Reseña Cultural nº: 137 // Reseña Musical nº: 83

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 1 de octubre año 2018 en la 35ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 35th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico británico BLUE TAPES por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Junio 2018
Sello discográfico: BLUE TAPES
Código de referencia: Blue Twenty-Seven
Tracklist: 1- 2 da RDG // 2- Inoccent Lie // 3- Check!!! // 4- ENTER SONG // 5- DON’T SAY // 6- Morning Goodbye // 7- Inner Of The Sea
Artistas: Cherry (aka Teruyuki Kurihara), Tec, y Yan
Trabajo musical: Check!!!
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Joya discográfica, sobre todo en esta lujosa edición en cassette

Una de las obras maestras que más he disfrutado escuchando en este pasado verano ha sido el grandioso álbum “Blue Twenty-Seven” del grupo musical japonés Check!!!. Presentado a principios del mes de junio de este año 2018, “Blue Twenty-Seven” ha sido publicado por el prestigioso sello discográfico británico BLUE TAPES en una lujosa edición en cassette con código de descarga en formato digital, disponible a través de su página oficial en Bandcamp. Engalanado con un impactante diseño cuya imagen de portada impresiona por el uso de estas ilustraciones creadas con la técnica fotográfica del cianotipo, precisamente ese reflejo visual donde se entremezcla lo vintage con lo posmoderno es artísticamente ideal para transmitir la esencia musical del grupo musical japonés Check!!! en este álbum. Formado por Cherry (aka Teruyuki Kurihara), Tec, y Yan, en los siete temas que vertebran su reciente álbum “Blue Twenty-Seven”, los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta joya discográfica podrán comprobar como estas extraordinarias composiciones del grupo japonés Check!!!, están conceptualmente influenciadas por estilos musicales tan diversos como el krautrock, la electrónica experimental minimalista, rock sinfónico y psicodelia, ambient, techno… Eso sí, siendo armoniosamente equilibrados en estructuras musicales de vanguardia que, debido a la improvisación, transmiten esta autenticidad artística imposible de igualar si no es con el virtuosismo instrumental. Cosmopolita y ambientalmente futurista, sin más demora comenzamos la atenta audición de este espectacular álbum sumergiéndonos en las vibrantes texturas electrónicas del tema “2 da RDG”, experimentando sensorialmente esta dimensión musical donde la sucesión de planos sonoros va configurando la fusión de estilos electrónicos high-tech y techno con reminiscencias a la música electrónica de la Escuela de Berlín de la década de los setenta. Ocho minutos de intenso disfrute de esta atmósfera sonora futurista con fugaces cromatismos cyber que, en la composición “Inoccent Lie”, adquiere la inconfundible sonoridad instrumental del krautrock reactualizado conceptualmente en esta segunda década del siglo XXI. Sus evanescentes melodías sutilmente marcadas por el impecable tempo del bajo, crean el escenario musical perfecto para que la guitarra eléctrica nos hipnotice y nos haga salir mentalmente de esta realidad cotidiana. Caminar por las calles de cualquier ciudad posmoderna mientras suena este tema en los auriculares, es toda una experiencia.

A continuación, entraremos en lo experimental con el sorprendente tema “Check!!!”, donde se deconstruyen completamente las estructuras sonoras básicas con esta sucesión de samples hasta que, en su plano musical de fondo, van alzándose estas columnas sonoras instrumentales donde la afilada languidez de la guitarra eléctrica irradia y recrea ese avanzado espectro tecnológico destinado a resaltar y controlar la comunicación humana. En cambio, el tema “ENTER SONG” presentará características conceptuales propias del dark-jazz decorado con pasajes melódicos difuminados, quedando las distorsionadas oleadas sonoras de la guitarra eléctrica como destellos incandescentes de virtuosismo en la interpretación improvisada que encontrará su esplendor en estos matices propios del rock sinfónico y de la psicodelia old-school. Sin duda alguna, “ENTER SONG” es un magnífico tema que encantará a los amantes incondicionales del sonido de la guitarra eléctrica llevada hasta la vanguardia. Posteriormente, en “DON’T SAY” nos adentraremos en conceptos y definiciones característicos de la música experimental, pero más bien definidos estructuralmente como si fueran un iridiscente dadaísmo sonoro. La música electrónica se convierte en reflejo cosmopolita de lo acontecido, siendo sus brillos tecnológicos y su apasionada evolución cromática los que desencadenen este flujo totalmente influenciado por lo pasado, desembocando en la composición “Morning Goodbye”. A partir de aquí, el entorno se volverá más ambient hasta envolvernos completamente con este preciosismo melódico que invita a la contemplación… a la cálida contemplación mística. Cerrando esta espectacular obra maestra, el tema “Inner Of The Sea” nos hará pasar del calmado estado contemplativo a la enérgica fascinación por los amplios horizontes, destacando especialmente la recreación musical de los reflejos en el agua que se sienten durante su audición. Belleza sublime irradiando al individuo para hacerle consciente de su pequeñez universal y, a su vez, de su grandeza espiritual. “Blue Twenty-Seven”, desde la avanzada e innovadora megalópolis japonesa de Tokio, Check!!! nos propone sumergirnos en este radiante caleidoscopio musical de vanguardia electrónica y krautrock actualizado. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 136 // Reseña Musical nº: 82

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 2 de octubre año 2018 en la 35ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 35th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico ruso ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS (PANTHEOPHANIA RECORDS) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Septiembre 2018
Sello discográfico: ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS
Código de referencia: ПAN034
Tracklist: 1- Drift // 2- Lost // 3- Adapt // 4- Realign
Artistas: Oleg Puzan (Dronny Darko) y Eelke van Hoof (Apollonius)
Trabajo musical: Dronny Darko y Apollonius
Trabajo artístico: Tim Six (diseño), Apollonius (trabajo artístico)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical, sobre todo en su lujosa edición Autumn Equinox

El pasado 22 de septiembre fue presentado oficialmente el espectacular álbum de Dronny Darko y Apollonius titulado “The Sea of Potentials”. Un estilo musical dark-ambient conceptualmente muy avanzado que, en manos del artista ucraniano Oleg Puzan, alma máter de Dronny Darko, y del artista neerlandés Eelke van Hoof, alma máter de Apollonius, incorpora elementos sonoros ambient y drone con pinceladas sonoras ritual, tribal y ethereal en su esencia. Este excelso álbum ha sido publicado por el prestigioso sello discográfico ruso ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS en formato digital y en una edición limitada de 50 unidades en CD, veinte de los cuales en la lujosa edición Autumnal Equinox hecha a mano con decoración en polímero. “The Sea of Potentials” viene engalanado con un magnífico diseño creado por Tim Six, alma máter del sello ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS, con trabajo artístico de Apollonius en la realización del dibujo de portada, reflejando visualmente este metafórico simbolismo pictórico directamente relacionado con el inconsciente, con el alma, y con la vida ultraterrena. Los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran la lujosa edición Autumnal Equinox, auténtica joya discográfica, podrán comprobar el impresionante acabado final de esta preciosa edición artesanal realizada por Mila Berestovaya y Tim Six. ¡¡¡Una augusta delicatessen musical para coleccionistas!!! Sin más demora, iniciamos la audición de este magnífico y siniestro álbum sumergiéndonos en las largas ondulaciones sonoras del tema “Drift”, que harán que permanezcamos en un estado de espera como si estuviéramos inertes en el Reino de Hades al margen del tiempo. Con un estilo ambient de avanzada estructura conceptual, “Drift” es una brillante composición que te embruja mentalmente durante su audición, incorporando elementos musicales en su fase final que son propios de la escena ritual, de ahí la mística esencia espiritual que nos transmite donde el equilibrio y la armonía son absolutas en estos diecisiete minutos que parecen una larga y estática eternidad.

Sin interrupción alguna entraremos en el extraordinario tema “Lost” que nos llevará a otro escenario musical definido inteligentemente por cromatismos sonoros de gran viveza, desplegándose progresivamente su inmersión en el dark-ambient cuya base sonora viene definida por el elemento acuoso, dando la sensación de flotar sobre el mismo mientras avanzamos como si fuera el camino sin retorno de un ritual sagrado de muerte y renacimiento. En “Lost”, el drone es arte, es decadentismo decimonónico llevado al lenguaje musical, manteniéndose indeleble en la memoria de nuestros sentidos. Posteriormente, el tema “Adapt” reestructurará sonoramente esta atmósfera al incorporar el elemento tierra en su base musical, pudiendo escuchar estos pasos avanzando por senderos poblados de vida. La composición “Adapt” es ambient en su plano musical más cercano e inconfundiblemente dark-ambient en su trasfondo, creando un conjunto global sensorialmente cercano e inquietante en su mensaje esotérico, de ahí la presencia de estas vaporosas fantasmagorías. Con una obscuridad creciente que todo lo devora, el estilo dark-ambient se irá volviendo aún más tenebroso, vibrando todo con esta inestable fuerza e ímpetu como si fuera luego a paralizarse de repente y colapsarse. Cerrando esta magna obra musical, el tema “Realign” incorporará elementos sonoros tribales como recreación de esa liberación espiritual cargada de luz, reinando en este entorno la hipnótica fascinación de lo iridiscente filtrada visualmente por el ideal, por ese ideal alejado completamente de los prejuicios preconcebidos o imaginados. Plenitud y esplendor entrelazados en este nuevo mundo casi etéreo que acabará por disolverse. “The Sea of Potentials”, desde la aristocrática ciudad rusa de San Petersburgo, mística elegancia sonora creada por estas dos privilegiadas mentes artísticas dentro de la escena musical non-mainstream. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 135 // Reseña Musical nº: 81

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 3 de octubre año 2018 en la 35ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 35th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Edición reseñada: Álbum digital
Fecha de publicación: Septiembre 2018
Sello discográfico: THE RORSCHACH GARDEN
Tracklist: 1- Autobiographic // 2- Age Of Love // 3- Maybe // 4- Killer Droids // 5- A Friendly Kind Of Energy // 6- So Cute // 7- Bizarre // 8- Exposed // 9- Space Journey // 10- Dream // 11- The White Machine // 12- One More Time // 13- Sweet Oblivion // 14- This Is Not The End // 15- Autobiographic (Floater Remix)
Artistas: Philipp Münch
Artistas invitados: Andrea Börner-Schramm (sintetizador en el tema “This Is Not The End”), Helge Neu (remix del tema “Autobiographic (Floater Remix)”)
Trabajo musical: The Rorschach Garden
Datos técnicos: Temas grabados entre los años 1997 y 2002; álbum originalmente publicado en CD por el sello discográfico alemán Fich-Art en el año 2002; remasterizado en 2018 para esta edición
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Autobiographic // 5- A Friendly Kind Of Energy // 8- Exposed // 9- Space Journey // 11- The White Machine // 15- Autobiographic (Floater Remix)

El pasado día 23 de septiembre, el legendario artista alemán Philipp Münch, alma máter de The Rorschach Garden, presentó oficialmente esta nueva edición remasterizada de su mítico álbum “The Irony of Progress”, habiendo sido publicado en formato digital a través de la página oficial de The Rorschach Garden en Bandcamp. En el año 2002, este grandioso álbum vio la luz por primera vez en una edición en CD publicada por el sello discográfico alemán Fich-Art, manteniendo su portada original en esta re-edición remasterizada al quedar reflejado metafórica y visualmente el mensaje de su título en esta imagen ferroviaria inexorablemente unida a la modernidad y a su adorado progreso. Lo irónico, en clave humana, está muy bien descrito visualmente gracias a esta plasticidad cromática tan intensa, tan irreal y emocionalmente fría, quedando en cuestión ese supuesto progreso de la modernidad si se paga por ello con la deshumanización. Retornando al plano musical, en el álbum “The Irony of Progress”, el legendario artista alemán Philipp Münch pudo contar con la colaboración de grandes artistas como Andrea Börner-Schramm (sintetizador en el tema “This Is Not The End”) y Helge Neu en el remix del tema “Autobiographic (Floater Remix)”, configurando una obra musical destinada a convertirse en álbum de culto a partir de entonces. Vertebrado por quince espectaculares temas grabados entre los años 1997 y 2002, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán muy impresionados con la audición de este álbum porque, tras haber pasado por un equilibrado y detallado proceso técnico de remasterización, ¡¡¡cómo suenan cada uno de estos radiantes temas!!!

¡¡¡Qué comience la magia musical de The Rorschach Garden!!!, empezando por el extraordinario tema “Autobiographic” que, abriendo poco a poco este universo sonoro, nos revitalizará el espíritu con la augusta esencia sonora electrónica de los noventa, y con este inconfundible estilo alemán de composición musical en pleno esplendor en esa maravillosa década que vivimos y disfrutamos los melómanos. Un hechizo dark-electro que tendrá su continuidad en la canción “Age Of Love”, pulsante y sintética en su luminosidad sonora unida conceptualmente al synth-pop, apareciendo el tema “Maybe” con un aura nocturna de perfilamiento musical electrónico high-tech donde lo melódico y lo lírico crean este spleen posmoderno envuelto en tentaciones tecnológicas. Con un trasfondo más cyberpunk surgirá la sinuosa canción “Killer Droids”, transmitiendo directamente esa frialdad de lo cibernético decorado maravillosamente por The Rorschach Garden con este plano melódico electrónico enraizado en el fundamento musical que caracterizó a la Escuela de Berlín de la década de los setenta. De nuevo, cambiando de estilo entraremos en la aterciopelada evanescencia synth-pop de “A Friendly Kind Of Energy”, hechizándonos con esta mezcla de vitalidad sonora de la década de los ochenta con la sofisticación electrónica de los noventa, lanzándonos de lleno a la plasticidad del techno en “So Cute” con esta cubierta sonora también ochentera que, en la canción “Bizarre”, hará que cambie completamente este entorno musical hacia lo secuencial al tecnificarse sonoramente de manera experimental. Pero, con la calidez del extraordinario tema “Exposed”, retornaremos a espacios dimensionales más sofisticados y luminosos donde la música electrónica es enérgica y vital, desembocando en los radiantes cromatismos melódicos de la canción “Space Journey” que te seducirán desde el primer segundo al ser éste uno de los mejores temas de este álbum. ¡¡¡“Space Journey”, encanto musical electrónico!!!

“Dream” se presentará conceptualmente más avanzado al presentar esta contundente superestructura musical electrónica, cuyos pilares sonoros en constante cambio nos llevan a sentir este tema con una mayor cercanía, llevándonos hasta la canción “The White Machine” a través de la cual, gracias a la calidad de estos perfilamientos sonoros, en aquella época The Rorschach Garden fue cimentando su privilegiada fama dentro de la escena musical electrónica non-mainstream. ¡¡¡“The White Machine”, una auténtica delicia!!! Sin perder la jovialidad del synth-pop nos adentraremos en “One More Time”, que nos conducirá hasta el tema “Sweet Oblivion” donde las secuencias sonoras electrónicas de personalidad futurista nos invitan a una atenta audición para desvelar sus matices, siendo el magistral arte musical de Andrea Börner-Schramm en “This Is Not The End” lo que nos provoque esta inmersión voluntaria en el minimalismo electrónico poblado por burbujeantes planos sonoros y encantadoras melodías. Como colofón, el remix del artista Helge Neu “Autobiographic (Floater Remix)” convertirá este cierre musical en una nueva demostración de luminosidad sonora, y cuyos destellos estimularán nuestra mente con su perspectiva artística más abierta al incorporar elementos musicales característicos del estilo jungle. “The Irony of Progress”, como el ave fénix, la grandeza artística de la música electrónica non-mainstream de la década de los noventa y principios de este siglo XXI renace en esta edición remasterizada para volver a cautivar a los melómanos más selectos y exigentes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 134 // Reseña Musical nº: 80

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 4 de octubre año 2018 en la 35ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM – 35th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al genial artista italiano RAFFAELE PEZZELLA (SONOLOGYST, UNEXPLAINED SOUNDS GROUP, EIGHTH TOWER RECORDS) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Septiembre 2018
Sello discográfico: UNEXPLAINED SOUNDS GROUP
Código de referencia: USG048
Tracklist: 1- NUM “Vacant Shade” // 2- Michael Bonaventure “Terramorph” // 3- Giovanni Verga “Cappella” // 4- Sonologyst “Dahomey Kingdom” // 5- Renato Trossero “Bass impro #4 Wood Room Series” // 6- Daniel Barbiero + Ken Moore + Dave Vosh “open set 1” // 7- Yixuan Shao & Fahmi Mursyid “Untitled III” // 8- d E “pesto solo” // 9- Alejandro H.H. “Mareo Sobre El Abismo” // 10- Vincent Paillard “impro bass solo” // 11- Cupis “Moon Faced Buddha” // 12- Diego Arcadio “Oiseau dans l’espace” // 13- Immara “Perturbation 2” // 14- Stefan Schmidt “Collapsing circuits” // 15- Thomas Grenzebach “Discord” // 16- Dimitris Savva “StousTheous” // 17- JS-Horseman “Polygons” // 18- Lucia Caiazza “wave” // 19- Ruido Frotado “Lunático Saturnino” // 20- Two or The Dragon “Live at Metro. June 2018” // 21- Giorgio Sancristoforo “Ausstrahlung”
Artistas: NUM, Michael Bonaventure, Giovanni Verga, Sonologyst, Renato Trossero, Daniel Barbiero, Ken Moore, Dave Vosh, Yixuan Shao, Fahmi Mursyid, d E, Alejandro H.H., Vincent Paillard, Cupis, Diego Arcadio, Immara, Stefan Schmidt, Thomas Grenzebach, Dimitris Savva, JS-Horseman, Lucia Caiazza, Ruido Frotado, Two or The Dragon, y Giorgio Sancristoforo
Trabajo musical: NUM, Michael Bonaventure, Giovanni Verga, Sonologyst, Renato Trossero, Daniel Barbiero, Ken Moore, Dave Vosh, Yixuan Shao, Fahmi Mursyid, d E, Alejandro H.H., Vincent Paillard, Cupis, Diego Arcadio, Immara, Stefan Schmidt, Thomas Grenzebach, Dimitris Savva, JS-Horseman, Lucia Caiazza, Ruido Frotado, Two or The Dragon, y Giorgio Sancristoforo
Trabajo artístico: Black Space Industry
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Michael Bonaventure “Terramorph” // 8- d E “pesto solo” // 11- Cupis “Moon Faced Buddha” // 15- Thomas Grenzebach “Discord” // 16- Dimitris Savva “StousTheous” // 19- Ruido Frotado “Lunático Saturnino”

Publicado en formato digital por el prestigioso sello discográfico UNEXPLAINED SOUNDS GROUP dirigido por el genial artista italiano Raffaele Pezzella, el pasado 27 de septiembre fue presentado oficialmente el magnífico álbum recopilatorio “Electroframework”, Engalanado con un intrigante diseño de portada creado por Black Space Industry, la presencia del misterio es latente en su imagen al observar esta amplia superficie de la capa de hielo fracturada tras haberse posado un gigantesco, enigmático, y pesado objeto. Inquietud y secretos velados que, llevados al plano musical, nos hacen más que aumentar nuestro interés cultural hacia cada uno de los talentosos artistas cuyas obras vertebran este espectacular álbum. Un interesante recopilatorio que, seguro, encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea que lo adquieran como vía de entrada al innovador arte musical que está definiendo a la escena electrónica non-mainstream en este final de la segunda década del siglo XXI. Sin mayor demora en el intenso disfrute de esta lujosa compilación, iniciamos la audición del álbum “Electroframework” con el primer tema “Vacant Shade” de NUM, presentando complejas texturas sonoras electrónicas donde la experimentación es esencial en la sintética definición musical de esta composición con planos sonoros power electronics, dimensionamiento high-tech futurista, y pinceladas noise e industriales. A continuación, el genial artista escocés Michael Bonaventure nos invitará a sumergirnos en una atmósfera ambient perfumada con lo sacro en “Terramorph”, y tan radiante como el nacimiento de la vida, manteniéndose ese aire sacro en el tema “Cappella” de Giovanni Verga con un sonido industrial angosto y desafiante que te perturba y aturde psíquicamente, llevándonos hasta esta fusión de ambient, tribal y electrónica experimental que marca la personalidad artística de Sonologyst en su composición “Dahomey Kingdom”.

Posteriormente, saltaremos a otra potente dimensión sonora rupturista y extrema definida musicalmente por Renato Trossero en “Bass impro #4 Wood Room Series”, calmándose ese tenso escenario sólo un poco en el tema “open set 1” de Daniel Barbiero, Ken Moore y Dave Vosh, dentro de un conjunto sonoro global absolutamente tecnificado con los moduladores, sintetizadores y demás elementos musicales electrónicos llevados hasta otros límites conceptuales dentro del estilo experimental. En cambio, Yixuan Shao y Fahmi Mursyid nos sorprenderán con esta afilada configuración instrumental clásica de música contemporánea en su tema “Untitled III”, creando profundas distorsiones estructurales de fuerte impacto mental como su fuera el inicio de una dramática pesadilla, desembocando en la impresionante solemnidad del tema de d E “pesto solo”, donde la electrónica experimental coquetea con el ambient y el dark-ambient a través de esta impecable utilización sonora del drone. ¡¡¡“pesto solo”, impresionante composición!!! Retornando a la música contemporánea, en “Mareo Sobre El Abismo”, Alejandro H.H. crea estas disrupciones melódicas como base principal de la composición para luego adentrarnos en otro concepto, en otra visión de lo instrumental en el elegante tema “impro bass solo” de Vincent Paillard, apareciendo Cupis con su obscura composición “Moon Faced Buddha” y esta siniestra definición del dark-ambient complementado con el lamento sonoro de este saxofón de auténtico lujo. Sin duda alguna, “Moon Faced Buddha” es el tema de este álbum recopilatorio que más me ha sorprendido y más me ha fascinado, pasando a formar parte de mi selección musical personal. ¡¡¡“Moon Faced Buddha”, excelsa y selénica composición!!! ¡¡¡Chapeau!!!

Dando entrada al tema de Diego Arcadio “Oiseau dans l’espace”, del dark-ambient pasaremos a esta integración de música experimental con tenues trasfondos ambient donde los afilados cromatismos sonoros instrumentales son casi enfermizos… o decadentemente psicopáticos, generando una tensión existencial que, en el tema de Immara “Perturbation 2”, quedarán anulados con esta curiosa mezcla conceptual de tribal con dark-jazz que genera profundas sensaciones de soledad y de pérdida del sentido de la vida. Pero Stefan Schmidt elevará el espíritu experimental más potente gracias a estos sólidos pilares industriales y noise en su terrorífica composición “Collapsing circuits”, que bien podía ser la banda sonora del colapso de una civilización altamente tecnificada, reconfigurándose completamente la atmósfera musical de nuestro entorno con el hipnótico tema “Discord” de Thomas Grenzebach, haciendo un inteligente uso del minimalismo sonoro para llevarte a una ruptura absoluta del sentido temporal del presente. En “Discord”, el artista suizo Thomas Grenzebach juega con el tiempo y con los espacios dimensionales como si fuera un demiurgo musical, extendiendo y difuminando atmósferas con una maestría que te provocan tanto admiración como sobrecogimiento. Mucho más expansivo es el tema “StousTheous” de Dimitris Savva, siendo muy marcado su eclecticismo musical a través de complejas texturas sonoras nacidas en sintetizadores modulares, a través de esencias electrónicas surgidas en el crisol electroacústico, o de búsqueda pionera de nuevas formas sonoras a través de equipos musicales hechos a medida. Cuando termina el extraordinario tema “StousTheous”, el vacío que queda en el ambiente y el regusto sonoro que queda en la mente te invitan inexorablemente a una nueva audición, repitiendo este proceso varias veces más antes de adentrarnos en el tema de JS-Horseman “Polygons”, donde la estática sonora inicial es el preámbulo de este minimalismo musical extremo íntimamente unido en su dimensión filosófica con lo post-industrial.

En “Polygons”, la formas sonoras se tensan hasta su límite máximo hasta romperlas, apareciendo más y más elementos sonoros, y más rupturas, que terminan creando esta siniestra danza de destrucción intrascendente y muerte musical. Con el lánguido plano melódico para guitarra del tema “wave”, Lucia Caiazza define esta presentación sonora con su visión musical caracterizada por la fugacidad, por la esencia sonora liviana, y por la ausencia de emociones sentimentales, siendo el tema “Lunático Saturnino”de Ruido Frotado el que nos haga experimentar el vacío absoluto en medio de la inmensidad con este dark-ambient de auténtico lujo. Una obscura delicatessen musical de discreto trasfondo esotérico y ocultista que, sin necesidad de entrar en el estilo ritual, durante su atenta audición esta exquisita elegancia sonora cautivará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena. Un nuevo cambio conceptual aparecerá con Two or The Dragon y su composición “Live at Metro. June 2018”, radicalmente más luminosa y terrenal, siendo la antesala del tema “Ausstrahlung”, a través del cual Giorgio Sancristoforo clausurará este álbum con esta sublime iridiscencia sonora magistralmente marcada con el tempo de esta preciosa composición ambient, evolucionando hacia un estilo experimental más tenso, grave y dramático en su parte final. “Electroframework”, Unexplained Sounds Group vuelve a deslumbrarnos artísticamente con otra compilación musical de imprescindible audición para poder conocer la escena sonora non-mainstream más relevante en la actualidad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 133 // Reseña Musical nº: 79

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 1 de abril año 2008 conmemorando el 10º aniversario de la muerte del legendario artista estadounidense ROZZ WILLIAMS (6 de noviembre 1963 – 1 de abril 1998).

Publicado por: L´INVITATION AU SUICIDE, (Suicide Différé nº4 – SD 4), 1984
Edición comentada: EP Vinilo 12” (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: CARA A: 1- Deathwish // 2- Romeo´s Distress // 3- Dogs
CARA B: 4- Desperate Hell // 5- Spiritual Cramp // 6- Cavity
Valoración de la calidad del vinilo : 9 (vinilo de buena calidad, tanto en el material utilizado como en su grabación e impresión; imprescindible escuchar estos temas musicales en este formato)

CHRISTIAN DEATH “DEATHWISH”.
Publicado por: NORMAL, ( NORMAL 84 ), 1990
Edición comentada: EP Vinilo 12” con carpeta desplegable (EDICIÓN COMPRADA)
Valoración de la calidad del vinilo : 9 (vinilo de buena calidad, tanto en el material utilizado como en su grabación e impresión; diseño interior precioso y lujoso; imprescindible escuchar estos temas musicales en este formato)

CHRISTIAN DEATH “DEATHWISH”.
Publicado por: NORMAL, ( NORMAL 84 CD ), 1990
Edición comentada: CD (EDICIÓN COMPRADA)

Parece que fue ayer y ya han pasado diez años desde la muerte del legendario cantante y compositor estadounidense Rozz Williams, cuyo nombre real era Roger Alan Painter. Diez años, una década durante la cual ningún artista ha cogido el liderato musical y cultural dejado por este auténtico icono dentro de la escena gótica. Un vacío artístico que no ha hecho otra cosa que engrandecer aun más la obra musical que Rozz Williams nos dejó como legado, como testigo de su presencia en este oscuro y siniestro mundo, y cuyas canciones, cuando son escuchadas, se convierten en una de las mejores ofrendas a su memoria, a su sentir, a su visión del mundo, y a ese sufrimiento interior que él convirtió en música y letra, o sea, en puro Arte.

Entre todos los proyectos musicales en los que participó Rozz Williams (Shadow Project, Daucus Karota, EXP…), hubo uno que lo encumbró hasta la cima de la gloria dentro de la música gótica, y que, con el paso de los años, se ha convertido en referencia artística fundamental dentro de esta escena: el grupo Christian Death. Como creador del estilo musical death-rock y fundador de esta legendaria banda de rock gótico, en Lux Atenea no he encontrado una forma mejor de celebrar este décimo aniversario en su memoria que con esta reseña sobre su primer trabajo musical grabado: “Deathwish”. Fue en el año 1981 cuando el grupo Christian Death, formado por Rozz Williams (vocalista), James MacGearty (bajo), Rick Agnew (guitarra) y George Belanger (batería), se dispuso a grabar en los estudios Orange County un mini-LP llamado “Deathwish”, título elegido por el nombre de la primera canción que abría este trabajo. Posteriormente este grupo musical firmaría con el sello norteamericano Frontier Records, compañís discográfica que publicaría su primer disco oficial en el mes de marzo del año 1982: “Only Theatre of Pain” (álbum ya reseñado en Lux Atenea). En Europa, el sello discográfico anglosajón Future Records también editaría el álbum “Only Theatre of Pain” al año siguiente. Curiosamente, el mini-LP “Deathwish” no sería publicado hasta el año 1984, y sería la compañía discográfica francesa L´Invitation au Suicide la encargada de editar esta joya musical que es, en realidad, el primer trabajo musical del grupo Christian Death. Seguramente, el éxito del álbum “Only Theatre of Pain” influyó considerablemente a la hora de publicarlo con ciertas garantías de ventas. El importante sello francés L´Invitation au Suicide ha publicado magníficos trabajos artísticos de otros grupos musicales de la talla de Superheroines, Carcrash Internacional, Virgin Prunes, Citizen UK… En 1984, ese mismo año también se publicaría el segundo LP del grupo Christian Death, “Catastrophe Ballet” (álbum ya reseñado en Lux Atenea), y su edición limitada en directo llamado “Catastrophe Ballet live” que también fue publicado por el sello L´Invitation au Suicide. En definitiva, un comienzo discográfico de esta banda musical gótica que no es otra cosa que un enredo en la publicación de discos sin tener en cuenta el orden cronológico de creación musical, además de la participación de varias compañías discográficas y diferentes formaciones del grupo Christian Death que explicaré a continuación.

En octubre del año 1979, Rozz Williams, Jay (guitarrista del grupo Daucus Karota en el que estaba Rozz y la percusionista Mary Torcida antes de la formación de Christian Death), James McGearty, y George Belanger deciden formar una banda de rock llamada Christian Death, cuyo nombre es una versión un tanto sarcástica del diseñador Christian Dior. Durante el año 1980, este grupo musical dará una serie de conciertos en los cuales conocerá a otras bandas de la época como 45 Grave, The Adolescents… hasta que, en febrero de 1981, la banda decide disolverse debido a que Rozz Williams se embarca en un nuevo proyecto musical con el músico Ron Athey, llamado Premature Ejaculation. Meses después, el grupo Christian Death vuelve a juntarse pero sin el guitarrista Jay, que será sustituido por Rikk Agnew, guitarrista del grupo musical The Adolescents. Esta será la formación musical de Christian Death que grabará el presente mini-LP “Deathwish”. Después de grabar su ópera prima, Christian Death firma con la compañía discográfica Frontier Records que publicará en el año 1982 su primer álbum titulado “Only Theatre of Pain”. Pero las peleas internas dentro de la formación llevarían a George Belanger y Rick Agnew a abandonar el grupo, siendo sustituidos por la vocalista Eva O. y el batería Rod “China” Figueroa, siendo estos últimos también sustituidos por los músicos Michael Montano y Johnnie Sage respectivamente. Durante este periodo de tiempo, Rozz Williams conocerá al grupo Pompeii 99 (cuya edición discográfica homónima ya he reseñado en Lux Atenea). Cuando en el año 1983, Rozz y Pompeii 99 se unen en una gira por Europa, de la formación original del grupo Christian Death solamente quedará Rozz. Por lo tanto, el grupo musical llamado Christian Death 1334, encabezado por Eva O. y Rikk Agnew, y que recientemente han ofrecido una serie de conciertos con la etiqueta artística de ser los miembros de la formación original de Christian Death que se ha ofrecido en algunos medios de comunicación (en ausencia de Rozz Wiliams claro), no es una definición muy exacta del grupo Christian Death original que digamos. La unión musical entre Christian Death (Rozz Williams) y Pompeii 99 (Valor, Gitane Demone, y David Glass) será la que finalmente llegará a publicar grandiosos álbumes en la Historia de la Música Gótica como el mítico “Catastrophe Ballet”, o el siniestro “Ashes”.

En el año 1990, la compañía discográfica alemana Normal publicaría dos ediciones del mini-LP “Deathwish”, una en CD y otra en vinilo con portada desplegable. Este sello respetaría la portada original de este mini-álbum, en la cual aparecía una reproducción de la obra “Who Shall Deliver Me” del artista Fernand Khnopff. En cambio, la contraportada de esta edición sería completamente distinta ya que, en la edición discográfica de 1984, incluía solamente un fragmento de la obra “d´Ames d´Automne” escrita por Jean Lorrain y una imagen pictórica en la que aparece un bebé sobre una mujer muerta que permanece tumbada boca arriba en su lecho. Hay medios de información que confunden esa imagen con “La fiancee de la mort” de Alfred Kubin, pero ese es un dato erróneo. En esta edición discográfica del sello Normal sí se incluiría esta última imagen, además de las canciones contenidas en el disco, el lugar y fecha de la grabación, y quienes fueron los miembros del grupo musical Christian Death en ese momento. La edición del año 1984 incluye un libreto de 12 páginas, en cambio, la edición en vinilo de 1990 no lo incluye pero el contenido del libreto está impreso en el desplegable interior y lo forman los siguientes fragmentos literarios e imágenes:

– Fragmentos en francés e inglés de las obras “Love of Hospital. The Night” (escrita por Iwan Gilkin en 1897), “La Mort” (escrita por Emile Verhaeren), “Evil Prayers” (escrita por Remy de Gourmont en 1900), “The Vampire” (escrita por Charles Baudelaire) y “d´Ames d´Automne”(escrita por Jean Lorrain).
– A la izquierda de cada fragmento literario se encuentran las reproducciones de “Portrait de Stuart Merril” (viene la letra “de” en el original) de Jean Delville; “Death, Part.II: Plague”, “Eve and the Future: Third Future” y “A Life: Suffer” de Max Klinger, y “La Fianceé de la Mort” de Alfred Kubin (1900).

Iniciamos la audición de este extraordinario disco de vinilo con su cara A empezando a girar para adentrarnos en la mítica canción “Deathwish”. Una furiosa y ronca guitarra nos presenta nuestro inexorable final en esta vida, cara a cara, observando como en un flash nuestras ilusiones pasan a ser desgarradas por afilados dientes para ser luego ingeridas por una mortuoria sombra. Nuestra espera se acaba convirtiendo en un solo instante, sabiendo que, cuando haya acabado con ellas, a continuación iremos nosotros. Si digo que la canción “Deathwish” es de audición imprescindible y de sublime disfrute, como analista musical seguramente me estoy quedando corto para algunos lectores góticos de Lux Atenea. Siguiendo este mismo patrón de medida artística, qué puedo decir de la siguiente canción, “Romeo´s Distress”. Un bajo sonando en nuestro interior para insuflar esencia vital a nuestro espíritu, una batería latiendo implacablemente, y una guitarra que suena tan distorsionada como nuestra propia existencia. Sentimos cómo la música de “Romeo´s Distress” se convierte en uno mismo, y su letra pasan a ser nuestros pensamientos más íntimos y preciados. El excelso tema “Romeo´s Distress” es sonoramente multiforme, es melódicamente dulce, es el sentimiento de estar compañía viviendo en soledad y, a su vez, esa guía insustituible en la sensualidad compartida con esa persona tan deseosa de expandirse en el placer como nosotros, olvidando y dejando de lado a este miserable mundo durante ese tiempo irrenunciable donde la fragancia del hedonismo carnal se expande. “Romeo´s Distress” es lujuria, es esencia de vida, es lo sacro unido a la vida, a nuestra vida. ¿Cuántas canciones se han llegado a componer con esta alma y esta sensibilidad? Pocas, muy pocas. Posteriormente, sonará la canción “Dogs” y todo empieza a dar vueltas en una espiral hacia la degradación. Todo es caótico. Todo deja de tener forma y sentido a nuestro alrededor. Y todo a su vez nos atrapa y absorbe, hundiéndonos en nuestros miedos y temores más ocultos. Un agujero se abre en el suelo, iluminando nuestro asustado rostro con el reflejo de estas encarnadas luces, y la caída a las profundidades es algo inexorable en nuestro destino. Mientras caemos, empieza a sonar a nuestro alrededor la canción “Desperate Hell”. La cara A del disco está llegando a su fin para dar paso a la cara B, y “Desperate Hell” es su siniestra tarjeta de invitación. Una tarjeta que se quemará en cuanto toquemos fondo.

De entrada, en la cara B del mini-álbum “Deathwish” escucharemos la excelsa canción “Spiritual Cramp”, otra obra maestra dentro de la música gótica. E, inevitablemente, los melómanos lectores de Lux Atenea se preguntarán si este mini-LP no tiene más que la crème de la crème musical del grupo Christian Death. El tema “Spiritual Cramp” suena a la oscura pista de un selecto club musical gótico y, personalmente, esta canción me hace recordar al programa “Fantasmagoria” que emitía una radio alternativa en Madrid y que escuchaba puntualmente hace años (también llamaba por teléfono a este programa de radio para contestar sus preguntas musicales y, de esta forma, poder conseguir copas gratis para el Brujas, auténtico templo musical gótico madrileño en aquella época). El tema “Spiritual Cramp” también suena a renacimiento interior, suena a comunión entre personas afines en gustos y opuestos en perspectivas con la cuales se mueven en esta vida. Qué gran canción es “Spiritual Cramp”, y qué sublime tema musical entre grandes canciones es “Cavity”. Un extraordinario tema que provoca sentimientos sublimes inmediatamente con tan solo oír esta batería. Una batería que nos abre la carne. Una canción cuya guitarra atrapa nuestro espíritu para devolverlo a su plenitud, a esa obscura y decadente plenitud en la cual nos sentimos verdaderamente vivos. “Cavity” es una magnífica canción cuya lírica habla directamente a nuestra alma, y cuya letra la comprende y la entiende sabiendo cuánto sufre en este encierro en carne y hueso. “Cavity”, una canción que siempre sonará en nuestro interior cuando este mundo tan primario y tosco trate de domesticarnos. “Cavity” es una canción que te hace dar gracias a Dios por tener la sensibilidad necesaria para poder apreciar en toda su pureza, estas maravillas musicales que permiten que uno se encuentre a sí mismo en su más pura esencia… en la esencia del alma.

En este mini-álbum hay un ilustre protagonista: Rozz Williams. Y en la etapa más dorada de su vida han quedado el éxito, la fama, la gloria, el constante e imperecedero recuerdo, su música inmortal… mientras que en esa otra cara que tiene la vida, han quedado sus excesos, su fragilidad emocional, su sufrimiento interior nunca calmado… Una soga, un último paso adelante, y en un solo instante, el 1 de abril del año 1998 su vida había dejado de existir en este mundo siempre tan lejano, siempre tan áspero y cruel para las almas inteligentes y sensibles. Así fue Rozz Williams, gloria inmemorial, sufrimiento y dolor siempre presentes, y como analista musical non-mainstream en esta página cultural personal siempre me quedaré con sus magnas obras artísticas, con sus sentimientos profundos y sinceros convertidos en lírica y música. Su presencia, su mensaje siempre permanecerá aquí inmortalizado para emocionarnos, y para consolarnos cuando el mundo en el que vivimos se haya transformado en el ávido depredador de nuestro espíritu. Rozz Williams y su “Deathwish”, un homenaje artístico y musical en su memoria que siempre me parecerá poco en vista a su colosal y apasionante obra musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 132 // Reseña Musical nº: 78

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 5 de octubre del año 2018 en la 35ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 35th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico ruso ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS (PANTHEOPHANIA RECORDS) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Septiembre 2018
Sello discográfico: ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS
Código de referencia: ПAN118
Tracklist: 1- Peat Accumulation // 2- Thallophyta // 3- Nelumbo // 4- Man From The Bog // 5- Silt // 6- Oxalis Poisoning // 7- Typha // 8- Fallen Woods (bonus track, only digital edition)
Artistas: Michael Selitsky
Trabajo musical: Med Gen
Trabajo artístico: Med Gen y Tim Six
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical, sobre todo en su lujosa edición Autumn Equinox

Cuando la Naturaleza estimula la creatividad y pasa a ser la fuente de inspiración de un artista, aparecen álbumes musicales de esta excelsa calidad dentro de la escena cultural non-mainstream. Convertido ya en el octavo álbum dentro de la innovadora carrera musical de Med Gen, iniciada en el año 2013, “Brittleroots” fue presentado oficialmente el pasado 22 de septiembre a través del prestigioso sello discográfico ruso ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS. Un álbum publicado en formato digital y en una edición limitada de 50 unidades en CD, veinte de los cuales han sido incluidos en la lujosa edición Autumnal Equinox de impresionante acabado final, siendo una preciosa edición artesanal hecha a mano por Mila Berestovaya y Tim Six con decoración en polímero. Sin duda alguna, una selecta edición discográfica para los coleccionistas más exclusivos. Engalanado con un magnífico diseño creado por Med Gen y Tim Six, alma máter del sello ΠΑΝΘΕΟΝ RECORDS, el mensaje visual de su bella portada está directamente unido a la fuente de inspiración principal de esta obra musical: el pantano. Grabaciones de campo y oscilantes texturas sonoras configuran el reciente álbum del prolífico artista ruso Michael Selitsky, alma máter de Med Gen, presentando un ecléctico estilo musical influido por el dark-ambient con matices ambient, junto al talentoso uso del drone y marcados ritmos realizados con instrumentos de percusión de madera. Como talentoso fruto final, el álbum “Brittleroots” viene vertebrado con siete temas (ocho en la edición digital) cuya audición seducirá completamente a los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta grandiosa obra. Iniciamos la audición de este armonioso álbum convirtiéndonos en analíticos observadores del entorno natural a través del primer tema “Peat Accumulation”, y con el halo filosófico de la belleza sublime fluyendo en esta composición musical dark-ambient de acuosa sonoridad. Una fluidez que tendrá su continuidad en el magnífico tema “Thallophyta”, con la extrañeza de las formas que llega a presentar lo orgánico llevada al lenguaje musical en esta ondulada y vibrante fuente sonora que logra transmitir el misterio de la vida, sobre todo en su parte final de estilo ambient. Posteriormente, el tema “Nelumbo” nos invitará a contemplar mentalmente la magia espectral de las plantas acuáticas, recreada en esta equilibrada composición sonora dark-ambient donde el drone es clave.

“Man From The Bog” es un tema algo más abierto y luminoso, pero sin perder su fondo obscuro, perfilando una composición brumosa donde el ser humano se encuentra en un entorno tan hostil e impracticable como los pantanos. Unas oleadas melódicas que nos conducirán directamente hasta el tema “Silt”, representando musicalmente a la opaca densidad de lo putrefacto como base de la vida, como esencia de fertilidad, convirtiéndose en símbolo de lo siniestro debido precisamente a esas dos caras: una repulsivamente fétida y otra esplendorosamente buena para la vida. Aquí, su base rítmica realizada con instrumentos de percusión de madera, nos transmite el vigoroso latir de la vida en el entorno para luego pasar a lo mortal y a lo mortuorio en el tema “Oxalis Poisoning”, presentando punzantes planos sonoros en una estructura decorada con matices musicales trágicos de terrorífico trasfondo. Cerrando este espectacular álbum, el tema “Typha” recreará magistralmente la visión de la planta más emblemática y característica de los lugares pantanosos: las plantas del género Typha. Vida vegetal y vida animal compartiendo un entorno fielmente reflejado en estas grabaciones de campo, embellecidas con planos sonoros drone como fondo, que provocan durante su audición este estado de calma espiritual cercano a la ensoñación. Como apunte final, el tema “Fallen Woods” sólo está disponible como bonus en la edición digital disponible en la página oficial de ΠΑΝΘΕΟΝ Records en Bandcamp, no habiendo sido incluido en la edición en CD. Con más de veinte minutos de duración, “Fallen Woods” es un precioso tema prístino en su esencia tras haber sido tamizado con la luz reflejada por lo selénico, creando este hipnótico vórtice sensorial que encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea. “Brittleroots”, desde Rusia, inspiración artística y fascinación por la belleza natural dan vida a cada una de las magnas composiciones del nuevo álbum de Med Gen. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 131 // Reseña Literaria nº: 37

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 20 de agosto del año 2014 conmemorando el Bimilenario de la muerte del emperador romano CÉSAR AUGUSTO (63 a.C. – 19 de agosto de 14 d.C.).

Publicado por: EDITORIAL ESPASA CALPE, S.A.
ISBN: 84-670-1436-9
Edición: 2004 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 376

Existen películas y series de televisión de temática histórica cuyas tramas, hechos y situaciones muchos espectadores los toman por reales, pero esa exactitud, seriedad y rigor histórico solamente se encuentra en contadas ocasiones en obras cinematográficas y televisivas, y de manera excepcional. La gran mayoría de las películas y series de televisión de temática histórica tienden a distorsionar, incluso a falsear, los sucesos y los personajes en los que se basan sus tramas debido al interés comercial de las empresas que producen estas obras, buscando por encima de todo el éxito entre el público y el beneficio económico consiguiente. Eso sí, es incuestionable que algunas de estas películas y series de televisión tienen un destacado valor artístico en vista a la calidad de su rodaje y a la magnífica labor interpretativa de sus actores. Uno de estos casos ocurrió con la grandiosa serie de televisión “Yo, Claudio” producida por la BBC en la década de los setenta, conservando aún en esta segunda década del siglo XXI todo su prestigio y su excelso valor artístico. Pero, por desgracia, la serie de televisión “Yo, Claudio” también ha distorsionado la historia y la personalidad real de algunos de sus personajes principales como fue el caso de Livia Drusila (59/58 a.C. – 29 d.C.), esposa del emperador romano César Augusto. El escritor británico Robert Graves, autor de la novela homónima en la cual está basada la famosa serie de televisión junto a su obra literaria “Claudio, el Dios, y su esposa Mesalina”, nos presenta a Livia como uno de los personajes más malévolos de aquella época en Roma al ofrecernos una imagen nefasta y tenebrosa de la esposa de Augusto como envenenadora, manipuladora, traicionera, asesina de sus propios hijos y sobrinos, una mujer fría y calculadora… y siempre maquinando complots y nuevas intrigas alrededor del emperador Augusto que parece no enterarse de nada de lo que sucede a su alrededor. Gracias a esta serie de televisión, esa es la imagen que una gran parte del público tiene sobre Livia tras haber visualizado y disfrutado la magnífica serie “Yo, Claudio”, entre los cuales me incluyo. Pero la personalidad de Livia, tras los estudios históricos realizados, no se parece en nada a esta versión comercial tan maléfica y atroz, sobre todo tras la atenta y analítica lectura del extraordinario libro “Livia. Primera Dama de la Roma Imperial”. El contundente peso de los datos históricos que disponemos hoy en día apuntan en otra dirección bastante alejada de la interesada versión creada por el escritor Robert Graves en su novela. A los cultos lectores de Lux Atenea que deseen profundizar aún más en la interesante temática sobre la manipulación historica realizada por películas y series de televisión de renombre, les aconsejaría la lectura del extraordinario libro de Michael Onfray “La Inocencia del Devenir” ya reseñado en esta página personal cultural para poder conocer su verdadero trasfondo con mayor detalle.

Otra de las cualidades informativas basadas en datos históricos que nos ofrece el impresionante libro “Livia. Primera Dama de la Roma Imperial”, es la amplia muestra de documentación de la época conservada en nuestros días sobre aquellos años en la Historia de Roma. El autor de este libro, Anthony A. Barrett, ha realizado una extraordinaria y admirable labor de investigación presentando este interesante análisis histórico basado en las diferentes perspectivas con las cuales los autores clásicos romanos dejaron escrita su versión de los hechos. Entre ellos, hubo quienes escribieron de forma elogiosa sobre Livia, Augusto, y otros emperadores, y hubo otros autores como, por ejemplo, el célebre Suetonio que, en su mítica obra “Vida de los Doce Césares”, nos describe otra versión mucho más ácida y turbulenta de los hechos debido a la animadversión que esa dinastía de emperadores le provocaba. Tanto unas perspectivas como las otras son descritas y analizadas por Anthony A. Barrett en esta obra, para que el lector pueda comprobar hasta qué punto esos datos pueden ser tomados por reales o no, y esa exhaustiva labor de análisis eleva aún más el valor histórico y aclaratorio de este libro. Es obvio que Livia no fue tan mala como nos quieren dar a entender Suetonio, Robert Graves, o la serie de televisión “Yo, Claudio”, ni tampoco este libro está orientado a santificarla. La verdad suele estar situada más bien en un punto intermedio donde nadie es ni un santo ni un demonio, ofreciendo una visión de la personalidad de Livia caracterizada por su sencillez, por la estabilidad matrimonial que le dio a Augusto a lo largo de más de cincuenta años, por su generosidad, por su firme apoyo a quienes le mostraban lealtad, y por su sometimiento absoluto a las decisiones tomadas por Augusto porque no hay que olvidar que César Augusto tenía ideas conservadoras y tradicionales, y esto choca frontalmente con la falsa e interesada visión de Livia como hábil manipuladora de Augusto.

También Livia destacó en aquella época en Roma por su compromiso con las obligaciones y responsabilidades de Estado al ser la esposa del emperador, por haber sido la perfecta imagen de la mujer romana virtuosa que Augusto quería difundir entre la ciudadanía, por su pasión por la medicina alternativa y por la alimentación sana como garantía de una vida longeva y saludable (Livia vivió más de ochenta años con una vitalidad y una salud fuerte, salvo en sus dos últimos años)… en definitiva, “Livia. Primera Dama de la Roma Imperial” es una interesante biografía de la esposa del emperador Augusto que estoy seguro que sorprenderá y apasionará a los cultos lectores de Lux Atenea. Después de leer y analizar el libro, a parte de su información histórica tan reveladora, creo que la imagen negativa que tuvo Livia por parte de algunos autores clásicos romanos estuvo motivado más por el hecho de ser una mujer poderosa e inteligente, y que además también fuera una gran consejera para Augusto con sus certeras opiniones y reflexiones a parte de su firme, leal e inamovible apoyo. Y en una sociedad romana dominada por hombres, que una mujer llegara a tener esa gran responsabilidad y diera muestras de solvencia ante los más difíciles y complicados asuntos, a algunos hombres poderosos Livia les generó muchas más muestras de envidia y de rechazo por el hecho de ser mujer, que si eso mismo lo hubiera hecho un hombre en sus mismas circunstancias. Livia fue una mujer de Estado muy inteligente, y Augusto y Roma agradecieron su admirable labor. “Livia. Primera Dama de la Roma Imperial”, cuando la lectura de un estudio académico serio nos abre los ojos sobre la auténtica realidad de un personaje histórico. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 130 // Reseña Literaria nº: 36

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 5 de febrero del año 2009 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a la editorial GEDISA, y muy especialmente a Andrea, por su cortesía al enviarme este promocional.

Publicado por: EDITORIAL GEDISA, S.A.
ISBN: 84-9784-317-1
Edición: 2009 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)

Cuando en Francia se habla de un intelectual con el instinto de saber poner siempre el dedo en la llaga, el nombre que siempre aparece en el primer puesto de la lista es Michel Onfray. Nada más leer y analizar las primeras treinta páginas de este libro, puedo afirmar que, efectivamente, el autor de este libro no tiene pelos en la lengua a la hora de decir las cosas claras. Su magnífica obra “La Inocencia del Devenir -La vida de Friedrich Nietzsche-”, aunque pueda parecer un ensayo más en el cual nos presenten la biografía de este genial filósofo alemán del siglo XIX, en realidad, esta obra es un guión cinematográfico escrito por Michel Onfray que está basado en la vida de Friedrich Nietzsche. Un extraordinario y revelador guión que empieza en la página 41, pero con un prólogo anterior de treinta y nueve páginas en el cual comenta la nula relación existente entre el cine actual y el mensaje filosófico. Una industria del cine regida por parámetros y motivaciones basicamente económicas en función de las leyes del marcado. Además, uno de los mensajes esenciales de este libro es que Michel Onfray aconseja no creen en filósofos cuya vida contradice las tesis que ellos promulgan. Dentro de esta línea maestra, “Contar en imágenes una vida filosófica” ha sido el título escogido por el autor para el prólogo de su guión y, ya de entrada, siguiendo el estilo literario que le caracteriza, comienza a etiquetar al cine actual como el “cine anémico”, o dicho de otro modo, como el cine caracterizado por las taras en el mensaje. Según Michel Onfray, el cine actual se caracteriza por la falta de ideas, por auto-etiquetar el cine sin éxito alguno entre el público como cine de culto destinado a intelectuales, y por pecar de elitismo cuando una obra cinematográfica está creada sin tener en cuenta sistema o norma creativa alguna. Cuando Michel Onfray termina de realizar esta excelente radiografía de las películas modernas, procede a continuación a realizar un detallado e inmisericorde estudio de los productores. Auténticos especialistas en ofrecer al gran público esas películas y series convenientemente predigeridas para ser devoradas por la gran masa. Como muy acertadamente subraya el autor, el cine actual no es más que una industria sustentada por productores que son sustentados a su vez por los bancos, los cuales, solamente entienden el lenguaje del beneficio y éste siempre suele venir acompañado por la presencia de los actores/actrices más famosos del momento.

Si al culto lector de Lux Atenea, todo lo anteriormente comentado le supiera a poco, Michel Onfray además nos ofrece en bandeja de plata el desnudo integral de reconocidos directores de cine histórico, o mejor dicho, de fantasía histórica cuya realidad no es otra que la manipulación de los hechos, que el descrédito gratuito de algunos personajes históricos, y haber sabido transformar una película en propaganda muy bien orquestada para manipular a una gran masa de la población en pro de unos intereses, ya sean económicos o políticos. El problema que plantea este tipo de películas es que son tomadas por el público como reales, como basadas en hechos históricos absolutamente veraces e incuestionables, cuando en realidad no son más que recreaciones históricas imaginadas únicamente para causar impacto en la pantalla de cara a impresionar a los espectadores. Películas tan famosas, exitosas y reconocidas públicamente como “Amadeus” de Milos Forman, “1492” de Ridley Scott, o “Juana de Arco” de Luc Besson, son puestas como pruebas claras y contundentes que reafirman su tesis, y cuya manipulación histórica es convenientemente aclarada para informar al lector con datos históricos reales en contraste con lo que describen esas películas que más que históricas, son de auténtica ficción. Cerrando el prólogo, Michel Onfray se explaya en la difícil unión entre mensaje filosófico e imágenes cinematográficas, unas imágenes que suelen no reflejar en absoluto el espíritu filosófico cuando un filósofo es representado en la gran pantalla. Pero, del excelente guión que vertebra “La Inocencia del Devenir” me quedo, a parte de todos los detalles descritos en cada escena, con la siniestra pesadilla de Nietzsche-niño tras la muerte de su padre. También me ha encantado este Nietzsche-estudiante cogiendo con la mano un trozo de carbón encendido del interior de una estufa para demostrar la virtus romana, con el duelo entre Nietzsche y un amigo, y, sobre todo, con todas las piezas de música clásica que acompañan a gran parte de estas escenas y que dan una atmósfera muy especial a cada momento aquí representado. Sublime calidad artística atesorada por Michel Onfray en cada una de las páginas que dan vida a este impresionante ensayo. “La Inocencia del Devenir”, hasta el prólogo de este libro está destinado a hacerle pensar, además fascinarle con este extraordinario guión que fácilmente le hará imaginar cada una de sus atrayentes escenas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 129 // Reseña Musical nº: 77

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 8 de octubre del año 2018 en la 36ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 36th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico griego SLEASZY RIDER RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Octubre 2018
Sello discográfico: SLEASZY RIDER RECORDS
Código de referencia: SR-0237
Tracklist: 1- Oenoe // 2- Sikia // 3- Ieros // 4- Prayer Of The Archangel // 5- Rose Of The Wild Forces // 6- Chiron Quartz // 7- La Vista Del Bardo // 8- Synchronicity Embraced
Artistas: Francesca Nicoli (vocalista), Vittorio Vandelli (guitarra clásica, guitarra acústica, guitarra eléctrica, bajo y coros), Giovanni Pagliari (teclados, piano y coros), Riccardo Spaggiari (percusión) y Totem Bara (chelo)
Trabajo musical: Música compuesta por Ataraxia, lírica escrita por Francesca Nicoli
Trabajo artístico: Nicolas Ramain (diseño), Norma Gombok (fotografía de portada), Elisa Magnoni (fotografías del grupo)
Datos técnicos: Álbum grabado y mezclado entre los meses de noviembre del año 2017 y agosto de 2018 por Vittorio Vandelli en Microcube Studio
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical, sobre todo en esta edición limitada en digipak CD

El próximo miércoles, día 10 de octubre, será presentado oficialmente el nuevo álbum del mítico grupo italiano Ataraxia titulado “Synchronicity Embraced”, vigésimo sexto en su legendaria e inigualable carrera musical. Publicado por el prestigioso sello discográfico griego SLEASZY RIDER RECORDS en formato digital y en una edición limitada en digipak CD con libreto de dieciséis páginas, los melómanos lectores de Lux Atenea ya pueden realizar su pre-pedido del álbum “Synchronicity Embraced” a través de la página oficial de este sello discográfico en Bandcamp. Engalanado con un precioso diseño creado por Nicolas Ramain con fotografía de portada a cargo de Norma Gombok, el reflejo visual de lo ancestral domina en esta simbólica portada donde el círculo es protagonista, tanto a nivel terrenal (posición horizontal) como a nivel espiritual (posición vertical), de ahí que este arco o anillo en su centro sea una vía de entrada a otra dimensión o plano existencial capaz de conectar al individuo con lo divino. Formado por Francesca Nicoli (vocalista), Vittorio Vandelli (guitarra clásica, guitarra acústica, guitarra eléctrica, bajo y coros), Giovanni Pagliari (teclados, piano y coros), Riccardo Spaggiari (percusión) y Totem Bara (chelo), el grupo italiano Ataraxia no deja de incrementar su virtuoso halo creativo con composiciones de tan apolínea calidad, de pura sensibilidad melódica decorada impecablemente con la lírica escrita e interpretada por Francesca Nicoli, creando un conjunto artístico global que transmite innovación y vanguardia conceptual pero con raíces profundas en la herencia cultural del Mediterráneo arcaico y del pensamiento existencial del Medievo. Si a ello le añadimos el trasfondo esotérico que da base filosófica a la mayoría de los ocho temas que vertebran este álbum, el perfume trascendente que emana del álbum “Synchronicity Embraced” embriagará espiritualmente a los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran este álbum en su edición original (sobre todo en digipak CD), para ser luego inexorablemente cautivados durante su audición como si hubieran comido los hipnóticos lotos mencionados en “La Odisea” de Homero. Tal es su fuerza musical y su intensidad espiritual, transformando este álbum en un guiño a lo alquímico, a la transformación del individuo por la esencia trascendente, siendo precisamente esa pureza la que es fielmente transmitida por Ataraxia en esta obra maestra musical.

Iniciamos la audición de este impresionante álbum musical retrocediendo hasta la era arcaica mediterránea con el primer tema “Oenoe”, y el ser humano bajo la influencia de lo mitológico expandiéndose en una comunión espiritual con este mundo, estableciéndose esa unión sagrada con el agua y la tierra, con el día y la noche, con lo extático pero en clave femenina para poder alcanzar la revelación, la Verdad de la realidad, y donde el culto ancestral a Dioniso es el eje dentro de su implícita ambigüedad. Y desde lo etéreo nos sumergiremos en lo ritual cuando el tema “Sikia” nos envuelva con esta estructura instrumental brumosa, fluyendo el equilibrado y versátil registro de voz de Francesca Nicoli como sacerdotisa abriendo y relatando el legado alquímico de quien purificó su alma para trasmutar de lo terrenal a lo universal y divino. ¡¡¡“Sikia”, radiante V.I.T.R.I.O.L musical!!! A continuación, en el precioso tema “Ieros”, el grupo ATARAXIA reactualizará sus raíces conceptuales con esta excelsa canción como reflejo musical del ideal eterno en el horizonte humano, auténtico lucero del alba en el cielo para quienes alzan su mirada más allá de lo material. Sensibilidad y empatía en lenguaje lírico y musical impecablemente interpretados en esta magna canción, provocando que, durante la escritura de esta reseña, varias hayan sido sus audiciones hasta convertirse en el ritual que da entrada a este tema en mi colección musical privada más selecta. Esa selección que siempre me acompaña, pasen los años que pasen, porque son joyas musicales que llegan hasta el alma. ¡¡¡“Ieros”, chapeau Ataraxia!!! Con los sentidos hipersensibilizados, la lírica del siguiente tema “Prayer Of The Archangel” en el elegante idioma francés, no hará más que seguir elevando el intenso disfrute de este álbum a través de pasajes melódicos aterciopelados armonizados completamente con la inigualable voz de Francesca Nicoli, en otra nueva demostración de virtuosismo interpretativo. En “Prayer Of The Archangel”, de una entrada neoclásica irá poco a poco evolucionando hacia un estilo mucho más actual, para luego retornar a su origen como un ouroboros, volviendo de nuevo a iniciar ese mismo ciclo musical hasta cerrar este círculo artístico de forma impecable. “Rose Of The Wild Forces” es mucho más trascendente y místico, y con su figura femenina como principal protagonista tras haber sido maltratada en esta vida. Un aciago camino de perdición que termina convirtiéndose en un proceso de desapego, de liberación, y de iluminación para ella, revelándose la auténtica realidad ante sus ojos a través de la transformación del interior para poder comprender y sentir lo exterior. Aquí no existe ritual externo para el cambio interno, sino elevación del plano existencial interior para expandirse luego hacia lo universal. De nuevo, V.I.T.R.I.O.L. vuelve a estar presente en un tema musical de este álbum como clave alquímica de purificación espiritual.

Con el ígneo tema “Chiron Quartz” calentando este crisol sonoro esotérico, lo espiritual se transformará en símbolo y su mensaje termina siendo asimilado a través de la figura mitológica del centauro. El centauro Quirón, cuya sabiduría es tan profunda que es capaz de transmitirla inteligentemente a otros, he aquí su relevancia como figura mitológica relacionada con la Educación, y con la formación de otros a través de diversas disciplinas artísticas, científicas y del pensamiento. Pero, sobre todo, Quirón es maestro en las Artes que requieren habilidad con las manos que, en clave musical Ataraxia, se convierte en el tema “Chiron Quartz” en una nueva demostración de la sublime interpretación lírica e instrumental que ha llevado a esta banda italiana a convertirse en legendario grupo musical de culto entre los melómanos lectores de Lux Atenea. ¡¡¡“Chiron Quartz”, impresionante tema!!! Una pasión que tendrá su continuidad en el tema “La Vista Del Bardo” con aires medievales, resaltándose en su lírica la figura del bardo como chamán que usa su arte musical para llegar al alma de las personas, convirtiendo sus piezas musicales en rituales que despiertan la consciencia. Un ser situado entre la Tierra y el Cielo, entre la Razón y la Intuición, entre lo psíquico y lo sentimental, motivo por el cual, este artista es tan incomprendido en este mundo por aquellos que están aferrados existencialmente a lo material y a la obviedad carnal. Como epilogo musical, el tema “Synchronicity Embraced” clausurará tan excelso álbum con esta ecléctica exquisitez musical, cuyos pasajes neoclásicos enraizados conceptualmente en la década de los noventa han quedado perfectamente integrados en una estructura musical de estilo contemporáneo. Una maestría en la composición que no hace más que seguir encumbrando artísticamente a Ataraxia dentro de la escena cultural non-mainstream actual. Como analista musical, tras la atenta audición de este augusto álbum, solamente me queda por decir que su edición en vinilo LP 12” ya está tardando en ver la luz porque, un álbum de esta calidad en este prestigioso formato físico, sería una auténtica joya discográfica. “Synchronicity Embraced”, Obra Maestra Musical firmada por el legendario grupo italiano Ataraxia, convirtiéndose por su relevancia artística en uno de los álbumes más sobresalientes editados en este año 2018. Imprescindible. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 128 // Reseña Musical nº: 76

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 10 de octubre del año 2018 en la 36ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 36th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al legendario grupo musical estadounidense LYCIA, y muy especialmente a TARA VANFLOWER y MIKE VANPORTFLEET, por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Noviembre 2018
Sello discográfico: LYCIUM MUSIC / PROJEKT RECORDS
Código de referencia: LYC023 / PRO352
Tracklist: 1- In Flickers // 2- A Failure // 3- The Path // 4- She // 5- 25 Years // 6- Mist // 7- 34 Palms // 8- Rewrite // 9- Late Night Solitude // 10- Autumn Into Winter
Artistas: Tara Vanflower (vocalista), Mike VanPortfleet (vocalista, guitarras, sintetizador y programaciónes de batería), John Fair (sintetizador y programaciónes de batería) y David Galas (bajo, sintetizador y programaciónes de batería)
Artistas invitados: Dirk VanPortfleet (chau gong)
Trabajo musical: Lycia
Trabajo artístico: Mike VanPortfleet (fotografía)
Datos técnicos: Álbum grabado por Lycia entre otoño de 2017 y la primavera del año 2018; temas mezclados por Mike VanPortfleet; álbum masterizado por el maestro Martin Bowes en The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical

¡¡¡Qué delicatessen artística!! Como analista musical non-mainstream en esta página personal cultural, para mí es un honor el poder publicar la reseña de este deslumbrante álbum. Además, como fiel seguidor del grupo musical estadounidense Lycia durante más de dos décadas, es todo un privilegio el poder disfrutar esta auténtica joya discográfica en su edición original digital a principios de este mes de octubre, ya que su publicación oficial está prevista para el próximo día 9 de noviembre (ya saben nuestros lectores que solamente publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado o recibido como promocional). Quién me iba a decir en el año 1991, cuando compré el mítico álbum de Lycia “Ionia” recién publicado por el mítico sello Projekt que, en el año 2018, iba a poder escuchar, analizar y disfrutar el nuevo álbum de Lycia (“In Flickers”, Projekt) enviado por el propio grupo musical. Sin duda alguna, no me lo hubiera creído. En el año 1991, en ese mismo momento, fui poseído artísticamente por el estilo musical único y tan siniestramente atrayente de Lycia, y ese mágico hechizo no ha desaparecido a día de hoy, potenciándose aún más a lo largo de todos estos años que ya puedo contar por décadas. Parece que fue ayer cuando, a lo largo de la década de los noventa, en Madrid no paraba de recomendar cada uno de los nuevos álbumes de Lycia que iban apareciendo en esta escena musical (“Wake (remastered)”, “A Day In The Stark Corner”, “Live”, “The Burning Circle And Then Dust”,”Cold”, “Estrella”…), auténticas joyas discográficas en CD que aún hoy día sigo disfrutando. Cada nuevo álbum de Lycia que se presentaba oficialmente, en dos semanas estaba en mis manos para ser escuchado y disfrutado, y para ser inmediatamente recomendado a amigos y conocidos dentro de la escena gótica en Madrid. Parece que fue ayer cuando, en el año 2007, en Lux Atenea decidí publicar la reseña de su impresionante álbum “Empty Space” mientras celebraba el primer aniversario de este medio de información cultural underground. Todo este tiempo ha pasado y Lycia forma parte de mi vida personal, de mi selección musical más exquisita, y de mi perspectiva existencial a través de la cual vivo mi vida en cuya banda sonora están presentes las canciones de Lycia.

Ahora, en este año 2018, tengo el honor de publicar la reseña del excelso álbum “In Flickers”. Como fiel seguidor de Lycia a lo largo de todos estos años, ¡¡¡aún no me creo que pueda estar publicando la reseña de su grandioso álbum “In Flickers” en estos momentos!!!Ya disponible en pre-pedido, este extraordinario álbum será publicado el próximo día 9 de noviembre en formato digital a través de la página oficial de Lycia en Bandcamp, y por el prestigioso sello discográfico estadounidense PROJEKT RECORDS en formato digital, en una edición limitada de 1000 unidades en digipak CD de cuatro paneles, en una edición limitada de 150 unidades en LP 12” en vinilo negro salpicado en color blanco, y en una edición limitada de 150 unidades en LP 12” en vinilo blanco salpicado en color negro (edición ya agotada). Engalanado con un precioso y elegante diseño con fotografía a cargo de Mike VanPortfleet, la belleza del álbum “In Flickers” viene marcada por la elegancia de la estética clásica que envuelve su portada, reflejando la fuerza visual de lo mitológico a través de la icónica imagen del toro capaz de romper con la realidad a través de lo trascendente, y con ese trasfondo real del mundo únicamente perceptible a través de la mirada periférica después de un parpadeo. El toro, el minotauro, la cultura mediterránea, la cultura cretense ancestral… vendrán a la mente del melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta joya discográfica perfumada con la esencia musical de Lycia en estado puro. Diez temas embriagadoramente pioneros capaces de estimular tu espíritu y tu alma con la psicodélica y siniestra iridiscencia de la pasión, y que podrán disfrutar plenamente en la insustituible y fetichista edición en vinilo gracias a esta excelsa calidad de sonido alcanzada tras el detallado e impecable trabajo técnico de masterización realizado por el maestro Martin Bowes en The Cage Studios (Coventry, Reino Unido). Un conjunto artístico global de máxima calidad.

Formado actualmente por Tara Vanflower (vocalista), Mike VanPortfleet (vocalista, guitarras, sintetizador y programaciónes de batería), John Fair (sintetizador y programaciónes de batería) y David Galas (bajo, sintetizador y programaciónes de batería), en su nuevo álbum “In Flickers”, el grupo estadounidense Lycia ha podido contar con la colaboración profesional de Dirk VanPortfleet (chau gong), puliendo al máximo cada uno de estos temas hasta crear este obscuro hechizo sonoro que, desde el año 1988, no ha dejado de sorprendernos y de maravillarnos en estas tres décadas de ilustre e innovadora carrera musical que celebran este mismo año. Una prestigiosa labor artística que encumbra a Lycia hasta erigirlo como uno de los grupos musicales más relevantes, longevos y excelsos dentro de la escena non-mainstream actual. Con una permanente inquietud conceptual como fundamento principal de su fructífera creatividad dentro de la vanguardia, ese impulso artístico ha llevado a Lycia desde el estilo darkwave y gótico a lo ethereal, y de lo ethereal a lo atmosférico que caracterizó a su primera etapa musical. Ahora, con la presentación de su nuevo álbum “In Flickers”, éste se ha convertido en el máximo estandarte musical de su renacimiento conceptual iniciado en el año 2010 con la publicación de su álbum “Fifth Sun”. Una segunda etapa musical en el historial artístico de Lycia, que potenciaron y siguieron renovando conceptualmente en los años 2013 y 2015 con los álbumes “Quiet Moments” y “A Line That Connects” respectivamente, y que, en este año 2018, en su trigésimo aniversario celebrado con el glorioso álbum “In Flickers”, vuelven a sorprendernos con otra contundente demostración de maestría en la composición musical a través de ideas artísticas de vanguardia y espíritu pionero. Este talentoso grupo estadounidense ha transformado cada uno de los diez temas que vertebran este álbum, en un contundente despliegue de ingenio en la estructuración musical, de sensibilidad fluyendo vaporosamente en lo melódico, de esencia existencial candente en su lírica, y, sobre todo, de radiante pasión mostrada en la virtuosa interpretación instrumental y vocal de cada tema. Pero Lycia sigue yendo mucho más allá, y está expandiendo las fronteras musicales del post-rock y del darkwave hacia nuevos límites no explorados hasta ahora, de ahí la grandeza artística de este nuevo trabajo musical. Por este motivo, Lycia vuelve a consolidarse en la primera línea de vanguardia dentro de la escena cultural underground más selecta en esta segunda década del siglo XXI, y que, sumado a que vuelven a publicar en el sello discográfico de referencia de la década de los noventa, Projekt Records, parece que estuviéramos viviendo en un vórtice temporal en nuestro presente que comunicara precisamente la década de los noventa con el presente actual.

Iniciamos la audición de esta obra maestra musical marcada firmemente en lacre por Lycia, adentrándonos en la opaca bruma musical del primer tema que da título al álbum: “In Flickers”. Los ojos quedan tapados por la niebla sonora del darkwave, haciendo que nuestros oídos concentren su atención en el más mínimo detalle artístico de esta etérea canción. Poco a poco, avanzamos en el interior de este fantasmagórico caleidoscopio y sus coros evanescentes nos rodean y nos guían, creando otra realidad, otro universo, otra dimensión musical con el inconfundible sello artístico de Lycia. Una sonrisa aparece en nuestro rostro porque tomamos consciencia de la excelsa joya musical que Lycia ha creado, que ha concebido y perfilado pacientemente como legendarios aurifex de la música darkwave. A continuación, en clave electro-dark se presentará la canción “A Failure”, para luego transmutar a lo atmosférico con los magnéticos registros de voz masculino y femenino armonizándose con maestría hasta convertirse en ecos del espíritu, llevándonos directamente hasta el tema “The Path” con los instrumentos de percusión creando la base rítmica de esta estructura musical tocada por lo angelical, sumergiéndonos y fundiéndonos con lo etéreo en este ancestral ambiente ritual. Una delicia musical que, en “She”, adquiere la luminosidad melódica del folk entremezclada con las iridiscencias de la psicodelia más espiritual, perfilando un conjunto musical multicapa donde cada plano melódico y lírico aparece y se diluye en el aire. Unos cromatismos sonoros que prolongarán su protagonismo en el siniestro tema “25 Years”, pero en un entorno más agreste y tenso donde la languidez tiene la misma acidez de lo mortuorio, alargándose como una eterna agonía existencial gótica. “25 Years” incluso presenta influencias conceptuales del doom en su definición sonora, en su densidad instrumental, y en sus colapsos musicales a lo largo de todo el tema.

Pero, en la grandiosa canción “Mist”, retornaremos al darkwave con los planos musicales para sintetizador creando esta ambientación difusa, quedando engalanada con las pinceladas sentimentales de su lírica hasta embriagarnos completamente, apareciendo el tema “34 Palms” con una configuración instrumental más clásica en el estilo musical atmosférico, presentando reminiscencias artísticas enraizadas en la música antigua donde melodía y voz son cuidadas hasta el más mínimo detalle para crear armonía vital. ¡¡¡“34 Palms”, el mágico universo musical de Lycia!!! La entrada del plano musical para guitarra eléctrica romperá con el estilo, añadiendo ese elemento sonoro transgresor. Mucho más poliédrico en su estilo artístico se presentará el potente tema “Rewrite”, formado una amalgama sonora de enérgico impacto musical donde la contundencia de la batería hunde firmemente los pilares del tempo de esta canción, desembocando en la terrible tenebrosidad del excelso tema “Late Night Solitude”, expandiendo el halo fantasmagórico de la noche en su esencia más espectral y mágica, hasta transformar este ambiente selénico en el prólogo de esa ruptura dimensional de donde surgirá lo inimaginado, lo inefable, lo supraterrenal. Finalmente, con el tema “Autumn Into Winter” perfumando el aire con el dulce y denso olor de la melancolía, su tempo lento y pausado nos llevará hasta el ocaso de este álbum a través de una sucesión de brumas opacas nacidas en lo velado, nacidas en la individualidad del Conocimiento místico. Como analista musical, mi consejo personal a los melómanos lectores de Lux Atenea es que no duden un segundo en comprar esta joya discográfica en su edición en vinilo LP 12” si tienen un buen equipo de música de Alta Fidelidad. Me lo agradecerán cuando escuchen estos temas con cada matiz musical en su perfecto registro sonoro. ¡¡¡Pura magia!!! “In Flickers”, seductora pasión artística, obscuro placer sonoro, y la siniestra belleza de la lírica perfumando esta auténtica obra maestra de Lycia convertida en exquisito hedonismo musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.