titulado “Kechu”, siendo publicado a través del prestigioso sello discográfico griego KinetiK Records en formato digital y en una preciosa edición limitada de 20 unidades numeradas en cassette, ambas disponibles a través de la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con esta contundente portada en blanco y negro, “Kechu” irradia solidez en su reflejo visual con esta rocosa y estratificada imagen porque, en su nuevo álbum, 7697 Miles vuelve a presentar otra grandiosa demostración de su talento creativo de vanguardia. Formado por el artista chileno Cristobal Rawlins (Raw-C) y el artista alemán Dieter Mauson (Nostalgie Éternelle, Delta-Sleep-Inducing Peptide, Occupied Head), desde el año 2018, el dúo musical 7697 Miles no ha dejado de innovar dentro de un eclecticismo musical bajo la influencia conceptual de estilos como el ambient, experimental, high-tech ambient… y con reminiscencias a la escena electrónica de la década de los setenta, además de acercarse de forma puntual a la frontera con el dark ambient. Un trasfondo artístico que los melómanos lectores de Lux Atenea sentirán nítidamente en su nuevo álbum “Kechu”, y siempre con la inspiración creativa mostrada con un sentido de armonía absoluta que caracteriza a su estilo de composición. Dentro de esta escena, el dúo musical 7697 Miles no ha dejado de presentar nuevas perspectivas estructurales, nuevas integraciones sonoras, nuevas definiciones basadas en dos pilares conceptuales contrapuestos en una sola misma composición, ofreciendo pura vanguardia a los melómanos para sorprenderlos y fascinarlos con cada nueva obra presentada. Esta es la grandeza artística de 7697 Miles, y su nuevo álbum “Kechu” es espectacular.

Iniciamos la audición de esta magnífica obra adentrándonos en su primer tema “Fill Kolor”, donde su pulsante estructura musical proyecta una ambientación sonora futurista con lo sintético y lo tecnológico fluyendo en esta atmósfera multicolor sobre fondo oscuro. Pero “Fill Kolor” no es una composición alegre, sino que te lleva a esa perspectiva reflexiva donde lo observado te envuelve con su magnetismo musical posesivo, como la noche atrapando almas solitarias. Una delicia musical que desembocará en el tema “Traykem”, con un cuerpo ambiental más etéreo donde la música electrónica experimenta sin perder su armonía en ningún momento. Una entrada sutil en este túnel donde el tiempo parece diluirse, y donde la luz queda difuminada en una densa niebla hasta llevarnos a la magia de las bandas sonoras de las películas de terror de la década de los setenta, pero modernizando su estructura con matices musicales de este siglo XXI. “Traykem” parece conducir a la calma, pero su halo sonoro provoca inquietud, abriendo sus detalles melódicos con un sentido del equilibrio que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la música que irradia belleza, incluso adentrándose en lo siniestro. Posteriormente, el estilo musical cambiará completamente en el excelso tema “Walüng” donde la vanguardia conceptual aflora con una grandeza artística seductora e intimista. De nuevo, con reminiscencias a la década de los setenta en cuanto a la personalidad de estos planos melódicos para sintetizador, son decorados con un gran sentido dimensional a través de cromatismos sonoros casi cristalinos que destellan magia musical, transformando su audición en algo fuera de este mundo. Sin llegar a lo psicodélico, el excelso tema “Walüng” se acerca a esa frontera por su fluctuante evolución estructural mientras muta y se transforma para encantarnos. Una clara demostración del espíritu innovador que caracteriza a 7697 Miles por su estilo de composición, presentando una maestría artística y un fértil estado de inspiración que se nota en el desarrollo de estas composiciones. ¡¡¡“Walüng”, qué delicia!!!

Con el tema “Vichuquen” oscureciendo completamente el escenario musical, sus destellos luminosos como estrellas en el cielo nocturno rápidamente van a adquirir un trasfondo tenebroso con la entrada de pinceladas sonoras de lo más inquietantes. Casi orgánico y vivo en su desarrollo, “Vichuquen” perfectamente podía ser la banda sonora de una mansión abandonada donde lo espectral se manifiesta de forma sutil, pero aterradora. Con sus planos melódicos dando claridad a un escenario marcado por lo decadente, la entrada de este lúgubre pasaje melódico confirmará lo intuido desde el comienzo del tema, reafirmando su oscuridad tan inteligentemente definida como una orquestación material de lo diabólico, siempre oculto tras el velo de la realidad. Oscilando conceptualmente en la frontera del ambient con el dark ambient, el tema “Vichuquen” llevará al melómano lector de Lux Atenea a repetir su audición debido a este interesante despliegue de matices sonoros, organizados en dos pilares contrapuestos donde la luz y la oscuridad no se mezclan, sino que crean un conjunto global espectacular. ¡¡¡“Vichuquen”, pura armonización conceptual!!! Luego, el tema “Aiwiñ” nos llevará de nuevo a un escenario futurista pero mucho más nítido y expansivo que en “Fill Kolor”, y con una amplia perspectiva del entorno desde lo alto abarcando la extensa presencia del desarrollo más avanzado. “Aiwiñ” abre el horizonte, expande la mente, y con la mirada estimulada con este espectáculo tan activo como mágico, al final del tema uno se queda con la sensación de haber sentido lo que puede llegar a ser una futura civilización altamente tecnificada. En el tema “Yelmen”, con 7697 Miles sorprendiéndonos con otra contundente muestra de su talento en la composición, los sentidos quedarán fascinados con esta inmersión musical cuyo firme tempo crea la base perfecta para elevar estas columnas sonoras absolutamente brillantes. De espíritu experimental, en “Yelmen” se entremezclan bases rítmicas propias de lo tribal con melodías electrónicas de la década de los setenta, y con planos sonoros experimentales que le dan esta aura de vanguardia que lleva a este conjunto musical a lo ecléctico de forma muy clara. Finalmente, el tema “Kimngeay” clausurará este impresionante álbum perfilando una estructura musical de tormentosos claroscuros, disipándose de forma progresiva con este estilo high-tech ambient de primer nivel. Nueve minutos de puro disfrute a través de escenarios sonoros impredecibles, y de una viveza radiante que contrasta completamente con su trasfondo oscuro. La discreta entrada de bases rítmicas le irán dando un mayor dinamismo e impulso, pero de forma controlada para que sus matices electrónicos sigan siendo los protagonistas en este grandioso despliegue musical. “Kechu”, 7697 Miles en estado de máxima creatividad artística dentro de su avanzada mirada conceptual de vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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NOSTALGIE ÉTERNELLE “NOTRE DÉBUT (RE-ISSUE)” (FINAL MUZIK, 2011) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PSYCHIC TV “A PRAYER FOR DEREK JARMAN” (COLD SPRING RECORDS, junio 2025) (Reseña / Review #2286).

Posted on 29 junio, 2025 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2286 // Reseña Musical nº: 1473

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD con libreto de 8 páginas desplegable (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- The Loops Of Mystical Union // 2- Elipse Of Flowers // 3- Mylar Breeze (Parts 1 & 2) // 4- Mylar Breeze (Part 3) // 5- Prayer For Derek // 6- Rites Of Reversal
Datos técnicos: Temas musicales grabados en The Building Site y en Jhopdi Studios; álbum remasterizado por Genesis P-Orridge y Larry Thrasher
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- The Loops Of Mystical Union // 2- Elipse Of Flowers // 3- Mylar Breeze (Parts 1 & 2)

El pasado día 23 de junio fue presentado oficialmente el extraordinario álbum “A Prayer For Derek Jarman” de Psychic TV que, tras más de treinta años, vuelve a resplandecer con intensidad a nivel musical en este siglo XXI. Teniendo como formación artística a Genesis P-Orridge, John Gosling (Zos Kia, Coil, Mekon), y Larry Thrasher, mayormente el peso cinematográfico en estas obras es clave para poder ver el sentido y el trasfondo de estas composiciones que tienen al polifacético artista británico Derek Jarman (1942-1994) como fuente de inspiración. Publicado por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD con libreto de 8 páginas desplegable, y con anotaciones de Genesis P-Orridge realizadas en el año 1997, el álbum “A Prayer For Derek Jarman” ha sido engalanado con este impactante trabajo artístico realizado por Abby Helasdottir. Destacando especialmente su portada y su contraportada, es en su imagen principal donde se integran visualmente lo religioso y lo moderno y vanguardista, creando este icono con la figura de Derek Jarman santificada por ese halo de luz alrededor de su cabeza, y que tiene un trasfondo y un mensaje artístico mucho más profundo que los melómanos lectores de Lux Atenea podrán entender cuando lean el siguiente párrafo de esta reseña. Teniendo como perspectiva artística de vanguardia al estilo industrial, del cual Genesis P-Orridge es clave conceptual imprescindible, el álbum “A Prayer For Derek Jarman” presenta una amplia diversidad estructural a nivel musical que lo sigue llevando hasta lo innovador a pesar de los años ya transcurridos. Con lo esotérico siempre presente en Psychic TV, estas composiciones destacan especialmente por el alto grado de virtuosismo en su concepción, presentando una creatividad desbordante y una personalidad sonora que las hace únicas. Tras haber pasado por este trabajo técnico de remasterización realizado por Genesis P-Orridge y Larry Thrasher, el álbum “A Prayer For Derek Jarman” adquiere una calidad musical que les atraerá por su dimensión sonora y por su nivel de detalle, proyectando ese realismo tan necesario para poder sentir su mensaje.

El axis artístico que da sentido a los seis temas que vertebran este álbum es el polifacético artista británico Derek Jarman (1942-1994), cuyas obras dentro de la escena cinematográfica y literaria, y dentro del arte plástico de vanguardia, siguen siendo de ineludible referencia. Además de su defensa de los derechos de los homosexuales en aquella época, Derek Jarman no dudó en proyectar otra imagen del movimiento gay a través de sus obras artísticas. Tratando de alejar con ello la visión distorsionada que la sociedad británica tenía sobre este tema, el poso religioso tradicionalista es clave para poder entender la consolidación que tienen estos prejuicios en la sociedad. En el fondo, Derek Jarman llevó la Modernidad verdaderamente a la sociedad británica que, aunque moderna en apariencia, seguía teniendo raíces muy profundas en lo tradicional y con todos los prejuicios e hipocresías sociales que ello conlleva. Derek Jarman murió en el año 1994 a consecuencia del virus del SIDA, tras haberse retirado a su legendaria casa Prospect Cottage situada en la costa inglesa de Dungeness (Kent, Reino Unido) cuando supo que estaba contagiado con esta enfermedad entonces incurable. Yo soy heterosexual y, por mi edad, viví aquellos años. Ciertas corrientes tradicionalistas y religiosas en aquella época no dudaron un segundo en hablar del SIDA como de un castigo divino a los homosexuales, difundiendo este mensaje a nivel social. Un ejemplo de estigma social sin fundamento alguno, pero difundido de forma interesada. Este es un claro ejemplo de esa mentalidad tradicionalista religiosa existente en una sociedad aparentemente moderna y, no hay que echar la vista atrás muchos años para ver mensajes del tipo “si eres heterosexual, no te preocupes que de SIDA solo se contagian los homosexuales” o “el SIDA es un castigo de Dios para los gays” en medios de comunicación y en declaraciones públicas. Religión-Tradicionalismo-Sinrazón, la misma historia de siempre. Para qué usar la Razón, la Lógica, y el Pensamiento Científico, cuando se han de sobrevalorar por encima de todo a lo emocional y a lo sentimental, ya que han de ser los verdaderos motores sociales según ellos. Sin la Razón, sin la Lógica, y sin la Ciencia, es mucho más fácil manipular a la sociedad y a las mentes de las personas, y, dentro de otro plano, está siendo además uno de los problemas sociales más graves que ha traído consigo la Posmodernidad por su entrega absoluta a lo emocional y a lo sentimental que domina una gran parte del universo digital de las redes sociales unida al sensacionalismo, al materialismo, al hedonismo, al egocentrismo… influyendo en el pensamiento de una parte cada vez mayor de la ciudadanía. Este choque frontal con lo Religioso-Tradicional no solamente fundamenta la esencia artística de Derek Jarman, sino también la perspectiva de Psychic TV pero añadiendo un trasfondo esotérico y mental muy profundo que es ineludible para poder entender su obra musical, con Genesis P-Orridge como alma mater.

Iniciamos la audición de esta joya discográfica sumergiéndonos en el universo musical de Psychic TV a través del primer tema “The Loops Of Mystical Union”, tenebroso e incisivo en su comienzo musical mientras la tensión no deja de ir en aumento a pesar de sus intermitencias. Un espectro industrial cortante y abrasivo donde lo chirriante rompe con la sensibilidad para llevar a un estado mental muy bajo unido a lo primitivo. Destrucción y acción para teatralizar a nivel simbólico el rechazo al entorno, la oposición a lo sólidamente establecido que es dañado de forma implacable en busca de una luz ya apagada. Un dinamismo ambiental que se siente como una amenaza para la existencia, y que se encuentra en todos los sitios porque domina más por su constante mutación que por su poder. Y frente a ello, la acción más desgarradora que, incluso lesiva, es incansable porque no acepta su sometimiento. ¡¡¡“The Loops Of Mystical Union”, claustrofóbico y salvaje!!! Luego, en “Elipse Of Flowers”, todo cambiará hacia un escenario más melódico y luminoso donde el plano instrumental para percusión es clave en su tempo, desarrollándose con una aparente armonía que, en el fondo, no llega a consolidarse, dando la sensación de estar en reproducción en reversa. Con las iridiscencias embelleciendo su atmósfera, su proyección sonora es mántrica bajo la influencia musical de la India, extendiéndose con esa polifonía donde cada foco instrumental tiene carácter propio y que, en su conjunto, llegan ocasionalmente a converger en un equilibrio espiritual que desaparecerá tan rápidamente como llegó, volviéndose a iniciar su ciclo. El tema “Elipse Of Flowers” es ambient a nivel conceptual, incorporando elementos experimentales que lo acercan a lo post-industrial a nivel estructural en aquellas fases de la composición donde se pierde la armonía, y esta definición musical será mucho más clara en su parte final con el uso de samples.

Como banda sonora del primer cortometraje de Derek Jarman titulado “Sebastiane” (1976), esta composición destaca de manera muy especial en este álbum, desarrollándose en tres partes divididas en dos. En la primera, “Mylar Breeze (Parts 1 & 2)”, los melómanos lectores de Lux Atenea se encontrarán con esta estructura instrumental propia de la Música Contemporánea, extendiendo estos planos melódicos para piano donde sus ecos son esenciales para delimitar el espacio dimensional. Adquiriendo una belleza sonora cada vez más compleja y atrayente, “Mylar Breeze (Parts 1 & 2)” irá poco a poco degradándose con pinceladas sonoras tensas cada vez más frecuentes que afectan a su evolución musical. Incluso, el tempo de estos planos melódicos llegan a chocar entre sí, como si fuera una lucha por dominar este entorno, motivo por el cual la entrada de notas graves un tanto sepulcrales van a ir alejando cualquier atisbo de armonía melódica, derivando la composición hacia esa vertiente de la Música Contemporánea donde lo obscuro se vuelve cada vez más siniestro y provocador. Unas teclas del piano que se hunden como pesadas piedras que caen en la superficie de un lago para romper su brillante espejo del mundo, y que terminan convirtiendo a la segunda parte de “Mylar Breeze” en una dramática manifestación sonora en su epílogo. Con el tema “Mylar Breeze (Part 3)” apareciendo con estos cantos en el silencio, todo derivará hacia el lamento y el sufrimiento aceptado, consentido, porque se mira a los ojos del destino cara a cara a pesar de su angustioso y trágico presente. Experimental en su esencia, en “Mylar Breeze (Part 3)” son las voces lo que definen su personalidad musical hasta hacerse fúnebres, y liberadoras del alma a su vez por su mántrico trasfondo. Una vez desaparezcan, volveremos a la esencia instrumental de “Mylar Breeze (Parts 1 & 2)”, pero no en su fase mortuoria final, sino en su luminosidad inicial. Conservando la armonía durante la mayor parte del tiempo, en esta fase de la composición, la entrada de planos sonoros tensos y desequilibrados va a ir tapando cada vez más focos de luz para dar paso a esta oscuridad con poso melancólico.

Con el tema homónimo del álbum amalgamando estas grabaciones de campo en la orilla del mar, con el sonido de las aves, la sensación de calma espiritual es absoluta. En el fondo, aquí se percibe claramente el intento de recrear el encanto que Derek Jarman vio en la costa inglesa de Dungeness para fijar allí su legendaria casa Prospect Cottage. No hay que olvidar que se desplaza allí tras conocer que estaba contagiado con el virus del SIDA y, en su inicio, el tema “Prayer For Derek” transmite esa búsqueda de la paz espiritual y esa aceptación de su destino con una mirada a la inmensidad. Un contraste absoluto entre la presencia de la vida a través de estos cantos de aves, y el paso del tiempo simbolizado en el rítmico sonido de las olas. Todo esto cambiará cuando aparezcan otros samples donde lo humano está presente, quedando todo lo anterior en un segundo plano y obscureciéndose de forma progresiva hasta saturar todo este espacio. Un siniestro caleidoscopio del cual saldremos para adentrarnos en esta tenebrosa estancia con elementos sonoros propios del chamanismo, y que tienen sentido en esta composición como guía para el alma al dejar atrás su encarnación. Finalmente, con el tema “Rites Of Reversal” clausurando este grandioso álbum, el escenario musical volverá a presentar un nuevo cambio radical mientras lo agresivo y lo visceral son representados por este gruñido de perro, siendo sus samples modulados y alterados durante toda la composición. Un tema concebido por Genesis P-Orridge como banda sonora de una película basada en el polifacético artista estadounidense Williams S. Burroughs (1914-1997), y que tenía a Derek Jarman como camarógrafo. “A Prayer For Derek Jarman”, joya discográfica por excelencia para los fieles seguidores de Psychic TV y para los melómanos amantes de esa vanguardia musical que no pierde su fundamento innovador, pasen los años que pasen. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SEPHIROTH “CATHEDRON” (CYCLIC LAW, marzo 2025) (Reseña / Review #2285).

Posted on 26 junio, 2025 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2285 // Reseña Musical nº: 1472

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico Cyclic Law por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Wolftribes // 2- Cathedron // 3- The Moongate // 4- Abyssanctum // 5- Heliopolis // 6- Dark Father // 7- R’lyhe
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados entre los años 1997 y 1998 en Nightland
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena dark ambient y industrial tribal

Editado originalmente en CD (Cold Meat Industry, 1999), a finales del pasado mes de marzo fue presentada oficialmente esta re-edición del mítico álbum “Cathedron” de Sephiroth. Publicado por el prestigioso sello discográfico Cyclic Law en formato digital, en una preciosa edición limitada de 300 unidades en ecopak CD de seis paneles, y en dos lujosas ediciones en 2LP 12” en vinilo negro y vinilo verde militar jaspeado limitadas a 200 y 100 unidades respectivamente, el álbum “Cathedron” ha sido engalanado con esta maquetación realizada por Heresie Studio, conservándose gran parte del diseño original creado por Roger Karmanik, propietario del mítico sello discográfico sueco Cold Meat Industry y del legendario proyecto musical Brighter Death Now. Basándose para su portada en esta fotografía tomada por el propio artista sueco Ulf Söderberg, alma mater de Sephiroth, en esta imagen quedan reflejados lo mágico y lo simbólico conectados con el entorno natural sin perder su unión trascendente con lo celestial, pero con esos aires de decadencia donde el pasado va pasando de lo ruinoso a quedar desdibujado en el recuerdo. Vertebrado por siete temas musicales, “Cathedron” fue el álbum de debut de Sephiroth, atesorando estas impresionantes composiciones grabadas y mezcladas entre los años 1997 y 1998. El artista sueco Ulf Söderberg presentó esta colosal obra adelantada a su tiempo, cuyo fundamento conceptual estaba basado en el estilo dark ambient y en su mirada creativa tan particular del industrial tribal. Una opera prima espectacular que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea por su esencia de vanguardia que aún conserva su brillantez artística innovadora en este siglo XXI. Como analista musical, siempre recomendaré adquirir la edición discográfica en vinilo por su autenticidad sonora, que es muy apreciada por los melómanos deseosos de sentir y de disfrutar las obras musicales en su plenitud. Una adquisición que se convertirá en una de las joyas musicales de su colección discográfica.

Sin más demora, iniciamos la audición de este mítico álbum adentrándonos en el primer tema “Wolftribes”, con una atmósfera musical siniestra que parece creada artísticamente en la actualidad que a finales de la década de los noventa. Una inteligente integración conceptual de dark ambient e industrial con matices tribales que te envuelven, y cuya energía sonora fascinará al melómano lector de Lux Atenea afín a la escena dark ambient más ecléctica. Con ráfagas intensas, con oleadas musicales potentes, el tema “Wolftribes” irradia ese desafío de lo primario tratando de imponerse en un presente cuya realidad considera obsoleta y sin pulsión vital. La mirada del cazador observándolo todo desde arriba, mientras sus ojos analizan un entorno que considera ya como suyo. ¡¡¡“Wolftribes”, vanguardia intemporal!!! A continuación, el tema “Cathedron” se encuentra dividido en cuatro movimientos que fueron indicados en la edición original (“Spell Of The Eastern Desert”, “The City Of No Name”, “Bone Drums”, y “Dream And The River”), comenzando por esta solemnidad que va abriendo su incontenible halo salvaje envuelto en obscuridad para dominar, para ocultar, para mostrar de forma sutil, ese trasfondo de la realidad siempre escondido a la mirada del profano. El tema homónimo del álbum se erige en estandarte artístico de esta magna obra, ondeando su avanzada perspectiva creativa con una riqueza en matices espectacular mientras toda la estructura muta hacia terrenos sonoros que sorprenderán siempre al melómano hasta el final. Con la presencia del agua salvífica y de estos coros sacros perfumando el entorno, la entrada de planos sonoros tribales cambiará completamente el escenario para volverlo más humano y menos místico, presentándose lo melódico como espectáculo de la vida desarrollándose y expandiéndose. Ni siquiera las iridiscencias nos hacen volver a la calma espiritual inicial, transformándose lo melódico en esa bruma que huele a inteligencia deseando destacar, poseer, y alterarlo todo porque va descubriendo su fundamento. Luego, la densidad sonora de lo tribal aparecerá con la inimitable osadía musical del industrial para elevarse como dueño y señor de la Tierra y del Cielo, quedando la mirada sublime de lo existencial recreada con suma belleza por Ulf Söderberg en esta parte final de la composición. Una atmósfera armoniosa donde la quietud estimula al espíritu para poder tocar al alma, y con la contemplación como fuente de Conocimiento de un mundo aún con secretos por descubrir. Una visión, una premonición, ese estado entre la vigilia y lo onírico donde los sentidos se expanden hasta su máxima sensibilidad, y con las iridiscencias cristalinas abriendo esas puertas a una realidad alejada completamente de lo carnal, de ahí la entrada en perfiles musicales puramente dark ambient. ¡¡¡“Cathedron”, grandioso tema!!!

El círculo, la puerta, la Luna, lo mágico, todo confluirá en clave musical en el tema “The Moongate” para que este entorno nos atrape con esa oscuridad propia del abismo. Integrando planos sonoros industriales en este escenario dark ambient por su trasfondo, “The Moongate” es una composición que perfectamente podía pasar como vanguardia en la actualidad si fuera presentada hoy por primera vez. Esta es la grandeza artística y el talento creativo adelantado a su tiempo que Ulf Söderberg mostró en este álbum, perfilando dimensiones musicales tenebrosas que no provocan temor sino atracción por su trasfondo esotérico. Una muestra más de su talento a la hora de dar vida a mundos, a escenarios, a entornos donde lo mágico, lo mitológico, y lo ancestral, están presentes en su pureza primigenia con los instrumentos de percusión como protagonistas en su epílogo. Absolutamente cautivados por el arte musical de Sephiroth, en su opera prima se encuentra el tema “Abyssanctum” dividido en tres movimientos indicados en la edición original (“Awakening Of Lilith”, “Night Demon Of Late December” y “Churches And Asylums Rests Under Eternal Ice”). Lo tormentoso como anticipo sonoro de lo diabólico, de la encarnación de la Reina de la Oscuridad, presentándose la coral con este plano tan apagado como los lamentos ante el sufrimiento venidero. Lo épico teñido con la belleza de lo siniestro, y quedando remarcado en este álbum como uno de sus pasajes musicales más preciosos, para luego adentrarnos violentamente en la noche donde la sangre correrá como tributo al nuevo poder. Recreado con maestría con este estilo industrial tribal, irá adquiriendo una fuerza y una intensidad que dejará el silencio a su paso, contemplando a continuación este escenario desolador con lo trágico dejado como inconfundible señal de su paso. En un entorno tan devastado, únicamente lo espiritual trata de alzarse de forma tímida ante un panorama terrible para la vida, entrando el tema “Heliopolis” sin pausa alguna. Aquí todo cambia. La luz se abre paso, pero lo obscuro continúa estando presente porque en estos claroscuros abren sus ojos lo místico y lo demoníaco. Uno extendiéndose en lo terrenal, y el otro oculto en sus entrañas. Dos caras, dos miradas existenciales, y ambas apoyándose en la otra porque en este círculo esotérico, como en el Yin y el Yang, en el Bien siempre hay algo de Mal y en el Mal siempre algo de Bien. ¡¡¡“Heliopolis”, cautivador!!!

“Dark Father” dará continuidad a su atmósfera sonora, pero mutando hacia una estructura musical donde se integran el ambient y el dark ambient en esta composición multicapa. Una solemnidad que paraliza, y hasta el hieratismo más tenebroso surgirá para irradiar poder, para imponer sus deseos imposibles de ser rechazados, y para lanzar esas miradas que hielan la vida en quien es observado. “Dark Father” impone, paralizará al melómano lector de Lux Atenea durante su audición porque se respira el denso aire de lo demoníaco, de esa alma poderosa por el Conocimiento adquirido para poder hacer realidad sus sueños más profundos, cueste lo que cueste y caiga quien caiga. “Dark Father” es un tema excelso, colosal en su obscuridad, y si el álbum “Cathedron” no tuviera este título, sin duda alguna “Dark Father” hubiera sido la siguiente elección. ¡¡¡“Dark Father”, obra maestra musical de Sephiroth!!! Posteriormente, la sombra del genio de la literatura estadounidense H. P. Lovecraft (1890-1937) aparecerá en el tema “R’lyhe” para clausurar este grandioso álbum. Vibrante, su calma está perfumada con iridiscencias melódicas ambient como planos sonoros superiores en esta estructura musical, y cuya base es inquietantemente obscura. Una presencia tenebrosa que no tardará en manifestarse en este entorno aparentemente olvidado por el tiempo, y que, de repente, tendrá una explosión de vida magníficamente recreada a nivel conceptual con este industrial tribal, quedando todo amalgamado con sutileza para luego derivar hacia preciosismos sonoros embriagadores. Un nuevo cambio radical del entorno, y que no será el último cuando la estructura musical sea llevada hacia terrenos sonoros de corte ritual que lo enlazan con el anterior tema “Dark Father”. Aquí, “R’lyhe” se vuelve simbólico, reflexivo, místico, y con esa mirada al interior que lleva al ensimismamiento espiritual cuando la luz desvela aquello que no era ni intuido, provocando esa parálisis existencial unida a lo mortuorio. “Cathedron”, el prestigioso sello Cyclic Law resucitando obras maestras a nivel discográfico para el deleite de los melómanos más exquisitos y selectos dentro de la escena musical non-mainstream. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SONOLOGYST “PLANETARIUM” (COLD SPRING RECORDS, junio 2025) (Reseña / Review #2284).

Posted on 24 junio, 2025 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2284 // Reseña Musical nº: 1471

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: CD1: 1- 67p-Churyumov-Gerasimenko Comet // 2- Blue Neptune // 3- TAU Mission To Oort Cloud // 4- Ultra Low Black Hole Frequencies // 5- S-1981 S 13 Pan-Saturn’s Moon // 6- Venera 4V-1 No.310 // 7- Plutonian Transmissions // 8- Jupiter’s Moons // 9- Kuiper Belt // 10- 19h22m24.64s ± 5s // 11- Microphones On Mars // 12- Uranus Plasma Waves // 13- Earth Magnetic Waves
CD2: 14- Solar System Data Sonification And Recordings
Datos técnicos: Temas musicales grabados y masterizados entre los meses de julio y noviembre del año 2024 en Sonologyst Studio
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de los temas del primer CD. Obra Maestra Musical dentro de la escena dark ambient más ecléctica

El próximo viernes, día 27 de junio, será presentado oficialmente el nuevo álbum de Sonologyst titulado “Planetarium”, siendo publicado por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en ecopak 2CD, que incluye como extra un segundo CD con grabaciones originales de sondas enviadas por la NASA. Unas ediciones discográficas que podrán adquirir tanto en la webstore del sello como en su página en Bandcamp. Tomando los archivos de la Agencia Aeronáutica Estadounidense del Espacio NASA como fuente sonora, el genial artista italiano Raffaele Pezzella, alma mater de Sonologyst, ha ido creando cada una de las estructuras musicales de los trece temas que vertebran esta obra artística (el decimocuarto tema perteneciente al segundo CD, es un amplio registro sonoro de grabaciones). Por este motivo, el álbum “Planetarium” tiene esta imagen de portada dentro del diseño gráfico ideado por Abby Helasdottir para engalanarlo visualmente. Además, haciendo uso de sintetizadores analógicos y de samples, todo bajo una perspectiva conceptual mayormente englobada dentro de la escena dark ambient, sus eclécticos matices sonoros marcan la diferencia al integrar pinceladas ambient, minimalistas, psicodélicas, experimentales, noise, industriales… Sonologyst invita al melómano lector de Lux Atenea a experimentar un viaje musical donde todo lo terrenal queda atrás para conducirlo a la inmensidad del espacio, salvo en el tema “Earth Magnetic Waves”. Bajas frecuencias, transmisión de comunicaciones, campos magnéticos… van configurando estas composiciones con un alma sonora que expande los sentidos, teniendo a la inmensidad del espacio como gigantesco escenario donde lo humano únicamente está presente a través de su tecnología aeroespacial. Un pequeño planeta girando en el Sistema Solar con una civilización humana que desea conocer el espacio exterior, que desea hallar otras formas de vida, que desea encontrar respuestas al sentido de su existencia en este universo prácticamente infinito en comparación, no solo en relación con la Humanidad y con el planeta Tierra, sino en relación con el tamaño de nuestra galaxia. Recreado en lenguaje musical, el álbum “Planetarium” logra mostrar el espíritu científico de nuestra civilización que ha llevado a explorar nuestro Sistema Solar como nuevo mundo a descubrir. A través de composiciones con magia, con encanto, y con ese halo de misterio que proyecta todo lo relacionado con la exploración espacial, “Planetarium” presenta una nitidez sonora extraordinaria tras haber pasado por el trabajo técnico de masterización realizada por el propio artista Raffaele Pezzella. Un excelso álbum que fascinará no solamente a los melómanos, sino también a los amantes del espacio. Una mirada al cielo que, desde los primeros homínidos inteligentes, siempre ha estado presente en busca de respuestas para poder comprender este mundo y nuestra existencia.

Iniciamos la audición de esta magna obra sumergiéndonos en el tema “67p-Churyumov-Gerasimenko Comet” perteneciente al primer CD, encontrándonos con una estructura musical con reminiscencias a la escena electrónica experimental alemana de la década de los setenta fusionada con el estilo dark ambient basado en drones. Teniendo en cuenta que el sonido de este cometa es una sonorización, la sensación musical que provoca es igual a la de una máquina en movimiento desplazándose en la inmensidad obscura, conduciendo al melómano lector de Lux Atenea a otro estado de consciencia sobre todo al final de la composición. ¡¡¡“67p-Churyumov-Gerasimenko Comet”, mentalmente cautivador!!! Posteriormente, el tema “Blue Neptune” presentará muchos más matices hasta configurar un escenario musical envolvente donde el ambient, la psicodelia, y el dark ambient llegan incluso a hacerse orgánicos. Evolucionando con una gran variedad de planos sonoros de esencia experimental, “Blue Neptune” es mucho más complejo y detallado hasta erigirse como una de las composiciones más excelsas de este álbum. Hasta lo melódico termina protagonizando su alma artística, brillando en esta atmósfera musical con una belleza sublime puntualmente siniestra en alguna de sus fases. ¡¡¡“Blue Neptune”, Sonologyst en estado de máxima inspiración!!! “TAU Mission To Oort Cloud” romperá el estado de placidez sensorial del anterior tema, a través de un estilo dark ambient estructurado con este minimalismo que sobrecoge. Teniendo en cuenta la sonorización de la Nube de Oort situada en el extremo de nuestro Sistema Solar, aquí se fusiona lo psicodélico y el dark ambient más fantasmagórico para transformar este viaje en una estimulante e imaginativa visión artística de estos lejanos lugares donde la vida no encuentra ninguna oportunidad para establecerse. “TAU Mission To Oort Cloud” es una composición grandiosa en su definición, y magnética por su amplitud dimensional capaz de llevarnos a un hieratismo casi celestial. ¡¡¡“TAU Mission To Oort Cloud”, espectacular!!! Con el tema “Ultra Low Black Hole Frequencies” basando su fuente de inspiración en la sonorización de las frecuencias ultrabajas de los agujeros negros, imposibles de escuchar de otra forma porque el oído humano no es sensible a esas frecuencias, provoca que esta composición adquiera una configuración espacial colosal donde el estilo dark ambient domina de forma artística por sus parámetros conceptuales. Los melómanos afines a este estilo conocerán estas estructuras musicales muy bien porque, en “Ultra Low Black Hole Frequencies”, Sonologyst hace un extraordinario uso del drone, añadiendo pinceladas sonoras electrónicas de corte experimental que dan esa brillantez a la composición para destacar en los tiempos actuales dentro de esta escena.

Pan (Saturno XVIII) es una de las lunas de Saturno que protagoniza el tema “S-1981 S 13 Pan-Saturn’s Moon”, dando una fuerza y una intensidad sonora a esta composición con ciertos aires siniestros. La inquietud que provoca su audición sobrecogerá al melómano lector de Lux Atenea, no habiendo escuchado nada parecido. Un estilo dark ambient amalgamado con la electrónica experimental más minimalista, y que va a evolucionar hacia un entorno tenso y diabólico por su tenebrosa atmósfera. Incluso este plano ruidístico situado en un primer plano no hace más que potenciar su aura demoníaca, pudiendo ser incluso hasta la banda sonora del infierno, si existiera realmente. ¡¡¡“S-1981 S 13 Pan-Saturn’s Moon”, lo siniestro y lo inquietante!!! Mucho más extremo aparecerá el tema “Venera 4V-1 No.310” con Venus y su agresiva atmósfera como protagonistas, envolviéndonos con una talentosa fusión de dark ambient con industrial donde los planos sonoros drone son esenciales para crear estos espacios tan sobrecargados. Una nebulosa que absorbe, que degrada, que altera todo lo que entra en su interior, porque sus características físicas son disolventes, desintegradoras, e ineludiblemente destructivas. Con “Plutonian Transmissions” obscureciendo completamente el entorno musical, los planos drone fundamentan su sólida estructura para luego ser decorada con pinceladas sonoras de gran belleza cuyos ecos irradian este encanto artístico casi onírico. Una exquisitez musical en su composición que conmueve, y con una delicadeza tan frágil como la armonía más cercana a lo divino, “Plutonian Transmissions” lleva al dark ambient a su definición más sintetizada gracias a este virtuoso minimalismo de tempo perfecto, inmutable, y con destellos de eternidad. ¡¡¡“Plutonian Transmissions”, el radiante talento creativo de Raffaele Pezzella!!! En el tema “Jupiter’s Moons” cambiará completamente la atmósfera musical al llevarnos de nuevo a este estilo dark ambient con matices sonoros psicodélicos, y que derivarán hacia lo tenebroso según la composición se va haciendo más sutil, más inesperada en sus transformaciones estructurales, y más inmersiva por su magnetismo sonoro. “Jupiter’s Moons” es casi sobrenatural, como de ese otro mundo más cercano a nuestra alma que a nuestra existencia como seres humanos, y esta grandeza artística provocará esa fascinación que tanto aman los melómanos en una composición de vanguardia.

Lo gélido, lo inhóspito, aquello que está más allá de nuestra Razón, marcarán de forma sonora al tema “Kuiper Belt”, perfilando esta agresiva nebulosa donde los choques, las energías, y las tensiones, están plenamente activas en un entorno salvaje y embrutecido. “Kuiper Belt” proyecta poder, expande conflictos, y define una realidad absolutamente inestable por su dinámico impulso. “Kuiper Belt” es el tema de este álbum que más me ha sorprendido por su estructura sonora y por su perspectiva conceptual de vanguardia, convirtiendo sus sucesivas audiciones en uno de los momentos más especiales de este análisis musical. Luego, la composición “19h22m24.64s ± 5s” aparentemente va a serenar esa dinámica musical con este vibrante estilo dark ambient donde el drone es hegemónico en su estructura, dando esa calma tan necesaria para poder apreciar los matices sonoros presentes en el tema “Microphones On Mars”, con un estilo dark ambient desolador y ctónico en su proyección musical. Con un espíritu creativo mucho más experimental, Sonologyst lleva al estilo dark ambient a nuevas fronteras musicales que lo acercan al ritual ambient por algunos de sus matices sonoros. Estimulando la atención del melómano, “Microphones On Mars” nos hace cambiar la visión que tenemos de Marte al reflejar un entorno enigmático pero muy alejado de lo humano, teniendo su mayor paralelismo en lo desértico y extremo. Luego, el tema “Uranus Plasma Waves” nos llevará a lo fascinante, a lo psicodélico pero con características orgánicas, y a poder disfrutar de esta estructura experimental donde la electrónica de vanguardia seduce por su brillantez musical. Intimista por su aura sonora, “Uranus Plasma Waves” es la composición más lisérgica de este álbum, motivo por el cual el abandono mental en sucesivas audiciones non stop es inexorable. Un estimulante mental de la imaginación que sacará rápidamente al melómano de su dinámica cotidiana para sumergirlo en otro espacio más amplio, evanescente, e hipnótico. Clausurando este excelso álbum, nuestro planeta Tierra será el protagonista en el tema “Earth Magnetic Waves”, entrando en un escenario mucho más denso y cuyos sonidos no se alejan tanto de los sonidos existentes en los vastos océanos, salvo por este vibrante plano musical drone. Sus ecos, sus melódicos matices, su dinamismo en un entorno aparentemente calmado, hacen que “Earth Magnetic Waves” haya sido elegido con gran acierto como cierre de esta magna obra. El segundo CD “Solar System Data Sonification And Recordings” atesora en su interior esta colección de grabaciones y sonorizaciones originales que, seguro, atraerá y sorprenderá a más de un melómano lector de Lux Atenea. “Planetarium”, el genial artista italiano Raffaele Pezzella mirando al universo para hallar la fuente de inspiración principal de esta obra maestra musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ALESSANDRO BARBANERA “IN DARKNESS LET ME DWELL” (OWL TOTEM RECORDINGS / FONODROOM, marzo 2025) (Reseña / Review #2283).

Posted on 15 junio, 2025 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2283 // Reseña Musical nº: 1470

Quiero dar las gracias a la prestigiosa distribuidora neerlandesa Fonodroom por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- When Darkness Drops Again (The Ancient Stars Are Holes In The Sky Tonight) // 2- Traces To Nowhere // 3- Vanished Girl (The Forest / Come Back Home) // 4- Time Is Running Out (Love Theme) // 5- Past Lives (Mesmerism) // 6- Pacifying The Ghosts // 7- Chinese Box
Datos técnicos: Temas musicales compuestos y producidos por entre los meses de mayo y septiembre del año 2023; álbum masterizado por Francis Gri en (KSND Studio)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna Obra Musical dentro del eclecticismo conceptual de vanguardia

Creado por miembros de los prestigiosos sellos Dronarivm y Fonodroom, Owl Totem Recordings centra principalmente su atención discográfica en la escena ambient y en otras vertientes sonoras más obscuras. A principios del pasado mes de marzo presentaron el magnífico álbum “In Darkness Let Me Dwell” del artista italiano Alessandro Barbanera, habiendo sido publicado en formato digital y en una lujosa edición limitada de 100 unidades en ecopak CD con carpeta interior, estando ambas disponibles en la página oficial del sello Owl Totem Recordings en Bandcamp. Engalanado con este extraordinario diseño de siniestra estética, destaca especialmente por sus imágenes en blanco y negro donde lo decadente, el abandono existencial, y el implacable paso del tiempo, van tapando con ese polvo que lo cubre todo hasta llevarlo al olvido. En el álbum “In Darkness Let Me Dwell”, el genial artista italiano ha perfilado unas estructuras musicales dentro del estilo ambient y dark ambient que destacan por sus claroscuros a nivel sonoro. Sombras, luces, melodías, y escenarios oscurecidos, que convierten la audición de los siete temas que vertebran este álbum en un momento reflexivo muy personal. Una audición orientada a ser explorada por el melómano lector de Lux Atenea a nivel individual, apareciendo esas sensaciones, pensamientos, estados emocionales, e imaginaciones mentales que les hará ver al álbum “In Darkness Let Me Dwell” como una de sus ediciones discográficas más especiales. Presentando esta excelsa calidad musical tras el admirable proceso técnico de masterización realizado por Francis Gri, van a ir descubriendo cada uno de los secretos sonoros atesorados en estos temas a través de un apasionante viaje al cromático universo artístico de Alessandro Barbanera. Además, a los melómanos más experimentados, el título de este álbum les recordará de forma inmediata a la magna obra homónima compuesta por el genial artista inglés del Renacimiento John Dowland (1563-1626). Tal vez lo reseñe algún día en esta nueva etapa de Lux Atenea como blog cultural y existencial.

Iniciamos la audición de este impresionante álbum adentrándonos en el primer tema “When Darkness Drops Again (The Ancient Stars Are Holes In The Sky Tonight)”, y estas texturas sonoras ásperas apareciendo entre las tinieblas para dar una configuración artística de vanguardia a este estilo dark ambient. Con una intensa integración de cromatismos sonoros pertenecientes a la electrónica experimental, la presencia de estos ecos de elementos metálicos reflejan la intencionada actividad de lo supremo. Dentro de este entorno, envueltos en un colosal dinamismo musical se va a ir desarrollando un espectáculo sonoro en plena actividad que lanzará emanaciones de luz absolutamente frías, desvelando formas y dimensiones unidas a lo perpetuo. Encadenadas a la influencia de ese devenir recreado a nivel melódico por esta guitarra, por primera vez hace que fluya lo vital en esta composición antes de ser absorbida por nuevas brumas evanescentes provenientes del infinito. ¡¡¡“When Darkness Drops Again (The Ancient Stars Are Holes In The Sky Tonight)”, intensa experiencia musical!!! Con el tema “Traces To Nowhere” conduciéndonos a otro entorno sonoro completamente distinto, aquí su estructura viene marcada por parámetros conceptuales pertenecientes al estilo ambient. El sonido de la lluvia al caer, seductoras melodías casi idílicas situadas en un segundo plano, el sonido de los truenos en el cielo, la aparición de pinceladas experimentales darán una atmósfera mucho más cálida al tema que será reforzado con el encendido de estas cerillas. Una búsqueda de la calidez en un entorno frío y húmedo que, en “Traces To Nowhere”, se llega a sentir reconfortante. Decorado con esos sonidos huecos que son propios de los objetos de vidrio, el lento crepitar del fuego extenderá su influencia en esta composición hasta su inmediato final. Tras estos dos primeros temas disfrutados, los melómanos lectores de Lux Atenea ya empezarán a darse cuenta del valor artístico innovador que atesora el álbum “In Darkness Let Me Dwell” en su interior, apareciendo el tema “Vanished Girl (The Forest / Come Back Home)” con esta fusión conceptual de minimalismo, ambient, y dark ambient, y con los sonidos de la noche como fondo. Evolucionando rápidamente hacia estructuras musicales propias del estilo post-industrial, “Vanished Girl (The Forest / Come Back Home)” nunca va a perder su intrigante atmósfera cargada de misterio, y de esa siniestra oscuridad donde el ruido de los pasos lo vuelve aún más tenebroso. Planos musicales vibrantes, cromatismos sonoros espectrales, esencias melódicas obscuras que se desvanecen provocando aún más inquietud, van sucediéndose en esta composición hasta entrar en definiciones conceptuales de vanguardia dentro del dark ambient. Para los melómanos con gustos musicales más góticos o siniestros, el tema “Vanished Girl (The Forest / Come Back Home)” les dejará absolutamente fascinados por su embrujo artístico tan irresistiblemente atrayente y posesivo, desarrollándose como una tenebrosa experiencia musical que podrán sentir con un realismo y con una autenticidad que impresionan. ¡¡¡“Vanished Girl (The Forest / Come Back Home)”, siniestro lujo musical!!!

De título aparentemente más suave, el tema “Time Is Running Out (Love Theme)” no dará espacio alguno a la alegría o a lo sentimental, desplegando sus alas sonoras con una perspectiva musical donde el dark ambient se vuelve sepulcral hasta en sus vibrantes melodías. Como la entrada a un recinto sagrado, todo en “Time Is Running Out (Love Theme)” se va a volver sacro, espiritual, místico, de ahí el origen de su calidez alejada completamente de lo humano en su existencia terrenal. Una composición que estimulará al espíritu del melómano lector de Lux Atenea con este crescendo musical en clave conceptual ambient que, cuando vea considerablemente apagado su impulso, llevará a un estado de sensibilidad mental mucho más elevado como si fuera una revelación mística. ¡¡¡“Time Is Running Out (Love Theme)”, excelsa composición!!! Posteriormente, el tema “Past Lives (Mesmerism)” potenciará esta conexión con el alma hasta romper las barreras del tiempo, de ahí la sensación de liberación tan intensa que transmite. El agua, el sonido de las aves, la delicadeza que posee esta tímida presencia melódica para piano, escuchar la expiración como claro signo de esa liberación de la tensión, todo en “Past Lives (Mesmerism)” está perfectamente orquestado para recrear ese estado casi salvífico. Una creciente conexión mental con ese entorno extraño y, a su vez, sentido como propio desde lo más profundo del ser, provocando esa dualidad entre la armonía y la revelación que muestra aquello que no siempre es entendido. De ahí la alteración musical obscura en clave post-industrial que surge como un torbellino en el ecuador de esta composición, mostrando incluso sonoridades amenazantes y violentas de cortante acción. “Past Lives (Mesmerism)” es la composición más innovadora de este álbum con diferencia, y la repetición de su audición es más que obligada por su complejidad sonora, sobre todo en su parte final donde el dark ambient se vuelve obscuramente reflexivo por su trasfondo metafísico. Esta estática en su epílogo suena a pasado revivido en el presente.

Retornando a estructuras musicales ambient, en el tema “Pacifying The Ghosts” todo fluye, todo flota como si las leyes físicas no lo afectaran, creando un reino casi celestial que irradia esta belleza siniestra por esta calma tan idílica que no puede ser asimilada como real. De “Pacifying The Ghosts” emana una armonía que rompe esquemas, que seduce los sentidos con su equilibrado tempo que no llega a lo lánguido, y que embriaga con la contemplación de su luminosidad hasta hacerse lisérgico, entrando en una dinámica existencial totalmente alejada de lo humano porque aquí, lo humano no tiene sentido y está completamente fuera de lugar. Una delicatessen musical que nos llevará hasta el tema “Chinese Box” sin pausa alguna, cambiando completamente el escenario al bajar considerablemente su plano existencial. Envuelto en el misterio, “Chinese Box” destella curiosidad, incita al descubrimiento, señala el entorno para que lo observemos desde la calma, y, con el sonido de la lluvia presente, da una magia musical muy especial a sus iridiscencias cristalinas en clave melódica. Con esa atmósfera propia de un atardecer con cielos grises, la iluminación difusa que proyecta el tema “Chinese Box” provocará que la llegada de su final sea completamente inesperado y no deseado, porque querríamos seguir disfrutando de este entorno tan especial y equilibrado. Sin duda alguna, el artista italiano Alessandro Barbanera tiene un talento muy especial para sumergirnos en estos escenarios musicales por él ideados, y la inmersión en estos siete temas hará que el melómano lector de Lux Atenea remarque el nombre de este genial compositor por su brillante creatividad. “In Darkness Let Me Dwell”, contundente demostración de equilibrio musical a la hora de integrar estilos como el ambient, el dark ambient, y el post-industrial a nivel conceptual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
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CONTAGIOUS ORGASM “BEHIND CLOSED DOORS” (RAUBBAU / ANT-ZEN, junio 2025) (Reseña / Review #2282).

Posted on 13 junio, 2025 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2282 // Reseña Musical nº: 1469

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico alemán Raubbau por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Mood // 2- Thirsty? // 3- Moon under water // 4- Soft sensitivity // 5- Inverted mirror // 6- The return // 7- Suspended ceiling
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados entre los años 2023 y 2024
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna Obra Musical dentro de la escena experimental y post-industrial más innovadora

Hoy viernes, día 13 de junio de 2025, se presenta el nuevo álbum “Behind Closed Doors” de Contagious Orgasm, siendo publicado por los míticos sellos discográficos alemanes Raubbau y Ant-Zen en formato digital y en una lujosa edición limitada de 100 unidades en vinilo LP 12” con sobrecubierta en celosía. Encontrándose ya disponible en sus webstores y en sus páginas oficiales en Bandcamp, el álbum “Behind Closed Doors” ha sido engalanado con un precioso diseño artístico creado por Stefan Alt (Ant-Zen), basándose en el sublime arte tradicional japonés que centra toda la atención visual en su portada. Con el uso de la celosía en su edición en vinilo, incrementa considerablemente su magnetismo estético hasta convertirlo en una selecta pieza de coleccionismo discográfico para los melómanos más exquisitos y sibaritas. Con sólo 100 unidades a la venta, recomiendo que no demoren mucho su adquisición a los melómanos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma al disfrute de la magna obra musical compuesta por el talentoso artista japonés Hiroshi Hashimoto, alma mater de Contagious Orgasm. Desde mediados de la década de los ochenta, el genial artista Hiroshi Hashimoto no ha dejado de innovar para definir nuevas fronteras conceptuales dentro de esta escena underground completamente alejada del mainstream. Por este motivo, hablar de Contagious Orgasm es hablar de vanguardia, es hablar de una mirada creativa ya legendaria en esta escena donde el eclecticismo y lo experimental son esenciales en su impulso sonoro pionero, porque a Hiroshi Hashimoto le atrae el abrir sendas musicales en espacios conceptuales nunca antes imaginados o ideados a nivel artístico. Esta es la dorada grandeza alcanzada por Hiroshi Hashimoto gracias a su inagotable talento en la composición, y “Behind Closed Doors” es el título de su álbum más reciente. Junto al artista Kohei Nakagawa (Fts), Contagious Orgasm presenta un contundente despliegue de estructuras musicales que llevan a estilos como la electrónica experimental, post-industrial, dark ambient… a eclécticas definiciones conceptuales, vertebrando esta espectacular obra con siete sorprendentes temas cuyas características sonoras son únicas. Como analista musical, siempre recomendaré la edición en vinilo porque podrán disfrutar de una audición rica en matices y en su plenitud sonora.

Iniciamos la audición de este potente álbum sumergiéndonos en esta fusión de dark ambient e industrial con el cual comienza el primer tema “Mood”, entremezclándose el sonido del golpeo del agua con este trasfondo sonoro salvaje y animal que son perfectos para resaltar este primer plano artístico tan bestial como el despertar del mítico leviatán. Un aura tenebrosa que será potenciada en su fuerte impacto musical con pasajes sonoros propios de la electrónica experimental, apagándose de forma progresiva hasta el final de la composición. Una entrada musical que estimulará la mente del melómano lector de Lux Atenea por esta sorprendente definición conceptual estructurada por Contagious Orgasm, perfilando un escenario crudo, embrutecido, y tan primitivo como el cerebro reptiliano en el ser humano. Posteriormente, en el tema “Thirsty?”, cambiará completamente el escenario con esta potente configuración musical donde el estilo industrial es sonoramente sublime por la frialdad emocional que proyecta. Cortado radicalmente en su actividad, la aparición de lo melódico romperá esquemas mentales ante el virtuosismo en la composición que viene desplegándose, entrando en atmósferas prácticamente cinematográficas en cuanto a su estilo de grabación. Una sensación que será reforzada a nivel sonoro con este sampler de la activación de una cinta en un reproductor, y la consiguiente puesta en funcionamiento de sus mecanismos, todo ello latente en un entorno sonoro dark ambient. Como una aventura de exploración donde se van descubriendo diferentes objetos, “Thirsty?” va a ir manteniendo una tensión ambiental cada vez más inquietante y psicológicamente alterada que no deja de atraer nuestra atención. Retornando lo acuoso en el tema “Moon under water” al estar presente en esta grabación sonora tan característica en las performances experimentales de vanguardia, y en las manifestaciones artísticas desestructuradas del post-industrial, todo aquí es un espectáculo de la actividad inequívocamente humana. Un universo de percepciones y de matices sonoros donde se nota la influencia creativa de Kohei Nakagawa (Fts) en su amalgama musical teatralizada, y como en la contemplación de una estancia donde lo cotidiano llega a tapar la auténtica realidad con el engaño de lo aparente, el tema “Thirsty?” ha sido creado claramente para ser reproducido en sucesivas performances, cada una de ellas siendo distintas en sus detalles e iguales a su vez por su configuración. “Thirsty?” transmite experimentación y esa acción que jamás se volverá a repetir, quedando esta grabación como recuerdo sonoro.

En clave urbana, el tema “Soft sensitivity” dará continuidad a este retrato musical de lo cotidiano y, de nuevo, con lo humano desvelando su día a día en acciones muchas veces decididas por su inconsciente, aunque el Ego crea lo contrario. Abriendo el arco a lo social, en cuanto entre este plano melódico de tempo pausado pero constante, todo lo anterior quedará como trasfondo mientras la vida sigue. Una dualidad existente entre el micromundo del individuo, el macromundo social, y el entorno diseñado por el propio ser humano para adaptarlo a sus necesidades, convierte a “Soft sensitivity” en una ventana privilegiada para sentir el universo sonoro de Contagious Orgasm más vanguardista. “Soft sensitivity” traspasa los límites artísticos de la música para fundirse con lo audiovisual, aunque la imagen esté ausente en esta composición para, finalmente, ser imaginada por la mente del melómano lector de Lux Atenea durante su audición. ¡¡¡“Soft sensitivity”, espectacular!!! El vibrante tema “Inverted mirror” mostrará texturas sonoras experimentales donde la música electrónica presenta una gran tensión en sus detalles extremos, acercándolo a su frontera con el noise a nivel conceptual. Una dimensión mucho más amplia de su estructura sonora que, dividida en tres partes muy diferenciadas, van a ir adquiriendo cada una de ellas mayor protagonismo según va evolucionando este tema. Todo finalizará cuando la estructura mute a este impresionante estilo post-industrial con puntuales pinceladas industriales, volviéndose completamente enigmático para lo racional por su trasfondo visceral y por sus agitados cambios. Una irradiación de la angustia vital que busca quebrar cualquier muestra de empatía, convirtiendo esa resistencia a su influjo en creciente estimulación para su impacto.

Una configuración musical poliédrica aparecerá en el tema “The return”, volviendo a seducirnos con su obscuridad conceptual a través de este estilo dark ambient tan sobrecogedor a nivel psíquico. Todo en “The return” es mentalmente perturbador, como un individuo yendo de un lado a otro sin saber a dónde ir, poseído por sus sentidos alterados y por una mente sobreestimulada por pensamientos psicóticos que deforman la realidad. Hasta su epílogo musical es tenebroso a pesar de la apariencia espiritual de este plano sonoro, ya que provoca ese rechazo intuitivo a lo anormalmente calmado y bello que terminará confirmándose al final del tema con este dark techno de auténtico lujo. ¡¡¡“The return”, obra maestra!!! “Suspended ceiling” extenderá el telón de clausura de este grandioso álbum sumergiéndonos en esta visión de la actividad cotidiana, y que termina siendo sentida como un espectáculo de la sinrazón humana en su alejamiento absoluto de la Madre Naturaleza. En cada uno de estos sonidos están presentes los objetos y las cosas creadas por los seres humanos, y sus voces aparecen en este entorno para reclamar su autoría porque son sus dominios como especie dominante en este mundo. Salvo la fugaz presencia del graznido del cuervo, de profundo significado simbólico, todo en “Suspended ceiling” es un fiel reflejo de lo humano en su perspectiva existencial, o en lo que cree que es su sentido de existencia. ¿Es la vida humana exactamente esto mismo? ¿Dónde se encuentra lo trascendente? “Behind Closed Doors”, los geniales artistas japoneses Hiroshi Hashimoto y Kohei Nakagawa (Fts) mostrando con brillante maestría musical, sus nuevas composiciones situadas en otro nivel creativo muy superior dentro de la vanguardia actual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

DODENSKALD “TELEPATHIC FAREWELL” (BROKEN BOTTLE PRODUCTIONS, diciembre 2023) (Reseña / Review #2281).

Posted on 12 junio, 2025 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2281 // Reseña Musical nº: 1468

Quiero dar las gracias al genial artista iraní Mahdi Sli (Dödenskàld) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- This farewell is a beginning // 2- Remember // 3- Mourning for a lost dream // 4- Shine in darkness // 5- You are not old // 6- We are memories // 7- Freeze me in time
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Deslumbrante Joya Musical dentro de la escena ambient y experimental

Siempre es un placer escuchar un álbum musical de Dodenskald en soledad, mientras sus temas van armonizándose con la oscuridad de la noche y sus estrellas. Composiciones que van fluyendo en el aire como el humo de mi tabaco, y con la mirada puesta en ese oscuro cielo teñido del mismo color de lo infinito, en comparación con la fugaz vida de un ser humano en este planeta Tierra. En esta ocasión, mi selección y mi análisis musical se va a centrar en una verdadera joya artística dentro de la escena ambient y experimental titulada “Telepathic Farewell”. Presentada en formato digital a finales del mes de diciembre del año 2023 a través del prestigioso sello discográfico estadounidense Broken Bottle Productions, esta belleza musical sigue estando disponible en la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con esta atrayente imagen de portada, en una sola instantánea se ha mostrado el espíritu humano con consciencia y mente más abiertas, configurados con este radiotelescopio orientado al universo y con la espectacular Vía Láctea como fondo. Belleza en su portada y belleza en su esencia musical, a través de la cual, el genial artista iraní Mahdi Sli va a ir recreando una serie de ideas, pensamientos, y filosofías existenciales definidas en lenguaje musical. Como alma mater de Dödenskàld, a lo largo de estos años está perfilando un estilo ambient muy personal donde lo experimental es clave para poder orquestar las estructuras musicales que compone, teniendo una sensibilidad artística muy especial para armonizar planos sonoros en un tema de vanguardia. En el caso en concreto del álbum “Telepathic Farewell”, Dodenskald va a fascinar con esta obra al melómano lector de Lux Atenea siempre deseoso de poder disfrutar de composiciones innovadoras que sobresalgan musicalmente por su belleza, adentrándose incluso en la fusión del estilo dark ambient con el post-industrial. Estoy seguro que los siete temas que vertebran esta magna obra, les hará reafirmar cada una de mis palabras escritas en esta reseña. “Telepathic Farewell” es una apertura mental absoluta, y muy necesaria para dejar a un lado a ese homocentrismo que tanta difusión ha tenido en las más diversas culturas, quedando todos esos prejuicios humanos totalmente superados en cuanto estas joyas musicales empiezan a seducir no solamente a sus oídos, sino a su mente. Sin duda alguna, el álbum “Telepathic Farewell” es un excelente antídoto para el chovinismo humano existente en la civilización actual a nivel mundial, y que está llevando a una destrucción de los ecosistemas como nunca antes se haya conocido desde que se crearon los primeros Estados hace varios miles de años. “Telepathic Farewell” es una mirada al cielo, al universo… a la Divinidad en clave musical.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta grandiosa obra adentrándonos en el primer tema “This farewell is a beginning”, mientras esta inmersión sonora va lentamente descubriendo cada una de sus fronteras dimensionales que se pierden en el horizonte. Con un contundente plano melódico para piano recreando lo único sólido con reminiscencias de lo terrenal, una vez se apague, solamente quedará el infinito ante nuestros ojos, provocando esa mirada de fascinación por lo contemplado donde percibimos el omnipresente protagonismo de la Divinidad. “This farewell is a beginning” tiene esa esencia artística de la Música Clásica y de la Música Contemporánea más melódica, presentando una belleza sublime que acaricia al alma, que estimula al espíritu, y que embruja a la mente a través de esta visión musical. ¡¡¡“This farewell is a beginning”, extraordinaria composición!!! Luego, el tema “Remember” va a mostrar una estructura musical más propia del high-tech ambient al melómano lector de Lux Atenea por esta espectacular contemplación del movimiento como presencia de lo vivo. Adquiriendo una débil iluminación en su aproximación conceptual del ambient al dark ambient, le da mayor profundidad a la escena recreada. Con un movimiento siempre presente, con unas luces que surgen en el horizonte, se aproximan, y desaparecen detrás de nosotros, permanece esta sensación de ingravidez mientras nos desplazamos en este entorno. Por sus características musicales, “Remember” es una composición que facilita la inmersión mental en estos espacios sonoros hasta desconectar completamente de todo lo que nos rodea, seducidos por este magnífico despliegue de talento artístico. Sin pausa alguna, nos adentraremos en el tema “Mourning for a lost dream”, con un estilo dark ambient de corte minimalista que tiene como trasfondo estos planos sonoros melódicos muy atenuados. Parcialmente tapados con la aparición de cromatismos sonoros experimentales que se posicionan en un primer plano, “Mourning for a lost dream” termina transformando la solemnidad en un espacio reflexivo decorado con pinceladas electrónicas más propias de la escena post-industrial. Una delicia musical que, en la noche y viendo el oscuro cielo estrellado, su audición se convierte en una experiencia única.

“Shine in darkness” ahondará en ese estilo dark ambient fusionado con elementos sonoros post-industriales y de la electrónica experimental más extrema. Un escenario sobrecogedor y fantasmagórico propio de la ultratumba, y que lleva al estilo dark ambient a nuevas fronteras conceptuales gracias al fértil talento de Dodenskald para hipnotizarnos con estos destellos en la oscuridad. Una composición que irá derivando hacia lo monumental sin perder su trasfondo más tenebroso, incorporando evanescentes pinceladas casi sobrenaturales como si fueran almas perdidas. ¡¡¡“Shine in darkness”, dark ambient puramente siniestro!!! Como el melómano lector de Lux Atenea ha podido comprobar, sin provocar miedo, el genial artista iraní Mahdi Sli es capaz de perfilar composiciones obscuras de una gran complejidad sonora, y el tema “You are not old” será un nuevo ejemplo de su creatividad pero llevada a un escenario con grandes claroscuros. Aquí, los planos musicales ambient son iridiscentes y los perfilamientos sonoros son experimentales en su obscuridad, y, hasta en la recreación de los instrumentos de cuerda, Dodenskald continua haciendo presente a la Música Clásica y a la Música Contemporánea aunque sea con estas pinceladas artísticas. Entrando en lo inquietante con la aparición de este vivo plano sonoro, la sensación que provoca es parecida a la presencia de unos amenazantes seres corriendo por nuestra cabeza y por nuestros hombros. ¡¡¡“You are not old”, siniestro tema!!! En cambio, en “We are memories” volveremos al preciosismo musical en la composición dentro del estilo ambient de vanguardia, y con una exquisitez sonora casi onírica que va a ir evolucionando como un extraño sueño que nos atrapa y seduce. No pudiendo, ni queriendo escapar de este espectacular escenario, “We are memories” es una de sus composiciones más rupturistas a nivel conceptual. Una muestra más de la fascinante capacidad artística de Dodenskald para fusionar el ambient con lo experimental en su crisol musical, como si fuera un avanzado alquimista sonoro. Desembocando en el tema de clausura “Freeze me in time”, aires mortuorios van a ir alterando este escenario con ese gélido vaho que parece provenir del Reino de Hades. Matices musicales industriales se posicionarán a ambos lados de este escenario con acelerados planos sonoros ambient que van a ir surcándolo, flotando en el aire como reflejo simbólico de este viaje de final abrupto y repentino. “Telepathic Farewell”, auténtico diamante musical dentro de la escena ambient más innovadora, integrando el artista iraní Mahdi Sli lo experimental a nivel conceptual con una perspectiva y una maestría artística impresionantes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LAST DAYS OF BURDEN “BLACK OCEAN BEYOND TIME” (AUTOEDITADO / SONIC CENTURION, junio 2025) (Reseña / Review #2280).

Posted on 11 junio, 2025 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2280 // Reseña Musical nº: 1467

Quiero dar las gracias al genial artista alemán Melvin Cieslar (Last Days of Burden) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Odd Entrances // 2- The Silver Key // 3- Petition // 4- Another World // 5- Black Ocean Beyond Time
Datos técnicos: Temas musicales mezclados y masterizados por Simon Amrhein
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Odd Entrances // 3- Petition // 4- Another World

Aunque, desde el año 2023, Last Days of Burden ha visto publicados dos EP’s, “Mandrake Dreams” (Sonic Centurion, 2023) y “Mene Mene Tekel Upharsin” (Sonic Centurion, 2024), el pasado viernes, día 6 de junio, fue presentado su álbum de debut titulado “Black Ocean Beyond Time”. Publicado en formato digital y en una preciosa edición limitada de 66 unidades en cassette por el selecto sello discográfico germano-británico Sonic Centurion, ambas se encuentran disponibles a través de la página oficial de Last Days of Burden en Bandcamp. Engalanado con esta enmaquetación y diseño artístico creados por Uglyblackwork, presenta una estética clásica dentro de la escena electrónica underground donde las figuras geométricas son sus principales protagonistas visuales, pero aquí tienen un significado y un trasfondo mucho más profundo. El genial artista alemán Melvin Cieslar, alma mater de Last Days of Burden, en su álbum “Black Ocean Beyond Time” ahonda con maestría en la composición bajo parámetros conceptuales inevitablemente eclécticos, perfilando estructuras sonoras donde se percibe la influencia de estilos como el high-tech ambient, dark ambient, post-industrial, y ambient, además de aires sonoros provenientes de la mítica Escuela de Berlín. Todo ello perfectamente armonizado en sus niveles de registro sonoro gracias a la detallada labor técnica de masterización realizada por Simon Amrhein, y que convierte la audición del álbum “Black Ocean Beyond Time” en una de las experiencias musicales más vibrantes y espectaculares que los melómanos afines a la vanguardia pueden disfrutar en este año 2025, con diferencia. Fiel al estilo alemán de composición, el artista Melvin Cieslar no duda en arriesgar en cada tema a la hora de transformar su definición sonora, no perdiendo en ningún momento la recreación musical del mensaje que lo fundamenta. Vertebrado por cinco temas con cambios conceptuales algunas veces bastante radicales sin perder su equilibrio artístico, “Black Ocean Beyond Time” es un grandioso álbum que no dejarán de escuchar a lo largo de los próximos años por su calidad musical.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum sumergiéndonos en la vibrante atmósfera sonora del primer tema “Odd Entrances”, apreciándose muy claramente la influencia de la Escuela de Berlín con esta ambientación psicodélica basada en el uso de sintetizadores. Fluyendo con texturas sonoras radiantes que mutan en un escenario dominado por brumas que difuminan las dimensiones de todo lo existente en el entorno, cuando “Odd Entrances” empiece a latir con el mismo impulso musical de los instrumentos de percusión, la entrada en este psicodélico caleidoscopio se transformará en una apertura mental absolutamente expansiva que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea que disfrutan obras musicales con raíces profundas en corrientes innovadoras surgidas décadas atrás. Pero el tema “Odd Entrances” es vanguardia, incorporando estos matices y esta transformación estructural que hace que el genial artista alemán Melvin Cieslar esté marcando la diferencia dentro de esta escena desde el año 2023. Un estilo ambient que incorpora cromatismos sonoros propios del high-tech ambient en el caso en particular de esta composición. Tras quedar mentalmente embrujados con estas texturas musicales, el siguiente tema “The Silver Key” nos llevará a un escenario con trasfondo esotérico y ocultista por la fuente de inspiración que lo define y da sentido, adentrándose en terrenos sonoros más obscuros y en espacios mucho más abiertos hasta casi llegar a lo inconmensurable. La aparición de pasajes electrónicos de gran plasticidad terminarán incorporando matices sonoros propios de lo vivo, pero unido a lo superior, a ese otro mundo situado por encima de lo humano y que interactúa con su existencia. Conceptualmente dominado por perspectivas musicales propias del estilo dark ambient, “The Silver Key” se mueve entre lo sublime por su apertura dimensional y lo siniestro por la sensación de intrascendencia ante la inmensidad obscura, lo oculto, y lo incomprensible en lógica humana. Pasando el ecuador de la composición, la ruptura conceptual será absoluta con la entrada de los instrumentos de percusión que configuran esta batería, añadiéndose más planos instrumentales hasta pulir completamente esta impresionante composición en clave post-industrial. Pero Last Days of Burden siempre quiere ir más allá, erigiendo esta superestructura sonora tan colosal donde el eclecticismo musical también amalgama pinceladas futuristas high-tech ambient y trasfondos ambient sintetizados. ¡¡¡ Last Days of Burden, brutal!!!

La languidez aparecerá en el tema “Petition” marcada por este tempo lento, pesado, y de escasa energía, llevándonos a un escenario mortuorio donde la solemnidad apaga cualquier impulso. Lisérgico en su deriva existencial, la aparición de la lírica interpretada con esta crudeza, elevará aún más el nivel de sensibilidad del melómano lector de Lux Atenea. “Petition” es la súplica, es vivir en la desconexión existencial, es la búsqueda de esa salida en vida alejada de lo físico, de lo material, y de lo cotidiano. De lo obvio, de lo aparentemente benigno que, en su núcleo, es terriblemente diabólico, y cuando se observa esa mirada proveniente de su interior, todo deja de tener sentido en este mundo, quedando poseídos por una sensación de vulnerabilidad y de incomprensión que no desaparecerá nunca. Con un despliegue musical espectacular, “Petition” es la joya de la corona de este álbum por su magnetismo, y por este ser lleno de desasosiego que, en soledad, ha de comenzar a reconstruir absolutamente todo empezando por su mente. Y el tiempo, sigue avanzando de forma imparable en su realidad encarnada. ¡¡¡“Petition”, siniestra delicatessen esotérica!!! Posteriormente, el tema “Another World” surgirá con estos aires desoladores, con este páramo inhóspito donde todo existe para provocar el desánimo y la derrota en quienes se adentren en ello. Puro dark ambient de esencia sonora fantasmagórica, cuyas densas nieblas irán disipándose con la aparición de estos luminosos cromatismos ambient que perderán su radiante esencia salvífica cuando planos melódicos sepulcrales pasen a dominar su estructura musical. Acelerando su actividad sonora sin perder su siniestro trasfondo, lo melódico romperá todo aquello que es esperado para dar paso a otro escenario iridiscente de una belleza gótica extraordinaria. En una película de cine giallo firmada por el ilustre director italiano Dario Argento, este tema sería inolvidable en una de sus escenas. Finalmente, el tema homónimo del álbum lo clausurará con este inquietante pasaje sonoro inicial reproducido en reversa, expandiéndose su nueva dimensión espacial con una contundencia avasalladora que redefinirá su estructura musical en una inteligente amalgama conceptual donde la Escuela de Berlín da base a su sonoridad melódica. Adquiriendo un peso importante en su desarrollo artístico, este tema también integra elementos musicales en clave post-industrial que lo remarcan como vanguardista dentro de la escena actual. “Black Ocean Beyond Time”, excelsas perspectivas musicales en la composición vertebrando este álbum de debut de Last Days of Burden con un talento artístico espectacular. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

DØDSMASKIN “ISOLAT” (DEATH MACHINE INDUSTRIES, marzo 2025) (Reseña / Review #2279).

Posted on 10 junio, 2025 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2279 // Reseña Musical nº: 1466

Quiero dar las gracias al talentoso dúo musical noruego Dødsmaskin por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Mot nullpunktet // 2- Terrorstruktur // 3- Slutten på resten av livet // 4- Maskinen eier dem // 5- Aldri igjen et menneske // 6- Kollaps i sakte film // 7- Likvake // 8- Betonggraven
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Dødsmaskin en Vektor Facilities y The War Room (Noruega); álbum masterizado por Norman Nitzsche en Calyx Mastering (Alemania)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena death industrial

A finales del pasado mes de marzo fue presentado el nuevo álbum “Isolat” del talentoso dúo musical noruego Dødsmaskin. Publicado en formato digital a través de su propio sello discográfico Death Machine Industries, se encuentra disponible en la página oficial de Dødsmaskin en Bandcamp, habiendo sido engalanado con este impactante diseño creado por Nihil, en cuyo trabajo artístico destaca a nivel visual este individuo encerrado y en situación de aislamiento sensorial. La crudeza cromática del color blanco y de esta amplia escala de tonos grises amplifican su mensaje, proyectando un auténtico infierno de dolor interno al que es sometido al quedar cortadas todas sus conexiones emocionales y sentimentales con el exterior. Sus sentidos, las conexiones de su cerebro con el mundo, ya no existen, provocando graves alteraciones en su mente porque lo humano y lo terrenal van difuminándose. Una magnífica y precisa proyección visual de la fuente de inspiración principal que ha llevado al dúo musical noruego Dødsmaskin a componer los ocho temas que vertebran su álbum “Isolat”, y donde el eclecticismo conceptual es clave en su definición musical dentro de un estilo death industrial que incorpora planos musicales propios del dark ambient y del high-tech ambient. Tras haber pasado por el magnífico trabajo técnico de masterización realizado por Norman Nitzsche, cada uno de los temas presentan esta excelsa calidad musical que impresionará a los melómanos lectores de Lux Atenea. El álbum “Isolat”. El aislamiento, la separación, la desconexión con lo externo, la desvinculación con lo humano en sus relaciones sociales y emocionales, y, lo más grave de llevar esta situación a lo extremo: la Razón y la Lógica basadas en el lenguaje se van disolviendo con el paso del tiempo. Como una lobotomía aplicada de forma progresiva y muy sutil, el sistema límbico va perdiendo actividad y protagonismo en el cerebro, condicionando a la mente. Las nuevas conexiones neuronales retornan a sus redes más primitivas, a esos espacios que fueron quedando en un segundo plano, entrando en una nueva etapa cerebral donde el inconsciente va ampliando su oscura presencia y su capacidad de decisión según la luz de la Razón va menguando. En esta deriva, el individuo cada vez más hará las cosas de una forma determinada sin saber por qué, el individuo pensará de manera un tanto superflua y absolutamente condicionado, porque es de nuevo un obediente esclavo del inconsciente. Algunos lo llaman locura. Ilustres poetas como Friedrich Hölderlin (1770-1843) no dudaron en adentrarse en esos terrenos mentales en su búsqueda de la pureza artística durante su última etapa creativa. Además, en esta situación, cuando el individuo trata de dirigir lo interno a lo externo siempre encuentra un muro infranqueable que lo aisla, y, en cambio, no deja de ser cada vez más permeable en su interior a las influencias externas. En el fondo, el aislamiento sin la luz de lo espiritual y de lo místico, hace que el individuo vuelva a una Edad Oscura regida por el inconsciente tras haber vivido con su mente parcialmente iluminada por la Razón, y cuya luminosidad daba respuestas a una parte de sus inquietudes existenciales, además de desvelar esos condicionantes psicológicos que influían en su personalidad y en su comportamiento sin ser consciente de ello, padeciendo sus consecuencias. Bajo este aislamiento extremo… ¿en el individuo dónde queda lo humano con el paso del tiempo?

Iniciamos la audición de este álbum musical tan espectacular adentrándonos en el primer tema “Mot nullpunktet”, y este sonido devastador en la lejanía donde el choque del metal incrementa la sensación de solidez y dureza en este entorno, desplazándose por encima del melómano estos pasajes electrónicos experimentales de incandescente intensidad. Cuando ese trasfondo desaparezca, la amplitud dimensional de la nueva estructura musical impresionará al melómano lector de Lux Atenea por su dimensión sonora innovadora y por su nitidez mucho más cercana, configurando un obscuro escenario en 3D de una profundidad que sobrecoge y con una actividad de mayor proximidad que fascina por su viveza y realismo. Una composición tenebrosa que es ideal para comenzar este camino hacia la perdición del cuerpo, el espíritu, y la mente. ¡¡¡“Mot nullpunktet”, brutal entrada!!! Luego, el tema “Terrorstruktur” lo alterará todo con esta secuencia de alarma bastante estridente que, en el nuevo escenario que se presenta con inquietante coro melódico ambient, lleva a este avanzado estilo industrial a un talentoso despliegue musical de dimensiones colosales. “Terrorstruktur” es lo aparentemente idílico seccionado de forma inmisericorde por el Mal en acción, acelerándose su tempo con un impulso sonoro casi marcial por su incontenible avance y con la danza infernal de lo mecánico siendo apoteósica en su parte final. Una armoniosa y tenebrosa integración de ambient, industrial, high-tech ambient, y dark ambient, que vuelve a situar al dúo musical noruego Dødsmaskin dentro de la escena death industrial más avanzada. Virtuosismo en la composición y nuevas ideas que, en el tema “Slutten på resten av livet”, se vuelve tan sepulcral como la fijación de una pesada lápida de piedra, y con la entrada de pasajes sonoros industriales todo va adquiriendo un horizonte terrorífico en cuanto a su capacidad de devastación. Tras un breve valle sonoro, el nuevo escenario musical abre sus entrañas más demoníacas perfilándose a nivel artístico con una belleza siniestra escalofriante por su ausencia absoluta de calidez emocional o vital. Derivando hacia este death industrial sublime en su tortuoso hieratismo, “Slutten på resten av livet” no solamente encantará a los melómanos afines a la escena industrial y de vanguardia, sino también a los apasionados amantes del metal. ¡¡¡“Slutten på resten av livet”, excelsa obra de arte!!! Después de haber disfrutado de varias audiciones más por puro hedonismo musical, la entrada en el tema “Maskinen eier dem” será rápida, directa, y muy contundente en su inicio, para luego adentrarnos en un estilo dark ambient que hiela la sangre. Como un angosto pasillo escasamente iluminado, “Maskinen eier dem” irá incorporando pasajes musicales industriales de forma progresiva hasta lanzarnos de lleno a este death industrial tan brutal en su desafiante acción de movimiento. La entrada de cromatismos sonoros que tienen el pesado y constante ritmo mecánico de un antiguo motor de dos tiempos, convertirá este escenario en una demostración de poder, en una exaltación del triunfo de la tecnología sobre lo orgánico, y en una inquietante ausencia de la vida sustituida por las máquinas. ¡¡¡“Maskinen eier dem”, inteligente fusión conceptual de death industrial y high-tech ambient!!!

Con el tema “Aldri igjen et menneske” calmándolo todo con este dark ambient tan fantasmagórico y obscuro, la creciente llegada de la luz no será más que la presencia de tecnología en constante avance al margen de lo humano. Absolutamente desolador, escuchando el tema “Aldri igjen et menneske” me ha recordado al comentario de un experto en robótica que escuché no hace mucho y decía que, en China, en una planta de fabricación donde todos eran robots, dentro de las instalaciones no tenían las luces encendidas porque no hacía falta, produciendo en completa oscuridad salvo por la débil iluminación de sus leds, de sus lectores, y de sus sensores. Fabricación completamente autónoma donde el ser humano ya no es necesario (salvo el escaso personal de mantenimiento de la fábrica), y “Aldri igjen et menneske” perfectamente podía ser su banda sonora con un cierto trasfondo post-apocalíptico. Siguiendo esta deriva mefistofélica por su destino de perdición, el tema “Kollaps i sakte film” tensará este escenario con pasajes sonoros mucho más cortantes, hirientes, incisivos en su punzante acción demoníaca dentro un estilo dark ambient casi nihilista, y que irá derivando hacia un exquisito high-tech ambient como antesala de la obscuridad latente. Pulsante como los latidos de un corazón herido, a continuación, “Kollaps i sakte film” terminará elevando su grandeza artística hasta lo superlativo como una grandiosa ópera distópica a punto de colapsar. Tras el hundimiento, el renacimiento desde las cenizas, desde las ascuas vitales, volviendo a la actividad con otro impulso, con otra perspectiva, y con firmeza en el deseo de sobrevivir y dominar. El tema “Likvake” reafirmará a este ave fénix que se transforma completamente con su vuelta a la consciencia de la existencia. En esta recreación musical, el avanzado estilo death industrial se eleva hasta lo sublime en su definición gracias al virtuoso talento de Dødsmaskin para erigir estructuras sonoras multicapa tan colosales. Superlativo en su amplitud dimensional, “Likvake” incorpora pinceladas dark ambient en su esencia conceptual para amalgamar toda la composición con una solidez artística que dejará en shock al melómano lector de Lux Atenea. Luego, la clausura de este álbum llegará con el tema “Betonggraven”, de nuevo, con una entrada aparentemente sosegada pero inquietante por su reproducción en reversa. Desembocando en esta fusión con el estilo industrial de texturas sonoras rugosas y pesadas, lo melódico seguirá envolviéndolo todo con su belleza siniestra hasta presentar escenarios aparentemente oníricos que no son más que pesadillas nihilistas y deshumanizadas. “Betonggraven” es el tema más melódico del álbum, pero con un trasfondo verdaderamente psicótico, degenerado, y mentalmente alterado por su pérdida de cordura. Un paraíso artificial que no es más que una terrible condena en vida. “Isolat”, el dúo musical noruego Dødsmaskin volviendo a demostrar con contundencia por qué tienen unas de las mentes creativas más avanzadas en esta escena death industrial, estando siempre muy por delante de su tiempo artístico. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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DØDSMASKIN “FIENDE” (CYCLIC LAW, abril 2018) (leer reseña)
DØDSMASKIN “INGENTING” (CYCLIC LAW, abril 2018) (leer reseña)
DØDSMASKIN “ØDELAGT” (MALIGNANT RECORDS, abril 2019) (leer reseña)
FRIEDRICH HÖLDERLIN “POEMAS DE LA LOCURA” (EDICIONES HIPERIÓN, 1998) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo del Autor: Félix V. Díaz

Acerca de Félix V. Díaz

MEMBRANE “DEATHLY SILENCE” (POGO RECORDS / DAY OFF / ARAKI RECORDS / MA SARET RECORDS / BLIND PROD., enero 2025) (Reseña / Review #2288).

7697 MILES “KECHU” (KINETIK RECORDS, mayo 2025) (Reseña / Review #2287).

PSYCHIC TV “A PRAYER FOR DEREK JARMAN” (COLD SPRING RECORDS, junio 2025) (Reseña / Review #2286).

SEPHIROTH “CATHEDRON” (CYCLIC LAW, marzo 2025) (Reseña / Review #2285).

SONOLOGYST “PLANETARIUM” (COLD SPRING RECORDS, junio 2025) (Reseña / Review #2284).

ALESSANDRO BARBANERA “IN DARKNESS LET ME DWELL” (OWL TOTEM RECORDINGS / FONODROOM, marzo 2025) (Reseña / Review #2283).

CONTAGIOUS ORGASM “BEHIND CLOSED DOORS” (RAUBBAU / ANT-ZEN, junio 2025) (Reseña / Review #2282).

DODENSKALD “TELEPATHIC FAREWELL” (BROKEN BOTTLE PRODUCTIONS, diciembre 2023) (Reseña / Review #2281).

LAST DAYS OF BURDEN “BLACK OCEAN BEYOND TIME” (AUTOEDITADO / SONIC CENTURION, junio 2025) (Reseña / Review #2280).

DØDSMASKIN “ISOLAT” (DEATH MACHINE INDUSTRIES, marzo 2025) (Reseña / Review #2279).