Reseña Cultural nº: 67 // Reseña Musical nº: 26

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 21 de mayo del año 2012 conmemorando el 20º aniversario de la publicación del álbum “WISH” (1992) del grupo musical británico THE CURE.

Publicado por: FICTION RECORDS, (FIXCD 20), 1992
Edición comentada: CD Picture con libreto de 12 páginas (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Open // 2- High // 3- Apart // 4- From The Edge Of The Deep Green Sea // 5- Wendy Time // 6- Doing The Unstuck // 7- Friday I´m In Love // 8- Trust // 9- A Letter To Elise // 10- Cut // 11- To Wish Impossible Things // 12- End

A nivel internacional y comercial, el álbum “Wish” de The Cure fue todo un éxito (nº1 en el Reino Unido, nº2 en Estados Unidos de América…) pero, a nivel de sus fans más identificados con su siniestra belleza musical, “Wish” es un álbum que, desde el momento de su aparición, creó una corriente de opinión muy controvertida debido a la luz, a la alegría y a la felicidad aparente que irradiaban algunas de las composiciones incluidas en este nuevo trabajo (“Friday I´m In Love”, “Doing The Unstuck”…). Se rompía totalmente con la dinámica musical y melódica de sonidos siniestros en letras oscuras y decadentes con los cuales, hasta ese momento, el grupo musical británico The Cure venía componiendo los temas de cada nuevo álbum. Por supuesto, a lo largo de esa carrera artística hubo algunas excepciones musicales compuestas bajo esa clara influencia comercial pop como, por ejemplo, en temas como “Hot!Hot!Hot!”, “The Blood”… En “Wish”, pese a estos giros conceptuales radicales alejados totalmente de su esencia musical gótica y siniestra, el álbum tiene un grandísimo nivel de calidad musical tan destacado como para ser seleccionado en esta página cultural personal. En Lux Atenea, es todo un honor el poder celebrar este vigésimo aniversario tan especial analizando y disfrutando este insigne álbum dentro de la impresionante carrera musical de The Cure.

En esta época, el grupo musical The Cure estaba formado por Robert Smith (voz, guitarra, bajo y teclados), Simon Gallup (bajo y teclados), Porl Thompson (guitarra), Boris Williams (batería y percusión) y Perry Bamonte (guitarra, bajo y teclados), habiendo contado con la colaboración profesional de Kate Wilkinson (viola) para la canción “To Wish Impossible Things” incluida en este álbum. El grupo The Cure, que en este nuevo trabajo pasaron a llamarse simplemente Cure, también nos sorprendió creando el impactante, surrealista, y emotivo diseño artístico con el que engalanaron este precioso álbum, quedando las palabras del genio del Romanticismo P. B. Shelley como cierre cultural perfecto para esta obra musical. Un acierto en cuanto a la imagen innovadora que todo grupo musical con ansias de renovarse debe enviar siempre a su público, pero sin que en ningún momento ese cambio radical suponga una pérdida de su esencia artística y creativa. Un camino conceptual complejo y lleno de dificultades debido al riesgo que ello siempre supone, y que, en caso del álbum “Wish”, le supuso a esta banda británica muchos más triunfos y éxitos que sinsabores o críticas negativas, salvo en el caso de los listos y de los críticos de turno que no ven más allá de su retrógrado inmovilismo anclado en el pasado. Que el álbum “Wish” es un trabajo musical con contrastes y claroscuros musicales… indiscutiblemente sí. Que The Cure se siente cómodo moviéndose entre dos extremos musicales tan distintos como el pop y el gótico más siniestro… sin duda alguna sí. Pero también creo que es una genialidad que, en un mismo álbum, emocionalmente puedas pasar de una atmósfera marcada por un día radiante y luminoso a otro completamente gris y tormentoso, pese a que, hasta entonces, hablar de un álbum de The Cure era hablar de canciones que se mayormente se presentaban como sentimentales páramos yermos en un mundo desolado, mientras contemplamos las cruces situadas donde yacen nuestros sentimientos que creíamos eternos.

Iniciamos la audición de este álbum con la espectacular entrada sonora del tema “Open”. Inconfundible identificación sonora grabada ya en mi inconsciente como garantía absoluta de la esencia y de la contundencia musical Cure, y como reflejo de la insatisfacción material, de la desubicación personal, del vacío espiritual, y de las ansias de liberación del alma enérgica deseosa de expandir su voluntad. En definitiva, el excelso tema “Open” tiene esa aureola individualista fundamental para transmitir su profundo mensaje a quienes tomamos lo gótico como perspectiva existencial en este extraño y contradictorio mundo. A continuación, con la canción “High” expandiéndose en el ambiente, serán los iridiscentes reflejos de lo celestial ante la visión del ideal hecho realidad ante nuestros ojos, lo que nos llevará a disfrutar intensamente esta mítica composición. ¡¡¡“High”, romanticismo gótico en clave Cure!!! Pero, retornando a las más siniestras oscuridades, el tema “Apart” cubrirá el horizonte con sus negros nubarrones hasta hacer que la luz sea sólo un recuerdo del pasado mientras vamos hundiéndonos más y más en el torbellino de la desesperanza. Si alguien duda de la esencia gótica y decadente de The Cure en este álbum, le invito a escuchar la canción “Apart” para salir de dudas. A continuación, los recuerdos del concierto de The Cure en esta gira aparecen en mente en cuanto el excelso tema “From The Edge Of The Deep Green Sea” empieza a poseerme con su poderosa y contundente energía oscura. Como analista musical, considero a la extraordinaria canción “From The Edge Of The Deep Green Sea” como una de las diez mejores canciones jamás compuestas por The Cure. Una colosal demostración de rock gótico teñido con el intenso y obscuro color del desasosiego, y con esa inevitable decadencia barroca donde lo material y lo carnal que se desvelan ante nosotros en su ineludible perennidad. ¡¡¡“From The Edge Of The Deep Green Sea”, espectacular!!!

La visión y el análisis del mundo desde una perspectiva exterior serán el fundamento conceptual del tema “Wendy Time”, haciendo de estas guitarras recreen instrumentalmente esta virtualización sonora perfectamente identificable con la avalancha de pensamientos que sufre quien lo está observando todo. Posteriormente, en un giro existencial de 180 grados aparecerá la canción “Doing The Unstuck” que, sin perder el sello sonoro clásico de The Cure, romperá la ambientación oscura en la que estábamos sumergidos hasta ahora, siendo el tema “Friday I´m In Love”, una mayor profundización en ese espíritu alegre y colorista. Pero The Cure es The Cure, y el decaimiento y la soledad volverán a recuperar su protagonismo lírico en “Trust”, una preciosa composición cuya letra y melodía han quedado íntimamente identificadas con la esencia de este álbum en la memoria de sus más fieles seguidores. Ver y sentir a Robert Smith cantando el tema “Trust” en directo es algo muy especial, único, profundamente gótico, y espiritualmente obscuro. Una experiencia musical irrepetible y por la que merece la pena pagar la entrada al concierto, cueste lo que cueste. A continuación, la fuerza melódica del grupo The Cure vuelve a presentarse en la canción “A Letter To Elise” con su trasfondo instrumental más engalanado, siendo la antesala perfecta para ser luego dominados por la contundencia del tema “Cut”, otra de las joyas musicales incluidas en este maravilloso álbum. Si en algún momento los melómanos lectores de Lux Atenea afines al sentimiento gótico se encuentran desanimados y decaídos debido a los sinsabores que nos ofrece esta vida, mi consejo es que escuchen el tema “Cut” y verán resurgir esa energía interna donde parecía que ya no había más que vacío. Así de poderosa se desatará la fuerza existencial que transmite este tema tan contundente y brutal. Seguidamente, la reflexión y el presente emocionalmente anclado al pasado serán los que vuelvan a renacer en cuanto los primeros compases de la preciosa canción “To Wish Impossible Things” inviten a nuestra alma a abandonarse a la última danza, esa danza en honor a su amor ideal irremediablemente perdido. Si a la siniestra belleza musical de The Cure hubiera que ponerle un título o un tema como banda sonora, éste sería “To Wish Impossible Things”. Como clausura de auténtico lujo, será el contundente tema “End” el encargado de poner el punto y final musical a este potente e irresistible álbum no siempre valorado por la crítica en su justa medida.

Hace dos décadas, tuve el placer de asistir al concierto ofrecido por The Cure dentro de su gira “Wish Tour ´92” y, de todos los conciertos a los que he asistido en el antiguo Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid, ninguno sonó como en este concierto. Quienes hemos vivido muchos conciertos en este pabellón deportivo, conocemos la malísima acústica que este recinto tenía a la hora de celebrar conciertos en su interior. Pero, en este concierto de The Cure, con el estudio previo realizado por sus técnicos de sonido y tras la excelente colocación de los altavoces en un ordenamiento y disposición increíble, finalmente lograron crear una calidad de sonido ambiental que impresionaba o, al menos, desde el lugar donde estuve viendo el concierto así de potente y nítido se escuchó. Magia musical en vivo ofrecida por The Cure, y donde sus míticos temas flotaron en el aire en este recinto decorado con un espectacular despliegue visual a través de imágenes y proyecciones que nos dejó profundamente impresionados. Entre todos los conciertos de The Cure a los que he asistido, éste ha sido el mejor con diferencia por esta espectacular atmósfera audiovisual creada donde el color, el movimiento, las luces, y los diseños ideados por este grupo para embellecer el álbum “Wish”, finalmente convirtieron este espectáculo en un evento musical inolvidable. Como comenté al inicio de esta reseña, con el álbum “Wish” surgió una época de fuertes e intensos contrastes artísticos en The Cure, y esa fuerza musical y creativa a mí me gustó, me hechizó, y me hizo disfrutar de inolvidables momentos por su contundencia musical y por su sensibilidad emocional. De por sí, en mis obscuras sesiones musicales, he incluído algunos de los temas más siniestros de este álbum precisamente por su potente contundencia sonora. Un factor imprescindible en toda sesión gótica que tenga intención de fascinar al público asistente, y que así han podido vivir y sentir en mis sesiones musicales ofrecidas en los clubs góticos donde han tenido la cortesía de invitarme como DJ. “Wish”, el tributo a otra genialidad musical de este mítico grupo llamado The Cure. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 65 // Reseña Literaria nº: 31

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Reseña actualizada. Publicada el 2 de abril del año 2014 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a la editorial LIBROS DEL ZORRO ROJO por su cortesía al enviarme este promocional.

Publicado por: LIBROS DEL ZORRO ROJO
ISBN: 84-941645-3-8
Edición: 2014 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 60

Qué grandiosa y acertada visión literaria ha tenido la prestigiosa editorial LIBROS DEL ZORRO ROJO tras la reciente publicación de esta auténtica joya titulada “Tráeme tu amor y otros relatos”. Como los bibliófilos lectores de Lux Atenea ya conocen, la genial obra literaria del maestro Charles Bukowski se ha convertido en uno de los pilares más importantes de esta página personal cultural que, tras la lectura y análisis de esta magnífica edición, ve incrementado su valor intelectual. “Tráeme tu amor y otros relatos” es una obra inédita dentro del amplio panorama editorial español, a pesar de los años transcurridos desde su primera publicación en la década de los ochenta (Black Sparrow Press, 1983). Ilustre libro presentado en una extraordinaria y lujosa edición como insigne homenaje a estos dos geniales talentos artísticos estadounidenses, el poeta y escritor Charles Bukowski (1920-1994) y el músico e ilustrador Robert Crumb. Vertebrado por tres relatos cortos geniales donde se presenta sin maquillaje alguno la decadencia social del mundo moderno que tanto inspiró a Bukowski a lo largo de su carrera, a través de estas extraordinarias ilustraciones creadas con sumo talento por Robert Crumb, el lector verá estimulada su imaginación tanto en lo referente a sus personajes como a los distintos escenarios en los que transcurren estas historias, facilitando la comprensión de su hilo narrativo.

“Tráeme tu amor y otros relatos” es arte visual creado por Robert Crumb a partir del año 1975 y que irá perfilando durante los siguientes años hasta dar forma a esta sucesión de ilustraciones donde aparecerá reflejado el universo literario del maestro Bukowski. Una constelación literaria poblada por seres con vidas teñidas de gris donde los individuos tratan de dar algo de color a su existencia a través del sexo y del alcohol, y mientras la desesperanza no desaparece como futuro laboral o la intrascendencia vital sobrevuela ese estado de la existencia que es sentida con angustiosa presión interior por parte de la población urbana del mundo moderno. Una sabia mezcla de hiperrealismo emocional ilustrado con dibujos sentimentalmente descarnados en personajes tan degradados como lo es lo más inequívocamente humano. Crudeza existencial cosmopolita donde los vicios se consolidan como vía de escape de una realidad imposible de asimilar para estos outsiders perdidos en la jungla de la modernidad. Bukowski y Crumb, dos caras opuestas de una misma moneda donde este genial maestro de la literatura se presenta mucho más introvertido, intimista y desesperanzado en su mirada al mundo, y el revolucionario ilustrador aparece en cambio más esperanzado, extrovertido, rebelde y provocador a pesar del desasosiego reinante, tal vez, porque la realidad en la que vivía Robert Crumb le aportaba esa luz vital cargada de sueños y fantasías por realizar aún a pesar de la negrura que nos ofrecen los protagonistas de sus dibujos.

En el libro “Tráeme tu amor y otros relatos”, los cultos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de unos momentos literarios muy especiales que comenzarán con el relato homónimo de esta obra, a través de una analítica mirada a la vida privada de un hombre llamado Harry mientras visita a su mujer Gloria tras haber sido ingresada en un hospital psiquiátrico, entremezclándose la amargura y los celos de ella con los enredos en la mentira y la pura hipocresía que caracterizan a quienes la rodean como paradoja de su débil situación. “Tráeme tu amor” es un relato tenso de fuertes contrastes emocionales donde el realismo y el paralelismo social estarán presentes en la mente del lector. A continuación, en el relato “No funciona el negocio”, todo se tornará más decadente en esta atmósfera de decrépita melancolía con la presentación de Manny Hyman, un comediante de larga carrera profesional en Las Vegas al que su fracasado presente empieza a anclarlo mentalmente al sueño del éxito ya pasado hasta desconectarle del interés del público. Pero el paso del tiempo, el alcohol y el juego no suele ser los mejores compañeros de viaje para el artista en decadencia en este peligroso combinado donde se mezclan el ego, la soledad y el alcohol, o sea, lúgubre existencialismo barroco en clave Bukowski. Finalmente, el relato “Bop, bop, contra aquel telón” será el encargado de clausurar la lectura de este magnífico libro con la Gran Depresión norteamericana como escenario. Una trama desarrollada en la década de los Treinta donde tres jóvenes amigos canalizarán su arrogante e inquieta vitalidad a través de peleas y disputas, tratando de satisfacer su creciente e incontenible pasión sexual a través de los clubs y de los locales nocturnos de la época. “Tráeme tu amor y otros relatos”, talento en esta acertada selección literaria editada por Libros del Zorro Rojo, más talento aún en la calidad de sus ilustraciones, y mucho más talento en las cualidades literarias de esta obra al reflejar sin filtro alguno esta realidad humana tratando de sobrevivir en la modernidad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 62 // Reseña Literaria nº: 30

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Reseña actualizada. Publicada el 30 de junio del año 2010 en Lux Atenea.

Publicado por: EDITORIAL ELECTA
Edición: 1997 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 327

He tenido el placer de visitar la preciosa ciudad italiana de Milán en varias ocasiones e, incluso, he estado trabajando muy gustosamente allí durante un tiempo y, en muchos de los recuerdos que guardo en mi memoria de esta ciudad siempre sorprendente, mi tranquila y admirada visita a la Pinacoteca Ambrosiana es uno de los recuerdos más especiales y emotivos. Auténtico lujo cultural para los amantes de la buena pintura. Una exquisita colección cuyo recorrido tranquilo por sus salas se convierte en una mirada al pasado artístico de un país como Italia que, durante siglos, estuvo fragmentado políticamente pero unido por unos lazos culturales y artísticos profundos. Hablar de Italia siempre es sinónimo de Arte, de ARTE en mayúsculas, y cuya indiscutible belleza ha cautivado a las personas más comprometidas con la Cultura durante generaciones y generaciones, independientemente de sus países de origen. Y es que Italia marca indeleblemente a cada alma sensible a lo bello, a cada ser que ve en el arte, esa armonía y ese mensaje tan trascendente como esencialmente humano, y la especie humana siempre será mucho más humana a través de su Arte creado.

Si tienen oportunidad de visitar esta gran ciudad, no duden en reservar una parte de su tiempo para ir a contemplar y disfrutar las obras maestras aquí expuestas. Les aseguro que la noción del tiempo cambiará radicalmente en su reloj mental cuando empiecen a admirar tanta belleza, tantas obras artísticas exuberantes y hermosas. Personalmente, incluso hubo obras a las que dediqué mi tiempo en su contemplación y análisis porque verdaderamente te hechizan. Uno queda sobrecogido al contemplar en vivo la “Ventrata dantesca” de Giuseppe Bertini (sala 21), la expresividad de los personajes en “Chiusi fuori scuola” de Emilio Longoni (sala 19), la seriedad en el rostro que podemos observar en “Ritratto di Giuseppina Negroni Pratti Morosini” de Francesco Hayez (sala 19), la dulzura en el rostro de la joven en “Ritratto di giovane con colomba” de Natale Schiavoni (aunque en este libro se indica que está en la sala 19, durante mi visita estaba en la sala 18), uno se queda asombrado con el equilibrio alcanzado en la escultura “Ebe” situada en la sala 18, con el realismo de la cabeza cortada de Holofernes en el cuadro “Giuditta e Oloferne” de Giuseppe Vermiglio (sala 15), con la grandiosidad celestial de la “Annunciazione” de Gerolamo Mazzola Bedoli (sala 11)… y así podía ir citando una joya artística tras otra hasta convertir esta reseña en casi un libro. Esta preciosa edición es una excelente guía práctica para poder informarse sobre cada una de estas maravillosas obras. Italia es un país que se quiere y se ama, y la Pinacoteca Ambrosiana es todo un lujo cultural que recomiendo visitar y sentir a los cultos lectores de Lux Atenea cuando estén en la ciudad de Milán. “La Pinacoteca Ambrosiana”, delicatessen artística para la mente y el espíritu. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 61 // Reseña Musical nº: 22

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Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 15 de septiembre del año 2018 en la 32ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 32nd NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al genial artista danés PER NAJBJERG ODDERSKOV (DESTRUKTIONSANSTALT) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Septiembre 2018
Sello discográfico: AUTOEDITADO
Tracklist: 1- Morbidus Atractio // 2- Contagiosis // 3- Infectio // 4- Pax In Morte // 5- Nigrum Caelum // 6- Vale Patri Meo
Artistas: Per Najbjerg Odderskov
Trabajo musical: Destruktionsanstalt
Datos técnicos: Compilación de temas musicales pertenecientes al álbum split “Morbidus” (Exabyss Records, 2016), compartido con Go As Death, y al álbum split “Destruktionsanstalt / Hag Of The Tattered Vestments” (Marbre Negre, 2016)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Álbum de culto

El pasado día 9 de septiembre, Destruktionsanstalt presentó oficialmente el magnífico álbum recopilatorio “Døds-Hymner” cuyo interior viene vertebrado por estos seis extraordinarios temas, editados originalmente en el año 2016 en los álbumes split compartidos con Go As Death (“Morbidus”, Exabyss Records, 2016), nombre del proyecto musical de John McVay, y Hag Of The Tattered Vestments (“Destruktionsanstalt / Hag Of The Tattered Vestments”, Marbre Negre, 2016), nombre del proyecto musical de Gregg Stockdale. Tal y como el genial artista danés Per Najbjerg Odderskov describe personalmente respecto al fundamento conceptual y temático que dio forma sonora y sentido musical a estas seis composiciones, los temas incluidos en “Døds-Hymner” adquieren una importancia crucial para poder comprender las fuentes de inspiración artísticas y la propia creatividad musical de vanguardia que llevó a Destruktionsanstalt a dar un gran salto cualitativo en su innovador estilo death-industrial, cambiando y evolucionando completamente sus bases conceptuales del álbum “Corpus Invocationem” (sello Required Rate of Return, 2015) a su siguiente álbum “Swedenborg” (Marbre Negre, 2016). Dos ediciones limitadas convertidas ya en joyas discográficas de culto dentro de esta escena musical, además de ser consideradas como prestigiosas ediciones de coleccionista. El presente álbum recopilatorio ha sido publicado por Destruktionsanstalt en formato digital a través de su propia página oficial en Bandcamp, habiendo sido engalanada su portada con este impactante diseño donde el mosaico de imágenes con una inconfundible estética ur-folk, adquiere una intensa fuerza simbólica relacionada con lo ritual, con lo mortuorio, y con la visión metafísica de la vida cercana a lo barroco en cuanto a su escatológico trasfondo. Con los huesos como único vestigio de la vida existente en un pasado, convirtiéndose en la única prueba de la existencia carnal, el augusto y obscuro álbum “Døds-Hymner” cautivará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena musical industrial porque condensa y concentra en un solo álbum, este fértil periodo de virtuosismo en la composición desarrollado durante esos años por el genial artista Per Najbjerg Odderskov, alma máter de Destruktionsanstalt.

Iniciamos la atenta audición de esta siniestra compilación musical con los cuatro primeros temas pertenecientes al álbum “Morbidus”, empezando por la potente composición “Morbidus Atractio” que nos sumergirá en un escenario sonoro industrial marcado por la tensión, la adrenalina y el trauma tras haber sido englobado en un plano psicológicamente escabroso. A continuación, el tema “Contagiosis” adquiere texturas sonoras de gran plasticidad musical que derivarán hacia elementos cromáticos de carácter orgánico en cuanto a sus características conceptuales. Con samples llevando toda su estructura musical hacia lo emocional con estos dramáticos reportes informativos relacionados con la crisis vírica en Liberia, “Contagiosis” terminará extendiendo su sombra en el tema “Infectio”, pero cambiando completamente su estructura sonora ya que, del death-industrial saltaremos a la electrónica experimental de siniestro trasfondo industrial, pasando de la inestable apertura exterior a la decadente inmersión interior. Un lúgubre espectáculo sonoro de débil iluminación, suciedad y grietas, filtraciones de agua, sonidos estridentes, y sensación permanente de peligro que convierten al tema “Infectio” en la joya de la corona de este álbum recopilatorio. ¡¡¡“Infectio”, impresionante!!! Eso sí, la tenebrosa composición “Pax In Morte” volverá a poner cada elemento musical en su base original tras cubrirlos con las brumas del Erebo, perfilando un escenario sonoro íntimamente relacionado con el dark-ambient más minimalista. A continuación, serán los dos últimos temas pertenecientes al álbum split “Destruktionsanstalt / Hag Of The Tattered Vestments” los que nos lleven a una nueva dimensión sonora death-industrial. En la magna composición “Nigrum Caelum”, lo supraterrenal se teñirá con este diabólico tono obscuro mientras los planos sonoros de corte etéreo van pasando como si fueran nubes de tormenta a punto de descargar todo su poder. Una escalofriante atmósfera dark-ambient de trasfondo sacro que irradiará esta rúbea energía capaz de condenar a las almas en su interior, y que nos llevará a presenciar el ocaso final en el tema “Vale Patri Meo” con esta virtuosa demostración de talento en la composición. En esta grandiosa obra musical, el artista danés Per Najbjerg Odderskov ha creado magistralmente este entorno difuso donde la sensación de pérdida de lo trascendente y espiritual es rotunda y absoluta. Puro hedonismo musical death-industrial para ser degustado con delicadeza sensorial, con pausado análisis, mientras nos dejamos hechizar por tan hipnótica belleza melódica. “Døds Hymner”, álbum recopilatorio de imprescindible adquisición y audición para poder comprender la augusta relevancia musical de Destruktionsanstalt dentro de la escena death-industrial. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Como analista cultural non-mainstream, en Lux Atenea ha sido un auténtico placer escribir y publicar la reseña del catálogo oficial de la fascinante exposición pictórica «Ciudad Terminal» de Adamo Dimitriadis, organizada en Madrid por la Galería de Arte UTOPÍA PARKWAY (calle Reina, 11) y abierta al público hasta el próximo día 8 de marzo. Gracias al firme apoyo de los cultos lectores de Lux Atenea, la reseña del precioso catálogo enviado por cortesía de Marta (Galería de Arte UTOPÍA PARKWAY), ha batido todos los records en las estadísticas de visitas y de lecturas recibidas dentro de esta nueva etapa de Lux Atenea con su propia url. Una nueva etapa iniciada el pasado mes de enero, e inaugurada a nivel de nuevos artículos culturales con la publicación de la reseña sobre «Ciudad Terminal». Gracias al firme y decidido apoyo de los lectores, esta página cultural digital está volviendo a adquirir la dinámica de constante crecimiento en Internet que ha caracterizado a Lux Atenea desde el año 2006, contribuyendo cada uno de los lectores a impulsar esta promoción de la Cultura Non-Mainstream en España y a nivel internacional.

Esta misma tarde, por cortesía del propio artista Adamo Dimitriadis, acabo de recibir el catálogo oficial de esta exposición en formato físico, firmado y dedicado. Como analista cultural non-mainstream, es todo un honor, y este catálogo pasa a formar parte de mi colección privada más selecta y exclusiva compuesta solamente por ediciones originales firmadas y/o dedicadas por el propio artista o artistas (libros, álbumes musicales, DVD’s cinematográficos, catálogos oficiales de eventos culturales…). ¡¡¡Gracias de todo corazón, Adamo Dimitriadis!!! Tu excelsa obra pictórica me apasiona, y este catálogo es toda una joya porque, en estos tiempos digitales que estamos viviendo, valoro el formato físico más que nunca, y mucho más si está firmado y dedicado por el autor de la obra artística.

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La Cultura Non-Mainstream nos apasiona, la Cultura Non-Mainstream nos une, y, dentro de este mundo posmoderno globalizado y en constante cambio que no conoce fronteras, Lux Atenea sigue siendo la página cultural digital líder escrita en español. Uno de los artistas españoles actuales con una visión conceptual más innovadora y vanguardista reflejada en sus obras pictóricas es ADAMO DIMITRIADIS. Si aún no han podido visitar su espectacular exposición «Ciudad Terminal» (Galería de Arte UTOPÍA PARKWAY, calle Reina, 11 / Madrid), sin duda alguna, les recomiendo esta inmersión en la belleza del Arte con trasfondo muy bien definido en su mensaje simbólico. Una fascinante delicatessen. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz

LUX ATENEA  ( CULTURA NON-MAINSTREAM )

Reseña Cultural nº: 60 // Reseña Literaria nº: 29

Información Muy Importante / Very Important Information:
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Reseña actualizada. Publicada el 12 de mayo del año 2012 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a la FUNDACIÓN MAPFRE por su cortesía al enviarme este promocional.

Publicado por: FUNDACIÓN MAPFRE / T.F. EDITORES
ISBN: 84-9844-355-4
Edición: 2012 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 400

Cuando se realiza una labor cultural con pasión, con sumo cuidado en el detalle, y con todos los sentidos concentrados en hacer realidad una impresionante exposición dedicada a la obra de un sublime creador de Arte como fue Odilon Redon, el resultado final no podía haber sido más glorioso que el reciente evento cultural organizado por la FUNDACIÓN MAPFRE en sus Salas de Exposiciones en Recoletos y que estuvieron abiertas al público del 11 de febrero al 29 de abril de este año 2012. Una brillante exposición organizada y realizada por la Fundación MAPFRE en colaboración con el Musée d´Orsay, convirtiéndose en un privilegiado y emotivo viaje sensorial por el universo Odilon Redon. Un evento artístico donde el Arte se convirtió en una introspección del espectador al contemplar cada una de estas sublimes obras entendidas y concebidas por su creador desde la perspectiva de un buscador de puentes hacia el corazón del alma humana. Por este motivo, el excelso catálogo “Odilon Redon (1840-1916)” se ha convertido en una adquisición imprescindible tanto para que las personas asistentes a este evento puedan tener un recuerdo y una guía de tan magno acontecimiento, como para todas aquellas personas que no pudieron visitarla pero a las que la figura artística de Odilon Redon sigue fascinando con sus obras. Para los bibliófilos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma a la Cultura, este impresionante catálogo se transformará en ese vórtice impreso en papel cuyas páginas les permitirá volver a experimentar esas emociones sentidas cada vez que se sitúen frente a frente ante las obras del gran maestro.

“Odilon Redon (1840-1916)” no es únicamente el catálogo oficial de esta distinguida exposición organizada por la FUNDACIÓN MAPFRE. “Odilon Redon (1840-1916)” es una edición de auténtico lujo, tanto cultural como bibliográfica, donde la admirable calidad de los materiales utilizados en su impresión y encuadernación permitirá ensalzar aún más su sobresaliente valoración en los cultos lectores de Lux Atenea que hayan adquirido (o adquieran) este magna obra. “Odilon Redon (1840-1916)” es también un acertado volumen de gran formato con una gran riqueza de imágenes en su interior, a todo color y de una resolución increíble, con las que podrán apreciar la atrayente belleza contenida en cada una de estas obras expuestas. Además, sus páginas impresas en papel de alto gramaje y sus gruesas cubiertas elegidas para dar fortaleza y solidez a este completo catálogo, nos hacen ser rápidamente conscientes de que estamos ante una inolvidable obra cultural destinada a convertirse en una de las referencias bibliográficas más buscadas en cualquier tema relacionado con este Maestro de la Pintura, ya sea tanto para ser estudiado por especialistas en esta materia como para ser consultado por lectores deseosos de saber y de conocer la vertiente artística de Odilon Redon con una mayor profundidad y rigor. Y este exigente objetivo ha sido sobradamente logrado en su dimensión y en su conjunto como catálogo de una exposición cultural de referencia.

Después de una detallada lectura y de un exhaustivo análisis de esta obra, de lo que no me cabe la menor duda es que “Odilon Redon (1840-1916)” es una admirable y equilibrada edición en la que se ha conseguido armonizar el interesante contenido analítico y descriptivo de las obras elegidas para dar vida y alma cultural a esta exposición, respecto a su interior informativo impreso en estas páginas y que consigue hechizar nuestra inquieta mirada cultural en busca de detalles y de análisis referentes de cada una de las obras creadas por este destacado genio decimonónico. Por este motivo, la lectura de analíticos trabajos como “El Mundo Oscuro de lo Indeterminado: Semblantes de Redon” de Rodolphe Rapetti, “Redon y la Decoración” de Fred Leeman, “Vuillard versus Redon. Flores de Ensueño y Ensueño de Flores” de Guy Cogeval, “Redon en Fontfroide: el Día, la Noche, el Silencio” de Rodolphe Rapetti, y “Redon y España: Miradas Cruzadas, Rincones Negros” de Idoia Murga Castro, incluidos en este catálogo, se convierten en un acto fundamental y esencial a la hora de sumergirnos en este océano de color, de formas, de rostros y de miradas imaginados por Odilon Redon para dar sentido a sus creaciones.

En este impresionante catálogo podrán disfrutar contemplando la esencia féerica de “El Espíritu de los Bosques” (1880), la reflexión palpable de su obra “Pandora” (1914), la espectacularidad de “El Día” (1910) y la sacralidad de “La Noche” (1910-11), el misticismo simbólico de las diferentes versiones de “El Silencio” (1910-11), la fuerza surrealista de su obra “El Carro de Apolo” (1910), la siniestra belleza de “Cactus” (1881) de inconfundible influencia goyesca, la sobrecogedora oscuridad de “Limbos” (1879), el surrealismo onírico mostrado en “Ojo-Globo” (1878), la oscura espiritualidad reflejada en “Templo-Vidriera” (1904), la sublime belleza de “Personaje en un Paisaje de Montañas Desnudas” (1862-1865), la magia intelectual que irradia su majestuosa obra “El Lector” (1869) como si el arcano del tarot El Ermitaño hubiera encontrado refugio en una solitaria Biblioteca del Saber, el impacto del siniestro influjo reflejado con crudeza en “Ángel y Demonio” (1877), la terrorífica sonrisa dirigida a las profundidades de nuestra realidad inconsciente en “Araña” (1881) como contrapunto a la delicada sonrisa de “Araña Sonriente” (1887), el mundo oculto presente en “Calibán sobre una rama” (1881), la atenta y misteriosa mirada de “El Cuervo” (1882), la belleza hierática de su obra “Perfil de Luz” (1886), la evanescencia difuminada de “El Sueño” (1889), su espectacular y excelsa obra “La Muerte: ¡Mi ironía supera todas las demás!” (1889), la colosal presencia divina contenida en “En el Cielo / Ojos Cerrados” (1889) y en la introspectiva visión de “Ojos Cerrados” (1890) que protagoniza la portada de este catálogo, la tenebrosa esencia dimensional abierta en “Espíritus Perversos sobre las Aguas” (1890), la virtud de la esencia universal femenina reflejada fielmente en “Inquietud de Absoluto” (1891), la potencia ultraterrena alzándose en “Mujeres al pie del Crucificado” (1892), la comprensión simbólica del ideal griálico reflejado en su obra “Parsifal” (1892), la colosal intensidad de “Pegaso Cautivo” (1893), el ideal mitológico wagneriano mostrado en “Brunilda (Ocaso de los Dioses)” (1894), la sabiduría artúrica simbólicamente oculta en “Viejo Caballero” (1896), la imagen difusa de la Sabiduría que da vida a la realidad espiritual de “Beatriz” (1897), la sobrecogedora intensidad cromática establecida como paralelismo perfecto de una de las esencias místicas de la Esfinge en “El Silencio” (1897) y a la cual no me cansaría de dedicar horas y horas de serena contemplación, el misterio pagano percibido en el oscuro “Templo con Ídolos Bárbaros” (1898), la realidad andrógina de “Eva” (1904) y de su espectral obra “El Hombre Rojo” (1905), su particular visión de la esencia budista en “Buda” (1905) o del cristianismo en “Cristo” (1907), su impresionante obra maestra “Ofelia con capa azul” (1905), su inspirador e inteligente talento mostrado en “Fantasmagoría Submarina” (1910), la penetrante fuerza emanada desde su obra “La Mirada” (1910-1913), la primigenia feminidad simbólica de “La Concha” (1912) o la más pura genialidad convertida en Arte en “El Sueño de Calibán” (1912),… en definitiva, el catálogo “Odilon Redon (1840-1916)” transforma el paseo pictórico por las páginas de este libro en uno de esos momentos personales marcados por lo placentero, por lo individual y por lo subjetivo, mientras nuestro intelecto es estimulado una y otra vez página tras página.

Este recorrido por el ilustre talento creativo desarrollado por Odilon Redon, y que gracias a la FUNDACIÓN MAPFRE se ha potenciado aún más el vigor cultural de la capital de España en este año 2012, hace de este catálogo su más recomendado y señalado estudio temático referente a este genio artístico marcado por el Simbolismo decimonónico consagrado y por las esclarecedoras raíces artísticas de lo que posteriormente será identificado como Surrealismo en el siglo XX. Una magia pictórica que impregna estas páginas para irradiar nuestra mente con este misticismo pagano cargado de pinceladas metafóricas, de cromáticas espiritualidades y de intuición nuevamente re-estimulada tras cada apertura que realicemos de esta obra memorable. “Odilon Redon (1840-1916)”, cuando la ilustre y eminente alma de este genio del Arte logra ser reflejada con autenticidad en el maravilloso catálogo de una exposición. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 56 // Reseña Musical nº: 18

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 29 de noviembre del año 2006 en Lux Atenea .

Publicado por : Fiction Records, (FICSX 30), 1989
Edición comentada : Vinilo 12” (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: Cara A: 1- Lovesong (extended mix)
Cara B: 2- Late // 3- Fear of Ghost
Valoración de la calidad del vinilo : 10 (Excelente vinilo, destacando tanto por el material utilizado como por la calidad de la grabación y su impresión; un disco imprescindible para seguidores de The Cure)

Cuando el mítico grupo británico The Cure presentaron oficialmente su exitoso álbum “Disintegration” en el mes de mayo del año 1989, también se publicaron otras ediciones discográficas relacionados con él que lo complementaban musicalmente, incluyendo en estos discos canciones no incluidas en su nuevo LP. Este impresionante vinilo 12″ titulado “Lovesong” es uno de esos maravillosos discos, atesorando en su interior esta versión extendida de su famosa canción homónima, y otros dos temas extras, “Late” y “Fear of ghost”, no incluidos en “Disintegration”. Dos canciones que fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea por su gótico espíritu musical, motivo por el cual el vinilo “Lovesong” ha de estar presente en la colección discográfica de todo fiel seguidor del grupo británico The Cure. Una nueva joya discográfica protagonizando esta página personal digital para informar a nuestros lectores sobre las delicatessen artísticas de esta legendaria banda musical, aún activa en esta primera década del siglo XXI.

Sacando este vinilo 12″ de su cubierta, en su cara A comenzaremos su audición disfrutando de esta excelente versión de la canción “Lovesong”, siendo ideal para incluirla en la sesión musical de un DJ que desee triunfar en la pista de un club gótico para que seguidores de este grupo británico puedan recrearse con sus pasajes melódicos. Esta fusión perfecta de bajo y guitarra al inicio del tema, a las que posteriormente se unirá la batería, una segunda guitarra, y un mágico teclado, dan a esta canción otro aire y otra textura sonora sin degradar lo más mínimo el espíritu musical del tema original. Una extraordinaria versión de esta canción ya mítica en la escena gótica, y cuya estructura instrumental tan bien construida y equilibrada hace hincapié en los planos sonoros y melódicos que han erigido a este tema como una de las canciones más conocidas de The Cure internacionalmente. Dando la vuelta a este magnífico vinilo, en su cara B nos estará esperando el precioso tema “Late”, una de las canciones que refleja más fielmente el espíritu más Cure dentro de su amplia carrera discográfica. El excelso tema “Late” se transformará en ese ensoñador viaje en tren mirando el paisaje a través de la ventana, en ese día luminoso y soleado mientras contemplamos cómo se van desintegrando en el aire las pocas nubes que aún se resisten a dejar su presencia en el cielo. Posteriormente, cuando el impresionante tema “Fear of Ghost” aparezca con su tenebrosa melodía, la voz de Robert Smith se convertirá en el eco de un susurro, proyectando emocionalmente esas escasas ondas emanadas en el pasado por presencias, cuyos actos quedaron olvidados en el recuerdo de esos hechos ya difusos. Como analista musical, sin duda alguna valoro al tema “Fear of ghost” como una de las canciones más góticas y espectrales compuestas por The Cure. “Lovesong”, una preciosa edición discográfica en vinilo cuya audición y re-audición siempre garantizará a los melómanos lectores de Lux Atenea góticas sensaciones hedonistas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 55 // Reseña Literaria nº: 28

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 26 de marzo del año 2015 en Lux Atenea conmemorando el 35º aniversario de la muerte del legendario artista británico IAN CURTIS (1956 – 1980). Siempre en el recuerdo.

Quiero dar las gracias a la editorial MALPASO por su cortesía al enviarme este promocional.

Publicado por: MALPASO EDICIONES, S.L.
ISBN: 84-15996-45-3
Edición: Febrero 2015 (primera edición) (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 240

Una de las cualidades culturales que más destaca en esta ilustre obra es su capacidad para estimular dos pasiones en el lector: su pasión por la música, y su pasión por la lectura. Además, como analista literario y musical, escuchar los excelsos álbumes de Joy Division mientras leía y analizaba este extraordinario libro se ha convertido en una experiencia inolvidable en Lux Atenea, agradeciendo la cortesía que ha tenido la editorial MALPASO EDICIONES con esta página cultural non-mainstream al enviar este lujoso promocional. Publicado oficialmente el pasado mes de febrero, el augusto libro “Ian Curtis: En Cuerpo y Alma” presenta una impecable edición bilingüe con e-book incluido, atesorando en estas 240 páginas de culto a la mítica figura de Ian Curtis (1956 – 1980), inexorablemente unida al mítico grupo Joy Division. Un extraordinario y relevante valor histórico dentro del mundo musical al haber quedado impresas en sus hojas para la posteridad, este impresionante legado documental y artístico formado por borradores y letras de versiones alternativas para sus temas, canciones inéditas, correspondencia, reseñas y entrevistas, carteles y portadas, diseños, rarezas… hasta formar un completo archivo sobre su obra como nunca antes haya visto en un libro. Por este motivo, en cuanto el bibliófilo lector de Lux Atenea tenga en sus manos un ejemplar de esta lujosa edición y hojee sus páginas, su compra será inmediata ante la grandeza de esta obra literaria desde el punto de vista cultural, y por el meticuloso trabajo de organización realizado durante su clasificación y análisis, conformando este monumento literario a la figura inmortal del músico y compositor Ian Curtis cuyo 35º aniversario de su muerte conmemoramos y recordamos en este año 2015.

Durante la lectura y análisis de esta magna edición literaria se produjo en mí una sensación muy especial, absolutamente empática, al volver a escuchar por enésima vez los temas de Joy Division en sus álbumes originales que guardo en mi colección discográfica privada. Momentos emotivos al ver en estas páginas las imágenes de las hojas de papel con las letras de estas canciones escritas de su puño y letra, transformando la audición de su reverenciado legado musical en una ruptura absoluta del tiempo. A lo largo de estas décadas, diversas sensaciones he experimentado hasta el momento con la música de Joy Division. He escuchado infinidad de veces sus álbumes, sus singles, incluso a través de la inigualable calidad sonora que ofrecen sus ediciones discográficas en vinilo (que guardo como oro en paño y que solamente vuelvo a escuchar en ocasiones tan especiales), pero nada ha sido comparable a leer el excelso libro “Ian Curtis: En Cuerpo y Alma” mientras su voz y su mensaje volvían a renacer desde el giradiscos. Ian Curtis se suicidó, y algunos siguen creyendo que ese hecho lo llevó directamente a ingresar en el Templo de los Mitos Musicales muertos a una edad temprana, con el halo de eternidad que ello conlleva. Pero, personalmente, siempre he creído (y sigo creyendo) que esa perspectiva lleva a un análisis demasiado simplista e irrespetuoso ya que Ian Curtis fue mucho más allá en el trasfondo de su obra, sobre todo a través de su visión personal de la vida dentro de una perspectiva existencial pesimista y cruda donde el individuo siempre se ve superado por las circunstancias en su lado más amargo.

Esa filosofía personal de siniestra belleza existencial con cuya obscura y lúgubre tinta escribió cada una de sus composiciones y letras, son las que verdaderamente le han hecho perdurar hasta esta segunda década del siglo XXI incluso entre las generaciones más jóvenes. Su suicidio fue la inevitable apoteosis final de un artista al que le resultaba cada vez más difícil adaptarse a la sociedad moderna de su época. Tampoco creo que una sociedad tradicional le hubiera satisfecho porque en las obras musicales de Ian Curtis se destila esa profunda y sincera misantropía respecto a la auténtica cara del ser humano en este mundo, sobre todo al quedar señalado el conjunto de la sociedad y más concretamente al hablar de las terribles formas de comportamiento y duras actitudes que muestran una gran parte de la ciudadanía al tratar con personas de alma sensible e individuos con destellos interiores de inocencia en sus acciones, aunque éstas puedan llegar a ser en un momento equivocadas o erróneas. Ese cuidado interior de la pureza y de la inocencia se percibe incluso en su propio estilo de letra y en su forma de escribir. En el libro “Ian Curtis: En Cuerpo y Alma”, los grafólogos y los psicólogos que deseen analizar y estudiar en profundidad la personalidad de este artista, se encontrarán con una obra ahora mismo insustituible en cuanto a su valor documental. Si a ello le unimos un espíritu crítico consigo mismo muy pronunciado, que sale a la luz inmediatamente con la forma en la que Ian Curtis corrige sus errores al escribir la letra de una canción, la unión de insatisfacción personal, de inadaptación social, de desconfianza y timidez a la hora de relacionarse con otras personas, y de poseer en su interior un juez firme e inmisericorde con sus equivocaciones (inevitables a lo largo de la vida para tener experiencia en esta vida), el trágico final de este inteligente, creativo e innovador artista era inevitable salvo que se produjese un cambio positivo y radical en su destino que lo recondujera por otra senda existencial.

Personalmente, creo que son las intensas sensaciones internas que aparecen en el interior del individuo moderno (y ahora posmoderno en este siglo XXI) al escuchar sus canciones, lo que convierten a los temas de Joy Division en himnos musicales que identifica y siente como revelación de su desapego social, de su vacío existencial, y de su aislamiento emocional y sentimental, generando y reactivando su propia soledad por la ausencia de vínculo e identidad alguna con la dinámica familiar, social, laboral… que termina afectando incluso al plano de comunicación que establece en la amistad con otras personas. Ese factor emocional es lo que ha convertido a Ian Curtis y Joy Division en una realidad artística vigente, y en una experiencia musical latente que sigue transmitiendo sensaciones intensas hoy día enraizadas con nuestra realidad. Y si hablamos del amor, sobre todo cuando los tragos de hiel son constantes tras encontrar esa pasión que se creía perdida, en clave Joy Division el ideal se vuelve fugaz y luego inalcanzable en esta visión dramática y dura del amor al que también se suman otros factores que convierten al legado musical de Ian Curtis en el testimonio de la vida humana transformada en un auténtico calvario. Así de directas se presentan las experiencias y las confesiones de Ian Curtis sobre esta vida que impregnan sus canciones, transmitiéndose siempre de forma sincera, honesta, y emocionalmente dura, alejándose completamente de cualquier maquillaje artístico, lírico o melódico de edulcorada sensiblería. Una experiencia cotidiana igual de amarga como la hiel que, día a día, muchas personas han de tragar en su vida. Ya han pasado varias décadas desde que las canciones de Joy Division vieran la luz pública pero, en este siglo XXI posmoderno, nuevos seguidores del obscuro arte musical de Ian Curtis continúan sumándose a esta congregación de personas desencantadas con la vida. Ian Curtis sí que se atrevió a hablar en sus canciones de esa trágica ruptura emocional que algunas personas han de sufrir en esta vida al descubrir que entre lo que le dijeron y enseñaron que era el ser humano, y lo que en realidad es, lo bueno siempre se torna en su lado más siniestro y demoníaco. Vida e infierno descritos con toda crudeza emocional y sentimental en canciones que ya son eternas al igual que sus álbumes, auténticas semillas artísticas del inminente post-punk y del dark rock más tenebroso. Por ese motivo, y por méritos propios, este libro dedicado a Ian Curtis se ha erigido como la más ilustre y excelsa edición literaria que se haya publicado en España. “Ian Curtis: En Cuerpo y Alma”, joya literaria y biográfica para melómanos que sienten profundamente la obscura esencia musical de este artista inmortal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 54 // Reseña Musical nº: 17

Información Muy Importante / Very Important Information:
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Reseña actualizada. Publicada el 18 de noviembre del año 2006 en Lux Atenea .

Publicado por : Nostradamus Records, (NOS-1002), 1982
Edición comentada : Vinilo 7” (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: The Nothing Song / Love me for my Mind / Ignorence is the Control
Valoración de la calidad del vinilo : 9 (excelente vinilo, destacando tanto el material utilizado como la grabación e impresión, que son dignos de elogio; estas canciones mantienen ese aura que lo impregna todo con perfumes musicales de la década de los ochenta)

En Lux Atenea, si de homenajes musicales se trata, invito a nuestros cultos lectores a ir hacia atrás en el tiempo hasta el año 1982. En los Estados Unidos de América, un joven grupo musical acaba de presentar su primer disco. Lo que no saben en aquel momento cada uno de los miembros de este grupo, sobrados de calidad, talento, y de pasión musical, es que llegarán a marcar una era dentro de la escena gótica a partir de la década que están viendo nacer, pero no con el nombre de su banda, sino dentro de otro grupo musical llamado Christian Death donde se integrarán. ¿Cuál es el nombre de este joven grupo musical? Pompeii 99. Y los miembros de la banda se llaman Gitane Demone, Valor, David Glass… Ya empiezan a sonarle estos nombres al melómano lector de Lux Atenea afín a la escena musical dark. En Pompeii 99, como no podía ser de otra forma, el peso de la interpretación vocal de los temas compuestos caía en su cantante femenina Gitane Demone, con una voz impresionante que ya destacaba por su potente registro y por su versatilidad en la interpretación, pero que aún necesitaría perfeccionar un poco más antes de ofrecernos durante las próximas décadas esos melódicos pasajes vocales obscuros que han marcado para siempre la escena músical gótica. Gitane Demone, eterna Gitane Demone, cuya voz se ha convertido en un auténtico fetiche artístico dentro del estilo gótico. En devoción musical. Brindemos con champagne rosado francés por Gitane Demone, y por su incomprable e inigualable voz que tanta pasión nos transmite cada vez que la escuchamos en un tema musical, aunque sea en el trasfondo sonoro de una canción como coro.

El grupo musical Pompeii 99 presentaría su primer vinilo homónimo y la primera canción que encontramos en este disco lleva por título “The Nothing Song”, un tema musical que innumerables veces he incluído en mis sesiones como DJ en locales góticos. “The Nothing Song” es una canción influida por ritmos ska, por corrientes musicales trasgresoras, y por lejanos vientos conceptuales provenientes del jazz más oscuro y non-mainstream, o más políticamente incorrecto. Con un alma artística irreverente heredera del espíritu de la década de los setenta, su fascinante atracción musical se ha convertido en algo vivo, actual y perenne, pasen los años que pasen. La canción “Love for my Mind” cierra la cara A de este precioso vinilo, un magnífico tema que hubiera encajado muy bien dentro de la banda sonora musical de la mítica serie de televisión “La Familia Monster (The Munsters)”. El pasaje melódico que nos ofrece este teclado, tan inconfundible y característico en épocas musicales anteriores a la publicación de este disco, nos invita a cerrar los ojos para disfrutarlo más intensamente, e imaginar que estamos en el interior de una mansión encantada, o en el mítico salón de la casa de los Munsters en compañía de Lily, Herman, Eddie, Marilyn, Sam… En cuanto damos la vuelta a este vinilo y ponemos suavemente la aguja del giradiscos en su cara B, poco tiempo después empezará a sonar la canción “Ignorence is the Control”. En este tema, con Valor como vocalista y la espléndida Gitane Demone perfilando los coros, instrumentalmente presentará pasajes melódicos muy originales y atrayentes, sobre todo en el plano sonoro perteneciente a la guitarra, pecando un poco de inconexión y de una adecuada integración entre los distintos cambios de estilo que aparecen a lo largo de toda la canción, poniendo el punto y final a este sorprendente trabajo musical. Sin duda alguna, dentro de la escena dark, la audición de los temas compuestos por Pompeii 99 es más que necesaria para poder hacernos una idea cuáles fueron los orígenes musicales de los miembros de este grupo y, de la que fue, la banda gótica por excelencia de las décadas de los ochenta y noventa. Me estoy refiriendo a Christian Death, tanto en la etapa de Rozz Williams como en la de Valor. Etapas artísticas gloriosas marcadas por una calidad y un talento creativo dentro de la musica gótica que son ya legendarias, y que no evitaron ser teñidas con la oscura traición. De un tema tan turbio como el caso de Rozz Williams y Valor, ya comenté sobre ello en pasadas reseñas y seguiré comentando en otras próximas para poner luz sobre ese asunto. Como analista musical non-mainstream, dentro de la escena gótica, para los lectores que deseen saber la verdad sobre este delicado tema, mi consejo es que lean el comentario que la propia Gitane Demone dejó en un recopilatorio musical sobre sus temas más importantes cuyo título es “Life in Death 85-89”. En el libreto incluido en este álbum lo deja todo muy claro, con los puntos y las comas donde hay que ponerlas. Todo lo demás, no son más que habladurías e historias sensacionalistas sin base real alguna. “Pompeii 99”, sin duda alguna, este vinilo es una de las ediciones discográficas más buscadas y valoradas por los coleccionistas dentro de la escena musical gótica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 53 // Reseña Literaria nº: 27

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 1 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

Publicado por: EDICIONES ROBINBOOK, S.L.
ISBN: 84-96924-05-5
Edición: 2007 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 240

En mi biblioteca, “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2” es un libro muy especial que llevaba ya unos cuantos años esperando su relectura y, en este verano, tocaba ya volver a adentrarse ante los interesantes temas que en sus páginas se abordan. Su autor, Gavin Baddeley, les resultará sobradamente conocido a los bibliófilos lectores de Lux Atenea tras el éxito alcanzado con la reseña que escribí sobre su excelente obra “Diseccionando a Marilyn Manson”, en vista al impresionante número de visitas y de lecturas recibidas desde su publicación. El interés informativo que atesoran las páginas de “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2” viene dada por el amplio arco cultural no musical explicado detalladamente en su interior, con el apasionante mundo del cine, del cómic, y de la literatura destacando por encima de la inevitable mención a este obscuro mundo musical. Solamente en sus primeras treinta páginas, el selecto contenido cultural mostrado dejará impresionados a los cultos lectores de Lux Atenea si lo que esperaban es un libro dedicado única y exclusivamente al apartado musical. Una temática ampliamente desarrollada y precisada en capítulos como “Las flores del Mal”, “Una belleza más siniestra”, “Oscuros ángeles del pecado” o “Las sombras oscuras nos abruman”. De lectura más lineal que la mítica e incomparable obra “Gothic Rock” de Mick Mercer , en cambio, “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2” aborda con mayor profundidad en el análisis en cuanto a la descripción de las circunstancias y de los vaivenes artísticos (y no artísticos) que condicionaron a muchos de los grupos, cantantes y músicos de esta escena gótica. Una apertura musical en el tiempo que abarca varias décadas y que, en su concreción y desarrollo conceptual desde finales de la década de los setenta, importantes factores aquí explicados han llegado finalmente a definir y dar forma a lo que conocemos actualmente como música gótica. Es más, creo que los libros “Gothic Rock” (Mick Mercer) y “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2” (Gavin Baddeley) se complementan perfectamente cuando el lector busca información fidedigna y un conocimiento profundo de esta interesante temática, sobre todo si es apasionadamente afín a esta escena musical.

Analizado de forma global, “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2” es un libro de imprescindible lectura y análisis. Eso sí, he vivido personalmente estas etapas de la escena gótica en España a lo largo de más de dos décadas y, en obras de esta temática me sigue faltando algo fundamental que movió todo este movimiento cultural, existencial, conceptual, y filosóficamente ya extinto en la escena gótica española: los valores éticos y morales. Sin ellos, nada hubiera sido tal y como fue sin ningún punto de comparación. Una época que rompió moldes, conceptos y perspectivas con valores que actualmente están muertos y bien sepultados en el mundo gótico nacional transformado en un denso bosque de Egos y vanidades, y que ha acabado convertido a lo largo del tiempo en un completo erial en lo que a Cultura Gótica se refiere. Una escena gótica española actual que, al contrario que en la escena internacional, se ha convertido en un vistoso, ostentoso, y siniestro envoltorio para el vacío cultural más alarmante que haya vivido nunca. Una escena gótica española que perfectamente se podía resumir en dos lemas actualmente vigentes, dominantes e inamovibles: ‘Estética Gótica versus Cultura Gótica’, y ‘Ego versus valores éticos y morales’. Con planteamientos existenciales y prioridades estéticas de este calado, así de esplendorosa y radiante se encuentra la escena gótica española en esta segunda década del siglo XXI. Menos mal que aún hay interés en desarrollar y ampliar la Cultura Gótica de verdad fuera de nuestras fronteras.

Tal vez, en algún momento futuro se publicará un ensayo o un artículo sobre la escena gótica española actual donde se explique claramente que muchos de los que se consideran y autodefinen como góticos, en realidad no son más que fugaces posmodernos estéticamente siniestros queriendo dar lecciones de lo que es o no gótico. Aquí dejo la idea para quien desee desarrollarla y escribir sobre ello porque sería un libro de lo más revelador, y porque veo demasiadas personas incultas, pero estéticamente siniestras para lucir, enseñoreándose de lo gótico publicamente y rechazando precisamente a aquellas personas que aman la auténtica Cultura Gótica. Por mi parte, hace años en la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD quedó muy clara la definición de lo gótico en el artículo de opinión titulado «¿Qué es lo verdaderamente gótico?» y, desde entonces, esta definición me sigue pareciendo la más cercana a la raíz cultural gótica como perspectiva existencial en esta vida. “Los Ángeles del Pecado. Cultura Gótica 2”, la complejidad de una corriente cultural que no se define únicamente por un estilo o estilos musicales, y por una estética concreta, sino por mucho más. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
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