Reseña Cultural nº: 1216 // Reseña Musical nº: 1049

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 31 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea conmemorando el 25º aniversario de la publicación oficial del álbum “STRANGE TIMES” (1986) del mítico grupo musical británico THE CHAMELEONS.

Publicado por: GEFFEN RECORDS, 1993
Edición comentada: 2CD edición limitada (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: CD 1: 1- Mad Jack // 2- Caution // 3- Tears (original arrangement) // 4- Soul In Isolation // 5- Swamp Thing // 6- Time / The End Of Time // 7- Seriocity // 8- In Answer // 9- Childhood // 10- I´ll Remember
Limited Edition Free Bonus CD: 11- Tears (full arrangement) // 12- Paradiso // 13- Inside Out // 14- Ever After // 15- John, I´m Only Dancing // 16- Tomorrow Never Knows

Publicado oficialmente en el año 1986 por el prestigioso sello discográfico Geffen Records, su edición más completa no sería presentada hasta el año 1993 en esta edición limitada en doble CD, cuyo original (perteneciente a mi colección discográfica) es el que les analizaré en este tributo a la excelencia y al talento artístico que el grupo musical británico The Chameleons siempre ha ofrecido en cada uno de sus temas musicales. Veinticinco años han pasado ya desde su primera edición discográfica, pero la fuerza sonora y el fundamento conceptual del magnífico álbum “Strange Times” siguen estando vigentes por este carácter sonoro y artístico incomparable con el cual The Chameleons ha logrado llegar a nuestras almas góticas. Una sensibilidad con las inquietudes del individuo en su travesía por la vida que, en manos de esta banda de culto, queda convertida en una sólida base conceptual en la cual siempre quedamos atrapados tras el elegante placer que siempre supone escuchar cualquiera de sus composiciones musicales. Formado por Reg (guitarra), John (batería y percusión), Dave (guitarra e instrumentos de cuerda) y el admirable compositor y sublime vocalista Mark Burgess “Birdy” (voz y bajo), la música de The Chameleons se presenta como una visión y una contemplación de la belleza a través del estímulo de nuestro espíritu, y como una ruptura absoluta con la complacencia musical mainstream socialmente admitida como baremo artístico, convirtiendo cada una de estas joyas musicales en ese placer único e incomparable. Así de contundente se presenta el arte de The Chameleons en este mítico álbum y, en la misma medida, es para mí un honor analizar esta delicatessen gótica a los melómanos lectores de Lux Atenea. Sin más demora, iniciamos la audición de esta excelsa obra con la mítica canción “Mad Jack”, donde quedaron fielmente reflejadas esas personas egocéntricas, endiosadas, y tan escasamente dotadas para la cultura como sobradas en vanidad ya que desean moverse en un mundo donde todo ha de girar alrededor suyo. A continuación, los vientos nihilistas tendrán su continuidad en el tema “Caution”, evanescente delicia instrumental que es perfecta para su bella lírica. Luego, en el tema “Tears (original arrangement)”, nos adentraremos en esos terrenos emocionales donde los sueños son los que vives (“dreams are what you live for”), como muy acertadamente nos susurrará Mark Burgess hasta que la intensidad sonora nos eleve a planos existenciales de esencia trascendental en “Soul In Isolation”, uno de los más gloriosos temas de The Chameleons inspirado en la obra “El Vagabundo de las Estrellas (Star Rover)” escrita por el genio de la literatura Jack London. Mientras “Soul In Isolation” habla directamente a su alma… ¡¡¡déjense impregnar por lo espiritualmente sublime!!!

Tras escuchar el tema “Soul In Isolation” varias veces más por puro placer, saltaremos de una joya musical a otra con la canción “Swamp Thing”, tema que siempre me hará recordar a uno de los épicos e imborrables momentos del concierto ofrecido por The Chameleons en el año 2000 en Madrid. Si había melómanos lectores de Lux Atenea que no conocían esta magia musical, con todos los temas escuchados hasta ahora estoy seguro que este grupo británico y este álbum pasarán a formar parte de su selección musical más personal. Pero lo mejor está aún por llegar con temas contundentes y vibrantes como “Time / The End Of Time”, o con canciones tan introspectivas y reflexivas como “Seriocity”, hasta que la grandeza sonora les irradie al disfrutar el tema “In Answer” para expandir su espíritu hasta romper todos los límites. ¡¡¡“In Answer”, la más pura esencia The Chameleons!!! Y de lo expansivo pasaremos a lo contemplativo con el tema “Childhood” a través del reflejo de los recuerdos en la mente humana, siendo la composición instrumental “I´ll Remember” una clausura sonora de auténtico lujo que fue elegida para cerrar la edición discográfica original publicada en vinilo en el año 1986. Pero en esta reseña estoy analizando la edición limitada del álbum “Strange Times” en doble CD del año 1993, y la elegancia musical de The Chameleons tendrá su continuidad en el bonus CD incluido como extra, comenzando su intenso disfrute con la mejor versión del tema “Tears”, desde mi punto de vista. Una de las mejores canciones que se hayan publicado no solo en la década de los ochenta, sino en toda la historia de la Música Gótica hasta nuestros días: “Tears (full arrangement)”. ¿Se puede pedir mayor belleza musical a este legendario tema? Posteriormente, la fascinación llegará con el grandioso tema “Paradiso” y esta danza de la vida en la cual estamos inmersos, llevándonos directamente a la potente canción “Inside Out” de lírica basada en la adaptación del individuo a los cambios, porque anclarse al pasado le lleva a la nostalgia y a la insatisfacción. Una fuerza instrumental acelerada que tendrá ese espíritu inconformista de ígneo entusiasmo interior en “Ever After”, sin duda alguna, otro de los temas que más les apasionará de esta edición en 2CD. Con las magníficas versiones de los temas “John, I´m Only Dancing” (David Bowie) y “Tomorrow Never Knows” (The Beatles) extendiendo el telón de clausura de este álbum, la invitación a nuevas audiciones será inevitable a partir de ahora para el melómano lector de Lux Atenea. Una irresistible tentación musical.

En el año 2000 tuve la oportunidad de disfrutar en concierto al grupo británico The Chameleons en la mítica sala madrileña Moby Dick. Una noche inolvidable donde la más pura esencia musical de The Chameleons tuvo su más absoluto protagonismo en este concierto que fue mucho más que eso. Una noche donde el sentimiento y la perspectiva que marcaron una época en la escena gótica madrileña llegaba a su fin, a través de uno de los grupos musicales con los cuales más nos identificamos en aquellos años. Mi conocimiento y mi búsqueda de grupos góticos comenzó en 1982 debido a la absoluta atracción y fascinación sonora que me provocaba este estilo y esta cultura musical, y no sería hasta el año 1987, escasos meses después de la publicación de este álbum, cuando entraría por primera vez en un club gótico. Desde entonces, mi apoyo y mi participación en la escena gótica madrileña fue tan constante como discreta, y grupos musicales como The Chameleons siempre tuvieron mi apoyo a la hora de difundir su conocimiento entre las personas afines a este estilo musical. Además, nunca se me olvidarán las interesantes conversaciones que tuve en aquella época sobre este y otros grandiosos artistas y grupos de la escena gótica nacional e internacional. Por ejemplo, con personas comprometidas con la cultura gótica en España como Jose, alma máter de la mítica sala madrileña Dark Hole, o Artur, alma máter de la legendaria tienda de música Músicas de Regimen. Como algunos melómanos lectores de Lux Atenea ya conocen, los temas del grupo británico The Chameleons siempre han estado presentes en mis sesiones góticas durante mi etapa como DJ (1999-2010), precisamente, por este fuerte sentimiento y esta absoluta identificación con la esencia artística de esta excelsa banda, y temas como “Tears (full arrangement)” incluido en el bonus CD de esta edición discográfica, siempre tuvieron una excelente acogida entre el público asistente. Por este motivo, despedir el año 2011 en Lux Atenea con la reseña de esta magna obra musical, como analista cultural es para mí un privilegio, y deseo que su audición les lleve a sentir profundamente este ideal con el cual se identifica el espíritu gótico. “Strange Times”, álbum mítico por su canto a la soledad del alma, por su individualismo e idealismo, y por esta siniestra belleza musical que ha embrujado nuestra vida en este mundo y a la cual el paso del tiempo ha hecho aún más imprescindible la audición de estos temas legendarios. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural: 1215 // Reseña Literaria: 141

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Reseña actualizada. Publicada el 10 de julio del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: ESPACIO Y TIEMPO, S.A.
ISBN: 84-7998-029-X
Edición: 1992 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 127

De nuevo, el maestro Juan G. Atienza vuelve a ser protagonista cultural en Lux Atenea con la publicación de esta reseña sobre su extraordinaria obra “Los Libros de los Dioses”. Impresionante libro cuya base intelectual principal es la explicación del origen de los textos sagrados sobre los cuales se sustentaron, y sustentan, las religiones más importantes aparecidas en la Historia de la Humanidad. Un revelador e interesante análisis sobre su origen y, lo que es más importante, sobre por qué el ser humano ha dado tanta importancia a estos textos considerados como sagrados a lo largo de los últimos milenios. Con la estimulación del razonamiento en el lector como línea de comprensión de esta información, serán la Muerte, el Fin del Mundo, la visión de Dios o de los Dioses en cada una de estas creencias, sus doctrinas y rituales… los que se consolidan como pilares principales de esta obra, adquiriendo una dimensión cercana y un trasfondo absolutamente comprensible para el bibliófilo lector de Lux Atenea que, en manos del maestro Juan G. Atienza, hacen de esta inmersión cultural en el mundo religioso, un irresistible descubrimiento literario. Grandiosa obra en cuya lectura podrán conocer la historia de los principales libros sagrados a través de un breve y esclarecedor análisis de estos textos religiosos tan importantes como la Biblia, el Corán, el Avesta (zoroastrismo), el Libro de los Muertos (egipcio), el Séfer ha-Bahir (judaísmo), el Séfer Yetsirá (judaísmo), el Zohar (judaísmo), el Vishnu Purana (hinduismo), el Baghavad Gita (hinduismo), el Popol Vuh (maya), el Libro de los Dos Principios (catarismo), el Poema de Gilgamesh (sumerio), Enûma Elish o el Poema de la Creación (babilónico), el Kalevala (lapones y fineses), el Kojiki o Furukotofumi (sintoísmo), el Rig Veda (hinduismo), las Manusmriti (hinduismo), los Upanishads (hinduismo), el Descenso de Ishtar a los Infiernos (mesopotámico), el Descenso de Inanna a los Infiernos (sumerio), el Bardo Thödöl (budismo tibetano), las Analectas (confucionismo), el Mahabharâtâ (hinduismo)…

“Los Libros de los Dioses” es una obra de imprescindible lectura, y que irresistiblemente te atrae por su interesante temática ya que se analizan con seriedad y rigor muchos temas religiosos tan importantes e interesantes como la relación existente entre el judaísmo y la torre de Babel, las diferencias religiosas fundamentales entre Oriente y Occidente, cómo será la era final según los budistas, cuáles son las claves principales de las profecías sobre el Fin del Mundo, cómo eran los rituales babilónicos, qué importancia tiene el Ma’at en la religión egipcia y en su inmovilismo, cómo se representa la muerte en el Rig Veda, cuáles fueron las principales religiones en Mesopotamia, qué diferencias teológicas existen entre el Islamismo y el Cristianismo, cuáles son los textos arcaicos hindúes, donde se presenta el Diluvio Universal en los diferentes textos religiosos, cuál es la relación existente entre los acontecimientos históricos y los hechos registrados en los textos sagrados, cómo fue la Creación según cada una de las principales religiones, qué relación existe entre el culto babilónico a Marduk y el judaísmo, cómo los textos sagrados se oponen completamente al mensaje que da sentido al héroe en el mundo mitológico, qué unió a la religión americana con la teología cristiana, cuáles son las diferencias entre el confucionismo, el taoísmo y el budismo… o la explicación de temas tan actuales como por qué existe esa incompatibilidad entre religión y sociedad industrial que estamos presenciando desde el siglo XX hasta nuestros días. “Los Libros de los Dioses”, una de las mejores obras para iniciarse en el estudio de los libros sagrados, y sobre su importancia histórica y humana. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 1214 // Reseña Musical nº: 1048

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Reseña actualizada. Publicada el 17 de julio del año 2012 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a la genial artista italiana AimA por su cortesía al enviarme este promocional firmado y dedicado.

Publicado por: SMYW PROD. LESION, 2012
Edición reseñada: Digipak CD con libreto de 12 páginas, edición limitada de 199 unidades numeradas a mano (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- INSULA LUCIS – ´Eis ´Elion (Orphic Hymn to the Sun) // 2- LES JUMEAUX DISCORDANTS – Stanze // 3- DAIMATLAND + LCHM – Lux // 4- AimA + GERHARD HALLSTATT – Nacht // 5- AimA + Pino Carafa: Occhi di Notte // 6- Aima + IM EINSATZ – Neues Fortleben // 7- AimA + WUTANES HEER – Il Contemple la Lune // 8- AimA + FEHU – Homo Aureus // 9- LES JUMEAUX DISCORDANTS – Horus // 10- DAIMATLAND – Haiku Irregolari in Forma di Musica // 11- INSULA LUCIS – Thanàtou Thumìama (Orphic Hymn to Death) // 12- AimA + WUTANES HEER – Il Matrimonio del Cielo con la Terra // 13- AimA + Rox – Water // 14- AimA + IM EINSALT – Serpentis Dorsa Marina // 15- INSULA LUCIS – White Rabbit

Las obras de Arte Musical se pueden hacer bien, muy bien, de forma excelente, o, subiendo un nivel más en esta escala de calidad artística, hacerlo tal y como lo viene haciendo AimA durante los últimos años. Porque AimA, como privilegiada poseedora de una mente creativa en plena expansión conceptual, ha convertido su ópera prima “Di AimA Il Segno” en la muestra artística más rotunda y contundente de su espíritu cultural renacentista, dimensionado dentro de un eclecticismo musical que nos fascina, y a través de una innovación multidisciplinar constante cuyos frutos artísticos han llevado a AimA a situarse en una posición destacada dentro de la vanguardia más renovadora del momento. Tanto en sus consolidados proyectos musicales actuales en Les Jumeaux Discordants e Insula Lucis, como en sus colaboraciones con artistas de reconocido prestigio como Gerhard Hallstatt, Im Einsatz, Fehu, Wutanes Heer, Pino Carafa… o incluso englobados dentro de su claro e inconfundible estilo personal en Daimatland, el ímpetu creativo de AimA está rompiendo barreras y límites conceptuales a través de un amor y una pasión por la obra musical que inexorablemente queda impregnada en cada nota, en cada melodía, en cada lírica que da cuerpo y vida a sus temas. Grandeza conceptual que, englobada dentro de un estilo musical neoclásico, ve ampliados sus fundamentos intelectuales con límites creativos más eclécticos como vía fundamental para la evolución simbólica de los mensajes e ideas en los que se apoyan y cimentan los temas musicales. Por este motivo, su impresionante álbum de debut “Di AimA Il Segno”, publicado en este año 2012 a través del sello discográfico suizo Smyw Prod. Lesion en esta edición limitada de 199 unidades numeradas a mano, se ha transformado en la tarjeta de presentación más contundente e impactante sobre el arte musical firmado por AimA. Además, el precioso diseño que presenta este álbum, donde se ha utilizado papel de tacto tan especial y selecto gramaje, resalta más aún en este elegante formato discográfico en digipak CD de carpeta desplegable y engalanado con un impactante diseño interior donde se combinan con muy buen gusto la estética antigua (imágenes clásicas) con el hieratismo conceptual (fotografía de AimA mirando fijamente a lo celestial). Hasta el precioso diseño de su libreto adquiere esa obscura belleza tras haber quedado armonizado con maestría lo culto y lo espiritual, convirtiendo a esta publicación en una edición discográfica muy exclusiva que logrará dar mayor categoría aún a la colección musical atesorada por los melómanos lectores de Lux Atenea que saben apreciar y disfrutar lo más selecto. Esta atracción visual solamente es el aristocrático paseo inicial por esta joya musical, antes de adentrarnos en estas genialidades artísticas creadas por AimA para vertebrar esta maravillosa obra. Sin duda alguna, “Di AimA Il Segno” será el título de un álbum musical que, con el paso de los años, no olvidarán nunca quienes sienten la música neoclásica desde lo más profundo de su alma.

Iniciamos la audición de este magnífico álbum adentrándonos en el universo AimA a través de su particular mirada musical en Insula Lucis, siendo el impresionante tema “Eis ´Elion (Orphic Hymn to the Sun)”, la versión del tema “Lebensraum” de Pavor Nocturnus incluido en el mítico vinilo 10” “L´Alfiere” (ya reseñado en Lux Atenea) junto al legendario grupo italiano Camerata Mediolanense. “Eis ´Elion (Orphic Hymn to the Sun)” te sumerge en esta atmósfera sacra sobrecogedora donde lo misterioso presenta su mensaje revelador a nuestra alma. Paganismo y neoclasicismo fundidos en esta mágica composición que, lo más seguro, pasará a formar parte de la selección de temas musicales más distinguida del melómano lector de Lux Atenea. A continuación, la intensidad instrumental vendrá acompañada por la fuerza y por la belleza vocal de AimA en el tema de Les Jumeaux Discordants “Stanze”, retornando al neoclasicismo de inspiración mística en “Lux”, tema surgido como ilustre fruto musical de la colaboración artística entre Daimatland y LCHM. Sumergiéndonos posteriormente en terrenos musicales limítrofes entre el neofolk pagano y el neoclasicismo en el extraordinario tema “Nacht”, aquí AimA ha podido contar con la colaboración de otro genio de la música neofolk más innovadora como Gerhard Hallstatt, artista cuyas excelsas obras sigo venerando. Dando continuidad a esta selénica ambientación, con la firma de AimA y Pino Carafa, el tema “Occhi di Notte” volverá a maravillarnos y a cautivarnos gracias a esta muestra de buen gusto a la hora de componer joyas musicales de esta calidad, siendo la belleza sonora de “Occhi di Notte” lo que eleve tu grado de sensibilidad emocional. Retornando a la belleza del idioma alemán, en el evanescente tema “Neues Fortleben” dejaremos que nuestra alma se meza plácidamente en esta dimensión sonora, hasta que el siniestro embrujo nocturno nos sobrecoja escuchando el tema “Il Contemple la Lune”, cuya lírica está basada en la mítica obra decimonónica “Los Cantos de Maldoror” (1868) del eternamente oscuro Isidore Ducasse, comte de Lautréamont. ¡¡¡“Il Contemple la Lune”, impresionante tema!!

En el tema “Homo Aureus”, la inmersión en lo metafísico y en lo simbólicamente metafórico se realizará a través de la fusión de lo pagano y de lo ritual, siendo el retorno al atrayente estilo neoclásico de Les Jumeaux Discordants en “Horus”, el que dé continuidad a este reflexivo camino místico a través del embrujo musical más seductor y cuya lírica viene firmada por el genial poeta francés del siglo XIX Gérard de Nerval (1808-1855). ¡¡¡“Horus”, belleza sublime en estado puro!!! La maestría artística de AimA volverá a sorprendernos en el tema “Haiku Irregolari in Forma di Musica”, para luego retroceder en el tiempo varios siglos atrás hasta poder ver y sentir con absoluta nitidez la esencia ancestral de la cultura helénica en “Thanàtou Thumìama (Orphic Hymn to Death)”. Pero, la ambientación y el estilo musical darán un giro de 180 grados en el tema “Il Matrimonio del Cielo con la Terra”, conmoviéndonos profundamente con esta intensa atmósfera espiritual donde las notas musicales parecen girar alrededor de este axis mundi sonoro. Luego, la prístina purificación del alma se verá reflejada en el tema “Water”, compuesto por AimA y Rox, viendo posteriormente oscilar esa paz y esa quietud existencial en la contundente intensidad sonora del tema “Serpentis Dorsa Marina”, cuya conmovedora voz masculina está perfilada por el propio Gerhard Hallstatt. Finalmente, la excelente versión realizada por Insula Lucis del mítico tema de Jefferson Airplane “White Rabbit” pondrá este cierre musical de auténtico lujo para esta magna obra concebida con suma brillantez. Álbum fascinante perfumado con esencia de virtuosismo, de inspiración cultural, de pasional creatividad, y que tanta calidad musical ha concentrado en su interior. Como analista cultural, a AimA solamente puedo decirle una palabra… ¡¡¡chapeau!!! “Di AimA Il Segno”, glorioso álbum destinado a destacar como una de las diez mejores obras musicales publicadas en esta década. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 1213 // Reseña Musical nº: 1047

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Reseña actualizada. Publicada el 6 de agosto del año 2011 en Lux Atenea conmemorando el 25º aniversario del la publicación oficial del álbum “THE ROPE” (1986) del mítico grupo musical estadounidense BLACK TAPE FOR A BLUE GIRL.

Publicado por: PROJEKT RECORDS, 1986
Edición comentada: CD (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Memory, Uncaring Friend // 2- Hide In Yourself // 3- Within These Walls // 4- The Holy Terrors // 5- End // 6- Seven Days Till Sunrise // 7- The Rope // 8- The Few Remaining Threads // 9- The Lingering Flicker // 10- Slow Blur // 11- The Floor Was Hard But Home // 12- We Return

Poder celebrar este aniversario tan especial en homenaje a uno de los grupos musicales en activo más importantes de la escena gótica estadounidense, como analista cultural es todo un honor. Analizar esta preciosa edición del álbum de debut de Black Tape For A Blue Girl titulado “The Rope”, se convierte en un tributo artístico muy especial debido a la excelsa brillantez de los temas que lo vertebran, siendo maravillosa e inigualable la experiencia musical que podrán sentir y disfrutar los melómanos lectores de Lux Atenea en cuanto empiecen a sonar en sus oídos. Dentro de esta escena, la aparición del impresionante álbum “The Rope” en el año 1986 fue una revolución conceptual innovadora dentro del ecléctico universo dark, ofreciendo texturas sonoras y estructuras musicales nunca vistas con anterioridad junto a la belleza de su lírica, y donde las palabras son mimadas en su interpretación por vocalistas de auténtico lujo cuyas voces les llevarán hacia su interior en un viaje trascendental, pero sin perder nunca de vista la áspera realidad de la propia vida. Con temas cuya lírica y música fueron compuestos íntegramente por el genial artista Sam Rosenthal (salvo en el tema “Hide In Yourself”, al contar con la colaboración de Allan Kraut), también en el diseño de este álbum quedó reflejada esta visión artística de vanguardia donde las palabras del artista multidisciplinar francés Jean Cocteau (1889 – 1963) adquirieron un significado muy especial. Grabado durante los meses de primavera y verano del año 1986, tras quedar mezclados estos mágicos temas por Wayne Ricker y el propio Sam Rosenthal en los estudios Hollywood Sync., en esta ópera prima participaron artistas profesionales de la talla de Candy Sherlock (violín), Kim Prior (vocalista), Cauleen Smith (chelo), Lara Radford (violín), Oscar Herrera (vocalista), Allan Kraut (bajo, guitarra y batería electrónica), Adam Buhler (guitarra), Greg Wilson (guitarra), Richard Watson (clarinete), Robin Russell (vocalista), y Sean Whitehead (vocalista), junto a Sam Rosenthal (instrumentos electrónicos y programaciones), auténtico alma máter de Black Tape For A Blue Girl. Cuando disfruten el glorioso álbum “The Rope”, podrán entender por qué hubo un antes y un después en esta escena a partir del año 1986. Black Tape For A Blue Girl es pasión musical, y “The Rope” fue su primer destello de virtuosismo artístico. Una delicatessen sonora única, intemporal, y grandiosa, se escuche las veces que se escuche y pasen los años que pasen.

Iniciamos la audición de esta magna obra escuchando el primer tema “Memory, Uncaring Friend”. Interpretado con maestría por Oscar Herrera, se revela como una pulsante composición musical donde la realidad de la soledad impregnando la piel del individuo se hace ritual en este salto al esperanzador futuro para tratar de cambiar su destino. Pero el karma es implacable. En el siguiente tema “Hide In Yourself” será la belleza vocal de Oscar Herrera con Kim Prior a los coros los que nos sumerjan en una atmósfera cautivadora, y en cuya evanescencia nos disolveremos hasta dejar a nuestra alma al desnudo. Luego, el tema “Within These Walls” aderezado con el melódico sonido de la guitarra de Adam Buhler, nos invitará a presenciar esta barrera infranqueable que a veces existe en la relación entre dos personas, y donde hasta las palabras parecen provenir de diccionarios con significados completamente distintos a pesar de usar el mismo idioma. Posteriormente, en el tema “The Holy Terrors” se presentará el mayor enemigo del ser humano, el miedo, quedando reflejado en la ambientación vocal de inspiración oriental mostrada por Kim Prior y Oscar Herrera en esta composición. Llevándonos hasta la siniestra belleza del tema “End”, el sonido del violín en manos de Candy Sherlock se convierte en ese pasado irrecuperable fluyendo en melancólicas melodías sin retorno para conmovernos. Con la siguiente composición instrumental “Seven Days Till Sunrise” resplandeciendo como delicatessen artística, los lectores de Lux Atenea podrán disfrutar intensamente esta pieza musical para guitarra (Greg Wilson), clarinete (Richard Watson) y chelo (Cauleen Smith), perfilando un mágico entorno que no perderá su encanto en el tema que da título a este álbum. La irresistible atracción sonora del violín (Candy Sherlock) y del clarinete (Richard Watson) destacan especialmente en el tema “The Rope”, mientras Kim Prior y Oscar Herrera nos vuelven a hechizar con su maestría vocal.

En el tema instrumental “The Few Remaining Threads” podrán sentir el espíritu artístico atesorado por Sam Rosenthal en su dimensión sonora, habiendo sido creada para cobrar sentido y vitalidad a través del uso de instrumentos musicales electrónicos cuya inteligente combinación con el sonido del violín de la mano de Lara Radford, convierten al tema “The Lingering Flicker” en uno de los más remarcables en este álbum. Su continuidad melódica tendrá esta evolucionada transformación sonora en el precioso tema instrumental “Slow Blur”, pero con una sensación mucho más expansiva y sensorial. De nuevo, la guitarra de Greg Wilson estará presente en el tema “The Floor Was Hard But Home” con la mágica voz de Kim Prior como oscuro reflejo de la decadente realidad, y donde el presente no es deseado ni identificado como parte del ser. Incluso, no es asociado con la esencia de la propia vida. ¡¡¡“The Floor Was Hard But Home”, conmovedor y emotivo tema!!! Llevando a cabo la clausura con el tema “We Return” en un final del álbum nunca deseado, en vista a este contundente despliegue de calidad artística, nos llevará directamente a disfrutar esta composición musical para violín de corte sacro (Candy Sherlock) tras haber quedado sublimemente interpretado en su dimensión vocal por Robin Russell, Sean Whitehead, Kim Prior, y Oscar Herrera. ¡¡¡Espectacular!!! Clausura de auténtico lujo para esta obra musical prodigiosa, y es increíble que hayan pasado ya 25 años desde la presentación oficial del álbum “The Rope”, mientras su arte musical sigue emocionándonos como si estas extraordinarias composiciones hubieran visto la luz en la actualidad como revelación artística. La magia sonora de Black Tape For A Blue Girl se transmite grandiosa y poderosa, conmoviéndonos con su inconfundible estilo de composición a la hora de crear música. Lo mejor de todo es que los melómanos lectores de Lux Atenea pueden seguir saboreando las mieles artísticas de Black Tape For A Blue Girl en la actualidad, porque su espíritu sonoro sigue latiendo con fuerza en esta década recién estrenada, en este año 2011 tan acelerado, en este siglo XXI que estamos viviendo. “The Rope”, obra maestra por excelencia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural: 1212 // Reseña Literaria: 140

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 16 de noviembre del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: EDITORIAL LA MÁSCARA, S.L.
ISBN: 84-7974-397-2
Edición: 2000 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 159

Desde hace muchos años, la artista estadounidense Lydia Lunch siempre me ha parecido uno de los mayores talentos dentro de la música dark&indie en vista al deslumbrante trasfondo transgresor que presentan sus obras publicadas. Con composiciones musicales marcadas por la cara oculta del ser humano, por los conflictos éticos y morales fruto de las creencias religiosas imperantes en la sociedad occidental, y, por qué no decirlo, por esa hipocresía social destinada a tapar todo aquello que no ha de ser revelado en público pese a su constante presencia en las sociedades a lo largo de toda la Historia de la Humanidad, está claro que Lydia Lunch nunca ha destacado precisamente por exaltar las bondades del ser humano, sino más bien todo lo contrario. Obscuro realismo existencial llevado a su máxima expresión artística le pese a quien le pese, y que le ha provocado en más de una ocasión algunos escándalos en su vida y a sus obras musicales al decir aquello que nunca debería decirse. Pero apoyándose en el coraje que surge en el interior de quien no tiene nada que tapar, ni que ocultar ante el público, su extraordinario libro autobiográfico “Paradoxia” es probable que provoque más de una sorpresa a los cultos lectores de Lux Atenea debido a su crudeza emocional, ya sean seguidores o no de esta gran artista. Lydia Lunch no busca la provocación literaria o la transgresión moral per se, o como fórmula para poder alcanzar ese éxito en ventas de su libro porque en realidad no lo necesita. En cambio, sí parece convertir a esta obra en una especie de camino de transmutación interior destinado a anular los posibles efectos psicológicos de sus vivencias extremas al hacerlos de conocimiento público, eliminando cualquier posible pago emocional futuro dentro del camino existencial que viene siguiendo.

Sin duda alguna, “Paradoxia” es un libro de perdición, de abandono absoluto del ser en su camino autodestructivo a través de la experimentación de todo lo que se ponga a su alcance, siendo el sexo, una de las fuentes principales de ese sádico castigo interior y como rechazo de todo lo que ética y moralmente sostiene nuestra sociedad. Masoquismo corporal llevado hasta sus últimas consecuencias que, por fortuna o por suerte, no llegó a tener consecuencias más graves en su vida a pesar de sus constantes y peligrosos paseos por el filo de la navaja. Que Lydia Lunch haya podido contarlo ya es digno de elogio en vista a los difíciles y complicados sucesos que en estas páginas se relatan, y que convierten a estos viajes psicotrópicos y sexuales en casi suicidas, en una sucesión de actos a cual más y más extremo. Una ruleta rusa existencial casi constante que es jugada como reto a una vida que no se siente en ningún momento como plena, sino como infernalmente insatisfactoria. Y esa insatisfactoria sensación de vacío interior y de inadaptación al mundo en el cual vive, en el caso de Lydia Lunch se acaba transformando en una entrega a los supuestos placeres que ofrecen los vicios, aunque se tenga que pagar la disolución moral y ética del individuo como tributo. Una vez absorbida por esa espiral de desenfreno y de insatisfacción posterior, el retorno al desenfreno aún más extremo vendrá a continuación. Una deriva que llevará a los lectores del libro a un final que, sorprendentemente, también tendrá su epílogo moral y ético ya que, en el fondo, el ser humano no es una máquina sino un individuo emocionalmente insatisfecho desde que nace hasta que muere, haga en esta vida lo que haga, o consiga en esta vida lo que consiga. La plenitud del individuo siempre será una quimera en la mente humana, pero la voluntad de poder hallarla siempre hará que sea capaz de aguantar lo imposible con tal de alcanzarla en algún momento de su vida. O de liberarse finalmente de los lazos morales y éticos que le atenazan y que le impiden ser él mismo, sin tener que pagar algo a cambio a aquellos otros seres humanos que se aprovechan de su difícil situación. Lydia Lunch en su autobiografía “Paradoxia” termina perteneciendo a ese colectivo de personas complicadas y oscuras que, perdidas en este mundo al que consideran siempre hostil, parecen no encontrar nunca esa luz al final del túnel existencial que están viviendo en su aciago presente, quedando las páginas finales de esta obra como legado tras haberse lanzado en cuerpo y alma a estas duras experiencias a través del señuelo del placer y del uso del abandono emocional como carnaza. “Paradoxia”, cuando una artista transgresora lleva su vida al límite en este mundo hasta prácticamente su autodestrucción personal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 1211 // Reseña Musical nº: 1046

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 7 de agosto del año 2012 en Lux Atenea conmemorando el 30º aniversario de la publicación oficial del álbum “Die Puppe” (1982) de DIE FORM.

Publicado por: TRISOL / MATRIX CUBE, 2001
Edición comentada: Digipak CD, edición limitada de 1.500 unidades (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Re-Search // 2- Automatic Death // 3- Invalid // 4- Hand In Hand // 5- Darkness // 6- Prefazione Di Pompei // 7- In A Tea-Room // 8- After The Crime // 9- Leders Club // 10- After The Last Gaze // 11- Eastern Ghost // 12- Message Through Her[t]z // 13- Strange[r] // 14- Sex By Force // 15- Ton Retrait Des Eaux // 16- . (bonus track no incluido en el listado de temas)

En este año 2012, el trigésimo aniversario del álbum de Die Form “Die Puppe” se ha convertido en uno de los momentos culturales más especiales en Lux Atenea, debido a esta incomparable esencia musical de vanguardia con la cual el artista francés multidisciplinar Philippe Fichot, alma máter de Die Form, ha perfumado cada una de sus míticas composiciones musicales desde el año 1977 hasta nuestros días. Pocos artistas y bandas musicales europeas dentro de la escena non-mainstream pueden enorgullecerse de llevar treinta y cinco años de carrera musical, y situándose siempre dentro de la vanguardia conceptual más innovadora. Publicado oficialmente en 1982 a través del propio sello discográfico Bain Total creado por Philippe Fichot, después de la primera edición del álbum “Die Puppe” en vinilo con once temas, años después también llegarían las ediciones en CD y LP + single de 7” presentadas a través del prestigioso sello discográfico Normal en el año 1989 y que incluían quince temas remezclados, y la edición limitada de 1.500 unidades en digipak CD publicada en 2001 por el prestigioso sello discográfico Trisol a través de su subsello MATRIX CUBE, incluyendo tanto la remasterización como la remezcla de estas composiciones musicales. Precisamente esta edición original en digipak CD que compré ese mismo año nada más salir a la venta, es la que he seleccionado en esta reseña para ser analizada, recomendando totalmente a los melómanos lectores de Lux Atenea que lo adquieran debido a su impresionante y cuidada sonoridad. Calidad espectacular que podrán sentir en toda su plenitud gracias a este magnífico pulido musical donde no ha perdido su alma artística original, y cuya potente, rica, y cristalina audición les permitirá disfrutar cada uno de estos quince temas en todo su esplendor.

Excelsas composiciones musicales compuestas íntegramente por el maestro Philippe Fichot, y que les permitirá sentir su inspiración original en toda su plenitud a través de los estilos electrónico, industrial, y neoclásico que eclécticamente lo engloba. Una admirable demostración de talento musical donde constantemente quedarán fascinados por su innovación estructural, por estas magnéticas texturas sonoras, por esta elegancia que seduce, y por su sublime halo dimensional de vanguardia que te emociona y sobrecoge. En “Die Puppe”, como excepcional obra de Arte musical, Philippe Fichot también hace constantes guiños conceptuales al fundamento esencial que caracteriza a la Belleza siniestra dentro de la escena dark, y que queda reflejada con absoluta majestuosidad en muchas de estas composiciones tan seductoramente eróticas, teniendo como una de sus principales virtudes artísticas el haber logrado integrar con sentido y armonía esa esencia vital de lo erótico con precisamente su opuesto, o sea, con todo lo mortuorio y tenebroso que consciente e inconscientemente identificamos con la presencia de la Muerte. Un contrapunto filosófico y conceptual de vida (belleza erótica) y muerte (belleza siniestra) que ha venido siendo constante en su obra a lo largo de todas estas décadas, tanto en la definición y presentación final de sus obras musicales como en el revolucionario diseño de sus álbumes fotográficos, con los cuales ha conquistado el alma de los melómanos identificados con la perspectiva gótica de ver y sentir la vida. Arte musical y fotográfico que ha convertido en su propia pasión. Una esencia culta y renacentista atesorada por Philippe Fichot, y reflejada en el diseño de cada uno de los álbumes de Die Form hasta convertirlos en auténticas piezas discográficas de coleccionista por su incomparable e irresistible fetichismo visual. Como apunte previo al inicio de la audición de esta obra maestra, quisiera comentar que en este álbum todavía la fascinante y adorable Éliane P. no formaba parte de Die Form. Una asociación artística de carácter multidisciplinar que no se establecería hasta años después de la publicación de este álbum, y que sigue ofreciéndonos sus geniales frutos musicales en la actualidad.

Iniciamos la audición de esta magna obra adentrándonos en el vibrante universo sonoro del tema “Re-Search”, a través de esplendorosas texturas sonoras donde la música electrónica adquiere esta expansión luminosa que estimulará nuestros sentidos placenteramente, llevándonos directamente a los ambientes futuristas del tema “Automatic Death”, conceptualmente cercanos a la posmodernidad debido a esta lógica científica donde queda anulada cualquier posible espiritualización de la muerte, encontrando su vibrante y extraordinaria evolución musical en el tema “Invalid”. Pero la belleza melódica de Die Form adquirirá mayor profundidad y riqueza sonora en una composición tan seductora como “Hand In Hand”, gracias a la etérea evanescencia vocal de la cantante Sophie, dando vida a estos hipnóticos coros como reflexiva antesala de la mántrica esencia lírica que fundamenta al tema “Darkness”. Tras la magnífica pausa instrumental de “Prefazione Di Pompei”, en la composición “In A Tea-Room” notaremos este nuevo dinamismo sonoro marcado por la experimentación más cautivadora que siempre ha caracterizado a la música electrónica underground, llevándonos al magistral tema “After The Crime” cuya envolvente y afilada atmósfera nocturna, melódicamente sintetizada con el sonido del saxofón al inicio de la composición, sensibilizará nuestros sentidos a través de esta mirada artística a la Belleza siniestra. Un lúgubre entorno que tendrá su continuidad sonora en el excelso tema “Leders Club”, pura genialidad musical con pinceladas noise made in Die Form, y que conceptualmente se conformará y armonizará con mayor ímpetu y radicalidad en un tema tan sobresaliente como “After The Last Gaze”, más dominante y cautivador en su dimensión.

El tema “Eastern Ghost” será la nueva muestra del ingenio musical y de la destreza de Philippe Fichot a la hora de componer, siempre rompiendo reglas, estructuras, y conceptos sin perder nunca de vista esas referencias simbólicas que, a través de la música, hacen que su estilo marque la diferencia artística. Un colosal despliegue de texturas y de imágenes mentales a través de la experimentación sonora (¡quién diría que estamos disfrutando con la audición de un tema compuesto hace treinta años!), y que, en el caso de “Message Through Her[t]z”, adquiere ese cromatismo sensorial tan inconfundible en el Arte de Die Form. ¡¡¡“Message Through Her[t]z”, esencia de maestría!!! Con el retorno de la inigualable belleza vocal de Sophie en el tema “Strange[r]”, nos sumergiremos en esta seductora e incorpórea laxitud emocional cuyas placenteras y ondulantes texturas desembocarán en la arrogante y despiadada intensidad carnal del tema “Sex By Force”, despótica y arrogante mezcla de adicción material y carnal llevada a los límites más extremos. ¡¡¡“Sex By Force”, adrenalínica, brutal, y salvaje!!! Finalmente, la sugestiva voz de Laurence O en el tema “Ton Retrait Des Eaux” aparentemente se encargará de clausurar esta obra maestra de la música electrónica non-mainstream, siendo el tema instrumental que viene a continuación (no incluido en el listado de temas impreso en el álbum), el que verdaderamente ponga el cierre musical. Tras este privilegiado paseo por el primigenio arte de Die Form, nadie diría que el álbum “Die Puppe” acaba de cumplir su trigésimo aniversario en vista a su innovadora esencia conceptual. Pero cuando un artista tiene el don de la mirada innovadora dentro del mundo del Arte, lo más normal es que sus obras adquieran ese radiante brillo que despierta emociones y que caracteriza a lo imperecedero, y he aquí su mayor grandeza. Por algo Die Form se ha convertido en uno de los grupos musicales de culto y más destacados dentro de esta escena a lo largo de todas estas décadas. “Die Puppe”, genialidad y talento firmados por este gran maestro de la música electrónica de vanguardia llamado Philippe Fichot. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural: 1210 // Reseña Literaria: 139

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 9 de marzo del año 2012 en Lux Atenea.

Publicado por: EDICIONES ESPEJO DE TINTA, S.L.
ISBN: 84-96280-57-8
Edición: Abril 2006 (Primera Edición) (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 304

Los malvados o las malvadas protagonizando películas de cine son personajes que no se suelen olvidar en la mente del espectador, al contrario de lo que sucede con la mayoría de los buenos. Y es que la siniestra belleza del Mal sigue atrayendo al ser humano, incluso a la avanzada ciudadanía posmoderna del siglo XXI, llevando a experimentar esa extraña mezcla de sentimientos de rechazo junto a emociones que irresistiblemente le hace sentir atracción hacia estos personajes malvados, depravados, y, en muchos casos, crueles y sanguinarios. Es verdad que, en el Séptimo Arte, las películas proyectan esa irradiación psicológica en el espectador que le hace sentir como propio lo que está viendo, y experimentar los mismos sentimientos de los personajes buenos con los cuales crea cierta empatía ante el padecimiento que sufren por parte de estos personajes maléficos. Sin dejar aún este plano psicológico de lado, también es verdad que la mente del espectador sabe que está a salvo de esa influencia maligna, de esa demoníaca influencia, siendo los títulos finales de la película ese periodo de tiempo durante el cual transita mentalmente a su normalidad cotidiana, que no es otra cosa que la vida real en la que está inmerso. Obviamente, en la Historia de la Humanidad, e incluso en nuestro presente, han existido y siguen existiendo personas con este perfil psicológico enraizado en el Mal. Personas que disfrutan causando daño, dolor, sufrimiento, y tortura (física, psicológica, o ambas a la vez) en otras personas o seres. Tal vez, el cine se haya convertido en el medio más seguro para tomar contacto con estos personajes de tan siniestro perfil psicológico, sin que el individuo tenga que entrar en su radio de acción y padecer las consecuencias. El espectador se siente atraído por la temática de una obscura y dramática película protagonizada por uno o varios de estos seres depravados y, durante su visionado, llega a vivir y a sentir emocionalmente aquello que estos seres provocan a su alrededor. Psicológicamente, el espectador sufre los padecimientos que experimentan las víctimas de estos malvados, pero luego sale de la sala de cine o apaga el televisor del salón de su casa para retornar a la realidad “segura” con cierta alteración emocional, que será proporcional a la intensidad de los sentimientos que esa película le haya producido en su mente, sobre todo si ha visto una película de terror o un largometraje protagonizado por un despiadado y sádico asesino actuando en un escenario muy parecido al entorno actual en el cual vive ese mismo espectador. Y es que la grandeza artística del Séptimo Arte tiene esa fuerza, tiene esa capacidad para provocar estímulos y sensaciones en la mente del espectador, tanto para lo bueno como para lo malo. Tanto para hacerle sentir con viveza los buenos sentimientos, el amor, incluso ese halo mágico y espiritual que proyectan algunos actores y actrices en la gran pantalla; como para que otros personajes de cine también le hagan sentir todo lo contrario. La temática de este extraordinario libro hace hincapié en esos otros personajes, convirtiendo a “Los Malvados En El Cine” en uno de los ensayos más interesantes y analíticos que se hayan publicado en España sobre este siniestro universo cinematográfico.

Abrir las primeras hojas de este libro es abrir las puertas del infierno, de ese infierno humano donde lo malvado reina, provocando la expansión del dolor, de la tragedia y de la muerte dentro de su radio de acción. Los bibliófilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta obra así podrán sentirlo, comprobando cómo la clasificación de personajes cinematográficos realizada por su autor ha sido muy acertada y muy bien delimitada en cuanto al perfilamiento de sus personajes en estos capítulos, uniéndolos en una serie de características fácilmente identificables si uno ha visto sus películas. Partiendo de la base de que el Mal es polimórfico, hombres, mujeres, y monstruos abren este tenebroso abanico con aspectos físicos que van desde la belleza más dulce y aparentemente inocente para confiar a su víctima con ello, a miradas y rostros de lo más diabólico en aspectos físicamente horribles que causan espanto y horror nada más verlos. Teniendo en cuenta todas estas particularidades, características, y tipos de actos horrendos por ellos cometidos, el autor de este libro ha acertado completamente al dividir a estos malvados personajes del universo cinematográfico en diez categorías, y que abarcan desde la era del cine mudo hasta principios de este siglo XXI. Una clasificación donde aclara y define a cada tipo de personaje, reuniéndolos con precisión a la hora de englobarlos y etiquetarlos. Tras la atenta lectura y análisis de este ensayo, de lo que no me cabe la menor duda es que su autor posee una pasión cinematográfica profunda, transmitiéndolo al lector según va leyendo estas interesantes y descriptivas páginas que te hacen ver esta temática dentro del Séptimo Arte con otra mirada, con otro conocimiento, y con otra visión más enraizada y razonada de por qué estos personajes provocan tan siniestra atracción y rechazo entre el público.

La primera de las diez categorías está dedicada a los personajes depravados y abyectos, cuyos actos están marcados por la falta de moral o de principio alguno. Disfrutan con el dolor, con la tortura, o con la muerte que provocan, incluso si ello va en su contra. En la segunda categoría están los cínicos, cuyo sarcasmo es proporcional a su vileza, apoyando o realizando cualquier acto malvado por retorcido o salvaje que sea, quedando la tercera categoría para los psicóticos y los asesinos en serie. Los que hielan la sangre pueblan la cuarta categoría, destacando por la insensibilidad emocional que muestran y por la contundencia de sus malévolos actos, apareciendo las arpías en la quinta categoría para completar ese perfil perverso donde el Mal presenta esa esencia psicológica humana tan retorcida, llegando hasta los seres diabólicos de la sexta categoría donde el Mal sobrepasa la realidad de este mundo por su poderosa procedencia supraterrenal. Otra categoría, la séptima, es completamente distinta, pero no por ello menos siniestros sus personajes al incluir a los malvados elegantes, y cuya otra cara de esa terrible moneda es la octava categoría donde los salvajemente despiadados convierten sus crueles actos en el horror más extremo. Al otro lado de esta frontera se encuentran los atormentados y enloquecidos englobados en la novena categoría, cuya fibra sensible es fácil de tocar, desencadenando en ellos ese instinto asesino incontrolable. Cerrando esta clasificación, en la décima categoría se encuentran los negociantes del crimen con personajes que causan dolor, tormento, y muerte pero sin haber una causa personal, sino como parte de su trabajo, de su negocio, o del beneficio económico que puedan sacar o llegar a sacar de ello. Tras estas primeras cuarenta páginas, en el libro “Los Malvados En El Cine” entraremos en el gran apartado cinematográfico de este ensayo: la galería de actores y actrices más destacados por sus papeles como malvados. Uno a uno, en fichas muy bien redactadas y organizadas, el autor de este libro nos informa sobre su carrera profesional, los personajes interpretados, y el magnífico trabajo realizado por estos actores y actrices. Tanto su perfil biográfico como los comentarios, al igual que los apartados “sus rasgos fundamentales” y “sorbos de veneno”, se convierten en una inmersión absoluta en su esencia artística. Más de doscientas cincuenta páginas dedicadas a este estudio y análisis concreto e individualizado, pero manteniendo la clasificación anteriormente descrita en su ordenamiento. “Los Malvados En El Cine”, extraordinario libro de imprescindible lectura para los amantes del Séptimo Arte. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural: 1209 // Reseña Literaria: 138

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Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 28 de octubre del año 2006 en Lux Atenea.

Publicado por : José J. De Olañeta, Editor
ISBN : 84-7651-623-1
Edición : 2000 (EDICIÓN COMPRADA)

“Diccionario Ilustrado de los Monstruos” no es solamente un diccionario de consulta. Es un extraordinario libro que provocará que los bibliófilos lectores de Lux Atenea se queden sorprendidos con cada ser descrito en sus páginas. Bellamente ilustrado, esta preciosa obra ha sido publicada en una edición muy bien cuidada como acostumbra a realizar José J. De Olañeta con estas magnas obras. En mi biblioteca personal, “Diccionario Ilustrado de los Monstruos” se ha convertido en uno de los libros a los cuales siempre recurro cuando necesito ese punto de fantasía y de profundidad en el mensaje que luego describo en negro sobre blanco. Mis lecturas y relecturas son constantes, y su influjo irradia ese calor mitológico tan especial para mi mente y mi consciencia que lleva al hipnotismo psicológico e intelectual. Desde que el hombre es hombre, siempre ha tenido tendencia a imaginar una serie de seres cuya existencia da por obvia, ya sean malignos o no, pero cuyos rastros, apariciones, y pruebas de existencia real en este mundo siempre quedan en entredicho en cuanto se realiza un estudio profundo y metódico. Precisamente por sus características y por su trasfondo, muchas veces ético y moral, la atracción que estos seres tienen en la especie humana sigue siendo muy grande y difícil de analizar si uno no se adentra en los obscuros confines de la mente inconsciente. Allí precisamente es donde nacen, se desarrollan, y, en algunos casos, desaparecen estos increíbles seres tan impactantes. Imaginería y sociedad humana están íntimamente ligadas y, a veces, la manera más directa de conocer una cultura en concreto es entrar en el esquivo y simbólico mundo de sus criaturas de terror, de sus miedos, y, como no, también de sus seres protectores y benefactores. En la sociedad que les da vida, la influencia de estos es amplia, variada, y, en muchos casos, tan sutil que a veces casi ni se percibe a primera vista. Como analista cultural, cuando leo y observo la descripción de un monstruo, en el fondo, no estoy haciendo más que abrir una puerta para adentrarme en la mente de otro ser humano, de otra visión del mundo, mientras miro en su interior. Desde mi punto de vista, el monstruo es el reflejo cultural de otra perspectiva a través de la cual ver y entender la vida. Por ello, cada monstruo trae consigo una porción de riqueza cultural humana, trae consigo una pieza más del puzzle que nunca seremos capaces de terminar a nivel individual, y con la sorpresa y el asombro siempre presentes. Por ejemplo, en estas páginas podrán conocer al cuervo de tres patas llamado Yata Garasu, al demonio canino Sisara, al pájaro de mal augurio llamado Qizhong, al monstruo antropófago del Amazonas llamado Labatut, al hijo de un genio llamado Gu, a las mujeres demoníacas llamadas dogai, o leer la fascinante historia de Clahuchu y su esposa, o la historia de unas siniestras momias encontradas en Haití en el año 1740. Si tras leer esta reseña, el bibliófilo lector de Lux Atenea decide adquirir un ejemplar de este libro, cuando lo tenga en sus manos comprobará que las palabras anteriormente escritas se habrán quedado cortas respecto al interesante y cautivador mundo que habrá descubierto en sus hojas. “Diccionario Ilustrado de los Monstruos”, abrir este libro y adentrarse en sus páginas siempre lleva a entrar inexorablemente en el club de sus incondicionales lectores. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
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Reseña Cultural: 1208 // Reseña Literaria: 137

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Reseña actualizada. Publicada el 13 de agosto del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: LITTERA BOOKS, S.L.
ISBN: 84-931725-1-0
Edición: 2000 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 112

Esta magnífica obra creada por la escritora polaca Manuela Gretkowska se ha convertido en una de las mayores sorpresas literarias que he tenido en este año 2011, hasta el momento. Publicado por la editorial Lettera Books, “Cabaret Metafísico” es un libro en cuyas páginas, los bibliófilos lectores de Lux Atenea podrán encontrar esa atmósfera tan cautivadora como nebulosa situada en un lugar destinado a lo extraordinario y a lo carnalmente placentero como es el Cabaret Metafísico. Centrado en la ciudad de París, en este pequeño local de olores cargados y decoración añeja se entremezclan personajes de lo más diverso, y los deseos y los sueños tratan de hacerse realidad para todos sus moradores. Con Beba Mazeppo como gran estrella del espectáculo que allí se presenta, gracias a una particularidad física simbólicamente muy especial y metafóricamente única, su relación con el poeta Wolfgang Zanzauer, perdidamente enamorado de ella, darán consistencia a esta interesante trama donde las conversaciones existenciales y teológicas se entremezclan con aspiraciones carnales y materiales deseadas por muchos en esta vida. Ilustrado con inquietantes y siniestras imágenes, “Cabaret Metafísico” es una de esas obras literarias que destacan por su contenido simbólico profundo donde el humor y el sarcasmo también encuentran su razón de ser a través de un estilo literario directo y revelador, y con constantes aperturas de cuestiones existenciales puestas en tela de juicio para su posterior análisis. Ilustres filósofos y artistas como Henry Miller, lord Byron, Percy Bysshe Shelley, el Marqués de Sade, Aristóteles, Platón, Moliére, Jean De La Fontaine, Oscar Wilde, Céline, Gerard de Nerval, Ambroggio Lorenzetti, Giuseppe Tomasi di Lampedusa, Freud, Dante… pueblan este mágico mundo donde la seducción literaria es absoluta de la mano de Manuela Gretkowska. En estas páginas se encontrarán con la figura del andrógino como ideal metafísico de connotaciones místicas y espirituales, y sin relación alguna con las interpretaciones superficiales realizadas a través de una visión limitada e irreal de la realidad material y carnal. Cuestiones como el dolor y el placer, el uso de psicotrópicos para poder alcanzar estados elevados de consciencia, la incompatibilidad entre el amor platónico y el amor carnal, la imposible fusión entre el Arte trascendente y lo mundano, los estados de sueño y vigilia, las paradojas de la vida, las diferencias existentes entre la edad física y la edad mental, el amor y el miedo como condicionantes fundamentales de la existencia humana a nivel individual… definen este complejo universo mental en el hipnótico contenido de sus páginas hasta llevarnos a un final de lo más sorprendente. Tras su lectura y análisis, quisiera destacar el capítulo relacionado con la figura mitológica del unicornio y con la explicación de la colección de tapices llamada “La Dama y el Unicornio”, expuesta actualmente en el Museo de Cluny. Una imagen integrada en perfecta armonía con el mensaje global contenido en su interior. “Cabaret Metafísico”, libro destinado a hacerles pensar sobre su universo interior en relación al universo exterior donde todos vivimos. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
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Reseña Cultural: 1207 // Reseña Literaria: 136

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Reseña actualizada. Publicada el 7 de noviembre del año 2015 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a la editorial SHANGRILA TEXTOS APARTE por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Publicado por: EDITORIAL SHANGRILA TEXTOS APARTE
ISSN: 2172-0363
Edición: 2015 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 428

Más que una revista, como analista cultural valoro a esta lujosa edición como una joya literaria de cuatrocientas veintiocho páginas convertida en el libro más completo y revelador que haya leído y analizado sobre el talentoso director de cine italiano Pier Paolo Pasolini (1922-1975). Publicado el pasado mes de mayo por la prestigiosa editorial Shangrila Textos Aparte, con esta grandiosa obra rinde un ilustre homenaje de forma seria y profunda sobre la irrepetible obra artística de este director de culto en el 40º aniversario de su muerte, ofreciendo un amplio abanico de perspectivas analíticas sobre su labor y sobre el significado de sus geniales creaciones a través de esta vertebración temática escrita por expertos. Pier Paolo Pasolini, como cineasta maldito en su época, tuvo el valor y el atrevimiento de tocar y de mostrar públicamente aquello que es considerado como políticamente incorrecto. Su virtuosismo en la perspectiva creativa ha terminado definiendo un estilo de expresión audiovisual inconfundible, y cuyo influjo artístico sigue dando base a una forma de expresión aún vigente en este siglo XXI. Arte audiovisual caracterizado principalmente por su esencia polisémica expresada a través de lo bello, de lo siniestro, de la realidad oculta, de los miedos, siendo inmortalizados en imágenes y secuencias. Indiscutiblemente, una gran parte de la obra artística de Pasolini tiene mensaje y trasfondo social, y, por consiguiente, es inevitable la etiqueta política. Su esencia políticamente incorrecta sigue aún latente, provocando que el pasado 2 de noviembre, en el 40º aniversario de su muerte, su recuerdo tuviera escaso protagonismo dentro del mainstream informativo actual. Independientemente de etiquetas políticas o ideológicas que han quedado unidas a la figura de este director y poeta maldito a lo largo del tiempo, personalmente creo que por la relevancia cultural que posee la obra artística concebida y firmada por Pier Paolo Pasolini, hubiera merecido una mayor presencia en los grandes medios de comunicación. Este artista de culto merecía un elegante in memóriam en clave cultural que hubiera tratado con respeto la exposición de sus creaciones, difundiendo públicamente su detallado análisis. Como ejemplo, como no podía ser de otra forma, esa clave cultural se ha convertido en la base principal de mi reseña sobre este excelso libro (revista), pero presentada a través de mi visión subjetiva basada en la admiración y en la pasión despertada durante su lectura, resultando esenciales para poder entender mi perspectiva analítica fijada desde un punto de visión global. Invito a los bibliófilos lectores de Lux Atenea a la adquisición de esta preciosa edición para poder acceder a su contenido informativo de forma mucho más detallada y precisa, reforzando de esta manera una inmersión más sólida y completa sobre su trabajo artístico. Desde el año 2006, en este blog cultural estoy leyendo, analizando, y reseñando obras literarias escritas por Pier Paolo Pasolini. En las últimas dos décadas, también he analizado ensayos y documentales temáticos que me han sorprendido por su substrato intelectual, conceptual, y artístico, pero ninguno ha logrado el nivel alcanzado en esta revista/libro, habiendo quedado impresionado con el conocimiento tan profundo mostrado por los autores de estos atrayentes artículos que lo vertebran. Con la publicación de “Pier Paolo Pasolini, Una Desesperada Vitalidad” se ha establecido un antes y un después dentro de esta interesante temática, y es justo y necesario reconocer la trascendencia de esta magna labor cultural nunca antes alcanzada a nivel editorial.

Dentro del Séptimo Arte, Pier Paolo Pasolini es un icono artístico. Su vida y su obra se entremezclaron, creando un espectáculo opaco donde lo vivido y lo creado perdieron completamente los límites que los separaban. En su talentosa labor cinematográfica, incluso consiguió desvelar esa parte del alma obscura humana, ahondando en esas profundidades infernales obra tras obra hasta convertirse en un artista social y políticamente incómodo. Una realidad perenne y latente que siempre ha tratado de ser ocultada en cada una de las capas que se vienen superponiendo en la sociedad humana desde el principio de los tiempos. En esta búsqueda de la auténtica realidad humana, irreversiblemente, Pasolini fue hundiéndose en ese fango donde las pasiones y los pecados capitales acaban arrastrando al individuo a su propia destrucción. Pinceladas provocadoras en las formas y en los colores a través de la vía autodestructiva que, llevadas al universo cinematográfico, subrayaron algunas de sus películas con el halo dorado de las obras maestras dentro de la Historia del Séptimo Arte. Vientos de decadencia soplando en la sociedad moderna italiana de la época, y que perfectamente pueden ser llevados a la vida cotidiana de cualquier otra ciudad que haya sido transformada desde sus cimientos por la Modernidad. Reflejos de una sociedad enferma que, en clave visual simbólica, han quedado inmortalizados en sus películas a través de la crítica al poder, venga de donde venga, porque Pasolini siempre fue crítico, ácida y éticamente crítico con la especie humana tanto en su grandeza como en sus vicios y defectos. Por lo tanto, el mensaje espiritual también está presente en su obra. Lo más curioso es que Pasolini huye de lo moral, basando su mensaje en una alabanza de la ética de la responsabilidad del individuo durante su existencia, y teniendo siempre en cuenta que sus actos a lo largo de la vida acabarán llevándole a la perdición por su comportamiento contradictorio en este mundo, o por sus constantes divagaciones interiores que le llevan a una inestabilidad emocional sin salida. Además, en Pasolini apreciamos un sentido de la autocrítica muy acusado. Esa misma autocrítica le sirve de aval para mostrar sus críticas sin filtro alguno, creando polémicas difíciles de asimilar por la sociedad que provocarán que sea encasillado como artista maldito. Sacrificado por la propia Humanidad por haber conmocionado su esencia como especie, tras su muerte, ha terminado convirtiéndose en artista de culto. Con lo simbólico y lo abstracto perfilados inteligentemente para transmitir significados en virtud de la base cultural del espectador, Pasolini fue un enamorado de la belleza en la imagen como máximo exponente de la transmisión de esos mensajes. Lo inefable acabó convirtiéndose en el fundamento conceptual de su perspectiva y de su pensamiento, y esa apertura mental es la que sigue animando a muchos especialistas a escribir sobre el trasfondo de su obra, como así ha quedado fielmente reflejado en cada uno de los artículos que engrandecen culturalmente a “Pier Paolo Pasolini, Una Desesperada Vitalidad”.

Pasolini no dudó en hacer uso de lo contradictorio como fórmula para provocar el pensamiento crítico en el espectador a través de la experimentación emocional, tras ser teñida con lo angustioso y con lo perturbador. En su inmersión profunda dentro de la raíz de lo humano, Pasolini se siente cómodo al crear entornos marcados por el desasosiego y por el simbolismo de corte apocalíptico, orquestando como telón de fondo sus mefistofélicos mensajes de infernal belleza mientras la misantropía reina en estos territorios emocionalmente duros y psicológicamente siniestros. Pero esa amargura existencial se encuentra entremezclada con su espíritu renacentista, mostrado principalmente dentro de su universo literario y cinematográfico que dará vida a una totalidad artística única donde la luz, las formas, los gestos, y los escenarios encuentran una obscura armonía que difícilmente podemos encontrar en otros directores de cine. Drama y tragedia perfumadas con la ansiedad provocada por el acercamiento sincero a la Verdad humana pero… ¿quién quiere conocer la Verdad? ¿Qué utilidad puede tener ese conocimiento en la realidad social? ¿Es la Verdad un veneno para el género humano, o un contraveneno? Nada en el universo conceptual de Pasolini es directamente lineal o esclarecedor. Su obra trasciende, penetra en el inconsciente del espectador provocándole rechazo y admiración, repulsa y atracción, porque la siniestra belleza de su estética así se presentará siempre en la mente. Un embrujo de lo mefistofélico donde el individuo espera ser salvado en última instancia o, al menos, no dejar de creer en ello mientras recorre su camino de perdición, evitando caer en la desesperanza (que siente profundamente) o en la vacuidad de la existencia intrascendente que es propia del nihilismo, erigido como el nuevo culto del individuo en la sociedad moderna, laica, racionalista, y científica. Por este motivo, la crudeza visual y estética perfilada por Pasolini no dejará nunca de sorprender al público, a la crítica, y a los artistas, incluso en esta segunda década del siglo XXI marcada por el creciente dinamismo social posmoderno.

En el fondo, el individuo no ha dejado de estar más y más solo según la sociedad ha ido avanzando y, en la actualidad, a través del nihilismo desangelado trata de adaptarse a la inestabilidad crónica provocada por la constante mutación posmoderna, identificándose con imágenes y escenas rodadas por este talentoso genio cinematográfico que se acercó a nuestra auténtica realidad como especie, sin que ello le sirviera para hallar consuelo interior o reconocimiento por parte de la opinión pública. En un mundo moderno y posmoderno que solamente toma a la imagen como fuente de realidad, sin analizar su esencia o su trasfondo, uno comprende perfectamente por qué el universo creativo de Pasolini sigue siendo un territorio inhóspito para una parte de la sociedad, y continúa siendo malinterpretado. El mundo actual no busca la reflexión, ya que la ciudadanía posmoderna lo único que quiere es poder disfrutar de una realidad que, aunque falsa, al menos le sirva para pasar la vida de la forma más cómoda y agradable posible. Con esta perspectiva, creo que es imposible que este artista pueda abandonar algún día el círculo cultural de los cinéfilos, formado por quienes aman su obra por su grandeza conceptual y por el esfuerzo mental que supone el descubrimiento de su auténtica naturaleza artística. Este director italiano continuará formando parte de la cultura underground intelectualmente selecta, pasionalmente espiritual, y englobada dentro de una perspectiva decadentista brillantemente barnizada con esencia pura de misantropía. “Pier Paolo Pasolini, Una Desesperada Vitalidad”, obra de referencia por excelencia dedicada a este director cinematográfico de culto e inolvidable poeta. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
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