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KATHODOS “PARASOMNIA : PAVOR NOCTURNUS” (SLITHERING BLACK RECORDS, abril 2024) (Reseña / Review #2186).

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Reseña Cultural nº: 2186 // Reseña Musical nº: 1374

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la genial artista Lavinia por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- …Window // 2- A Memory Dwindles… // 3- Phantom of the Throne Room // 4- The Dark Priests // 5- Hanging Tree // 6- A Message Sent to Earth
Datos técnicos: Álbum producido, mezclado y masterizado por Kathodos en el año 2023
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena dark ambient y ritual ambient

A finales del pasado mes de abril fue presentada oficialmente la impresionante ópera prima de Kathodos titulada “Parasomnia : Pavor Nocturnus”. Publicada por el magnífico sello discográfico estadounidense Slithering Black Records en formato digital y en una preciosa edición en CD, ambas disponibles a través de la página oficial del sello en Bandcamp, el álbum “Parasomnia : Pavor Nocturnus” ha sido engalanado por Omen North basándose en la hipnótica obra pictórica “The Eye Like a Strange Balloon, Goes to Infinity (1882)” del genial artista simbolista francés Odilon Redon (1840-1916) (leer reseña), uno de los pilares culturales más emblemáticos de Lux Atenea (leer reseña). Lo onírico y el Simbolismo (leer reseña) representan fielmente la esencia conceptual y la fuente de inspiración que dan sentido al álbum “Parasomnia : Pavor Nocturnus”, ya que la parasomnia es un trastorno del sueño y el Pavor Nocturnus o terrores del sueño es un tipo de parasomnia donde la persona no sale del estado de sueño y experimenta momentos de terror extremo donde no logra entrar en modo de vigilia, y además no tiene control sobre su cuerpo y sobre sus movimientos siendo consciente de ello, lo cual intensifica su estado de pánico. Una auténtica pesadilla que fundamenta los seis temas musicales que vertebran el extraordinario álbum “Parasomnia : Pavor Nocturnus”, y que fascinará a los melómanos con esta refinada amalgama conceptual de estilos como el dark ambient, ritual ambient, tribal, ambient, post-industrial, música contemporánea… A nivel interpretativo, destaca especialmente el apartado vocal tanto por parte de Kathodos como por la soprano Lavinia gracias a su magníficos registros de voz. Además de haber diseñado propiamente el logo de Kathodos, Lavinia incluso ha interpretado planos instrumentales para guitarra en estos temas y, a nivel sonoro, gracias a la masterización realizada por Kathodos podemos disfrutar de una calidad musical y de un dimensionamiento espacial que amplifican la magia artística de estas composiciones, proyectando un universo sonoro innovador y radiante donde el virtuosismo en la composición es extraordinario, siniestro, y musicalmente muy seductor, embriagador, e hipnótico.

Iniciamos la audición de esta magna obra adentrándonos en la inquietante y fantasmagórica atmósfera del primer tema “…Window”, donde la música dark ambient presenta esta arquitectura sonora vintage mientras las iridiscencias sonoras y los instrumentos de percusión van incrementando la siniestra belleza de esta composición. Poco a poco, este grandioso perfilamiento conceptual dark ambient irá incorporando elementos sonoros propios del post-industrial más vanguardista como si nos adentráramos en una mansión embrujada donde sus objetos entran en movimiento y sus almas en pena se hacen notar, configurando un escenario musical que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea amantes de las corrientes artísticas más bellamente góticas y tenebrosas. En este momento empezarán a tomar consciencia sobre por qué Kathodos considera a este álbum como una abominación, y la progresiva inmersión en este lúgubre y caótico caleidoscopio que nos envuelve y perturba no hará más que angustiarnos aún más en cuanto entre en escena su decadente plano lírico de influjo espectral. Una terrible aparición procedente de otro mundo, ojos hundidos y bocas desencajadas, la noche como ineludible escenario donde el individuo será perseguido y martirizado psicológicamente, presencias horribles no deseadas… todo en el excelso tema “…Window” les dejará conmovidos y asustados, sobre todo si lo escuchan en soledad y a oscuras en mitad de la noche. ¡¡¡“…Window”, siniestra experiencia musical!!!

El tema “A Memory Dwindles…” va a adquirir una definición sonora en su estructura multicapa absolutamente compleja debido a este virtuoso despliegue de detalles musicales, presentando sus planos instrumentales ese reflejo extremo, afilado, y tenebroso donde el dark ambient es decorado con pinceladas industriales y post-industriales que les impresionarán. Un concepto artístico completamente distinto del tema anterior, y que viene marcado por este plano lírico donde el lamento y la desorientación provocan tristeza, desamparo, y esa atmósfera de ultratumba cargada de oscuridad que evolucionará hacia un gélido escenario donde la percusión recrea inquietud y ese peligroso hieratismo que conduce al terror. Hasta los susurros aquí helarán la sangre del melómano lector de Lux Atenea. De la mano de Lavinia, gracias a este plano lírico, su voz de soprano irradiará una belleza interpretativa aterciopeladamente gótica. Posteriormente, el giro conceptual hacia este precioso estilo ritual ambient de embriagadora atmósfera nos envolverá con una iridiscencia espiritual absolutamente diferente respecto al comienzo de este tema. Ahora, “A Memory Dwindles…” se muestra resplandeciente, luminoso, revelador, y con ese halo espiritual donde la influencia oriental es muy clara, quedando el tema clausurado con este retorno a la oscuridad fantasmagórica algo más suavizada tras haber pasado por la luz. ¡¡¡“A Memory Dwindles…”, deliciosa y tenebrosa composición e interpretación!!!

Luego, en “Phantom of the Throne Room” va a aumentar la iridiscente luz con este lujoso estilo ambient que poco a poco va a ir viendo degradada su luminosidad con este estilo ritual ambient, absolutamente precioso en su orquestación instrumental. Con la percusión ya marcando el tempo de la composición, lo ceremonial irá presentándose con una riqueza melódica y unas brumas incensadas que nos llevarán a otra dimensión, a otro tiempo, al interior de ese vórtice donde presente, pasado y futuro pierden su cronología en la mente humana. Derivando hacia la embriaguez mántrica de lo tribal, todo en “Phantom of the Throne Room” se vuelve onírico e irresistiblemente atractivo para los sentidos hasta casi convertirse en la banda sonora de la isla de Eea gobernada por la mítica hechicera Circe (leer reseña). En el fondo, el precioso tema “Phantom of the Throne Room” es una ensoñación, un escenario propio de otro mundo y de otro estado existencial, y con un tremendo poder de atracción mental y de los sentidos. Posteriormente, el tema “The Dark Priests” aparecerá con una entrada instrumental de corte marcial donde los instrumentos de percusión son solemnes, quedando amplificada esta solemnidad con voces masculinas graves de trasfondo ceremonial que irán derivando esta composición de forma conceptual hacia el ritual ambient. Evolucionando esta iluminación filtrada y tenue, todo se irá acelerando con la entrada de caóticos y envolventes planos musicales dark ambient, y mutará hacia un espectacular estilo ritual ambient para recrear este ceremonial luciferino donde la subyugación espiritual y la aceptación del camino místico adquieren un trasfondo esotérico donde revelación y transformación interior se van desplegando. “The Dark Priests” es obscuridad, es tenebrosidad, y ese otro lado del misticismo más denso por su plano espiritual más terrenal y pragmático.

Cuando el tema “Hanging Tree” potencie en este álbum la magia musical de Kathodos con una entrada instrumental de corte oriental hindú, este lujoso estilo ambient les invitará a contemplar el horizonte existencial de otra forma hasta abrir las puertas mentales de la Sabiduría a través de un camino interior basado en las energías que mueven este mundo. Profundamente simbólico en su mensaje espiritual, aquí los arquetipos y lo atávico realzan esta radiante danza cuyo poso y trasfondo son embriagadoramente místicos. “Hanging Tree” es romper con nuestra realidad cotidiana, es estimular los sentidos con otras fuentes mucho más cercanas al Conocimiento ancestral, configurándose un escenario chamánico donde lo onírico y lo real pierden las fronteras que los separan. ¡¡¡“Hanging Tree”, resplandeciente belleza musical de trasfondo existencial!!! Con el tema “A Message Sent to Earth” clausurando esta obra maestra de Kathodos, la experimentación conceptual nos llevará a este escenario futurista donde el ambient y la música contemporánea van estableciendo esta arquitectura sonora magnética e hipnótica, evolucionando hacia lo sublime gracias a la aparición de planos musicales luminosos que abren los espacios, difuminan las sombras, y embriagan por su estimulación emocional. “A Message Sent to Earth” es una admirable composición que encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea que disfrutan intensamente la música de vanguardia más relevante e innovadora, e incluso, cuando incorpora pasajes instrumentales propios del jungle y del drum&bass, “A Message Sent to Earth” sigue presentando este encanto sonoro que les incitará a varias audiciones más por su magnificencia artística y su eclecticismo. “Parasomnia : Pavor Nocturnus”, fascinante debut musical de Kathodos donde la innovación es pionera y la vanguardia conceptual muy avanzada en su perspectiva artística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SYL “afmagt” (AUDIBLE RECORDS, junio 2024) (Reseña / Review #2185).

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Reseña Cultural nº: 2185 // Reseña Musical nº: 1373

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la compañía musical danesa Audible Music por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- dit ord // 2- stor dreng // 3- igen (feat. ROT AWAY) // 4- rose (feat. Thomas Burø) // 5- arvæv // 6- kort strå
Datos técnicos: Temas musicales mezclados por Peter Hove Olsen y masterizados por Joel Krozer
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena hardcore

Nuevo trabajo musical de la grandiosa banda danesa SYL para romper barreras y esquemas conceptuales dentro de la escena hardcore más innovadora. El pasado día 7 de junio ha sido presentado oficialmente su EP “afmagt” a través del extraordinario sello discográfico danés Audible Records, estando disponible en formato digital y en una preciosa edición en vinilo EP 12” disponible en la webstore del propio sello. Engalanado con este impactante diseño creado por Benjamin C. W. Hviid, líder de la banda musical SYL, la portada ya provoca esa atracción/rechazo de la belleza siniestra donde esta radiografía coloreada de una cabeza humana funde en su mensaje visual, esa mezcla de arte abstracto de vanguardia en su primera observación con este trasfondo existencial barroco llevado al siglo XXI donde la vida, la pasión, la decadencia, y el sentimiento de la vida intrascendente y fugaz han quedado fielmente representadas. Como analista cultural, la portada del EP “afmagt” me parece una de las mejores que se hayan diseñado para un EP o un álbum dentro de esta escena, y esta belleza estética siniestra refleja de forma impecable la esencia conceptual de SYL en los seis temas que lo vertebran. Formado por Benjamin C. W. Hviid (vocalista), Benjamin B. Grønne (bajo), Emil Adalsteinsson (guitarra), Gustav S. Brønnum (guitarra), y el baterista Andreas B. Grønne, en el EP “afmagt” han podido contar con la colaboración profesional de la artista Anine B. Messmann para el plano instrumental para trombón en los temas “rose” y “arvæv”, además de los artistas daneses Thomas Burø (Beautiful Burning World, Lack, Tvivler…) como vocalista en el tema “rose” y del vocalista Jonathan Albrechtsen de la banda musical hardcore danesa Rot Away en el tema “igen”, el cual coprotagoniza el videoclip oficial de este tema junto a Benjamin C. W. Hviid.

En el grandioso EP “afmagt”, la banda musical SYL presenta un ecléctico estilo hardcore con influencias conceptuales propias del metal y del punk, mostrando un contundente y agresivo despliegue de talento en la composición que se ha convertido en su sello artístico identificativo dentro de esta escena. Su creatividad instrumental y esta armonización de lírica y música es espectacular, como así podrán disfrutarlo los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta joya discográfica en vinilo. El EP “afmagt” posee un espíritu sonoro único, salvaje, además de reflejar ese talento tan detallista en el perfilamiento musical y lírico que te deslumbra, te seduce, y te impacta fuertemente en la mente para despertarte, agitarte, y sacarte de esa cotidianidad mainstream tan acomodaticia y aborregante. Por este motivo, escuchar y disfrutar el EP “afmagt” de principio a fin siempre será políticamente incorrecto, porque su impacto sonoro salvaje y su lírica descarnada no tienen compasión alguna con el sometimiento mental y la subyugación social reinante en la actualidad. Y si a alguien no le gusta este EP de SYL, pues siga usted dentro del rebaño sin alzar la cabeza y sin molestar.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta joya musical sumergiéndonos en el contundente escenario sonoro del primer tema “dit ord”, y con esta potente descarga adrenalínica donde la voz de Benjamin C. W. Hviid arrasa con todo mientras el rugido de estas guitarras eléctricas aparecen para arrancar esa piel socialmente endurecida como si fueran latigazos inmisericordes sobre el individuo cuyas cicatrices mostrarán su desasosiego crónico interior. Nada importa ya en el presente. El relativismo y la sociedad de consumo han conquistado las mentes y los estómagos de los ciudadanos, y todos quieren participar en este banquete con destellos apocalípticos en su horizonte futuro. Hedonismo y decadencia, posesión y abismo, todo en “dit ord” adquiere esos claroscuros existenciales que siempre desembocan en el nihilismo y en la desesperación más angustiosa para el individuo. Tras el frío y radical final de la canción “dit ord”, a continuación, la intensidad sonora del metal va a marcar al tema “stor dreng” en su comienzo para luego sorprendernos con esta re-estructuración musical que corta la respiración. Cuando entre un plano vocal con este registro de voz grave propio del black metal, el tema “stor dreng” llegará al cúlmen en su poderoso impacto sonoro, dejando a los melómanos lectores de Lux Atenea en un estado de éxtasis incontenible, tenso, y expansivo. Luego, en el tema “igen (feat. ROT AWAY)”, SYL junto al vocalista Jonathan Albrechtsen (Rot Away) dejarán pulida esta amalgama musical donde el estilo hardcore adquiere esta incansable potencia, y donde la interpretación lírica es fundamental para dirigir toda la estructura instrumental hacia estas encrucijadas conceptuales que se realimentan en cada nuevo ciclo melódico con un nuevo impulso, con una nueva reorganización sonora, y siempre con la labor artística del vocalista como batuta musical que posiciona el nivel de potencia sonora adecuado durante toda la composición.

El virtuosismo interpretativo se mantendrá en el tema “rose (feat. Thomas Burø)” gracias a la colaboración del artista danes Thomas Burø (Beautiful Burning World, Lack, Tvivler…) como vocalista, dando cuerpo a este potente ácido capaz de corroer ese velo social tan hipócrita como cínico. La canción “rose (feat. Thomas Burø)” es espectacular en su interpretación, convirtiendo su audición en todo un placer para el melómano lector de Lux Atenea adicto a las emociones musicales fuertes. Ya sus desgarrados chirridos iniciales son una declaración sonora muy clara de la esencia musical que va a surgir, y el torbellino sonoro posterior confirmará esa tarjeta de presentación de su despliegue instrumental brutal. Todo concluirá con un crescendo para guitarra que es una auténtica delicia sonora para quienes adoramos estas melodías tan intensas como la absenta tomada en toda su pureza y sin rebajar. Conduciéndonos hasta las puertas del tema “arvæv”, aquí la banda danesa SYL vuelve a sorprendernos con su eclecticismo conceptual, quedando realzado el protagonismo de la batería en manos de Andreas B. Grønne. Pesadas descargas musicales cubren todo el espectro sonoro y, en el ecuador de la canción, tomará aire con este pasaje lírico calmado antes de ser absorbido e integrado en la estructura musical, retornando al impulso salvaje inicial hasta quedar extenuado. Profundamente impactados ante tanto talento interpretativo, el tema “kort strå” clausurará esta joya musical remarcando otro conflicto actual donde el choque con lo políticamente correcto es absoluto. Aquí, la fusión conceptual del hardcore y el metal es admirable, y su armonización presenta esta hecatombe sonora donde fuego y destrucción reinan en este escenario. Un puñetazo directo a la iridiscencia social hipócrita, al buenismo propagandístico, y a ese mirar a otro lado cuyas consecuencias futuras de vuelta son inexorables. Todo en esta vida tiene sus consecuencias, se quiera tapar como se quiera tapar, se quiera justificar como se quiera justificar. “afmagt”, desde la ciudad de Copenhague, pura esencia musical non-mainstream dentro de la escena hardcore danesa más innovadora en su concepto artístico. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SOPHIA “THE AGE OF THE NARCISSIST” (CYCLIC LAW, julio 2024) (Reseña / Review #2184).

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Reseña Cultural nº: 2184 // Reseña Musical nº: 1372

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico Cyclic Law por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Doomsday Club // 2- Plastic Smiles // 3- What’s Wrong With People // 4- Empires Of Filth // 5- Mouth Of Mammon // 6- Hunt / Hung // 7- Dogmatic // 8- Eyes For An Eye // 9- Closer To The Grave // 10- The Age Of The Narcissist
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical

En este año 2024, los fieles seguidores de Sophia estamos de enhorabuena por la aparición de su nuevo álbum “The Age Of The Narcissist”, y que será presentado oficialmente el día 25 del próximo mes de julio a través del prestigioso sello discográfico Cyclic Law. “The Age Of The Narcissist” será publicado en formato digital, en una preciosa edición limitada de 300 unidades en ecopak de ocho paneles, y en dos lujosas ediciones limitadas en vinilo LP 12” con 100 unidades en vinilo jaspeado en negro/marrón y 200 unidades en el clásico vinilo negro, todas disponibles a través de la webstore del sello y en su página oficial en Bandcamp. Engalanado con este impactante diseño de portada donde lo simbólico, lo esotérico, y lo arcano quedan armonizados para atraer visualmente y centrar la mirada a la hora de desvelar su mensaje, a nivel musical, los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran este álbum quedarán impresionados con su autenticidad artística y sonora, ya que estos temas fueron compuestos con un espíritu experimental y un impulso de búsqueda musical a la hora de recrear su trasfondo que les causará profunda admiración durante su audición. Materialismo, exagerado hedonismo, egoísmo e individualismo, superficialidad social, vacío espiritual y nihilismo pre-apocalíptico… dan ese trasfondo humano y actual a los diez temas que vertebran el álbum, cobrando sentido este título tan real y cotidiano en los tiempos que vivimos. Además, en la nueva obra musical de Sophia “The Age Of The Narcissist”, el genial artista sueco Peter Bjärgö ha podido contar con la colaboración de otros grandes artistas como Stefan Eriksson, Per Åhlund y su esposa Ia Bjärgö, configurando una formación de primer nivel que podrán disfrutar desde el primer tema hasta el final.

Iniciamos la audición de esta joya musical sumergiéndonos en la apocalíptica ambientación del tema “Doomsday Club”, donde su potente percusión empieza ya a marcarnos el escenario trágico y decadente que vamos a vivir. Con estas oleadas sonoras densas e industriales donde todo chirría, donde el poder del metal se ve afectado por la corrosión, aquí cuesta hasta respirar porque no hay nada puro, nada limpio, nada cristalino. La mano humana al final logró tocarlo y alterarlo todo para adaptarlo a su verdadero ser: la degeneración y la corrupción como presencia indiscutible del Mal. Cuando aparezca el tema “Plastic Smiles”, lo industrial será potenciado en su base rítmica de corte mecánico hasta quedar la estructura musical decorada magistralmente con estos planos sonoros dark ambient, y esta lírica situada en un primer plano como resignada declamación de un nefasto legado. El escenario que presenta “Plastic Smiles” es desolador pero, en el tema “What’s Wrong With People”, la ausencia absoluta de calidez hiela la sangre mientras lo sublime va tornándose cada vez más siniestro en esta deriva conceptual hacia el marcial industrial posesivo y expansivo. Pinceladas ambient servirán de contraste sonoro para amplificar aún más esta desangelada dinámica social donde la ley de la jungla y el homo homini lupus son los que rigen despóticamente a los individuos. Desembocando en el tema “Empires Of Filth”, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con su colosal belleza conceptual donde el eclecticismo musical es irresistible para quienes aman la vanguardia artística. “Empires Of Filth” es brutal y de una magnitud dimensional que sobrecoge, desplegándose con renovadas estructuras sonoras que te dejan totalmente petrificado durante su audición, invitándote a disfrutar varias audiciones más en busca de ese detalle, de ese colapso y renacimiento musical, y de ese plano sonoro que de forma sutil engrandece este tema. ¡¡¡“Empires Of Filth”, espectacular!!!

El tema “Mouth Of Mammon” es más solemne y minimalista, además de oscuro y demoníaco, expandiendo su inquietante atmósfera en la cual adivinamos anticipadamente su terrible trasfondo materialista y egoísta. Si hubiera que poner una banda sonora a los mercados de capitales, a los grandes centros bursátiles, y a las hambrientas corporaciones siempre insatisfechas posean lo que posean, “Mouth Of Mammon” sería la elección musical perfecta. En la raíz de todo este mundo se encuentra el ser humano y el dinero por él creado para poder justificar cada uno de sus actos perversos y demoníacos, y “Mouth Of Mammon” es su himno por excelencia. Sobrecogidos y con cierta misantropía adentrándose en la mente, cuando el tema “Hunt / Hung” surja con este extenuante ritmo para percusión, la veda quedará apartada para dar rienda suelta al espíritu infernal que posee lo humano. Aquí lo empático no es ni recordado, y los ojos sobreestimulados por la acción depravada que el depredador poseído por la espiral de muerte y destrucción llega a alcanzar, logra que la vida sea algo peor que el infierno: vivir termina siendo la corrupción del alma. Luego, en “Dogmatic”, aparentemente todo se calma, pero estos chirriantes planos sonoros industriales y estas tenebrosas voces ya reafirman que las llamas vitales que impulsan los pecados capitales en lo humano siguen latentes. Conceptualmente, el tema “Dogmatic” es muy avanzado por su perfilamiento musical y por su estructura sonora multicapa, evolucionando con una siniestra armonía que sobrecoge. Sin duda alguna, “Dogmatic” es el tema más innovador y experimental de este álbum, elevando su valor artístico en esta obra maestra ya de por sí profundamente ecléctica y vanguardista.

Con el estilo dark ambient iluminando débilmente el escenario que proyecta el tema “Eyes For An Eye”, su base rítmica para percusión en clave tribal unido a esta fantasmagoría musical contundentemente obscura, nos llevarán de lleno hasta los impulsos más primarios y salvajes de lo humano. Aquí las emociones y los sentimientos se exacerban, entrando en una espiral de exaltaciones en el colectivo que los conduce a la barbarie y a la pérdida absoluta de la lógica y de la razón. El cerebro reptiliano anulando al lóbulo frontal en un éxtasis emocional que sitúa al individuo por debajo de lo animal. Posteriormente, saliendo de esa espiral nos adentraremos en lo tenebroso con el tema “Closer To The Grave”, quedando amplificado lo sepulcral y lo mortuorio en este caleidoscopio musical gótico que derivará hacia lo ritual. Poseedor de ese magnetismo de lo oculto y lo mágico, “Closer To The Grave” es una de las joyas musicales que atesora este álbum y que encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la perspectiva gótica de la vida y del arte. ¡¡¡“Closer To The Grave”, la música del espíritu gótico!!! Tras haber disfrutado varias veces este tema por puro placer, la clausura de esta impresionante obra musical llegará con su tema homónimo donde el dark ambient vuelve a cubrirlo todo de oscuridad, amplificando estos ecos de perfilamiento sonoro retro mientras lo agónico va conduciéndonos al abismo, al colapso, a la desaparición de aquello que degeneró y corrompió hasta sus cimientos. El tema “The Age Of The Narcissist” es tan crudo como un testamento donde el fallecido confiesa sus debilidades, sus errores, sus infamias, y todos los actos inhumanos que le llevaron a la perdición. “The Age Of The Narcissist”, la magia y el talento musical de Sophia vuelve a convertir a su nuevo álbum en otra de sus obras maestras para ser disfrutadas in aeternum. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

TENHORNEDBEAST “CAPRA HIRCUS” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2024) (Reseña / Review #2183).

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Reseña Cultural nº: 2183 // Reseña Musical nº: 1371

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- The Hallowing Of The North // 2- Cup & Ring // 3- How Pan Healed The Christ // 4- One More Leaf // 5- The Hearts Of All Men Dwell In The Same Wilderness
Datos técnicos: Temas musicales creados en los meses de invierno de los años 2023 y 2024; álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Atrittion) en su mítico laboratorio de alquimia musical The Cage Studios
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena ritual ambient

A finales del pasado mes de mayo fue presentado oficialmente el nuevo álbum “Capra Hircus” de Christopher Walton, alma mater de TenHornedBeast y mítico artista del dúo musical de culto Endvra (leer reseñas). Publicado por el prestigioso sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD de seis paneles, ambas disponibles en la webstore del sello y en su página oficial en Bandcamp, “Capra Hircus” ha sido engalanado con este magnífico diseño creado por Abby Helasdottir utilizando fotografías tomadas por el propio artista Christopher Walton en los montes Peninos, teniendo como protagonista principal a la cabra (“Capra Hircus” en su nombre científico que da título al álbum) y ese entorno bucólico inmortalizado visualmente. A nivel musical, Christopher Walton continúa profundizando en su base conceptual de composición a través de esta fusión del estilo ritual ambient con el drone al ser el lenguaje sonoro perfecto para recrear lo místico, lo espiritual, lo mágico… transformando los cinco temas que vertebran esta nueva obra musical en una inmersión mental hacia ese otro lado de la realidad, y con esa sensibilidad que ofrece el plano existencial elevándose sobre lo mundano. Todo ello, potenciado gracias a la impecable labor técnica de masterización realizada por el maestro Martin Bowes (Atrittion) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios. Gracias a este armonioso equilibrio en los niveles de registro sonoro, el álbum “Capra Hircus” se presentará en los oídos del melómano lector de Lux Atenea con una nitidez y con una precisión en el detalle musical que les impresionara, sumergiéndoles en otra dimensión, en otros espacios, en otra sensibilidad artística creada por TenHornedBeast. Después de su obra maestra “The Lamp Of No Light (Hymns For The Yorkshire Doom Stone)” (leer reseña) publicada por Cold Spring Records en el año 2022, “Capra Hircus” es su nueva obra maestra al dar un giro conceptual absoluto hacia lo sublime dentro del avanzado estilo ritual ambient que está desarrollando Christopher Walton en TenHornedBeast, y como inspirado trasfondo que viene caracterizando a su etapa artística más reciente.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra adentrándonos en el tema “The Hallowing Of The North”, mientras seguimos esta brumosa y obscura senda alejada completamente de la civilización donde el mundo y la vida adquieren otro significado, otra relevancia, otro sentido de existencia. “The Hallowing Of The North” es mucho más cercano a lo supraterrenal por el halo de trascendencia que transmite. A nivel musical, el drone perfila espacios, envuelve con su languidez sonora, y nos rodea con estas tenues luces casi fantasmagóricas que no están protagonizadas por espíritus o almas. “The Hallowing Of The North” es más un camino místico, una brújula esotérica bien orientada para marcar hacia donde ir, y precisamente el acto de recorrer estos espacios sagrados es lo que engrandece conceptualmente a esta composición en su recreación. Además, los melómanos lectores de Lux Atenea van a sentir inmediatamente la maestría y la experiencia musical de Christopher Walton en cuanto escuchen atentamente este tema al proyectar una armonía en su estructura sonora que les cautivará. Indiscutiblemente, “The Hallowing Of The North” es un tema que posee una belleza siniestra que impone pero no es esa belleza siniestra que provoca terror, ya que lo siniestro aquí es incertidumbre, es sorpresa, es desvelo, y es ese acto de progresiva fascinación hacia lo desconocido que se va iluminando poco a poco para mostrar su esencia, su fundamento, su halo supraterrenal. Este viaje hacia el norte es también una progresiva iluminación interior donde lo humano va desvaneciéndose, donde las palabras aprendidas para el lenguaje van borrándose debido al desvelo inefable que da respuestas directamente al alma, y donde hasta lo físico y lo material van perdiendo su poder y su influjo condicionante.

El tema “Cup & Ring” aparecerá con esta vibrante entrada sonora para recrear el cambio de realidad, para mostrar el cambio dimensional, y para romper cada uno de los condicionantes que alteraban el presente, permitiendo mostrar ese otro mundo donde la lógica y la razón humanas se encuentran absolutamente superadas por lo que se observa y por lo que se intuye. Con una base sonora establecida en esta estructura musical como si fuera un reloj de carrillón sonando a una hora en punto, su melodiosa secuencia dejará hipnotizados a los melómanos lectores de Lux Atenea a pesar de estos afilados planos sonoros de frecuencias agudas que llegan incluso en su nivel de registro más alto hasta el borde de la saturación. “Cup & Ring” es musicalmente siniestro pero como antesala de lo que va a ocurrir, de lo que va a acontecer, y ese velo enigmático es lo que no se perderá hasta nuestra entrada en el tema “How Pan Healed The Christ”, donde lo pagano hace acto de presencia. El paganismo y las fuerzas de la naturaleza versus el cristianismo y su demonización del entorno natural como justificación de su adulteración en manos humanas de egoísta e interesada intencionalidad. “How Pan Healed The Christ” es un amanecer, ese amanecer para el alma que revitaliza al espíritu y lo potencia, lo exalta y lo purifica, quedando atrás lo denso, lo verdaderamente obscuro, y lo degradantemente humano. A nivel musical, estos iridiscentes planos sonoros recrean fielmente esta apertura del templo sagrado, esta iluminación mental que comunica directamente con el alma, quedando los cromatismos sonoros del drone como definición del mundo divino y de la energía que late en el entorno natural como conjunto global vivo y sintiente. ¡¡¡“How Pan Healed The Christ”, impresionante tema!!!

Posteriormente, el tema “One More Leaf” se presentará conceptualmente mucho más arriesgado e innovador al situarse en la frontera del ritual ambient con la música contemporánea. Vibrante y minimalista en su definición dimensional, aquí los espacios se vuelven inconmensurables y los planos sonoros aparecen y se alejan hasta convertir esta composición en un escenario en 3D. Nítidamente configurado en su estructura musical, hasta la electrónica experimental se asoma tímidamente en su ecléctica evolución, transformándose su audición en una experiencia musical que dará absolutamente fascinados a los melómanos afines a la vanguardia. Clausurando esta joya artística de TenHornedBeast se encuentra el tema “The Hearts Of All Men Dwell In The Same Wilderness”, y es aquí donde el ritual ambient se convierte en protagonista conceptual con una magnética armonía en su despliegue sonoro como solamente de lo espiritual y esotérico puede emanar. Todo fluye de forma imparable en su lánguido movimiento, estableciéndose esa conexión mental con el melómano que lo vuelve reflexivo y psíquicamente abierto a la expansión sensorial, entrando en un estado hierático que lo embriaga y lo envuelve con el mismo velo existencial que termina cayendo a sus pies tras la revelación. Pero entonces ya no percibe el calor, la complicidad, la perspectiva vital que fundamentaba todo, viniéndose abajo toda la estructura interior para que, en esas ruinas, sea donde brote lo salvífico mientras el alma comprende el sentido de su soledad como unicidad existencial de carácter espiritual y universal. El alma acaba entendiendo que la soledad es la inexorable condición para la evolución y para la transformación interior, no necesitando a otras entidades para poder alcanzar ese proceso místico y trascendente. “Capra Hircus”, la nueva obra maestra musical firmada artísticamente por Christopher Walton y embellecida discográficamente por el sello británico Cold Spring Records. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LARMO “ALARM” (ZOHARUM, mayo 2024) (Reseña / Review #2182).

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Reseña Cultural nº: 2182 // Reseña Musical nº: 1370

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: CD en carpeta, edición no a la venta (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Alarm // 2- Grit // 3- N.B x N.N. (feat. Gosia) // 4- HNW x // 5- PL (Stick) // 6- Separator // 7- Komunikat (feat. IHS) // 8- HNW XX // 9- Tech (NIC) // 10- Gnat (feat. Paula) // 11- Flat Breath (feat. Pachu) // 12- Flat Breath (remixed By Monya)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Grit // 3- N.B x N.N. (feat. Gosia) // 6- Separator // 7- Komunikat (feat. IHS) // 9- Tech (NIC) // 10- Gnat (feat. Paula) // 12- Flat Breath (remixed By Monya)

Presentado oficialmente a mediados del pasado mes de mayo, “Alarm” es un impresionante álbum donde el talentoso artista Mirosław Matyasik ha sabido reflejar su maestría en la composición gracias a su amplia experiencia musical y a su amplitud conceptual de miras dentro de la vanguardia. Como alma mater de Larmo, en “Alarm”, Mirosław Matyasik invitará a los melómanos lectores de Lux Atenea a adentrarse en estos espacios obscuros y agresivos donde las atmósferas son densas y casi irrespirables. Publicado oficialmente a través del prestigioso sello discográfico polaco Zoharum en formato digital, en una preciosa edición limitada de 300 unidades en digipak CD de seis paneles, y en una lujosa edición limitada de 200 unidades en vinilo LP 12”, actualmente disponibles en la webstore de Zoharum y en su página oficial en Bandcamp, el álbum “Alarm” viene engalanado con esta impactante portada de estética futurista y cyberpunk al más puro estilo de “Neuromancer”, con sus conexiones cerebrales a la red digital y sus dispositivos visuales de realidad virtual integrados en el cuerpo. Incluso, mirando detenidamente sus detalles, hasta podía ser visto como un avanzado ser transhumanista del futuro donde lo orgánico en lo humano ha pasado a ser algo circunstancial ante la superioridad de la alta tecnología, debido a las funciones y a la fiabilidad que ofrece frente a la fragilidad de lo orgánico. Esta ventana visual al futuro, llevado a la vanguardia conceptual musical de corte ecléctico es lo que nos propone Mirosław Matyasik en los doce temas que vertebran el álbum “Alarm”, habiendo contado además con la colaboración artística de Gosia, IHS, Paula, Pachu, y Monya en algunos de estos temas y composiciones. Una talentosa fusión conceptual de música electrónica, techno, high-tech ambient, industrial, noise, minimal, y post-industrial que, en Larmo, les sorprenderá por la magnífica definición sonora de sus estructuras y por la relevancia pionera que presentan la mayoría de estos temas conceptualmente muy adelantados a nuestro avanzado presente dentro de esta escena musical. Un grandioso álbum que en su lujosa edición en vinilo tiene que sonar espectacular.

Iniciamos la audición de esta magna obra musical sumergiéndonos en la tensa atmósfera sonora del tema homónimo del álbum, adquiriendo poco a poco este tempo post-industrial donde cada capa electrónica va incrementando su densidad como si fuera una grabación de campo en una megalópolis en constante construcción y ampliación estructural. Incluso, con la aparición de este crescendo de frecuencia, esta agresividad en el entorno no hará más que fluir y estresar este escenario hasta convertir a la extraordinaria composición “Alarm” en una mirada distópica al futuro. Posteriormente, el tema “Grit” presentará una contundente base musical industrial oscurecida con maestría gracias a esta impresionante exposición sonora experimental que, como afiladas pinceladas musicales, dejan su marca y su huella en esta composición conceptualmente cercana al high-tech ambient en cuanto a su riqueza sonora de vanguardia. Escuchar “Grit” en mitad de la noche impresiona mientras paseamos por las solitarias calles de una gran ciudad a altas horas de la noche. Una selénica banda sonora de auténtico lujo. Luego, la perspectiva artística de Małgorzata Wójcik aka Gosia en el tema “N.B x N.N. (feat. Gosia)” ofrecerá al melómano lector de Lux Atenea esta potente definición musical llevada al extremo, a la degradación, a la terrible crudeza del hundimiento vital y físico, adquiriendo una crudeza electrónica absolutamente posesiva y siniestra que, desde la década de los noventa, solamente había disfrutado en algunos eclécticos proyectos musicales que fusionaron lo industrial y el EBM. Pero “N.B x N.N. (feat. Gosia)” tiene esta potente piel sonora inconfundiblemente actual e innovadora que perfectamente puede ser incluida en un electro-club por un DJ en su sesión musical para ofrecer vanguardia y transgresión en la pista de baile. ¡¡¡“N.B x N.N. (feat. Gosia)”, impresionante!!!

Afilado e incisivo llegará el tema “HNW x” al más puro estilo japanoise, apareciendo como una imparable radial que todo lo corta y todo lo nivela sin que nada se le oponga. Una brutal antesala del tema “PL (Stick)” cuya siniestra atmósfera nos atrapará y nos inmovilizará, quedando encadenados mentalmente a estas columnas electrónicas absolutamente colosales que provocan esa hierática parálisis ante la contemplación de la majestuosidad, de lo monumental, y de lo que es prácticamente inabarcable. En “PL (Stick)”, los destellos de la alta tecnología y del gigantismo arquitectónico te llevan a la expansión mental porque esta grandiosa composición es una ecléctica demostración de talento y de creatividad en la definición sonora de vanguardia. De por si, “PL (Stick)” parece más un tema musical que pudiéramos haber extraído de la escena electrónica más innovadora de la próxima década tras haber viajado al futuro. “PL (Stick)” es eso mismo, una mirada al futuro artístico. En cambio, “Separator” es una composición más minimalista y experimental, mostrando incluso estas texturas sonoras casi orgánicas que mutan y se transforman ante nuestros ojos. En “Separator”, Mirosław Matyasik parece haber tomado a la película de culto de David Lynch “Eraserhead” (1977) como fuente de inspiración y, con esta admirable composición, llevar aquella atmósfera sonora al siglo XXI. Decadente, sucia, y al borde del colapso, “Separator” es un contundente extracto de las ideas conceptuales de Larmo en este álbum. En “Komunikat (feat. IHS)”, retornaremos a las atmósferas afiladas y cortantes fusionadas con sumo talento con aires sonoros post-industriales y estas voces agónicas potenciadas en su trágico presente por este plano instrumental para acordeón. Sin duda alguna, gracias a Larmo y a Patryk Rzeszutek aka IHS, “Komunikat (feat. IHS)” se ha convertido en una magna obra de arte musical que no dejará indiferentes a los melómanos lectores de Lux Atenea, debido a la avanzada vanguardia conceptual que presenta. ¡¡¡“Komunikat (feat. IHS)”, chapeau!!!

El tema ruidístico “HNW XX” planteará estructuras sonoras muy complejas donde el hundimiento musical de algunas partes dimensionales se terminan recuperando para reimpulsar su frenética actividad, desembocando en “Tech (NIC)” donde la música electrónica adquiere una densidad ciclópea y pesada. Bordeando conceptualmente el techno más siniestro en la actualidad, su tempo más lento nos lleva a un escenario donde las brumas tenebrosas y la debilidad lumínica en tonalidades rojizas parecen la entrada a un infierno psicológico. Posteriormente, Larmo y Paula Pieczonka aka Paula sorprenderán a los melómanos lectores de Lux Atenea con el tema “Gnat (feat. Paula)”, entremezclando lo psicótico y lo industrial elevados a la enésima potencia. Si existiera un sinónimo musical de la palabra brutal, sin duda sería “Gnat (feat. Paula)”, y si a esta atmósfera extrema añadimos esta apertura ambiental absolutamente obscura y sobrecogedora, entonces nos encontramos con una excelsa obra maestra que será tomada como referencia conceptual por otros artistas y bandas musicales dentro de esta escena en los próximos años. ¡¡¡“Gnat (feat. Paula)”, obra maestra!!! Habiendo situado el nivel de calidad artística tan alto, Larmo y Łukasz “Pachu” Pach en el tema “Flat Breath (feat. Pachu)”, aún fusionando las voces graves y guturales del black metal con la música electrónica de vanguardia no llegan a la hipnótica atracción sonora del tema anterior. Personalmente, creo que este tema musical tenía que haber sido organizado antes de “Gnat (feat. Paula)” porque“Flat Breath (feat. Pachu)” es muy bueno, pero escuchado y disfrutado después de “Gnat (feat. Paula)”, le falta algo a su estructura para mantener o superar ese nivel artístico. Finalmente, clausurando este sorprendente álbum musical de vanguardia se encuentra el tema “Flat Breath (remixed By Monya)”, donde Monya redimensiona musicalmente este tema hasta acelerarlo y hacerlo más directo mientras la luz entra en este escenario sonoro lo suficiente como para poder sonar en la pista de baile de un electro-club de primer nivel dentro de esta escena. Y antes de terminar de escribir esta reseña, sigo pensando que este admirable álbum debería haber tenido a la obra maestra “Gnat (feat. Paula)” como cierre de auténtico lujo. Hubiera sido perfecto, colosal, e inigualable. “Alarm”, con estas impresionantes ediciones discográficas, el prestigioso sello discográfico polaco Zoharum no hace más que seguir marcando tendencias musicales de vanguardia dentro de esta escena año tras año, y Mirosław Matyasik con su proyecto Larmo es perfecto por su mirada cultural tan innovadora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

WE BE ECHO “EMPTY” (SOUNDOV RECORDINGS, mayo 2024) (Reseña / Review #2160).

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Reseña Cultural nº: 2160 // Reseña Musical nº: 1369

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista canadiense Kevin Thorne (We Be Echo) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Lift // 2- Shattered // 3- Inside // 4- Time Wins // 5- Conversation // 6- You’ll Never Dance // 7- Invisible Bond // 8- Possibly 23 // 9- This Is Me // 10- Phase Shift // 11- Butler’s Wharf // 12- Will You Ever Believe (What I Tell You) // 13- All Over Me
Bonus Tracks: 14- I’m Nowhere // 15- Rainy Season
Datos técnicos: Temas musicales compuestos y grabados en Thee Werkhaus Studio por Kevin Thorne entre los meses de febrero y mayo de 2024
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Ecléctica Obra Maestra Musical de vanguardia

Los fieles seguidores de We Be Echo estamos de enhorabuena tras la reciente presentación de su nuevo trabajo musical “Empty”, octavo álbum desde el año 2020. Publicado en este mes de mayo en formato digital a través de su página oficial en Bandcamp (incluye el tema “Butler’s Wharf” en exclusiva), y en CD a través de su propia webstore en SoundOV (incluye los temas “I’m Nowhere” y “Rainy Season” como bonus), el excelso álbum “Empty” ha sido engalanado visualmente por el prolífico artista canadiense Kevin Thorne con esta atrayente portada, reflejando en esta imagen ese viaje personal trascendente en medio de este mundo tan desolado emocional y sentimentalmente. Los quince temas musicales que vertebran el álbum “Empty” presentan esa transformación interior a través de cada fase de cambio, de cada revelación, y de cada evolución interior donde el individuo se va separando de lo mundano para recorrer ese inhóspito camino místico donde la incertidumbre será constante hasta el comienzo de la revelación espiritual. Conceptualmente, Kevin Thorne ha vuelto a demostrar que se encuentra en un momento muy fructífero en cuanto a su espíritu vanguardista de composición, presentando temas musicales donde el post-punk, el rock underground, la psicodelia, y la experimentación sonora se funden en su crisol musical a la hora de componer. Temas musicales que proyectan perspectivas trascendentes, perspectivas del individuo en proceso de cambio y de trasformación interior, perspectivas de desconexión del resto del mundo… hasta convertir la audición del álbum “Empty” en un viaje musical con un trasfondo inequívocamente místico. Estructuras instrumentales y definiciones líricas que, en manos de We Be Echo, presentan evolucionados perfilamientos artísticos de vanguardia que amplían el arco conceptual de estos estilos musicales. Una belleza y una esencia artística elevándose del plano material para provocar en el melómano lector de Lux Atenea esa apertura mental que lleve a la reflexión y a la elevación del plano existencial, porque esta es la base principal que fundamenta el arte de We Be Echo en su nueva obra maestra “Empty”, creada entre los meses de febrero y mayo de este año 2024. Sin duda alguna, un contundente despliegue de talento musical.

Iniciamos la audición de esta obra maestra sumergiéndonos en los aires melódicos del primer tema “Lift”, proyectando esta luminosidad sonora con reminiscencias a la psicodelia de la década de los setenta fundida con la vanguardia musical más innovadora dentro de la escena underground. Tres fases sonoras mutando en sus valles sonoros como recreación de los cambios, de la evolución, de la liberación existencial desarrollada en el tiempo. Impulsados por esta esencia metafísica, en el tema “Shattered” todo se quebrará en cuanto pasemos de lo personal a lo externo, de lo íntimo a lo colectivo, de ahí el plano sonoro más lento y pesado que define musicalmente a este tema. Selénico, urbano, decadente, en “Shattered” todo es dramático y obscuro, presentando esta avanzada perspectiva post-punk que llevará al melómano lector de Lux Atenea a adentrarse en un caleidoscopio existencial tan angustioso y lánguido como un mal viaje mental provocado por un psicotrópico. ¡¡¡“Shattered”, brillante mirada actual al decadente spleen!!! Posteriormente, el tema “Inside” va a adquirir esta vibrante intensidad sonora propia del rock underground sin perder gran parte de la languidez anterior. Pero, en “Inside”, la mirada ya no es al suelo, sino al frente observando ese gélido reflejo de lo desangelado que hiela emocionalmente al corazón para poder sobrevivir en este entorno tan insensible, tan sentimentalmente pétreo, tan inconfundiblemente terrenal. El excelso tema “Inside” les incitará a varias audiciones más antes de que “Time Wins” les fascine con esta contundente demostración de talento en la composición, perfilando Kevin Thorne esta delicatessen instrumental como solamente los genios artísticos son capaces de dar alma musical. “Time Wins” es la sonrisa de Hermes con un whisky en la mano, lanzando esa mirada profunda capaz de desvelar lo oculto y de descifrar la danza de la vida en su manifestación trascendente, de ahí la fuerza sonora que emana de esta magna canción. “Time Wins” es el culto a la música de We Be Echo mientras un nuevo plano existencial nos eleva por encima del devenir porque ya no es temido, sino aceptado como inexorables vientos de ese presente asomándose tímidamente en el horizonte. ¡¡¡“Time Wins”, espectacular tema!!!

Cuando “Conversation” fluya en los oídos, nuestra mente quedará poseída por esta magia instrumental y este ritual interpretativo y lírico que unimos inequívocamente a los conciertos. Quienes disfrutan la música en vivo saben a qué me refiero. Además, el tema “Conversation” tiene esa aura musical de la década de los setenta que radiaba inocencia, mente abierta, y alejamiento absoluto de los convencionalismos sociales, centrándose todo en el individuo, en su transformación interior, y en la iluminación de su universo inconsciente buscando trascendencia. Luego, el tema “You’ll Never Dance” potenciará este influjo musical hasta envolvernos con una sedosa psicodelia puntualmente decorada con este estilo gótico tan estadounidense y californiano, perfumándonos con fragantes melodías que poco a poco nos irán embriagando y acariciando con la sutileza y la sensualidad de las sábanas de terciopelo. “You’ll Never Dance” es seda granate sobre nuestro cuerpo desnudo mientras quedamos seducidos por la magia, por la energía vital, y por los guiños táctiles que conducen a ese estado cercano a la muerte donde el tiempo parece haber desaparecido en nuestro presente, en nuestra mente, en nuestros pulmones… hasta que la primera inspiración profunda rompa ese estado existencial y nos devuelva al plano material. ¡¡¡“You’ll Never Dance”, puro hedonismo musical!!! Con el tema “Invisible Bond” ahondando en lo reflexivo, su personalidad sonora en tonos graves nos presentará esta avanzada perspectiva post-punk que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma al disfrute de las corrientes sonoras más góticas. “Invisible Bond” es siniestramente exquisito, vanguardista, y posesivo en su belleza obscura, agarrando tu mente con sus afiladas garras cargadas de realidad existencial y de verdad no siempre aceptada, no siempre asumida, pero que estará ahí esperando a que lo asimiles aunque no te guste. ¡¡¡“Invisible Bond”, el canto vital del alma gótica!!!

El tema “Possibly 23” nos sacará de ese tenebroso estado personal con sus selénicos destellos de luz, pero sin perder su esencia individualista porque sigue resaltando lo contemplativo, lo reflexivo, y la inadaptación. “Possibly 23” es caminar en solitario esperando la conexión, es observar sentado mientras esta canción se armoniza con los pensamientos interiores, acompañándonos en esta vida con la misma firmeza de quien ha de avanzar en la jungla abriéndose camino en la salvaje maleza. Desembocando en el tema “This Is Me”, el estilo musical cambiará radicalmente con este free-style tan ecléctico y que se siente emocionalmente tan cercano como un reencuentro. Una vuelta al origen, a lo primigenio, a la raíz del sentido del centro y de todo lo que lo rodea. Lisérgico en su dimensión sonora, “This Is Me” revela porque es fundamentalmente trascendente y permite observarnos en ese espejo místico que muestra verdaderamente lo que somos, no lo que aparentamos exteriormente o lo que pensamos que somos. Y en toda revelación hay cambio si se asimila, si se integra, si forma ya parte de, y el tema “Phase Shift” recrea fielmente ese estado sobre todo con este vibrante plano instrumental latente en un segundo nivel dentro de esta estructura musical. “Phase Shift” calma como una caricia y una sonrisa que muestra aprobación, y estos pasajes musicales proyectan la energía propia del nuevo plano existencial más elevado que cambiará el destino del individuo. Aquí, el arte interpretativo de Kevin Thorne se presenta sublime en su declamación lírica y en sus detalles al vocalizar las palabras, las frases, haciendo hincapié en lo profundo y en lo místico. En el fondo, “Phase Shift” es una muestra contundente del estilo artístico tan personal de Kevin Thorne a la hora de componer y de interpretar la lírica como vocalista.

Incluido solamente en la edición digital del álbum “Empty” disponible en la página oficial de We Be Echo en Bandcamp, el tema “Butler’s Wharf” nos presenta una composición musical absolutamente experimental que rompe completamente con la dinámica sonora que veníamos disfrutando, cubriéndonos con esta densidad musical tan posesiva como la entrada en una angosta cueva energéticamente cargada. “Butler’s Wharf” se irá convirtiendo poco a poco en un ritual sonoro, en una representación de lo ceremonial hasta paralizarnos con su belleza que invita al hieratismo, quedando transformados en núcleo alrededor del cual se mueve este tema musical como si fuera una danza sacra. Cuando “Will You Ever Believe (What I Tell You)” nos haga retornar de nuevo a la dinámica musical que vertebra este álbum, su belleza melódica se mostrará con la misma luz tamizada del amanecer en un cielo nublado, permaneciendo dentro de su halo de luminosidad pero sin recibir su luz directa, conduciéndonos hasta las puertas del extraordinario tema “All Over Me”, cuya estructura instrumental volverá a sorprendernos con esta talentosa definición estructural y con esta emotiva interpretación donde el equilibrio interior y su lírica han quedado perfectamente armonizadas. “All Over Me” es misticismo, es paz espiritual, es esa sensibilidad incrementada tras el desvelo trascendente y que mira al futuro sin miedos ni condicionantes externos. Además, en la edición en CD del álbum “Empty” se han incluido dos temas como extras, siendo “I’m Nowhere” una auténtica exquisitez musical donde We Be Echo refleja su experimentado talento interpretativo con maestría. “I’m Nowhere” es una inteligente integración conceptual del obscuro post-punk estadounidense con la densidad del rock más crooner. En cambio, el tema “Rainy Season” es más impetuoso y dinámico, impulsándonos a la actividad y al movimiento gracias a este sublime plano instrumental para bajo que es una auténtica delicia escuchar. “Rainy Season” son los latidos de la vida, el constante fluir de la sangre en el cuerpo, la visión del agua como representación simbólica de la pureza espiritual, y esta esencia musical será lo que extienda el telón de clausura de este admirable trabajo artístico. “Empty”, el álbum más profundamente ecléctico, underground, y vanguardista que haya presentado el talentoso artista canadiense Kevin Thorne en toda su carrera musical como We Be Echo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

VARIOUS ARTISTS “RITUALS FROM ANCIENT EUROPE” (Ominous Sounds, febrero 2024) (Reseña / Review #2063).

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Reseña Cultural nº: 2063 // Reseña Musical nº: 1368

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista español Juan Carlos Toledo (Hiemis, Ominous Sounds) por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD de seis paneles, edición limitada de 50 unidades (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Skadi “Rites of Salvation” // 2- Electronic Death Black Dogs “Cult of the Black Cube” // 3- Ashtoreth “Cailleach” // 4- Embers Below Zero “Strzyga” // 5- Hiemis “Ataecina” // 6- Altum “Ruby Crosses” // 7- Sileni “The Latent Realm” // 8- Monotone Murk “Sanguinary Pyre Manifestations”
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Excelsa compilación musical dentro de los estilos dark ambient y ritual ambient de vanguardia

VARIOUS ARTISTS RITUALS FROM ANCIENT EUROPE

Ominous Sounds es el nuevo sello discográfico fundado por el genial artista español Juan Carlos Toledo (Hiemis), y como plataforma cultural orientada a la proyección y difusión de artistas y bandas musicales dentro de la escena dark ambient y ritual ambient. El grandioso álbum recopilatorio “Rituals From Ancient Europe” se ha convertido en su ópera prima discográfica, habiendo sido presentada oficialmente el pasado día 17 de febrero en formato digital y en esta lujosa edición limitada de 50 unidades en digipak CD de seis paneles, estando ya disponibles en la página oficial de Ominous Sounds en Bandcamp. Engalanado con este impactante diseño de trasfondo pagano, visualmente refleja esa atmósfera ritual ancestral donde lo chamánico, el ceremonial simbólico, y el entorno natural, eran un todo espiritual de carácter místico y también terrenal al estar unido a la supervivencia humana dentro de aquel entorno salvaje, buscando con ello atraer los favores de los dioses y de los entes sobrenaturales existentes sobre la faz de la tierra, e incluso del inframundo. De estética siniestra en su representación visual, cada una de las imágenes que configuran su diseño impresionará al melómano lector de Lux Atenea al observarlas atentamente, porque descubrir cada uno de sus detalles es clave para desvelar el trasfondo de su mensaje. Incluso, este CD picture es impresionante por su belleza siniestra, como pueden comprobar en las imágenes que he adjuntado en esta reseña. A nivel musical, este extraordinario recopilatorio musical ha abierto sus fronteras creativas a nivel nacional e internacional con la participación de artistas y grupos musicales de Alemania, Bélgica, Escocia, España, Malta, Polonia, Portugal, y Reino Unido. Vertebrado por ocho temas musicales, “Rituals From Ancient Europe” es una exquisita compilación que hará las delicias de los melómanos afines al arte musical de trasfondo pagano, místico, y espiritual. Sin duda alguna, un álbum de culto destinado a convertirse en una buscada pieza de coleccionista en cuanto se agote esta edición limitada, y para ser disfrutado a lo largo de los próximos años en re-audiciones convertidas en una evasión mental a esa Europa ancestral conectada espiritualmente con la Madre Naturaleza, y con la elevación del plano existencial de carácter mágico y místico.

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Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna compilación musical con el primer tema “Rites of Salvation” de Skadi, y esta tenebrosa atmósfera sonora abriendo su obscuro halo para envolvernos y sumergirnos en un entorno mágico donde las energías fluyen, transforman, purifican, e iluminan. Estos vibrantes planos musicales drone crean una cúpula sonora que fascinará al melómano lector de Lux Atenea por su magnificencia, sobre todo si lo escuchan a oscuras en mitad de la noche, abriendo la mente a estos planos musicales que evolucionarán del dark ambient en su inicio al ritual ambient en su parte final con la entrada de los instrumentos de percusión. “Rites of Salvation” es mágico, esotéricamente mágico, y los aires sonoros que se respiran poseen el encanto hierático del ceremonial. A continuación, el hechizo artístico vendrá de la mano de Electronic Death Black Dogs y su tema “Cult of the Black Cube”, teniendo a lo selénico como entorno esencial para el ritual mágico que rompe prejuicios, que desengancha de la perspectiva material y física al primar lo sagrado y lo trascendente, y precisamente este foco espiritual dirigido a lo sagrado es recreado con maestría en el ecuador de este tema mientras planos sonoros experimentales hacen su aparición para resaltar la proyección esotérica de esta composición. “Cult of the Black Cube” paraliza, luego desvela, y posteriormente quita el atrayente telón de lo material que ha venido confundiendo al ser humano desde el principio de los tiempos.

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Cuando surja el tema “Cailleach” de Ashtoreth, de la profunda oscuridad anterior pasaremos a este entorno tornasolado donde la Madre Naturaleza está presente, y precisamente este escenario es perfecto para desplegar una belleza musical de corte pagano que irá poco a poco apagando su luz según avancemos en su ceremonial. Con una estructura sonora mucho más compleja, sus atrayentes planos sonoros y coros perfilan una atmósfera chamánica que te embriaga, desplegándose esta catarsis ceremonial donde todo lo racional y lógico queda anulado ante el poder de lo sobrenatural, de lo mágico, y de la manifestación trascendente. Una comunión con lo sagrado que, en el tema “Strzyga” de Embers Below Zero, va a desaparecer completamente al quedar esta composición centrada en el protagonismo mítico de lo vampírico, y el miedo y el terror que su presencia provoca en las poblaciones con estas creencias. Por este motivo, el estilo dark ambient es ideal para recrearlo, para cubrirnos con estas oscuras brumas donde la amenaza está latente pero no se observa a simple vista, siendo la presa a atrapar de este implacable e imparable cazador nocturno unido simbólicamente a lo eterno, a lo carnalmente eterno, y al encadenamiento terrenal como inexorable maldición espiritual. Posteriormente, con lo selénico también como protagonista, en cambio, en el tema “Ataecina” de Hiemis retornaremos a los cultos ancestrales relacionados con la Madre Naturaleza. Con lo sagrado y lo femenino integrados religiosamente, el culto a esta representación de la diosa otorgaba la curación, favorecía la prosperidad (abundancia de alimentos) y el futuro (fertilidad), estableciendo un axis sagrado que unía el inframundo (donde están presentes las colosales fuerzas ctónicas terrestres) con la Luna (lo mágico, lo esotérico, y lo místico). Esta unión sagrada ha quedado recreada con maestría por Hiemis en esta composición, y es clave para poder entender su trasfondo directamente enlazado al pasado religioso que existió en la península Ibérica pre-romana. “Ataecina” es innovación conceptual oscilando en la frontera del dark ambient con la música tribal y la música contemporánea, siendo uno de los temas más experimentales y vanguardistas que encontrarán en este álbum.

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En el tema “Ruby Crosses” de Altum, lo nebuloso volverá a aparecer pero con este trasfondo sacro de fondo y la vibrante campanilla como ruptura de la realidad cotidiana, abriéndose otro espacio, otro entorno alejado de lo humano y relacionado con lo ultraterreno. Y tras cada sonido de la campanilla, una nueva apertura dimensional, una nueva profundización en lo sagrado que va alejando cada vez más al Ego de su conexión mental terrestre y acercando más al alma a su auténtica realidad. Con la entrada de estos planos sonoros fantasmagóricos, la sensación de observar lo supraterrenal irá aumentando, fascinando al melómano por su hipnótica atracción musical. Escuchar “Ruby Crosses” en mitad de la noche es impresionante, y estoy seguro que el culto lector de Lux Atenea repetirá esta experiencia varias veces antes de continuar la audición de esta compilación musical. Posteriormente, Sileni y su tema “The Latent Realm” nos sorprenderá con esta magnífica composición que sería perfecta como parte de una banda sonora cinematográfica, envolviéndonos con este avanzado estilo dark ambient de auténtico lujo destinado a sibaritas del arte musical más tenebroso. El tema “The Latent Realm” impresiona, cautiva por su constante evolución sonora, y te sorprende con la entrada de cada nuevo plano musical, a cual más siniestro e inquietante. Sin duda, una de las joyas artísticas atesoradas en este álbum. Clausurando esta excelsa edición discográfica, en el tema “Sanguinary Pyre Manifestations” de Monotone Murk, va a dominar sonoramente el drone para conducirnos al interior de este entorno débilmente iluminado como si fuera el Reino de Hades donde permanecer en espera espiritual, y con brumas lisérgicas disolviéndose en el aire. Pero no es un lugar tranquilo y pacífico, sino un auténtico infierno que irá poco a poco presentando su maléfica manifestación a través de la actividad creciente en pro del sufrimiento y de la perdición, como si fuera un poderoso agujero negro devorador de almas que, una vez entras en su radio de influencia, no hay escapatoria posible. “Rituals From Ancient Europe”, excelsa edición musical como debut discográfico del nuevo sello español Ominous Sounds. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

VARIOUS ARTISTS - RITUALS FROM ANCIENT EUROPE

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MEAT BEAT MANIFESTO & MERZBOW “EXTINCT” (Cold Spring Records, abril 2024) (Reseña / Review #2058).

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Reseña Cultural nº: 2058 // Reseña Musical nº: 1367

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- ¡FLAKKA! // 2- Burner // 3- ¡FLAKKA! (Radio Edit)
Datos técnicos: Temas musicales compuestos y grabados por Meat Beat Manifesto (Jack Dangers) y Merzbow (Masami Akita) entre los meses de noviembre de 2023 y enero de 2024
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Ecléctica Obra Maestra Musical

MEAT BEAT MANIFESTO MERZBOW EXTINCT

El próximo día 26 de abril será presentada oficialmente esta auténtica joya musical a través del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records, estando ya disponible en pre-pedido en la página oficial del sello en Bandcamp y en su webstore. El álbum “Extinct” de Meat Beat Manifesto y Merzbow será publicado en formato digital, en digipak CD, en vinilo LP 12”, y en una preciosa edición limitada de 300 unidades en LP 12” en vinilo rojo. Engalanado con este atrayente diseño artístico creado por Abby Helasdottir (Gydja), visualmente, su portada refleja el ecléctico espíritu musical que fundamenta este álbum innovador a través de una bella imagen estética donde se armoniza lo retro con lo actual, incluso hasta en el degradado cromático y en su armoniosa definición geométrica. A nivel sonoro, es impresionante comprobar cómo dos grandes genios musicales como el artista inglés Jack Dangers (Meat Beat Manifesto) y el artista japonés Masami Akita (Merzbow) han armonizado con sumo talento sus estilos musicales donde son auténticas eminencias conceptuales. En el excelso álbum “Extinct”, el melómano lector de Lux Atenea va a poder disfrutar de esta impactante vanguardia sonora en estado puro donde se funden en su base ecléctica, estilos musicales como el breakbeat, noise, e industrial, con pinceladas sonoras experimentales, high-tech ambient, y drum & bass. Todo ello, integrado con maestría en este crisol musical gracias al virtuosismo artístico desarrollado por Jack Dangers y Masami Akita que, durante los meses de noviembre de 2023 y enero de 2024, llevaron sus radiantes ideas conceptuales a su interpretación musical más contundente, precisa, e innovadora. Por este motivo, disfrutar el espectacular álbum “Extinct” es escuchar el futuro musical dentro de esta apasionante escena. Es abrir una puerta espacio-tiempo para sentir lo que en los próximos años va a inspirarse en esta magna obra musical tan avanzada. Como analista cultural y melómano, para mi es todo un honor que el sello discográfico británico Cold Spring Records me haya enviado este promocional para ser reseñado, porque su audición es hedonismo artístico iluminado con esta crème de la crème musical firmada por los ilustres Meat Beat Manifesto (Jack Dangers) y Merzbow (Masami Akita). ¡¡¡Qué lujo discográfico!!! Recomiendo reservar ya mismo la compra de su edición en vinilo en pre-pedido, siendo mucho más inmediato el pre-pedido si hacemos referencia a su exclusiva edición en vinilo rojo.

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Iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en el primer tema “¡FLAKKA!” con esta espectacular e intensa base musical, y donde el artista inglés Jack Dangers y el artista japonés Masami Akita directamente impulsan esta ecléctica composición a nivel sonoro sin concesiones. Aquí todo es creatividad y potenciación de su estructura musical de vanguardia, quedando perfectamente armonizados en lenguaje musical algunos estilos como el drum & bass, el breakbeat, y este noise no tan extremo e hiriente en su cortante presencia. Lo que más impresionará al melómano lector de Lux Atenea en su atenta audición es la sensación de fragilidad que tiene esta estructura multicapa, y que constantemente está a punto de quebrarse como si fuera el presagio de su colapso. Una atmósfera musical de vanguardia de donde emana esta acidez cosmopolita underground, como si se hubiera interpretado este tema improvisadamente en un escondido club musical del downtown a altas horas de la noche. Esa misma magia artística y conceptual es la que brilla intensamente en “¡FLAKKA!”, transformándose en un viaje musical donde el talento de Jack Dangers (Meat Beat Manifesto) y Masami Akita (Merzbow) fluye, provoca, sorprende, y abre nuevas perspectivas sonoras profundamente marcadas por el eclecticismo. Explosivamente experimental en su evolución, los veinte minutos de duración del tema “¡FLAKKA!” nos van a conducir de este potente impacto sonoro en su comienzo, que despeja cualquier prejuicio inicial por parte del melómano, a otro escenario donde la estructura entra en crisis con estos pasajes noise e industriales que cortan de forma imparable como si fuera una potente radial aplicada al metal. Posteriormente, el espectro musical se saturará, quedando este nuevo plano sonoro intermitente como alerta previa antes del colapso.

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Luego, ese mismo plano sonoro intermitente se transformará en el tempo que definirá su re-estructuración al haber quedado despejados algunos espacios dimensionales, siendo cubiertos con varios perfiles sonoros experimentales en cuyo trasfondo sigue presente este breakbeat en segundo plano. Envolviéndonos posteriormente con un áspero torbellino industrial tan agreste, los perfilamientos sonoros de corte mecánico van a dominar en esta fase de la composición hasta encerrarnos en una salvaje cúpula musical donde se respira este polvoriento aire apocalíptico, tras el cual, la entrada de capas musicales de alta frecuencia y ruidísticas desembocarán en otro escenario futurista propio del transhumanismo. Esta fase creativa de Merzbow y Meat Beat Manifesto es espectacular, y dejará profundamente impactados a los melómanos afines a la vanguardia más transgresora y adelantada a su tiempo. Cuando fugaces perfiles sonoros electrónicos den una destellante luz a esta estructura que se había vuelto muy angosta en su dimensión, de repente, todo volverá a hundirse, e inmediatamente surgirá de este vórtice otra nueva definición conceptual del tema donde planos high-tech ambient adquieren mayor protagonismo. Cubriéndonos con una espiral sonora iridiscente, en esta fase, el tema “¡FLAKKA!” quedará más plano, más monolítico, y más pesado en su desarrollo, y ni la entrada de afiladas capas noise e industriales van a afectar a esta colosal columna en su potente y expansiva estabilidad. Cuando su ecléctica estructura musical haya alcanzado una estabilidad asombrosa en su mutable esencia, el epílogo sonoro de este tema se encontrará ya muy cerca.

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A continuación, el tema “Burner” aparecerá con el inconfundible estilo noise de Masami Akita en un primer plano, abarcando y devorándolo todo con una voracidad atroz. El breakbeat definido por Jack Dangers va a quedar como tempo en esta salvaje estructura que arrasa con todo, orquestando esta brutal sinfonía de devastación que hará las delicias de los melómanos afines a las corrientes musicales de corte post-apocalíptico. Como una gigante apisonadora destruyendo y aplanando todo a su paso, “Burner” lanza destellos sonoros experimentales tan espectaculares como los rayos de una tormenta que parecen quebrar el cielo. Aquí, Merzbow vuelve a hacer otra demostración de su liderazgo conceptual dentro de la escena noise, pero “Burner” es más experimental, transmitiendo ese impulso pionero que abre nuevas fronteras conceptuales al incorporar lo ecléctico. Cuando el impulso sonoro llegue a su cenit, poco a poco irá decayendo su energía y su expansión dominante en este entorno, quedando la entrada de esta afilada capa sonora noise como desgarramiento inexorable de la estructura musical que lo debilitará, entrando en decadencia. Tras su explosión, los roles musicales se van a invertir, realzándose el potente breakbeat de Meat Beat Manifesto que avanzará con este pesado caminar sonoro tan siniestramente impactante. Pinceladas sonoras electrónicas recrearán ese tacto musical de la estática flotando en el aire, revelando detalles sonoros en su estructura que fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea más hedonistas. Incluso, en la fase final de esta composición va a quedar recreada la desaparición del voraz fuego con la llegada de esta lluvia sonora como si fueran gotas de agua cayendo. ¡¡¡Impresionante!!! Posteriormente, el tema “¡FLAKKA! (Radio Edit)” clausurará este álbum con una versión del tema original pero de menor duración (cinco minutos respecto a veinte del original). En su definición se ha tratado de condensar la esencia conceptual mientras su desarrollo pierde en definición y detalle, y gana en tensión e impulso. Con colapsos y re-estructuraciones musicales más fluidas, “¡FLAKKA! (Radio Edit)” acelerará su despliegue conceptual sin dejar de destellar su espectaculares definiciones conceptuales de vanguardia, pero si escuchan y disfrutan el tema original, en comparación, esta versión se va a quedar un tanto floja en cuanto al alma experimental que lo fundamenta. “Extinct”, cuando el virtuoso talento musical de Jack Dangers (Meat Beat Manifesto) y Masami Akita (Merzbow) es capaz de crear esta ecléctica obra maestra de vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

BLACK NAIL CABARET “CHRYSANTHEMUM” (Dependent Records, marzo 2024) (Reseña / Review #2049).

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Reseña Cultural nº: 2049 // Reseña Musical nº: 1366

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a Gary Levermore por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- My Home Is Empty // 2- Autogenic // 3- Totem and Taboo // 4- Never Enough // 5- Neurons // 6- 1mg // 7- Darkness Is a Friend // 8- Godspeed // 9- Roadtrip // 10- Teach Me How to Techno // 11- The Faceless Boy
Datos técnicos: Temas musicales mezclados por Krisztián Arvai; álbum masterizado por Sándor Számvéber en Six Doors Studio (Tatabánya, Hungría)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- My Home Is Empty // 2- Autogenic // 3- Totem and Taboo // 4- Never Enough // 6- 1mg // 8- Godspeed // 10- Teach Me How to Techno

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El próximo día 1 de marzo será presentado oficialmente el nuevo álbum “Chrysanthemum” del dúo musical húngaro Black Nail Cabaret. Vertebrado por once temas, “Chrysanthemum” es una brillante y colosal muestra de talento musical desplegada en este grandioso álbum firmado por Emese Árvai-Illés (vocalista) y Krisztián Árvai (teclados y programaciones). Englobado conceptualmente dentro de los estilos dark electro y pop noir, con su nueva obra “Chrysanthemum” vuelven a situar a Black Nail Cabaret dentro de la escena musical europea más vanguardista en la actualidad. Como analista cultural, estoy siguiendo la carrera musical de estos dos artistas húngaros desde que publiqué la reseña de su EP EMKE “Two” (leer reseña) y, sin duda alguna, como Black Nail Cabaret, “Chrysanthemum” es su álbum más espectacular, más experimental, y conceptualmente más avanzado con diferencia. Un impresionante salto de calidad artística cuya fascinante profundidad en su perspectiva musical, estoy seguro que cautivará a los melómanos lectores de Lux Atenea que lo adquieran. Publicado a través del prestigioso sello discográfico alemán Dependent Records en formato digital, en una preciosa edición deluxe en libro 2CD de 36 páginas (incluyendo los temas extras “Remains of a Star Gone Supernova”, “The Killing”, “Weeding” y “Autogenic (Die Arkitekt Remix)”), en una edición limitada de 200 unidades en vinilo blanco LP 12”, y en una edición en vinilo LP 12”, se encuentran disponibles ya en pre-pedido a través de la página oficial de Black Nail Cabaret en Bandcamp y en la webstore de Dependent Records.

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El álbum “Chrysanthemum” ha sido engalanado con esta siniestra portada diseñada por Richard Besenczi con fotografía de Dóri Hrisztu-Pazonyi, y cuya obscura belleza refleja esa estética mortuoria decimonónica muy cercana conceptualmente al Prerrafaelismo pictórico. La presencia de estas flores de crisantemo en la boca hace que emane simbólicamente el final de la vida y la entrada en la eternidad. El cuerpo ya no respira, y el alma se encamina hacia lo eterno. Incluso su delicada estética visual adquiere cualidades propias de la percepción de armonía que caracteriza al espíritu zen japonés, transmitiendo ese equilibrio espiritual unido a lo supraterrenal cuando lo vital ha desaparecido. Sin duda alguna, esta portada del álbum es una auténtica obra de arte. A nivel musical, en este nuevo álbum de Black Nail Cabaret, Emese Árvai-Illés y Krisztián Árvai arriesgan y experimentan conceptualmente en la composición musical prácticamente en todos estos temas, y encuentro a su extraordinaria vocalista Emese Árvai-Illés con una mayor amplitud y versatilidad en su registro de voz, desplegando una pasión en la interpretación lírica que te envuelve y te sorprende con sus cambios de estilo, desarrollando incluso algunos embriagadores despliegues vocales propios del dark cabaret más seductor. En este caso, más siniestramente seductor. Por este motivo, “Chrysanthemum” es un álbum que atesora en su interior temas musicales que seguirán escuchando y disfrutando a lo largo de los próximos años, porque su encanto artístico es obscuramente hipnótico y vitalista. Una mirada a los ojos de la Dama Muerte mientras se danza existencialmente en esta vida amarga y dulce.

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Iniciamos la audición de esta magna obra adentrándonos en el primer tema “My Home Is Empty” con esta maravillosa apertura sonora como antesala de la melodiosa voz de Emese Árvai-Illés. ¡¡¡Qué delicia!!! Seguiremos avanzando en esta canción hasta perfumarnos con su atmósfera reflexiva, mientras su trasfondo musical va haciéndose más complejo y fascinante como la entrada en una densa nebulosa de luz difusa. ¡¡¡“My Home Is Empty”, espectacular!!! A continuación, el tema “Autogenic” presentará esta lírica profunda escrita por Emese Árvai-Illés, y nadie mejor que ella para dar alma a estas preciosas palabras llenas de claroscuros hacia la luz. De avanzado concepto musical, “Autogenic” tiene esta atmósfera selénica de reafirmación del individuo con destellos de luz libres de interferencias morales, dejándote llevar por esta innovadora definición sonora dark electro. El presente gris dejado atrás, ilusiones teñidas de color, la sonrisa de quien se va quitando las cadenas en su devenir existencial, “Autogenic” es un tema musical que tiene que sonar mágico en mitad de la noche en la pista de baile de un electroclub. Todo un lujo artístico para la sesión musical de un DJ que desee destacar por su avanzada mirada dentro de esta escena. Dos temas, dos joyas musicales interpretadas con maestría por Black Nail Cabaret, y el tema “Totem and Taboo” aparecerá para envolvernos con esta sedosa languidez nocturna que seduce, que acaricia, y cuyas uñas dejarán marca para señalar para siempre todo aquello que pasó por sus manos. Como los cultos lectores de Lux Atenea podrán sentir, el tema “Totem and Taboo” tiene ese excitante halo fetichista que incita al sado y a la dominación, quedando la mente absolutamente condicionada por el deseo, por el éxtasis, y por la transgresión de los propios límites. ¡¡¡“Totem and Taboo”, banda sonora de la atracción, del placer extremo, y de la petite mort!!!

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La estructura sonora experimental del tema “Never Enough” nos llevará a este escenario de corte futurista donde la angustia existencial trata de ser aplacada a través del intercambio, de vivir nuevas experiencias, y de la ruptura de lo cotidiano por su insatisfactorio poso vital. “Never Enough” es el grito del cambio, la necesidad imperiosa de respirar otros aires que revitalicen. Mucho más tenso y cortante aparecerá el tema “Neurons”, de nuevo, con otra estructura musical experimental para romper cualquier idea preconcebida que pueda tener el melómano lector de Lux Atenea durante esta audición. Posesiva como una mordedura, “Neurons” es transgresor, es provocador, es opresivo, saturando los espacios hasta impregnarlo todo con estos destellantes planos sonoros electrónicos. En una pista de baile a altas horas de la noche y con un buen despliegue de luces, “Neurons” tiene que sonar brutal. Luego, “1mg” será la entrada a esta oquedad obscura e inquietante que se transformará en un hipnótico caleidoscopio que deformará la realidad, alterará las dimensiones, y confundirá a la mente con su magnética psicodelia. Cuando en el ecuador de esta canción todo se magnifique a nivel musical hasta hacerse mágicamente solemne, “1mg” va a adquirir ese lado mefistofélico que acaricia la mano para atraparla firmemente, conduciendo a la perdición. Posteriormente, el Decadentismo existencial del tema “Darkness Is a Friend” nos atraerá con la misma pasión del ilustre maestro de la literatura decimonónica Charles Baudelaire en “Las Flores Del Mal” (leer reseña). Curiosamente, “Darkness Is a Friend” es el tema con más luz de este álbum, además de presentar esta estructura conceptual propia del darkwave, pero con Black Nail Cabaret añadiendo su pincelada experimental a esta composición convertida ya en uno de sus singles.

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Ecos en este entorno sonoro minimalista abrirán las puertas del tema “Godspeed”, cambiando completamente la atmósfera musical anterior. Retornando a estructuras musicales electrónicas experimentales que fascinarán a los melómanos afines a la vanguardia, “Godspeed” ralentiza el tempo para cubrir esta maravillosa interpretación vocal de Emese Árvai-Illés. Su audición transmite el hedonismo de una copa de vino servido de una botella añejada con mimo a lo largo de los años, y cada vez que este vino es degustado pacientemente, se siente su complejidad y sus matices que lo hacen único. Así de profundo en su concepto musical se presentará “Godspeed” con esta definición y desarrollo, convirtiéndose en la obscura guinda de este delicioso pastel existencial llamado “Chrysanthemum”. ¡¡¡“Godspeed”, excelsa joya musical!!! Desembocando en el tema “Roadtrip”, seremos arrastrados por esta imparable corriente que nos conducirá hasta la atrayente intensidad musical de la canción “Teach Me How to Techno”, destellante, luminosa, posesiva, estimulante, y que impulsa a la expansión mental. “Teach Me How to Techno” es dejar a nuestro espíritu engrandecerse, irradiando nuestra mente con la alegría de lo desenfadado. Una desinhibición vital tan necesaria para desconectar del aburrimiento existencial de lo cotidiano, aportando ese éxtasis pasional que sonríe a lo deseado. Sin duda alguna, “Teach Me How to Techno” es un extraordinario tema para ser disfrutado en un electroclub. Clausurando esta espectacular obra musical, el tema “The Faceless Boy” volverá a reflejar el espíritu creativo experimental de este dúo húngaro con esta estructura musical sostenida con dos columnas en su inicio. Posteriormente, con la misma magia emocional de ese pasado revivido en el presente, todo quedará impregnado con esta fragante melancolía que condiciona la mente, llevándola a vivir imágenes que ya no tienen sentido ni lugar en el presente. “Chrysanthemum”, con este grandioso álbum, Black Nail Cabaret demuestran con absoluta contundencia artística que están en su momento musical más esplendoroso a nivel creativo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

BLACK NAIL CABARET - CHRYSANTHEMUM

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

HIEMIS “MALLEUS MALEFICARUM” (Noctivagant, diciembre 2023) (Reseña / Review #2041).

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Reseña Cultural nº: 2041 // Reseña Musical nº: 1365
Quiero dar las gracias a Hiemis por su cortesía al enviarme este promocional.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Quod Maledictum // 2- Eternus Ignis // 3- Mali Spiritus // 4- Incubi et Succubi // 5- Foedus // 6- Invocatio ad Daemonium // 7- Fidem // 8- Iuramentum // 9- Confessio
Datos técnicos: Temas musicales compuestos entre los meses de mayo y septiembre de 2023; álbum producido por Hiemis
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena dark ambient

HIEMIS MALLEUS MALEFICARUM

A finales del mes de diciembre del año 2023 fue presentado oficialmente el nuevo álbum de Hiemis titulado “Malleus Maleficarum”. Publicado por el prestigioso sello discográfico estadounidense Noctivagant en formato digital y en una edición limitada de 100 unidades en ecopak CD, “Malleus Maleficarum” ha sido engalanado con este siniestro diseño de portada para representar simbólicamente la presencia del diablo, y su culto ceremonial donde la naturaleza adquiere importancia ritual. Vertebrado por nueve temas musicales, el genial artista español Juan Carlos Toledo, alma máter de Hiemis, se ha basado en el libro homónimo como fuente de inspiración para su lírica y para la definición sonora de estas estructuras musicales englobadas conceptualmente dentro del estilo dark ambient. En Europa, tras el comienzo de su publicación a finales del siglo XV, “Malleus Maleficarum” se convirtió en el tratado fundamental utilizado en los procesos abiertos por católicos y protestantes en su caza de brujas. Un manual que supuestamente desvelaba la existencia de la brujería, de las brujas, y del culto al Diablo, además de legitimar el uso de la tortura para que las personas acusadas de culto al Diablo y de practicar la brujería lo confesaran. En el fondo, un eficaz método de expansión del miedo y de la sospecha en la población, teniendo a la jerarquía religiosa y sus inquisidores como observadores y como ejecutores de castigos para los señalados como culpables, o sea, chivos expiatorios de cara a la sociedad cuya eliminación supuestamente iba a librar a la población de los males padecidos y de la nefasta influencia del Diablo. Una forma de asegurarse el poder desviando la atención social de los abusos y de los despóticos actos realizados por los líderes religiosos en la sociedad. En definitiva, siglos de torturas y de condenas a la hoguera convertidas en la siniestra tinta con la cual se publicó “Malleus Maleficarum”. Posteriormente, con la llegada de la Ilustración comenzaría el inicio de la decadencia del control religioso de la sociedad en Occidente, eclosionando definitivamente en el laicismo de la sociedad moderna hasta nuestros días.

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Sin más demora, iniciamos la audición de esta magnífica obra musical adentrándonos en el primer tema “Quod Maledictum” donde la inquietante presencia del sonido de las moscas recrea la presencia de Belcebú. Posteriormente, este estilo dark ambient conceptualmente muy avanzado nos llevará directos a un entorno minimalista en su dimensión espacial, pero absolutamente tenebroso en su estructura sonora. Todo ello verá amplificado su impacto con los diferentes sonidos de las bestias que se escuchan en este escenario nebuloso y obscuro, desapareciendo con la entrada solemne de este plano musical melódico que impresionará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la belleza sonora más gótica. Cuando todo vibre anticipando la inminente presencia de lo demoníaco, será en el tema “Eternus Ignis” donde el dark ambient presentará su magnificencia sonora hasta transformar este satánico hieratismo en decadente ceremonial. La entrada de afilados planos sonoros de agudas frecuencias abrirán los espacios para dar paso a esta procesión del dolor, quedando todo bajo la omnipresencia de esta lírica basada en los textos del libro “Malleus Maleficarum”. “Eternus Ignis” es una composición colosal en su perfilamiento sonoro, proyectando esta solemnidad de ultratumba que sobrecoge por su diabólico abrazo propio del abismo. Llevándonos hasta las puertas del tema “Mali Spiritus”, aparentemente todo se ha calmado, pero la presencia del sonido del agua refleja la siniestra bajada al infierno como camino que ha de recorrerse en las entrañas de la tierra. Aquí la ambientación de lo subterráneo hiela la sangre, y cuando los primeros planos sonoros cargados de drama y dolor aparezcan, la presencia de la Bestia provocará el terror en el alma.

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La composición “Incubi et Succubi” llevará al melómano lector de Lux Atenea a otra dimensión conceptual dentro de este estilo dark ambient de vanguardia, quedando muy bien definidos varios planos musicales hasta envolvernos completamente con este escenario tridimensional. Cromatismos sonoros extremos aparecerán para presentar este virtuoso eclecticismo que corta el aire, aumentando la angustia con la entrada de esta lírica cuyo registro vocal amplificará su atmósfera terrible. Luego, incluso estos cromatismos sonoros cristalinos no relajarán la tensión que se siente, reafirmándose con estas diabólicas voces situadas en un segundo plano. A continuación, el tema “Foedus” seguirá ahondando en esta bajada a las catacumbas de la perdición con una de las estructuras musicales más excelsas que haya escuchado en los últimos años dentro de esta escena dark ambient. Hiemis sitúa conceptualmente a “Foedus” en la frontera del dark ambient con lo experimental, adentrándose fugazmente en escenarios minimalistas que se difuminan tan rápido como entran en esta estructura musical irresistiblemente bella en su trasfondo siniestro. “Foedus” es una composición que, interpretada en un Palacio de la Música, dejaría profundamente impresionados a los melómanos asistentes afines a la música contemporánea. La presencia de los cuervos en su parte final no hará más que invitarnos a varias audiciones más antes de sumergirnos en la solemne nocturnidad de “Invocatio ad Daemonium”. Absolutamente tenebrosa y diabólica, esta composición perturbará la mente del melómano prácticamente desde su inicio, y cuando el plano lírico situado en un primer plano domine este escenario con su ritual, la sensación de estar ante la poderosa presencia de lo supraterrenal en su lado más maléfico nos conducirá inexorablemente a la contemplación hasta casi desembocar en la parálisis vital. “Invocatio ad Daemonium” lleva al estilo dark ambient a su definición sonora más obscura, y ni siquiera la entrada de pasajes sonoros extremos cargados de dolor y sufrimiento cambiará la densidad de esta atmósfera irrespirable.

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En su inicio, el tema “Fidem” presentará planos sonoros propios del ritual ambient, pero la entrada de estas colosales columnas sonoras vibrando con todo su poder harán que toda la estructura musical desemboque en el dark ambient más siniestro y nihilista en este gélido escenario. La entrada del agua como elemento salvífico dará un poco de luz espiritual a este entorno tan desolador, manteniéndose un vibrante plano sonoro como base principal de la estructura musical para hacer presente el fin de lo diabólico. Pero el cambio será lento ante las poderosas fuerzas que se le oponen, y el tema “Iuramentum” será una fase más que se presentará para ahondar en ese desvelo de lo tenebroso que ha de llevar a la salvación. Aquí, la ausencia de luz es sobrecogedora, y hasta la entrada de planos sonoros cristalinos no rompe esta terrorífica nebulosa. Es como si la luz perdiera intensidad en este escenario según va avanzando en el aire, quedando reflejada la potente energía obscura que ha creado este mundo. Pero “Iuramentum” suena a declive, a esa grieta que lentamente no deja de crecer, y el tema “Confessio” clausurará esta magna obra musical con la presencia del Mal manifestando su inquietud. Con el agua purificando aquello que toca, la apertura a la luz aparecerá con este espectacular plano sonoro melódico, y con este plano lírico cuya languidez es perfecta para recrear la progresiva degradación de lo demoníaco que dará paso a lo celestial. ¡¡¡“Confessio”, impresionante tema!!! “Malleus Maleficarum”, un excelso álbum musical tan avanzado que Hiemis ha llevado al estilo dark ambient a nuevas fronteras conceptuales de vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

HIEMIS - MALLEUS MALEFICARUM

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.