Reseña Cultural nº: 405 // Reseña Musical nº: 347

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 28 de agosto del año 2016 en Ouroboros Webzine.

Quiero dar las gracias a MARCEL P. por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Mayo 2016
Sello discográfico: PANICMACHINE
Tracklist: 1- Tonttu «Gnostradamus Ja Tonttuteknologian» // 2- Tonttu «Palava Rakkaus» // 3- Fahl «Prologue – Something Is Creeping Up» // 4- Fahl «They Are Everywhere. And Sneaky.» // 5- Fahl «Getting Closer And Closer» // Fahl «We Are Done For. And They Have A Plan.» // 7- Fahl «The End: All The Darkness In The World…» // 8- P. Emerson Williams «Malleus Gnomeficarum»
Artistas: Tonttu, Fahl, P. Emerson Williams
Trabajo musical: Tonttu, Fahl (Dimo Dimov y Marcel P.) y P. Emerson Williams
Trabajo artístico: Peter Emerson Williams
Datos técnicos: Producido en 2015 por Marcel P. en the Dungeon Studio (Renania); masterizado por Rudolf Von Deer en VonDerLabs
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Tonttu «Palava Rakkaus» // 3- Fahl «Prologue – Something Is Creeping Up» // 4- Fahl «They Are Everywhere. And Sneaky.» // 7- Fahl «The End: All The Darkness In The World…» // 8- P. Emerson Williams «Malleus Gnomeficarum»

¡¡¡Qué impresionante es el álbum ‎”The Decline And Fall Of The Gnomen Empire”!!! Sus talentosos autores, Tonttu, el grupo Fahl (Dimo Dimov y Marcel P.) y P. Emerson Williams, me han sorprendido por esta creativa e inagotable paleta de colores sonoros, por su amplia demostración de cromatismos musicales tan generosa que hace que el melómano alcance la plácida embriaguez emocional, y es que si hay una definición que encaja perfectamente con el espíritu musical que transmite este nuevo trabajo musical es la pureza de su eclecticismo conceptual y artístico. Publicado oficialmente el pasado mes de mayo en formato digital y en CD a través del prestigioso sello discográfico londinense Panicmachine, el álbum ‎”The Decline And Fall Of The Gnomen Empire” viene engalanado con un espectacular diseño artístico a cargo del propio Peter Emerson Williams, mostrando en la estética feérica de la imagen de su portada, una tensión que es transmitida visualmente a través de los duros y exacerbados gestos del gnomo violinista en primer plano, en contraste absoluto con la presencia de sus semejantes que lo observan desde el fondo manteniendo la distancia. Además, el uso de tonos ocres más o menos obscuros armoniza y une estéticamente a este álbum con las nuevas corrientes estéticas dark y non-mainstream que están evolucionando y marcando el camino dentro de esta escena musical en la segunda década del siglo XXI. Tras su atenta escucha y análisis, observo en este admirable trabajo de Tonttu, Fahl y P. Emerson Williams, ese espíritu ecléctico e innovador como muestra clara de la libertad que han tenido estos geniales artistas para definir musicalmente cada uno de los ocho temas que vertebran el álbum ‎”The Decline And Fall Of The Gnomen Empire”.

Iniciamos su audición con el tema de Tonttu titulado «Gnostradamus Ja Tonttuteknologian», siendo la muestra sonora perfecta de esta fusión de estilos musicales en una composición, como así podrán comprobarlo los melómanos lectores de Lux Atenea con este melódico comienzo neoclásico que irá incorporando elementos folk, para luego derivar repentinamente hacia la impactante potencia musical del metal, retornando de nuevo a su atmósfera neoclásica inicial en un ciclo sonoro que irá repitiéndose a lo largo de esta extensa composición de más de trece minutos. De «Gnostradamus Ja Tonttuteknologian» quisiera destacar la magnífica recreación sonora gnómica que presenta su vocalista, ofreciendo estos detalles en su interpretación hasta transmitir el extremismo y la pérdida de cordura del peculiar Gnostradamus que protagoniza este tema. A continuación, Tonttu les fascinará con la belleza de «Palava Rakkaus» mediante esta delicadeza melódica que evoca tiempos ancestrales olvidados en el pasado mítico, para luego volver a sorprendernos con otro cambio musical brusco del neofolk al estilo fusión gracias a la incorporación instrumental del saxofón. El grupo Fahl nos acompañará en los próximos cinco temas, siendo «Prologue – Something Is Creeping Up» el comienzo de esta inmersión a través de esplendorosos espacios musicales ambient que dulcemente nos llevarán a las puertas de «They Are Everywhere. And Sneaky.», mucho más sensorial y experimental en su decoración instrumental ya que esta composición se encuentra conceptualmente cercana al minimalismo y a la música contemporánea, quedando «Getting Closer And Closer» como proyección sonora y vocal del universo psíquico relacionado con la implacable angustia interior que conduce al pánico. «We Are Done For. And They Have A Plan.» prolongará ese espacio dimensional hasta la llegada del tema «The End: All The Darkness In The World…», donde el dark-ambient da soporte artístico a esta composición tan cautivadora. Pero la extensión del telón de clausura llegará con el tema de P. Emerson Williams titulado «Malleus Gnomeficarum», pero en vez de ser “el martillo de las brujas” será “el martillo de los gnomos” en este ingenioso juego de palabras, transformando el apocalipsis de su mundo en lenguaje musical a través de las texturas vanguardistas que ofrecen los sampler, las pinceladas ocasionales con sonidos instrumentales, la difuminación melódica, o la recreación orgánica de presencias indefinidas situadas en varios planos estructurales a lo largo de más de veinte minutos. “The Decline And Fall Of The Gnomen Empire”, un grandioso álbum para sentir la innovación musical más vibrante y arriesgada dentro de esta escena en la actualidad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 404 // Reseña Musical nº: 346

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Reseña actualizada. Publicada el 30 de agosto del año 2016 en Ouroboros Webzine.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico griego PLUS TIMBRE por su cortesía al enviarme este promocional

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Agosto 2016
Sello discográfico: PLUS TIMBRE
Código de referencia: PT038
Tracklist: 1- Aloof // 2- Regret That // 3- Micro-Macro // 4- Aphasia
Artistas: Giorgio Distante (trompeta), Jack D’Amico (piano) y Walter Forestiere (batería)
Trabajo musical: Giorgio Distante, Jack D’Amico y Walter Forestiere
Trabajo artístico: Jack D’Amico (fotografía de portada)
Datos técnicos: Grabado, mezclado y masterizado en el mes de diciembre de 2015 por Stefano Manca en Sudestudio (Lecce, Italia)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Aloof // 3- Micro-Macro // 4- Aphasia

Anteayer, 28 de agosto de 2016, a través del prestigioso sello discográfico griego PLUS TIMBRE fue presentado oficialmente el impresionante álbum de Giorgio Distante, Jack D’Amico y Walter Forestiere titulado “Aphasia”, habiendo sido editado en formato digital de libre descarga en su página web oficial en Bandcamp. Engalanado con una bella portada de reflejos cosmopolitas presidida por esta fascinante fotografía tomada por Jack D’Amico, contemplándola detenidamente uno tiene la sensación de movimiento, de realidad urbana y de esencia vital posmoderna a pesar de que el blanco y negro ofrezca ese toque retro a esta instantánea fotográfica de lo cotidiano en la gran urbe. Una cercanía existencial a través de lo visual que el melómano lector de Lux Atenea podrá sentir musicalmente en cada uno de los cuatro temas que vertebran este extraordinario álbum, encontrando en estas fascinantes composiciones esa búsqueda de la autenticidad en la música jazz y experimental de vanguardia gracias a la impecable interpretación instrumental en vivo durante su grabación, ya que cada una de ellas ha sido registrada sin decoración técnica alguna. Talento interpretativo, magia sonora y virtuosismo musical irradiando al melómano, haciéndole disfrutar de una apasionante experiencia artística ya sea en las calles de su ciudad impulsado por la vibrante vitalidad que transmiten estos temas, o en la serenidad del propio hogar donde estas composiciones darán ese ambiente nihilista y posmoderno en perfecto equilibrio con el sentir individualista de la vida. Gracias al firme apoyo que sellos discográficos de la categoría de PLUS TIMBRE están ofreciendo a la obra musical de geniales artistas como Giorgio Distante, Jack D’Amico y Walter Forestiere, podemos adentrarnos en este universo sonoro experimental de primer nivel.

Como analista cultural, hoy más que nunca quiero valorar y resaltar el admirable trabajo de estas compañías discográficas dentro de la escena non-mainstream, ya sean por sus ediciones físicas o digitales, porque el reto y el mérito cultural vienen dados por su apuesta inamovible por las corrientes de vanguardia siempre tan arriesgadas. En el caso del magnífico álbum “Aphasia”, después de su atenta escucha y análisis creo que es una apuesta segura debido a la extraordinaria calidad de sus temas, como así podrán confirmarlo y disfrutarlo en cuanto el tema “Aloof” empiece a latir con la sonoridad del entorno tecnológico cobrando vida, iluminando el mundo con sus melodiosas danzas mientras los pasajes musicales para trompeta ponen este perfil humano a la soledad, la contundente presencia de la batería nos describe este mundo agreste para el débil perdido en la jungla urbana, y el conjunto musical global queda firmemente armonizado con la presencia psicodélica del teclado en su trasfondo. “Aloof”, durante veinticuatro minutos, logra identificarnos plenamente con el mundo aquí recreado, haciendo que transformación, evolución y belleza sean sinónimos de arte innovador marcado con el sello personal de Giorgio Distante, Jack D’Amico y Walter Forestiere, transmutándose de la música experimental al jazz prácticamente sin darnos cuenta. Pero, en “Aphasia”, cada composición es un universo único e irrepetible, y, por este motivo, cuando el impresionante tema “Regret That” abra su grandeza conceptual a nuestro espíritu, la oscuridad sonora presentará caracteres instrumentales y sonoros de vanguardia cercanos a la desestructuración del minimalismo experimental. Una atmósfera cargada de inquietud donde el piano es la pieza clave de este mensaje psíquico perfumado con los ácidos aires del desasosiego. Mucho más intimista aparecerá la excelsa composición “Micro-Macro”, con la trompeta como elemento melódico esencial de su columna estructural vertical donde el piano es la base, y la trompeta lo etéreo que asciende y desciende a distintos planos de la realidad sin que el sentido de su existencia se vea alterado en lo más mínimo. Como colofón, el tema homónimo del álbum nos sumergirá en ese estado del individuo donde la presencia de la carencia en la comunicación lleva su sentir al extremo, al límite, al abismo interior, o a dar ese salto a otro plano de consciencia desde donde tal vez no regrese nunca. Y es que la composición “Aphasia” tiene ese punto tenebroso, ese toque psíquicamente siniestro que hará las delicias de nuestros melómanos lectores que así lo percibirán tras su desvelo conceptual. “Aphasia”, cuando la música experimental es sentida como hedonismo artístico puro. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 403 // Reseña Musical nº: 345

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Reseña actualizada. Publicada el 6 de septiembre del año 2016 en Ouroboros Webzine.

Quiero dar las gracias a la artista estadounidense NADI COMO por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Julio 2016
Sello discográfico: AUTOEDITADO
Tracklist: 1- The Traveler’s Code // 2- The Calling // 3- AnitX // 4- Shed My Layers // 5- What Do You Want From Me? // 6- We Laugh and Kick // 7- Running Up That Hill // 8- These Lips Launch Ships
Artistas: Nadi Como
Trabajo musical: Nadi Como
Trabajo artístico: Nadi Como
Datos técnicos: Grabado en el mes de mayo de 2016 por Nadi Como en la ciudad de Sacramento (California, Estados Unidos de América)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Excelso álbum

Los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena dark quedarán inexorablemente embrujados en cuanto escuchen el apasionante álbum “Sugar Ashes”, donde podrán respirar intensamente estos nuevos aires artísticos de ecléctica vanguardia que están naciendo últimamente en los Estados Unidos de América gracias a grandiosos artistas como Nadi Como. Una renovación conceptual acariciada con pinceladas góticas de siniestra belleza, y por embellecimientos sonoros aristocráticamente barrocos, que convierten a la artista estadounidense Nadi Como en una de las revelaciones musicales del año 2016 tras la publicación oficial de este extraordinario álbum el pasado 19 de julio. Autoeditado en formato digital, “Sugar Ashes” viene engalanado con una resplandeciente y elegante portada diseñada por también por Nadi Como, donde la intensidad cromática, la calidez de sus tonos, y la armonía que transmiten sus evanescentes líneas difusas quedan inteligente y simbólicamente lacradas con el círculo como sello inconfundible del artista creador. Ideas musicales, inspiraciones melódicas construidas con la independencia artística que ofrece lo ecléctico, y sentimientos profundos llevados al lenguaje lírico y sonoro que, en manos de Nadi Como, adquieren una belleza poliédrica que abarca desde estilos como el ethereal o el dark-ambient, pasando por el dark-electro, pasajes electrónicos experimentales, obscuridad gótica, exquisitez instrumental neoclásica…

Un universo musical llamado “Sugar Ashes” que, vertebrado por ocho temas, abrirá sus espacios sensoriales en cuanto el tema “The Traveler’s Code” nos sumerja en esta etérea fantasía ambient donde el preciosismo musical es sedosamente exquisito, para luego pasar a un cambio rotundo en su plano conceptual con la hipnótica canción “The Calling” donde las sutiles pinceladas neoclásicas nos seducen, mientras la lírica magníficamente interpretada por Nadi Como nos va abrazando y atrapando con su siniestra red. Pero el eclecticismo es el sello artístico del excelente álbum “Sugar Ashes”, y “AnitX” será una nueva muestra del talento de esta artista para aumentar los tonos melódicos dentro del cromatismo musical evanescente, desembocando en la ansiedad pasional de “Shed My Layers” que, bajo la luz de la introspectiva existencial, radiará nuestra alma con estos reflejos de trascendencia universal llevados al culto ritual del ideal. Una magia vital que permanecerá latente en el impresionante tema “What Do You Want From Me?”, convirtiendo sus arenas iridiscentes en rayos de esperanza puntualmente teñidos con la obscuridad ocre de la desesperanza. La canción “We Laugh and Kick” será otra nueva delicatessen musical donde el dark-electro será el protagonista conceptual de esta elegante composición de vanguardia, como si el futurismo y el art nouveau hubieran renacido en esta segunda década del siglo XXI manifestándose a través del lenguaje musical, para luego aparecer esta admirable y extraordinaria versión neoclásica del mítico tema de Kate Bush “Running Up That Hill” que, bajo la mirada creativa de Nadi Como, ve aumentada su intensidad espiritual gracias al melódico sonido del violonchelo apoyado firmemente en este cadente piano. Con el telón de clausura empezando a extender su obscuridad en este impresionante trabajo musical, será la atmosférica superposición de planos melódicos en “These Lips Launch Ships” los que se terminen integrando armoniosamente en nuestro interior hasta la llegada del silencio final, nunca deseado ante tanta belleza artística aquí atesorada. Como analista musical, uno no puede más que quitarse el sombrero y decir con la honesta admiración de un melómano… ¡¡¡Chapeau, Nadi Como!!! “Sugar Ashes”, con la publicación de este excelso álbum, de nuevo California vuelve a sumar más talento artístico e innovación en esta segunda década del siglo XXI hasta convertirse en el buque insignia de los Estados Unidos de América en su retorno a la vanguardia musical dentro de la escena dark. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 402 // Reseña Musical nº: 344

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Reseña actualizada. Publicada el 7 de septiembre del año 2016 en Ouroboros Webzine.

Quiero dar las gracias a la artista ALEXANDRA ATNIF por su cortesía al enviarme este promocional

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Abril 2016
Sello discográfico: DETROIT UNDERGROUND
Código de referencia: DU-LAB8
Tracklist: 1- Gravity Waves // 2- Ephemeral Moments Of Mental Clarity // 3- Undeciphered Distress Signal // 4- Staring Though A Broken Mirror // 5- I.W.R.W.I.W.13. // 6- Supersymmetry // 7- Touched By Leather Gloves
Artistas: Alexandra Atnif
Trabajo musical: Alexandra Atnif
Trabajo artístico: Monochrome Laboratory
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Gravity Waves // 3- Undeciphered Distress Signal // 4- Staring Though A Broken Mirror

En esta segunda década del siglo XXI tan apasionante, como analista musical non-mainstream puedo afirmar con rotundidad que la escena musical electro-experimental sigue siendo una fuente de placer sonoro inagotable al manar incesantemente nuevos álbumes que se caracterizan por su constante innovación conceptual. Un ejemplo claro y contundente de este espíritu creativo es el impresionante álbum “Supersymmetry” de Alexandra Atnif, presentado oficialmente en cassette y en formato digital a finales del pasado mes de abril a través del prestigioso colectivo artístico multidisciplinar estadounidense Detroit Underground. Engalanado con una bella portada urbana y cosmopolita creada por Monochrome Laboratory, este diseño es perfecto como carta de presentación visual de los aires de vanguardia musical electrónica que perfilan cada uno de los siete temas que vertebran este álbum. Y es que la pasión por la innovación musical, y por los edificios modernos y posmodernos que presenta este admirable trabajo de Alexandra Atnif, ha quedado reflejada con maestría en cada una de estas composiciones, apreciándose claramente la sólida base cultural e intelectual de esta artista con estudios de Arquitectura y de Música Clásica. Nacida en Rumanía, pero afincada en los Estados Unidos de América desde el año 2009, la visión innovadora de Alexandra Atnif dentro de la escena electrónica experimental le ha llevado a crear su propio estilo personal, su propia etiqueta musical a través de la cual expresarse artísticamente usando el lenguaje sonoro, y que ha denominado muy acertadamente como ‘Brutalismo Rítmico (Rhythmic Brutalism)’.

Unos pilares conceptuales diamantinos sobre los cuales dar solidez al estilo musical que presentan sus obras en este extraordinario álbum, y que los melómanos lectores de Lux Atenea podrán escuchar adquiriendo este álbum en su edición original para disfrutar de temas tan impactantes como “Gravity Waves”, con oscilaciones extendiéndose incansablemente hasta la plasticidad primigenia del movimiento que da sentido a este universo, quedando cada impacto sonoro como prueba contundente del poder latente en este plano existencial. ¡¡¡“Gravity Waves”, impresionante tema!!! Volviendo a tocar los muros del noise, la composición “Ephemeral Moments Of Mental Clarity” se presentará más neuronal al estar inspirada su fugacidad sonora en el pensamiento aquí recreado musicalmente, para luego sumergirnos en planos experimentales psíquicamente mucho más gélidos en “Undeciphered Distress Signal” donde los espacios vuelven a abrirse a la realidad mediante la sutilidad de los armónicos, pasando de lo liviano a lo denso y, de nuevo, a lo liviano como ciclo natural de la existencia ya sea orgánica o inorgánica. Un desarrollo conceptual que tendrá su continuidad en el magnífico tema “Staring Though A Broken Mirror”, reflejando esos sueños rotos del nihilista perdido en el laberinto mental de su descontrolado Ego, y que trata de darse moral a sí mismo creando nuevos planos existenciales artificiales sobre los cuales seguir divagando sobre el sentido de su existencia. Sin duda alguna, “Staring Though A Broken Mirror” es la composición más siniestra de este álbum por ese poso de desasosiego que logra transmitir hasta conseguir que este tema se experimente tan profundamente mortuorio y desangelado. En cambio, “I.W.R.W.I.W.13.” es todo lo contrario. Con tempo contundente y ordenado, “I.W.R.W.I.W.13.” aparecerá tan frío como el cero absoluto dentro de este espacio milimétricamente calculado que desembocará en la composición “Supersymmetry”, evolucionando del minimalismo electrónico al ambient high-tech en su desarrollo sonoro. Como ocaso final de este recorrido musical por la vanguardia más actual, el tema “Touched By Leather Gloves” se convertirá en otra nueva muestra del talento de Alexandra Atnif a la hora de dar ese trasfondo humano a sus composiciones a través del complemento sonoro, del fragmento inteligentemente armonizado, y de la exposición de nuevas ideas mediante el detalle sonoro más específico y contundente. La escena musical electrónica de vanguardia está experimentando grandes cambios gracias al ingenio artístico de ilustres orfebres sonoros como Alexandra Atnif, y álbumes de la categoría de “Supersymmetry” son de imprescindible audición y análisis para poder conocer cuáles son estas transformaciones creativas en las formas de expresión sonoras, en este caso, bautizadas por la propia artista como ‘Brutalismo Rítmico (Rhythmic Brutalism)’ por el impacto salvaje del ser humano moderno y posmoderno en su radical transformación del medio natural hacia espacios gélidamente ordenados mediante diseños arquitectónicos inspirados en la insensibilidad emocional como representación visual del poder. “Supersymmetry”, sensibilidad y brutalidad como claroscuros sonoros llevados con talento al universo musical electrónico non-mainstream. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 401 // Reseña Musical nº: 343

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 8 de septiembre del año 2016 en Ouroboros Webzine.

Quiero dar las gracias al grupo musical argentino ZENER por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Agosto 2016
Sello discográfico: AUTOEDITADO
Tracklist: TESIS: 1- Las Cartas // 2- Del sueño. (“Las cartas del sueño”)
ANTÍTESIS: 3- La Jaula // 4- En El // 5- Cajón. (“La jaula en el cajón”)
SÍNTESIS: 6- La Forma // 7- Ilumina // 8- Siempre // 9- El Final // 10- Del Laberinto. (“La forma ilumina siempre el final del laberinto”)
Artistas: Mauro Luque (vocalista y guitarra), Romina dC (vocalista y bajo) y Emiliano Silva (batería)
Artistas invitados: Raul García Posse (Senegal Grindcore Mafia) como vocalista en el tema “La Forma”
Trabajo musical: Zener
Trabajo artístico: Isaac Llovera (portada), Ana María Llovera (fotografía)
Datos técnicos: Pre-producido por Isaac Llovera; producido por Ramiro Rodriguez; grabado y mezclado entre los meses de diciembre de 2015 y abril de 2016 por Ramiro Rodriguez y Zener en MusicCorpStudio (Tucumán-Argentina); masterizado por Nicolás Ghiglione en PGM Studios (Buenos Aires-Argentina)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Las Cartas // 2- Del sueño // 5- Cajón // 8- Siempre // 9- El Final

La serie de Fibonacci (proporción áurea), el simbolismo, la mística, el atrayente universo psicológico de la introspección… han impregnado conceptualmente cada uno de los diez temas que vertebran el segundo álbum del grupo musical argentino Zener que tiene por acertado título “Polisemia”. Desde la ciudad argentina de San Miguel De Tucumán, Zener nos ofrece un viaje trascendental al interior de la mente humana mediante el uso del laberinto como símbolo universal inexorablemente relacionado. El álbum “Polisemia” fue presentado oficialmente el pasado mes de agosto en una autoedición en formato digital que se puede adquirir a través del bandcamp oficial del grupo. Engalanado con una tenebrosa portada creada por Isaac Llovera, con fotografía tomada por Ana María Llovera, ha quedado magníficamente recreada en esta imagen la intensidad emocional y la ceguera racional que padece aquel que decide adentrarse en su propio laberinto mental regido por el inconsciente. Como analista musical, siempre he dicho que el idioma español, pese a su gran riqueza, dentro del mundo de la música juega en inferioridad frente a la plasticidad que ofrece el inglés a la hora de embellecer una composición con una buena lírica. Pero este problema no es tal en manos del grupo Zener, sino todo lo contrario. La claridad de ideas que presenta cada uno de estos temas ha quedado fielmente reflejada en su admirable lírica, perfectamente interpretada a través de la languidez onírica o en la fiereza de lo existencial que se revela. A nivel musical, los melómanos lectores de Lux Atenea Webzine también podrán disfrutar de este indie-rock que el propio grupo Zener ha denominado como ‘Rock abstracto’, presentando un eclecticismo sonoro absoluto bajo la influencia de diferentes corrientes musicales incluidas dentro del indie-rock y destacando especialmente su talentosa estructuración incluso en momentos de fuertes rupturas melódicas en el estilo. Y es que el álbum “Polisemia”, no sólo posee la belleza de la música indie-rock, sino el irresistible atractivo humano de lo filosófico, de lo trascendente, y de lo psicológico como esencia fundamental del individuo, por lo que lo metafórico y lo simbólico obligatoriamente están presentes en el mensaje profundo de su lírica, apasionando aún más al melómano.

Comenzamos la audición de este extraordinario álbum con los dos primeros temas englobados en el apartado ‘Tesis’, y donde la frase “Las cartas del sueño” es la línea de unión conceptual entre ellos a través de sus títulos. La canción “Las Cartas” presenta ese trasfondo sonoro vintage en su inicio como magnífica recreación del pasado, para luego adentrarnos en este viaje intemporal donde pasado y presente quedan enlazados en el destino trascendental, y que se mantendrá como riqueza melódica en el tema “Del sueño” donde el indie-rock adquiere su más radiante expresión al abrir su versatilidad musical al Reino de Morfeo, y sin perder en ningún momento su luminosidad intimista. ¡¡¡“Del sueño”, delicado y siniestramente bello!!! Una base conceptual ecléctica que tendrá su continuidad en el siguiente apartado llamado ‘Antítesis’ que, vertebrado por tres temas cuyos títulos forman un Todo en la frase “La jaula en el cajón”, en “La Jaula” adquiere ese impacto musical contundente y obscuro con un tono lírico mortuorio y aterciopelado donde la crisis y la ansiedad provocada por la visión de la Nada, del caos irracional, y de un anticipo prematuro del sueño eterno, llevará al individuo a la más completa indefensión psicológica. En cambio, la mística brillará con fuerza en el tema “En El”, no como tabla de salvación, sino como revelación cuyo devenir desembocará en la magnífica canción “Cajón” donde el ser intentará comprender el sentido real de este extraño e inhóspito lugar. El último apartado llamado ‘Síntesis’, vertebrado por cinco temas cuyos títulos forman la frase “La forma ilumina siempre el final del laberinto”, dará comienzo con la canción “La Forma” a través de lo extático tocado por el aura de lo esotérico, radiando con la luz de la racionalidad aquello que permanecía oculto en nuestro interior y transmitiendo al tema “Ilumina” esa energía vital y divina mientras renace tras su largo confinamiento espiritual. Con la preciosa canción “Siempre”, ahora todo es nítido y cristalino en el horizonte, observando cómo lo denso empieza a perder su influencia enmascarada y su abrazo condicionante en el individuo, percibiendo en la brillantez de lo etéreo ese anhelo futuro que, con la mágica canción “El Final”, dan cuerpo a esta visión musical decorada melódicamente con talento mientras la lírica y los coros flotan libremente en el aire. La ruptura sonora radical a mitad de la canción… ¡¡¡magnífica!!! Como cierre final de este impresionante álbum, el tema “Del Laberinto” nos sacará poco a poco de esta encrucijada existencial marcada por los signos sagrados. “Polisemia”, el mundo onírico y simbólico del inconsciente en clave musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 400 // Reseña Musical nº: 342

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 10 de agosto del año 2016 en Ouroboros Webzine.

Quiero dar las gracias a LYNETTE CEREZO (BESTIAL MOUTHS) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Marzo 2016
Sello discográfico: CLEOPATRA RECORDS
Código de referencia: CLO 0088
Tracklist: 1- Greyed // 2- Heartless // 3- Small Prey // 4- Faceless // 5- Ceased // 6- Down To The Bones // 7- Earth // 8- Worn Skin // 9- Being Boiled // 10- White Eyes
Artistas: Lynette Cerezo (vocalista), Christopher Myrick (sintetizador) y Gustavo Aldena (sintetizador y programaciones)
Trabajo musical: Bestial Mouths, salvo el tema «Being Boiled» (Ian Marsh, Martyn Ware y Philip Oakey; The Human League)
Trabajo artístico: Lynette Cerezo y Suzy Poling
Datos técnicos: Grabado por Billy Sherwood en Los Ángeles (California, Estados Unidos de América), mezclado y producido por Jurgen Engler (Die Krupps)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Álbum de culto por excelencia

En esta segunda década del siglo XXI, el dinamismo musical y la creatividad artística no dejan de aumentar (y de sorprenderme) dentro de la escena dark. Haciendo foco en el fascinante universo de las voces femeninas, Lynette Cerezo, vocalista del grupo estadounidense Bestial Mouths, me ha impresionado especialmente por esa aura siniestra en su registro vocal donde intensidad y versatilidad se convierten en pilares fundamentales de su personalidad artística y conceptual unida a la vanguardia. Y es que Lynette Cerezo sabe cómo embrujar al melómano afín a las corrientes musicales más obscuras gracias a su fértil talento, capaz de transformar su don vocal en creación de espacios sonoros tocados por lo ancestral, por lo arcaico, por lo primigenio, pero sin que Bestial Mouths pierda en ningún momento su esencia innovadora. Prueba de ello es su nuevo álbum “Heartless”, presentado el pasado mes de marzo a través del mítico sello discográfico estadounidense CLEOPATRA RECORDS en formato digital, en digipak CD, y en una irresistible edición limitada en vinilo transparente. Engalanado con una tenebrosa portada de estética siniestra diseñada por Lynette Cerezo y Suzy Poling, es precisamente el uso del blanco y negro con escala de grises lo que da ese reflejo sagrado y misterioso al trasfondo conceptual de la imagen femenina que protagoniza su portada, atrayendo irresistiblemente nuestra mirada mientras buscamos ese detalle que permita desvelar su mensaje existencial. Vertebrado por diez espectaculares temas, en el álbum “Heartless” podrán encontrar esta inteligente y admirable fusión de corrientes dark-wave, post-punk y ritual que dan al estilo de composición de Bestial Mouths, unos matices inconfundiblemente unidos a su perspectiva creativa, ofreciendo en este nuevo trabajo musical ese estremecimiento sonoro y lírico tan impactante como la visión de un sacrificio sagrado.

Iniciamos la audición de este impresionante álbum sumergiéndonos en la obscura danza ritual del excelso tema “Greyed”, donde visceralidad lírica y mántrica melodía elevan sus llamas para consumirnos en su interior. Imposible comenzar artísticamente este nuevo trabajo musical de Bestial Mouths de forma tan colosal y cautivadora, hipnotizándonos con la repetición de su audición en un placentero ciclo sonoro del cual saldremos cuando el tema homónimo del álbum aparezca con absoluta y cruda emoción, mientras la catarsis lírica de Lynette Cerezo continúa su trascendente crescendo en busca de esas raíces ancestrales escondidas en el inhóspito inconsciente humano donde infierno y luz son un todo en el destino. “Heartless” es un excelso tema que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea hoy, mañana y siempre, su videoclip oficial te posee nada más verlo, pero este talentoso trabajo musical aún guarda otros tesoros en su interior como la canción “Small Prey”. Intensidad, adrenalina y desesperación existencial en pulsante base rítmica mientras rompe la realidad en mil pedazos con lírica tan contundente como “Our miracles are meadows on fire, Our miracles are animals in flames, An inhuman voice, I begin to scream uncontrollably”. ¿Puedes resistir este torbellino psíquico en siniestra clave musical? Yo no, y prefiero seguir embrujado en este demoniaco éxtasis sonoro que prolongará su mortífero beso al espíritu en el brillante tema “Faceless” marcado por densas nieblas rituales en su estructuración musical. En “Faceless”, la corriente nos arrastrará sin control hacia ese devenir donde la visión de nuestra verdadera realidad será una auténtica pesadilla por la intrascendencia de nuestra existencia. Aristocrática belleza siniestra perfumando la letra de esta canción para que bebamos la absenta que destilan sus delicatessen líricas. ¡¡¡“Faceless”, tema musical de culto por excelencia!!! De verdad, no asistas a un dark club donde no suene este tema en sus sesiones musicales nocturnas, porque canciones de culto de la calidad de “Faceless” son los que señalan a los dark club de prestigio y a los DJ’s comprometidos con la escena más siniestra.

Posteriormente, en el tema “Ceased”, la Gran Diosa Madre resurge de su ancestral culto donde lo femenino era sinónimo de divinidad, y donde lo místico, atravesado por la mirada de la sacerdotisa, terminará consumiéndola carnalmente bajo el lumínico influjo del karma universal presentado ante ella sin filtro alguno, quedando el corazón del amante mortalmente atravesado por la daga de su ideal traicionado en “Down To The Bones”. Y es que el siniestro y pasional legado conceptual de Diamanda Galas ya tiene su ilustre heredera en esta segunda década del siglo XXI con el arte lírico e interpretativo de Lynette Cerezo, demostrándonos con total contundencia su talento en el tema “Earth” para deleite de los melómanos de la escena dark. Una fusión con nuestra alma que tendrá su continuidad en la canción “Worn Skin”, sin perder en ningún momento su ritualística sonora y ofreciendo ese plus musical innovador que vuelve única a cada composición. Con la versión del mítico tema “Being Boiled” del grupo The Human League, debido a su radical reestructuración musical dark-electro dentro de una perspectiva artística más tenebrosa y actual, será únicamente su inconfundible lírica lo que nos permita reconocerlo. Y es que el talento de Bestial Mouths es inagotable, incluso a la hora de poner su magia sonora a esta versión musical para darle personalidad. Finalmente, con la canción “White Eyes” llegaremos a esta fantasmagórica apoteosis final donde las llamas del infierno sólo dejarán cenizas y un fugaz recuerdo que se irá perdiendo en el tiempo. Como apunte personal, el poder retornar a la escritura y publicación de reseñas musicales en Lux Atenea con el análisis de este grandioso álbum de Bestial Mouths, para mí ha sido todo un placer. “Heartless”, en los Estados Unidos de América, la ciudad de Los Ángeles ha tenido el honor de ver nacer este álbum musical de culto dentro de la escena dark más vanguardista. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 399 // Reseña Musical nº: 341

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 10 de septiembre del año 2016 en Ouroboros Webzine.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico finlandés AURAL HYPNOX por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Junio 2016
Sello discográfico: AURAL HYPNOX
Código de referencia: AHUE04 (CD) / AHMC16 (CASSETTE) / AHB13 (BOXSET)
Tracklist: THE TRAIL OF BONES: 1- Movement I // 2- Movement II // 3- Movement III THE PATH OF FIRE: 4- Movement IV // 5- Movement V // 6- Movement VI THE GHOST CEREMONY: 7- Movement VII // 8- Movement VIII // 9- Movement IX
Artistas: Antti Haapapuro, Aki Cederberg, Iwo Hoccuc y AIION
Trabajo musical: Halo Manash
Trabajo artístico: Jaakko Vanhala y Halo Manash
Datos técnicos: Temas grabados en vivo por Vastavirta; mezclados y masterizados entre los años 2006 y 2016 en Katajan Kaiju Studio
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Joya discográfica

Desde el pasado mes de junio, los fieles seguidores de Halo Manash estamos de enhorabuena tras la presentación oficial de su excelso álbum “Elemental Live Forms MMV – Initiation” a través del prestigioso sello discográfico finlandés AURAL HYPNOX, que lo ha publicado en tres lujosas ediciones limitadas: 444 unidades en CD con libreto de 4 páginas, 4 paneles xerox y 8 tarjetas impresas a doble cara dentro de un sobre sellado; 70 unidades en cassette con los mismos extras; y 45 boxset que incluye la edición en CD + cassette con sus extras más tres retratos serigrafiados, cuatro paneles a doble cara con imágenes de las sesiones de preparación llevadas a cabo en Temple Hwaar, y una lona impresa de 30×30 cm de color negro. “Elemental Live Forms MMV – Initiation” viene engalanado con un espectacular diseño en el que han participado Jaakko Vanhala y Halo Manash, engrandeciendo visualmente este esotérico álbum con el fiel reflejo ritual de la interpretación de estos temas representados también simbólicamente a través de sinuosos dibujos y de formas geométricas, como antesala de la presencia de la serpiente (en este caso descarnada, o sea, con raíces unidas a lo ancestral) como arquetipo universal de la vida y del Conocimiento Sagrado. Vertebrado por nueve extraordinarias composiciones, en este espectacular álbum de Halo Manash, los melómanos lectores de Lux Atenea podrán encontrar pura innovación creativa basada conceptualmente en la música dark-ambient fusionada místicamente con lo ritual, y decorada con sumo talento con pasajes sonoros de electrónica experimental hasta darle este perfilamiento artístico de vanguardia, a pesar de los diez años transcurridos desde la primera grabación de alguno de sus temas. Y es que, dentro de esta búsqueda incansable de la autenticidad en el mensaje sonoro, Antti Haapapuro, Aki Cederberg, Iwo Hoccuc y AIION interpretaron en vivo cada una de estas composiciones (tituladas como ‘movimientos’) que vieron extendida su grabación desde el año 2006 a 2016, pasando por su mezcla y masterización final hasta dar esta ambientación sonora tridimensional capaz de sumergirte en otro mundo paralelo al nuestro.

El álbum “Elemental Live Forms MMV – Initiation” está dividido en tres apartados temáticos, el primero de los cuales, ‘The Trail Of Bones’, dará comienzo con la composición “Movement I” y este repentino quiebro de la realidad mientras las nieblas de lo inescrutable comienzan a encadenarnos para arrastrarnos a otra realidad obscura donde lo siniestro es el presagio del desgarro espiritual. A continuación, “Movement II” estructurará los espacios bajo nuevos parámetros que nada tienen que ver con el mundo que nos rodea en la vida cotidiana, evolucionando desde lo sublime hasta lo misterioso hasta que, sin darnos cuenta, “Movement III” amplíe esta incógnita existencial a través de la sensibilidad mística. Posteriormente, los tres temas que vertebran el apartado ‘The Path Of Fire’ darán comienzo con la impactante composición “Movement IV”, hundiendo sus raíces en lo arcano, en lo insondable, en las primeras luces primigenias que acabarían constituyendo el universo actual, siendo el tema “Movement V” la clave esencial para poder desvelar esas leyes divinas que proyectan su influencia sobre nosotros dentro de esta dimensión y que, en “Movement VI”, es incuestionable su presencia con la sutilidad efímera de lo estático, anclado siempre a lo perenne en su devenir. Y de lo evanescente pasaremos a lo espiritual en el apartado ‘The Ghost Ceremony’, cuyas tres composiciones clausurarán este grandioso álbum con el tema “Movement VII” embriagándonos con su atmósfera chamánica de fuerte impacto emocional durante su audición, presentándose luego “Movement VIII” en este plácido entorno donde lo etéreo no conduce precisamente a lo salvífico, sino al encadenamiento espiritual. Cerrando este círculo ocultista de nueve fases, el tema “Movement IX” nos provocará inquietud, perturbación, temor y angustia si la lógica racional pasa a ser la intérprete de cada una de las sensaciones que se reciben a través de las puertas abiertas de nuestros sentidos. Si no es así, entonces la trascendencia será tu nueva fuente de Conocimiento. “Elemental Live Forms MMV – Initiation”, Halo Manash sigue siendo el aurifex musical por excelencia dentro de la vertiente esotérica dark-ambient, ritual y experimental. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 398 // Reseña Musical nº: 340

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 16 de septiembre del año 2016 en Ouroboros Webzine.

Quiero dar las gracias a FRANCK SPICCIANI por su cortesía al enviarme este promocional firmado y dedicado.

Edición reseñada: Vinilo 12” edición limitada de 500 unidades, promocional firmado y dedicado (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Enero 2016
Sello discográfico: DÉSORDRE NOUVEAU RECORDS
Código de referencia: DN 002
Tracklist: 1- Holy ghost // 2- Hoax // 3- Good time // 4- The rose // 5- After // 6- She // 7- Where are the lords // 8- The building is still standing // 9- The rainbow // 10- Too late
Artistas: Chris.R (guitarra y batería), The legend (bajo) y SF (vocalista y guitarra)
Trabajo musical: Miss Parker
Trabajo artístico: SO.Z (ilustración), Dom Franceschi (diseño)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 3- Good time // 5- After // 8- The building is still standing // 9- The rainbow // 10- Too late

A pesar del largo tiempo transcurrido desde su primera aparición dentro de la industria discográfica, por su calidad en el registro sonoro, en este siglo XXI el vinilo sigue siendo la edición más prestigiosa a través del cual un artista o grupo musical puede presentar su nuevo trabajo. Y esta relevancia cultural de nuevo se ha cumplido el pasado mes de enero tras la presentación oficial del álbum homónimo del grupo Miss Parker a través del sello discográfico Désordre Nouveau Records, en esta edición limitada de 500 unidades. Publicado también en formato digital en la página oficial del grupo, el álbum “Miss Parker” viene engalanado con una espectacular portada ideada por Dom Franceschi donde destaca especialmente la compleja y llamativa ilustración creada por SO.Z, capaz de fijar nuestra mirada en su diseño surrealista, entremezclándose lo fluido y lo carnal, lo vivaz y lo atávico, lo orgánico y lo muerto, el presente y el pasado fundidos en un envolvente momento dinámico. Vertebrado por diez sorprendentes temas, en el álbum “Miss Parker”, Chris.R (guitarra y batería), The legend (bajo) y SF (vocalista y guitarra) han sabido reactualizar el estilo post-punk que está resurgiendo en esta segunda década del siglo XXI, incorporando con talento en estas composiciones otros estilos musicales non-mainstream como trasfondo instrumental.

Una audición rica en matices que, tras poner este magnífico vinilo delicadamente en el giradiscos, dará comienzo con el tema “Holy ghost” y su latiente fantasmagoría de espíritu gótico donde el plano vocal nos transporta a esas tinieblas de la Inglaterra más barroca que siempre se manifiestan previamente a la inminente aparición sobrenatural. La canción “Hoax” abrirá las puertas para que entre la luz tamizada por la nieve, adquiriendo un intenso dinamismo instrumental que nos conducirá directamente hasta la hierática sobriedad del extraordinario tema “Good time”, donde el bajo y la voz dan este pausado toque musical old-school que tantas emociones provocará en los melómanos lectores de Lux Atenea con alma gótica, quedando la canción “The rose” bajo la influencia del dark-wave en su perfilamiento melódico sin que sus guitarras pierdan su esencia post-punk llevada al siglo XXI en su inquietud conceptual. Una siniestra atmósfera sonora que, en “After”, tendrá una selénica ambientación para recrear la mirada del solitario observando el mundo desde las alturas, mientras trata de encontrar sentido a cada una de las tensiones internas que le atormentan, apareciendo el tema “She” como contrapunto vital de esas ansias de plenitud con un alma afín que inexorablemente acabarán por romperse a través del terrible y afilado filtro que constituye la cruda realidad. Sueños y deseos difuminándose en el tiempo mientras el electro-dark sigue decorando el trasfondo musical de la canción “Where are the lords”, teniendo su continuidad en el magnífico tema “The building is still standing” con un aura sonora que me recuerda al mundo cinematográfico non-mainstream de la década de los sesenta cuando la psicodelia empezaba a abrir sus magnéticos ojos al mundo. Sin duda alguna, “The building is still standing” es la canción que más les sorprenderá en este álbum. Pero el cielo gris dará paso a la luz difractada que dará personalidad musical a la obscura canción “The rainbow”, con un tempo inquietante y angustioso gracias a sus perfilamientos sonoros metálicos más propios del estilo industrial, para luego entrar en lo sepulcral en “Too late” como cierre definitivo mediante este terrorífico desfile de almas perdidas y ángeles caídos. “Miss Parker”, desde Marsella, el inigualable fetichismo discográfico del vinilo para engrandecer estas innovaciones musicales post-punk. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 397 // Reseña Musical nº: 339

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 24 de septiembre del año 2016 en Ouroboros Webzine.

Quiero dar las gracias a LES JUMEAUX DISCORDANTS por su cortesía al enviarme este promocional.
Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Noviembre 2015
Sello discográfico: ATHANOR / THE WHITE ROOM NETLABEL
Código de referencia: ATNR 042
Tracklist: 1- Stanze // 2- Myrtho // 3- Anteros // 4- Artémis // 5- Les Paradis Artificiels // 6- Delfica // 7- Horus // 8- La Traversée de l’Acheron // 9- Le Destin // 10- Vers Dorés // 11- Wisdom // 12- Alla Musa. All’Iniziato // 13- La Nuit de Nerval
Artistas: Aima (vocalista, coros, campanillas, campanas tibetanas y ocarina) y Roberto del Vecchio (sintetizadores y programaciones)
Artistas invitados: Evor Ameisie (coros en los temas “Artémis” y “Le Destin”), Villa Vide (Arthur Geffroy) (piano en el tema “Alla Musa. All’iniziato.”, y piano y sintetizador en el tema “La Nuit de Nerval”) y Angelo Tonelli (vocalista en el tema “Alla Musa. All’iniziato.”)
Trabajo musical: Música compuesta por Les Jumeaux Discordants, salvo el tema “La Nuit de Nerval” por iNsCissorS / Vincent Andelmoth; lírica escrita por Gérard de Nerval en su obra “Les Chimères” (1853), salvo en los temas “Stanze” y “Wisdom” (poemas de Angelo Tonelli), “Les Paradis Artificiels” (Charles Baudelaire, 1860), y el tema “Alla Musa. All’Iniziato” (Empédocles)
Trabajo artístico: Aima (diseño), Diego Cinquegrana (ilustraciones)
Datos técnicos: Temas grabados en The White Room y Hauswald, mezclados por Roberto Del Vecchio, y masterizados por Marco Milanese en O.F.F. Recording Studio (Turín, Italia)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada de uno de estos temas. Álbum de culto

Los melómanos apasionados con la escena musical non-mainstream estamos de enhorabuena con las publicaciones aparecidas en los últimos meses. Otra prestigiosa compañía discográfica como el mítico sello discográfico Athanor, ha renacido con la presentación del segundo álbum del grupo italiano Les Jumeaux Discordants titulado “Les Chimères”, habiendo sido publicado en CD en una edición limitada de 300 unidades con libreto de 20 páginas. Presentado oficialmente a finales del mes de noviembre de 2015, “Les Chimères” también ha visto la luz en formato digital a través del sello italiano THE WHITE ROOM NETLABEL, siendo esta obra maestra engalanada con un precioso diseño creado por Aima con ilustraciones de Diego Cinquegrana. Una carta de presentación visual de acertado simbolismo en su imagen de portada, ya que presenta ese significado psicológico y esotérico directamente unido a la fuente de inspiración principal de este nuevo trabajo musical de Les Jumeaux Discordants, que no es otra que la mítica obra literaria homónima escrita por el maestro Gérard de Nerval (1808 – 1855), auténtico genio francés de la literatura decimonónica. Pero el abanico cultural atesorado en esta joya musical llamada “Les Chimères”, también nos ofrece una exquisita selección lírica protagonizada por otros grandes genios como el filósofo griego Empédocles (495 a.C, – 430 a.C.), el fascinante universo mental e intelectual de grandes genios como Charles Baudelaire (1821 – 1867), o el fértil talento del poeta italiano Angelo Tonelli, convirtiéndose el arte lírico de cada uno de ellos en las ígneas llamas conceptuales que han calentado este crisol musical hasta dar vida a los trece temas que vertebran este excelso álbum. Formado por Aima y Roberto del Vecchio, el dúo italiano Les Jumeaux Discordants además ha podido contar con la colaboración profesional de otros grandes músicos como Evor Ameisie (coros en los temas “Artémis” y “Le Destin”), Villa Vide (Arthur Geffroy) (piano en el tema “Alla Musa. All’iniziato.”, y piano y sintetizador en el tema “La Nuit de Nerval”) y Angelo Tonelli (vocalista en el tema “Alla Musa. All’iniziato.”), en el perfilamiento instrumental y vocal de estas composiciones, ofreciendo un trabajo musical impecable en vista a su resultado final que estoy seguro que apasionará a los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran este álbum en su edición original. Cinco años han pasado desde que Les Jumeaux Discordants presentara su debut musical “Sang Pour Sang”, ya reseñado en este medio blog cultural non-mainstream, pero todos estos años de espera han merecido la pena ante la excelsa calidad del estilo musical ecléctico y vanguardista que envuelve este segundo álbum. Nuevos aires musicales enfocados desde una perspectiva artística avanzada a su tiempo que les conmoverá profundamente, y que convertirá a “Les Chimères” en álbum de referencia para otros grupos, músicos y compositores en sus futuras creaciones.

Iniciamos la audición de esta obra maestra con el primer tema “Stanze” en esta talentosa armonización del enérgico impulso épico con la belleza poética de Angelo Tonelli, desembocando en la orilla sacra de la excelsa canción “Myrtho” mientras el sonido del órgano crea la atmósfera melódica perfecta para que la lírica sublime fluya hasta nuestra alma para recordar su verdadera esencia primigenia, viendo aumentada su espectacularidad dimensional en “Anteros” con este impasse espiritual donde lo mitológico toca lo ancestral para reverdecer con vigor en nuestro mundo tecnificado fielmente reflejado en la base instrumental electrónica de este tema. Con el grandioso tema “Artémis”, el entorno musical empezará a adquirir matices sonoros siniestros emanando efluvios de divinidad y de castigo eterno a quienes osen romper lo sagrado tras caer en la tentación. ¡¡¡“Artémis”, impresionante tema e interpretación musical!!! Posteriormente, el aura cultural decimonónica reaparecerá con la mirada del maestro Charles Baudelaire en “Les Paradis Artificiels”, cuya obra homónima ha sido aquí reverenciada y embellecida musicalmente por Les Jumeaux Discordants, quedando el tema “Delfica” como reordenación armónica del dinamismo sonoro hasta ahora desarrollado con talento creativo en este álbum, para que “Horus” resplandezca con mayor fuerza aún en esta estructuración gótica perfilada esotéricamente en su recreación instrumental, y con un registro vocal femenino colosal que conmoverá profundamente a los melómanos lectores de Lux Atenea tras quedar reforzado con estos pasajes melódicos espectaculares. Hipnotizado por el hedonismo musical del excelso tema “Horus”, no he podido evitar su re-audición para volver a ser poseído por su esencia artística, apareciendo “La Traversée de l’Acheron” con el mismo carácter sonoro dark-electro que disfrutamos en “Anteros”. La belleza lírica del idioma francés tendrá su continuidad en el tema “Le Destin” de mortuorio trasfondo, entremezclándose lo ritual con el dark-ambient, para luego atravesar el caleidoscopio musical perfilado en el tema “Vers Dorés” con aires etéreos hasta que el arte poético de Angelo Tonelli vuelva a aparecer en el preciosismo obscuro de la canción “Wisdom”. Olas de intencionada precisión musical que seguirán llegando a nuestra mente en cuanto “Alla Musa. All’Iniziato” nos embruje con la lírica de Empédocles en su arte imperecedero, acompañado por el insustituible piano en este plano instrumental que parece haber surgido repentinamente desde el pasado. Mientras se extiende lentamente el telón de clausura de esta obra maestra, el majestuoso tema “La Nuit de Nerval”, con música de iNsCissorS / Vincent Andelmoth, será el encargado de rendir homenaje al maestro decimonónico Gérard de Nerval con el ritual de aura selénica que siempre reclamará su protagonismo en el destino humano. “Les Chimères”, obra maestra creada con eclecticismo musical sacro para sentir la siniestra belleza contenida en la innovación contemporánea. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 396 // Reseña Musical nº: 338

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 2 de octubre del año 2016 en Ouroboros Webzine

Quiero dar las gracias al dúo estadounidense BRING HER por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Cassette, edición limitada de 25 unidades numeradas a mano (nº 4 de 25) con código de descarga digital y 4 pines (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Diciembre 2015
Sello discográfico: BLACK VERB RECORDS
Tracklist: 1- Carve The Hour // 2- Time Hangs Heavy // 3- Destroyer // 4- Take // 5- The Source
Artistas: Nadine J. Waldron y Marcus Nati
Trabajo musical: Nadine J. Waldron y Marcus Nati
Datos técnicos: Grabado en su propio estudio por Bring Her durante el otoño del año 2015, mezclado y masterizado por JRYANFRANCIS
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Carve The Hour // 2- Time Hangs Heavy // 3- Destroyer // 5- The Source

Recibir este promocional en cassette me ha traído viejos recuerdos de mis inicios como incansable melómano apasionado en cuerpo y a alma con la música non-mainstream&dark. Y es que el cassette fue el formato estrella que utilicé durante muchos años para llevar la música que me gustaba a cualquier sitio, gracias al uso del insustituible walkman de Sony, ya que en aquella época el formato que prefería comprar para las ediciones musicales que atesoraba en mi colección discográfica privada era el vinilo. El cassette y el walkman me daban versatilidad, individualidad y privacidad en mis audiciones cuando salía de casa, transformando los auriculares en la banda sonora de mi vida durante mis viajes, mis paseos por la ciudad… y el insustituible vinilo me ofrecía una calidad de sonido incomparable pero únicamente disfrutable en el equipo de música de casa. En el año 1987, fue cuando cambié el walkman por el discman de Sony (CD portátil) y, tanto en mis audiciones en casa y como en mis desplazamientos, definitivamente dejé de usar el cassette al sustituirlo por el cómodo CD debido a su mejor calidad de sonido y, como no, por no ser necesario rebobinarlo para escuchar de nuevo una canción o para buscar un tema en concreto como ocurría hasta entonces con el cassette, reduciéndose todo a una o varias pulsaciones de un botón en el discman. Como no podía ser de otra forma, acabé vendiendo mi deck profesional de la marca Denon pocos años después ya que en mi equipo de música llevaba ya demasiado tiempo sin uso alguno. Desde entonces, he estado sin reproductor de cassette en mi equipo de música hasta muy recientemente porque, curiosamente, en vista al renacer del formato cassette que estamos viviendo actualmente dentro de la escena non-mainstream por parte de artistas, grupos y sellos discográficos, y tras haber tenido una interesante y reflexiva conversación meses atrás con un gran artista perteneciente al dúo de culto Bleib Modern respecto a este formato musical vintage, este pasado verano decidí tener de nuevo un deck donde poder reproducir todo cassette promocional que recibiera en Ouroboros Webzine / Lux Atenea. Quién me iba a decir en el año 1987 que, en 2016, casi tres décadas después volvería a reproducir un cassette en mi equipo de música para escuchar y disfrutar música non-mainstream. Los tiempos cambian (a veces con grandes sorpresas como ésta), pero mi pasión por esta escena musical no ha dejado de crecer a lo largo de los años, convirtiendo la audición y el análisis del EP homónimo del dúo estadounidense Bring Her (recibido como promocional), en un entrañable y emotivo momento donde pasado y presente han brillado intensamente gracias a la audición de los cinco magníficos temas que vertebran este mini-álbum.

Publicado en diciembre de 2015 a través del prestigioso sello discográfico alemán Black Verb Records en formato digital y en una edición limitada de 25 unidades en cassette, el EP “Bring Her” viene engalanado con una preciosa imagen de estética gótica en su portada en blanco y negro donde la belleza escultórica consigue hipnotizarnos con su hierática presencia. Formado por Nadine J. Waldron y Marcus Nati, el dúo Bring Her presenta en su ópera prima un estilo electro-dark y post-punk innovador que encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a los sonidos dark-wave. Iniciamos la audición del EP “Bring Her” tan rico en matices con un tema musicalmente rotundo y contundente como “Carve The Hour”, adentrándonos en un avanzado estilo dark-electro donde la reverberación y la saturación en el registro sonoro nos ofrecen ese toque vintage que amplificará el ambiente decadente que nos transmite este magnífico tema. A nivel lírico, en el tema “Carve The Hour”, la languidez que emana de la voz de Nadine J. resulta perfectamente acompañada por los coros de Marcus Nati hasta inducir a nuestra mente a abandonarse en este entorno musical gótico old-school actualizado. Posteriormente, aparecerá la espectacular canción “Time Hangs Heavy” bajo parámetros post-punk enriquecidos con perfilamientos melódicos vanguardistas que son propios de esta segunda década del siglo XXI, y que convierten su audición en una auténtica espiral al interior del vacío interior. Aquí, la tenebrosa integración de las voces masculina y femenina es puro talento, definiendo una perfección artística e instrumental que te invita a repetir su audición varias veces más antes de pasar al siguiente tema. ¡¡¡“Time Hangs Heavy”, impresionante obscuridad musical!!! Sin perder en ningún momento su esencia sonora siniestra, en “Destroyer”, el dúo estadounidense Bring Her profundizará aún más el tormento del espíritu aumentando su densidad melódica y lírica con este tempo pausado, lánguido, sádico incluso en su trasfondo como si de una partitura escrita por el marqués de Sade se tratara. En el excelso tema “Destroyer”, también me han encantado sus pasajes dark-electro, siendo siempre oportunos, inmisericordes y sobrios en su fugaz y puntual presencia. A continuación, atravesaremos el inestable camino existencial extendido en el tema “Take”, cargado de inquietud y de temores a lo desconocido que, aunque presenten una imagen idílica en una primera impresión, sus diabólicos reflejos no lograrán despertar en nosotros confianza alguna, quedando el tema “The Source” como elegante clausura de este extraordinario EP mediante la recreación musical del spleen decimonónico donde placer y perdición forman un todo inseparable en su aciago devenir. “Bring Her”, desde la ciudad de Pittsburgh (Pennsylvania), este grandioso EP resplandece con el obscuro embrujo artístico de la mejor música dark estadounidense de vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.