GINTAS K & MICHELLE O’ROURKE “SORRY GOLD” (ZOHARUM NEW EXPERIMENTAL ART, noviembre 2022) (Reseña / Review #1895).

Reseña Cultural nº: 1895 // Reseña Musical nº: 1340

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico polaco ZOHARUM NEW EXPERIMENTAL ART por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Ecopak CD de seis paneles, edición limitada de 300 unidades (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Sorry Gold #1 // 2- Sorry Gold #2 // 3- Sorry Gold #4 // 4- Sorry Gold #3 // 5- Sorry Gold #4 #2 // 6- Sorry Gold #2 #2 // 7- Sorry Gold #4 #3 // 8- Sorry Gold #3 #2 // 9- Sorry Gold #5 // 10- Sorry Gold #6
Datos técnicos: Álbum masterizado por Gintas K.
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Sorry Gold #2 // 3- Sorry Gold #4 // 8- Sorry Gold #3 #2 // 9- Sorry Gold #5 // 10- Sorry Gold #6

GINTAS K & MICHELLE O'ROURKE SORRY GOLD ZOHARUM

Presentado oficialmente a finales del mes de noviembre del año 2022 a través del mítico sello discográfico polaco Zoharum New Experimental Art en formato digital, y en esta preciosa edición limitada de 300 unidades en ecopak CD de seis paneles, el grandioso álbum “Sorry Gold” sorprenderá a los melómanos lectores de Lux Atenea por su impulso artístico pionero y de vanguardia. Engalanado con este fantasmagórico diseño creado por Maciej Mehring, alma máter del sello Zoharum, tras los trazos cromáticos dorados de su portada se oculta esta imagen inquietante de una mujer con vestido y zapatos que parece provenir de otro mundo, de otra dimensión, o de otro estado de la realidad. Una figura que no se aprecia claramente en las imágenes de portada incluidas en la webstore y en la página oficial del sello Zoharum en Bandcamp, pero que mirada directamente en esta edición en ecopak CD es muy evidente como pueden comprobar en las imágenes adjuntas. Un aura siniestra en su belleza visual que se convierte en la tarjeta de presentación del halo sonoro que va a envolver al melómano durante la audición de estos diez temas que lo vertebran. A nivel musical, el álbum “Sorry Gold” es la grabación de la performance creada y dirigida por Emily Aoibheann, Gintas K, Michelle O’Rourke, Robert Mirolo, y Peter Power, habiendo contado con la colaboración profesional de Monika Palova, Lena Selivanova, Ariadna Vendelova, y Tori McGrory en su coreografía, y de artistas visuales como Liing Heaney. Con Gintas K aportando su talento dentro del apartado musical y con Michelle O’Rourke interpretando con maestría estas definiciones sonoras y líricas a través de su bello registro vocal, el álbum “Sorry Gold” es una inmersión en otra dimensión artística donde el eclecticismo conceptual en su configuración musical final es absolutamente innovador. Un contundente impacto sonoro que les cautivará y les sorprenderá en cada nuevo tema, teniendo siempre como esencia el espíritu transgresor de lo pionero totalmente alejado de normas y fronteras que lo limiten. Un eclecticismo donde se engloba conceptualmente el experimental, dark ambient, ethereal, minimal, música contemporánea, industrial, electroacústica… perfilando esta libertad creativa y esta entrega en la composición para definir estructuras musicales tan seductoras y obscuras. Todo ello les llevará a valorar este álbum como uno de los más sorprendentes que se hayan publicado en el año 2022.

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Iniciamos la audición de esta impactante performance adentrándonos la tenebrosa atmósfera sonora del tema “Sorry Gold #1”, adquiriendo este minimalismo musical donde el dark ambient, la música contemporánea, y lo ethereal entretejen artísticamente esta composición cargada de misticismo y aflicción. Planos vocales que se presentan con el decaimiento del lamento y con la apatía vital de aquel poseído por el desasosiego, y que terminan diluyéndose en el tiempo. Impresionados, a continuación, el excelso tema “Sorry Gold #2” traerá consigo algo más de luz y este plano instrumental en primer plano donde las iridiscencias sonoras tienen ese encanto de lo mágico. Según va evolucionando el tema, la inmersión en lo sacro quedará resaltado con esta lírica de esencia religiosa tan ceremonial y sobrecogedora interpretada con absoluta maestría. ¡¡¡“Sorry Gold #2”, impresionante!!! En cambio, el tema “Sorry Gold #4” será un cambio de estilo radical, sumergiéndonos en esta angustiosa atmósfera sonora industrial donde la presencia de la lírica interpretada con estos registros de voz femeninos no hacen más que amplificar su fuerza artística de vanguardia. “Sorry Gold #4” es una auténtica delicia musical que sorprenderá a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la innovación conceptual más avanzada, y su reaudición está más que asegurada. Desembocando en el tema “Sorry Gold #3”, aquí la electrónica experimental es protagonista a través de la vibrante alma sonora de la electroacústica situada en primer plano, y con la lírica en un segundo plano no tan alejado en la distancia. “Sorry Gold #3” tiene un regusto decadente, incluso post-apocalíptico como si fuera el testamento abandonado de lo dionisíaco escrito antes de su colapso. Con “Sorry Gold #4 #2” elevando la intensidad musical en esta performance, aquí todo se acelera, se magnifica, y es arrastrado por este ciclón sonoro incontenible que va arrasando todo a su paso. Una versión extrema del tema “Sorry Gold #4”.

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En “Sorry Gold #2 #2”, la atmósfera musical se volverá a equilibrar al presentar un abanico de detalles más armonizados dentro de este entorno siniestro, cruzando en algunos momentos la frontera conceptual con el ritual ambient. De nuevo, con la electroacústica como protagonista sonora en el tema “Sorry Gold #4 #3”, lo emocionalmente gélido paralizará al melómano cautivado por la intensidad y por la aplastante crudeza que son proyectadas durante su audición, entrando en un escenario sofocante donde el plano lírico queda muy alejado en este espacio, aproximándose solamente un poco al final del tema. La entrada en “Sorry Gold #3 #2” será perfecta y sin perder la esencia sonora del tema anterior, pero integrando esta lírica en clave ethereal como manifestación del contraste, de la agreste dinámica tecnológica admirablemente recreada con estos planos musicales experimentales e industriales, y con esta interpretación lírica tan posesivamente siniestra. ¡¡¡“Sorry Gold #3 #2”, brutal!!!En el tema “Sorry Gold #5” retornaremos al minimal pero dentro de un ambiente sonoro fluido en su belleza lírica, expandiéndose y difuminándose posteriormente con la entrada de estos cromatismos sonoros experimentales analógicos tan cristalinos. El preciosismo conceptual de “Sorry Gold #5” conduce a lo hierático, a lo reflexivo, a ingerir este loto capaz de anular nuestra realidad cotidiana para permanecer en este Hades musical que huele a eternidad. Una belleza que tendrá su continuidad en el tema “Sorry Gold #6” para clausurar esta magna obra con nuestra sensibilidad a flor de piel, mecidos por la lírica y por estas pinceladas sonoras de vanguardia que parecen tener vida propia. “Sorry Gold”, este grandioso álbum es la puerta de entrada a otra dimensión musical seductoramente pionera en su concepto artístico. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

GINTAS K & MICHELLE O'ROURKE SORRY GOLD

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

JARBOE “SACRIFICIAL CAKE” (THE CIRCLE MUSIC, diciembre 2022) (Reseña / Review #1878).

Reseña Cultural nº: 1878 // Reseña Musical nº: 1337

Quiero dar las gracias a DISCIPLINE PR (DAN) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: SIDE A: 1- Lavender Girl // 2- Ode To V // 3- Shimmer (Instrumental) // 4- My Buried Child
SIDE B: 5- Not Logical // 6- Spiral Staircase // 7- Yum-Yab // 8- Surgical Saviour
SIDE C: 9- Caché Toi // 10- Tragic Seed // 11- Troll Lullaby // 12- Deflowered
SIDE D: 13- The Body Lover // 14- Shimmer // 15- Act III // 16- Troll
Datos técnicos: Álbum grabado en Plastikville Studios (Nueva York), salvo el tema “My Buried Child” grabado en directo por Berry Kamer en VPRO Radio (Países Bajos); temas musicales mezclados en Civa Studio (Atlanta); álbum masterizado originalmente por Chris Griffin en Griffin Mastering, habiendo sido remasterizado por George Emmanuel en Pentagram Studio para esta edición en vinilo
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Lavender Girl // 2- Ode To V // 3- Shimmer (Instrumental) // 6- Spiral Staircase // 11- Troll Lullaby // 12- Deflowered // 13- The Body Lover // 14- Shimmer // 16- Troll

JARBOE SACRIFICIAL CAKE THE CIRCLE MUSIC

La talentosa artista estadounidense Jarboe perteneció al grupo musical de culto The Swans pero, en solitario, desde principios de la década de los noventa ha ido presentando álbumes de vanguardia dentro de esta escena que han servido de referencia a futuros artistas y grupos musicales. Uno de estos míticos álbumes de Jarboe es “Sacrificial Cake”, editado originalmente en CD a través de los sellos discográficos Young God Records, Alternative Tentacles, y Rough Trade en el año 1995, y que, a mediados del pasado mes de diciembre de 2022, ha sido publicado por primera vez en el insustituible y fidedigno formato en vinilo por el prestigioso sello discográfico griego The Circle Music, tras haber sido remasterizado por George Emmanuel en Pentagram Studio. Una joya discográfica que hará las delicias de los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta preciosa edición, limitada a 500 unidades en 2LP 12” en vinilo de 180 gramos de color lavanda inspirado en el famoso tema del álbum titulado “Lavender Girl”. Habiendo sido engalanado con un nuevo diseño creado por Riccardo Isolabella, mantiene el protagonismo visual de la portada original (obra pictórica del artista multidisciplinar británico Deryk Thomas titulada “Knifewoman Drawing”) pero presentando una mayor luminosidad, una decoración marcada por tonos cromáticos más intensos, y un trasfondo simbólico donde la presencia de la mano en un segundo plano adquiere este siniestro hilo de influencia en ese acto principal representado.

JARBOE SACRIFICIAL CAKE THE CIRCLE MUSIC 2LP vinyl

En su grandioso álbum “Sacrificial Cake”, Jarboe pudo contar con la colaboración de otros artistas como Michael Gira (alma máter de The Swans), Michael Evans, y Lary Seven (Lary Govensky) en la interpretación final de estos temas musicales, y siempre teniendo en cuenta que, en este álbum, el tema “My Buried Child” fue el único grabado en directo (VPRO Radio, Países Bajos). A nivel conceptual, la innovación musical que presenta Jarboe en estas composiciones es absoluta a través de un eclecticismo artístico donde quedan presentes estilos como el ethereal, tribal, industrial, experimental, ambient, postindustrial, indie rock, dark ambient, minimal… Por este motivo, el mítico álbum “Sacrificial Cake” es fundamental para poder conocer y sentir los vientos musicales de vanguardia que supuso la composición instrumental y lírica de estos temas de la mano de Jarboe, definiendo una obscura perspectiva sonora y una pasión interpretativa que nos deslumbró a quienes amamos esta escena musical desde lo más profundo del alma. “Sacrificial Cake” es un ejemplo claro de la grandeza artística de Jarboe a mediados de la década de los noventa, y una de las bases creativas esenciales para su posterior evolución en la composición de nuevos temas a lo largo de los siguientes años.

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Iniciamos la audición de esta mítica obra adentrándonos en el universo musical de Jarboe a través de su famoso tema “Lavender Girl”, mientras estas melodías embriagadoras nos sumergen en ese estado espiritual donde los sentidos se expanden gracias a estos planos instrumentales vaporosos, y con el dulce registro vocal de Jarboe seduciendo nuestra mente como una mística sacerdotisa. Misticismo, esta es la perfumada esencia que emana del excelso tema “Lavender Girl”, y su sombra también se proyecta en el tema “Ode To V” dentro de un plano más carnal al estar dedicada al templo del placer femenino, misterioso y adorado como radiante fuente hedonista de esa petite mort tan anhelada y deseada. “Ode To V” es fetichismo y ceremonia, es pórtico sagrado y agua salvífica, es incienso carnal y tacto divino que conduce a otro plano existencial si es tocado por ese impulso de búsqueda que solamente la pureza es capaz de revelar. De ahí este ceremonial sonoro étnico y tribal tan seductor. ¡¡¡“Ode To V”, impresionante!!! Conduciéndonos hasta el tema instrumental “Shimmer”, aquí el estilo ambient adquiere estos radiantes cromatismos iridiscentes entre claroscuros dimensionales débilmente iluminados para expandir nuestros sentidos durante su audición. “Shimmer” es la magia musical de Jarboe en su máxima expresión, y en su definición estructural más armoniosa y bella. Posteriormente, “My Buried Child” se presentará como el único tema de este álbum que fue grabado en directo con Jarboe acompañada por Michael Gira a la guitarra, y terminando en un colapso absoluto de toda su estructura instrumental, apareciendo el tema “Not Logical” para reconducir esa atmósfera obscura hacia un escenario musical de lírica transgresora, y decorada con la serenidad de estos pasajes melódicos ambient que derivarán puntualmente hacia lo industrial. “Not Logical” invita a elevar el plano existencial, siendo mántrico en su lírica mientras te embruja con su eclecticismo musical. Dando un giro conceptual absoluto al estilo, “Spiral Staircase” proyecta el espíritu vital más decadentista de este álbum, y establece una serie de contrastes que resultan esenciales para envolvernos con esta dinámica constantemente influida por el dolor hasta el entumecimiento emocional. “Spiral Staircase” es uno de los temas más obscuramente bellos de este álbum por su perfumada tristeza.

JARBOE SACRIFICIAL CAKE THE CIRCLE MUSIC 2LP

Cuando el tema “Yum-Yab” aparezca con su ambientación étnica, será esta interpretación lírica experimental lo que altere esa atmósfera con la belleza siniestra más irascible. “Yum-Yab” es provocador, áspero, y extremo, quedando el tema “Surgical Saviour” como demostración conceptual del postindustrial más nihilista en su plano existencial, sumergiéndose en la tentación de lo físico como intento de sentirse vivo, de cobrar sentido la existencia en un presente siempre incómodo e insustancial. Tras la vorágine, “Caché Toi” será la antesala lírica perfecta para adentrarnos en el tema experimental “Tragic Seed” donde se refleja esa difuminada realidad del amor como tragedia, de ahí su inexorable deriva musical hacia lo siniestro que aparecerá de forma contundente y lapidaria, y cuya continuidad es la demoníaca canción de cuna “Troll Lullaby”. Una ambientación sonora dark ambient irresistible, y con una lírica gótica de auténtico lujo que sería ideal como banda sonora de una película de terror sobrenatural. Desembocando en el tema “Deflowered”, aquí el indie rock recupera su mensaje de denuncia y de crítica para desvelar una realidad no siempre reconocida ni aceptada, porque toca aspectos económicos y empresariales que no se desea destapar por los intereses creados alrededor de ello. En “Deflowered”, la industria musical queda al descubierto, presentándose como una trituradora de ilusiones, de talento, de magia artística, por los intereses carnales y económicos que se mueven internamente. Un precio que el artista muchas veces tiene que pagar en esta industria musical para poder abrir la puerta que conduce supuestamente al éxito y a la fama. Conceptualmente, el rock se convierte en el estilo musical más idóneo para remarcarlo con estos aires artísticos de la década de los sesenta y principios de los setenta.

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Volviendo al ambiente gótico decimonónico tardío, “The Body Lover” es un tema musical que quedaría perfecto como banda sonora en películas como “La Carne y el Demonio (the flesh and the fiends)”, ya reseñada en Lux Atenea, debido al protagonismo de estos ladrones de cadáveres con vidas al margen de la ley en su lado más marginal, violento, y depredador. El dark ambient, el minimalismo, y lo experimental dan cuerpo musical a “The Body Lover”, cubriéndonos de obscuridad e inquietud. Perfumado con esta preciosa lírica magníficamente interpretada por Jarboe, el tema “Shimmer” ahora potencia su aura embriagadora como si fuera un potente hechizo lanzado por Circe. Luego, el tema “Act III” aparecerá con esta estructura musical postindustrial tan exquisita y vanguardista en su dimensión instrumental, y con una lírica en clave sonora ritual. “Act III” se expandirá hasta el tema “Troll” sin que haya una frontera musical clara que lo separe porque la armonía se mantiene constante en su evolución, adquiriendo esta clausura del álbum la brillantez creativa que siempre ha caracterizado a Jarboe en sus obras musicales. “Troll” es profundamente siniestro y con ese lado burlón que caracteriza a la mitología escandinava en relación a estas criaturas sobrenaturales, quedando recreadas con absoluta maestría en esta composición experimental. “Sacrificial Cake”, primera edición discográfica en vinilo de este mítico álbum para poder sentir el arte musical de Jarboe en su plenitud sonora ideal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

JARBOE SACRIFICIAL CAKE

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SPEAKING SILENCE “NOSTALGIA” (AUTOEDITADO, diciembre 2022) (Reseña / Review #1868).

Reseña Cultural nº: 1868 // Reseña Musical nº: 1334

Quiero dar las gracias al legendario dúo musical francés SPEAKING SILENCE por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Understanding // 2- Amertume // 3- Somewhere in time // 4- In turmoil // 5- Dear animals // 6- Little queen // 7- Angel voice // 8- Sea of tears // 9- De l’autre côté // 10- She is everywhere
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Alain Grandière en Lonesome Studio; álbum masterizado por Miloud Sassi en DB Master Pro Studio (Bruselas, Bélgica)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Understanding // 2- Amertume // 6- Little queen // 9- De l’autre côté // 10- She is everywhere

SPEAKING SILENCE NOSTALGIA cover

Una de las mejores noticias musicales que he tenido en este año 2022 ha sido la presentación oficial del nuevo álbum de Speaking Silence “Nostalgia” el pasado día 1 de diciembre. Como los melómanos lectores de Lux Atenea ya conocen, Speaking Silence es una de las bandas musicales de culto que más adoro, y la audición de sus álbumes sigue fascinándome año tras año porque los artistas franceses Carla Picchiantano y Alain Grandière son geniales, y con un talento musical innovador donde la elegancia en la composición es deslumbrante, además del increíble registro de voz de Carla Picchiantano que es único e inconfundible dentro de la escena gótica por su amplio abanico tonal y su pasión interpretativa. Tanto en el año 1999 cuando compré su excelso álbum autoeditado “Insides”, como en 2002 cuando tuve en mis manos el grandioso álbum “The Twilight World” publicado por el sello H.A.R (Sacral Productions), ambas obras ya reseñadas en Lux Atenea, Speaking Silence siempre ha sido una garantía de sensibilidad en la composición, y una entrada en la vanguardia conceptual más exquisita dentro de la escena gótica, ya que su estilo fusiona la obscura belleza del rock gótico con el trasfondo espiritual del estilo ethereal (o música atmosférica como se denominaba en la década de los noventa). Desde entonces, mi ansiada espera de su nuevo álbum ha estado latente hasta el pasado mes de noviembre, cuando recibí este promocional enviado por el propio dúo musical. Speaking Silence vuelve a autoeditar sus obras, y su cuarto álbum “Nostalgia” ha sido publicado en una preciosa edición discográfica en digipak CD disponible a través de su página web oficial. Engalanado con esta bella portada otoñal donde soplan vientos de melancolía, el río destaca simbólicamente como el devenir en la vida, como el inexorable paso del tiempo para el ser, y como un fluir constante hacia ese destino siempre situado más allá de nuestra visión (y comprensión). Vertebrado por diez temas musicales que han sido masterizados por Miloud Sassi (DB Master Pro Studio, Bruselas, Bélgica), en su nuevo álbum “Nostalgia”, Carla Picchiantano y Alain Grandière nos presentan esta evolución conceptual de su estilo donde la madurez artística y las ganas de crear belleza musical desde el alma, perfilan melódica y líricamente estas composiciones interpretadas con esa sensibilidad que solamente da la experiencia dentro del Arte.

SPEAKING SILENCE NOSTALGIA CD

Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra sumergiéndonos en la magia melódica del tema “Understanding” donde podrán comprobar que para el registro de voz de Carla Picchiantano no ha pasado el tiempo desde el año 2002. Rock gótico con clase para embellecer los claroscuros de la vida que envuelven su lírica con un tono vocal luminoso, y ese trasfondo melancólico que deja la vida en su cara más obscura. Cicatrices existenciales dejando esa experiencia que hace valorar la pureza como valor supremo de la vida, y que se cuida y protege para que no quede alterada y corrupta al contacto con este mundo. Ahondando en lo trágico, el tema “Amertume” profundiza conceptualmente en lo gótico a través del inconfundible estilo musical de Speaking Silence que lo hace diferente a cualquier otra banda musical o artista. “Amertume” posee ese halo bohemio francés donde la soledad es sentida como parte ineludible del sentir vital, esa mirada al horizonte con ojos marcados por las arrugas que provocó entrar bajo la influencia del Mal, siendo esta amargura la marca indeleble de esos duros momentos en la vida. En el excelso tema “Amertume”, Speaking Silence reivindica su relevante posición musical dentro de esta escena con una interpretación sublime que conmoverá al bibliófilo lector de Lux Atenea. En cambio, la canción “Somewhere in time” abrirá las cortinas para dejar pasar la luz en esa estancia obscura que parecía un solitario mausoleo. Uno de los temas más enérgicos del álbum “Nostalgia” que nos llevará directamente al precioso tema “In turmoil”, apareciendo lo brumoso en este plano instrumental para piano acompañado por la preciosa voz de Carla Picchiantano, en una lírica admirablemente modulada e interpretada en esta canción dedicada a Patricia Picchiantano.

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Con el plano existencial elevado su nivel de sensibilidad más armonioso, el tema “Dear animals” se presentará con esta esencia melódica donde la guitarra clásica adquiere un protagonismo especial en clave folk, desembocando en el excelso tema “Little queen” también con la guitarra clásica como pilar instrumental fundamental de esta composición, quedando el arte lírico en manos de Carla Picchiantano para irradiarnos con su atmósfera ethereal y su virtuosismo vocal. En la parte final del tema, la entrada de la guitarra eléctrica les llevará a disfrutar de este sublime rock gótico con alma old school. ¡¡¡“Little queen”, impresionante!!! Cambiando completamente de registro, en la canción “Angel voice”, Speaking Silence retornará al protagonismo melódico del piano para marcar el tempo de esta composición ligera, apareciendo “Sea of tears” como antesala del excelso tema “De l’autre côté” con lírica del ilustre poeta decimonónico francés Victor Hugo (1802-1885), presentando la composición más innovadora y preciosista de este álbum. Todo en “De l’autre côté” es una delicia tanto a nivel instrumental y vocal, provocando que solamente para poder disfrutar esta delicatessen musical ya merezca la pena comprar este álbum en digipak CD. “De l’autre côté” es la crème de la crème del arte musical de Speaking Silence en esta nueva etapa creativa, y otra contundente muestra de su virtuosismo conceptual que seguirá presentando nuevas joyas musicales en sus próximos álbumes. ¡¡¡“De l’autre côté”, chapeau!!! Extendiendo el telón de clausura de esta extraordinaria obra musical, el glorioso tema “She is everywhere” dará un espíritu etéreo a esta iridiscente composición mientras la modulada voz clásica de Carla Picchiantano vuelve a fascinarnos, apareciendo puntuales planos instrumentales neoclásicos para engrandecer aún más este tema. ¡¡¡“She is everywhere”, espectacular!!! “Nostalgia”, el esperado retorno discográfico del dúo musical francés Speaking Silence a través de un álbum conceptualmente amplio en su trasfondo, evolucionando del gótico más espiritual y etéreo al spleen existencial más melancólico. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

SPEAKING SILENCE NOSTALGIA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ATARAXIA “POMEGRANATE – THE CHANT OF THE ELEMENTALS” (THE CIRCLE MUSIC, septiembre 2022) (Reseña / Review #1588).

Reseña Cultural nº: 1588 // Reseña Musical nº: 1308

Quiero dar las gracias al mítico grupo musical italiano ATARAXIA y al prestigioso sello discográfico griego THE CIRCLE MUSIC por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Hlara Aralh // 2- Oruphal // 3- Ozoonhas // 4- Nevenhir // 5- Ode ad Afrodite // 6- Ode a Dioniso // 7- Aura Magi // 8- Hummingbirds // 9- Amethyst (bonus track)
Datos técnicos: Temas musicales grabados, mezclados, y masterizados entre los meses de noviembre del año 2021 y mayo de 2022 por Vittorio Vandelli
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena folk y ethereal

ATARAXIA - POMEGRANATE THE CHANT OF THE ELEMENTALS

El grupo musical italiano de culto Ataraxia vuelve a ser protagonista cultural en Lux Atenea porque el próximo día 21 de septiembre será presentado oficialmente su nuevo álbum “Pomegranate – The Chant Of The Elementals”. Será publicado por el prestigioso sello discográfico griego The Circle Music en formato digital, en CD con libreto de 16 páginas (incluye el tema “Amethyst” como extra), en una edición limitada de 1000 unidades en digipak CD de formato A5 con libreto (también incluye el tema “Amethyst” como extra), en una edición limitada de 500 unidades en vinilo dorado LP 12” con libreto, y en la edición limitada luxurious box de 200 unidades que incluye el LP 12” en vinilo jaspeado en dorado y negro más el digipak CD y una sudadera con cremallera, estando estas ediciones ya disponibles en pre-pedido a través de la web oficial del propio sello. Engalanado con este elegante diseño creado por Nicolas Ramain, la estética, el equilibrio, y la armonía visual resalta especialmente en su bucólica portada protagonizada por la virtuosa cantante Francesca Nicoli, reflejando esta esencia cultural intemporal enraizada en la perspectiva existencial occidental más espiritual donde lo arcano y pagano renacen e iluminan al alma. En la edición discográfica del álbum “Pomegranate – The Chant Of The Elementals” en vinilo dorado además encontrarán el libreto “Insetti Xilografi” donde destacan los textos en clave poética de Francesca Nicoli, quedando lo mágico, lo mitológico, y la belleza de las manifestaciones de la Madre Naturaleza como irresistible atracción visual.

Francesca Nicoli Ataraxia

Formado por Francesca Nicoli (vocalista), Vittorio Vandelli (guitarras clásica y eléctrica, programaciones, y coros) y Giovanni Pagliari (piano, teclados, y coros), en su nuevo álbum “Pomegranate – The Chant Of The Elementals”, Ataraxia además ha podido contar con la colaboración artística de Totem Bara (violonchelo y timbales). Vertebrado por estos nueve temas compuestos por el propio grupo musical y con lírica escrita por Francesca Nicoli, cada uno de ellos ha sido grabado, mezclado, y masterizado entre los meses de noviembre del año 2021 y mayo de 2022 por Vittorio Vandelli, ofreciendo al melómano lector de Lux Atenea que adquiera tan magna obra, esta calidad sonora y esta espectacular dimensión musical del arte de Ataraxia que, desde el año 1990, me tiene fascinado. 28 álbumes musicales que son auténticas joyas discográficas destinadas a ser disfrutadas in aetérnum, y porque todo en “Pomegranate – The Chant Of The Elementals” es Mística y Poesía. Pomegranate, la granada como símbolo de la muerte de lo terrenal y de la resurrección espiritual del individuo místico en su devenir existencial, y la granada también como símbolo de la abundancia, de la prosperidad, de la fecundidad donde la vida se expande con esplendor. “Pomegranate – The Chant Of The Elementals” es el título del nuevo álbum de Ataraxia, y esta nueva obra maestra continúa engrandeciendo la resplandeciente creatividad conceptual de este grupo musical italiano de culto dentro de esta apasionante escena.

ATARAXIA POMEGRANATE

Iniciamos este viaje musical en clave alquímica adentrándonos en el reino de las emociones y de los sentimientos que fluye en el primer tema “Hlara Aralh”, de ahí estos cromatismos sonoros iridiscentes iniciales que quedarán en un segundo plano cuando el tema presente esta estructura instrumental folk, llevando Francesca Nicoli a su registro de voz hasta sus tonos más agudos para dar más luz a esta canción. A continuación, la belleza instrumental melódica aparecerá en el precioso tema “Oruphal” donde Francesca Nicoli presenta un magnífico registro de voz más grave donde el idioma italiano proyecta su magia lírica. “Oruphal” es espectacular, y no tan luminoso como el tema anterior al ser más denso y trágico en su trasfondo místico, irradiando la inconfundible esencia artística de Ataraxia donde Francesca Nicoli interpreta su lírica de forma sublime. ¡¡¡“Oruphal”, grandioso tema!!! Después de repetir la audición de “Oruphal” varias veces más por puro placer, el tema “Ozoonhas” va a adquirir la ligereza sagrada del psicopompo al estar sonoramente unido a la esencia divina del alma. Los planos musicales en “Ozoonhas” son etéreos, dilatándose en el tiempo como si su influencia perdiera fuerza, y es que “Ozoonhas” nos aleja completamente del condicionante terrenal y físico en pro de lo universal, de lo sagrado, de lo puro, de lo eterno. Conduciéndonos hasta el tema “Nevenhir”, aquí la estructura musical no llega a ser tan densa como en “Oruphal” ni tan ligera como “Ozoonhas”, ya que se recrea el elemento sagrado del agua como entorno purificador donde el cuerpo físico hace una primera toma de contacto con la sutil esencia del alma. En “Nevenhir”, los melómanos quedarán fascinados con su hipnotismo melódico y con su elegancia lírica que Francesca Nicoli resalta aún más con esta virtuosa interpretación. ¡¡¡“Nevenhir”, qué belleza!!!

ATARAXIA - POMEGRANATE

Posteriormente, todo cambiará en el tema “Ode ad Afrodite”, emanando esta sensualidad melódica como recreación del encanto, de la fascinación, de la esencia vital, y de la satisfacción existencial a través del estímulo de los sentidos. Todo en “Ode ad Afrodite” es sonoramente equilibrado, meciéndonos con sus planos instrumentales para que la lírica establezca los cromatismos musicales, los colores sonoros en esta radiante vidriera artística donde se representa la vida. ¡¡¡“Ode ad Afrodite”, otra joya musical atesorada en este tema!!! En el otro lado del espejo místico se encuentra el tema “Ode a Dioniso” y la intensidad del éxtasis que lo exalta todo. Aquí los placeres, lo carnal, los excesos, la pasión desatada, los instintos unidos a lo animal, rompen con la racionalidad y con la compostura cotidiana de lo humano en su pilar de civilización. “Ode a Dioniso” es obscuro, mistérico, unido a la Madre Naturaleza cuando el ser humano aún no era consciente de la Muerte en su realidad existencial, fundamentando la intensidad musical que nos irradia en este tema y destacando especialmente la colosal interpretación lírica de Francesca Nicoli en esta canción tan enérgica, tan poderosa, tan pasional. Profundamente impresionados con “Ode a Dioniso”, la entrada en el tema “Aura Magi” será esplendorosa y tan espiritualmente liberadora como el camino místico iniciático donde lo humano irá quedándose atrás. “Aura Magi” revela, muestra realidad, siendo el idioma francés perfecto para ofrecer reflexión e inteligencia en su mensaje. “Aura Magi” es iridiscente y extremadamente elegante en su estructura musical, transformando el estilo ethereal en esta sublime delicatessen que seducirá a los melómanos lectores de Lux Atenea más hedonistas. “Aura Magi” es equilibrio, pero ese equilibrio interior latente en el ser tras conocer la auténtica realidad de este mundo, y donde lo sagrado y lo místico lo envuelven con su luz.

Ataraxia band

Cuando el tema “Hummingbirds” se presente con su trasfondo místico de purificación y adaptación a los cambios, porque todo en este universo está en constante cambio y transformación, la inmersión en este entorno bucólico nos conducirá a la alegría espiritual al contemplar la diversidad de la vida en este mundo. “Hummingbirds” es el calor emocional del místico observando la magia de la vida, admirando el detalle en las formas, la hipnótica atracción del reflejo de la luz en sus diversos colores, en definitiva, el tema “Hummingbirds” recrea el pensamiento del místico después de la revelación sagrada donde este mundo ya no volverá a verlo con los mismos ojos, pasando de la obscuridad a la luminosidad espiritual. Clausurando este álbum, el tema “Amethyst” reflejará musicalmente su simbolismo relacionado con la curación, con la calma espiritual tan necesaria para acabar con los males físicos y mentales, desarrollándose en su dimensión melódica con estos planos instrumentales y lírico equilibrados a lo largo de toda la composición. “Amethyst” es sonoramente cromático como un amanecer, y con esta exaltación del espíritu que aleja lo negativo. “Amethyst” te atrae, te envuelve con su calidez existencial, y te lleva a ese otro mundo unido a la emociones más puras. “Pomegranate – The Chant Of The Elementals”, obra maestra con música y lírica de salvífico trasfondo alquímico. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

ATARAXIA POMEGRANATE THE CHANT OF THE ELEMENTALS

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

BLACK TAPE FOR A BLUE GIRL “THE CLEFT SERPENT” (PROJEKT, octubre 2021) (Reseña / Review #1582).

Reseña Cultural nº: 1582 // Reseña Musical nº: 1305

Quiero dar las gracias al genial artista estadounidense SAM ROSENTHAL (BLACK TAPE FOR A BLUE GIRL) por su cortesía al firmarme y dedicarme esta edición discográfica.

Edición reseñada: Digipak CD, firmado y dedicado (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- The Cleft Serpent // 2- The Trickster // 3- Hidden Villa, Florence 1453 // 4- Ares & Hermes // 5- To Touch The Milky Way // 6- So Tired Of Our History // 7- The Matchmaker // 8- I’m The One Who Loses
Datos técnicos: Álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena ethereal

Black Tape For A Blue Girl The Cleft Serpent CD pic1

Desde el año 1986 estoy disfrutando la música del genial artista estadounidense Sam Rosenthal, alma máter de Black Tape For A Blue Girl y fundador del mítico sello discográfico Projekt, ya que ese mismo año compré su álbum de debut “The Rope” en CD (álbum ya reseñado en Lux Atenea). Por la pasión que sus temas siguen provocando en mí durante la audición de sus magnas obras musicales, Black Tape For A Blue Girl ha tenido un protagonismo artístico muy destacado tanto en la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD (1999-2002) como actualmente en Lux Atenea desde el año 2006. Su más reciente álbum titulado “The Cleft Serpent”, deslumbra por su esencia melódica y lírica de vanguardia dentro de la escena musical ethereal hasta erigirse en su nueva obra maestra, perfilando temas musicales con una sensibilidad y una maestría en la composición que fascinará a los melómanos afines a los álbumes musicales más selectos, exquisitos, y exclusivos. Todo en “The Cleft Serpent” es magia sonora y esencia conceptual de Black Tape For A Blue Girl, siempre innovando a la hora de crear la belleza musical más hedonista y resplandeciente nacida en esta escena artística. Desde el primero hasta el último tema que vertebra el álbum “The Cleft Serpent” hechizará al melómano, transformando su audición en una inmersión sensorial absoluta en este deslumbrante universo musical concebido por Sam Rosenthal, y que gracias a la impecable labor técnica de masterización realizada por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), cada tema brilla con esta luz musical cristalina, nítida, y con selectos matices, invitando a su atenta audición a través de su esencia sonora más pura. Una obra maestra que suena perfecta hasta emocionarnos por los sentimientos que provoca cada una de estas composiciones musicales.

Dedicatoria Black Tape For A Blue Girl The Cleft Serpent

Presentado oficialmente el día 1 de octubre del pasado año 2021 a través del mítico sello discográfico Projekt en formato digital, en este precioso digipak CD, y en una edición limitada de 500 unidades en vinilo LP 12”, el álbum “The Cleft Serpent” viene engalanado con este espectacular diseño creado por el propio artista Sam Rosenthal, destacando especialmente la ilustración de las serpientes creada por Michael Aul y la novela gráfica dibujada por Andy Raybourne. A nivel musical, Sam Rosenthal ha contado con la colaboración profesional de artistas de la categoría de Henrik Meierkord (instrumentos de cuerda) y Jon DeRosa (vocalista), fluyendo cada tema musical con una armonía y un magnetismo sonoro que impresionará al melómano lector de Lux Atenea que adquiera este álbum. Cada tema de “The Cleft Serpent” lleva conceptualmente al ethereal a una nueva dimensión, a una nueva estructura instrumental y lírica de primer nivel que te envuelve y te impregna mentalmente con esta luz artística que parece proceder de otro universo enlazado a lo divino. Con esta nueva obra maestra, el virtuosismo de Sam Rosenthal en la composición llega a pulir cada tema hasta con el más mínimo detalle sonoro, armonizando lírica y planos melódicos con una maestría que conmueve. Todo en el álbum “The Cleft Serpent” evoluciona, fluye, muta en proyecciones sonoras que te asombran y te incitan a re-audiciones de cada tema. En “The Cleft Serpent” no sobra ni falta una nota musical, quedando todo pulido y resplandeciendo con una belleza musical que hará que disfrutes de nuevo este álbum a lo largo de los próximos años, décadas, con la misma pasión que lo sientes en la actualidad. Incluso con más pasión aún según vayas descubriendo nuevos detalles sonoros en cada nueva audición.

Black Tape For A Blue Girl The Cleft Serpent graphic novel

Iniciamos la audición de esta obra maestra adentrándonos en el tema homónimo del álbum, abriéndose la luz con el mismo tacto del terciopelo para acariciar a nuestra alma con su mística. Derivando hacia pasajes instrumentales de esencia barroca, el tema “The Cleft Serpent” proyectará toda su magia con la entrada de su lírica impecablemente interpretada hasta desembocar en este acuoso cromatismo sensorial. El embrujo musical de Black Tape For A Blue Girl se ha liberado para poseernos, siendo el tema “The Trickster” el que nos lleve a este entorno más sombrío donde las notas musicales parecen disolverse en el aire, quedando la penumbra como lugar acogedor para el espíritu melancólico deseoso de ser traspasado por la belleza sublime, deseoso de encontrar ese sentido existencial que se perdió entre sus dedos. Todo se vuelve evanescente en esta obra musical mientras ahonda en el espíritu barroco, y el siguiente tema “Hidden Villa, Florence 1453” nos llevará al pasado, a esa armonía de la mente renacentista fascinada con la belleza, con la armonía, con la visión de los secretos del Conocimiento observados con esa mezcla de intuición y reflexión. Pero más conocimiento, mayor inteligencia, siempre traen consigo mayor sufrimiento y una creciente desconexión con lo humano que te lleva a los brazos de la soledad, y a ese aislamiento místico en relación a la vacuidad existencial que emana de la sociedad y del mundo. ¡¡¡“Hidden Villa, Florence 1453”, impresionante!!! Con las emociones a flor de piel, el tema “Ares & Hermes” aparecerá con un ímpetu más poderoso como si las brumas de lo divino empezarán a extenderse alrededor nuestro. De forma pausada, constante, inexorable, la magia melódica de Black Tape For A Blue Girl vuelve a transformar la esencia conceptual del ethereal en esta perspectiva musical que fascina, llevándonos a lo trascendente y a la elevación del plano existencial porque su arte musical tiene alma, alma universal.

Black Tape For A Blue Girl The Cleft Serpent CD pic3

Los instrumentos de cuerda seguirán siendo protagonistas en el tema “To Touch The Milky Way”, quedando este vibrante piano como soporte perfecto de su lírica declamada con sentimiento. El tiempo se para, el devenir quedó atrás, y la mirada de quien empezó a purificar su alma comenzó a fijarse en la magnificencia de lo superior. Los detalles fueron los libros donde su alma verdaderamente comenzó a aprender a vivir, y, tomando perspectiva desde lo más pequeño, todo el universo empezó a cobrar sentido porque todo está íntimamente relacionado. Posteriormente, cuando el tema “So Tired Of Our History” nos haga retornar al espíritu barroco del tempus fugit, la visión de los secretos de lo humano no harán más que llevar al desasosiego. Fuera del alocado carrusel de la sociedad humana, la sensación de haber perdido el tiempo cuando se estuvo dentro de él empezará a notarse como la losa más pesada, deseando librarse de ese peso existencial. ¡¡¡“So Tired Of Our History”, espectacular!!! Luego, el tema “The Matchmaker” se mostrará como ese destello de lo humano tratando de mostrar una realidad inexistente, y que siempre es decorada y vendida con sus mejores galas. Una fantasía del ideal alejado completamente de la verdad, y que trata de atrapar a quienes creen en ello con la letal eficacia de la tela de araña. La vida ya se encargará de envolverlo con su firme hilo de seda para que no pueda escapar. Finalmente, cuando el tema “I’m The One Who Loses” empiece a extender el telón de clausura de este maravilloso álbum, esta delicatessen musical endulzará el amargor de la vida con esta lírica que destila verdad. Un baño de realidad, traspasar el espejo para ir al otro lado, tomar la delicada mano de la soledad para recorrer ese nuevo camino escondido en la obscuridad, todo en “I’m The One Who Loses” es trágico, dramático, y liberador. “The Cleft Serpent”, cuando el virtuosismo en la composición lleva de nuevo a Sam Rosenthal a elevar su arte musical hasta este nivel creativo: la obra maestra. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

BLACK TAPE FOR A BLUE GIRL - THE CLEFT SERPENT

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ENTEN HITTI “VIA LATTEA” (SEAHORSE RECORDINGS / LIZARDS RECORDS / ARTISTI DEL 900, febrero 2022) (Reseña / Review #1578).

Reseña Cultural nº: 1578 // Reseña Musical nº: 1303

Quiero dar las gracias al grupo musical italiano ENTEN HITTI por su cortesía al enviarme este promocional digital.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Via Lattea // 2- The Swan Arm // 3- Where Orion Fish Dream // 4- Black Perseus // 5- Petra // 6- The Compassion Of A Star // 7- Love’s Consequences // 8- Sacred Heart Lullaby Milky Way // 9- That Careless Stream Flowing Inside Us // 10- What Clouds Know // 11- Beyond The Saffron Colored Ways // 12- Alma De Niqua
Datos técnicos: Temas musicales grabados entre los meses de marzo de 2019 y marzo del año 2021; mezclados en el mes de abril del 2021; álbum masterizado en Studio Telenn Sulbiate por Vincenzo Zitello en el mes de mayo de 2021
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Via Lattea // 2- The Swan Arm // 4- Black Perseus // 5- Petra // 6- The Compassion Of A Star // 7- Love’s Consequences // 9- That Careless Stream Flowing Inside Us // 10- What Clouds Know // 11- Beyond The Saffron Colored Ways // 12- Alma De Niqua

Enten Hitti Via Lattea cover

Desde el año 1996, el grupo musical italiano Enten Hitti nos viene sorprendiendo con álbumes transformados en obras de trasfondo místico y espiritual. Su más reciente álbum titulado “Via Lattea”, surge inspirado en lo ancestral, en el culto a la Diosa Madre que hace milenios dominó a nivel religioso diferentes áreas geográficas y culturales repartidas en todo el mundo. Lo femenino y lo místico fundamenta esta apasionante obra vertebrada en doce temas musicales, y donde el eclecticismo conceptual es clave para ofrecer al melómano lector de Lux Atenea que adquiera este álbum, esta magia sonora que fascina por su belleza melódica y vocal. Formado por Pierangelo Pandiscia (laúd, guitarra, tambor matálico, metalófono, y kalimba), Gino Ape (piano, oboe, y xilófono), Giampaolo Verga (violín), Jos Olivini (cítara, acordeón, y kalimba), Afra Crudo (vocalista), Mari Celeste Criniti (vocalista y cantos), y Claudia Foglia (vocalista), en su nuevo álbum “Via Lattea”, el grupo musical italiano Enten Hitti también ha podido contar con la colaboración profesional de talentosos artistas como Alio Die (cítara), Gamelan Gong Cenik (ensemble de música balinesa), Stafano Nosari (contrabajo y violonchelo), Antonio Testa (percusión), Paola Tagliaferro (vocalista), Lorenzo Pierobon (cantos), Claudio Milano (vocalista), Rita Colani (vocalista), Juri Camisasca (vocalista), Julia Berger (vocalista), Vincenzo Zitello (viola, violonchelo, y contrabajo), Giulia Ermirio (viola) y Jenny sorrenti (vocalista). Presentado oficialmente el pasado mes de febrero en formato digital y en CD a través de los sellos discográficos Seahorse Recordings y Lizards Records 2022, el álbum “Via Lattea” también ha sido publicado a través del sello discográfico Artisti Del 900 en una edición limitada de 300 unidades en vinilo LP 12”. Engalanado con esta preciosa portada diseñada por Matteo Guarnaccia, la armonía, el equilibrio, y lo femenino han quedado reflejados en esta riqueza cromática como metáfora visual de la esencia musical del álbum en su conjunto global. Unos apasionantes temas que fueron grabados entre los meses de marzo de 2019 y marzo del año 2021, mezclados en el mes de abril de 2021, quedado finalmente el álbum masterizado por Vincenzo Zitello en el mes de mayo de 2021. Los doce temas que vertebran el impresionante álbum “Via Lattea” han sido compuestos por Pierangelo Pandiscia y Gino Ape, salvo el tema “Alma De Niqua” junto a Jenny Sorrenti, y, por su deslumbrante belleza artística, su audición es una de las más impactantes que tendrán en un álbum editado en este año 2022. Sin duda, “Via Lattea” una de las obras musicales más armónicas que podrán disfrutar en este periodo estival.

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Sin más demora, iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en la atmósfera folk del primer tema “Via Lattea”, quedando rodeados por su luz melódica y por la calidez de su plano vocal hasta irradiarnos con el plácido influjo de lo espiritual. Atrapados por su magnetismo melódico, a continuación, en el tema “The Swan Arm”, lo instrumental y lo vocal recrearán la pureza a través de esta fusión conceptual del folk, de lo tribal, y de lo experimental, destacando especialmente el protagonismo melódico del piano al revelarse incandescente y muy vivo a lo largo de toda la composición. Apareciendo “Where Orion Fish Dream” con esencia conceptual neoclásica, finalmente se amalgamará con la música tribal y con la música contemporánea hasta presentar este amplio arco artístico de vanguardia que impresionará al melómano lector de Lux Atenea. Lo oriental, lo occidental, y lo africano perfilan esta compleja estructura musical multicapa que invita a la contemplación y a la reflexión. Abriéndose las puertas del tema “Black Perseus”, aquí lo evocador invita a la búsqueda, a recorrer esos caminos de conocimiento místico que, en solitario, desvelarán el sentido de la vida, del universo, y de la propia existencia. Serenidad y quietud en lenguaje musical para abrir los ojos a un nuevo plano existencial donde la obscuridad se vuelve luz. Surgiendo posteriormente el excelso tema “Petra” para ahondar en el sosiego, el estilo musical ethereal alcanza este avanzado nivel de vanguardia para embrujarnos con su magia. ¡¡¡“Petra”, espectacular!!! Tras haber disfrutado varias veces más el tema “Petra”, “The Compassion Of A Star” presentará un ímpetu mucho mayor y una obscuridad en su atmósfera más envolvente. Aquí, aunque aparecen planos vocales evanescentes, los espacios se cierran, la luz se difumina, y las iridiscencias marcan distancias más cercanas a nosotros en nuestra visión del entorno. En “The Compassion Of A Star” se rompe el tiempo, y hasta el devenir parece disolverse en este Hades espiritual recreado musicalmente.

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Cuando el grandioso tema “Love’s Consequences” acaricie nuestra alma con sus pinceladas instrumentales, la delicadeza melódica va a adquirir esta dimensión minimalista donde los destellos sonoros son hipnóticos. Petrificados por el hieratismo más sublime, la audición de “Love’s Consequences” es una auténtica exquisitez para el melómano, y cuando la estructura musical derive hacia lo ethereal, entonces lo excelso se transformará en esta ambrosía divina tan deseada por nuestra alma. Luego, “Sacred Heart Lullaby Milky Way” nos hará volver a lo terrenal, a la calidez de cielo, y a tomar contacto con este plano vital cargado de esplendor, volviendo a las iridiscencias en el tema “That Careless Stream Flowing Inside Us” con estos aires sacros y con estos ondulantes planos instrumentales que sosiegan el espíritu. Posteriormente, el piano será tenue luz y recuerdos en el tema “What Clouds Know”, fluyendo con el encanto de este estilo neoclásico de alma minimalista y melancólica, hasta que la voz de Julia Berger en el tema “Beyond The Saffron Colored Ways” nos seduzca con su atrayente registro de voz, quedando fascinados por el evanescente influjo musical del neoclasicismo. Clausurando esta magna obra, la luz más radiante iluminará todo en el tema “Alma De Niqua”, moviéndose conceptualmente entre el ethereal y el ambient para dejarnos con esta alegría interior que estimula al espíritu. “Via Lattea”, cuando el talento en la composición musical adquiere este brillo artístico de irresistible belleza melódica y vocal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

ENTEN HITTI - VIA LATTEA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THIS MORTAL COIL “BLOOD” (Reseña / Review #30).

Reseña Cultural nº: 30 // Reseña Musical nº: 11

THIS MORTAL COIL, UNA OBSCURA ETERNIDAD (y 4ª parte).

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 28 de octubre del año 2006.

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THIS MORTAL COIL “1983-1991”
Publicado por : 4AD, (el CD comentado es el incluido en la caja 1983-1991), 1991
Edición comentada : CD (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- The Lacemaker // 2- Mr. Somewhere // 3- Andialu // 4- With Tomorrow // 5- Loose Joints // 6- You and Your Sister // 7- Nature´s Way / 8- I Come and Stand at Every Door // 9- Bitter // 10- Baby Ray Baby // 11- Several Times // 12- The Lacemaker II // 13- Late Night // 14- Ruddy and Wretched // 15- Help Me Lift You Up // 16- Carolyn´s Song // 17- D.D. and E. // 18- ´Til I Gain Control Again // 19- Dreams are like Water // 20- I am the Cosmos // 21- (Nothing but) Blood

THIS MORTAL COIL “1983-1991”
Publicado por : 4AD, (9 45135-2), 1993
Edición comentada : Caja con 4 CD´s + libreto gran formato (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: CD “ORIGINAL VERSIONS”: 1- Another day // 2- Mr. Somewhere // 3- With Tomorrow // 4- Holocaust // 5- Kangaroo // 6- Carolyn´s Song // 7- I Want to Live // 8- Alone (on piano) // 9- Drugs // 10- Help Me Lift You Up // 11- Song to the Siren // 12- Morning Glory // 13- I Must Have Been Blind // 14- Several Times // 15- The Jeweller // 16- I Come And Stand At Every Door // 17- I am the Cosmos // 18- You and Your Sister // 19- ´Til I Gain Control Again // 20- Nature´s Way // 21- Strength of Strings

Lux Atenea 4 - 6

Tras el éxito alcanzado con los álbumes “It´ll End In Tears” (1984) y “Filigree & Shadow” (1986), Ivo Watts-Russell y su proyecto artístico This Mortal Coil se habían consolidado como una de las opciones más vanguardistas dentro de la escena musical non-mainstream, pero el siguiente álbum no estaría a disposición del público hasta el año 1991. Su título será “Blood”, una palabra cuyo significado, con el tiempo, el propio Ivo Watts-Russell llegará a no verla muy acorde con su contenido y su fundamento musical. De por sí, “Blood” se convertirá en el último álbum publicado por This Mortal Coil, demostrando con estos tres álbumes a músicos, a la crítica especializada, y al público, que la creación vanguardista dentro del mundo musical para nada había llegado a tocar sus límites. Tanto Ivo Watts-Russell componiendo, como John Fryer encargado también de componer y de programar, aumentarán su porcentaje de participación creativa e imaginativa en los temas del álbum “Blood”, dejando un hilo de interconexión entre canciones bastante difuso ya que “Blood” acaba siendo el álbum más diverso, ambicioso, y con más variedad de estilos musicales de This Mortal Coil.

Lux Atenea 4 - 5

Los artistas que participarán en este grandioso álbum musical de This Mortal Coil son Deirdre y Louise Rutkowski (vocalistas), Caroline Crawley (vocalista) del grupo Shelleyan Orphan, Martin McGarrick (violonchelo), Alison Limerick (vocalista), Kim Deal (vocalista) del grupo The Breeders, Dominic Appleton (vocalista) del grupo Breathless, Tim Freeman (vocalista), Gini Ball (violín), Ikuko Kozu (vocalista), Jim Williams (guitarra), Anne Garrigues (vocalista), Tanya Donelly (vocalista) del grupo Belly, Rain Parade (percusión), Heidi Berry (vocalista), Pieter Nooten del grupo Clan of Xymox, y con la colaboración de John Turner en la composición de algunos de estos temas. La inestimable presencia de Simon Raymonde del grupo Cocteau Twins desaparece en este álbum. Una ausencia artística que se dejará notar, como así podrán comprobarlo los melómanos lectores de Lux Atenea, aunque “Blood” tiene el espíritu del Renacimiento corriendo por sus notas y por sus paisajes musicales aquí recreados e imaginados. Por este motivo, “Blood” también es el álbum musical más incomprendido por el público, y el más difícil de entender dentro de la filosofía y el concepto musical hasta entonces desarrollados por This Mortal Coil. Aún hoy, sigue dando que hablar entre los seguidores incondicionales de This Mortal Coil. Pese a esta profunda transformación musical en el estilo, así fue, así sonaron, y así dejaron su huella Ivo Watts-Russell y todos los artistas que colaboraron con él en este proyecto haciendo de This Mortal Coil, una obscura eternidad. Pasemos a escuchar y disfrutar este fenomenal álbum.

Lux Atenea 4 - 4

Nos adentraremos en la cueva corporal a través del tema “The Lacemaker”, mientras Caroline Crawley nos invita al baile de los sentidos hasta que, en la canción “Mr. Somewhere”, Caroline nos cuente la historia de aquel que se situó al margen de la sociedad. Posteriormente, la quiebra emocional aparecerá en el tema “Andialu”, una composición instrumental compleja y llena de quebrantos que nos llevará directamente hasta la canción “With Tomorrow” donde Deirdre Rutkowski acompañada por el piano, nos sumerja en la fantasiosa realidad de esos sentimientos absurdamente guardados y ocultados. En cambio, “Loose Joints” se presentará como una de las composiciones más extrañas de This Mortal Coil, mezclando neoclasicismo, sonoridad urbana y psicodelia en una estructura musical de lo más sorprendente. Tras “Loose Joints”, Kim Deal y Tanya Donelly interpretarán en clave folk el tema “You and Your Sister”, una canción de inspiración folk pero de estructura no lineal, siendo “Nature´s Way” el tema donde Alison Limerick y Deirdre Rutkowski quienes nos describan en clave soul estos errores inexorablemente unidos al comportamiento humano. Con aires más célticos aparecerá “I Come and Stand at Every Door”, con Deirdre, Louise Rutkowski y Tim Freeman dando fuerza inmortal a esta épica canción que, luego, en el tema “Bitter”, la atmósfera musical cambiará completamente al adquirir una definición sonora rock de inspiración sinfónica apreciablemente suavizada por las voces de Deirdre Rutkowski, Alison Limerick e Ikuko Kozu. El tema “Baby Ray Baby” contiene pinceladas infantiles que provocan una sonrisa al escucharlas por su inocencia innata, quedando el tema “Several Times” como retorno conceptual a la raíz creativa de vanguardia de This Mortal Coil, y con Deirdre como maestra de ceremonias en esta romántica delicia musical para los oídos. Luego, en “The Lacemaker II”, los sonidos darán vida a la gravedad, al peligro, al riesgo que supone la propia existencia en un entorno desconocido.

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La noche irradiará ilusión en el tema “Late Night”, y Caroline Crawley será la voz de ese anhelo. Todo lo contrario al siguiente tema “Ruddy and Wretched”, donde todo es corrupción, dominación mediante la coacción, y pérdida de la libertad en pro del sacrificio inútil. Pero, en la canción “Help Me Lift You Up”, recuperaremos la luz perdida gracias a esta radiación salvífica no siempre aceptada por otras manos. Entrando en un escenario musical más convulso, la mágica voz de Deirdre Rutkowski volverá a poner voz a la soledad en “Carolyn´s Song”, canción parcialmente desvirtuada por este brusco final que da entrada al tema “D.D. and E.”, un corto pasaje por el reino de los ecos. Posteriormente, en “´Til I Gain Control Again” le tocará el turno interpretativo a Heidi Berry, mezclando con su melodiosa voz esa miel y esa hiel que hemos de beber en esta vida hasta la muerte. Después del mítico tema “Sixteen Days – Gathering Dust” incluido en el vinilo del año 1983 (ya reseñado en Lux Atenea), “Dreams are like Water” es la segunda canción de This Mortal Coil de mayor duración, moviéndose entre primitivas atmósferas algo psicodélicas, sublimes graves subyugantes, y decadentes reflexiones realizadas bajo un porche de madera mientras miramos al horizonte. En “I am the Cosmos”, ese horizonte se ampliará con sonidos muy setenteros, convirtiéndose en la antesala perfecta de “(Nothing but) Blood”, canción que clausurará este álbum y a toda la obra musical de This Mortal Coil, convirtiéndose su lírica en su epitafio, en las últimas palabras antes de diluirse en la Nada para ganar así la eternidad.

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En el año 1993, la compañía discográfica 4AD de Ivo Watts-Russell publicará en una lujosa edición limitada, esta excelsa caja que incluía en su interior los tres álbumes de This Mortal Coil en formato CD, más un cuarto CD titulado “Original Versions” que contenía todas las versiones originales de las canciones que fueron reinterpretadas y redefinidas en cada uno de estos tres álbumes. “Original Versions” es una joya discográfica de excepcional valor cultural, ya que los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta caja en su edición original podrán escuchar el origen de esas versiones, así podrán comprobar cómo fueron redefinidas en un proceso artístico que, en la mayoría de los casos, fueron mejor perfiladas y mucho más pulidas musicalmente hablando. Como analista musical non-mainstream, esta es mi visión subjetiva aunque dentro del universo musical existen tantas opiniones y gustos como estrellas hay en el cielo. Por cierto, salvo la canción “Song to the Siren”, todas las demás canciones contenidas en el vinilo homónimo no fueron incluidas en esta caja de cuatro CD’s, de ahí el valor musical de la edición discográfica original publicada en el año 1983. Definitivamente, tras la presentación oficial del álbum “Blood”, This Mortal Coil se consume en el fuego de la creación innovadora y vanguardista, pero una pequeña llama aún brillaría algún tiempo más entre sus cenizas. Su nombre: The Hope Blister. “Blood”, el canto de cisne de This Mortal Coil. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THIS MORTAL COIL “FILIGREE & SHADOW” (Reseña / Review #25).

Reseña Cultural nº: 25 // Reseña Musical nº: 9

THIS MORTAL COIL, UNA OBSCURA ETERNIDAD (3ª parte).

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 28 de octubre del año 2006.

this mortal coil - filigree & shadow

Publicado por : 4AD, (DAD 609), 1986
Edición comentada : CD (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Velvet Belly // 2- The Jeweller // 3- Ivy and Neet // 4- Meniscus // 5- Tears // 6- Tarantula // 7- My Father // 8- Come Here My Love // 9- At First, and then // 10- Strength of Strings // 11- Morning Glory // 12- Inch Blue // 13- I Want to Live // 14- Mama KI // 15- Filigree & Shadow // 16- Firebrothers // 17- Thaïs I // 18- I Must Have Been Blind // 19- A Heart of Glass // 20- Alone // 21- Mama KII // 22- The Horizon Bleeds and Sucks Its Thumb // 23- Drugs // 24- Red Rain // 25- Thaïs II

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“Filigree & Shadow” será el título del segundo álbum de This Mortal Coil que se publicará en 1986, dos años después del excelso “It´ll End In Tears”. No será un trabajo musical tan rotundamente depresivo, ni tendrá ese mensaje de ruptura y hundimiento interior, siendo “Filigree & Shadow” algo más luminoso y más esperanzador, pero sin abandonar su línea conceptual basada en la crudeza que toda persona ha de sufrir en la vida. “It´ll End In Tears” era completamente opaco, y “Filigree & Shadow” pasa a ser tan traslúcido como el pasado en la memoria. En este grandioso álbum, Ivo Watts-Russell continúa con su dinámica de cambios en los artistas implicados en This Mortal Coil, provocando que en los temas que vertebran “Filigree & Shadow” se dejen la piel artistas e intérpretes de prestigio como Dominic Appleton (vocalista) del grupo Breathless, Steve Young (bases programadas) del grupo Colour Box, Mark Cox (teclados) y Andrew Gray (guitarra) del grupo The Wolfgang Press, Simon Raymonde (piano, teclados, guitarra y bajo) del grupo Cocteau Twins, Peter Ulrich (percusión) del grupo Dead Can Dance, David Curtis (guitarra), Alan Curtis (guitarra) y Richard Thomas (saxofón) del grupo Dif Juz, y Martin McGarrick (coros). Otros músicos implicados en esta magia musical serán Deirdre y Louise Rutkowski (voz y coros), John Turner (órgano y teclados), Anne Turner (coros), Alison Limerick (vocalista), Jean (vocalista), Keith Mitchell (guitarra), Nigel K. Hine (guitarra), Les McKuen (coros), Richenel (vocalista), Chris Pye (guitarra), Caroline Seaman (vocalista) y Tony Waera (Didgeridoo). Un abanico artístico de auténtico lujo.

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Simon Raymonde seguirá siendo uno de los artistas más comprometidos en el trabajo de composición de nuevas creaciones musicales. Peter Ullrich colaborará con su obra “At first, and then” y otros artistas como Van Morrison o David Byrne también verán incluidos sus temas “Come here my love” y “Drugs”, respectivamente. Dentro del plano estético, el diseño seleccionado para dar imagen y cuerpo visual a “Filigree & Shadow” consolidará la imagen gótica de This Mortal Coil. La portada del álbum “It´ll End In Tears” evocaba a la presencia del espíritu hierático en constante desvanecimiento, utilizando una imagen poco definida como por un efecto agua donde se apreciaban muy poco los detalles, siendo casi una sombra de luz superpuesta con otra luz de distinta intensidad. Casi un negativo fotográfico. Por el contrario, en el álbum “Filigree & Shadow” se muestran rostros femeninos con más detalle pero, en cambio, el color que predomina en la imagen es el negro, con sombras mucho más marcadas sobre los rostros como si quisieran proteger al ser, como si quisieran ocultarlo parcialmente tras un velo que tapara su debilidad, su lamento, su pesar. Son rostros tristes que piden consuelo, son imágenes de vidas cuya existencia se ha convertido en un calvario interior sin salida. La aflicción reina en esta serie de fotografías, pero mostrando ese lado humano que provoca la carga mental y física del autocastigo como si ese padecer en solitario, escondido del mundo, pudiera convertirse en su futura salvación. Como podrán comprobar los melómanos lectores de Lux Atenea, este álbum es más luminoso y hay una esperanza latente en todo el disco pero sin llegar nunca a materializarse. “Filigree & Shadow” es un sueño paranoico que sí se ha hecho realidad en la vida de una persona, pero sin que sepa por qué le ha tocado a él, y sin que tampoco pueda reconocer las causas que motivan tal ensañamiento psicológico en su persona. Adentrémonos en esta pesadilla musical multicolor.

Lux Atenea 4 - 4

Empieza a sonar el tema “Velvet Belly” y su neoclasicismo nos inspirará alegría con unos vaivenes coloristas que ensanchan nuestros pulmones, hasta que, desde la lejanía, el cántico de un religioso entre piares de pájaros nos lleve a “The Jeweller”, ese rincón escondido donde una persona paciente trata de recuperar monedas antiguas usando cenizas, unas cenizas que, en sus manos, consiguen sacar ese brillo perdido a lo largo de los años. En cambio, sus marcas, ni él ni nadie lograrán nunca repararlas. ¿Una metáfora de la vida? Tal vez. “The Jeweller” es otra de mis canciones favoritas de This Mortal Coil, con Dominic Appleton haciendo una interpretación magistral y extraordinaria apoyándose en los etéreos coros de Deirdre y Louise Rutkowski. ¡¡¡“The Jeweller”, una canción para ser siempre disfrutada!!! A continuación, un solemne piano nos abrirá la puerta de “Ivy and Neet”, con unos pasajes fantasmagóricos teñidos de decadencia en boca de un saxofón perdido. En el siguiente tema “Meniscus”, seguiremos dentro del plano musical instrumental pero, en su interior, la luz se expandirá iluminándolo todo con reflejos y brillos hasta que la fugaz “Tears”, nos dé ese toque neoclásico de tan solo veintiún segundos. Una composición breve pero fundamental para entrar en la cruda realidad humana llamada “Tarantula”. Aquí, Dominic Appleton nos hablará sobre esas personas cuyas mentiras acaban convirtiendo sus vidas en una sentencia de muerte irrevocable, proyectándose los coros de Deirdre y Louise Rutkowski como los cantos de unas santificadas erinias. Posteriormente, Alison Limerick será la encargada de interpretar una canción tan sentimental como “My Father”, sueño y realidad enfrentados en una fría soledad. En el siguiente tema “Come here my love”, será la sufrida voz de Jean quien nos hable sobre ese esperado amor que está enfermando de melancolía a una persona, hasta que la magia de la percusión con aires orientales aparezcan en la obra de Peter Ulrich titulada “At First, and then” como antesala del impresionante tema “Strength of Strings”. Personalmente, junto con el tema “Song to the Siren”, “Strength of Strings” es una de las excelsas canciones de This Mortal Coil que no dejaré de escuchar y de disfrutar una y otra vez. En “Strength of Strings”, Dominic Appleton no solamente nos deja fascinados escuchando su voz, sino que, en su interpretación, al hacer uso de esta cadencia tan elástica y seductora a la hora de interpretarla líricamente, da a la letra una fuerza y una intensidad que permite que entre hasta el más recóndito rincón del alma.

Lux Atenea 4 - 3

De la fuerza de “Strength of Strings” pasaremos a la delicadeza musical de “Morning Glory”, canción interpretada por Deirdre y Louise Rutkowski. Basada en la historia de una persona solitaria encerrada en su casa, ésta se dedica a encender velas en una ventana con la esperanza de atraer a los vagabundos que por allí pasen, configurando una etérea canción mitad tristeza, mitad ilusión, con esta vela musical de negrísima sombra. A continuación, la composición instrumental “Inch Blue” nos mecerá con sus vaivenes orientales hasta que el tema “I Want to Live” nos arroje a la cuerda floja situada encima de la muerte, abandonándonos allí. “I Want to Live” es otra excelente canción de This Mortal Coil donde, de nuevo, Deirdre y Louise Rutkowski vuelven a poseer nuestra alma con sus bellas voces en unas melodías neoclásicas que te conmueven e impresionan, destacando especialmente la pieza comprendida en el segundo minuto de canción (del 2:13 al 2:43). Treinta segundos que son todo un universo musical de sensaciones en cuyo interior uno desearía poder volar, evaporarse, y trascender hasta el origen de la propia vida. Pero los buenos momentos son cortos y, bruscamente, la composición instrumental “Mama KI” entrará en acción con sus afiladas notas. Rápidamente, el tema “Filigree & Shadow” será el que coja el relevo pero relajando mucho más la tensión anteriormente creada, regresando la fantasmagoría en “Firebrothers” interpretada por Richenel, y con la voz distorsionada para dar un mayor efecto de ultratumba a una letra con constantes metáforas místicas, desatándose el poder más allá de nuestra Razón entre sonidos apocalípticos al final de esta canción. Un helicóptero volando encima de nosotros se presentará en el tema “Thaïs I”, hasta que su paso nos deje en “I Must Have Been Blind” con el eco de la voz de Richenel cantando esta seductora canción prácticamente a capela. A continuación, la apoteósica “A Heart of Glass” quebrará con sus bramidos celestiales esa armonía anteriormente creada y que remarcan la extrema debilidad del ser humano. Y llegamos a la canción “Alone”, otra de las canciones más excelsas de This Mortal Coil. Ese decálogo del ermitaño forzado a serlo por la propia dinámica de la vida. En “Alone”, Caroline Seaman y Alison Limerick han sabido como mostrar esa piel tan destrozada como un traje hecho jirones, y con un pasaje final para guitarra tan afilado como una peligrosa navaja. Sin tiempo para recuperarnos emocionalmente, entraremos en la espiral de “Mama KII”, apareciendo posteriormente el tema “The Horizon Bleeds and Sucks Its Thumb” para clavar una lanza en el corazón del alma cuya muerte acelerará. El minotauro mitológico malherido se irá desangrando en una esquina de su laberinto, mientras sus ojos miran al cielo pidiendo una respuesta que nunca tendrá. Posteriormente, los falsos paraísos mentales aparecerán en “Drugs”, ofreciendo una visión distorsionada que el ego trata de hacer presente en su mundo de forma artificial. Tras el engaño, el llanto de “Red Rain” rozarán la fantasía más optimista en estos pasajes plásticos e idílicos hasta que, finalmente, el tema “Thaïs II” clausure este revolucionario álbum musical dejándolo todo cubierto con esa bruma que oculta el peligro a nuestros ojos, como casi siempre en la vida. “Filigree & Shadow”, joya discográfica de imprescindible audición. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Lux Atenea 4 - 2

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THIS MORTAL COIL “IT’LL END IN TEARS” (Reseña / Review #19).

Reseña Cultural nº: 19 // Reseña Musical nº: 8

THIS MORTAL COIL, UNA OBSCURA ETERNIDAD (2ª parte).

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 29 de octubre del año 2006.

this mortal coil - it'll end in tears

Publicado por : 4AD, (CAD 411), 1984
Edición comentada : CD (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Kangaroo // 2- Song To The Siren // 3- Holocaust // 4- FYT // 5- Fond Affections // 6- The Last Ray // 7- Another Day // 8- Waves Become Wings // 9- Barramundi // 10- Dreams Made Flesh // 11- Not Me // 12- A Single Wish

Lux Atenea 4 - 6

Un año después de la publicación del maxi “Song To The Siren”, en 1984, Ivo Watts-Russell y su compañía discográfica 4AD presentaron oficialmente el primer álbum de This Mortal Coil titulado “It´ll End In Tears”, una obra musical que revolucionaría el panorama musical gótico y que sentaría las bases conceptuales de lo que serán los estilos ethereal y heavenly voices en la siguiente década. El excelso álbum “It´ll End In Tears” dejará al público de la época totalmente asombrado por su deslumbrante despliegue de calidad y de imaginación musical, consiguiendo la aclamación de la crítica en los medios de información. El primer gran triunfo del proyecto This Mortal Coil había sido alcanzado gracias a esta unión heterogénea de estructuras instrumentales, y de estilos musicales de raíz conceptual gótica debido al decadentismo existencial que transmiten estos temas. “It´ll End In Tears” destila sabiduría, nos habla de la vida y de sus imprevisibles condicionantes, y de personas que se encuentran atados a circunstancias y situaciones no deseadas. Cualquier alma sensible, sea gótica o no, encuentra en la audición de estas canciones esa comprensión, esa complicidad existencial tan deseada por las personas solitarias. Melodías y letras cuyo mensaje se armoniza con nuestra soledad, con nuestras desilusiones, con nuestros fracasos, y con nuestros desamores.

Lux Atenea 4 - 5

A los melómanos lectores de Lux Atenea siempre les resultará interesante comprobar como This Mortal Coil, sin ser una formación musical clásica con un número de artistas fijos, en cambio nos da la impresión de ser el Gran Grupo Musical, de ser una banda musical de músicos experimentados que han decidido unirse para crear esta armonía y esta sincronización perfecta en la interpretación de sus temas. Una paradoja artística que tal vez sea uno de los misterios que vuelven a This Mortal Coil para dar forma musical a algo tan íntimo y personal porque sus obras no son música no para compartir, sino para ser disfrutadas en solitario. Teniendo todo esto en cuenta, los extraordinarios artistas que participaron y dieron alma a los doce temas que vertebran el álbum “It´ll End In Tears” fueron Manuela Rickers (guitarra) del grupo X-mal Deutschland, Martyn Young (teclados) y Steve Young (piano) del grupo Colour Box, Michael Conroy (bajo) y Gary McDowell (guitarra) del grupo Modern English, Mark Cox (órgano y teclados) del grupo The Wolfgang Press, Elizabeth Fraser (vocalista) junto a Simon Raymonde (bajo y guitarra) y Robin Guthrie (guitarra) del grupo Cocteau Twins, Gordon Sharp (vocalista) del grupo Cindytalk, y Lisa Gerrard (voz, yang t´chin y acordeón) y Brendan Perry (percusión) del grupo Dead Can Dance. La incorporación de estos últimos genios musicales se deja notar en This Mortal Coil no sólo por su pasión interpretativa, sino también por su gran creatividad, siendo Lisa Gerrard quien ofrezca luz y personalidad a míticas canciones de este álbum como “Waves Become Wings” y “Dreams Made Flesh”, convirtiéndola en uno de los artistas más comprometidos con la composición musical, junto con Simon Raymonde del grupo Cocteau Twins. Otros músicos que mostrarán su gran profesionalidad en la interpretación de estos maravillosos temas serán Martin McGarrick (violonchelo), Gini Ball (violín y viola) y el vocalista Howard Devoto. Sin demorar un segundo más la espera, vamos a escuchar y a disfrutar este mítico álbum.

Lux Atenea 4 - 4

Empieza a sonar la canción “Kangaroo”. Un bajo y un violonchelo se transforman melódicamente en los pensamientos de quien haciendo uso del flirteo, acaba atrapado y encadenando a una ilusión que no verá realizada. En una admirable interpretación lírica realizada por Gordon Sharp, se convertirá en la voz de su lamento, de su sumisión, siendo “Kangaroo” una de las canciones más sobresalientes de todo este álbum, pero situada a cierta distancia de la siguiente canción. “Song To The Siren” es ese lugar donde la belleza y la ilusión significarán la muerte de tu pasión porque aquí, la mortal belleza habla a través de la voz de Elizabeth Fraser. ¡Sublime! A continuación, el extraordinario tema “Holocaust” será una de esas canciones que resaltan por su rareza musical. Su sentencioso piano, ese violín, violonchelo y viola más propios de un aristocrático cementerio, y la voz de Howard Devoto en una interpretación impresionante, irán irradiando este tema con la intensa luz del talento artístico. Cuántas canciones se han escrito sobre una cama convertida en refugio de nuestros problemas, convertida en el mundo alternativo al inhóspito mundo exterior, ya sea éste una familia, una relación, un trabajo, o una existencia desgraciada. Posteriormente, un tema tan estremecedor como “FYT” llegará con sus atmósferas cargadas de ácidas energías que descargarán con furia sobre nuestro espíritu, hasta que la voz de Gordon Sharp lo disipe todo en “Fond Affections” pero su agrio desasosiego provocará que nos sentemos en el suelo, llorando y sin futuro.

Lux Atenea 4 - 3

La cera de una vela encendida estará a punto de terminarse mientras escuchamos el tema “The Last Ray”, dejándonos con la mirada dirigida a la pared de nuestra habitación como si fuera una visión al vacío, al vacío de la Nada. Luego, con la canción “Another Day” perfumando nuestro entorno, de nuevo el encanto de Elizabeth Fraser nos fascinará con esta maravillosa interpretación vocal en su plenitud acompañada por la magia melódica de los instrumentos de cuerda (violín, violonchelo y viola). “Another Day” será el reflejo emocional contenido en el interior de esa habitación que tantas y tantas personas tímidas e introvertidas han transformado en su propio féretro. ¡¡¡“Another Day”, grandiosa canción!!! A continuación, el turno musical de Dead Can Dance llegará con el tema “Waves Become Wings”, canción compuesta e interpretada por mi admirada vocalista Lisa Gerrard. Manteniendo su estilo dentro de una línea musical inconfundible, nos adentraremos en un mundo etéreo en constante movimiento que incesantemente invitará a nuestra alma a huir. Posteriormente aparecerá “Barramundi”, una de las composiciones de Simon Raymonde más enigmáticas y atractivas de este álbum. Ecos y pasajes musicales para guitarra se transformarán en entes luminosos anunciando la siguiente canción, la excelsa “Dreams Made Flesh” compuesta e interpretada por Lisa Gerrard con ese trágico espíritu oriental que trasciende, que revela, y que separa cuerpo y alma con su potente voz grave. Lisa Gerrard se eleva como una reencarnada diosa mesopotámica lanzando solemnemente sus lamentos como si asistiera a su propio ceremonial religioso. En esta obra, el ilustre artista Brendan Perry merece una atención muy especial al convertir el plano instrumental de percusión en pureza ritual gracias a sus expertas manos maestras. A continuación, Robbie Grey lucirá esplendorosamente su voz en la interpretación de la canción “Not Me” de estructura melódica más rockera, siendo “Not Me” la canción más vitalista de todo este álbum. Un contrapunto luminoso que realzará la voz de Gordon Sharp cuando cante el tema “A Single Wish”, clausurando con elegancia esta obra maestra mientras sus pasajes musicales iluminan nuestra casa con el reflejo que proyectan las rojizas nubes teñidas por los rayos del Sol en su ocaso. “It´ll End In Tears”, como analista cultural non-mainstream, sin duda alguna valoro a esta joya discográfica como uno de los diez álbumes más excelsos que se hayan publicado en la década de los ochenta. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Lux Atenea 4 - 2

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THIS MORTAL COIL “SONG TO THE SIREN” (Reseña / Review #16).

Reseña Cultural nº: 16 // Reseña Musical nº: 7

THIS MORTAL COIL, UNA OBSCURA ETERNIDAD (1ª parte).

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 29 de octubre del año 2006.

this mortal coil - song to the siren

Publicado por : 4AD, (BAD 310), 1983
Edición comentada : Vinilo 12” Maxi (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Song to the siren / 2- Sixteen days reprise / 3- Sixteen days – Gathering dust
Valoración de la calidad del vinilo : 9 (excelente vinilo, destacando tanto el material utilizado como la grabación e impresión, que son dignos de elogio; una obra de esta categoría es casi impensable escucharla y apreciarla en un formato que no sea en vinilo)

Lux Atenea 4 - 6

En el año 1980, Ivo Watts-Russell funda la compañía discográfica 4AD, embarcándose en una aventura empresarial y musical muy arriesgada en aquella época. Su firme y decidida apuesta en apoyo de obras creadas por grupos musicales non-mainstream con dificultades para publicar, unido a una exquisita selección artística, convertirán en pocos años a la compañía discográfica 4AD en uno de los sellos de referencia dentro de la escena musical cuyo prestigio sigue estando presente en esta segunda década del siglo XXI. Ya desde su inicio, el sector del público más melómano empezó a considerar a 4AD como toda una garantía de calidad musical debido a la relevancia conceptual y a los aires sonoros de vanguardia que se atesoraban en el interior de sus ediciones, pero Ivo Watts-Russell tenía también otros proyectos musicales en mente. Uno de ellos se transformará en el mito musical por excelencia dentro de la escena gótica. El proyecto tiene un nombre: This Mortal Coil.

Lux Atenea 4 - 5

Para sacar adelante el proyecto experimental This Mortal Coil, Ivo Watts-Russell recibirá la ayuda de un maestro de la creación musical y de la técnica de grabación dentro del mundo discográfico llamado John Fryer, y, juntos, lograrán dar cuerpo y sentido a esta atrevida aventura artística. Las ideas sobre cómo ha de sonar This Mortal Coil, sobre cómo ha de ser, sobre cómo ha de transmitir su mensaje musical las tiene Ivo Watts-Russell en su cabeza de forma muy clara, pero John Fryer es quien se encargará de coordinar a los músicos y cantantes que participarán en This Mortal Coil. Incluso John Fryer escribirá las letras de algunos de esos temas, proyectando artísticamente en la práctica ese orden y ese sentido musical a estas ideas tan innovadoras. Por lo tanto, en contra de lo que algunos opinan, tras leer estas líneas los melómanos lectores de Lux Atenea han de tener muy claro que This Mortal Coil no es un grupo musical. This Mortal Coil es un experimento musical dentro del cual Ivo Watts-Russell decide unir a una serie de artistas y de bandas musicales para hacerlos partícipes de esta aventura artística tan temeraria como vanguardista. Tras empezar a preparar sus primeros trabajos, en el año1983 presentarán oficialmente el primer disco de This Mortal Coil: un maxi en vinilo de doce pulgadas que incluye tres temas, y que lleva por título “Song To The Siren”. Con esta ilustre y mítica publicación discográfica, el banderazo de salida de This Mortal Coil hacia el éxito acababa de ser dado. En este maxi, los artistas que dan cuerpo musical e interpretativo a estas canciones son Michael Conroy (bajo) y Gary McDowell (guitarra) provenientes del grupo Modern English, Elizabeth Fraser (vocalista) y Robin Guthrie (guitarra) del grupo Cocteau Twins, Gordon Sharp (vocalista) del grupo Cindytalk, y Martyn Young (teclados) del grupo Colour Box. Pasemos a escuchar y a disfrutar de esta primera obra, de esta auténtica joya musical de This Mortal Coil.

Lux Atenea 4 - 4

El acto de sacar este disco de vinilo de su funda, depositarlo en el giradiscos, poner la aguja en el inicio del surco y pulsar el botón de start, lo he repetido no sé cuantas veces a lo largo de los años, de las décadas, pero sigue provocándome una sensación muy especial de lo más placentera. Este es el acto ceremonial por excelencia que un melómano puede realizar para disfrutar la esencia musical non-mainstream en estado puro. Tener en mis manos este primer disco de This Mortal Coil en vinilo y poderlo escuchar en su edición original, podemos decir y afirmar que es un ritual de lo más fetichista y sensorial. Un conmutador musical directo a las fuentes cerebrales del placer más sofisticado para el hedonista que se apasiona con la música selecta e inmortal. El motor del giradiscos ya está en marcha y la primera canción que comienza a sonar es el tema homónimo que da título a este maxi. La mítica canción “Song To The Siren” empieza a perfumar nuestra estancia con su encanto melódico y con su magia lírica, alzándose como un tótem musical gótico. Y es que “Song To The Siren” no es una canción, es un ente sonoro cuyo hechizo es capaz de poseer el espíritu de grupos musicales tan relevantes como Héroes del Silencio (sí, esta es la canción que utilizaba este grupo español como intro musical en sus conciertos), o el alma de genios artísticos de vanguardia como el director cinematográfico estadounidense David Lynch, que incluyó la canción “Song To The Siren” en su obra maestra “Carretera Perdida / Lost Highway” (1996) para engrandecerla aún más. El desierto solitario, esa casa en llamas iluminando la noche, Patricia Arquette haciendo el amor a un pobre infeliz mientras suena esta canción y, antes del clímax, le susurra suavemente al oído “nunca seré tuya” como un veneno mental que permanecerá indeleble en su cerebro, dando una fuerza psíquica y una intensidad visual a esta escena que es incomparable. ¡¡¡Una escena cinematográfica legendaria… inolvidable!!! Pero la mítica canción “Song To The Siren” de This Mortal Coil es la versión del tema original compuesto por el músico estadounidense Tim Buckley (1947 – 1975), siendo incluido en su álbúm “Starsailor” (Straight / Warner Bros. Records, 1970). Del estilo folk de finales de la década de los sesenta que presenta su versión original, tras pasar por el filtro musical de This Mortal Coil, la excelsa canción “Song To The Siren” adquiere este trasfondo obscuro, decadente y siniestramente bello gracias al etéreo registro de voz de Elizabeth Fraser en esta interpretación lírica única e irrepetible. ¡¡¡Pura magia!!!

Lux Atenea 4 - 3

Tras volver a disfrutar el tema “Song To The Siren”, la canción “Sixteen Days Reprise” aparecerá musicalmente un poco ensombrecida porque el nivel artístico previo ha quedado situado muy alto, y más, cuando esta composición presenta una estructura compleja en su concepto innovador, quedando en algunos momentos bastante volátil en su dimensión sonora mientras mantiene su evolución musical orientada a la experimentación conceptual. Damos la vuelta al disco de vinilo, y nos encontramos con otra joya musical de This Mortal Coil que solamente publicaron en este disco: el tema “Sixteen Days – Gathering Dust”. Aquí, definitivamente nos rendimos al embrujo artístico de este grupo musical de auténtica vanguardia. Este plano instrumental para bajo como inicio del tema de donde emanarán siniestras nieblas, esta espera prolongada cargada de intensidad y de incertidumbre musical, y, como no, la entrada de Elizabeth Fraser para embrujarnos de nuevo con su voz mientras es acompañada por la desgarradora y vampírica voz de Gordon Sharp, convierten a “Sixteen Days – Gathering Dust” en una de las mejores canciones que hayan aparecido dentro la música non-mainstream de la década de los ochenta. Tener este vinilo maxi en las manos no es sólo poseer una edición de gran valor artístico y cultural. Como analista musical, es una auténtica delicia el poder contemplar y el poder admirar la primera obra de esta leyenda musical llamada This Mortal Coil en su edición original. Yo tardé algunos años en poder conseguir este vinilo, pero el esfuerzo y el dinero gastado merecieron mucho la pena. “Song To The Siren”, la incombustible e inagotable pasión musical tiene un nombre: This Mortal Coil. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Lux Atenea 4 - 2

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.