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Acerca de Félix V. Díaz

Félix V. Díaz, desde el año 1999, siendo pionero en España como analista cultural orientado a la difusión de las obras artísticas más selectas inspiradas en la mirada más profunda a lo Bello, a lo Sublime, y a lo Siniestro (Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, Shadow's Garden, Ouroboros Webzine y, actualmente, publicando en mi blog cultural y existencial Lux Atenea).

JARL “SYNAPSE VARIATION REPORT” (ZOHARUM, abril 2025) (Reseña / Review #2301).

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Reseña Cultural nº: 2301 // Reseña Musical nº: 1488

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: CD en carpeta (edición no a la venta) (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Synapse Emission Report // 2- Synapse Messenger Report // 3- Synapse Signal Report // 4- Synapse Chemical Report // 5- Synapse Electrical Report
Datos técnicos: Temas grabados entre los meses de diciembre de 2023 y junio de 2024 en Norrköping Östergötland (Suecia); álbum masterizado por Peter Andersson
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Synapse Emission Report // 2- Synapse Messenger Report // 5- Synapse Electrical Report

A principios del pasado mes de abril fue presentado oficialmente el álbum “Synapse Variation Report” del genial artista sueco Erik Jarl, siendo publicado a través del mítico sello discográfico polaco Zoharum en formato digital, en una preciosa edición limitada de 300 unidades en digipak CD de seis paneles, y en una selecta edición limitada de 40 unidades en cassette. Engalanado con este impactante trabajo artístico a cargo de Karolina Urbaniak, su simbolismo cromático está unido a la representación visual del universo cerebral y a la actividad eléctrica entre neuronas a través de las sinapsis en esta imagen abstracta. Perteneciente a la trilogía junto a los álbumes “Neurotransmitters Sphere Music” y “Receptor Radiation”, en el álbum “Synapse Variation Report”, Jarl ha profundizado en la definición sonora a través de estructuras musicales mayormente englobadas en su estilo conceptual dentro de la electrónica experimental, pero con un espíritu ecléctico con cromatismos sonoros propios de la Escuela de Berlín, del ambient, minimal, y dark ambient. Vertebrado por cinco extraordinarios temas que fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea por su radiante vanguardia artística, el álbum “Synapse Variation Report” se despliega como una secuencia de fotogramas en clave musical que te atrapa por su capacidad para despertar emociones a nivel mental, sumergiéndote en escenarios recreados con una virtuosa definición sonora. Habiendo pasado por el admirable trabajo técnico de masterización realizado por Peter Andersson, el arte musical de Jarl ha quedado amplificado en sus contrastes sonoros, quedando equilibrado en su nivel de registro y con planos musicales muy bien delimitados en cada estructura, convirtiendo su audición en uno de esos momentos especiales que todo melómano desea disfrutar cuando adquiere un álbum. En “Synapse Variation Report”, el artista sueco Erik Jarl vuelve a demostrar su maestría en la composición musical, recreando con suma precisión la idea inspiradora que fundamenta cada uno de estos temas. Una calidad artística que viene emanando en cada una de sus obras desde hace años.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum siendo atrapados mentalmente por la fascinante definición sonora del primer tema “Synapse Emission Report”, mientras estos ecos musicales retro palpitan con esa brillante positividad musical de la electrónica de vanguardia de la década de los setenta, evolucionando cada capa con una cadencia sinuosa que en ningún momento choca o interfiere con otras. Una magia musical casi orquestal que te va atrayendo poco a poco, irresistiblemente, apasionadamente por la belleza de sus cromatismos sonoros. Tras una primera fase de la composición, toda la estructura cambiará completamente bajo este pulsante tempo que, como un latido, nos acompañará hasta las puertas de este entorno cristalino donde el movimiento centellea y con la luminosidad situada en un segundo plano, parcialmente oscurecida con este plano sonoro dark ambient que irá adquiriendo mayor protagonismo con el paso del tiempo. Cuando el entorno se vuelva tenebrosamente ocultista como si fuera la banda sonora de un akelarre, las brumas de lo oculto traerán consigo esa fantasmagoría propia del misterio que acontece, pero que no revela su trasfondo. Un nuevo cambio sonoro, y esta travesía nos conducirá a un entorno con focos musicales más distanciados y con la presencia de pinceladas sonoras casi líquidas en su breve aparición, llevándonos hasta lo lisérgico que será abruptamente alterado en la parte final de la composición, casi gótica en su definición melódica. La magia musical de Jarl continuará con el tema “Synapse Messenger Report”, ofreciéndonos otra perspectiva conceptual de esta electrónica experimental fundida con ambient, capaz de llevarnos a un nuevo estado de sensibilidad mucho más vivo y con ecos que se pierden en el horizonte. Emanaciones sonoras electrónicas donde se siente la influencia de la mítica Escuela de Berlín, expandiendo nuestros sentidos a lo universal mientras la mente se vuelve más poderosa, más expansiva, más cercana a lo inconmensurable en su mirada a través de los pensamientos. Con planos sonoros mucho más cercanos al melómano lector de Lux Atenea, “Synapse Messenger Report” va a ir desarrollándose con sutiles cambios en un segundo plano que no se encuentra tan alejado, facilitando la identificación de estas nuevas entradas musicales. En el ecuador de la composición, los espacios se despejarán y sus pilares sonoros irradiarán con incansable intensidad como potentes luces de neón con la oscuridad de fondo, prolongándose hasta el final.

El tema “Synapse Signal Report” es mucho más minimalista en su inicio, más oscuro sin llegar conceptualmente al dark ambient, apareciendo un estilo ambient inteligentemente fundido con la electrónica experimental más radiante. Oscilante en su tempo, ese plano musical quedará en un segundo plano para dar base a toda la estructura musical, surgiendo planos sonoros en tonos graves que tensionan este escenario como la presencia de un trombón en una orquesta sinfónica. Mucho más lineal en su definición musical, en la parte final de la composición se incorporarán algunos planos sonoros al primer plano, volviendo mucho más densa su estructura hasta romperse en su epílogo con ecos iridiscentes. Luego, en clave ambient, “Synapse Chemical Report” presentará este escenario con brumas que se disipan en un entorno marcado por el lento y pesado paso del tiempo, de ahí su tempo musical tan lánguido. Sin llegar a la profundidad espiritual de lo místico, “Synapse Chemical Report” incita a lo contemplativo incluso tras el primer cambio profundo en su estructura musical, ya que sigue manteniendo el mismo tempo. Sublime en su transformación, hierático en su esencia, esta composición altera el pulso de lo vital hacia lo bajo, hacia la calma, y la entrada de planos sonoros melódicos no hará más que acariciar nuestra mente con ese influjo propio del Hades. El tema “Synapse Electrical Report” pondrá el punto y final a este viaje musical al universo Jarl, configurando esta atmósfera sonora con un trasfondo dark ambient muy pronunciado. Un primer plano oscilante decorado con cromatismos cristalinos que surgen y desaparecen de forma cíclica, y un segundo plano tenebroso donde el drone es piedra angular, dan al tema “Synapse Electrical Report” estos claroscuros que fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea durante su atenta audición. Cuando en la estructura se añadan planos sonoros propios del industrial, pero con un sentido de equilibrio admirable, todo va a adquirir una intensidad casi magnética que te sumerge en otro espacio, en otra dimensión, en otro mundo. Esta inmersión será fielmente recreada con una siniestra redefinición estructural situada en la intersección conceptual existente entre el dark ambient, la electrónica experimental, y el minimal. Con lo agónico apareciendo en su parte final, la composición terminará de forma repentina. “Synapse Variation Report”, el genial artista sueco Erik Jarl es una de las mentes creativas más brillantes que existen dentro de la escena experimental actual, y este álbum es otra contundente muestra de su maestría en la composición. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
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CONJECTURE “V (ext. edit)” (ZOHARUM, mayo 2024) (leer reseña)
SUTCLIFFE NO MORE “CUTE” (ZOHARUM, mayo 2024) (leer reseña)
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HARMONY OF STRUGGLE “BRUTAL AESTHETICS” (ZOHARUM, noviembre 2023) (leer reseña)
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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CONTAGIOUS ORGASM “CONTINUANCE AND INVASION” (SSSM – SEEKING SENSATION SCALE MUSIC, agosto 2025) (Reseña / Review #2300).

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Reseña Cultural nº: 2300 // Reseña Musical nº: 1487

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista japonés Hiroshi Hashimoto (Contagious Orgasm) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Trans-brainers yellow page // 2- The collected right // 3- 16 hour progress // 4- Go to the top, and go to the bottom // 5- Sprout, fixed point, high speed // 6- Conversation and contact // 7- A strange instrument
Datos técnicos: Temas musicales grabados entre los años 2002 y 2003 en Cool Anatomy, el propio estudio Ubik Sounds (Nagoya, Japón) del artista Hiroshi Hashimoto, y mezclados en Cool Anatomy en 2004
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Joya discográfica dentro de la escena experimental

Presentado oficialmente el pasado día 1 de agosto, el extraordinario álbum “Continuance And Invasion” atesora en su interior siete temas inéditos pertenecientes a la etapa creativa desarrollada por Contagious Orgasm en los álbumes “Flows Out” (2003) y “Spill Drop” (2005), y que fueron publicados por el sello discográfico ruso Waystyx en ediciones limitadas en CD de 777 y 410 unidades numeradas a mano respectivamente. Tras haber pasado por un proceso técnico de remasterización, el álbum “Continuance And Invasion” ha sido publicado por Hiroshi Hashimoto a través de su propio sello discográfico SSSM (Seeking Sensation Scale Music) en formato digital, y en una preciosa edición en cassette, estando ambos disponibles a través de la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con este atrayente diseño de estética siniestra y mortuoria en su edición en cassette, se ha creado un contraste absoluto respecto a su portada en clave mística oriental budista, donde también está presente la pira sagrada donde la serpiente adquiere una relevancia simbólica muy especial unida a la trascendencia. En aquella etapa musical de Contagious Orgasm, el genial artista japonés Hiroshi Hashimoto junto a Kenji Kobayashi vivieron un fértil periodo creativo que se materializó en dos espectaculares álbumes como son “Flows Out” y “Spill Drop”, siendo este álbum “Continuance And Invasion” el que permitirá conocer al melómano lector de Lux Atenea ese espíritu artístico en su totalidad. Vertebrado por siete temas, en cada uno de ellos fluye el talento musical de estos dos artistas japoneses, deslumbrando por su perspectiva pionera dentro de la escena experimental latente a principios de este siglo XXI. Tras haber pasado por un magnífico trabajo técnico de remasterización, la audición del álbum “Continuance And Invasion” es envolvente y sonoramente irresistible para el melómano que desea explorar y descubrir esas joyas musicales perdidas en el pasado, y que renacen en la actualidad con esa brillantez conceptual que lleva a estas composiciones de nuevo a la vanguardia musical, aunque hayan pasado dos décadas. Una grandeza artística que no hace más que resaltar aún más la excelsa e inigualable obra musical de Contagious Orgasm dentro de esta escena.

Sin más demora, iniciamos la audición de este magnético álbum adentrándonos en el torbellino sonoro multicapa del primer tema “Trans-brainers yellow page”, donde samples, bucólicas grabaciones de campo, melodías instrumentales místicas, pinceladas musicales post-industriales, luminosidades ambient… giran alrededor nuestro con una cercanía sensorial que impactará al melómano lector de Lux Atenea por la brillantez conceptual de este collage musical. Breve en duración como el paso de una gran ola sobre la superficie del mar, “Trans-brainers yellow page” es una primera toma de contacto con la magia musical de Contagious Orgasm en este álbum. A continuación, el tema “The collected right” se presentará más tenso y más terrenal en su definición sonora, evolucionando con un brumoso espectro humano donde esta melodiosa guitarra eléctrica es esencial en su bajada a un plano más físico, y hasta incluso cotidiano. “The collected right” es esa luz tamizada en el amanecer de una ciudad, observada por ojos humanos que han de volver a estar alerta en esta jungla de asfalto y hormigón. Personalmente, veo al tema “The collected right” como un opening espectacular para una serie de televisión de culto que tenga como escenario de su desarrollo, una ciudad moderna. Y es que, escuchando “The collected right”, es inevitable que vengan a la mente imágenes donde los reflejos en los cristales de un edificio, donde las aglomeraciones de coches y personas en las calles, y donde los edificios son los nuevos árboles de esta jungla humana, van configurando una visión muy directa de esta deriva existencial hacia un horizonte que no va más allá del próximo día. ¡¡¡“The collected right”, grandioso tema!!! Con “16 hour progress”, el escenario musical va a adquirir una dimensión conceptual unida a este oscurecimiento casi claustrofóbico de lo distópico, para luego mutar hacia un estilo high-tech ambient espectacular que, aunque más luminoso que el comienzo del tema, no presenta calidez alguna en relación a lo emocional, salvo en su aspecto más siniestro.

En el tema “Go to the top, and go to the bottom”, los melómanos lectores de Lux Atenea serán absorbidos por esta atmósfera tan posesiva y caótica que induce al agobio existencial. Potente en su evolución sonora, absolutamente sorprendente en su transformación musical donde los samples y los planos sonoros son inesperados, convierten a “Go to the top, and go to the bottom” en un mal sueño, en una pesadilla propia de Mario Argento si fuera llevada al universo cinematográfico. Y es que, en esta fase creativa desarrollada por Hiroshi Hashimoto y Kenji Kobayashi, la estimulación de la imaginación en el melómano es constante y con una nitidez emocional que impresiona. Siguiendo esta senda experimental absolutamente pionera, el tema “Sprout, fixed point, high speed” será un cambio conceptual absoluto. Una estructura melódica clara, brillante, tan luminosa como el mediodía soleado, con ese encanto que nos ofrece la perspectiva oriental en la composición musical a nivel de tonalidades sonoras. Un tema con ese embrujo casi onírico, e irradiando una intensidad vital fascinante gracias a la magia de esta guitarra en su interpretación instrumental. Posteriormente, en el tema “Conversation and contact” retornaremos a la perspectiva experimental de las composiciones anteriores, pero con una personalidad musical que profundiza en el estilo postindustrial en su base conceptual ecléctica. Vientos tecnológicos soplan en “Conversation and contact”, junto a deseos un tanto idílicos del presente y futuro, transmitiendo cierta calma a pesar de su dinamismo sonoro tan activo. Sin duda alguna, “Conversation and contact” es el tema que les hipnotizará por su trasfondo artístico tan unido a nuestro presente de decadencia, avances tecnológicos, incertidumbre, y mirada a un anhelado mundo mejor. Con el tema “A strange instrument” clausurando este extraordinario álbum, lo selénico y lo moderno se entrelazarán hasta crear este mosaico musical compuesto por breves radiografías posmodernas, que siempre son sentidas como un caos en movimiento. Una potente descarga sonora que no da respiro alguno, al igual que esta sociedad te induce durante la vigilia a ocupar cada minuto de tu vida en algo. Ese mismo impulso es lo que mueve a “A strange instrument”. “Continuance And Invasion”, el ilustre sello discográfico SSSM (Seeking Sensation Scale Music) de Hiroshi Hashimoto editando estas deslumbrantes reliquias musicales de Contagious Orgasm de imprescindible adquisición, e ineludible audición para poder conocer la trascendencia de su obra artística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
CONTAGIOUS ORGASM “ANATOMICAL DRAWING DRAWN BY A PATIENT” (SSSM – SEEKING SENSATION SCALE MUSIC, agosto 2025) (leer reseña)
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CONTAGIOUS ORGASM “LIVE AT MASCHINENFEST 2018” (RAUBBAU, noviembre 2019) (leer reseña)
CONTAGIOUS ORGASM “LIVE AT MASCHINENFEST 2008” (RAUBBAU, septiembre 2018) (leer reseña)
CONTAGIOUS ORGASM “IMPREGNATE MANNEQUIN” (RAUBBAU, junio 2018) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ILLUSTRIOUS “MESMERINE 111” (COLD SPRING RECORDS, septiembre 2025) (Reseña / Review #2299).

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Reseña Cultural nº: 2299 // Reseña Musical nº: 1486

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: CD 1: 1- Dose 1: Mesmerine 111
CD 2: 2- Dose 2: Mesmerine 111 (Vocal Mix)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena ambient

Mañana lunes, día 15 de septiembre, será presentado oficialmente el álbum “Mesmerine 111” del dúo musical inglés Illustrious, formado por el legendario artista y productor musical Martyn Ware (The Human League, Heaven 17, British Electric Foundation…) y por el genial artista Charles Stooke. Publicado por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en digipak 2CD que incluye una pegatina firmada por Martyn Ware, el álbum “Mesmerine 111” ha sido engalanado con este magnífico diseño gráfico minimalista a cargo de Abby Helasdottir, destacando la presencia de estas ondas sinusoidales de amplio periodo unidas simbólicamente a la frecuencia de 111 hertzios en la cual está basada esta magna obra artística, y cuyos efectos en el cerebro humano puede llevar al trance o a un estado profundo de meditación introspectiva bajo su influencia. Junto al mesmerismo como elemento interior del cuerpo humano a armonizar a través del uso de estas frecuencias de sonido, se perfila el trasfondo experimental de esta excelsa obra musical que fascinará y sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea deseoso de ser irradiado espiritualmente por el Arte, en este caso, musical. Vertebrado por dos temas de 50 minutos de duración, diferenciándose entre ellos únicamente al haber sido incluido un plano lírico en el segundo tema “Mesmerine 111 (Vocal Mix)” que facilitará su desvelo a los melómanos, el álbum “Mesmerine 111” ha convertido este avanzado estilo ambient en una obra maestra a ser experimentada a través de su atenta audición, y gracias a esta dimensión 3D de la obra musical en su definición sonora a nivel técnico. Un álbum admirable cuya alma musical fue presentada por primera vez en público en la Feria de Arte FOCUS, celebrada en la ciudad estadounidense de Nueva York en la primavera de este mismo año. Debido a su trasfondo meditativo, para su audición se recomienda usar auriculares para concentrar mejor la atención mental en la obra y así poder aislarse por completo del entorno, y no superar los 70 decibelios en su nivel de señal/ruido. Personalmente, durante las audiciones para poder escribir esta reseña es verdad que induce a un estado de relajación mental y, sorprendentemente, a una bajada considerable en el nivel de presión arterial comprobada con un tensiómetro antes y después de su escucha. Arte musical, meditación, armonización cuerpo-mente… este trasfondo de sentido a la magia sonora creada por los genios musicales Martyn Ware y Charles Stooke en su álbum “Mesmerine 111”.

Iniciamos este viaje musical de la mano del dúo musical inglés Illustrious, habiendo elegido el segundo tema “Mesmerine 111 (Vocal Mix)” al incluir el plano lírico. Sumergiéndonos en este panorama inicial dark ambient donde la oscuridad va a ir perdiendo su intensidad con la creciente luz como si fuera un amanecer, en el fondo, su trasfondo es eso mismo, un despertar de la consciencia, mutando musicalmente del dark ambient al ambient. Con la lírica apareciendo en un primer plano muy cercano y que se siente con la complicidad de quien te habla al oído, su fusión con las iridiscencias fluyendo en un segundo plano es espectacular, adentrándonos en un nuevo entorno donde los cromatismos sonoros son sutiles e hipnóticos. Destellos cromáticos que aparecen con la delicadeza de las gotas de agua cayendo en la superficie del agua, y cuyas ondas van definiendo dimensiones alteradas para provocar calma. Cuando el melómano lector de Lux Atenea vaya bajando su nivel de tensión interior, experimentarán cómo esta composición de repente se expande, los oídos se vuelven más sensibles, y la entrada de la lírica es sentida con un nivel sonoro más alto, obligando a bajar el volumen de audición para dar continuidad a esta experiencia musical sin perturbaciones. Todo alrededor empezará a girar con un movimiento pausado, lento pero sin llegar a lo lánguido, ya que mantiene una vitalidad equilibrada y constante. Cuando los vibrantes planos sonoros aparezcan para dar fuerza a su estructura musical, la orquestación musical de la armonía cuerpo-mente comenzará a perfilarse con un gran sentido de profundidad como la contemplación del horizonte marino desde lo alto de un acantilado. De repente, todo cambiará radicalmente en la estructura musical con pilares basados en tonos graves, y que caen en la superficie con esa densidad que provoca ondas expansivas. Decorado con pinceladas sonoras cercanas conceptualmente al ritual ambient, en esta fase de la composición, su trasfondo está claramente orientado a la inmersión mental desde la interiorización de los sentidos, de sus señales, y con los pensamientos fluyendo con una nitidez cristalina.

De nuevo, las iridiscencias aparecerán para revelar sensibilidades, para romper con los últimos lazos mentales con lo cotidiano, con esas barreras aprendidas que condicionan el presente, y con este admirable uso del drone para desdibujar el horizonte sin alterar lo más cercano que es impresionante. Un caleidoscopio envolvente que te invita a flotar en esta atmósfera relajante, mientras nos desplazamos con una sensación de ligereza física que estimula el espíritu. Un deseo de acción comedida nace, una voluntad impulsada a avanzar con decisión se despierta, y una mirada al interior con esa pureza anhelada va adquiriendo protagonismo en esta ruptura con la sensación de tiempo. Oscilando alrededor nuestro, los espacios se expanden hasta perderse en el horizonte en todas las direcciones, permaneciendo la mente estimulada ante la contemplación de lo sublime, de lo no tocado por la densidad humana, de lo no alterado por los impulsos salvajes humanos. Una visión de lo paradisíaco pero no en un sentido terrenal, sino como entorno original del alma. Y esa fluidez te traspasa, te irradia, y te hace sentir esa perspectiva tamizada de condicionantes, sintiendo la paz de espíritu como esencia vital. Con las columnas sonoras graves sentidas como avance imparable hacia lo deseado, van acompañándonos con la calidez de ese calor generado por lo vivo, por ese chi que fundamenta la vida en su raíz más profunda. Entonces, lo vibrante comienza a armonizarse con el melómano lector de Lux Atenea hasta hacerse un Todo, experimentando una nueva expansión sensorial situada en los límites de lo embriagador. A partir de aquí, todo es mente y sensaciones sentidas con una pureza cristalina, con una riqueza en matices como la luz atravesando un prisma para desvelar sus secretos lumínicos, y cada matiz sonoro, cada pincelada musical, es un auténtico placer sensorial. Hasta la entrada de este latido en su trasfondo, provoca una conexión mental especial. En este estado de consciencia, ideas, pensamientos, estados de concentración profundos… fluirán con suavidad psicológica y con una conexión interior que les provocará asombro y alegría, calma y desvelo, equilibrio y creatividad unidas a la imaginación estimulada. Expansión exterior, expansión interior, y todo unido por esas líneas energéticas que conectan el cuerpo y sus sentidos con el cerebro y la mente. “Mesmerine 111”, el mítico sello británico Cold Spring Records vuelve a publicar otra joya discográfica de vanguardia destinada a convertirse en los próximos años, en una buscada edición física para los melómanos más selectos y para los coleccionistas de Obras Maestras Musicales del siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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PSYCHIC TV “A PRAYER FOR DEREK JARMAN” (COLD SPRING RECORDS, junio 2025) (leer reseña)
SONOLOGYST “PLANETARIUM” (COLD SPRING RECORDS, junio 2025) (leer reseña)
MARC AND THE MAMBAS “THREE BLACK NIGHTS OF LITTLE BLACK BITES” (COLD SPRING RECORDS, agosto 2025) (leer reseña)
ANDREW OSTLER “THE BLIND SUBLIME” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2025) (leer reseña)
VARIOUS ARTISTS “Электронная Музыка АНС (ANS ELECTRONIC MUSIC)” (COLD SPRING RECORDS, febrero 2025) (leer reseña)
SATØRI “PILLARS OF SALT” (COLD SPRING RECORDS, febrero 2025) (leer reseña)
IGGOR CAVALERA / SHANE EMBURY “NEON GODS / OWN YOUR DARKNESS” (COLD SPRING RECORDS, marzo 2025) (leer reseña)
THE ANTI GROUP COMMUNICATIONS (T.A.G.C.) “ISO-EROTIC CALIBRATION” (COLD SPRING RECORDS, enero 2025) (leer reseña)
VARIOUS ARTISTS “NOISE FOREST” (COLD SPRING RECORDS, diciembre 2024) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ANTI RITUAL “80 YEARS – EP” (INDISCIPLINARIAN, septiembre 2025) (Reseña / Review #2298).

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Reseña Cultural nº: 2298 // Reseña Musical nº: 1485

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico danés Indisciplinarian por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- 80 Years // 2- Deportation ASMR for Gil Scott-Heron // 3- Emperor of the New Truth // 4- Days of War, Nights of Love
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por K.B. Larsen; álbum masterizado por Brad Boatright en Audiosiege
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna Obra Musical dentro de la escena hardcore

El próximo viernes, día 5 de septiembre, se presenta oficialmente el nuevo EP “80 Years” de la banda musical danesa Anti Ritual a través del prestigioso sello discográfico danés Indisciplinarian dirigido por Jacob Krogholt (Rising, Anti Ritual). Editado en formato digital disponible a través de la página oficial del sello en Bandcamp, y en una preciosa edición limitada de 180 unidades en vinilo de 7” a través de la webstore de Indisciplinarian, el EP “80 Years” ha sido engalanado con este mensaje simbólico tan directo gracias al trabajo artístico creado por Neel Krogholt Bjørst y a la dirección artística a cargo del miembro de la banda Nikolaj Borg, destacando su impactante portada de estética siniestra donde este infernal reloj de arena ve potenciada su atracción visual con el uso cromático del color rojo y negro. Las caras deformadas cayendo inexorablemente a la hoguera, proyectan su sufriente resignación al terrible destino. Formado por Marco Malcorps (vocalista), Jacob Krogholt (guitarras), K.B. Larsen (bajo), y Nikolaj Borg (batería), a nivel musical, la banda musical danesa Anti Ritual ofrecerá al melómano lector de Lux Atenea esta amplia perspectiva conceptual del estilo hardcore con lírica escrita por Marco Malcorps, vertebrando este EP con cuatro magníficos temas que les dejarán profundamente impresionados. Una potencia sonora y una intensidad en su interpretación lírica que han sido magníficamente perfilados en su nivel de registro sonoro, gracias al trabajo técnico de masterización realizado Brad Boatright, transmitiendo la audición de estos temas, esa fiereza visceral que resulta esencial para poder sentir el trasfondo artístico de Anti Ritual en esta obra musical. “80 Years” se ha convertido en su tercer EP desde que, en el año 2014, Anti Ritual presentaran su primer EP homónimo.

Iniciamos la audición de este extraordinario EP adentrándonos en el tema homónimo mientras, en su lírica, queda señalado el renacimiento de ideologías que hace ochenta años perdieron su poder. Una aparente luz de esperanza en este mundo postmoderno en decadencia que, como hijos de la Modernidad, no pueden llevar nada más que al abismo social ante la creciente influencia de la Singularidad hacia la cual se dirige inexorablemente la Humanidad (Inteligencia Artificial, robótica, digitalización total de la sociedad, ingeniería genética, nanotecnología…). Contundente y descarnado, “80 Years” es un puñetazo en la mesa en su denuncia, es una contundente advertencia del desastre apocalíptico al cual se puede dirigir la sociedad, siendo este salvaje torbellino lírico e instrumental, la recreación perfecta de su alarma. Posteriormente, el tema “Deportation ASMR for Gil Scott-Heron” expondrá cómo la política occidental actual se ha convertido en un triste teatro donde los líderes políticos han dejado de serlo por falta de carisma, de ideas, de ganas de transformar la sociedad hacia el progreso, convirtiéndose en marionetas de cachiporra en constante enfrentamiento de cara a una ciudadanía cada vez más sensible emocional y sentimentalmente, y menos racional y lógica. De lo banal, del culto al materialismo, del retorno a la polaridad separada por muros infranqueables, solamente hay un vencedor: los grandes poderes económicos extractores de riqueza. Y “Deportation ASMR for Gil Scott-Heron” es crudo y terrible por el trasfondo de su perfilamiento instrumental y lírico, porque, en este caos, en este río revuelto, ganan los pescadores, o sea, ya sabemos quienes. Espectacular en su estructura musical, “Deportation ASMR for Gil Scott-Heron” sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea por su grandeza conceptual tan espectacular y arrollante, adquiriendo una creciente inercia hacia el deslumbre instrumental que les fascinará. Valles sonoros, transiciones melódicas, evoluciones estructurales en su definición instrumental, todo en “Deportation ASMR for Gil Scott-Heron” es trágicamente superlativo.

Luego, el tema “Emperor of the New Truth” dejará al descubierto a quienes tiran de los hilos económicos en la sociedad para provocar ganancias personales y corporativas a cualquier precio, teniendo a los mensajes sociológicos como eficaces altavoces de propaganda dirigidos a la ciudadanía mientras está entretenida en esta Disneylandia del Estado del Bienestar cada vez más ruinosa, decrépita, y decadente. En esta deriva imparable hacia la pobreza masiva donde la clase media ya es solo un recuerdo de los años de bonanza de la Modernidad (riqueza por producción de bienes), los grandes ganadores en esta Postmodernidad (generación de riqueza a través de la especulación) han sido una nueva clase social unida a las finanzas y a las nuevas tecnologías digitales. Hoy en día el gran mensaje social sigue siendo: invierte, especula, y te harás rápidamente rico. Ya no hay producción, de eso ya se encargan otras naciones. O especulas, o te empobrecerás con trabajos mal pagados dentro del sector servicios, o en empresas cada vez más pequeñas en cuanto a número de empleados por el uso de Inteligencias Artificiales. “Emperor of the New Truth” vuelve a poner el foco en otra de nuestras realidades que han llevado a la crisis absoluta al Estado del Bienestar, a la paz social, porque el homo homini lupus nunca ha tenido tantos seguidores en este mundo occidental neoliberal. Por este motivo, en “Emperor of the New Truth”, la batería cobra un peso absoluto en la estructura musical del tema junto a esta guitarra cortante como una motosierra, reforzando su mensaje de lírica magníficamente interpretada. “Emperor of the New Truth” es la banda sonora perfecta de la tormenta política y económica que estamos viviendo en la actualidad. Finalmente, la clausura de este álbum llegará con el tema “Days of War, Nights of Love”, pesado en su avance por su trasfondo marcial, y afilado y cortante al recrear el desgarro violento que está sufriendo la sociedad sometida a una creciente presión equiparable a un estado de guerra. Los vientos pacíficos y de hermandad han quedado completamente estancados y fuera del tiempo presente, porque este interregno está trayendo consigo cambios terribles a todos los niveles, con clases privilegiadas en decadencia, con una creciente ciudadanía cada vez más empobrecida, y con un sistema politico-económico neoliberal postmoderno que ya está obsoleto, y una Singularidad que aún necesita varios años más y varias implementaciones tecnológicas en la sociedad para poder consolidarse. “Days of War, Nights of Love” refleja este contraste, este vivir en el límite y en el filo de navaja, y como tema de clausura es perfecto. “80 Years”, desde la ciudad danesa de Copenhague, la banda musical Anti Ritual retorna a esta escena con ideas renovadas y con esa pasión interpretativa inagotable que convierten a sus temas en una experiencia musical muy reflexiva. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

VODE “ZONE CHILDREN” (NO PART OF IT, septiembre 2025) (Reseña / Review #2297).

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Reseña Cultural nº: 2297 // Reseña Musical nº: 1484

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias el genial artista Arvo Zylo y a su prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Green Judgement // 2- Matilda’s Drum Kitchen // 3- The Moon Room // 4- Brass Hydrochroma // 5- I’ll Be Here In The Morning (Townes Van Zandt)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena esperimental

Ayer lunes, día 1 de septiembre, el dúo musical estadounidense VODE presentó oficialmente su segundo álbum titulado “Zone Children”. Formado por Leslie Keffer y Arvo Zylo, VODE es una de las propuestas artísticas más vanguardistas e innovadoras que están destacando en la escena experimental actual, y con una perspectiva conceptual ecléctica dirigida a la toma de contacto con estructuras musicales nuevas, revolucionarias, y transgresoras. Publicado a través del prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It dirigido por Arvo Zylo, el álbum “Zone Children” ha sido editado en formato digital y en una preciosa edición limitada de 100 unidades en cassette, 50 de ellas numeradas que incluyen una tarjeta plateada con efecto espejo, estando disponibles para su adquisición a través de la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con este atrayente diseño creado por el propio artista Arvo Zylo tanto en su portada como en el apartado fotográfico, su estética abstracta transmite solidez y trasfondo como reflejos visuales de la esencia musical atesorada en los cinco temas que vertebran este álbum, y con destellos del brutalismo arquitectónico en esta imagen de portada como señal directa de la Modernidad sobresaturando los espacios con irreversible firmeza. El dúo musical VODE presentó su álbum de debut “Two Rivers” (No Part Of It) en el año 2023 y, con su nuevo álbum “Zone Children”, muestran un gran salto creativo al abrir sus pilares sonoros a estilos conceptuales extraordinariamente integrados en estructuras musicales que impresionarán a los melómanos lectores de Lux Atenea por su maestría, y por sus contundentes muestras de talento en la composición. Y es que el espíritu experimental e innovador lleva moviendo a Leslie Keffer y a Arvo Zylo a nivel artístico desde el año 2003 y 2000 respectivamente, no dejando de ampliar su horizonte conceptual con esta brillantez mental del pionero dentro del mundo del Arte Musical, y esta experiencia y savoir faire se notan muy claramente en VODE. Por este motivo, escuchar atentamente cada uno de los temas que vertebran este álbum es de obligado disfrute para los melómanos entregados en cuerpo y alma a la vanguardia musical más relevante, lo que marca la diferencia, y lo que crea tendencias conceptuales con el paso de los años. VODE es un ejemplo muy claro de este virtuosismo en la perspectiva creativa dentro de la escena musical experimental. Sin duda alguna, “Zone Children” es una obra maestra que en un lustro, en una década, o en varias décadas, volverán a disfrutar escuchando porque este álbum es artísticamente impresionante.

Iniciamos la audición de este extraordinario álbum sumergiéndonos en la apertura dimensional del primer tema “Green Judgement”, fusionando ambient con electrónica experimental para pulir esta estructura sonora y lanzarla hacia un escenario saturado donde el drone es clave, tanto en su trasfondo nebuloso como en este cromatismo noise situado en un primer plano. La presencia instrumental irá pasando de fugaces pinceladas a un mayor protagonismo como quiebre de este monolítico pilar sonoro, desarrollándose los cambios en sus diferentes capas musicales dentro de un segundo plano y de forma sosegada, aunque lancen ocasionales destellos cercanos al industrial. Cuando “Green Judgement” se vuelva más desangelado pese a su angustiosa atmósfera sumamente activa, el plano noise comenzará a dar muestras de debilitamiento, primero intermitente y luego viendo su protagonismo un poco amortiguado en la composición, entrando en una progresiva pérdida energética como un motor de explosión al que le empieza a faltar el carburante. Y con la entrada sutil de lo melódico como réquiem del plano noise, todo terminará apagándose como un momento recordado cuya viveza va difuminándose. Posteriormente, el tema “Matilda’s Drum Kitchen” encantará al melómano lector de Lux Atenea afín a la escena dark ambient, ya que VODE va a orientar esta estructura musical hacia el minimalismo pero sin adentrarse en su cruda definición sonora. Esto será posible al derivar hacia definiciones conceptuales propias de la electrónica experimental, aproximándose incluso al post-industrial en su deconstrucción musical. Asentándose en esta secuencia propia del industrial que termina consolidándose en el eje principal de la estructura musical, cuando baja su intensidad de registro da paso a nuevos planos sonoros experimentales que aportan mayor profundidad y que, como destellos, dan mayor luz a toda la composición. En el ecuador del tema, el melómano se sumergirá en esta hipnótica espiral un tanto psicodélica que, incansable en su avance, con el paso del tiempo irá abandonando este primer plano para simplificar completamente la estructura musical hasta volverla extremadamente cálida en su influjo sonoro, como los rayos del Sol cayendo implacablemente sobre la superficie desértica.

La experiencia musical tendrá su continuidad con el tema “The Moon Room”, y este entorno ambient cercano a lo bucólico donde la oscuridad no provoca temor sino complicidad. Casi místico en su trasfondo, la aparición de planos sonoros industriales romperán completamente esa magia para llevarnos a un entorno distinto con el dark ambient tomando relevancia en su definición conceptual. Luego, lo selénico irá matizándose con planos sonoros que recrean los ruidos propios de la actividad nocturna, quedando todo en un segundo plano hasta convertir al melómano lector de Lux Atenea en un mero observador. Imparable, el tema “The Moon Room” no dejará de descubrirnos nuevos escenarios sonoros como tesoros escondidos, y que son mostrados por VODE con un sentido de la armonía que les provocará su más sincera admiración. La audición de “The Moon Room” es espectacular, al igual que el siguiente tema “Brass Hydrochroma”, con su brutal entrada sonora orquestada a través de oleadas cargadas de tragedia y de quebranto de una realidad completamente superada por el presente, por ese drama finalmente manifestado de forma violenta y contundente. Una corriente enfurecida que arrastra todo a su paso y al cual, toda oposición lo único que provoca es un incremento de su fuerza. A continuación, el tema “I’ll Be Here In The Morning (Townes Van Zandt)” cambiará completamente el escenario musical para clausurar este álbum con un vibrante plano sonoro como base sobre el cual apoyar su lírica en clave folk, notándose claramente la influencia de la artista Leslie Keffer en su perfilamiento. Sin duda alguna, “I’ll Be Here In The Morning (Townes Van Zandt)” es el verso suelto en esta obra a nivel conceptual, transmitiendo esa mirada al mundo con cierto poso melancólico y onírico en su declamación lírica. “Zone Children”, para poder conocer la vanguardia musical experimental más actual hay que escuchar al dúo estadounidense VODE, y este álbum es su más reciente obra, su más deslumbrante muestra de talento pionero en la composición sonora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
BBJr “THE ANTIQUE HEARTBEAT” (NO PART OF IT, septiembre 2025) (leer reseña)
SORRY FOR LAUGHING “SELECTED WORKS (2020-2025)” (NO PART OF IT, marzo 2025) (leer reseña)
CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CONTAGIOUS ORGASM “ANATOMICAL DRAWING DRAWN BY A PATIENT” (SSSM – SEEKING SENSATION SCALE MUSIC, agosto 2025) (Reseña / Review #2296).

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Reseña Cultural nº: 2296 // Reseña Musical nº: 1483

Información Muy Importante / Very Important Information :
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Quiero dar las gracias al genial artista japonés Hiroshi Hashimoto (Contagious Orgasm) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: SIDE A: 1- Logging on
SIDE B: 2- On this day
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena experimental más ecléctica e innovadora

El pasado día 1 de agosto, el genial artista japonés Hiroshi Hashimoto, alma mater de Contagious Orgasm, presentó oficialmente su nuevo álbum musical “Anatomical Drawing Drawn by a Patient” a través de su propio sello discográfico SSSM (Seeking Sensation Scale Music). Publicado en formato digital y en una preciosa edición en cassette en funda de plástico con cierre y con un pin de Contagious Orgasm incluido en su interior, ambas ediciones se encuentran disponibles a través de la página oficial del sello SSSM en Bandcamp. El álbum “Anatomical Drawing Drawn by a Patient” ha sido engalanado con este atrayente diseño, donde las imágenes anatómicas óseas ve potenciado su impacto visual con la presencia de la víbora enseñando sus venenosos colmillos a punto de lanzar su mordedura mortal. Un contraste absoluto entre lo inerte y la vida, creando un círculo existencial de energía vital y análisis de las partes del cuerpo bajo la mirada científica que transmite con nitidez, las fuentes de inspiración en las cuales se ha basado Contagious Orgasm para dar sentido y estructura sonora a los dos temas que vertebran este álbum. En el álbum “Anatomical Drawing Drawn by a Patient”, los melómanos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de una obra musical pionera dentro de un eclecticismo conceptual que engloba estilos como el ambient, tribal, electrónica experimental, ritual, soundscapes, power electronics, minimal, noise, industrial… convirtiéndose en el fruto artístico más reciente compuesto por el ilustre maestro Hiroshi Hashimoto siempre situado en la primera línea de vanguardia dentro de esta escena. Una mirada incansable hacia nuevas fronteras sonoras, un análisis preciso de las estructuras musicales a definir, y una recreación milimétrica de la idea inspiradora que ha convertido a Contagious Orgasm en referencia mundial, situando a la escena japonesa en una posición de auténtico privilegio por estas contundentes demostraciones de virtuosismo artístico que, con el paso del tiempo, terminan convirtiéndose en faros creativos para artistas y bandas musicales. A nivel conceptual, Hiroshi Hashimoto continua abriendo fronteras, explorando nuevas texturas sonoras, y moldeando estructuras musicales que destacan por su perspectiva creativa y por su sensibilidad artística, y el álbum “Anatomical Drawing Drawn by a Patient” es su más reciente muestra de genialidad. Toda una experiencia musical para ser disfrutada por los melómanos afines a la vanguardia más relevante surgida en esta impresionante escena.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta deslumbrante obra musical adentrándonos en el primer tema “Logging on”, marcado profundamente por lo psíquico, por lo mental, y por la interpretación del entorno a través de los sentidos que es llevado al lenguaje simbólico y metafórico que caracteriza al inconsciente. Lo primero que encontrarán es un sample en idioma español que irá siendo cubierto con esta naciente estructura musical ambient que lo dejará en un segundo plano, mientras pinceladas noise distorsionadas recrean interferencias temporales que terminan dando paso a nuevas realidades. Derivando hacia un entorno más obscuro, cosmopolita, y futurista, el tema “Logging on” va a envolvernos con una magia sonora experimental más propia de una performance de vanguardia que de una composición musical pura, dejando al melómano lector de Lux Atenea hipnotizado ante tanta belleza configurada a nivel sonoro. Cuando “Logging on” vaya incorporando elementos étnicos como antesala de su inminente evolución hacia un amplio despliegue luminoso de actividad humana en la sociedad moderna avanzada, no será más que el valle musical hacia una nueva fase conceptual en clave tribal donde los instrumentos de percusión son esenciales. Una clara demostración del fértil espíritu creativo de Hiroshi Hashimoto, donde el eclecticismo conceptual es fundamental para recrear la idea y el mensaje que da sentido a la obra musical. Cuando lo tribal desaparezca, retornaremos a la actividad humana más intimista, más privada, de puertas adentro, como ya pudieron disfrutar los melómanos en el grandioso álbum de Contagious Orgasm “Behind Closed Doors” (Raubbau / Ant-Zen, 2025) recientemente reseñado. Pero lo tribal es primitivo, es instintivo, está profundamente enraizado en lo más profundo de la mente humana, resurgiendo en esta composición hasta el final con pincelada melódica incluida.

Posteriormente, en el tema “On this day”, todo cambiará radicalmente al sumergirnos en un escenario musical más propio de la Música Contemporánea fusionada con samples, y que nos conducirá a un minimalismo en clave instrumental bajo la perspectiva japonesa de interpretación tonal. Como pueden comprobar los melómanos lectores de Lux Atenea, “On this day” es mucho más obscuro desde su inicio, abriendo su estructura a pasajes noise, a tensiones estructurales propias del power electronics, y con ese lado deshumanizado del industrial donde el sonido del metal es dominante en el escenario en constante movimiento. Con la aparición de lo melódico y del sample inicial, se transformará en un reseteo sonoro que nos llevará a una atmósfera musical inequívocamente industrial, saturando este espacio y con la presencia de lo humano como parte integrada del sistema, entrando afilados pasajes noise para remarcar su trasfondo inhóspito que será potenciado con la presencia sonora de esta respiración angustiosa. Cuando “On this day” se adentre en un escenario dark ambient absolutamente sublime, quedará iluminado con esta enigmática esencia melódica instrumental destinada a romper esa realidad con potentes y colosales pinceladas sonoras. Una admirable fusión de ambient y dark ambient con líneas musicales independientes que, armonizadas pero no amalgamadas, les dejará profundamente impresionados ante el elevado nivel de talento artístico mostrado por Hiroshi Hashimoto. Pero esto es Contagious Orgasm, y la inmersión en nuevos entornos donde el desasosiego y el caos están presentes, no tardarán mucho en aparecer, dando impulso a este tornado sonoro donde samples y planos musicales de diversa esencia conceptual nos llevarán a su final con una sensación de intensidad vital asombrosa. “Anatomical Drawing Drawn by a Patient”, como incansable pionero conceptual y con un sentido de armonía único dentro de lo transgresor, con este nuevo álbum, el genial artista japonés Hiroshi Hashimoto vuelve a sorprender y a seducir al melómano más exigente con la vanguardia musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
CONTAGIOUS ORGASM “BEHIND CLOSED DOORS” (RAUBBAU / ANT-ZEN, junio 2025) (leer reseña)
CONTAGIOUS ORGASM “LIVE AT MASCHINENFEST 2018” (RAUBBAU, noviembre 2019) (leer reseña)
CONTAGIOUS ORGASM “LIVE AT MASCHINENFEST 2008” (RAUBBAU, septiembre 2018) (leer reseña)
CONTAGIOUS ORGASM “IMPREGNATE MANNEQUIN” (RAUBBAU, junio 2018) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

WHY PATTERNS “SCREAMERS” (HUMAN WORTH, julio 2025) (Reseña / Review #2295).

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Reseña Cultural nº: 2295 // Reseña Musical nº: 1482

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a Chris “Frenchie” French (PR Trail) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- After The Bullfight // 2- Clown In A Housefire // 3- Self Defeating Trebuchet // 4- Soire Bleu // 5- Nervous Laughter // 6- Wind Up Chattering Teeth // 7- Clubfoot By Kasabian By Blacklisters // 8- Screamers // 9- Upside Down Mondrian // 10- Buffoons & Barrel Organs
Datos técnicos: Temas musicales mezclados por Stanley Gravett en Holy Mountain Studios (Londres, Reino Unido); álbum masterizado por Brad Boatright en Audio Siege
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena grindcore más innovadora

A mediados del pasado mes de julio, la banda musical británica Why Patterns presentó su segundo álbum titulado “Screamers”, habiendo sido publicado a través del prestigioso sello británico Human Worth en formato digital, en una edición limitada de 50 unidades en digipak CD, y en una edición limitada de 50 unidades en cassette. Engalanado con este magnífico diseño creado por Alex Virji con trabajo artístico de RF Pangborn y textos a cargo de Corny Krameri, además de su apartado fotográfico desarrollado por Talie Eigeland (banda musical) y Simon Kallas (portada), en su impactante imagen de portada ha quedado reflejado el grito visceral del adaptado social cuando termina reventando tras años de incesante presión y estrés, lanzando destellos conceptuales propios del mítico pintor anglo-irlandés Francis Bacon (1909-1992) dentro de una deformada estética siniestra cargada de tensión. Formado por Dan McClennan (batería), Doug Norton (vocalista) y Seb Tull (instrumentos de cuerda), la banda musical británica Why Patterns ha podido contar en este nuevo álbum con la colaboración de Alex Virji en los coros del tema “Nervous Laughter”, presentando una extraordinaria obra musical vertebrada por diez temas englobados conceptualmente dentro de la escena grindcore más ecléctica e innovadora. De fuerte impacto sonoro y concentrada intensidad musical, el álbum “Screamers” dejará sin respiración al melómano lector de Lux Atenea deseoso de poder disfrutar obras musicales extremas, y compuestas con un impulso creativo de vanguardia de primer nivel. Una intensidad sonora amplificada en su calidad musical y en su equilibrio estructural con armoniosos niveles de registro sonoro, tras haber pasado por el trabajo técnico de masterización perfilado por Brad Boatright, para poder sentir la grandeza artística y conceptual de Why Patterns en estado puro. Toda una experiencia musical.

Iniciamos la entrada en el salvaje espíritu conceptual de la banda musical británica Why Patterns con el primer tema “After The Bullfight”, y la batería dando la señal de salida a esta densidad instrumental brutal donde no hay espacio libre en su estructura artística que deje pasar aire fresco en su atmósfera ultra compactada. Guitarras pesadas que liberan notas graves como rocas fracturándose, una batería que enloquece su tempo para conducir a la alucinación psicótica, y un plano lírico interpretado con el descaro existencial del punk para quebrarlo todo con su mensaje. “After The Bullfight” cortará la respiración del melómano lector de Lux Atenea, y le llevará a quitarse el sombrero ante tan contundente muestra de talento interpretativo, pidiéndole su mente más, motivo por el cual, el tema “Clown In A Housefire” lo sentirá como un torrente adrenalínico entrando en su cuerpo para llevarlo al límite, que es donde de mueve con soltura Why Patterns. “Clown In A Housefire” es paranoico, la sonrisa del Joker observando el mundo arder mientras todo se hunde a sus pies. Un caleidoscopio emocional que te atrapará en su interior para desquiciarte, para romper cualquier unión que tengas con lo cotidiano, con lo establecido, liberándote de prejuicios y convencionalismos sociales porque ahora solo hay un inmenso espectáculo de destrucción. ¡¡¡“Clown In A Housefire”, pura vanguardia!!! Y qué decir del tema “Self Defeating Trebuchet”, inmisericorde en su manifestación musical como nacido en la mente de un Ego elevado hasta la divinidad, mientras sus ojos quieren tener todo lo deseado ya mismo, inmediatamente, instantáneamente, y luego arrojarlo a la pira porque él manda, él disfruta, y él sufre porque no tiene límites morales ni éticos. “Self Defeating Trebuchet” es la religión tirada a la basura, es la burla a la psiquiatría, es la mofa contra la Razón y la lógica, porque como un iconoclasta, todo lo que se ensalza, se respeta, y se sobrevalora, ha de ser tirado abajo aunque suponga la propia autodestrucción. “Self Defeating Trebuchet” es el mantra del retorno a la jungla humana más primitiva, sin atisbo de civilización alguna, y enraizado en los instintos liberados de cualquier contención. ¡¡¡“Self Defeating Trebuchet”, brutal!!!

Luego, el tema “Soire Bleu” aparentemente sosegará un poco la atmósfera musical con la batería llevándonos a un escenario distópico donde la soledad es inexorablemente agria, y donde las ansias de sentir lo vital corriendo por las venas no deja de elevar el plano de tolerancia existencial, haciendo cada vez más difícil alcanzar lo placentero. “Soire Bleu” es un grito, es una búsqueda, es una quimera que hipnotiza y conduce al abismo, e interpretación lírica y guitarra fluyen con un virtuosismo rebelde e inconformista que fascinará al melómano lector de Lux Atenea. Desembocando en el impresionante tema “Nervous Laughter”, esta espiral decadente y obsesiva irá transformando la sencillez de su lírica en afiladas hojas de afeitar, en vidrios cortantes, en oxidadas puntas de metal, cuyo contacto es sádicamente doloroso porque la vida es sentida como un infierno. En “Nervous Laughter”, el talento de Why Patterns vuelve a salir con una brillantez artística al alcance de muy pocos músicos y bandas musicales dentro de esta escena, porque su perspectiva creativa tiene alma, esa alma arrojada al infierno por Mefistófeles, que dice lo que piensa sin filtro alguno, y lo transmite musicalmente con crudeza porque nada le importa ya. Si repiten varias veces la audición de “Nervous Laughter”, lo entiendo perfectamente porque tiene ese magnetismo del alma perdida que revela, que muestra lo que debería ser ocultado por el trasfondo de su mensaje sencillo, pero políticamente incorrecto en este mundo materialista de la alegría y de la felicidad aparente. Posteriormente, el tema “Wind Up Chattering Teeth” será la confirmación de que, cuando una sociedad o una nación entra en crisis, aparecen las mejores obras artísticas durante ese periodo de tiempo. Un terremoto social que libera ideas, inspiraciones, perspectivas transgresoras dentro del universo musical, y “Wind Up Chattering Teeth” destaca especialmente por su compactación sonora extrema, por su punch instrumental y lírico desde la rabia interior más visceral, derivando en su epílogo incluso en pinceladas conceptuales post-industriales. Un minuto y seis segundos descarnados en esta tormenta musical sin respiro alguno. “Wind Up Chattering Teeth” es la magia de Why Patterns en la composición, liberada en una explosión sonora incontrolada y masiva.

Mucho más desafiante aparecerá el tema “Clubfoot By Kasabian By Blacklisters”, proyectando una deconstrucción estructural tanto en su plano instrumental y lírico, que, en manos de Why Patterns, no deja de perder su equilibrio aunque sea en el filo de la navaja. En “Clubfoot By Kasabian By Blacklisters”, la interpretación lírica es espectacular, sobrehumana, y muy directa a la mente del melómano hasta atravesar todas sus barreras conscientes e inconscientes. “Clubfoot By Kasabian By Blacklisters” lleva al grindcore a otra dimensión conceptual muy adelantada a su tiempo, y su valor artístico e influencia se irá viendo a lo largo de los próximos años. Una radiación sonora de vanguardia que estimulará la mente del melómano lector de Lux Atenea con ese rayo musical único que lanza lo innovador, cuando ve la luz discográfica y es disfrutado en su audición. ¡¡¡“Clubfoot By Kasabian By Blacklisters”, impresionante composición!!! Y cuando el tema homónimo del álbum se adentre en sus oídos, su aspereza punk será sentida con una profundidad existencial que te hará ser consciente que el espíritu fundacional del punk no ha muerto, sino que se ha amalgamado con estas corrientes musicales transgresoras para seguir provocando con su mensaje irreverente. “Screamers” son oleadas de ansias de liberación porque se ha sido engañado, porque el telón que tapa toda la inmundicia de esta civilización se ha caído, y el individuo ante lo contemplado, siente su sangre hervir de rabia y de deseos de destrucción. “Upside Down Mondrian” dará continuidad al espíritu punk renovado y actualizado conceptualmente a este siglo XXI tan ecléctico y caótico, y la fase final del tema es uno de los fragmentos musicales más espectaculares e impactantes que van a sentir durante la audición de este álbum. Por este motivo, lo que inicialmente parecía que iba a ser más lineal, en su mutación sonora se termina convirtiendo en un espectáculo superlativo de vanguardia conceptual extrema que no te dejará indiferente. Más bien, conmocionado y fascinado. Con el tema “Buffoons & Barrel Organs” clausurando esta magna obra, el mensaje será corrosivo con todo y para todos porque, en su globalidad, todo es una gran mentira. Un circo donde los payasos son personas respetables con actitudes impresentables, pero son alabadas porque el resto desearía estar en su posición en este teatro sadomasoquista llamado Humanidad. “Screamers”, segundo álbum de la banda musical británica Why Patterns, y auténtica obra maestra que establece los pilares conceptuales de la nueva escena guindcore transgresora, irreverente, y extrema. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

XU “MURMURS OF THE MACHINE” (LE MONT ANALOGUE / FONODROOM, julio 2025) (Reseña / Review #2294).

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Reseña Cultural nº: 2294 // Reseña Musical nº: 1481

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la prestigiosa distribuidora neerlandesa Fonodroom por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Aurora’s Flicker // 2- Whispers in the Circuitry // 3- Sink Right In // 4- Luminous Dust Trails // 5- Hushed // 6- Echoes from the Ether // 7- Subdued Serenity // 8- Misty Reveries
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Nicola Fornasari; álbum masterizado por Tobias Lorsbach
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena ambient

El periodo estival está llegando a su fin con el otoño ya reclamando su reino y, como analista cultural, siempre insistiré en recomendar la audición de álbumes musicales dentro del estilo ambient durante este periodo de tiempo tan luminoso, porque se crea el momento ideal para la armonización mental con estas obras musicales especialmente estimulantes para nuestra alma. A principios del pasado mes de julio fue presentado oficialmente el excelso álbum “Murmurs of the Machine” del artista italiano Nicola Fornasari, alma mater de Xu, habiendo sido publicado por el prestigioso sello discográfico neerlandés Le Mont Analogue en formato digital y en una preciosa edición limitada de 70 unidades en cassette, 35 de las cuales han sido numeradas a mano e incluyen como extra una lujosa caja artesanal para el cassette, y la impresión utilizando papel kraft vergé. Engalanado con este elegante diseño, el protagonismo de su imagen está centrado en la obra japonesa de Rinkyo “Pescado y algas” del siglo XVI, reflejando visualmente con exactitud ese estado de armonía cercano a lo idílico que caracteriza a este álbum a nivel sonoro. Teniendo un sintetizador modular eurorack como base instrumental, Nicola Fornasari se presenta como un auténtico alquimista musical dentro de la electrónica analógica, e incansable buscador de nuevas texturas y cromatismos sonoros que dan una personalidad artística única a sus composiciones dentro de la escena ambient de vanguardia. Una belleza musical que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea deseosos de poder disfrutar las maravillosas obras sonoras surgidas dentro de este apasionante estilo ambient. A nivel creativo, Xu presenta también una dimensión minimalista en sus composiciones que se ha vuelto característica en este grandioso álbum a nivel conceptual, y que unido al extraordinario trabajo técnico de masterización realizado por Tobias Lorsbach, convierten su audición en un auténtico placer para sibaritas del arte musical en clave ambient. “Murmurs of the Machine” es una obra maestra cuyo místico espíritu sonoro seguirán disfrutando, pasen los años que pasen, porque estos álbumes son perennes por su capacidad para seducir al melómano en cada nueva audición.

Sin más demora, iniciamos la audición de este diamante musical comenzando por su primer tema “Aurora’s Flicker”, de magnético título que refleja su magia sonora a la perfección. Cristalino y etéreo, “Aurora’s Flicker” no deja de sorprendernos desde el primer segundo con planos sonoros electrónicos de una belleza sobrenatural que embriaga nuestra mente para llevarla a otro estado de consciencia. Una estimulación de la sensibilidad a través del lenguaje musical que, en manos de Nicola Fornasari, cobra vida en esta estructura sonora con cromatismos sonoros mayormente situados en un primer plano, mientras la electrónica analógica perfila una desbordante cascada como trasfondo. Acción y belleza, así abrirá su tesoro artístico esta extraordinaria composición. Con “Whispers in the Circuitry” oscureciendo el entorno y volviéndolo mucho más minimalista, la sensación de letargo espiritual va a fundirse con esta perspectiva musical unida a lo mecánico hasta quedar integrado en una evolucionada línea conceptual de ecléctico sentido artístico. Situándose con el paso del tiempo en ese estado de la percepción establecido entre la vigilia y la somnolencia del Reino de Morfeo, “Whispers in the Circuitry” aviva con sutileza esta actividad sin que llegue en ningún momento a entrar en ignición vital, flotando libremente en un nuevo espacio donde la mente queda alejada de su cotidianidad terrenal para ser más estímulo que limitación física. ¡¡¡“Whispers in the Circuitry”, exquisita delicia musical!!! Luego, el tema “Sink Right In” nos sacará rápidamente de ese estado con este panorama sonoro bucólico donde la penumbra va perdiendo su oscuridad, mientras la luz desvela brumas avanzando con esa extraña capacidad para distorsionar la realidad a su alrededor. Cuando la luz termina siendo dominante, la acción se vuelve incansablemente activa y con ese tintineo de lo expansivo que lanza mensajes de inconformismo al entorno. “Sink Right In” es enérgico, exalta la magnificencia de la vida pero de forma contenida, controlada, equilibrada, de ahí que nunca caiga en ese crescendo que siempre conduce a la inestabilidad en su parte final. ¡¡¡“Sink Right In”, el arte musical de Xu en estado puro!!! “Luminous Dust Trails” ofrecerá al melómano lector de Lux Atenea esa aparente quietud donde los claroscuros se transforman en velos que ocultan, en refugio de la reflexión, en disolventes del miedo, y esta atmósfera se siente con una profundidad que concentra tu atención en todos los matices electrónicos que van apareciendo a lo largo de la composición.

El tema “Hushed” hará hincapié en esa dinámica musical orientada al minimalismo sonoro, y al establecimiento de ese equilibrio sustentado por su mínima energía activa. Por este motivo, “Hushed” es lánguido como la lisérgica banda sonora del spleen decimonónico, y precisamente este es su encanto artístico tan particular hasta alcanzar un perfil musical de cíclica evolución que brilla con elegancia dentro de un amplio abanico de frecuencias. “Hushed” es una clara muestra del espíritu pionero de Nicola Fornasari en su incansable búsqueda artística dentro de la electrónica analógica. “Echoes from the Ether” mantendrá el mismo espíritu, pero con una amplitud dimensional más pronunciada y con este trasfondo evanescente que relaja y embriaga. La entrada de iridiscencias sonoras llevará a “Echoes from the Ether” a lo feérico, a lo mágico, a ese mundo mitológico olvidado por el mundo materialista en el que vivimos. Un encanto conceptual en la composición que ampliará los puentes emocionales establecidos por el melómano lector de Lux Atenea con este genial artista italiano, y que, en el tema “Subdued Serenity”, le conducirá de nuevo a ese entorno musical perfilado en el tema “Hushed”, con planos sonoros muy controlados en su nivel de registro sonoro y en su intensidad activa llevada al minimalismo más sosegado. A diferencia de “Hushed”, “Subdued Serenity” no es tan lisérgico porque eleva el nivel de energía radiada como si fuera una recreación del despertar de la vida, y este nivel emocional que provoca te conecta con el trasfondo de su mensaje místico, que termina apoderándose de toda la estructura musical. El tema “Misty Reveries” dará continuidad a esa deriva existencial, clausurando este álbum con una seductora belleza melódica que irá apareciendo lentamente desde la oscuridad absoluta. Una iluminación mística que se va volviendo imparable según va ampliando el escenario con su luz, y donde las secuencias musicales se vuelven mantras para que la mente eleve su plano de consciencia. Las pinceladas iridiscentes recrearán la apertura mental, la elevación del plano de consciencia a otra realidad, y es que “Misty Reveries” es la composición más compleja y profunda a pesar de su minimalismo. “Murmurs of the Machine”, la elegancia italiana en la composición musical dentro de la escena ambient analógica tiene un nombre que destaca especialmente por su talento y por su sentido de armonía: Nicola Fornasari. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

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DEMETRIO CECCHITELLI “JUMP” (FONODROOM / DRONARIVM / LE MONT ANALOGUE, junio 2024) (leer reseña)
ALESSANDRO BARBANERA “IN DARKNESS LET ME DWELL” (OWL TOTEM RECORDINGS / FONODROOM, marzo 2025) (leer reseña)
BARTOSZ DZIADOSZ “THEME” (FONODROOM / DRONARIVM, febrero 2025) (leer reseña)
CORRADO MARIA DE SANTIS “CITY OF TETHERS” (OWL TOTEM RECORDINGS / FONODROOM, noviembre 2024) (leer reseña)
FAUX TAPES “DIVE – EP” (FONODROOM / DRONARIVM, septiembre 2024) (leer reseña)
CHIHEI HATAKEYAMA “THOUSAND OCEANS” (FONODROOM / DRONARIVM, junio 2024) (leer reseña)

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

HOLD ME DOWN “DEVOUR” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, septiembre 2025) (Reseña / Review #2293).

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Reseña Cultural nº: 2293 // Reseña Musical nº: 1480

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Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense Sentient Ruin Laboratories por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- M.A.I.D. // 2- Grinder // 3- Living Meat // 4- Coded Sky // 5- Infinity // 6- Devour // 7- Boiler Room // 8- Shed // 9- The Connector // 10- At the Gate // 11- Death Hour
Datos técnicos: Álbum masterizado por Thomas Carney para la edición en CD y digital, y por Grant Richardson (Gnawed) para la edición en vinilo y en cassette
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena industrial metal más innovadora

El próximo viernes, día 5 de septiembre, será presentado oficialmente el nuevo álbum “Devour” de la banda musical Hold Me Down, siendo publicado por el prestigioso sello discográfico estadounidense Sentient Ruin Laboratories en formato digital, en cassette, en digipak CD, en LP 12” en el clásico vinilo negro, en una magnífica edición limitada de 100 unidades en LP 12” en vinilo naranja, y en una selecta edición limitada de 5 unidades LP 12” test pressing, estado disponibles a través de la webstore del sello y de su página oficial en Bandcamp. Engalanado con este impactante diseño ideado por MA, con trabajo artístico de portada creado por el propio miembro de la banda musical Ben Rinehardt y fotografía a cargo de Dan Wagner, visualmente el álbum “Devour” presenta esta fusión de decadencia industrial, de degradación de lo humano, y de hegemonía de una tecnología absolutamente devastadora para nuestra especie. Formado por David Hoefer (batería, bajo, sintetizador, guitarra y voz), Ben Rinehardt (electrónica, samples, y voz), y Jim Gullickson (vocalista), la grandiosa banda musical estadounidense Hold Me Down nos presenta su segundo álbum “Devour” con un espíritu creativo renovador para dar mayor trasfondo conceptual a la escena industrial metal, perfilando estructuras musicales innovadoras que sorprenderán a los melómanos lectores de Lux Atenea por sus aires de vanguardia tan contundentes y avanzados. Vertebrado por once temas musicales, el álbum “Devour” es potente, corrosivo, y con ese trasfondo distópico que invita a la reflexión sobre el destino de nuestra civilización completamente en manos de la tecnología. Por este motivo, Hold Me Down vuelve a provocar para sacar del aturdimiento dominante a través del lenguaje musical en clave industrial metal, y donde el mensaje de su lírica es tan revelador como cada una de las estructuras musicales que caracterizan a estos temas. Además, tras haber pasado por el minucioso proceso técnico de masterización a cargo de dos auténticos expertos como Thomas Carney (edición en CD y digital) y Grant Richardson (Gnawed) (edición en vinilo y en cassette), el álbum “Devour” les fascinará por su nitidez sonora, por su dimensión estructural tan bien definida, y por su capacidad para concentrar la atención del melómano en cada uno de los temas durante su audición, presentando una belleza siniestra y misántropa absolutamente impactante e inolvidable.

Iniciamos la audición de esta espectacular obra musical sumergiéndonos en el potente comienzo sonoro del tema “M.A.I.D.”, de amenazante perfil musical como la visión de una maquinaria infernal, y que es amplificado con esta desgarradora interpretación lírica situada en un segundo plano, ya que batería y bases rítmicas absolutamente destructivas crean la primera línea de despedazamiento inmisericorde. Con la guitarra como pinceladas instrumentales en rojo sangre sobre fondo negro y ocre, junto a sus valles musicales, los matices electrónicos del tema “M.A.I.D.” crean esta atmósfera de alarma tan demoníaca como esa calma ambiental existente antes del estallido del apocalipsis. Como pueden comprobar los melómanos lectores de Lux Atenea, la banda musical estadounidense Hold Me Down marca un antes y un después dentro de esta escena industrial metal a nivel conceptual, y sus nuevas ideas artísticas han potenciado considerablemente su trasfondo, su definición, y sus matices musicales eclécticos en estructuras marcadas por su halo de perdición, y “M.A.I.D.” es una clara muestra de ello. Posteriormente, el tema “Grinder” hará honor a su título erigiendo la bandera roja de este sin cuartel despiadado y horrendo, transmitiendo un estado de inspiración en su composición que hace resaltar esta aspereza sonora claramente industrial. Planos chirriantes, definiciones conceptuales cercanas al post-industrial, y la mirada arrogante de quien tiene el control absoluto para iniciar el inexorable exterminio, hacen resaltar al tema “Grinder” con la diabólica marca de una escarificación extrema. Un siniestro equilibrio teñido por el polvo provocado por la devastación y que lo termina cubriendo todo, dejando una huella en el entorno que irradia desesperación y pérdida de la cordura. “Grinder” paraliza por la letal firmeza de su poder hegemónico, avanzando con la paciencia y la precisión de un experto trabajador de despiece cárnico en un matadero, alejándose completamente de cualquier luz de empatía. Con el tema “Living Meat” dando continuidad a esta deriva existencial escrita con las palabras lacerantes de la deshumanización, su estructura musical destaca especialmente por la magnificencia de su tempo potenciado por esta percusión acelerada y amplificada en su nivel de registro sonoro. La llegada del plano lírico interpretado como si fuera una posesión diabólica, no hará más que dan mayor impulso a este torbellino sádico y insaciable, mutando en algunos momentos hacia parámetros interpretativos propios del grindcore en sus tonos vocales más graves y sepulcrales. Sin duda alguna, el tema “Living Meat” es una de las joyas musicales más contundentes y avanzadas de este álbum, siendo la repetición de su audición, el culto a esta banda musical que ha llegado a esta escena para replantear y renovar sus bases conceptuales. ¡¡¡“Living Meat”, colosal!!!

Cuando el tema “Coded Sky” surja para llevarnos a otro entorno musical muy distinto a los anteriores, la presencia de los sonidos electrónicos en su estructura será la tensa calma melódica antes de que se desate la hecatombe. Como una oscura y siniestra tormenta de arena que todo lo cubre a su paso, cegando a quienes quedan atrapados en su interior, “Coded Sky” es la antesala perfecta para dar contraste al tema “Infinity”, salvaje y agresivo en cada nota, en cada plano sonoro, y con la guitarra estableciendo un muro de lánguido tempo melódico para que la lírica sea el maestro de ceremonias. Una afilada pincelada para guitarra, y “Coded Sky” se desencadenará con toda su amplia riqueza musical para que el melómano lector de Lux Atenea disfrute de la autenticidad artística de Hold Me Down en estado de máxima creatividad en la composición, quedando todo perfumado con la densidad de la innovación más transgresora. ¡¡¡“Coded Sky”, grandioso tema!!! Desembocando en la canción homónima del álbum, el ritmo, el tempo, su impulso corrosivo, aparecerán con ese lado sobrenatural en la interpretación lírica en clave black metal, decorado con pasajes melódicos en su trasfondo que huelen a ese terror inconsciente totalmente alarmado por la intuición. Miradas a un lado y a otro, desesperación en la espera, ansiedad y peligro vital a punto de colapsarlo todo, “Devour” es un tema musical que les helará la sangre, quedando sus matices instrumentales para guitarra como testimonios de la cacería humana. Posteriormente, el tema “Boiler Room” elevará la presión existencial hasta arrancar la piel de la carne en una danza macabra orquestada por su batería con absoluta maestría. Como una incansable máquina desbrozadora en acción segando vidas, su base rítmica termina siendo magnética e irresistible por su aura de misantropía, estimulando esos pensamientos marcados por lo apocalíptico mientras una sonrisa aparece en los labios. El final del tema, más propio de una ópera dentro de la Música Contemporánea de vanguardia que de un tema englobado dentro del industrial metal. Una auténtica genialidad en la composición. ¡¡¡“Boiler Room”, oscuramente ritual!!!

Todo se ralentizará cuando el tema “Shed” tome el protagonismo musical, con esta guitarra más propia del doom metal y avanzando con la languidez de lo mortuorio para conducirnos a este escenario sepulcral casi psicótico. Un sangriento caleidoscopio que parece sacado del universo infernal de Hellraiser, y que fascinará al melómano lector de Lux Atenea entregado en cuerpo y alma al disfrute de los frutos musicales más bellamente siniestros. Ya seas afín a la escena metal, a la escena industrial, a la escena gótica, a la escena experimental extrema japonesa, o a las corrientes conceptuales más transgresoras, el tema “Shed” te hipnotizará con sus negros efluvios artísticos donde lo humano es cruel. Y otra nueva demostración de la versatilidad conceptual inagotable de Hold Me Down en la composición aparecerá en el siguiente tema “The Connector”, elevando la estructura musical como una sólida columna a la cual ofrendar sacrificios. Despiadado en su interpretación, “The Connector” se desplegará en oleadas mientras las bases rítmicas y la batería impulsan al tema con una firmeza y una determinación que, incluso en su prolongado valle musical, no hace más que tomar mayor energía para su acción posterior. Este continuo en un segundo plano dando trasfondo a su impresionante belleza musical, incrementa la tensión ambiental hasta ese extremo a punto de la ruptura violenta. ¡¡¡“The Connector”, obra maestra!!! “At the Gate” será el culmen de esa tensión reorientada hacia la ultratumba, hacia la oquedad que desemboca en la Nada, mientras las paredes débilmente iluminadas parecen cobrar vida en este escenario. “At the Gate” sería un tema perfecto para engrandecer una película distópica y post-apocalíptica a nivel musical, ya que te sumerge en esta jungla salvaje e impredecible donde la vida humana es un error de la naturaleza a corregir. Con el tema “Death Hour” extendiendo el telón de clausura, su estructura musical les encantará por sus contrastes absolutos en cuanto a luminosidad sonora y en cuanto a su estructura afilada y letal, siendo toda una declaración sobre el dominio de lo mortuorio en relación a la vida. La Muerte siempre gana, hagas lo que hagas, tomes las precauciones que tomes, o te cuides hasta el más mínimo detalle, porque al final del camino o al final del túnel, siempre estará allí esperándote con su inconfundible sonrisa. Sin duda alguna, el excelso tema “Death Hour” es pura experimentación conceptual. “Devour”, después de su debut musical (“Powerless”, Sentient Ruin Laboratories, 2022), este álbum ahonda aún más en el trasfondo de su mensaje deshumanizado y distópico, expandiendo su impacto sonoro con nuevas estructuras musicales innovadoras que no dejará indiferentes a los melómanos afines a la escena industrial metal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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SUTEKH HEXEN “CONSTELLATION RITUALISTIC ALTARS : DEMO(N)S” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, marzo 2025) (leer reseña)
CLAN DOS MORTOS CICATRIZ “TÉCNICAS DE MORTE” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, marzo 2025) (leer reseña)
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KUROI JUKAI (黒い樹海) “KUROI JUKAI” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, febrero 2020) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

BBJr “THE ANTIQUE HEARTBEAT” (NO PART OF IT, septiembre 2025) (Reseña / Review #2292).

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Reseña Cultural nº: 2292 // Reseña Musical nº: 1479

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias el genial artista Arvo Zylo y a su prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Please Remove Me From This // 2- Bad Electricity // 3- And Back Again // 4- Big Stretch // 5- Dog Years // 6- The Whole of the Thing
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical de referencia dentro de la escena de vanguardia

Dirigido por el genial artista Arvo Zylo, el próximo lunes, día 1 de septiembre, el sello discográfico estadounidense No Part Of It volverá a deslumbrar a los melómanos más exquisitos por sus gustos musicales con la presentación oficial del impresionante álbum “The Antique Heartbeat” de BBJr, acrónimo del talentoso artista estadounidense de vanguardia Bob Bucko, Jr. “The Antique Heartbeat” será publicado en formato digital y en una espectacular edición limitada de 100 unidades en cassette con carcasa blanca esmerilada e impresión en color rojo hasta convertir esta edición en un auténtico lujo discográfico, incluso por su preciosa tarjeta interior, estando disponibles a través de la página oficial del sello No Part Of It en Bandcamp. Engalanado con un impactante diseño artístico a cargo de Grief Council, para su portada se ha elegido la obra “Dog X-Rays” por cortesía de Sarah V para poder reflejar de forma visual el alma experimental de vanguardia que fundamenta su esencia musical. Un diseño artístico y una imagen visual que impresionarán al melómano lector de Lux Atenea, sobre todo en su edición física en cassette. A nivel musical, la creatividad musical del artista estadounidense Bob Bucko, Jr. vuelve a deslumbrarnos con nuevas propuestas conceptualmente eclécticas tras haberse adentrado en nuevos terrenos sonoros, explorando equilibrios estructurales, embrujos melódicos, y texturas sonoras que brillan por primera vez gracias a su talento para componer dimensiones musicales inéditas. Vertebrado por seis espectaculares temas, en el álbum “The Antique Heartbeat” encontrarán composiciones perfumadas con aires cosmopolitas non-mainstream donde el jazz, lo experimental, el industrial, el noise, lo post-industrial… se funden en el fértil crisol de la vanguardia artística con esencia, con raíces, con fundamento, de ahí su conexión directa con el alma del melómano más selecto, exclusivo, y hedonista porque posee una cultura musical capaz de sentir el trasfondo artístico de estas obras innovadoras. “The Antique Heartbeat” es un álbum que desvela, que te ofrece nuevas perspectivas dentro de esta escena en constante evolución, y donde la mente creativa del multinstrumentista Bob Bucko, Jr. se está erigiendo desde la década de los noventa como uno de los artistas más destacados por la relevancia de su amplia obra musical. “The Antique Heartbeat” les hechizará, sobre todo si son de alma nocturna y tienen ese impulso existencial inconformista del outsider en busca de auténticos diamantes musicales inexplorados.

Iniciamos la audición de esta magna obra adentrándonos en el primer tema “Please Remove Me From This” con esta cortina sonora experimental donde las secuencias sonoras van apoderándose de tu mente, absolutamente sorprendida por este contundente despliegue musical psicológicamente posesivo. Una composición donde fluye ese pasado al cual se trata de arrinconar en la mente debido a su incompatibilidad con el presente, y cuya resistencia a quedar reducido a la nada en la memoria ha sido fielmente recreado a nivel musical en esta estructura sonora multicapa tensa, afilada, y con esas aristas que rasgan las emociones y los sentimientos que no desean ser manipulados. Como los melómanos lectores de Lux Atenea pueden comprobar, el tema “Please Remove Me From This” ya es una clara declaración de intenciones artísticas enfocadas a nuevos espacios, a trasfondos profundos, y todo orquestado hasta el más mínimo detalle por Bob Bucko, Jr. A continuación, el tema “Bad Electricity” será otra nueva expansión musical de intensa fuerza sonora, y con una personalidad conceptual basada en lo post-industrial llevado a su frontera con lo experimental, reconfigurando conceptos y definiciones para enriquecer esta escena y renovarla. La entrada de planos sonoros experimentales propios de la electrónica analógica abre su dimensión artística para romper barreras y dar paso a un entorno ruidísta en un primer plano, e inconmensurable en su trasfondo. Y con la aparición de pinceladas instrumentales propias del jazz, este collage urbano underground queda perfectamente conjuntado en una estructura sólida que destaca por su brillantez conceptual. Luego, su deriva hacia entornos sonoros propios del ambient nos conducirá a un mágico caleidoscopio musical más propio del reino de los sueños a nivel mental. ¡¡¡“Bad Electricity”, obra maestra!!!

El talento creativo del artista estadounidense Bob Bucko, Jr. seguirá fluyendo en el tema “And Back Again” para experimentar nuevas sensaciones musicales por él concebidas. Lenta y progresivamente, como la llegada de una locomotora antigua al andén de una estación de tren, “And Back Again” es una composición potente que se hace notar y que llevará al melómano lector de Lux Atenea a sentir la belleza sublime, pero en clave post-industrial, cambiando lo natural por la plasticidad mecánica que lo sobrepasa mentalmente y paraliza ante la magnificencia de lo observado. “And Back Again” te abre la mente, pero enfocando la atención a la acción mecánica, a la acción imparable, y a la visión de lo industrial como un ente vivo que muestra su poder sin importar la presencia de lo humano en el entorno porque es irrelevante, o simplemente una pieza más. Enganchados a su audición, cuando aparezcan planos sonoros más radiantes y melódicamente entrecortados, el entorno quedará algo más suavizado a nivel emocional hasta que la distorsión de lo melódico se coagule finalmente con la presencia de este nuevo cromatismo sonoro que nos conducirá al epílogo final de la composición. Cuando el tema “And Back Again” termine, el silencio aparecerá en nuestros oídos para que valoremos aún más la grandeza conceptual de lo escuchado, apareciendo el tema “Big Stretch” para sumergirnos en otro adictivo entorno musical sonoramente distinto a cualquiera de los temas anteriores. Aquí, el ambient y lo experimental se integran para perfilar un escenario musical de tempo acelerado donde lo instrumental queda perfectamente delimitado en este entorno ensombrecido, mientras una luz tamizada ilumina la parte sonora más relevante dentro de su estructura musical. Incluso con la entrada de este plano instrumental propio del jazz más experimental queda milimétricamente armonizado con el acelerado plano instrumental que nos viene acompañando desde el comienzo del tema. Una muestra más del talento en la composición mostrado por el genial artista Bob Bucko, Jr. Volviendo al escenario sonoro inicial, en “And Back Again”, el círculo musical quedará definitivamente cerrado.

“Dog Years” es una composición que destaca especialmente por su belleza siniestra, perfilando un escenario post-industrial donde el olor de lo decadente se respira con claridad. Una atmósfera saturada, casi irrespirable, unas actividades donde las chispas y el metal van apoderándose del presente para alejar inexorablemente al ser humano de cualquier manifestación de lo natural. Aquí todo es óxido, planchas de metal cortadas y soldadas, focos de iluminación dirigidos en medio de la oscuridad, y, sobre todo, esa esperanza en algo mejor a través de este impulso inquebrantable hacia un futuro cuyo temor obliga a estas acciones. A nivel sonoro, “Dog Years” es grandioso, espectacular, y encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea sobre todo si vienen de la escena industrial y post-industrial, apreciando cada detalle, cada matiz, cada pincelada sonora por extrema que sea. Por su intensidad musical y por su trasfondo, “Dog Years” es una auténtica delicia. La clausura de este álbum llegará con el tema “The Whole of the Thing” y su magia melódica en clave ambient y experimental. Un cambio musical absoluto respecto a cualquiera de los temas anteriores, y con una belleza sonora que lo acerca a lo sublime incluso con la llegada de afilados planos sonoros industriales, o de decadentes cromatismos instrumentales en clave jazz, e incluso, noir jazz. Sin duda alguna, “The Whole of the Thing” es el tema más reflexivo e introspectivo del álbum, y su elección como composición final del álbum ha sido todo un acierto, creando esta atmósfera tan especial para poner el punto y final a esta experiencia sensorial y musical única, inefable, y emocionalmente intensa. ¡¡¡Qué grandioso álbum!!! ¡¡¡Chapeau!!! “The Antique Heartbeat”, el artista estadounidense de vanguardia Bob Bucko, Jr. volviendo a demostrar cómo se puede componer un álbum musical de vanguardia de primer nivel, donde el eclecticismo conceptual es tan esencial como el talento para la armonización estructural sonora de la obra musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.