Reseña Cultural nº: 143 // Reseña Musical nº: 88

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 23 de septiembre del año 2018 en la 33ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 33rd NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico alemán RAUBBAU por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Septiembre 2018
Sello discográfico: RAUBBAU
Código de referencia: RAUB-064
Tracklist: SIDE A: 1- Neo For // 2- Ripple Mix // 3- Smoke // 4- Pornography
SIDE B: 5- Tragedy Creature // 6- Die Roboter // 7- Firewalker … The Age Of The Rhythm
Artistas: Hiroshi Hashimoto
Trabajo musical: Contagious Orgasm, salvo el tema “Die Roboter” (Kraftwerk)
Trabajo artístico: Salt
Datos técnicos: Temas grabados en directo el 5 de octubre del año 2008 durante el concierto ofrecido por Contagious Orgasm en Kulturfabrik perteneciente al mítico festival Maschinenfest (Krefeld, Alemania)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical

Diez años han pasado desde que Contagious Orgasm ofreciera este apasionante concierto perteneciente al mítico festival Maschinenfest, y su esencia musical sigue estando plenamente vigente en la actualidad como si la década transcurrida desde su actuación en directo, en realidad este evento hubiera ocurrido hace tan sólo unos días en la actualidad en cuanto a su calidad conceptual innovadora. Un espectáculo sonoro en vivo que ha quedado inmortalizado en este excelso álbum presentado oficialmente el pasado día 6 de septiembre. Publicado por el prestigioso sello discográfico alemán RAUBBAU en una edición limitada de 100 unidades en cassette con código de descarga en formato digital, disponible a través de la webstore de ANT-ZEN, el álbum “Live At Maschinenfest 2008” ha sido engalanado con un elegante diseño creado por Salt dentro de una estética high-tech, presentando una imagen visual en blanco y negro marcada por estas formas puras de magnética dimensión como si fuera la instantánea de una emisión sonora. Vertebrado por siete espectaculares temas, el álbum “Live At Maschinenfest 2008” cautivará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena electrónica más ecléctica e innovadora, desplegando el genial artista japonés Hiroshi Hashimoto su universo musical de vanguardia con la autenticidad del directo. Y es que esta edición en cassette es una joya discográfica en cuyo interior podrán disfrutar el grandioso concierto ofrecido por Contagious Orgasm el 5 de octubre del año 2008 en Kulturfabrik (Krefeld, Alemania), perteneciente al mítico festival Maschinenfest.

Una audición convertida en una ceremonia de culto a la música electrónica non-mainstream, y que dará comienzo en cuanto el tema “Neo For” de la cara A del cassette empiece a sonar, iniciándose esta entrada sonora con la electrónica experimental de reminiscencias krautrock creando este entorno lúgubre donde el melódico plano musical para piano adquiere una alocada escala tonal fantasmagórica. Serenamente, el hechizo sonoro de Contagious Orgasm irá desplegándose con un abanico de matices musicales que les invitará a repetir la audición de este primer tema varias veces antes de abrir las puertas de la siguiente composición, “Ripple Mix”. Con una personalidad sonora más cosmopolita en su definición, la estructura musical de “Ripple Mix” presenta una complejidad mucho mayor al integrar la electrónica experimental con trasfondos ambient, para luego dar paso a planos sonoros propios del dark-jazz. Innovación en estado puro que, en las virtuosas manos de Hiroshi Hashimoto, alma máter de Contagious Orgasm, en el tema “Smoke” reorienta ese escenario sensorial hacia una nueva dimensión conceptual minimal caracterizada por la inmersión en el noise, pero sin perder sus tensos reflejos cosmopolitas a través de samples. A continuación, con la composición “Pornography” extendiéndose con la fuerza de la irracionalidad, la atmósfera sonora derivará hacia el ambient con pinceladas melódicas instrumentales propias de la música contemporánea, quedando esta estructura convertida en una danza de intenso y contundente tempo marcial. Dando la vuelta a la cassette, en su cara B se presentará el tema “Tragedy Creature” para conmovernos con esta colosal demostración de talento en la composición, sumergiéndonos en un escenario agreste y peligroso donde la alta tecnología se ha convertido en una seria amenaza. Esencia conceptual cyberpunk que extenderá su sombra en “Die Roboter”, pero con cromatismos musicales dulcificados al haber sido perfilado melódicamente con esta radiante luz sonora con reminiscencias a la mítica electrónica alemana de la decada de los setenta, ya que ésta es una particular versión de Contagious Orgasm sobre este legendario tema de Kraftwerk. Cerrando este impresionante álbum en vivo, el tema “Firewalker … The Age Of The Rhythm” nos llevará a un entorno sonoro más industrial donde el noise es esencial para recrear la incesante actividad de la mecanización, y donde el fuego y el calor es el ritual, la energía que todo lo mueve. “Live At Maschinenfest 2008”, el exquisito hedonismo musical non-mainstream de Hiroshi Hashimoto fluyendo en concierto para estimular y apasionar sonoramente a los paladares culturales más selectos. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 142 // Reseña Musical nº: 87

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 26 de septiembre del año 2018 en la 34ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 34th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico alemán RAUBBAU por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Septiembre 2018
Sello discográfico: RAUBBAU
Código de referencia: DIGITALRAUB-016
Tracklist: 1- Black Sabbath // 2- Sick Thing // 3- Levitation // 4- Mr. Crowley
Artistas: Mikael Aldén aka Aldenon Satorial
Trabajo musical: Versiones creadas por Coph Nia sobre los míticos temas musicales “Black Sabbath” (Black Sabbath), “Sick Thing” (Alice Cooper), “Levitation” (Hawkwind) y “Mr. Crowley” (Ozzy Osbourne)
Trabajo artístico: Martin Adamczyk (fotografía de portada y contraportada), Nando Harmsen (fotografías en vivo)
Datos técnicos: Álbum masterizado por Henryk Lipp en Music A Matic Studios
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Obra Maestra Musical

El pasado miércoles, día 19 de septiembre, fue presentada oficialmente esta re-edición en formato digital del álbum “Qliphothic Phantasmagoria” de Coph Nia, disponible en la página oficial en Bandcamp del prestigioso sello discográfico alemán RAUBBAU. Engalanado con una controvertida y trasgresora portada con fotografía a cargo de Martin Adamczyk, el mensaje simbólico que transmite esta imagen de esencia herética y pagana no puede ser más rotunda, e incluso, algunos lo considerarán como todo un icono laico en su contexto social posmoderno. En el año 2008. el impresionante EP “Qliphothic Phantasmagoria” fue editado originalmente en digipak CD por el sello discográfico polaco Wrotycz Records, incluyendo en su interior las sorprendentes versiones en clave marcial, ambient e industrial creadas por Coph Nia sobre estas míticas canciones de la escena rock y heavy metal: “Black Sabbath” de la legendaria banda británica homónima cuyo nombre estaba inspirado en el título anglosajón de la película de culto “I Tre Volti Della Paura” (1963), “Sick Thing” del mítico artista estadounidense Alice Cooper (Vincent Damon Furnier) y líder del grupo musical homónimo, “Levitation” de la ecléctica banda británica Hawkwind surgida a finales de la década de los sesenta, y “Mr. Crowley” del artista británico Ozzy Osbourne (John Michael Osbourne). Pero, retrocedamos en el tiempo hasta el año 2008. El talentoso artista sueco Mikael Aldén aka Aldenon Satorial, alma máter de Coph Nia, entra en un estado de inspiración perfecto para dar vida a estas fascinantes versiones y esos frutos musicales quedan inmortalizados en este magno EP. Bajo ese influjo artístico, la audición de estas extraordinarias obras dará comienzo con el grandioso tema “Black Sabbath”. Una perspectiva sonora cargada de tensión a través de un tempo marcial que somete, y que aumenta la relevancia de su lírica al potenciar su mensaje de temor hasta convertir este tema en una ceremonia demoníaca de atmósfera gótica.

Dando continuidad a este tenebroso ambiente, el tema “Sick Thing” nos sumergirá en un espacio mental donde el choque de intereses existenciales es absoluto, creando contrastes psicológicos y disociaciones metafóricas en medio de este lúgubre escenario marcial de cierre musical industrial. Mucho más psicodélico y obscuro se presentará el tema “Levitation”, caracterizado por una lírica desacompasada y planos sonoros dark-ambient puntualmente tocados con afilados pasajes industriales. Una inmersión en inquietantes aires místicos de incierto futuro donde la trascendencia sigue siendo una incógnita para el individuo. En cambio, con el sample protagonizado por el propio Aleister Crowley (1875 – 1947) convirtiéndose en la entrada al tema “Mr. Crowley”, la base marcial será total en esta estructura musical donde los instrumentos de percusión se erigen en protagonistas, creando este círculo mágico con la lírica basada en la figura del maestro ocultista más famoso del siglo XX, pero cargada de incógnitas, incertidumbres, dudas y preguntas sin resolver cuyas respuestas, el propio Crowley ya se encargó de difuminar en su obras. Así era Crowley, implacable y burlón con los neófitos, con los principiantes, con los falsos gurús, con los profanos, y con todos aquellos no iniciados en el Arte Regio. Sin duda alguna, “Qliphothic Phantasmagoria” es una rareza musical de radiante y siniestra calidad que es de imprescindible adquisición para los melómanos lectores de Lux Atenea con gustos musicales más eclécticos, y que se fascinan y se apasionan escuchando atentamente las versiones creadas con alma sobre estos clásicos. “Qliphothic Phantasmagoria”, el talento musical del artista sueco Mikael Aldén aka Aldenon Satorial en excelso estado de creatividad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 141 // Reseña Musical nº: 86

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 27 de septiembre del año 2018 en la 34ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 34th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico italiano EIGHTH TOWER RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Mayo 2018
Sello discográfico: EIGHTH TOWER RECORDS
Código de referencia: 013
Tracklist: 1- Weeping Glass “Bisk Orta” // 2- Weeping Glass “Ikyraha Diskord” // 3- Sun Through Eyelids “Ascetic Imprint” // 4- Sun Through Eyelids “A Polar Fortress” // 5- Sun Through Eyelids “Descent” // 6- Experiment#508 “March For Our Lives” // 7- Experiment#508 “I Remember Flowers” // 8- Experiment#508 “And Death Will Save Us All” // 9- A Bleeding Star “Nighthigh” // 10- A Bleeding Star “Chambers Fill’d With Possessed Royal Guests Obsessed By Matters of Disloyal Bequests”
Artistas: Weeping Glass, Sun Through Eyelids, Experiment#508 y A Bleeding Star
Trabajo musical: Weeping Glass, Sun Through Eyelids, Experiment#508 y A Bleeding Star
Trabajo artístico: Black Space Industry (diseño), Indian Polar Station (imagen de portada)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Weeping Glass “Bisk Orta” // 3- Sun Through Eyelids “Ascetic Imprint” // 4- Sun Through Eyelids “A Polar Fortress” // 5- Sun Through Eyelids “Descent” // 7- Experiment#508 “I Remember Flowers” // 9- A Bleeding Star “Nighthigh” // 10- A Bleeding Star “Chambers Fill’d With Possessed Royal Guests Obsessed By Matters of Disloyal Bequests”

A principios del pasado mes de mayo fue presentado oficialmente el extraordinario álbum “Polar Shadows”, en cuyo interior se han reunido estos diez grandiosos temas compuestos por relevantes artistas dentro de la escena musical non-mainstream como Weeping Glass, Sun Through Eyelids, Experiment#508 y A Bleeding Star. Weeping Glass es muy ecléctico en su personalidad musical al incorporar características dark-ambient, ritual, industrial y minimal en los dos temas incluidos en este álbum. Desde Nueva Zelanda, Sun Through Eyelids ya es de sobra conocido por los melómanos lectores de Lux Atenea tras la publicación de su grandiosa obra maestra “Hyperborea” (Black Mara Records) el pasado mes de abril, invitándonos en esta ocasión a disfrutar de este innovador estilo dark-ambient sutilmente perfumado con pasajes sonoros rituales. Posteriormente, el proyecto musical portugués Experiment#508 presenta propuestas más arriesgadas en su eclecticismo sonoro electrónico, combinando la inmersión en lo experimental con la contundencia musical industrial, la fascinación sonora high-tech con la entrada de pasajes sonoros que traspasan la frontera conceptual experimental para adentrarse en el noise, o haciendo uso de la calmada esencia musical del ambient. En cambio, A Bleeding Star es más siniestro, más nihilista, más arriesgado en sus propuestas musicales experimentales donde el drone, el dark-ambient y el industrial se combinan armoniosamente en estas composiciones obscuras cargadas de desasosiego. Publicado por el prestigioso sello discográfico italiano EIGHTH TOWER RECORDS en formato digital disponible a través de su página oficial en Bandcamp, el álbum “Polar Shadows” ha sido engalanado con un siniestro diseño creado por Black Space Industry, siendo la fantasmagórica instantánea de esta instalación polar iluminada por la aurora boreal, la bella imagen que preside su espectacular portada.

Sin más demora, iniciamos la audición de este grandioso álbum con el primer tema de Weeping Glass titulado “Bisk Orta”, adentrándonos en otro espacio, en otra dimensión, en otro estado de la realidad recreados en esta magna composición a través del constante reflejo de lo sublime en cada uno de sus planos sonoros. Un culto musical al drone para perfilar este sugestivo tema con un estilo dark-ambient de gran apertura sensorial, y donde aparecerán elementos sonoros propios de los estilos ritual e industrial según vamos acercándonos al final de la composición. El tema de Weeping Glass “Ikyraha Diskord” se presentará mucho más experimental en la definición sonora al incorporar en su dimensionamiento musical minimalista, esta inquietante muestra de planos sonoros caracterizados por su esencia espectral de principio a fin. A continuación, en los tres siguientes temas será Sun Through Eyelids el que nos lleve a disfrutar de nuevos conceptos musicales donde el drone y la lírica difusa son fundamentales en el pulido de cada composición, siendo “Ascetic Imprint”, una nueva y contundente demostración artística que reafirma por qué Sun Through Eyelids es clave para poder entender y para poder sentir la vanguardia musical dentro del estilo dark-ambient más avanzado en la actualidad. “Ascetic Imprint” es siniestra magia sonora de inefable magnetismo que te atrapa psíquicamente, al igual que el tema “A Polar Fortress” posee esta intensidad ambiental talentosamente armonizada por Sun Through Eyelids. Aquí, la mirada se eleva para admirar lo colosal en un entorno agreste, mientras el viento sopla a nuestro alrededor y los ecos de lo misterioso llegan a nuestros oídos para provocar intranquilidad. Un siniestro escenario que, en “Descent”, impulsará a sus ondas sonoras hasta perderse en el infinito en una proyección musical cargada de tenebrosidad en su horizonte. Con la entrada de planos sonoros rituales, la presencia de lo divino queda oculta a la mirada pero no a los otros sentidos, invitando a una reflexión profunda sobre el sentido trascendental.

Experiment#508 nos sorprenderá en los dos siguientes temas con un escenario musical mucho más experimental, apareciendo “March For Our Lives” con este entorno sonoro más intenso y poderoso donde se fusiona el trasfondo conceptual industrial con planos electrónicos high-tech, abriéndolo todo a la luminosidad, pero una luminosidad que no transmite emociones ni empatía para lo humano. “I Remember Flowers” aparecerá envuelto en una languidez que bajará radicalmente el ímpetu musical anterior, manteniendo su base conceptual industrial para ser luego enriquecida con pasajes sonoros experimentales cargados de vida como un latir. En cambio, “And Death Will Save Us All” será puramente ambient desde su comienzo, sobre todo por este perfilamiento artístico donde el uso de samples de la Madre Naturaleza hace que todo fluya vivazmente con estos sonidos de pájaros, con la lluvia al caer, con el tenue ruido ambiental en este húmedo entorno… para llevarnos a ese estado primigenio de la vida plenamente cargado de diversidad y esplendor. A ese paraíso perdido en tiempos inmemoriales. Finalmente, A Bleeding Star clausurará este impresionante álbum con estas dos composiciones, proyectando el tema “Nighthigh” durante veinte minutos estas secuencias sonoras súbitamente interrumpidas. Aquí, el drone y la música experimental crean estructuras fugaces que, como destellos, iluminan puntualmente estos espacios inexplorados. Una obscuridad ocasionalmente evaporada en tramos sonoros espiritualmente desangelados, creando esta sensación de vacío exterior e interior que te conmueve y te consume la energía vital. Integrando planos sonoros dark-ambient, industriales y experimentales con el spleen existencial que ofrece el drone, el tema “Nighthigh” sobrecoge por su mortífero reflejo del abismo sagrado. Posteriormente, los cuatro minutos del tema “Chambers Fill’d With Possessed Royal Guests Obsessed By Matters of Disloyal Bequests” se convertirán en otro tenebroso destello dark-ámbient fusionado con el minimalismo experimental electrónico, apareciendo una creciente tensión en este espeluznante escenario gótico como sobrecogedora clausura musical. “Polar Shadows”, talento y más talento innovador emanando de cada una de las diez magnas composiciones que vertebran este álbum. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 140 // Reseña Musical nº: 85

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 29 de septiembre del año 2018 en la 34ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 34th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al genial artista israelí MICHAEL ZOLOTOV (NECROMISHKA) por su cortesía al enviarme este promocional firmado y dedicado.

Edición reseñada: CD Picture en ecopak, firmado y dedicado (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Julio 2018
Sello discográfico: 999 CUTS
Tracklist: 1- Beast Of Pray // 2- Paradise (access denied) // 3- Blood Room // 4- Excelsior // 5- Them Roots // 6- Evil // 7- Harm’s Way // 8- There Is No Space Between Us
Artistas: Michael Zolotov y Tamar Singer
Trabajo musical: Necromishka
Trabajo artístico: Michael Zolotov (dibujos), Noa Singer (fotografía de contraportada), Christophe Szpajdel (logo)
Datos técnicos: Álbum masterizado por Ganel I.
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Paradise (access denied) // 3- Blood Room // 6- Evil

Uno de los álbumes musicales conceptualmente más avanzados que he recibido últimamente es la magna ópera prima del dúo israelí Necromishka titulada “The Space Between Us”. Formado por Michael Zolotov (Kadaver) y Tamar Singer (Zeresh, Cruel Wonders), este grandioso álbum de debut viene vertebrado por ocho innovadores temas que fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a las escenas dark-ambient, post-folk e industrial. Presentado oficialmente a principios del pasado mes de julio a través de su propio sello 999 CUTS, “The Space Between Us” ha sido publicado en formato digital y en ecopak CD Picture disponible en la página oficial de Necromishka en Bandcamp. Engalanado con un siniestro y cautivador diseño donde el dibujo que preside su portada, creado por el propio Michael Zolotov, refleja fielmente ese estado de estupor, miedo, inseguridad y vacío interior que paraliza psicológicamente al individuo moderno y posmoderno en este mundo y en esta sociedad en constante cambio y transformación, presenta en su contraportada la otra cara de este claroscuro existencial. Con este álbum inexorablemente unido a la vanguardia conceptual más innovadora que uno puede encontrar actualmente en el panorama musical non-mainstream, el dúo israelí Necromishka nos invita a disfrutar estas estructuras musicales eclécticas donde la brillantez y el talento en la composición son admirables, habiendo sido potenciada esa magia artística gracias a la gran labor técnica realizada por Ganel I. en su masterización. Sin más demora, iniciamos la audición de este extraordinario álbum sumergiéndonos en la tenebrosa ambientación del tema “Beast Of Pray”, cargada de misterio y de trasfondo espectral mientras su plano melódico va disolviéndose en esta atmósfera dark-ambient con matices rituales e industriales.

Seguidamente, “Paradise (access denied)” abrirá sus fauces, y la tensión y la inquietud irán en aumento hasta quedar todo sumido en una calma de engañosa opacidad, presentando posteriormente siniestros matices instrumentales conceptualmente cercanos al neo-folk, junto a vaporosas presencias vocales de fugaz luminosidad que desembocarán en el tema “Blood Room”. Aquí, la difuminación sonora será dominante con planos musicales industriales cerrando los espacios hasta perder completamente su forma dimensional. Y es que “Blood Room” es el tema más experimental del álbum “The Space Between Us”, exigiendo una atenta y detallada audición. A continuación, “Excelsior” presentará una estructura musical sensorialmente abierta con reminiscencias al pasado a través de samples, adquiriendo ese turbio espectro sonoro posmoderno y cosmopolita donde todo es movimiento, todo es caótico, todo es caduco e intrascendente. Relanzando el impulso musical aparecerá el tema “Them Roots”, potenciado por el uso de este estilo dark-ambient que aleja mentalmente al melómano durante su audición, quedando toda la estructura convertida ahora en la recreación de una visión lejana. Pero la atmósfera se ennegrece y se ilumina con rúbeos destellos en el magnífico tema “Evil”, siendo perfecto el plano instrumental post-folk para transmitir melódicamente esta esencia cuyas raíces se hunden en el principio de los tiempos. Una maléfica influencia oscilante en el tiempo donde los claroscuros no son más que la prueba de este ciclo universal casi eterno. Cambiando completamente de estilo, “Harm’s Way” aparecerá con una base sonora más lineal y sólida en clave ambient y post-industrial, siendo la antesala musical del tema de clausura “There Is No Space Between Us” a través del cual asistiremos a este ocaso final con el vacío y la distancia ampliando sus áreas de influencia emocionales y sentimentales. “The Space Between Us”, desde Israel, el eclecticismo conceptual en la composición como reflejo artístico vanguardista dentro de la escena musical non-mainstream actual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 139 // Reseña Media nº: 11

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 19 de agosto del año 2014 conmemorando el Bimilenario de la muerte del emperador romano CÉSAR AUGUSTO (63 a.C. – 19 de agosto de 14 d.C.).

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: MARGARET KOVAL y LYN GOLDFARB
Guión: MARGARET KOVAL
País: EE.UU Año: 2001
Productora: GLOBAL AND KOVAL PRODUCTIONS, Inc.
Duración aprox.: 60 minutos
Publicado en España: TRACK MEDIA, S.L.
AÑO: 2009 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)
CONTENIDO: Documental “La Era de Augusto. Del Caos al Orden”

Hace exactamente dos mil años, el 19 de agosto de 14 d.C. fallecía César Augusto (63 a.C. – 14 d.C.) en la ciudad de Nola. Este histórico líder romano creó las sólidas bases sobre las cuales se erigiría el poderoso y hegemónico Imperio Romano que, regido a partir de entonces por los césares, establecería las bases legislativas y sociales del modelo de Estado en el que se han fundamentado posteriormente los futuros reinos, naciones, y sociedades europeas. Sin la avanzada civilización romana, Europa no habría sido la misma que conocemos actualmente, convirtiendo el estudio de su cultura, de su sociedad, y de su historia en la vía de conocimiento más cercano a nuestras auténticas raíces, junto con la Grecia Clásica pero dentro de un plano más filosófico y artístico. En este impresionante documental, “La Era de Augusto. Del Caos al Orden”, editado en DVD por Track Media en el año 2009, los cultos lectores de Lux Atenea podrán conocer la relevancia histórica que alcanzó este líder romano por la excelencia de su mandato, caracterizado principalmente por tiempos de paz como nunca antes había conocido la ciudadanía romana. Además, Augusto logró la firme y definitiva consolidación de Roma como imperio hegemónico en el mar Mediterráneo (convertido ya en el Mare Nostrum romano) por la gran expansión económica y comercial que elevaría considerablemente su riqueza, y por una esplendorosa etapa de construcción nunca antes conocida en su capital bajo los parámetros de un modelo arquitectónico diseñado por el propio César Augusto para engrandecerla y embellecerla. De ahí la célebre frase exclamada antes de morir: “Encontré una ciudad de ladrillos y dejo una ciudad de mármol”. Una estabilidad duradera en el tiempo que afectaría a todas las estructuras del Estado Romano durante su gobierno, y que es nombrada en los libros de Historia como “La Pax Romana”, teniendo como inicio el año 29 a.C. durante su mandato, y que se prolongaría durante casi dos siglos hasta el año 180 d.C. cuando finaliza el mandato del ilustre Marco Aurelio. Sobre Marco Aurelio, recomiendo la lectura del mejor libro biográfico que se haya publicado a día de hoy, “Marco Aurelio -Guerrero, Filósofo, Emperador-” (La Esfera de los Libros), obra que ya he reseñado en Lux Atenea. Pero, sin la guía y sin la acertada visión del modelo de Estado llevada a cabo por César Augusto, nada habría sido tan glorioso, irrepetible, perdurable, avanzado y único como fue el Imperio Romano y su Cultura.

“La Era de Augusto. Del Caos al Orden” es un atrayente documental en el cual se han cuidado mucho las imágenes y las secuencias que lo vertebran, al igual que los estudios, y la información y datos históricos que se presentan de forma amena y didáctica hasta convertir su visualización en un fascinante viaje a aquella época en la Historia de Europa. Todo comenzará con el nacimiento de Augusto (su verdadero nombre era Octavio pero, para no confundir al lector, en esta reseña me referiré a él siempre como Augusto) en unos momentos difíciles debido al caos y a la barbarie en la que estaba sumida Roma. Una guerra civil que a punto estuvo de hundirla irremediablemente. Con sólo cuatro años, Augusto se queda sin padre, pero a los trece años su tío-abuelo Julio César alcanza el poder en Roma. Años después, Julio César adoptaría a Augusto y lo nombraría su heredero, con todos los peligros y responsabilidades que ello suponía. Tras el asesinato de Julio César (año 44 a.C.), su padre adoptivo en ese momento, Augusto pondrá todo su empeño y todas sus energías dirigidas al campo político. Aliado con Marco Antonio, derrotarán a las fuerzas leales a Bruto y Casio en la batalla de Filipos (año 42 a.C.), pero ambos, Marco Antonio y Augusto, querían el poder y tenían dos visiones completamente opuestas del modelo de Estado a seguir en Roma: Marco Antonio tenía una visión más helenística al estar influenciado por las ideas de Alejandro Magno, de ahí su unión con Cleopatra, y Augusto creía firmemente en una base propiamente romana de Estado. Finalmente, todo se acabará decidiendo en la batalla naval de Accio (31 a.C.), donde Augusto saldrá triunfante gracias a la inteligente dirección militar del general Marco Agripa durante este enfrentamiento clave en la Historia de Roma. Tras la victoria, Egipto será anexionado y, con Augusto en el poder, a partir del año 29 a.C. comenzará un largo periodo de esplendor que llegaría a todos los rincones del imperio.

En este documental también entrará en escena la vida del ilustre poeta romano Ovidio (43 a.C. – 17 d.C.), mostrándonos cómo desarrolló su pasión por los versos tras su llegada a la ciudad de Roma y a pesar de la distinta visión para su futuro que tenía su padre. Retornando a la vida de Augusto, en el año 38 a.C., éste se divorcia de su esposa Escribonia y decide casarse con Livia, su amante, que estaba embarazada, dando inicio a una dinastía de la cual saldrán los futuros emperadores que gobernarán el Imperio Romano tras su muerte. Augusto ampliará considerablemente los límites de Roma con la conquista de nuevos territorios que darán mayor estabilidad a sus fronteras, eliminando el peligro que suponía la presión de otros pueblos enemigos. De la mano de Augusto, los ciudadanos de Roma empiezan a conocer un próspero periodo económico y social como muestra clara del gran poder del Imperio, pero el año 23 a.C. será nefasto para la ciudad al sufrir todo tipo de desastres, al igual que sucederá en el resto de Italia. Poco tiempo antes de esta fatídica fecha, Augusto había renunciado al poder y, ante tan terrible secuencia de aciagos acontecimientos padecidos, el pueblo romano obligará al Senado Romano a nombrar a Augusto como gobernante con poder absoluto para que éste pudiera poner fin a las graves penalidades que estaban sufriendo. Además, Augusto proyecta una imagen pública de corte tradicional marcada por la austeridad, la humildad, y la sencillez de su vida cotidiana, convirtiéndose en el emperador que dio una gran importancia a la moralidad conservadora dentro de la sociedad romana. Para Augusto, habían sido los valores de los antiguos romanos los que habían hecho grande a Roma, y se dictaron nuevas leyes destinadas a orientar a la ciudadanía en esa dirección.

Una visión tradicional que también le crearía enemigos y opositores, creando incluso tensiones dentro de su propia familia, siendo vistos los versos libertinos de Ovidio como una afrenta moral al dictado de Augusto. Una complicada situación que, en el caso de su hija Julia y del poeta Ovidio, acabarán con su inexorable destierro. Pero el mayor desastre que tuvo que asumir Augusto durante su mandato serán las tres legiones romanas masacradas por las tribus germanas en los bosques de Teutoburgo en el año 9 d.C., afectándole profundamente hasta hacerle caer en una gran depresión. Además, una serie de nuevos desastres y de impagos a los soldados de sus legiones llevarán a Augusto a una difícil situación cuyos efectos se propagarían entre la ciudadanía, llegando a solucionar ese complicado momento para Roma como anteriormente ya había logrado superar situaciones complicadas para el Imperio. Tras su muerte, serán los sangrientos e inestables mandatos de los emperadores que le sucedieron los que harán que su etapa como gobernante fuera recordada con añoranza entre la ciudadanía romana, erigiéndose como el emperador más glorioso que tuvo el Imperio Romano a lo largo de toda su historia. “La Era de Augusto. Del Caos al Orden”, cuando la paz, la estabilidad, y la solvencia económica del Estado se transforman en el motor principal que impulsa el crecimiento comercial, el progreso, la expansión, y el desarrollo social de una civilización. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 138 // Reseña Musical nº: 84

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 1 de octubre año 2018 en la 35ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 35th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al genial artista italiano ALESSANDRO CAMILLETTI (PSYCHO KINDER) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Septiembre 2018
Sello discográfico: FONETICA MECCANICA
Código de referencia: FM06
Tracklist: 1 // 2 // 3 // 4 // 5 // 6 // 7 // 8 // 9 // 10 // 11 // 12
Artistas: Alessandro Camilletti (vocalista), Deca (música)
Trabajo musical: Música compuesta por Deca, lírica escrita por Alessandro Camilletti, salvo el tema “4” (Luca Ormelli)
Trabajo artístico: Francesco Pirro
Datos técnicos: Temas grabados en el año 2018 en Atom Institute y Bunker Studio, habiendo sido mezclados por Deca; álbum masterizado por Michele Caserta
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical

Si los melómanos lectores de Lux Atenea quieren escuchar y sentir la música de vanguardia que va marcar los parámetros artísticos de la cultura non-mainstream de la próxima década, la adquisición y disfrute del excelso álbum “Diario Ermetico” de Psycho Kinder es imprescindible. Presentado oficialmente el pasado día 6 de septiembre a través de su propio sello discográfico FONETICA MECCANICA en formato digital, el grandioso álbum “Diario Ermetico” ha sido engalanado con un elegante diseño creado por Francesco Pirro, representando simbólicamente en su portada esta figura unida inexorablemente a la magia de la escritura y a la disolución del individuo o, mejor dicho, de su Ego. Vertebrado por doce magnéticos temas de ilustre lírica poética escrita por Alessandro Camilletti (salvo el cuarto tema de lírica firmada por Luca Ormelli), en su plano musical, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán impactados con esta inteligente y virtuosa muestra sonora de dark-ambient, neoclasicismo, marcial, minimal, experimental… realizada por Deca, habiendo sido impecablemente masterizados por Michele Caserta. “Diario Ermetico” se convierte en el cuarto álbum de Psycho Kinder, configurando y reforzando una prestigiosa carrera musical iniciada en el año 2009 que, en este año 2018, tras la presentación de este álbum vuelve a quedar demostrado el estado de gracia artística en el que se encuentra Psycho Kinder con estas nuevas ideas y conceptos de gran versatilidad y esencia pionera. Iniciamos la audición de este espectacular álbum con el oscuro crescendo del primer tema, englobado en un estilo dark-ambient que es perfecto para recrear la sublime y tenebrosa temática de su lírica, apareciendo a continuación el precioso segundo tema con aires melódicos neoclásicos que transmiten decadencia interior y resignación ante la vorágine social, retornando de nuevo al dark-ambient estructuralmente minimalista en el tercer tema donde la inquietud, la duda y la sensación de pérdida del sentido son emocionalmente dominantes.

El neoclasicismo musical del cuarto tema rozará conceptualmente los parámetros de la música contemporánea, teniendo como base estructural, esta fragilidad destinada a aumentar el poderoso flujo nihilista a punto de estallar en esta magna lírica escrita por Luca Ormelli. Oscilando entre la vigilia y el sueño se presentará el quinto tema, encumbrando su lírica a través de estos épicos planos sonoros de corte marcial que hacen bullir la tensión y la inestabilidad hasta quedar amalgamadas en esta hipnótica poesía, quedando la elegante atmósfera neoclásica del piano que da vida al sexto tema, perfumada con las reflexiones propias de quien mira al infinito como horizonte inalcanzable, y mira al abismo para tratar de comprender la realidad caduca de este mundo. Belleza lírica y excelsa delicatessen musical que tendrán su continuidad en el séptimo tema, con el dark-ambient establecido como lenguaje sonoro del poeta que busca significados más allá de las palabras, más allá de la Razón, desembocando en el minimalismo musical electrónico del octavo tema decorado con los ecos de la lírica interpretada magistralmente por Alessandro Camilletti. Y del minimalismo pasaremos a la experimentación electrónica en el noveno tema, presentando esta composición texturas de inspiración industrial sin llegar a adentrarse mucho en ese estilo, y convirtiendo lo secuencial en metáfora del tiempo en su imparable avance en este universo, teniendo su continuidad sonora en el décimo tema, mucho más complejo en su trasfondo debido al apocalíptico significado de su lírica donde el poema brilla impulsivamente como último legado de la Humanidad en esta tierra. Una fascinación artística por la vanguardia que, en el undécimo tema, se transformará en este collage sonoro formado por fragmentos pertenecientes a las obras artísticas de auténticos genios como Andrej Tarkovskij (“Solaris”, 1972), Ingmar Bergman (“Fresas Salvajes – Smultronstället”, 1957), Alejandro Jodorowsky (“El Topo”, 1970), y Pier Paolo Pasolini (lectura del Canto LXXXI del “Canti Pisani” de Ezra Pound, realizada el 26 de octubre de 1967 en la RAI – Radiotelevisione Italiana). Extendiendo el telón de clausura en esta excelsa obra musical, el duodécimo tema nos llevará a ese obscuro estado donde reina el inconsciente con la intuición y la sabiduría como pilares maestros asentados en el interior del individuo. Un ser racionalmente perdido en este mundo cada vez más lleno de preguntas sin respuesta posible o entendible que lo ilumine espiritualmente. “Diario Ermetico”, sin duda alguna, Psycho Kinder se ha convertido en uno de los estandartes de la música non-mainstream de vanguardia dentro de la escena italiana actual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 137 // Reseña Musical nº: 83

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 1 de octubre año 2018 en la 35ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 35th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico británico BLUE TAPES por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Junio 2018
Sello discográfico: BLUE TAPES
Código de referencia: Blue Twenty-Seven
Tracklist: 1- 2 da RDG // 2- Inoccent Lie // 3- Check!!! // 4- ENTER SONG // 5- DON’T SAY // 6- Morning Goodbye // 7- Inner Of The Sea
Artistas: Cherry (aka Teruyuki Kurihara), Tec, y Yan
Trabajo musical: Check!!!
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Joya discográfica, sobre todo en esta lujosa edición en cassette

Una de las obras maestras que más he disfrutado escuchando en este pasado verano ha sido el grandioso álbum “Blue Twenty-Seven” del grupo musical japonés Check!!!. Presentado a principios del mes de junio de este año 2018, “Blue Twenty-Seven” ha sido publicado por el prestigioso sello discográfico británico BLUE TAPES en una lujosa edición en cassette con código de descarga en formato digital, disponible a través de su página oficial en Bandcamp. Engalanado con un impactante diseño cuya imagen de portada impresiona por el uso de estas ilustraciones creadas con la técnica fotográfica del cianotipo, precisamente ese reflejo visual donde se entremezcla lo vintage con lo posmoderno es artísticamente ideal para transmitir la esencia musical del grupo musical japonés Check!!! en este álbum. Formado por Cherry (aka Teruyuki Kurihara), Tec, y Yan, en los siete temas que vertebran su reciente álbum “Blue Twenty-Seven”, los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta joya discográfica podrán comprobar como estas extraordinarias composiciones del grupo japonés Check!!!, están conceptualmente influenciadas por estilos musicales tan diversos como el krautrock, la electrónica experimental minimalista, rock sinfónico y psicodelia, ambient, techno… Eso sí, siendo armoniosamente equilibrados en estructuras musicales de vanguardia que, debido a la improvisación, transmiten esta autenticidad artística imposible de igualar si no es con el virtuosismo instrumental. Cosmopolita y ambientalmente futurista, sin más demora comenzamos la atenta audición de este espectacular álbum sumergiéndonos en las vibrantes texturas electrónicas del tema “2 da RDG”, experimentando sensorialmente esta dimensión musical donde la sucesión de planos sonoros va configurando la fusión de estilos electrónicos high-tech y techno con reminiscencias a la música electrónica de la Escuela de Berlín de la década de los setenta. Ocho minutos de intenso disfrute de esta atmósfera sonora futurista con fugaces cromatismos cyber que, en la composición “Inoccent Lie”, adquiere la inconfundible sonoridad instrumental del krautrock reactualizado conceptualmente en esta segunda década del siglo XXI. Sus evanescentes melodías sutilmente marcadas por el impecable tempo del bajo, crean el escenario musical perfecto para que la guitarra eléctrica nos hipnotice y nos haga salir mentalmente de esta realidad cotidiana. Caminar por las calles de cualquier ciudad posmoderna mientras suena este tema en los auriculares, es toda una experiencia.

A continuación, entraremos en lo experimental con el sorprendente tema “Check!!!”, donde se deconstruyen completamente las estructuras sonoras básicas con esta sucesión de samples hasta que, en su plano musical de fondo, van alzándose estas columnas sonoras instrumentales donde la afilada languidez de la guitarra eléctrica irradia y recrea ese avanzado espectro tecnológico destinado a resaltar y controlar la comunicación humana. En cambio, el tema “ENTER SONG” presentará características conceptuales propias del dark-jazz decorado con pasajes melódicos difuminados, quedando las distorsionadas oleadas sonoras de la guitarra eléctrica como destellos incandescentes de virtuosismo en la interpretación improvisada que encontrará su esplendor en estos matices propios del rock sinfónico y de la psicodelia old-school. Sin duda alguna, “ENTER SONG” es un magnífico tema que encantará a los amantes incondicionales del sonido de la guitarra eléctrica llevada hasta la vanguardia. Posteriormente, en “DON’T SAY” nos adentraremos en conceptos y definiciones característicos de la música experimental, pero más bien definidos estructuralmente como si fueran un iridiscente dadaísmo sonoro. La música electrónica se convierte en reflejo cosmopolita de lo acontecido, siendo sus brillos tecnológicos y su apasionada evolución cromática los que desencadenen este flujo totalmente influenciado por lo pasado, desembocando en la composición “Morning Goodbye”. A partir de aquí, el entorno se volverá más ambient hasta envolvernos completamente con este preciosismo melódico que invita a la contemplación… a la cálida contemplación mística. Cerrando esta espectacular obra maestra, el tema “Inner Of The Sea” nos hará pasar del calmado estado contemplativo a la enérgica fascinación por los amplios horizontes, destacando especialmente la recreación musical de los reflejos en el agua que se sienten durante su audición. Belleza sublime irradiando al individuo para hacerle consciente de su pequeñez universal y, a su vez, de su grandeza espiritual. “Blue Twenty-Seven”, desde la avanzada e innovadora megalópolis japonesa de Tokio, Check!!! nos propone sumergirnos en este radiante caleidoscopio musical de vanguardia electrónica y krautrock actualizado. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 136 // Reseña Musical nº: 82

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 2 de octubre año 2018 en la 35ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 35th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico ruso ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS (PANTHEOPHANIA RECORDS) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Septiembre 2018
Sello discográfico: ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS
Código de referencia: ПAN034
Tracklist: 1- Drift // 2- Lost // 3- Adapt // 4- Realign
Artistas: Oleg Puzan (Dronny Darko) y Eelke van Hoof (Apollonius)
Trabajo musical: Dronny Darko y Apollonius
Trabajo artístico: Tim Six (diseño), Apollonius (trabajo artístico)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical, sobre todo en su lujosa edición Autumn Equinox

El pasado 22 de septiembre fue presentado oficialmente el espectacular álbum de Dronny Darko y Apollonius titulado “The Sea of Potentials”. Un estilo musical dark-ambient conceptualmente muy avanzado que, en manos del artista ucraniano Oleg Puzan, alma máter de Dronny Darko, y del artista neerlandés Eelke van Hoof, alma máter de Apollonius, incorpora elementos sonoros ambient y drone con pinceladas sonoras ritual, tribal y ethereal en su esencia. Este excelso álbum ha sido publicado por el prestigioso sello discográfico ruso ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS en formato digital y en una edición limitada de 50 unidades en CD, veinte de los cuales en la lujosa edición Autumnal Equinox hecha a mano con decoración en polímero. “The Sea of Potentials” viene engalanado con un magnífico diseño creado por Tim Six, alma máter del sello ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS, con trabajo artístico de Apollonius en la realización del dibujo de portada, reflejando visualmente este metafórico simbolismo pictórico directamente relacionado con el inconsciente, con el alma, y con la vida ultraterrena. Los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran la lujosa edición Autumnal Equinox, auténtica joya discográfica, podrán comprobar el impresionante acabado final de esta preciosa edición artesanal realizada por Mila Berestovaya y Tim Six. ¡¡¡Una augusta delicatessen musical para coleccionistas!!! Sin más demora, iniciamos la audición de este magnífico y siniestro álbum sumergiéndonos en las largas ondulaciones sonoras del tema “Drift”, que harán que permanezcamos en un estado de espera como si estuviéramos inertes en el Reino de Hades al margen del tiempo. Con un estilo ambient de avanzada estructura conceptual, “Drift” es una brillante composición que te embruja mentalmente durante su audición, incorporando elementos musicales en su fase final que son propios de la escena ritual, de ahí la mística esencia espiritual que nos transmite donde el equilibrio y la armonía son absolutas en estos diecisiete minutos que parecen una larga y estática eternidad.

Sin interrupción alguna entraremos en el extraordinario tema “Lost” que nos llevará a otro escenario musical definido inteligentemente por cromatismos sonoros de gran viveza, desplegándose progresivamente su inmersión en el dark-ambient cuya base sonora viene definida por el elemento acuoso, dando la sensación de flotar sobre el mismo mientras avanzamos como si fuera el camino sin retorno de un ritual sagrado de muerte y renacimiento. En “Lost”, el drone es arte, es decadentismo decimonónico llevado al lenguaje musical, manteniéndose indeleble en la memoria de nuestros sentidos. Posteriormente, el tema “Adapt” reestructurará sonoramente esta atmósfera al incorporar el elemento tierra en su base musical, pudiendo escuchar estos pasos avanzando por senderos poblados de vida. La composición “Adapt” es ambient en su plano musical más cercano e inconfundiblemente dark-ambient en su trasfondo, creando un conjunto global sensorialmente cercano e inquietante en su mensaje esotérico, de ahí la presencia de estas vaporosas fantasmagorías. Con una obscuridad creciente que todo lo devora, el estilo dark-ambient se irá volviendo aún más tenebroso, vibrando todo con esta inestable fuerza e ímpetu como si fuera luego a paralizarse de repente y colapsarse. Cerrando esta magna obra musical, el tema “Realign” incorporará elementos sonoros tribales como recreación de esa liberación espiritual cargada de luz, reinando en este entorno la hipnótica fascinación de lo iridiscente filtrada visualmente por el ideal, por ese ideal alejado completamente de los prejuicios preconcebidos o imaginados. Plenitud y esplendor entrelazados en este nuevo mundo casi etéreo que acabará por disolverse. “The Sea of Potentials”, desde la aristocrática ciudad rusa de San Petersburgo, mística elegancia sonora creada por estas dos privilegiadas mentes artísticas dentro de la escena musical non-mainstream. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 135 // Reseña Musical nº: 81

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 3 de octubre año 2018 en la 35ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 35th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Edición reseñada: Álbum digital
Fecha de publicación: Septiembre 2018
Sello discográfico: THE RORSCHACH GARDEN
Tracklist: 1- Autobiographic // 2- Age Of Love // 3- Maybe // 4- Killer Droids // 5- A Friendly Kind Of Energy // 6- So Cute // 7- Bizarre // 8- Exposed // 9- Space Journey // 10- Dream // 11- The White Machine // 12- One More Time // 13- Sweet Oblivion // 14- This Is Not The End // 15- Autobiographic (Floater Remix)
Artistas: Philipp Münch
Artistas invitados: Andrea Börner-Schramm (sintetizador en el tema “This Is Not The End”), Helge Neu (remix del tema “Autobiographic (Floater Remix)”)
Trabajo musical: The Rorschach Garden
Datos técnicos: Temas grabados entre los años 1997 y 2002; álbum originalmente publicado en CD por el sello discográfico alemán Fich-Art en el año 2002; remasterizado en 2018 para esta edición
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Autobiographic // 5- A Friendly Kind Of Energy // 8- Exposed // 9- Space Journey // 11- The White Machine // 15- Autobiographic (Floater Remix)

El pasado día 23 de septiembre, el legendario artista alemán Philipp Münch, alma máter de The Rorschach Garden, presentó oficialmente esta nueva edición remasterizada de su mítico álbum “The Irony of Progress”, habiendo sido publicado en formato digital a través de la página oficial de The Rorschach Garden en Bandcamp. En el año 2002, este grandioso álbum vio la luz por primera vez en una edición en CD publicada por el sello discográfico alemán Fich-Art, manteniendo su portada original en esta re-edición remasterizada al quedar reflejado metafórica y visualmente el mensaje de su título en esta imagen ferroviaria inexorablemente unida a la modernidad y a su adorado progreso. Lo irónico, en clave humana, está muy bien descrito visualmente gracias a esta plasticidad cromática tan intensa, tan irreal y emocionalmente fría, quedando en cuestión ese supuesto progreso de la modernidad si se paga por ello con la deshumanización. Retornando al plano musical, en el álbum “The Irony of Progress”, el legendario artista alemán Philipp Münch pudo contar con la colaboración de grandes artistas como Andrea Börner-Schramm (sintetizador en el tema “This Is Not The End”) y Helge Neu en el remix del tema “Autobiographic (Floater Remix)”, configurando una obra musical destinada a convertirse en álbum de culto a partir de entonces. Vertebrado por quince espectaculares temas grabados entre los años 1997 y 2002, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán muy impresionados con la audición de este álbum porque, tras haber pasado por un equilibrado y detallado proceso técnico de remasterización, ¡¡¡cómo suenan cada uno de estos radiantes temas!!!

¡¡¡Qué comience la magia musical de The Rorschach Garden!!!, empezando por el extraordinario tema “Autobiographic” que, abriendo poco a poco este universo sonoro, nos revitalizará el espíritu con la augusta esencia sonora electrónica de los noventa, y con este inconfundible estilo alemán de composición musical en pleno esplendor en esa maravillosa década que vivimos y disfrutamos los melómanos. Un hechizo dark-electro que tendrá su continuidad en la canción “Age Of Love”, pulsante y sintética en su luminosidad sonora unida conceptualmente al synth-pop, apareciendo el tema “Maybe” con un aura nocturna de perfilamiento musical electrónico high-tech donde lo melódico y lo lírico crean este spleen posmoderno envuelto en tentaciones tecnológicas. Con un trasfondo más cyberpunk surgirá la sinuosa canción “Killer Droids”, transmitiendo directamente esa frialdad de lo cibernético decorado maravillosamente por The Rorschach Garden con este plano melódico electrónico enraizado en el fundamento musical que caracterizó a la Escuela de Berlín de la década de los setenta. De nuevo, cambiando de estilo entraremos en la aterciopelada evanescencia synth-pop de “A Friendly Kind Of Energy”, hechizándonos con esta mezcla de vitalidad sonora de la década de los ochenta con la sofisticación electrónica de los noventa, lanzándonos de lleno a la plasticidad del techno en “So Cute” con esta cubierta sonora también ochentera que, en la canción “Bizarre”, hará que cambie completamente este entorno musical hacia lo secuencial al tecnificarse sonoramente de manera experimental. Pero, con la calidez del extraordinario tema “Exposed”, retornaremos a espacios dimensionales más sofisticados y luminosos donde la música electrónica es enérgica y vital, desembocando en los radiantes cromatismos melódicos de la canción “Space Journey” que te seducirán desde el primer segundo al ser éste uno de los mejores temas de este álbum. ¡¡¡“Space Journey”, encanto musical electrónico!!!

“Dream” se presentará conceptualmente más avanzado al presentar esta contundente superestructura musical electrónica, cuyos pilares sonoros en constante cambio nos llevan a sentir este tema con una mayor cercanía, llevándonos hasta la canción “The White Machine” a través de la cual, gracias a la calidad de estos perfilamientos sonoros, en aquella época The Rorschach Garden fue cimentando su privilegiada fama dentro de la escena musical electrónica non-mainstream. ¡¡¡“The White Machine”, una auténtica delicia!!! Sin perder la jovialidad del synth-pop nos adentraremos en “One More Time”, que nos conducirá hasta el tema “Sweet Oblivion” donde las secuencias sonoras electrónicas de personalidad futurista nos invitan a una atenta audición para desvelar sus matices, siendo el magistral arte musical de Andrea Börner-Schramm en “This Is Not The End” lo que nos provoque esta inmersión voluntaria en el minimalismo electrónico poblado por burbujeantes planos sonoros y encantadoras melodías. Como colofón, el remix del artista Helge Neu “Autobiographic (Floater Remix)” convertirá este cierre musical en una nueva demostración de luminosidad sonora, y cuyos destellos estimularán nuestra mente con su perspectiva artística más abierta al incorporar elementos musicales característicos del estilo jungle. “The Irony of Progress”, como el ave fénix, la grandeza artística de la música electrónica non-mainstream de la década de los noventa y principios de este siglo XXI renace en esta edición remasterizada para volver a cautivar a los melómanos más selectos y exigentes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 134 // Reseña Musical nº: 80

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 4 de octubre año 2018 en la 35ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 35th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al genial artista italiano RAFFAELE PEZZELLA (SONOLOGYST, UNEXPLAINED SOUNDS GROUP, EIGHTH TOWER RECORDS) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Septiembre 2018
Sello discográfico: UNEXPLAINED SOUNDS GROUP
Código de referencia: USG048
Tracklist: 1- NUM “Vacant Shade” // 2- Michael Bonaventure “Terramorph” // 3- Giovanni Verga “Cappella” // 4- Sonologyst “Dahomey Kingdom” // 5- Renato Trossero “Bass impro #4 Wood Room Series” // 6- Daniel Barbiero + Ken Moore + Dave Vosh “open set 1” // 7- Yixuan Shao & Fahmi Mursyid “Untitled III” // 8- d E “pesto solo” // 9- Alejandro H.H. “Mareo Sobre El Abismo” // 10- Vincent Paillard “impro bass solo” // 11- Cupis “Moon Faced Buddha” // 12- Diego Arcadio “Oiseau dans l’espace” // 13- Immara “Perturbation 2” // 14- Stefan Schmidt “Collapsing circuits” // 15- Thomas Grenzebach “Discord” // 16- Dimitris Savva “StousTheous” // 17- JS-Horseman “Polygons” // 18- Lucia Caiazza “wave” // 19- Ruido Frotado “Lunático Saturnino” // 20- Two or The Dragon “Live at Metro. June 2018” // 21- Giorgio Sancristoforo “Ausstrahlung”
Artistas: NUM, Michael Bonaventure, Giovanni Verga, Sonologyst, Renato Trossero, Daniel Barbiero, Ken Moore, Dave Vosh, Yixuan Shao, Fahmi Mursyid, d E, Alejandro H.H., Vincent Paillard, Cupis, Diego Arcadio, Immara, Stefan Schmidt, Thomas Grenzebach, Dimitris Savva, JS-Horseman, Lucia Caiazza, Ruido Frotado, Two or The Dragon, y Giorgio Sancristoforo
Trabajo musical: NUM, Michael Bonaventure, Giovanni Verga, Sonologyst, Renato Trossero, Daniel Barbiero, Ken Moore, Dave Vosh, Yixuan Shao, Fahmi Mursyid, d E, Alejandro H.H., Vincent Paillard, Cupis, Diego Arcadio, Immara, Stefan Schmidt, Thomas Grenzebach, Dimitris Savva, JS-Horseman, Lucia Caiazza, Ruido Frotado, Two or The Dragon, y Giorgio Sancristoforo
Trabajo artístico: Black Space Industry
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Michael Bonaventure “Terramorph” // 8- d E “pesto solo” // 11- Cupis “Moon Faced Buddha” // 15- Thomas Grenzebach “Discord” // 16- Dimitris Savva “StousTheous” // 19- Ruido Frotado “Lunático Saturnino”

Publicado en formato digital por el prestigioso sello discográfico UNEXPLAINED SOUNDS GROUP dirigido por el genial artista italiano Raffaele Pezzella, el pasado 27 de septiembre fue presentado oficialmente el magnífico álbum recopilatorio “Electroframework”, Engalanado con un intrigante diseño de portada creado por Black Space Industry, la presencia del misterio es latente en su imagen al observar esta amplia superficie de la capa de hielo fracturada tras haberse posado un gigantesco, enigmático, y pesado objeto. Inquietud y secretos velados que, llevados al plano musical, nos hacen más que aumentar nuestro interés cultural hacia cada uno de los talentosos artistas cuyas obras vertebran este espectacular álbum. Un interesante recopilatorio que, seguro, encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea que lo adquieran como vía de entrada al innovador arte musical que está definiendo a la escena electrónica non-mainstream en este final de la segunda década del siglo XXI. Sin mayor demora en el intenso disfrute de esta lujosa compilación, iniciamos la audición del álbum “Electroframework” con el primer tema “Vacant Shade” de NUM, presentando complejas texturas sonoras electrónicas donde la experimentación es esencial en la sintética definición musical de esta composición con planos sonoros power electronics, dimensionamiento high-tech futurista, y pinceladas noise e industriales. A continuación, el genial artista escocés Michael Bonaventure nos invitará a sumergirnos en una atmósfera ambient perfumada con lo sacro en “Terramorph”, y tan radiante como el nacimiento de la vida, manteniéndose ese aire sacro en el tema “Cappella” de Giovanni Verga con un sonido industrial angosto y desafiante que te perturba y aturde psíquicamente, llevándonos hasta esta fusión de ambient, tribal y electrónica experimental que marca la personalidad artística de Sonologyst en su composición “Dahomey Kingdom”.

Posteriormente, saltaremos a otra potente dimensión sonora rupturista y extrema definida musicalmente por Renato Trossero en “Bass impro #4 Wood Room Series”, calmándose ese tenso escenario sólo un poco en el tema “open set 1” de Daniel Barbiero, Ken Moore y Dave Vosh, dentro de un conjunto sonoro global absolutamente tecnificado con los moduladores, sintetizadores y demás elementos musicales electrónicos llevados hasta otros límites conceptuales dentro del estilo experimental. En cambio, Yixuan Shao y Fahmi Mursyid nos sorprenderán con esta afilada configuración instrumental clásica de música contemporánea en su tema “Untitled III”, creando profundas distorsiones estructurales de fuerte impacto mental como su fuera el inicio de una dramática pesadilla, desembocando en la impresionante solemnidad del tema de d E “pesto solo”, donde la electrónica experimental coquetea con el ambient y el dark-ambient a través de esta impecable utilización sonora del drone. ¡¡¡“pesto solo”, impresionante composición!!! Retornando a la música contemporánea, en “Mareo Sobre El Abismo”, Alejandro H.H. crea estas disrupciones melódicas como base principal de la composición para luego adentrarnos en otro concepto, en otra visión de lo instrumental en el elegante tema “impro bass solo” de Vincent Paillard, apareciendo Cupis con su obscura composición “Moon Faced Buddha” y esta siniestra definición del dark-ambient complementado con el lamento sonoro de este saxofón de auténtico lujo. Sin duda alguna, “Moon Faced Buddha” es el tema de este álbum recopilatorio que más me ha sorprendido y más me ha fascinado, pasando a formar parte de mi selección musical personal. ¡¡¡“Moon Faced Buddha”, excelsa y selénica composición!!! ¡¡¡Chapeau!!!

Dando entrada al tema de Diego Arcadio “Oiseau dans l’espace”, del dark-ambient pasaremos a esta integración de música experimental con tenues trasfondos ambient donde los afilados cromatismos sonoros instrumentales son casi enfermizos… o decadentemente psicopáticos, generando una tensión existencial que, en el tema de Immara “Perturbation 2”, quedarán anulados con esta curiosa mezcla conceptual de tribal con dark-jazz que genera profundas sensaciones de soledad y de pérdida del sentido de la vida. Pero Stefan Schmidt elevará el espíritu experimental más potente gracias a estos sólidos pilares industriales y noise en su terrorífica composición “Collapsing circuits”, que bien podía ser la banda sonora del colapso de una civilización altamente tecnificada, reconfigurándose completamente la atmósfera musical de nuestro entorno con el hipnótico tema “Discord” de Thomas Grenzebach, haciendo un inteligente uso del minimalismo sonoro para llevarte a una ruptura absoluta del sentido temporal del presente. En “Discord”, el artista suizo Thomas Grenzebach juega con el tiempo y con los espacios dimensionales como si fuera un demiurgo musical, extendiendo y difuminando atmósferas con una maestría que te provocan tanto admiración como sobrecogimiento. Mucho más expansivo es el tema “StousTheous” de Dimitris Savva, siendo muy marcado su eclecticismo musical a través de complejas texturas sonoras nacidas en sintetizadores modulares, a través de esencias electrónicas surgidas en el crisol electroacústico, o de búsqueda pionera de nuevas formas sonoras a través de equipos musicales hechos a medida. Cuando termina el extraordinario tema “StousTheous”, el vacío que queda en el ambiente y el regusto sonoro que queda en la mente te invitan inexorablemente a una nueva audición, repitiendo este proceso varias veces más antes de adentrarnos en el tema de JS-Horseman “Polygons”, donde la estática sonora inicial es el preámbulo de este minimalismo musical extremo íntimamente unido en su dimensión filosófica con lo post-industrial.

En “Polygons”, la formas sonoras se tensan hasta su límite máximo hasta romperlas, apareciendo más y más elementos sonoros, y más rupturas, que terminan creando esta siniestra danza de destrucción intrascendente y muerte musical. Con el lánguido plano melódico para guitarra del tema “wave”, Lucia Caiazza define esta presentación sonora con su visión musical caracterizada por la fugacidad, por la esencia sonora liviana, y por la ausencia de emociones sentimentales, siendo el tema “Lunático Saturnino”de Ruido Frotado el que nos haga experimentar el vacío absoluto en medio de la inmensidad con este dark-ambient de auténtico lujo. Una obscura delicatessen musical de discreto trasfondo esotérico y ocultista que, sin necesidad de entrar en el estilo ritual, durante su atenta audición esta exquisita elegancia sonora cautivará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena. Un nuevo cambio conceptual aparecerá con Two or The Dragon y su composición “Live at Metro. June 2018”, radicalmente más luminosa y terrenal, siendo la antesala del tema “Ausstrahlung”, a través del cual Giorgio Sancristoforo clausurará este álbum con esta sublime iridiscencia sonora magistralmente marcada con el tempo de esta preciosa composición ambient, evolucionando hacia un estilo experimental más tenso, grave y dramático en su parte final. “Electroframework”, Unexplained Sounds Group vuelve a deslumbrarnos artísticamente con otra compilación musical de imprescindible audición para poder conocer la escena sonora non-mainstream más relevante en la actualidad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.