Reseña Cultural nº: 458 // Reseña Musical nº: 373

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 26 de noviembre del año 2015 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias al dúo musical italiano DARK DOOR por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Noviembre 2015
Sello discográfico: AUTOEDITADO
Tracklist: 1- Ci sei tu // 2- Non Sogno più // 3- Nato Morto // 4- Incubo di una notte di fine estate // 5- Je souffre // 6- Pausa // 7- Ripudio eterno // 8- A scatti // 9- Odiami e amami // 10- Risveglio // 11- Post (bonus track)
Artistas: Mario D’Aniello y Federica Velenia
Trabajo musical: Temas compuestos por Dark Door, con lírica a cargo de Mario D’Aniello
Diseño Artístico: Mario D’Aniello (con imágenes del fotógrafo estadounidense Joel-Peter Witkin)
Datos técnicos: Producido por Dark Door
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Ci sei tu // 3- Nato Morto // 4- Incubo di una notte di fine estate // 9- Odiami e amami // 10- Risveglio

Dentro de la escena musical non-mainstream, llevo décadas comprobando cómo los artistas italianos no han dejado de sorprenderme año tras año con sus talentosas obras. En esta segunda década del siglo XXI, y dentro del universo sonoro dark-electro, el extraordinario dúo Dark Door me ha impresionado por sus innovadoras programaciones electrónicas, por sus revolucionarios conceptos sonoros y, sobre todo, por su excelsa lírica transformada en auténtica poesía existencialista gracias a la portentosa voz de Mario D’Aniello. Por cortesía del dúo italiano Dark Door, he podido disfrutar este promocional digital de su nuevo álbum “Post Mortem” que será presentado oficialmente el próximo 30 de noviembre en formato digital, en una edición limitada de 100 unidades en CD, y en una edición en cassette limitada a 50 unidades numeradas, recomendando a los melómanos lectores de Lux Atenea que lo adquieran porque este trabajo musical va a ser valorado como álbum de culto en los próximos años. “Post Mortem” viene engalanado con un impactante diseño ideado por el propio artista Mario D’Aniello, haciendo uso de esta imagen de portada un tanto bizarra creada por el famoso artista fotográfico estadounidense Joel-Peter Witkin, fundiéndose en su estética siniestra esa extraña unión de lo carnal con lo mortuorio como si de un inquietante bodegón barroco se tratara. En el fondo, su mensaje existencial viene condicionado por los borrosos límites racionales de lo placenteramente carnal, en cuyos actos, el individuo ante la visión de la muerte en su entorno, suele entregarse a ese placer con la ansiedad de ver claramente confirmado en su Yo que aún está vivo, y que aún se encuentra fuera del alcance de la Dama Muerte que, más pronto o más tarde, aparecerá inexorablemente ante sus ojos para poner el punto y final a su existencia. Con esta base conceptual, los once temas que vertebran el álbum “Post Mortem” adquieren un trasfondo musical inequívocamente humano, pasional y urbano donde, en la soledad interior en la que está inmerso el individuo, su mente durante el periodo de vigilia no deja de jugar con la irrealidad de sus propios deseos, de sus inquietudes, de sus miedos y pasiones que siente profundamente como si los estuviera viviendo en la realidad. Hedonismo y frustración, ímpetu y desasosiego, vida y muerte, nunca han dejado de ser las dos caras del ser humano a lo largo de tiempo, independientemente de la cultura o de la época que le haya tocado vivir. Una siniestra sombra ocultándose en el horizonte de su destino y que, en cada una de estas composiciones, ha quedado inmortalizada en estas instantáneas vitales de su perdición. Por este motivo, mientras en los tiempos actuales la posmodernidad no deja de conquistar más y más espacios en nuestra sociedad, escuchar álbumes de calidad como “Post Mortem” se convierte en esa ruptura personal con el vacío existente alrededor de nuestra soledad, mientras tratamos de sobrevivir en esta jungla de asfalto, cemento y cristal.

Iniciamos la audición de este excelente trabajo musical adentrándonos en la atmósfera electrónica del tema “Ci sei tu”, con pasajes melódicos configurando esta composición en varias capas superpuestas que, una vez armonizadas, darán entrada a su mágica lírica donde todo quedará integrado perfectamente en esta globalidad musical de glorioso carácter vanguardista. Un magnético entorno sonoro high-tech que seguirá latente en “Non Sogno più”, tiñendo nuestro entorno con secuencias electrónicas de contundente base rítmica hasta ofrecer esta gélida emotividad como recreación musical del alma perdida, surgiendo posteriormente el magnífico tema “Nato Morto” con esta lírica mortuoria basada en el rechazo visceral a la vida… o más bien al incomprensible sentido de la propia existencia. Fantasmagórica y ritual se presentará la extraordinaria canción “Incubo di una notte di fine estate” que impresionará a nuestros melómanos lectores por esta cadenciosa belleza con la cual Dark Door ha sincronizado su poesía lírica con oleadas melódicas, retornando al minimalismo conceptual en “Je souffre” donde, en nuestra consciencia, cada segundo parece extenderse en el tiempo hasta sumergirnos en una trágica languidez que prolongará su esencia sentimental en el tema instrumental “Pausa”. Un impasse de experimentación musical en el cual hallaremos una tenue luz en el tenebroso aceleramiento vital que aparecerá con el tema “Ripudio eterno” en clave electrónica cyber, y que prolongará este estado de sometimiento de la consciencia en entornos de alta tecnología en la vibrante canción “A scatti” antes de disfrutar de una de las joyas musicales de este álbum titulada “Odiami e amami”. ¡¡¡Impresionante tema!!! Composiciones innovadoras y pasionales como “Odiami e amami” se convierten en el ejemplo más claro de la calidad artística y conceptual con las cuales, Dark Door está definiendo y configurando la vanguardia musical electrónica dentro de la escena non-mainstream en esta segunda década del siglo XXI. Este obscuro hedonismo melódico fundido con el más absoluto virtuosismo lírico a través del impresionante registro vocal de Mario D’Aniello, te convierten instantáneamente en un incondicional seguidor de este talentoso dúo italiano. Con el tema “Odiami e amami”, uno no dejaría de pulsar el botón de ‘repeat’ en el equipo de alta fidelidad para continuar escuchando eternamente esta sublime recreación musical del inescrutable espíritu que nunca se someterá a nada ni a nadie. Pero otra joya musical como “Risveglio” nos está esperando para que degustemos esta apoteosis barroca de prodigiosa creatividad, donde la belleza musical más siniestra ha quedado impecablemente engalanada a nivel lírico y melódico hasta casi volverse sacra. ¡¡¡Sigamos pulsando el botón de ‘repeat’ con esta delicatessen!!! Finalmente, la vuelta a la experimentación instrumental en la composición “Post” extenderá el telón de clausura de este eminente trabajo, deseando que este dúo musical no demore mucho la presentación de su cuarto álbum en vista a la calidad que atesoran, porque en “Post Mortem” estamos ante una auténtica joya discográfica destinada a ser reverenciada por los melómanos entregados en cuerpo y alma a la música non-mainstream de vanguardia. “Post Mortem”, con este tercer álbum, el dúo italiano Dark Door ha logrado posicionarse con firmeza en primera línea dentro de la escena dark-electro y minimalista en Europa. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 457 // Reseña Musical nº: 372

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Reseña actualizada. Publicada el 11 de enero del año 2016 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a ALBIN JULIUS (DER BLUTHARSCH / WIR KAPITULIEREN NIEMALS) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: CD en carpeta (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Febrero 2016
Sello discográfico: WIR KAPITULIEREN NIEMALS
Código de referencia: WKN48
Tracklist: 1- Out Of Darkness Deep // 2- Unreal // 3- Slow Death
Artistas: Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand
Trabajo musical: Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Unreal // 3- Slow Death

Como analista musical, para mí es un honor el poder inaugurar la nueva temporada cultural de Lux Atenea con la publicación de esta reseña sobre el nuevo álbum de Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand. El próximo mes de febrero, “The Wolvennest Sessions” será publicado oficialmente a través del mítico sello Wir Kapitulieren Niemals dirigido por Albin Julius, presentándose este excelente álbum musical en formato digital, en CD, en vinilo plateado, y en el clásico vinilo en color negro. Engalanado con un resplandeciente diseño de portada de estética sobria y minimalista, donde destacan estas letras góticas en amarillo sobre fondo cian, como imagen visual de la esencia sonora atesorada en este CD resulta perfecta, y como tarjeta de presentación de este rock psicodélico de vanguardia con el cual Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand nos viene sorprendiendo año tras año en cada nuevo trabajo musical publicado. En el caso en particular de “The Wolvennest Sessions”, la pasión interpretativa y la innovación conceptual mostrada en los tres extraordinarios temas que lo vertebran, impresionarán a nuestros melómanos lectores durante su audición, convirtiendo esta experiencia sonora en uno de esos momentos inolvidables que todo melómano trata de buscar y sentir en un nuevo álbum. Un apasionante viaje a la esencia creativa que da vida al universo musical de Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand, y que dará comienzo con un tema tan espectacular como “Out Of Darkness Deep”, sumergiéndonos en la inquietante atmósfera sonora reinante en este abismo sensorial donde la luz es recreada magistralmente por fugaces ecos que se presentarán en torno a nosotros con radiante intensidad, quedando su pulsante trasfondo melódico como clara identidad de la tenebrosa obscuridad. Pero llega el despertar, y orden y armonía ven alterados sus cíclicos dinamismos en esta talentosa recreación instrumental como antesala de la lírica ritualística, proyectándose con vigoroso ímpetu hacia un futuro anhelado que terminará siendo conquistado por la superioridad espiritual del Conocimiento. Tras quedar profundamente embriagados con “Out Of Darkness Deep”, el excelso tema “Unreal” se presentará envuelto en hipnóticos pasajes musicales donde los matices sonoros son la clave de esta composición, redefiniéndose en iridiscentes planos que se elevarán ante nuestra atenta mirada para estimular nuestra fantasmagórica imaginación mental. Finalmente, con el impresionante tema “Slow Death”, la clausura de este álbum vendrá marcada por el sublime protagonismo del caos desatado que destruye la carne, separando definitivamente al alma de esa prisión llamada cuerpo, motivo por el cual, esta composición adquiere la languidez lírica adecuada para transmitir ese proceso ralentizado en el tiempo. “The Wolvennest Sessions”, otra contundente muestra de grandeza artística que no hace más que aumentar el culto musical a Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand en esta segunda década del siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 456 // Reseña Musical nº: 371

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 12 de enero del año 2016 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias al dúo musical francés LIYR por su cortesía al enviarme este promocional firmado y dedicado.

Edición reseñada: CD Picture con libreto de 4 páginas, firmado y dedicado (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: 2015
Sello discográfico: RAGE IN EDEN
Código de referencia: RAGE 108
Tracklist: 1- Something is coming // 2- Egna // 3- Al Tröm // 4- Freija // 5- Ange ou Démon // 6- Autour des Ombres // 7- Der Tod // 8- Kingdom of Helheim // 9- Melanchoelia // 10- The Third Circle // 11- Semo Sed Ruotua // 12- Sadness // 13- Les Ames Damnées // 14- Nebel
Artistas: Sven Mann (teclados y programaciones) y Alexandra Nordrac (vocalista)
Trabajo musical: Música compuesta por Sven Mann, lírica escrita por Alexandra Nordrac
Datos técnicos: Grabado y mezclado en Angelstudio
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Excelsa Obra Musical

Recibir este promocional firmado y dedicado por el dúo francés Liyr se ha convertido en uno de mis momentos más especiales como analista cultural y director de Lux Atenea. Si a ello le unimos que el prestigioso sello discográfico polaco Rage In Eden retorna a la escena musical non-mainstream europea por la puerta grande con la publicación del tercer álbum de Liyr “Autour des Ombres” en formato CD, estamos ante uno de los recientes acontecimientos culturales de mayor relevancia. Un momento muy especial para mí, ya que llevaba tiempo esperando que se hiciera realidad dentro de esta fascinante escena artística. Engalanado con un atrayente diseño de portada y libreto, la imagen visual que transmite la belleza estética de “Autour des Ombres” nos sumerge en ese estado espiritual elevado donde las sombras de lo mítico cubren a la especie humana para hacerle consciente de su escalafón universal inferior en relación a las inconmensurables fuerzas ultraterrenas existentes en nuestro mundo. Formado por Sven Mann (teclados y programaciones) y Alexandra Nordrac (vocalista), en “Autour des Ombres”, Liyr ofrecerá a los melómanos lectores de Lux Atenea un espectacular despliegue de orfebrería musical neoclásica de corte marcial donde el refinamiento melódico y lírico adquiere un nivel de intensidad emocional que les impresionará profundamente. Vertebrado por catorce temas, el disfrute de este tercer álbum de Liyr les llevará a sentir cada matiz musical tras haber sido perfilados en torno a un concepto innovador del neoclasicismo de vanguardia y, sobre todo, por tener al magnético registro de voz de Alexandra Nordrac como ancestral sacerdotisa reencarnada en nuestro presente. Y es que la mitología nórdica y celta son esenciales para poder comprender la auténtica fuente de inspiración de Liyr, siendo el nombre del dios del mar que bautizó a este proyecto musical en el año 2009, el que ha quedado firmemente consolidado con absoluta rotundidad en 2015 dentro de esta escena musical con la aparición de su nuevo álbum.

Iniciamos la audición de este excelso trabajo musical adentrándonos en las inescrutables nieblas del pasado, que aparecerán en cuanto el tema instrumental “Something is coming” empiece a embrujarnos con sus pasajes melódicos de corte marcial, llevándonos a continuación a sentir la fuerza lírica de Alexandra Nordrac en “Egna” como espléndida demostración del inagotable talento de Liyr en el arte de la interpretación. Impresionados por este glorioso dimensionamiento musical, el tema “Al Tröm” aparecerá en este gélido escenario que invita a la introspección a través de lo obscuro e inabarcable como reflejo de la belleza sublime, trasladándonos mentalmente a la mágica mitología nórdica en “Freija” donde el hombre aspira alcanzar su lugar al lado de los dioses a través de su espíritu épico fielmente reflejado en esta composición. Posteriormente, en “Ange ou Démon”, lo humano y lo ultraterreno presentarán esas dos caras opuestas íntimamente unidas a la esencia de la vida, quedando el tema “Autour des Ombres” situado en ese espacio existencial donde todo va poco a poco siendo cubierto por lo siniestro hasta desembocar en “Der Tod”, la llamada de la Dama Muerte como irrenunciable fin de la existencia carnal. El Reino de la Muerte en la mitología nórdica nos estará esperando en el tema “Kingdom of Helheim”, atravesando lúgubres entornos donde sólo encontraremos dolor, decrepitud, y abandono espiritual, que también se verán reflejados en la composición “Melanchoelia” como calvario del alma en busca de su sagrada luz interior. Siguiendo este virtuoso dinamismo sonoro, “The Third Circle” adquiere una tonalidad musical que te seduce y cautiva, erigiéndose el tema “Semo Sed Ruotua” como expresión superlativa del talento de Liyr a la hora de armonizar belleza melódica y potencia musical con atrayentes pinceladas líricas encarnadas en Alexandra Nordrac. En cambio, en “Sadness”, retornaremos a la ocre y gris atmósfera de la decadencia, quedando la perspectiva espiritual más dramática perfectamente definida en “Les Ames Damnées” como manifestación de lo eterno en su estado de perdición. Finalmente, con el tema “Nebel”, comenzará a extenderse el telón de clausura de esta joya musical mediante esta fantasmagoría celestial caracterizada por la opaca visión del secreto de la vida que jamás nos será revelado. “Autour des Ombres”, genialidad y pasión perfumando esta magna obra musical neoclásica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 455 // Reseña Musical nº: 370

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

56ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 56th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK

Quiero dar las gracias a la prestigiosa compañía sueca de management IDLE PRODUCTION por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Kepler // 2- Juno // 3- Sirius // 4- Saturnus // 5- 1873
Datos técnicos: Álbum grabado en Mullberget Studios (Skellefteå) y Stallet (Umeå); temas mezclados y masterizados por Björn Sundqvist y Pontus Hedenström; temas musicales en directo grabados por Planetariet y Jonathan Norén Brännström
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Kepler // 2- Juno // 5- 1873

El próximo viernes, día 20 de marzo, los melómanos amantes del post-rock más melódico y excelso estarán de enhorabuena con la presentación oficial del nuevo álbum “Deluxe” de Planetariet. Un talentoso grupo musical sueco que ya revolucionó la escena post-rock en el año 2015 tras presentar su ópera prima “Rymden” autoeditada, redobló su seductora apuesta sonora con el EP “Planetariet” (Feedbands) en 2018, y, con “Deluxe”, consolidan definitivamente su privilegiada posición como grupo musical de vanguardia. Este fascinante álbum será publicado por el prestigioso sello discográfico sueco Discouraged Records en formato digital y en una lujosa edición en CD, habiendo sido engalanado con el atrayente trabajo artístico creado por Amanda-My Ahlström, fundiendo lo orgánico y lo terrenal con lo universal y lo infinito en esta impactante imagen de portada en blanco y negro. Formado por Pontus Hedenström, Pontus Melender, Per Larsson, Björn Sundqvist y Klas Holmberg, el arte musical del grupo sueco Planetariet sorprende por su vigoroso espíritu creativo a la hora de combinar y armonizar planos instrumentales melódicos donde todo fluye sedosamente. Influenciados por el mundo astronómico, parece como si sus sublimes planos existenciales captaran en lo universal y en lo mentalmente inabarcable, esa chispa sonora y esa idea conceptual de vanguardia que lo diferencian claramente de otros grupos y artistas musicales, como así podrán comprobarlo los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran este álbum en su edición original, sobre todo si es en CD. Sus extraordinarios cromatismos sonoros crean estos mosaicos musicales que invitan al individuo al hieratismo, a saborear la vida poco a poco fijándose en los matices, en el más pequeño detalle musical que ilumina toda la composición instrumental. Una pasión en la interpretación que Björn Sundqvist y Pontus Hedenström han sabido reflejar en la masterización de cada uno de los cinco temas que vertebran el álbum “Deluxe”. Incluso la autenticidad de la música en directo ofrecida por Planetariet ha quedado inmortalizada en este nuevo álbum en los temas “Kepler”, “Juno” y “Sirius”. Cuando los artistas poseen calidad y talento musical, la magia en la interpretación de sus temas surge de forma natural, etérea, y con embrujo para poseer inexorablemente a los melómanos. Completando esta deslumbrante demostración de talento, el trasfondo cultural también está presente en este álbum con el tema “1873”, inspirado en una carta escrita por la decimonónica pintora folk sueca Anna Catharina Nordlander (1843 – 1879). Sin duda alguna, en Planetariet fluye la sangre artística sueca capaz de llevarnos a esa visión vitalista unida a la Madre Naturaleza, y a lo celestial y a todo lo divino presente en nuestro planeta y en nuestro universo.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum musical adentrándonos en el resplandeciente caleidoscopio melódico del tema “Kepler”, abriéndose esta mágica estructura musical de forma pausada, calmada, hierática, mientras sus planos instrumentales van dimensionando este entorno con sus oscilantes luces hasta que la intensidad nos envuelva con su vibrante belleza sonora. Sin duda alguna, el tema “Kepler” es una apertura de álbum ideal, sobre todo al ser una grabación en directo donde se muestra el arte musical de Planetariet. ¡¡¡Impresionante!!! A continuación, en “Juno”, este grupo sueco acentuará su virtuosismo melódico en espacios más abiertos de esencia solitaria que resplandecen por su profunda y poderosa carga mental, marcando un lánguido tempo donde los punteos de guitarra se pierden en la inmensidad hasta casi tocar lo eterno. Pero el crescendo musical será inevitable al irradiar este tema un grandioso poder, al reflejar esa esencia cercana a lo celestial a punto de cruzar a ese otro lado y, en esta intensa recreación, los miembros de Planetariet se presentan espectacularmente sensibles y apasionados ya que podemos sentir fielmente esta entrega artística durante la audición de este tema. Luego, en “Sirius”, este grupo musical ahondará en la incandescencia de la luz en medio de la Nada mientras sus destellos sirven de faro a los ojos del espíritu, perfilando una estructura melódica multicapa donde las sensaciones se acercan al nihilismo debido al distanciamiento existente entre cada foco instrumental. De por sí, “Sirius” tiene cierta alma experimental como composición musical y sin perder su fundamento post-rock, pero el conjunto sonoro global extiende sus raíces conceptuales desde la vanguardia de la década de los setenta hasta la new-age de la primer década del siglo XXI en cuanto a su dimensión etérea, pasando por el post-rock más rupturista nacido en los últimos años cuya frontera toca con la escena metal. Muy especialmente, la grandeza musical que nos ofrece el tema “Sirius” es ver cómo Planetariet ha apoyado toda esta estructura musical en la batería de forma progresiva hasta su potente colofón final.

Posteriormente, la seductora magia de estos alquimistas melódicos se expandirá alrededor nuestro en cuanto el tema “Saturnus” nos hechice, presentando un ambiente sonoro vibrante pero gélido gracias a la presencia de este oscilante continuo, rompiendo la batería esa estructura musical sin alterar su lento tempo. Con guitarras que evolucionan en un plano sonoro bajo y denso, la sensación de inmovilismo casi se palpa hasta que la batería vuelva de nuevo a revolucionarlo todo, entrando alterados planos instrumentales de guitarra que desplegarán una luminosidad mayor hasta acabar completamente con esa sumisión al destino, desembocando en un brillante final. Con el tema “1873” extendiendo el telón de clausura de este álbum, en esta composición se alumbrará un entorno melódico más sombrío y decadente desde el principio, quedando los planos instrumentales alejados de nosotros en la distancia hasta provocar esa apatía y esa desazón existencial que se vuelve melancólica. La presencia cristalina de esta guitarra acompañada por una batería contundente pero lineal, nos llevará hasta un nuevo escenario donde la recreación de lo pasado es espectacular. Y es que el tema “1873” es una auténtica joya musical post-rock que los melómanos lectores de Lux Atenea adorarán y venerarán a lo largo de los años en deseadas re-audiciones siempre únicas, siempre vivas, y siempre sentidas a través del inefable hedonismo de la soledad personal perfumada por la experiencia de la vida. ¡¡¡“1873”, obra maestra!!! “Deluxe”, cuando la música post-rock se convierte en un radiante mosaico de seductoras y elegantes melodías. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 454 // Reseña Musical nº: 369

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

56ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 56th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK

Quiero dar las gracias al dúo musical ESCUPEMETRALLA por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Single digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Edificio Putrefacto
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Edificio Putrefacto

La escena musical non-mainstream no sería la misma sin el legado conceptual y transgresor de Genesis Breyer P-Orridge, alma máter del movimiento industrial. El pasado sábado, día 14 de marzo de 2020, Genesis Breyer P-Orridge nos dejó para convertirse en eterno faro artístico para todos aquellos creadores musicales que sienten la vanguardia como esencia, como proyección, como visión adelantada a su tiempo lanzada a esta sociedad siempre cargada de prejuicios, de estereotipos, de modelos de ciudadanía caducos, y de condicionamientos morales y éticos unidos siempre a una corriente religiosa ya obsoleta en los tiempos actuales. Cuando la sociedad moderna del siglo XX, todavía unida a algunos principios morales y éticos tradicionales, presentaba esa insultante arrogancia apoyada en el éxito científico, económico y tecnológico, Genesis Breyer P-Orridge tuvo el valor de romper cada una de esas hipócritas barreras éticas y morales de la sociedad moderna para presentar obras musicales y performances destinadas a que la sociedad moderna se mirara en el espejo. En ese cruel espejo donde el alter ego de la hipocresía moderna le lanza a la propia sociedad moderna una mefistofélica sonrisa. Genesis Breyer P-Orridge dio fundamento a la esencia transgresora de sus obras, dio un sentido profundo al movimiento industrial como reflejo musical de la inmoralidad ética de la Modernidad, destapó sin dudar un segundo ese trasfondo inhumano de lo moderno para mostrarlo crudamente a la sociedad a través del mundo artístico non-mainstream, e incluso cubrió su cuerpo con la esencia de la Posmodernidad para transformarlo en representación de su Yo y en lienzo de su propia vida, fusionando lo carnal y lo artístico en un todo que reflejara la auténtica alma de Genesis Breyer P-Orridge, independientemente de lo que la sociedad moderna opinara o estableciera como correcto. Genesis Breyer P-Orridge fue individualidad antes que colectivo, sea éste el que fuera. Genesis Breyer P-Orridge fue Yo antes que ideal religioso alguno. Y Genesis Breyer P-Orridge fue la encarnación de esa autenticidad en el Arte que desprecia visceralmente cada una de las tentaciones económicas que ofrece el rico y generoso circo musical difundido por los massmedia. Todo este universo musical y artístico íntima y directamente unido a la ya figura inmortal de Genesis Breyer P-Orridge, ha quedado fielmente reflejado en el espectacular y excelso tema “Edificio Putrefacto” que el dúo musical Escupemetralla ha concebido y reflejado sonoramente en tan grandiosa composición. Si a esto le añadimos la intensidad conceptual literaria del talentoso artista Victor Nubla a la hora de alumbrar el título de este tema, con el Surrealismo y el Dadaísmo flotando en este selecto ambiente cultural non-mainstream, el fruto musical final no ha podido ser más óptimo, revelador, y cautivador. Sin duda alguna, el mejor homenaje que se podía ofrecer a Genesis Breyer P-Orridge. ¡Chapeau, Escupemetralla!

Iniciamos la audición del extraordinario tema “Edificio Putrefacto”, en cuya solemne y transgresora estructura musical Escupemetralla ha incorporado pasajes del mítico tema “Convincing People” de Throbbing Gristle para, de esta forma, unir el legado de Genesis Breyer P-Orridge a esta composición de vanguardia creada como ilustre homenaje. Abriéndose obscura y abruptamente como la entrada a un vórtice, una nueva dimensión sonora comenzará a envolvernos mediante la entrada de planos musicales ambient y Sci-fi ambient, convirtiéndose cada cromatismo melódico en una densa niebla que nos rodeará para limitar el alcance de nuestra visión. Desconcertados, con la llegada de chirriantes pasajes sonoros industriales, ese estado de ánimo interior acabará alterándose aún más mientras el entorno se va volviendo más y más opaco, derivando su estructura hacia un estilo post-industrial donde los perfilamientos sonoros industriales se mantienen en un primer plano, pero habiendo perdido su secuencia cíclica en este envolvente caos psíquico. Un primer plano agudo y extremo, y un trasfondo sonoro ambient y experimental, configuran este lánguido fragmento musical del tema “Edificio Putrefacto”, bullendo toda esta deslumbrante arquitectura sonora con intensidad mientras lo corrosivo y lo degradante van entrando en acción en esta lúgubre deriva. Sutilmente, la estructura post-industrial perderá el primer plano musical industrial en su epílogo sonoro mientras muta conceptualmente hacia lo experimental, despejándose este angustioso entorno para dar paso a una luz potente y cegadora de origen casi celestial. Una paz y una armonía crecientes para elegantemente poner el punto y final a esta admirable e innovadora composición musical publicada ayer, día 15 de marzo, en la página oficial de Escupemetralla en Bandcamp. Para los melómanos lectores de Lux Atenea que, como yo, se apasionan visualizando obras audiovisuales de vanguardia, además, Escupemetralla también ha publicado en su página oficial en youtube el vídeo oficial de este tema, en cuyo impactante diseño y edición han sabido transmitir el mensaje y el trasfondo conceptual del tema “Edificio Putrefacto”. Genesis Breyer P-Orridge fue siempre experimentación y vanguardia, Escupemetralla siempre es garantía de experimentación y vanguardia, de ahí el equilibrio y la armonía que irradia este videoclip en tan sentido momento musical póstumo. La grandeza artística se demuestra en momentos tan especiales, y, con el tema Edificio Putrefacto”, el dúo musical Escupemetralla ha sabido estar a la altura porque ha reflejado fielmente su incombustible esencia conceptual experimental basada siempre en la honestidad y en la autenticidad a la hora de crear y de dar cuerpo sonoro a sus obras. “Edificio Putrefacto”, emotivo, excelso y deslumbrante homenaje musical dedicado a Genesis Breyer P-Orridge (1950-2020), alma máter del movimiento industrial. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 453 // Reseña Musical nº: 368

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

55ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 55th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico alemán RAUBBAU por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Time Capsule // 2- Assault On Precinct 13// 3- Absorbed // 4- Ueno // 5- We Never Sleep // 6- Yakushi-Do (part 1) // 7- Yakushi-Do (part 2) // 8- Yakushi-Do (part 3)
Datos técnicos: Álbum masterizado en Leaf Audio por Manuel G. Richter (Xabec)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena experimental

A mediados del mes de noviembre del año 2019, el talentoso artista Stefan Alt, alma máter de Salt y director del mítico sello Ant-Zen, presentó oficialmente su segundo álbum titulado “Machiakari” (luces de la ciudad). Con Japón y su cultura como fuentes de inspiración principales de estos ocho excelsos temas que vertebran su nuevo trabajo musical, la clave conceptual que irradian nos llevan a sentir fidedignamente estas recreaciones escritas con maestría en el simbólico y metafórico lenguaje musical, perfilando composiciones sonoras de vanguardia que te embriagan y te seducen por su inteligente perspectiva del mundo japonés. El grandioso álbum “Machiakari” ha sido publicado por los prestigiosos sellos discográficos alemanes RAUBBAU y ANT-ZEN en formato digital y en una preciosa edición en vinilo LP 12”, habiendo sido engalanado con un espectacular diseño creado por el propio artista Stefan Alt donde se muestran este abanico de imágenes arquitectónicas cuyas formas y plasticidad condensan el Japón más moderno y avanzado, junto a dos pinceladas visuales de inevitables reminiscencias a su pasado. En “Machiakari”, Salt ha podido contar con la colaboración profesional de grandes artistas como la siempre genial Geneviève Pasquier en el tema “Time Capsule”, o el destacado músico alemán de jazz experimental Gerwin Eisenhauer en los temas “Absorbed” y “We Never Sleep”, formando un conjunto artístico de primer nivel cuyo fruto musical ha quedado fielmente reflejado en esta obra superlativa. Si además le unimos el impecable trabajo técnico de masterización realizado por Manuel G. Richter (Xabec), con un magnífico equilibrio en el nivel de registro sonoro y una nitidez excepcional, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán profundamente impresionados en cuanto escuchen este admirable trabajo musical. Y es que “Machiakari” es experimentación sonora partiendo del virtuosismo en la composición, reflejando una vitalidad y una luminosidad en cada tema que invita a la audición de este álbum al completo, de principio a fin.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum con la solemne entrada musical del primer tema “Time Capsule”, donde Salt y la genial artista Geneviève Pasquier configuran esta pulsante base sonora en una ambientación high-tech que da cuerpo a este escenario tan rupturista como un vórtice. Posteriormente, “Assault On Precinct 13” se presentará como el homenaje de Salt a la famosa película homónima del año 1976 (en español, “Asalto a la comisaría del distrito 13”), en un tema originalmente escrito por el mítico director estadounidense John Carpenter. ¡¡¡“Assault On Precinct 13”, magnífico detalle musical!!! Pero este homenaje musical a John Carpenter tendrá su continuidad en el tema “Absorbed”, pero en clave musical jungle integrada con maestría con nu-jazz y experimental ambient hasta realzarse como una de las composiciones más excelsas del álbum “Machiakari”. Aquí, el melómano ya empezará a tomar consciencia de que Stefan Alt se ha encontrado en un momento de máxima inspiración artística para armonizar estilos musicales tan diversos, convirtiendo el eclecticismo creativo en su estandarte personal en esta obra. En “Ueno”, inspirado en el barrio homónimo de la ciudad japonesa de Tokio famoso por su estética tradicional y por sus templos, Salt muestra una mayor versatilidad musical al presentar en esta composición características sonoras más obscuras y perturbadas sobre una base rítmica más cosmopolita, más urbana, y más opresiva, sobre todo con la entrada de estos siniestros samples. Retornando al jungle, con el tema “We Never Sleep”, John Carpenter vuelve a ser la fuente de inspiración que dé origen a esta composición, pero dentro de un dinamismo musical más extremo y con un ácido espíritu cyberpunk. Miedos, temores y delirios orquestando esta negra estructura barroca de fuerte carga psicológica cercana al pánico, siendo este chirriante plano sonoro el que agudice esta bizarra sensación de peligro.

Entrando en la parte final de este álbum, el tema “Yakushi-Do” se mostrará dividido en tres partes. Inspirado en la cultura japonesa unida a la vanguardia, pero anclada a la permanencia de lo tradicional, a la salvaguarda de las costumbres ancestrales, y a la inmersión en la mística del budismo zen y su búsqueda del equilibrio y de la armonía como fuente de Sabiduría, su título hace referencia al mítico templo construido en el periodo Kamakura (estilo arquitectónico Tenjiku) como icono del espíritu japonés. Empezando por “Yakushi-Do (part 1)”, aquí predomina el minimalismo conceptual a la hora de dar dimensión espacial a esta composición experimental, apareciendo los planos instrumentales como pasajes de un pasado que se niega a morir en este presente de alta tecnología. El ritual, la música con trasfondo ceremonial, los ecos cristalinos que rompen la realidad mundana para llevarnos a otro estado espiritual, sobrevuelan la frenética actividad que imprime la megaurbe a sus ciudadanos. Con “Yakushi-Do (part 2)” llevándonos a un estado hierático que anula el dinamismo en pro de la contemplación y de la sensibilización de los sentidos, aquí esta fusión del ambient con lo experimental adquiere una personalidad sonora mística que te conmueve profundamente, presentando una armonía y una delicadeza absolutamente fascinantes durante su audición. Poco a poco, esta armonía irá degradándose con la entrada de planos sonoros noise que terminarán adueñándose de esta atmósfera musical, desembocando en el tema “Yakushi-Do (part 3)”, mucho más experimental, extremo y nihilista donde todo es cuestionado, todo es frágil, todo es vibrante y fugaz, aunque su trasfondo sonoro espiritual trate permanecer en este intenso escenario. Una concentración de la atención que embrujará la mente del melómano ante la espectacularidad musical que adquiere este tema, teniendo como epílogo un oscilante entorno minimal que progresivamente irá apagándose hasta desaparecer. “Machiakari”, el virtuosismo de Salt a la hora de componer temas musicales de vanguardia donde Oriente es el Sol que inspira. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 450 // Reseña Musical nº: 365

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

55ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 55th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico alemán RAUBBAU por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: A1- Calx Saturni // A2- Uhrklang // A3- Morphosis (with architect) // B1- Solar Luminosity (with spherical disrupted) // B2- Säge // B3- Snowline // B4- Hakamukowitz
Datos técnicos: Álbum grabado el día 21 de octubre del año 2018 en el concierto ofrecido por Xabec en Maschinenfest (Turbinenhalle, Oberhausen, Alemania); temas musicales mezclados en el mes de noviembre del año 2019 por el propio artista Manuel G. Richter; álbum masterizado en Leaf Audio
Composiciones musicales que escucharás mil veces: A2- Uhrklang // A3- Morphosis (with architect) // B1- Solar Luminosity (with spherical disrupted) // B4- Hakamukowitz

Desde la década de los noventa, el innovador artista alemán Manuel G. Richter, alma máter de Xabec, nos ha venido sorprendiendo con una serie de extraordinarios trabajos musicales marcados por su espíritu pionero de vanguardia. Pero es en el grandioso álbum “Random Errors Down The Line (live at Maschinenfest 2018)”, presentado oficialmente el pasado día 27 de febrero, donde los melómanos lectores de Lux Atenea podrán comprobar y disfrutar el virtuosismo de este artista a través de la autenticidad del directo con este ilustre recorrido por la esencia de su trabajo musical a lo largo de toda su carrera en una selección de temas de auténtico lujo. El álbum “Random Errors Down The Line (live at Maschinenfest 2018)” atesora en su interior esta impecable grabación del concierto ofrecido por Xabec en Maschinenfest (Turbinenhalle, Oberhausen, Alemania) el día 21 de octubre del año 2018, habiendo sido publicado a través del prestigioso sello discográfico alemán RAUBBAU en formato digital y en una elegante edición de 50 unidades en cassette que, cuando se agoten, se ampliará con otras 50 unidades disponibles a través de la página oficial de Xabec en Bandcamp. Engalanado con un sofisticado diseño creado por Salt (Stefan Alt, alma máter del sello Ant-Zen), en su portada se funden lo orgánico con lo caótico mientras las formas alejadas completamente de lo convencional reflejan el espíritu transgresor mantenido por Xabec a lo largo del tiempo. En “Random Errors Down The Line (live at Maschinenfest 2018)”, Xabec pudo contar con la colaboración profesional de prestigiosos artistas alemanes como Daniel Myer (Architect) y Mirko Hentrich (Spherical Disrupted), habiendo sido mezclados estos temas musicales por el propio Manuel G. Richter. Con esta espectacular configuración artística, este álbum proyecta con total contundencia esa visión del arte musical como recreación sonora de una idea, casi siempre, muy adelantada a su tiempo en el caso de Xabec.

Iniciamos la audición de este espectacular álbum en directo con el pulsante comienzo sonoro del tema “Calx Saturni”, perfilándose un crescedo electrónico donde las texturas high-tech y los cromatismos sonoros experimentales de alta frecuencia nos llevan a disfrutar este Sci-fi ambient espacialmente expansivo. Cuando “Uhrklang” haga acto de presencia, el artista alemán Manuel G. Richter nos ofrecerá este magno entorno minimalista en su dimensión musical, cristalino en su sonoridad, y fascinantemente innovador en su concepción instrumental. ¡¡¡“Uhrklang”, delicatessen vanguardista!!! En cambio, en “Morphosis”, el escenario musical cambiará completamente con la entrada del artista alemán Daniel Myer (Architect), presentando planos sonoros de inspiración ambient y trasfondo obscuro donde el drone es el telón musical, y delante del cual va mutando toda esta radiante estructura sonora con reminiscencias electrónicas enraizadas en la década de los noventa. Posteriormente, será el artista alemán Mirko Hentrich (Spherical Disrupted) el que nos sorprenda con este perfilamiento musical integrado en el tema “Solar Luminosity”, ofreciendo un espectáculo sonoro mucho más experimental en su estructura y donde la luminosidad melódica es impresionante. Calma ambiental y contundencia en su lánguido tempo marcando la latencia de esta composición, mientras la sensación de ingravidez sensorial no deja de aumentar a lo largo de todo el tema durante su audición. Desembocando en “Säge”, con Xabec retornaremos a escenarios hi-tech cuyos planos sonoros son mucho más cerrados y cercanos a nosotros, reflejando esa frialdad mecánica de los dispositivos electrónicos en movimiento que, en “Snowline”, evolucionarán hacia un entorno más opaco donde el minimalismo sonoro sigue conservando su atmósfera gélida, pero proyectando planos musicales experimentales de una intensidad mayor que aceleran su impulso. Con “Hakamukowitz” clausurando este fascinante álbum en directo, en este excelso tema la estructuración musical vendrá condicionada por su solemnidad melódica transmisora de iridiscencias y de dinamismos ambientales absolutamente hipnóticos. “Random Errors Down The Line (live at Maschinenfest 2018)”, la innovadora esencia sonora de Xabec creada a lo largo de décadas ha sido concentrada en esta espectacular actuación en directo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 449 // Reseña Musical nº: 364

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

55ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 55th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico portugués GRAVAÇÕES TUNGUSKA por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Desolated Landscapes 1 // 2- Desolated Landscapes 2 // 3- Desolated Landscapes 3 // 4- Desolated Landscapes 4 // 5- Desolated Landscapes // 6- Desolated Landscapes 6
Datos técnicos: Álbum masterizado por André Coelho
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Desolated Landscapes 2 // 3- Desolated Landscapes 3 // 5- Desolated Landscapes 5

El pasado día 1 de febrero, el prestigioso sello discográfico portugués GRAVAÇÕES TUNGUSKA presentó oficialmente el extraordinario álbum de DAO “Desolated Landscapes” en formato digital y en una atrayente edición limitada de 200 unidades en ecopack CD. Engalanado con una tenebrosa portada creada por DAO, observar su inquietante imagen de portada en blanco y negro con este camino de entrada a tan tupido bosque, nos da la sensación de entrar en otro mundo siniestro, fantasmagórico e imprevisible. El camino es la carta de presentación visual perfecta para reflejar la esencia conceptual de DAO tanto por su nombre como por su inquietud sonora, en este excepcional trabajo musical vertebrado por seis espectaculares temas englobados en este ecléctico conjunto sonoro de espíritu experimental, base dark-ambient, e innovadora creatividad que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea pasionalmente entregados al hedonismo musical de vanguardia dentro de la escena non-mainstream. Y es que esta creativa y novedosa perspectiva, y este impulso dirigido a abrir nuevos espacios musicales de obscura belleza, provocan que estas composiciones sonoras de DAO te sumerjan en otros espacios y en otros entornos musicales que te hipnotizan y te hacen concentrar en el detalle sonoro durante su audición. Una concentración mental en ese siniestro plano melódico, en el evanescente drone, o en ese trasfondo musical sutil y esencial que crea espacios sensoriales al escuchar el tema. Si a este fértil talento artístico de DAO en este álbum, le unimos el admirable trabajo de masterización realizado por André Coelho (Sektor 304, Metadevice), la degustación musical de “Desolated Landscapes” se convierte en una auténtica delicia para cualquier melómano hechizado por la belleza sonora de lo siniestro. Así de contundente y de obscuro se presenta este envolvente trabajo musical de DAO que te invitará a nuevas audiciones a lo largo de los próximos años y décadas porque, en álbumes de esta calidad, la vigencia conceptual siempre permanece perenne en el tiempo al igual que su inagotable atracción artística. Sin duda alguna, “Desolated Landscapes” es un magnífico trabajo musical que te garantizará momentos muy especiales a sentir y experimentar en cada nueva audición.

Iniciamos la audición de este nebuloso universo sonoro de DAO comenzando por el primer tema “Desolated Landscapes 1”, vibrante y de alta densidad en su expansiva actividad, percibiéndose en su estructura dark-ambient algunos trazos sonoros de personalidad industrial cuya latencia provoca ese magnetismo psíquico que te engancha y te absorbe mientras seguimos avanzando en este entorno agreste. Una actividad incesante, mecánica en su cíclico tempo que hiela lo emocional por la ausencia de lo orgánico, de lo vivo, y de lo espiritual. A continuación, el tema “Desolated Landscapes 2” presentará perfilamientos sonoros más evanescentes en este entorno inicialmente tempestuoso que evolucionará hacia lo nebuloso, para que luego planos sonoros experimentales empiecen a pulir la personalidad musical de esta composición en constante transformación. Con planos sonoros sensorialmente muy cercanos, “Desolated Landscapes 2” proyecta un escenario difuso e indefinido en sus formas recreadas como si nos adentráramos en el interior de un tormentoso frente de nubes de contenida actividad. Sin duda, “Desolated Landscapes 2” es música experimental de vanguardia de primer nivel. En cambio, el excelso tema “Desolated Landscapes 3” se mostrará potente, tenso, y brutal mientras este entorno obscuro retumba fuertemente con cada uno de estos impactos sonoros que taladran la mente. Cuando planos musicales acuosos hagan acto de presencia, esos impactos desaparecerán para sumergirnos en un escenario violento y estruendoso que sentiremos en la lejanía, mientras lo sublime aparece en el cielo con una luminosidad casi artificial que provoca inquietud y temor. Pero el trasfondo sonoro trágico continuará latente en esta composición, viendo amortiguado su impacto sonoro en este ambiente como si escucháramos la actividad de un volcán desde la lejanía. Cuando el foco musical se aproxime a nosotros, la sensación de fragilidad volverá en cuanto los potentes impactos sonoros iniciales regresen a este escenario.

El tema “Desolated Landscapes 4” va a adquirir matices sonoros propios de la electrónica experimental, transmitiendo ese impacto visual de lo tecnológico en acción que nos atrae por sus reflejos musicales de futuro, llevándonos a un entorno high-tech muy saturado que provoca intranquilidad por su incesante actividad y por la ausencia de voz humana alguna. Aquí todo se mueve, todo provoca ruidos y estruendos, pero todo es emocionalmente frío. Posteriormente, en el tema “Desolated Landscapes 5” se fundirá lo cristalino con lo tenebroso, lo tecnológicamente avanzado con la decadencia cyberpunk, y la obscuridad sonora con la espectral presencia de lo extraño, adquiriendo una gran complejidad musical cuando el dark-ambient se funda con lo experimental, pero manteniendo su trasfondo más espeluznante y fantasmagórico como si fuera la grabación de campo de una maléfica posesión. ¡¡¡“Desolated Landscapes 5”, impresionante!!! Finalmente, el tema “Desolated Landscapes 6” se extenderá durante dieciocho minutos para clausurar este grandioso álbum con una colosal demostración de talento en la composición, empezando por este crecendo ambient de corte etéreo que traerá consigo radiantes cromatismos sonoros. Pero planos musicales experimentales nos indicarán que esta composición no es puramente ambient precisamente, mutando poco a poco hacia un estilo dark-ambient integrado con lo ritual hasta que esta nueva configuración instrumental nos lleve a un escenario conceptualmente minimalista, envuelto con un plano sonoro dark-ambient. Cuando sonoridades instrumentales rupturistas evoquen lo trascendente, “Desolated Landscapes 6” derivará hacia un entorno agitado e intenso que te paraliza por su complejidad musical. De una estructura minimalista pasaremos a una superestructura experimental que provoca asombro y atracción por su construcción innovadora, añadiéndose nuevas capas instrumentales que aumentarán nuestra fascinación ante tanto talento creativo. De lo experimental iremos hasta el dark-ambient, pero un estilo dark-ambient renovado en sus bases conceptuales hasta sus raíces, de ahí la grandeza musical de DAO mostrada en este extraordinario álbum. “Desolated Landscapes”, virtuosismo musical bellamente siniestro y conceptualmente innovador en esta dimensión artística de auténtica vanguardia dentro de la escena dark-ambient y experimental. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 443 // Reseña Musical nº: 358

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

54ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 54th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense SENTIENT RUIN LABORATORIES por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- I // 2- II // 3- III // 4- IX // 5- V // 6- VI // 7- VII // 8- VIII // 9- IX // 10- X // 11- XI // 12- XII // 13- XIII
Datos técnicos: Álbum grabado, mezclado y masterizado por Matt Mckeenre; remasterización realizada en el año 2019 por Hermit ov Tehom en Necrosound
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- II // 3- III // 8- VIII // 10- X

Publicado en el año 2015 por primera vez a través del sello discográfico Aught \Void en cassette, el pasado viernes, día 21 de febrero, fue presentado oficialmente esta lujosa re-edición en vinilo 7” (edición limitada de 200 unidades) por el prestigioso sello discográfico estadounidense SENTIENT RUIN LABORATORIES, además del inevitable formato digital. El álbum de debut homónimo de Kuroi Jukai ha sido engalanado con este impactante diseño de portada creado por Matt Harrison, fusionando lo tenebroso con lo amenazante en esta imagen cuyo arte perfectamente encajaría en un álbum musical de la escena black metal. Grabado, mezclado y masterizado originalmente por Matt Mckeen, a nivel musical, esta re-edición del álbum “Kuroi Jukai” no es exactamente la misma que su primera aparición ante el público, ya que ha pasado íntegramente por un extraordinario proceso de re-masterización realizado en el año 2019 por Hermit ov Tehom en Necrosound, habiéndose alcanzado una audición impecable en cuanto a sus niveles de registro sonoro y muy rico en matices. Sin duda alguna, el espectacular álbum “Kuroi Jukai” ha ganado mucho en cuanto a calidad en esta magnífica re-edición, como así podrán comprobarlo los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta joya discográfica. Desde Canadá, Kuroi Jukai nos presenta un estilo noisegrind demoledor y arrollador en cada uno de los trece temas que vertebran este álbum. Contundente y desgarrador, “Kuroi Jukai” son de esos álbumes que rompen barreras conceptuales, que llevan los estilos musicales a su extremo, y que avanzan aún más allá integrando estructuras instrumentales innovadoras que seducen y apasionan a quienes somos fieles seguidores de estas corrientes musicales de vanguardia. En definitiva, el impresionante álbum “Kuroi Jukai” no dejará a nadie indiferente.

Iniciamos la audición de esta siniestra obra musical comenzando por el tema “I” y estos veinticuatro segundos de furia desatada, destacando especialmente en esta amalgama sonora la batería y la guitarra como antesala del arte de Kuroi Jukai. Pero serán en los treinta y seis segundos del tema “II” donde los melómanos lectores de Lux Atenea empezarán a degustar esta ácida calidad musical de vanguardia, llevando toda la estructura muy cerca de los límites del noisegrind pero sin perder su base rítmica, que permanece en un plano inferior con dominio y absoluta nitidez. ¡¡¡“II”, auténtica genialidad!!! En “III”, el virtuosismo en la creación de espacios ruidistas donde la batería es demoledora e incansable en su furia melódica, este tema despliega su máxima intensidad en estos quince segundos que parecen muchos más, apareciendo el tema “IV” totalmente liberado de convencionalismo alguno en su estructura experimental, quedando todo el arco instrumental elevado, diversificado e independizado como si fuera grindcore extremo perfumado con adrenalina y decorado con pasajes melódicos psicóticos. La sombra musical del tema “IV” tendrá su proyección en “V”, estableciéndose este plano sonoro saturado donde el noisegrind se fusiona con ese noise experimental transgresor que viene caracterizando a la escena japonesa. Cuando el tema “VI” surja para alterarlo y cambiarlo todo, el noisegrind recuperará su esencia hasta su parte final, desembocando en “VII” con una energía tan alterada y limitada en el tiempo (catorce segundos), que parece resetear el espacio para que el impacto musical del tema “VIII” sea más angustioso y asfixiante. Con una batería que taladra, las guitarras no hacen más que potenciar su efecto, quedando este infernal coro de frecuencias como siniestros planos sonoros vanguardistas en esta estructura musical. ¡¡¡“VIII”, terrorífico noisegrind!!!

Posteriormente, el tema “IX” adquiere una dinámica mucho salvaje pero con fragmentos sonoros donde la incertidumbre paraliza, siendo estos valles musicales los que amplían el brutal efecto que proyecta este tema en su audición. Cuando el tema “X” entre en escena, sus veintitrés segundos nos llevarán a este escenario apocalíptico que engancha mentalmente por su diabólica estructura sonora, siendo su oscilante base melódica en clave obscura una auténtica delicatessen. Tras haber disfrutado varias re-audiciones del tema “X”, “XI” se volverá mefistofélicamente arrogante en su contundencia instrumental sin perder esa aura decadente y trasgresora, estableciendo cortas pausas para tomar este mayor impulso musical que destroza egos y derriba muros mentales creados con escoria psíquica y prejuicios. Y todo esto concentrado en veinte segundos. Pero será en el tema “XII” donde aparecerá el caos más brutal y descarnado, desencadenando esta tormenta musical para arrasar con todo a nuestro alrededor mientras Kuroi Jukai nos ofrece esta terrible potencia instrumental como si fuera una danza sonora a la Muerte. Y llegamos al tema “XIII”, el de mayor duración de todo el álbum (3 minutos y 26 segundos), clausurando este impresionante trabajo artístico con una demostración de talento en la definición musical y con un virtuosismo en la interpretación instrumental que sorprende por su perspectiva artística de vanguardia. En “XIII” todo es trasgresión, experimentación, y ruptura de límites extremos, pasando del noisegrid al más puro noise tras haber quedado laminadas las bases rítmicas y los matices melódicos como si este tema fuera la grabación en vivo de una explosión nuclear en su epicentro. Desolación y destrucción. “Kuroi Jukai”, desde Canadá, noisegrind innovador con decadente esencia musical de vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 441 // Reseña Musical nº: 356

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

54ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 54th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense MALIGNANT RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Dysfunctional Cyborg // 2- Matter (to Moloch) // 3- Tears of Eros // 4- Metabunker // 5- Gorgoneion // 6- Magnetoesthetics // 7- White Jazz // 8- Biomorphic Horror // 9- Hypernormalized // 10- Simulation
Datos técnicos: Álbum masterizado por John Stillings en Steel Hook Audio
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Dysfunctional Cyborg // 3- Tears of Eros // 4- Metabunker // 7- White Jazz

Metadevice es el nombre del nuevo proyecto musical del polifacético artista portugués André Coelho (Sektor 304, Beyond Enclosure…), habiendo sido presentada oficialmente su ópera prima “Studies For A Vortex” el pasado día 7 de febrero a través del prestigioso sello discográfico estadounidense MALIGNANT RECORDS en formato digital, y en una magnífica edición limitada de 300 unidades en ecopak CD de seis paneles. Engalanado con un impactante diseño en blanco y negro aparentemente abstracto, si fijamos la atención en las formas, éstas se presentan un tanto orgánicas a pesar de su desenfoque para proyectar una sensación de movimiento y de poder inescrutable que es propio de la belleza sublime. Vertebrado por diez espectaculares temas musicales enraizados en el más amplio espectro sonoro industrial, el álbum “Studies For A Vortex” asienta su base conceptual en el old school industrial amalgamado con perfilamientos sonoros de vanguardia, formando estructuras musicales de irresistible atracción para quienes disfrutamos la esencia industrial desde sus inicios. Además, su riqueza sonora ha sido potenciada con maestría por todo un maestro técnico como John Stillings, convirtiendo el proceso de masterización en un impecable pulido en el nivel de registro sonoro que convierte la audición de este álbum en toda una experiencia. Así lo podrán comprobar y disfrutar los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta corriente musical, ya que su base conceptual industrial sigue aún vigente dentro de la escena cultural non-mainstream actual. Con este álbum de debut, André Coelho como alma máter de Metadevice, amplía considerablemente su prestigio artístico dentro de este universo musical con estas diez muestras de talento en la composición, recreando escenarios, sensaciones y situaciones con un poso moral y ético profundamente deshumanizado que marcan indeleblemente este estilo industrial tan personal y característico.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum sumergiéndonos en la entrada sonora noise del primer tema “Dysfunctional Cyborg”, cuyo ímpetu musical irá apaciguándose hacia un puntual pasaje dark-ambient que abruptamente mutará en este apocalíptico industrial. Entornos difusos, obscuridad reinante, densidad ambiental.. todo en este mundo de alta tecnología está diseñado para las máquinas y no para el ser humano. Atrás quedaron la armonía y los últimos vestigios de la Madre Naturaleza en pro de la devastación mecánica en constante avance. En el tema “Matter (to Moloch)”, las raíces industriales old-school son mucho más claras en esta estructura no tan radical como la anterior, estableciéndose ciclos sonoros mucho más prolongados en el tiempo para sostener la acidez lírica de su mensaje lanzada al aire con furia y rabia. Pero será en “Tears of Eros” donde Metadevice realce su virtuosismo en la composición, presentando pasajes sonoros absolutamente siniestros en esta estructura musical discontinua y extrema que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea por su esencia de vanguardia. Un estilo de composición musical más propio de artistas alemanes, al encadenar una serie de pasajes musicales deslumbrantemente innovadores que te poseen mentalmente durante su audición. ¡¡¡“Tears of Eros”, espectacular tema!!! En cambio, el escenario se calmará en “Metabunker” mientras los espacios se pierden en este horizonte de brumas, siendo los chirridos metálicos y los cíclicos movimientos de la maquinaria pesada los que transformen esta composición en una integración perfecta de lo industrial con el dark-ambient, apareciendo “Gorgoneion” para retornar a planos sonoros noise, pero sorprendentemente integrados en espacios futuristas cyberpunk de potente intensidad emocional, quedando lo industrial como trasfondo musical y como cíclica pincelada sonora.

Posteriormente, en el tema “Magnetoesthetics”, se incrementará la contundencia musical de Metadevice en este escenario opresivo y agobiante, siendo la tecnología el verdugo de lo orgánico, de la consciencia, de las barreras materiales, y de todo aquello que se oponga a su atracción, a su dominio y a su condicionamiento. Una tenebrosa influencia que, en “White Jazz”, se presentará con agria y dramática nitidez en su lírica, siendo apoyada con una impresionante estructura industrial donde se intercala el old-school con lo experimental para que entremos en planos musicales muy definidos y concretos, y donde incluso su trasfondo instrumental presenta matices post-industriales. En definitiva, “White Jazz” es una de la joyas artísticas de André Coelho en este álbum de debut como Metadevice. ¡¡¡“White Jazz”, impresionante!!! Pero “Biomorphic Horror” no nos dará tregua alguna, y la caída en este salvaje y despiadado abismo presentará detalles sonoros inteligentemente dimensionados, creando un espacio desolador para lo emocional y absolutamente paralizante para los sentimientos. En “Biomorphic Horror”, todo lo humano es un estorbo, un error, un defecto en el entorno. Cuando Metadevice nos muestre en “Hypernormalized” esta profundización conceptual en lo extremo, todos los sentidos se afilarán y se violentarán porque la sensación de peligro es constante, y la alarma interior se disparará ante la influencia de la manipulación de obscura intencionalidad en su trasfondo, llegando al tema “Simulation” para asistir a esta clausura de auténtico lujo para un álbum tan espectacular. Aquí la tensión se eleva a un grado mayor, la lírica domina el entorno con su rabioso y violento mensaje, y lo industrial en un plano más bajo transforma su poderoso tempo en el último refugio de lo vital, en la última cuerda a la cual agarrarse antes de caer en la Nada más infernal. “Studies For A Vortex”, vanguardia y esencia retro fundidas en estas diez composiciones musicales inconfundiblemente industriales en su fundamento. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.