Acerca de Félix V. Díaz

Félix V. Díaz, desde el año 1999, siendo pionero en España como analista cultural orientado a la difusión de las obras artísticas más selectas inspiradas en la mirada más profunda a lo Bello, a lo Sublime, y a lo Siniestro (Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, Shadow's Garden, Ouroboros Webzine y, actualmente, publicando en mi blog cultural y existencial Lux Atenea).

DODENSKALD “TELEPATHIC FAREWELL” (BROKEN BOTTLE PRODUCTIONS, diciembre 2023) (Reseña / Review #2281).

Posted on 12 junio, 2025 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2281 // Reseña Musical nº: 1468

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista iraní Mahdi Sli (Dödenskàld) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- This farewell is a beginning // 2- Remember // 3- Mourning for a lost dream // 4- Shine in darkness // 5- You are not old // 6- We are memories // 7- Freeze me in time
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Deslumbrante Joya Musical dentro de la escena ambient y experimental

Siempre es un placer escuchar un álbum musical de Dodenskald en soledad, mientras sus temas van armonizándose con la oscuridad de la noche y sus estrellas. Composiciones que van fluyendo en el aire como el humo de mi tabaco, y con la mirada puesta en ese oscuro cielo teñido del mismo color de lo infinito, en comparación con la fugaz vida de un ser humano en este planeta Tierra. En esta ocasión, mi selección y mi análisis musical se va a centrar en una verdadera joya artística dentro de la escena ambient y experimental titulada “Telepathic Farewell”. Presentada en formato digital a finales del mes de diciembre del año 2023 a través del prestigioso sello discográfico estadounidense Broken Bottle Productions, esta belleza musical sigue estando disponible en la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con esta atrayente imagen de portada, en una sola instantánea se ha mostrado el espíritu humano con consciencia y mente más abiertas, configurados con este radiotelescopio orientado al universo y con la espectacular Vía Láctea como fondo. Belleza en su portada y belleza en su esencia musical, a través de la cual, el genial artista iraní Mahdi Sli va a ir recreando una serie de ideas, pensamientos, y filosofías existenciales definidas en lenguaje musical. Como alma mater de Dödenskàld, a lo largo de estos años está perfilando un estilo ambient muy personal donde lo experimental es clave para poder orquestar las estructuras musicales que compone, teniendo una sensibilidad artística muy especial para armonizar planos sonoros en un tema de vanguardia. En el caso en concreto del álbum “Telepathic Farewell”, Dodenskald va a fascinar con esta obra al melómano lector de Lux Atenea siempre deseoso de poder disfrutar de composiciones innovadoras que sobresalgan musicalmente por su belleza, adentrándose incluso en la fusión del estilo dark ambient con el post-industrial. Estoy seguro que los siete temas que vertebran esta magna obra, les hará reafirmar cada una de mis palabras escritas en esta reseña. “Telepathic Farewell” es una apertura mental absoluta, y muy necesaria para dejar a un lado a ese homocentrismo que tanta difusión ha tenido en las más diversas culturas, quedando todos esos prejuicios humanos totalmente superados en cuanto estas joyas musicales empiezan a seducir no solamente a sus oídos, sino a su mente. Sin duda alguna, el álbum “Telepathic Farewell” es un excelente antídoto para el chovinismo humano existente en la civilización actual a nivel mundial, y que está llevando a una destrucción de los ecosistemas como nunca antes se haya conocido desde que se crearon los primeros Estados hace varios miles de años. “Telepathic Farewell” es una mirada al cielo, al universo… a la Divinidad en clave musical.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta grandiosa obra adentrándonos en el primer tema “This farewell is a beginning”, mientras esta inmersión sonora va lentamente descubriendo cada una de sus fronteras dimensionales que se pierden en el horizonte. Con un contundente plano melódico para piano recreando lo único sólido con reminiscencias de lo terrenal, una vez se apague, solamente quedará el infinito ante nuestros ojos, provocando esa mirada de fascinación por lo contemplado donde percibimos el omnipresente protagonismo de la Divinidad. “This farewell is a beginning” tiene esa esencia artística de la Música Clásica y de la Música Contemporánea más melódica, presentando una belleza sublime que acaricia al alma, que estimula al espíritu, y que embruja a la mente a través de esta visión musical. ¡¡¡“This farewell is a beginning”, extraordinaria composición!!! Luego, el tema “Remember” va a mostrar una estructura musical más propia del high-tech ambient al melómano lector de Lux Atenea por esta espectacular contemplación del movimiento como presencia de lo vivo. Adquiriendo una débil iluminación en su aproximación conceptual del ambient al dark ambient, le da mayor profundidad a la escena recreada. Con un movimiento siempre presente, con unas luces que surgen en el horizonte, se aproximan, y desaparecen detrás de nosotros, permanece esta sensación de ingravidez mientras nos desplazamos en este entorno. Por sus características musicales, “Remember” es una composición que facilita la inmersión mental en estos espacios sonoros hasta desconectar completamente de todo lo que nos rodea, seducidos por este magnífico despliegue de talento artístico. Sin pausa alguna, nos adentraremos en el tema “Mourning for a lost dream”, con un estilo dark ambient de corte minimalista que tiene como trasfondo estos planos sonoros melódicos muy atenuados. Parcialmente tapados con la aparición de cromatismos sonoros experimentales que se posicionan en un primer plano, “Mourning for a lost dream” termina transformando la solemnidad en un espacio reflexivo decorado con pinceladas electrónicas más propias de la escena post-industrial. Una delicia musical que, en la noche y viendo el oscuro cielo estrellado, su audición se convierte en una experiencia única.

“Shine in darkness” ahondará en ese estilo dark ambient fusionado con elementos sonoros post-industriales y de la electrónica experimental más extrema. Un escenario sobrecogedor y fantasmagórico propio de la ultratumba, y que lleva al estilo dark ambient a nuevas fronteras conceptuales gracias al fértil talento de Dodenskald para hipnotizarnos con estos destellos en la oscuridad. Una composición que irá derivando hacia lo monumental sin perder su trasfondo más tenebroso, incorporando evanescentes pinceladas casi sobrenaturales como si fueran almas perdidas. ¡¡¡“Shine in darkness”, dark ambient puramente siniestro!!! Como el melómano lector de Lux Atenea ha podido comprobar, sin provocar miedo, el genial artista iraní Mahdi Sli es capaz de perfilar composiciones obscuras de una gran complejidad sonora, y el tema “You are not old” será un nuevo ejemplo de su creatividad pero llevada a un escenario con grandes claroscuros. Aquí, los planos musicales ambient son iridiscentes y los perfilamientos sonoros son experimentales en su obscuridad, y, hasta en la recreación de los instrumentos de cuerda, Dodenskald continua haciendo presente a la Música Clásica y a la Música Contemporánea aunque sea con estas pinceladas artísticas. Entrando en lo inquietante con la aparición de este vivo plano sonoro, la sensación que provoca es parecida a la presencia de unos amenazantes seres corriendo por nuestra cabeza y por nuestros hombros. ¡¡¡“You are not old”, siniestro tema!!! En cambio, en “We are memories” volveremos al preciosismo musical en la composición dentro del estilo ambient de vanguardia, y con una exquisitez sonora casi onírica que va a ir evolucionando como un extraño sueño que nos atrapa y seduce. No pudiendo, ni queriendo escapar de este espectacular escenario, “We are memories” es una de sus composiciones más rupturistas a nivel conceptual. Una muestra más de la fascinante capacidad artística de Dodenskald para fusionar el ambient con lo experimental en su crisol musical, como si fuera un avanzado alquimista sonoro. Desembocando en el tema de clausura “Freeze me in time”, aires mortuorios van a ir alterando este escenario con ese gélido vaho que parece provenir del Reino de Hades. Matices musicales industriales se posicionarán a ambos lados de este escenario con acelerados planos sonoros ambient que van a ir surcándolo, flotando en el aire como reflejo simbólico de este viaje de final abrupto y repentino. “Telepathic Farewell”, auténtico diamante musical dentro de la escena ambient más innovadora, integrando el artista iraní Mahdi Sli lo experimental a nivel conceptual con una perspectiva y una maestría artística impresionantes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
DODENSKALD “BLACK SHIFT – EP” (NOCTIVAGANT, septiembre 2024) (leer reseña)
DODENSKALD “SIGNALS” (NOCTIVAGANT, marzo 2024) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LAST DAYS OF BURDEN “BLACK OCEAN BEYOND TIME” (AUTOEDITADO / SONIC CENTURION, junio 2025) (Reseña / Review #2280).

Posted on 11 junio, 2025 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2280 // Reseña Musical nº: 1467

Quiero dar las gracias al genial artista alemán Melvin Cieslar (Last Days of Burden) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Odd Entrances // 2- The Silver Key // 3- Petition // 4- Another World // 5- Black Ocean Beyond Time
Datos técnicos: Temas musicales mezclados y masterizados por Simon Amrhein
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Odd Entrances // 3- Petition // 4- Another World

Aunque, desde el año 2023, Last Days of Burden ha visto publicados dos EP’s, “Mandrake Dreams” (Sonic Centurion, 2023) y “Mene Mene Tekel Upharsin” (Sonic Centurion, 2024), el pasado viernes, día 6 de junio, fue presentado su álbum de debut titulado “Black Ocean Beyond Time”. Publicado en formato digital y en una preciosa edición limitada de 66 unidades en cassette por el selecto sello discográfico germano-británico Sonic Centurion, ambas se encuentran disponibles a través de la página oficial de Last Days of Burden en Bandcamp. Engalanado con esta enmaquetación y diseño artístico creados por Uglyblackwork, presenta una estética clásica dentro de la escena electrónica underground donde las figuras geométricas son sus principales protagonistas visuales, pero aquí tienen un significado y un trasfondo mucho más profundo. El genial artista alemán Melvin Cieslar, alma mater de Last Days of Burden, en su álbum “Black Ocean Beyond Time” ahonda con maestría en la composición bajo parámetros conceptuales inevitablemente eclécticos, perfilando estructuras sonoras donde se percibe la influencia de estilos como el high-tech ambient, dark ambient, post-industrial, y ambient, además de aires sonoros provenientes de la mítica Escuela de Berlín. Todo ello perfectamente armonizado en sus niveles de registro sonoro gracias a la detallada labor técnica de masterización realizada por Simon Amrhein, y que convierte la audición del álbum “Black Ocean Beyond Time” en una de las experiencias musicales más vibrantes y espectaculares que los melómanos afines a la vanguardia pueden disfrutar en este año 2025, con diferencia. Fiel al estilo alemán de composición, el artista Melvin Cieslar no duda en arriesgar en cada tema a la hora de transformar su definición sonora, no perdiendo en ningún momento la recreación musical del mensaje que lo fundamenta. Vertebrado por cinco temas con cambios conceptuales algunas veces bastante radicales sin perder su equilibrio artístico, “Black Ocean Beyond Time” es un grandioso álbum que no dejarán de escuchar a lo largo de los próximos años por su calidad musical.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum sumergiéndonos en la vibrante atmósfera sonora del primer tema “Odd Entrances”, apreciándose muy claramente la influencia de la Escuela de Berlín con esta ambientación psicodélica basada en el uso de sintetizadores. Fluyendo con texturas sonoras radiantes que mutan en un escenario dominado por brumas que difuminan las dimensiones de todo lo existente en el entorno, cuando “Odd Entrances” empiece a latir con el mismo impulso musical de los instrumentos de percusión, la entrada en este psicodélico caleidoscopio se transformará en una apertura mental absolutamente expansiva que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea que disfrutan obras musicales con raíces profundas en corrientes innovadoras surgidas décadas atrás. Pero el tema “Odd Entrances” es vanguardia, incorporando estos matices y esta transformación estructural que hace que el genial artista alemán Melvin Cieslar esté marcando la diferencia dentro de esta escena desde el año 2023. Un estilo ambient que incorpora cromatismos sonoros propios del high-tech ambient en el caso en particular de esta composición. Tras quedar mentalmente embrujados con estas texturas musicales, el siguiente tema “The Silver Key” nos llevará a un escenario con trasfondo esotérico y ocultista por la fuente de inspiración que lo define y da sentido, adentrándose en terrenos sonoros más obscuros y en espacios mucho más abiertos hasta casi llegar a lo inconmensurable. La aparición de pasajes electrónicos de gran plasticidad terminarán incorporando matices sonoros propios de lo vivo, pero unido a lo superior, a ese otro mundo situado por encima de lo humano y que interactúa con su existencia. Conceptualmente dominado por perspectivas musicales propias del estilo dark ambient, “The Silver Key” se mueve entre lo sublime por su apertura dimensional y lo siniestro por la sensación de intrascendencia ante la inmensidad obscura, lo oculto, y lo incomprensible en lógica humana. Pasando el ecuador de la composición, la ruptura conceptual será absoluta con la entrada de los instrumentos de percusión que configuran esta batería, añadiéndose más planos instrumentales hasta pulir completamente esta impresionante composición en clave post-industrial. Pero Last Days of Burden siempre quiere ir más allá, erigiendo esta superestructura sonora tan colosal donde el eclecticismo musical también amalgama pinceladas futuristas high-tech ambient y trasfondos ambient sintetizados. ¡¡¡ Last Days of Burden, brutal!!!

La languidez aparecerá en el tema “Petition” marcada por este tempo lento, pesado, y de escasa energía, llevándonos a un escenario mortuorio donde la solemnidad apaga cualquier impulso. Lisérgico en su deriva existencial, la aparición de la lírica interpretada con esta crudeza, elevará aún más el nivel de sensibilidad del melómano lector de Lux Atenea. “Petition” es la súplica, es vivir en la desconexión existencial, es la búsqueda de esa salida en vida alejada de lo físico, de lo material, y de lo cotidiano. De lo obvio, de lo aparentemente benigno que, en su núcleo, es terriblemente diabólico, y cuando se observa esa mirada proveniente de su interior, todo deja de tener sentido en este mundo, quedando poseídos por una sensación de vulnerabilidad y de incomprensión que no desaparecerá nunca. Con un despliegue musical espectacular, “Petition” es la joya de la corona de este álbum por su magnetismo, y por este ser lleno de desasosiego que, en soledad, ha de comenzar a reconstruir absolutamente todo empezando por su mente. Y el tiempo, sigue avanzando de forma imparable en su realidad encarnada. ¡¡¡“Petition”, siniestra delicatessen esotérica!!! Posteriormente, el tema “Another World” surgirá con estos aires desoladores, con este páramo inhóspito donde todo existe para provocar el desánimo y la derrota en quienes se adentren en ello. Puro dark ambient de esencia sonora fantasmagórica, cuyas densas nieblas irán disipándose con la aparición de estos luminosos cromatismos ambient que perderán su radiante esencia salvífica cuando planos melódicos sepulcrales pasen a dominar su estructura musical. Acelerando su actividad sonora sin perder su siniestro trasfondo, lo melódico romperá todo aquello que es esperado para dar paso a otro escenario iridiscente de una belleza gótica extraordinaria. En una película de cine giallo firmada por el ilustre director italiano Dario Argento, este tema sería inolvidable en una de sus escenas. Finalmente, el tema homónimo del álbum lo clausurará con este inquietante pasaje sonoro inicial reproducido en reversa, expandiéndose su nueva dimensión espacial con una contundencia avasalladora que redefinirá su estructura musical en una inteligente amalgama conceptual donde la Escuela de Berlín da base a su sonoridad melódica. Adquiriendo un peso importante en su desarrollo artístico, este tema también integra elementos musicales en clave post-industrial que lo remarcan como vanguardista dentro de la escena actual. “Black Ocean Beyond Time”, excelsas perspectivas musicales en la composición vertebrando este álbum de debut de Last Days of Burden con un talento artístico espectacular. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

DØDSMASKIN “ISOLAT” (DEATH MACHINE INDUSTRIES, marzo 2025) (Reseña / Review #2279).

Posted on 10 junio, 2025 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2279 // Reseña Musical nº: 1466

Quiero dar las gracias al talentoso dúo musical noruego Dødsmaskin por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Mot nullpunktet // 2- Terrorstruktur // 3- Slutten på resten av livet // 4- Maskinen eier dem // 5- Aldri igjen et menneske // 6- Kollaps i sakte film // 7- Likvake // 8- Betonggraven
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Dødsmaskin en Vektor Facilities y The War Room (Noruega); álbum masterizado por Norman Nitzsche en Calyx Mastering (Alemania)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena death industrial

A finales del pasado mes de marzo fue presentado el nuevo álbum “Isolat” del talentoso dúo musical noruego Dødsmaskin. Publicado en formato digital a través de su propio sello discográfico Death Machine Industries, se encuentra disponible en la página oficial de Dødsmaskin en Bandcamp, habiendo sido engalanado con este impactante diseño creado por Nihil, en cuyo trabajo artístico destaca a nivel visual este individuo encerrado y en situación de aislamiento sensorial. La crudeza cromática del color blanco y de esta amplia escala de tonos grises amplifican su mensaje, proyectando un auténtico infierno de dolor interno al que es sometido al quedar cortadas todas sus conexiones emocionales y sentimentales con el exterior. Sus sentidos, las conexiones de su cerebro con el mundo, ya no existen, provocando graves alteraciones en su mente porque lo humano y lo terrenal van difuminándose. Una magnífica y precisa proyección visual de la fuente de inspiración principal que ha llevado al dúo musical noruego Dødsmaskin a componer los ocho temas que vertebran su álbum “Isolat”, y donde el eclecticismo conceptual es clave en su definición musical dentro de un estilo death industrial que incorpora planos musicales propios del dark ambient y del high-tech ambient. Tras haber pasado por el magnífico trabajo técnico de masterización realizado por Norman Nitzsche, cada uno de los temas presentan esta excelsa calidad musical que impresionará a los melómanos lectores de Lux Atenea. El álbum “Isolat”. El aislamiento, la separación, la desconexión con lo externo, la desvinculación con lo humano en sus relaciones sociales y emocionales, y, lo más grave de llevar esta situación a lo extremo: la Razón y la Lógica basadas en el lenguaje se van disolviendo con el paso del tiempo. Como una lobotomía aplicada de forma progresiva y muy sutil, el sistema límbico va perdiendo actividad y protagonismo en el cerebro, condicionando a la mente. Las nuevas conexiones neuronales retornan a sus redes más primitivas, a esos espacios que fueron quedando en un segundo plano, entrando en una nueva etapa cerebral donde el inconsciente va ampliando su oscura presencia y su capacidad de decisión según la luz de la Razón va menguando. En esta deriva, el individuo cada vez más hará las cosas de una forma determinada sin saber por qué, el individuo pensará de manera un tanto superflua y absolutamente condicionado, porque es de nuevo un obediente esclavo del inconsciente. Algunos lo llaman locura. Ilustres poetas como Friedrich Hölderlin (1770-1843) no dudaron en adentrarse en esos terrenos mentales en su búsqueda de la pureza artística durante su última etapa creativa. Además, en esta situación, cuando el individuo trata de dirigir lo interno a lo externo siempre encuentra un muro infranqueable que lo aisla, y, en cambio, no deja de ser cada vez más permeable en su interior a las influencias externas. En el fondo, el aislamiento sin la luz de lo espiritual y de lo místico, hace que el individuo vuelva a una Edad Oscura regida por el inconsciente tras haber vivido con su mente parcialmente iluminada por la Razón, y cuya luminosidad daba respuestas a una parte de sus inquietudes existenciales, además de desvelar esos condicionantes psicológicos que influían en su personalidad y en su comportamiento sin ser consciente de ello, padeciendo sus consecuencias. Bajo este aislamiento extremo… ¿en el individuo dónde queda lo humano con el paso del tiempo?

Iniciamos la audición de este álbum musical tan espectacular adentrándonos en el primer tema “Mot nullpunktet”, y este sonido devastador en la lejanía donde el choque del metal incrementa la sensación de solidez y dureza en este entorno, desplazándose por encima del melómano estos pasajes electrónicos experimentales de incandescente intensidad. Cuando ese trasfondo desaparezca, la amplitud dimensional de la nueva estructura musical impresionará al melómano lector de Lux Atenea por su dimensión sonora innovadora y por su nitidez mucho más cercana, configurando un obscuro escenario en 3D de una profundidad que sobrecoge y con una actividad de mayor proximidad que fascina por su viveza y realismo. Una composición tenebrosa que es ideal para comenzar este camino hacia la perdición del cuerpo, el espíritu, y la mente. ¡¡¡“Mot nullpunktet”, brutal entrada!!! Luego, el tema “Terrorstruktur” lo alterará todo con esta secuencia de alarma bastante estridente que, en el nuevo escenario que se presenta con inquietante coro melódico ambient, lleva a este avanzado estilo industrial a un talentoso despliegue musical de dimensiones colosales. “Terrorstruktur” es lo aparentemente idílico seccionado de forma inmisericorde por el Mal en acción, acelerándose su tempo con un impulso sonoro casi marcial por su incontenible avance y con la danza infernal de lo mecánico siendo apoteósica en su parte final. Una armoniosa y tenebrosa integración de ambient, industrial, high-tech ambient, y dark ambient, que vuelve a situar al dúo musical noruego Dødsmaskin dentro de la escena death industrial más avanzada. Virtuosismo en la composición y nuevas ideas que, en el tema “Slutten på resten av livet”, se vuelve tan sepulcral como la fijación de una pesada lápida de piedra, y con la entrada de pasajes sonoros industriales todo va adquiriendo un horizonte terrorífico en cuanto a su capacidad de devastación. Tras un breve valle sonoro, el nuevo escenario musical abre sus entrañas más demoníacas perfilándose a nivel artístico con una belleza siniestra escalofriante por su ausencia absoluta de calidez emocional o vital. Derivando hacia este death industrial sublime en su tortuoso hieratismo, “Slutten på resten av livet” no solamente encantará a los melómanos afines a la escena industrial y de vanguardia, sino también a los apasionados amantes del metal. ¡¡¡“Slutten på resten av livet”, excelsa obra de arte!!! Después de haber disfrutado de varias audiciones más por puro hedonismo musical, la entrada en el tema “Maskinen eier dem” será rápida, directa, y muy contundente en su inicio, para luego adentrarnos en un estilo dark ambient que hiela la sangre. Como un angosto pasillo escasamente iluminado, “Maskinen eier dem” irá incorporando pasajes musicales industriales de forma progresiva hasta lanzarnos de lleno a este death industrial tan brutal en su desafiante acción de movimiento. La entrada de cromatismos sonoros que tienen el pesado y constante ritmo mecánico de un antiguo motor de dos tiempos, convertirá este escenario en una demostración de poder, en una exaltación del triunfo de la tecnología sobre lo orgánico, y en una inquietante ausencia de la vida sustituida por las máquinas. ¡¡¡“Maskinen eier dem”, inteligente fusión conceptual de death industrial y high-tech ambient!!!

Con el tema “Aldri igjen et menneske” calmándolo todo con este dark ambient tan fantasmagórico y obscuro, la creciente llegada de la luz no será más que la presencia de tecnología en constante avance al margen de lo humano. Absolutamente desolador, escuchando el tema “Aldri igjen et menneske” me ha recordado al comentario de un experto en robótica que escuché no hace mucho y decía que, en China, en una planta de fabricación donde todos eran robots, dentro de las instalaciones no tenían las luces encendidas porque no hacía falta, produciendo en completa oscuridad salvo por la débil iluminación de sus leds, de sus lectores, y de sus sensores. Fabricación completamente autónoma donde el ser humano ya no es necesario (salvo el escaso personal de mantenimiento de la fábrica), y “Aldri igjen et menneske” perfectamente podía ser su banda sonora con un cierto trasfondo post-apocalíptico. Siguiendo esta deriva mefistofélica por su destino de perdición, el tema “Kollaps i sakte film” tensará este escenario con pasajes sonoros mucho más cortantes, hirientes, incisivos en su punzante acción demoníaca dentro un estilo dark ambient casi nihilista, y que irá derivando hacia un exquisito high-tech ambient como antesala de la obscuridad latente. Pulsante como los latidos de un corazón herido, a continuación, “Kollaps i sakte film” terminará elevando su grandeza artística hasta lo superlativo como una grandiosa ópera distópica a punto de colapsar. Tras el hundimiento, el renacimiento desde las cenizas, desde las ascuas vitales, volviendo a la actividad con otro impulso, con otra perspectiva, y con firmeza en el deseo de sobrevivir y dominar. El tema “Likvake” reafirmará a este ave fénix que se transforma completamente con su vuelta a la consciencia de la existencia. En esta recreación musical, el avanzado estilo death industrial se eleva hasta lo sublime en su definición gracias al virtuoso talento de Dødsmaskin para erigir estructuras sonoras multicapa tan colosales. Superlativo en su amplitud dimensional, “Likvake” incorpora pinceladas dark ambient en su esencia conceptual para amalgamar toda la composición con una solidez artística que dejará en shock al melómano lector de Lux Atenea. Luego, la clausura de este álbum llegará con el tema “Betonggraven”, de nuevo, con una entrada aparentemente sosegada pero inquietante por su reproducción en reversa. Desembocando en esta fusión con el estilo industrial de texturas sonoras rugosas y pesadas, lo melódico seguirá envolviéndolo todo con su belleza siniestra hasta presentar escenarios aparentemente oníricos que no son más que pesadillas nihilistas y deshumanizadas. “Betonggraven” es el tema más melódico del álbum, pero con un trasfondo verdaderamente psicótico, degenerado, y mentalmente alterado por su pérdida de cordura. Un paraíso artificial que no es más que una terrible condena en vida. “Isolat”, el dúo musical noruego Dødsmaskin volviendo a demostrar con contundencia por qué tienen unas de las mentes creativas más avanzadas en esta escena death industrial, estando siempre muy por delante de su tiempo artístico. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
DØDSMASKIN “FIENDE” (CYCLIC LAW, abril 2018) (leer reseña)
DØDSMASKIN “INGENTING” (CYCLIC LAW, abril 2018) (leer reseña)
DØDSMASKIN “ØDELAGT” (MALIGNANT RECORDS, abril 2019) (leer reseña)
FRIEDRICH HÖLDERLIN “POEMAS DE LA LOCURA” (EDICIONES HIPERIÓN, 1998) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

UNHOLY IMPURITY “OCULUS MORTIS” (MASKED DEAD RECORDS, febrero 2025) (Reseña / Review #2278).

Posted on 9 junio, 2025 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2278 // Reseña Musical nº: 1465

Quiero dar las gracias a Matteo Antonelli (Falce Press) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Into The Abyss // 2- Black Magic // 3- Ancient Stones Of Death // 4- The Oldest One // 5- The Healer // 6- Sos Rajos // 7- Treutos Corrudos // 8- Sos Filos de sa Morte // 9- Requiem
Datos técnicos: Álbum musical grabado entre los meses de agosto y septiembre de 2023 en SpaceCraft y RKS Studio (OSSI); temas mezclados y masterizados entre los meses de febrero y marzo de 2024 por Delio Soro en la ciudad sarda de Sassari (Soundlikekong Studio Sassari)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Into The Abyss // 3- Ancient Stones Of Death // 7- Treutos Corrudos // 8- Sos Filos de sa Morte // 9- Requiem

A finales del pasado mes de febrero fue presentado oficialmente el nuevo álbum de la banda musical sarda Unholy Impurity titulado “Oculus Mortis”. Publicado por el prestigioso sello discográfico italiano Masked Dead Records en formato digital y en una preciosa edición limitada de 200 unidades en CD (las 100 primeras unidades incluye un parche de regalo), el álbum “Oculus Mortis” ha sido engalanado con esta maquetación y diseño realizados por SSCVLT, y basado en el trabajo artístico del artista indonesio Oik Wasfuk (Nothing Sacred Artwork). Con el título del álbum creado por Erkitu, su portada destaca por la mágica atracción visual que provoca, habiendo quedado integrados lo arcano, lo mitológico, lo sobrenatural, y esa entrada abierta a lo no humano. A nivel artístico, la banda musical Unholy Impurity ha encontrado su fuente principal de inspiración en la cultura sarda ancestral y en sus creencias unidas a los misterios que, llevados conceptualmente a este estilo black metal, adquiere un amplio espectro musical en cuanto a diversidad sonora dentro del metal. Por este motivo, en los nueve temas que vertebran el álbum “Oculus Mortis”, los melómanos lectores de Lux Atenea encontrarán una perspectiva creativa e interpretativa del black metal marcada por una perspectiva artística muy profunda, de avanzada definición estructural, y con un alma sonora obscura espectacular. Si a todo ello le unimos el magnífico trabajo técnico de masterización realizado por Delio Soro, estos temas se presentarán en sus atentos oídos con una nitidez y una dimensión espacial durante su audición que remarcan aún más la grandiosa calidad musical que nos ofrecen. Incluyendo también temas con lírica en idioma sardo, el álbum “Oculus Mortis” impresionará a los melómanos afines a la escena black metal que buscan calidad artística, además de innovación en la composición. Y los miembros de la banda musical Unholy Impurity son expertos en esa búsqueda de nuevas miradas creativas dentro del black metal actual.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra musical sumergiéndonos en la intensidad sonora del tema “Into The Abyss”, con esta rugiente guitarra acompañada por la batería hasta que una segunda guitarra sobrevuele la estructura musical para dar salida a la composición en su definición sonora, entrando en un primer plano la lírica interpretada con obscura crudeza y de forma un tanto discreta, al estar todo potenciado musicalmente en su más amplio espectro instrumental. Pero Unholy Impurity quiere algo más, e irá armonizando cada una de sus fases sonoras de fuerte carácter musical, preparando mentalmente al melómano lector de Lux Atenea para disfrutar de unos temas perfilados con intensos destellos conceptuales que le fascinarán. Con un estilo de composición que parece más propio de un artista o una banda musical alemana por sus cambios constantes dentro de un mismo tema, “Into The Abyss” es impresionante tanto en su interpretación como por su magnetismo melódico obscuro, quedando la lírica con esa atrayente interpretación siniestra casi ceremonial dentro de los parámetros del black metal. ¡¡¡“Into The Abyss”, contundente entrada musical!!! Posteriormente, el tema “Black Magic” aparecerá sin concesiones o respiro alguno, arrasando con una brutalidad instrumental sobre la cual la lírica aparece como un jinete del apocalipsis observándolo todo desde lo más alto. Con una fiereza artística de su batería que da mayor impulso a las guitarras, reforzando su poder sonoro, es en la magna interpretación de su lírica donde “Black Magic” marca la diferencia, entrando en un valle musical absolutamente fantasmagórico como el existente en una cueva maldita. Incluso en su tempo algo más pausado en su parte final, esta canción no dejará de embrujar al melómano, quedando con ganas de más. Por este motivo, “Ancient Stones Of Death” surgirá con este impulso inducido que empujará todo el escenario instrumental hacia lo más alto en su belleza melódica tenebrosa, saliendo de ese ciclón gracias a la entrada vocal de su interpretación lírica, ralentizando el tempo de la composición para poder disfrutar del arte musical de Unholy Impurity en su plenitud. Estos valles que aparecerán en varias fases del tema, permiten que se pueda sentir toda la esencia tenebrosa de esta canción con un realismo y una energía superlativas. En “Ancient Stones Of Death”, Unholy Impurity no necesita arrollar porque ya lo hizo en el anterior tema, desplegando esta virtuosa definición instrumental y lírica con una perspectiva artística de primer nivel. ¡¡¡“Ancient Stones Of Death”, pura delicatessen black metal!!! “The Oldest One” dará continuidad a esa inmersión mágica en lo arcano, presentando lo misterioso con un siniestro y enigmático velo recreado con maestría en su estructura instrumental. Aquí la lírica adquiere una relevancia muy especial al irradiar la composición con sus negros rayos, hasta tensionar esta atmósfera sonora con implacable destreza artística. “The Oldest One” te arrastra a su diabólico centro, a ese eje que todo lo devora, quedando el sacrificio como nexo inevitable con el destino, mientras el tiempo es testigo de su aterradora mirada. Cuando los melómanos lectores de Lux Atenea lleguen al ecuador de este tema, todo se empezará a contraer y a acumular energía musical que irá desplegándose luego bajo la batuta artística de su lírica, desatándose todo en su epílogo musical.

En el tema “The Healer”, el escenario sonoro se volverá más ritual, más chamánico, mientras el crepitar del fuego y los susurros ceremoniales van configurando su ambientación de forma progresiva. Con una obscuridad en esta atmósfera que abre sus puertas a lo mágico y a lo sobrenatural, “The Healer” transmite ese lado diabólico de lo siniestro donde la lógica y la Razón quedan en shock. Volviéndose más activo en su deriva demoníaca, “The Healer” se irá apagando como las ascuas de una hoguera, dando paso al tema “Sos Rajos” con un cuerpo sonoro contenido a punto de estallar. No tardará mucho tiempo en expandir su intensidad musical liderada por esta brutal interpretación lírica, y con las guitarras convertidas en sierras mecánicas que todo lo cortan y seccionan a su paso con sus terribles filos. Incluso en su valle sonoro, la interpretación vocal no atenúa su posesivo abrazo lírico, extendiéndose estas obscuras brumas que parecen proceder del Érebo. Entrando en un nuevo ciclo instrumental, el melómano ya está mentalmente acelerado por esta intensa experiencia musical pero, cuando aparezca el tema “Treutos Corrudos”, todo subirá un par de peldaños más en su poderosa definición sonora, sin llegar al extremo del pasado tema “Black Magic”. Error. En su ecuador musical, Unholy Impurity vuelve a sorprendernos con otra nueva demostración de talento interpretativo y de intensidad musical donde su parte instrumental destaca especialmente. ¡¡¡“Treutos Corrudos”, grandioso tema!!! Sobrecogidos ante esta visión conceptual del black metal, el tema “Sos Filos de sa Morte” seguirá proyectando esa misma maestría artística pero con un plano lírico mucho más calmado, dejando todo el protagonismo a su estructura instrumental. Habiendo cimentado lo colosal, tras un breve valle musical, el tema “Sos Filos de sa Morte” se volverá aún más obscuro y tenebroso, para luego romper todos nuestros límites mentales en cuanto a disfrute de un tema musical, alcanzando su éxtasis mortuorio en su fase final. ¡¡¡“Sos Filos de sa Morte”, diabólica delicatessen!!! La extensión del telón de clausura llegará con el tema “Requiem”, un título perfecto para cerrar este álbum tan espectacular con otro nuevo despliegue de maestría en la composición, y transmitiendo una pasión en su interpretación lírica e instrumental que les dejará completamente exhaustos. Lo crematorio, lo mágico, lo tenebroso, aflorando en esos momentos de revelación existencial con la obscuridad como testigo, y con este plano instrumental para guitarra absolutamente magistral. Acercándose a su frontera con el doom para adentrarse luego en ello, es completamente lógico para poder recrear este escenario donde la Muerte reina sobre la vida de forma hegemónica. ¡¡¡“Requiem”, excelso cierre de álbum!!! “Oculus Mortis”, Unholy Impurity llevando a la escena musical sarda hasta la primera línea de vanguardia dentro de la escena black metal más innovadora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
MALAURIU / SINOATH “SCURU / SYMPHONY OF THE SCYTHE” (DOOMENTIA RECORDS, enero 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MARC AND THE MAMBAS “THREE BLACK NIGHTS OF LITTLE BLACK BITES” (COLD SPRING RECORDS, agosto 2025) (Reseña / Review #2277).

Posted on 8 junio, 2025 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2277 // Reseña Musical nº: 1464

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- My Former Self // 2- Your Aura // 3- The Animal In You // 4- Black Heart // 5- Narcissus // 6- Gloomy Sunday // 7- Vision // 8- In My Room // 9- The Bulls // 10- Près Des Remparts De Séville // 11- Catch A Fallen Star // 12- Your Love Is A Lesion // 13- Torment // 14- Empty Eyes // 15- Untitled // 16- Angels // 17- Caroline Says // 18- First Time // 19- Jacky
Datos técnicos: Álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Your Aura // 6- Gloomy Sunday // 8- In My Room // 13- Torment // 16- Angels

Gracias a la extraordinaria labor cultural que viene desarrollando el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records, el próximo día 8 de agosto será publicado oficialmente esta re-edición del álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” de la legendaria y breve banda musical británica Marc And The Mambas, presentándose por primera vez en vinilo en tres preciosas ediciones ya en pre-pedido que incluyen una copia del programa oficial de dieciséis páginas de los tres conciertos ofrecidos en el año 1983: 2LP 12” en vinilo negro, una lujosa edición limitada de 350 unidades en 2LP 12” en vinilo rojo, y una impactante edición limitada splatter de 150 unidades en 2LP 12” en vinilo rojo y negro, únicamente disponible directamente a través de la webstore del sello y de su página oficial en Bandcamp. El álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” ha sido engalanado con una magnífica maquetación a cargo de Abby Helasdottir, con arte fotográfico realizado por Peter Ashworth e ilustraciones ideadas por Huw Feather, destacando especialmente su portada en exclusiva para esta re-edición, y donde ha quedado resaltada la impactante atracción visual que provoca la obra “Arise 2” (2022) creada por la artista multidisciplinar inglesa Val Denham. Vertebrado por diecinueve temas musicales, el álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” atesora en su interior las canciones interpretadas por Marc And The Mambas en los tres conciertos ofrecidos en el año 1983 en el Teatro Duke Of York (Londres, Reino Unido), y que fueron grabados en cinta de vídeo VHS por el legendario artista Peter “Sleazy” Christopherson (Throbbing Gristle, Coil). Años después, en 2012, el propio artista británico Marc Almond publicó este álbum en CD con diecisiete temas + DVD a través de su sello discográfico Strike Force Entertainment, quedando ampliado en esta re-edición en vinilo a 19 temas (“Près Des Ramparts De Séville” y “Jacky” pertenecientes al DVD). Como analista musical, quisiera destacar el impecable y minucioso trabajo técnico de remasterización realizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), porque el resultado final es excelso en cuanto a calidad sonora. Hay que ser conscientes de que la grabación original fue realizada en cinta de vídeo VHS en 1983, posteriormente fue publicado en CD+DVD con la tecnología existente en el año 2012, e, increíblemente, tras haber pasado por sus expertas manos técnicas, el álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” presenta esta calidad sonora impresionante. Como apunte musical antes del análisis de esta obra musical, esta es la formación artística que presentaba Marc and the Mambas junto a The Venomettes. Marc and the Mambas lo formaban: Marc Almond (vocalista), Annie Hogan (piano, órgano Farfisa, y vox), Lee Jenkinson (guitarra y vocalista), Steve Sherlock (saxofón y flauta), y Peter Ashworth (percusión). Y The Venomettes lo formaban: Anne Stephenson (violín), Gini Hewes (violín), Martin McCarrick (chelo), Bill McGee (contrabajo arqueado), además de contar con la colaboración de Audrey Riley (chelo). Magníficas formaciones musicales, como podrán comprobar disfrutando estos temas en directo.

Iniciamos la audición de esta joya discográfica adentrándonos en el primer tema “My Former Self”, y con su melodioso piano perfecto para acompañar instrumentalmente a esta lírica decadente. Quebrándose en su evolución musical como el espíritu de su protagonista, hasta la sutil presencia del violín no hace más que ahondar en su tortuoso presente, quedando la pasional interpretación de Marc Almond como testimonio de esa degradación en cuerpo y alma. Un tenebroso directo con esos ecos irrepetibles de las grabaciones antiguas, envolviendo al artista en su mirada melancólica a ese pasado donde era mucho más fácil tocar lo celestial. Más intenso se presentará el tema “Your Aura”, con el piano cambiando completamente su espíritu melódico mientras Marc Almond desvela la difícil relación amorosa entre dos personas donde una de ellas desea el vínculo emocional y sentimental, y la otra está enfocada a lograr el éxito artístico, no siendo consciente de los sentimientos del otro. La vida es dura, es cruel, y mucho más cuando las expectativas artísticas no se cumplen, y “Your Aura” es eso mismo, quedando sólo la imaginación como escenario de victoria tras el fracaso, y con la otra persona pensando en lo que pudo ser y nunca se hizo realidad. Además, con Steve Sherlock creando esta magia melódica con el saxofón, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con el final del tema porque es un auténtico lujo. ¡¡¡“Your Aura”, preciosa canción e interpretación!!! Dando continuidad a las relaciones tortuosas, el tema “The Animal In You” tendrá la intensidad y la violencia de una batida de caza disparando de forma inmisericorde, apareciendo la canción “Black Heart” para exponer con crudeza esas relaciones amorosas donde una de las partes de dedica a hundir, a menospreciar, y a romper los sueños y las esperanzas del otro sin motivo alguno, solamente por el mero placer de convertir la vida de su pareja en un infierno, y contemplar su declive y terrible desasosiego existencial. Por este motivo, el tema “Black Heart” establece una base melódica con esta ambientación donde las luces son afiladas, los colores alegres son una burla de maléfico gesto, y la vida se presenta como una danza macabra señalando con el dedo y riendo. Sin duda alguna, si la crueldad tuviera banda sonora, “Black Heart” sería la canción ideal.

Con esos aires instrumentales tan propios de la escena británica en las décadas de los setenta y de los ochenta, el genial artista Steve Sherlock con el saxofón dará el cuerpo instrumental y melódico al tema “Narcissus”, creando este escenario que huele a soledad, a barreras sentimentales infranqueables, y a mirada al espejo buscando calidez donde ya la pasión está muerta. Conduciendo al melómano lector de Lux Atenea a uno de los temas malditos dentro de la Historia de la Música como es “Gloomy Sunday”, la guitarra acompaña a esta lírica dramática y obscura donde lo siniestro se presenta como realidad presente. Desesperanza, vitalidad perdida, mirada cansada, desamor, años que pesan como una gran lápida de mármol depositada sobre la espalda, en “Gloomy Sunday”, la muerte deja de ser temida, evitada, para mirarla con la esperanza de acabar con el sufrimiento terrenal que se padece. Gótico en su ambientación, por estas interpretaciones entenderán por qué a Marc Almond y a sus proyectos musicales se les llegó a incluir en aquella época dentro del new wave con influencias conceptuales del post-punk. Sin intervalos entraremos en el tema “Vision” donde la melancolía desdibuja la realidad, entremezclándose los recuerdos, las emociones, y los sentimientos en un presente que no se siente como tal. Oscuro en su estructura musical, adquiere el mismo espíritu sonoro que en “Black Heart”, pero más sacro en su línea melódica hasta hacerse espiritual. “Vision” es esa luz en la oscuridad donde se observan iridiscencias propias de otro mundo que no es este, y esa observación atenta encandila y permite soportar ese vivir cotidiano donde no se comprende el sentido de la propia existencia. Con “In My Room” presentando la soledad en su profundidad existencial más devastadora al sentir la ausencia del otro, la interpretación lírica de Marc Almond adquiere esta sensibilidad artística tan necesaria para proyectar esa situación personal. Acompañado de nuevo por un piano tenso llevado al extremo en su vibrante espíritu melódico, estas notas musicales al aire se hunden en el abismo interior del solitario, encontrando en “In My Room” a Marc Almond en una de sus interpretaciones más excelsas. ¡¡¡“In My Room”, soledad y dolor imposible de calmar!!!

“The Bulls” y la tauromaquia como fuente metafórica sobre el baile de máscaras que es la sociedad y sobre la hipocresía reinante en la ciudadanía, perfila una realidad donde la sangre corriendo es un sacrificio inútil en una explosión de lo humano cargada de histrionismo, narcisismo, y crueldad. Luego, la ópera “Carmen” del famoso compositor francés Georges Bizet (1875-1875) se presentará en una de sus composiciones, “Près Des Remparts De Séville”, con Gini Hewes (The Venomettes) como protagonista artística principal. Posteriormente, en el tema “Catch A Fallen Star”, su fuente de inspiración estará basada en la atmósfera que se respira en los antros donde individuos de toda clase van dando tumbos existenciales en su dejarse arrastrar por la corriente más salvaje y kitsch de la vida. Ambientes sobrecargados por el fracaso que se respira, ilusiones para escapar de una jaula indeseada pero defendida, personas ancladas a un pasado donde creyeron que eran alguien y en el presente son patéticos, y el dinero siempre presente en su adoración más ruin y decadente. Este es el alto nivel de crudeza lírica que los melómanos lectores de Lux Atenea encontrarán en “Catch A Fallen Star”, y solamente tienen que salir esta misma noche y entrar en ciertos locales de su ciudad para ver cada una de las escenas descritas en esta canción. ¡¡¡“Catch A Fallen Star”, sonrisas, mentiras, y olor a putrefacción de lo vital!!! Ahondando en lo extremo, el tema “Your Love Is A Lesion” es el sadomasoquismo físico y psicológico llevado a las relaciones amorosas, y que siempre deja profundas cicatrices en el corazón y en la mente. Disfrazado de pasión, el dolor es omnipresente en cada acto endulzado con emociones y sentimientos que son mentiras interpretadas intencionadamente, siendo su impacto absolutamente devastador. Por este motivo, “Your Love Is A Lesion” se presentará así de contundente y con la resignación sobrevolando este trágico escenario decorado con tormentosas descargas instrumentales. Y hablando de tensiones emocionales, el tema “Torment” será lo amoroso perdiendo cualquier clase de contención, de respeto a sí mismo, de decencia moral y ética, y de reciprocidad. Uno despreciando e incansable a la hora de provocar dolor, y otro deseando ser el centro de su atención aunque sea para ser atormentado, sintiendo que merece la pena el sufrimiento si en esos momentos están juntos. En el fondo, “Torment” destila ese amor llevado a su esencia más amarga y venenosa, convirtiendo la relación en un dantesco infierno donde una de las partes no tiene empatía y la otra cree que es importante porque le dedica atención… aunque sea para torturarlo. Excelso en su interpretación, en el tema “Torment” si que está presente la influencia conceptual del post-punk de forma muy clara, convirtiéndose en una de las mejores canciones de este álbum.

Cuando lo extrovertido se basa en mentiras, aparecen temas musicales como “Empty Eyes” que, llevado a las relaciones personales más íntimas, siempre desembocan en esa sensación de vacío al contemplar los ojos de la otra persona. Miradas que ya han perdido el fuego, gestos que hieren como espinas de rosas clavándose en la piel cuando es tocada, y mientras, todo es visto con esa extraña calidez que tiene observar la progresiva decadencia de una persona que se cree alguien, que cree que puede seguir manipulando a placer, mientras se va hundiendo apoyándose en un suelo que son arenas movedizas. De tempo más acelerado, en “Empty Eyes” se siente gran parte del estilo interpretativo de Marc Almond en Soft Cell, y este factor artístico da un encanto especial a esta canción. Enfocado en el ser solitario por naturaleza, el tema “Untitled” encantará al melómano lector de Lux Atenea por su lírica y por esta magnífica interpretación, apareciendo la magia musical de Marc and the Mambas con esos aires artísticos tan característicos de la década de los ochenta. Con una interpretación vocal en dueto que podía haber quedado mucho más pulida con unos ensayos previos, todo en “Untitled” termina provocando pensamientos sobre qué gran libertad tenían los artistas en aquella época tanto en sus composiciones, como en sus interpretaciones en concierto. Luego, el tema “Angels” será un caleidoscopio melódico donde sus planos instrumentales crean reflejos cromáticos de sorprendente belleza plástica. Una auténtica joya musical atesorada en este álbum, porque “Angels” posee toda la esencia mágica de la década de los ochenta que caracterizaba a la escena británica, y que revolucionó el mundo musical a nivel mundial con sus parámetros conceptuales. Posteriormente, la visión emocional y sentimental femenina se hará presente en el tema “Caroline Says”, a través de una lírica muy clara y directa basada en esa visión femenina de su pareja masculina cuando ya no tiene su respeto. Esa frialdad emocional y esa actitud femenina completamente alejada de lo sentimental, aflora en la voz de Marc Almond acompañado instrumentalmente por el piano. El tema “First Time” dará continuidad a esa situación, pero con lo masculino no entendiendo con su lógica racional qué ha pasado para que la pasión se haya muerto. Recordando el pasado, los momentos únicos vividos y compartidos, experimentados con la sonrisa de la inocencia más benigna, no termina de encontrar ese punto crítico cuando ella dejó de amar, dejó de sentir, dejó de ser importante para ella. Finalmente, el tema “Jacky” clausurará este álbum con estos aires artísticos propios de los escenarios teatrales, y en los cuales Marc Almond va a profundizar muchos años después en su carrera en solitario. No necesitando más que un piano, su interpretación lírica se transformará en la descripción de historias, sueños, pensamientos, ilusiones, éxitos, y fracasos. “Three Black Nights Of Little Black Bites”, joya discográfica de imprescindible adquisición para los fieles seguidores de Marc Almond, y para todos aquellos melómanos que deseen sentir la atmósfera creativa latente en la escena británica a principios de la década de los ochenta. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
MARC ALMOND “VARIETÉ (LIMITED EDITION)” (STRIKE FORCE ENTERTAINMENT, 2010) (leer reseña)
ANDREW OSTLER “THE BLIND SUBLIME” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2025) (leer reseña)
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SATØRI “PILLARS OF SALT” (COLD SPRING RECORDS, febrero 2025) (leer reseña)
IGGOR CAVALERA / SHANE EMBURY “NEON GODS / OWN YOUR DARKNESS” (COLD SPRING RECORDS, marzo 2025) (leer reseña)
THE ANTI GROUP COMMUNICATIONS (T.A.G.C.) “ISO-EROTIC CALIBRATION” (COLD SPRING RECORDS, enero 2025) (leer reseña)
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PITCHSHIFTER “PEEL SESSIONS 1991-93. A BBC recording” (COLD SPRING RECORDS, noviembre 2024) (leer reseña)
BESTIA ASTRUM “FURY 161” (COLD SPRING RECORDS, noviembre 2024) (leer reseña)
400 LONELY THINGS “THE NEW TWILIGHT” (COLD SPRING RECORDS, septiembre 2024) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PETROLIO “SANGUE (šαиgνe) – EP” (ANTHROPOLOGIST INC. / TOTEN SCHWAN RECORDS / DIO DRONE, mayo 2025) (Reseña / Review #2276).

Posted on 4 junio, 2025 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2276 // Reseña Musical nº: 1463

Quiero dar las gracias al genial artista italiano Enrico Cerrato (Petrolio) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Siamo attratti dall’Oscurità come le Falene dalla Luce // 2- La Fame dei Vermi // 3- Chi semina per la Propria Carne // 4- Scavarsi la Fossa con i Denti
Datos técnicos: Álbum grabado, mezclado y masterizado por Petrolio
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena industrial y experimental más innovadora

A mediados del pasado mes de mayo fue presentado el nuevo álbum “Sangue (šαиgνe)” de Petrolio, un magnífico EP publicado en formato digital y en una preciosa edición en cassette a través de los sellos discográficos italianos Anthropologists inc., Toten Schwan Records, y Dio Drone, estando ya disponibles en sus páginas oficiales en Bandcamp. Engalanado con esta atrayente portada, su concepción visual está basada en el corte en franjas de la imagen y en su desplazamiento horizontal, de la misma forma que se presentan algunos puzzles. Con este filtro en rojo, elegido intencionadamente debido al título del álbum, es en su impresión para la edición física para cassette donde despliega su máxima belleza estética. Como alma mater de Petrolio, el genial artista italiano Enrico Cerrato nos presenta en este álbum musical una perspectiva conceptual donde se funden e integran lo experimental y lo industrial, y con un talento creativo que sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea adicto a las vanguardias musicales más actuales. Un grandioso EP vertebrado por cuatro temas que han sido grabados, mezclados, y masterizados por el propio artista, ofreciendo una dimensión sonora y un detalle en su espíritu musical que lleva al melómano a centrar su atención durante la audición de estas composiciones. Un contundente despliegue de talento y de sentido de equilibrio sonoro a pesar de la intensidad y de las fuertes tensiones musicales que aquí se presentan, y que subrayan el nombre de Petrolio como una de las referencias artísticas más importantes en esta escena, tanto en Italia como a nivel internacional. Debido a su complejidad conceptual, el EP “Sangue (šαиgνe)” te obliga a repetir varias audiciones para poder extraer su esencia musical, disfrutando de una apasionante inmersión en matices estructurales donde los cromatismos sonoros son una de las claves principales del espíritu creativo de Enrico Cerrato. Pulidos y tensionados a nivel musical, cada uno de los temas de este extraordinario EP no les dejará indiferentes.

Iniciamos la audición de esta magna obra sumergiéndonos en el primer tema “Siamo attratti dall’Oscurità come le Falene dalla Luce”, con una entrada sonora arrancada con un encendido mecánico, cuyas vibraciones por su movimiento nos conducirán a estos cromatismos musicales propios de la electrónica experimental, será la antesala artística de esta contundente demostración de esencia conceptual industrial. Sofocante en su ambientación y hegemónico en su magnetismo existencial, a partir de aquí, el tema “Siamo attratti dall’Oscurità come le Falene dalla Luce” nos va a mostrar todo su poder artístico con una grandeza en su perspectiva creativa que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea. Una entrada clara a este nuevo universo sonoro concebido con sumo talento por el artista italiano Enrico Cerrato, y cuya fuerza se apagará dejándonos con ganas de volver a repetir esta experiencia musical. ¡¡¡“Siamo attratti dall’Oscurità come le Falene dalla Luce”, magia industrial!!! Con el alma oscilante del tema “La Fame dei Vermi” sincronizándose con la energía de nuestro espíritu, el despliegue sonoro es superlativo en cuanto a detalles en sus planos musicales, definiendo una superestructura de influjo obscuro e incansable en su acción mecánica donde el estilo industrial terminará siendo potenciado con estos samples, perfilando una composición cosmopolita y futurista espectacular. “La Fame dei Vermi” perfectamente podía convertirse en la banda sonora de una película de ciencia-ficción de corte distópico, creando una atmósfera musical que envolvería al cinéfilo y lo llevaría directamente al centro de la acción que está contemplando. Este es un ejemplo muy claro del virtuosismo en la composición que Petrolio remarca en este tema, conduciéndonos a escenarios de trasfondo tenebroso donde la alta tecnología tiene ya seducido al Ego de cada uno de los seres humanos de forma inexorable. Un espejismo de energía, acción vital, y de esperanzas en un horizonte futuro más benigno y floreciente, pero, en el fondo, “La Fame dei Vermi” es inquietantemente diabólico por su capacidad para corromper el alma. Una composición que, como analista musical, sigue fascinándome aún más en cada nueva audición que disfruto, y ya llevaba unas cuantas antes de empezar a escribir esta reseña. ¡¡¡“La Fame dei Vermi”, artísticamente adictivo!!!

El tema “Chi semina per la Propria Carne” supondrá un nuevo cambio en la vertebración sonora de la estructura musical, sin perder su línea de vanguardia en clave experimental e industrial. Mucho más intenso y potente que los dos temas anteriores, “Chi semina per la Propria Carne” es más arrogante y posesivo en su influjo sonoro sin tener que llegar a los extremos lacerantes del noise. Con la electrónica experimental abriendo sus encantos musicales más deslumbrantes y oscuros, termina derivando todo hacia este réquiem mortuorio que ampliará su belleza siniestra con la entrada de perfilamientos industriales metálicos cuyos impactos sonoros dan el tempo a la composición. Tempo cíclico y melodías electrónicas moduladas en esta irresistible danza donde la Dama Muerte lo contempla como una representación simbólica y metafórica de su sentido de existencia, y con “Chi semina per la Propria Carne” no dejando de mutar a nivel conceptual sin alterar en absoluto su escatológica armonía casi barroca, siempre es llevada a lo futurista. ¡¡¡“Chi semina per la Propria Carne”, mágico!!! Con el tema “Scavarsi la Fossa con i Denti” ahondando en lo mortuorio mientras extiende el telón de clausura de este grandioso EP, la expansión sensorial se elevará hasta el infinito como una visión de lo sublime creado por el Diablo. Incluso la entrada de lo lírico en un segundo plano, no hace más que resaltar su dantesca atracción por el trasfondo tortuoso que lo embellece en su deriva infernal. Una espiral de caída al abismo mientras no da tiempo ni a decir adiós a este mundo, obligado a crear su propia tumba con rapidez porque su existencia es intrascendente, efímera, e insignificante. Un Ego magnificado en este mundo terrenal pero, finalmente en soledad, convertido en su propio sepulturero en su último periodo de vida. “Sangue (šαиgνe)”, vanguardia musical italiana dentro de la escena experimental e industrial, y abriendo horizontes estructurales con un eclecticismo conceptual absolutamente brillante en su perspectiva artística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

KAE TAKAHASHI & JAW SURGERY “PARANOIA SURVIVE” (CRUEL NATURE RECORDS, abril 2025) (Reseña / Review #2275).

Posted on 3 junio, 2025 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2275 // Reseña Musical nº: 1462

Quiero dar las gracias al genial artista filipino Chester Masangya (Jaw Surgery) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Collapsed Valve // 2- Birth Of Death // 3- Unusual Skin // 4- Adorable Misery // 5- Body Abomination // 6- Birth Of Death (Cheng Daoyuan Remix)
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Kae Takahashi y Chester Masangya (Jaw Surgery) en el año 2024; álbum masterizado por Chia-chun Xu
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandioso Álbum Musical dentro de la escena power electronics de vanguardia

A finales del pasado mes de abril fue presentado el álbum de debut “Paranoia Survive” del dúo musical formado por la artista japonesa Kae Takahashi y por el artista filipino Chester Masangya, alma mater de Jaw Surgery. Publicado por el prestigioso sello discográfico británico Cruel Nature Records en formato digital y en una preciosa edición limitada de 30 unidades en cassette, ambos disponibles a través de la página oficial del sello en Bandcamp, el álbum “Paranoia Survive” ha sido engalanado con este magnífico diseño creado por Jase Kester y basado en el trabajo de la artista japonesa Kei Kei (Ursula Kei). Intensidad cromática y presencia de lo siniestro dentro de una estética abstracta con trasfondo mentalmente perturbador. Y es que, en el fondo, la artista japonesa Kei Kei ha sabido sintetizar la verdadera esencia musical de este álbum a nivel visual, porque “Paranoia Survive” es eso mismo: intensidad y belleza siniestra dentro de este estilo power electronics de vanguardia. Los primeros esbozos creativos de donde han surgido posteriormente los temas musicales que vertebran este álbum, aparecieron en su actuación en vivo como dúo musical en el espectáculo sonoro ofrecido el día 13 de enero de este año 2025 por Anti-Itch Cream (Kae Takahashi) en la ciudad filipina de Manila. Una fértil unión de talentos artísticos de sobrada experiencia musical, donde Kae Takahashi (Sete Star Sept, Anti-Itch Cream) y Chester Masangya (Jaw Surgery, Fossa Magna, Coalminer, Fleshcarver, y Aetheric Wound) nos ofrecen en su álbum de debut “Paranoia Survive”, pura innovación conceptual dentro del power electronics más avanzado. Habiendo contado además con la colaboración del artista taiwanés Cheng Daoyuan en la remezcla del tema “Birth Of Death”, gracias al extraordinario trabajo técnico de masterización realizado por el artista taiwanés Chia-chun Xu, el álbum “Paranoia Survive” proyecta fielmente su esencia transgresora y su alma musical provocadora con una riqueza en matices y una sonoridad espectaculares. Los melómanos lectores de Lux Atenea que disfrutan descubriendo los frutos sonoros más innovadores que aparecen dentro de esta escena, comprobarán cómo el álbum “Paranoia Survive” les hará abrir sus mentes gracias a estas nuevas perspectivas musicales del power electronics, aumentando aún más su pasión por este movimiento artístico.

Iniciamos la audición de este potente álbum musical adentrándonos en la brutal cortina ruidística del primer tema “Collapsed Valve”, decorada con un diabólico plano vocal tan desencajado en su interpretación como si surgiera de una persona poseída. Llevando los niveles de registro sonoro al extremo en gran parte de sus estratos musicales, el tema “Collapsed Valve” irá desarrollándose por oleadas dentro de un entorno sofocante y corrosivo que dejará al melómano lector de Lux Atenea completamente exhausto por su tensión e intensidad. Power electronics perfilado conceptualmente con esta mirada creativa muy bien pensada a nivel artístico, y cuyo tempo calmado no hace más que aumentar su siniestra oscuridad con un trasfondo tenebroso que eriza el vello durante su audición por su capacidad para transmitir este provocativo mensaje. Una intensidad emocional que tendrá su continuidad en el tema “Birth Of Death”, de tormentosa estructura sonora y descarnado plano vocal donde los matices musicales se encuentran en un segundo plano para decorar desde la sutileza más refinada. Con el noise concebido como reflejo del cataclismo presente y de lo destructivo como expansión imparable en este mundo, la aparición de nuevos planos sonoros que caen como bombas en un ataque aéreo que arrasa todo a su paso, no hará más que abrir su horizonte musical a lo apocalíptico surgido como final inexorable. ¡¡¡“Birth Of Death”, espectacular!!! Luego, el tema “Unusual Skin” redefinirá el espectro sonoro dentro de las fronteras del noise llevándolo a lo sepulcral, y con afilados matices musicales que traspasan la frontera del noise con el industrial, estableciendo un terrible entorno de acción agresiva y de desoladora potencia donde el fuego, el metal, y lo diabólico se funden en este crisol maldito. Sin entrar en escenarios artísticos propios del dark ambient, “Unusual Skin” refleja esos mismos entornos dominados por la obscuridad procedente de otro mundo más allá de lo humano que, en muchas ocasiones, se convierte en un auténtico infierno. Una composición que obligará al melómano a abrir su mente a esta perspectiva creativa tan transgresora como ardiente en su mutación sonora, y que es llevada siempre hasta lo máximo, hasta lo mentalmente perturbador, hasta lo inconmensurable. El final del tema… una obra maestra dentro del power electronics. ¡¡¡“Unusual Skin”, brutal composición!!!

“Adorable Misery” será más pulsante, más industrial incluso por sus cíclicos planos musicales moviéndose tan pesadamente como el gigantesco motor de un superpetrolero. Una composición que es todo potencia hasta desbordar, hasta arrancar completamente sus muros de contención conceptuales para llevar al melómano lector de Lux Atenea a una nueva dimensión del power electronics más profundo y provocador. En esta labor creativa, es inevitable que Kae Takahashi y Jaw Surgery tengan que adentrarse en el eclecticismo conceptual para recrear sus fértiles ideas de vanguardia dentro de esta escena, y “Adorable Misery” tiene que ser espectacular disfrutándolo en directo. Con cromatismos sonoros extremos que parecen gritos desgarradores provenientes de una sala de torturas, su definición musical traspasa la lógica y la Razón para tocar esos resortes mentales en el melómano que lo arrojan al abismo de lo siniestro para descubrir emociones nunca antes sentidas. ¡¡¡“Adorable Misery”, excelso power electronics!!! Y ahondando en la búsqueda de lo innovador dentro de esta escena, Kae Takahashi y Chester Masangya (Jaw Surgery) nos proponen en el tema “Body Abomination”, esta invitación a entrar en el laberinto más salvaje del inconsciente humano donde los ecos de nuestro pasado como especie transformaba la supervivencia en un desprecio a la propia vida al estar en constante peligro. El sufrimiento, el dolor, la muerte como acto supremo de lo vital, todo ello gira alrededor del núcleo sonoro de “Body Abomination” como presencia indeleble de lo feroz y de la insensibilidad cuyos ojos poseen la fuerza del depredador en acción. Además, en la parte final del tema “Body Abomination” podrán apreciar la influencia conceptual del japanoise para engrandecer aún más su relevancia artística. Quedado clausurado el álbum con esta perspectiva musical del tema “Birth Of Death” ideada por el artista taiwanés Cheng Daoyuan en su remezcla, la composición abre la base sonora de su estructura a nivel conceptual para ralentizar su tempo y dar mayor densidad a sus pilares musicales. “Birth Of Death (Cheng Daoyuan Remix)” es más urbano, más industrial como emanación de una megalópolis tecnológicamente avanzada y absolutamente perdida a nivel ético y moral. Un influjo maléfico que transmite la maldad con una frialdad y una voluntad de posesión que les impresionará profundamente. “Paranoia Survive”, auténtica delicatessen conceptual de vanguardia dentro de la escena power electronics, y que hará las delicias de los fieles seguidores de esta apasionante corriente musical tan propia de los tiempos actuales, en este siglo XXI con olor a colapso de civilización. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CORPSE HONEY “DISSOLUTIONING” (GATES OF HYPNOS, mayo 2025) (Reseña / Review #2274).

Posted on 2 junio, 2025 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2274 // Reseña Musical nº: 1461

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Gates Of Hypnos por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Death Comes // 2- Fasting on Honey // 3- Inside Together // 4- Self-sacrificing // 5- Fading Slow // 6- Mellified
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro del estilo power electronics de vanguardia

El pasado día 19 de mayo fue publicado oficialmente el segundo álbum “Dissolutioning” del dúo musical estadounidense Corpse Honey a través del prestigioso sello discográfico polaco Gates Of Hypnos, estando disponible en formato digital en la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con esta impactante imagen de portada, lo anatómico se convierte en el reflejo simbólico descarnado de la pérdida de lo humano en la sociedad moderna. Una estética y un mensaje utilizados dentro de la escena power electronics como vía artística y visual para conseguir primero la mirada del melómano, luego provocar a su mente, y posteriormente impactarle con total brutalidad con estas estructuras musicales innovadoras contenidas en el álbum. Vertebrado por seis temas que no dejarán indiferentes a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena, en su nuevo álbum “Dissolutioning”, Corpse Honey vuelve a presentarnos un amplio despliegue de talento en la creación de composiciones musicales dentro del power electronics, y donde su eclecticismo conceptual engloba estilos como el noise, electrónica experimental, industrial… Por este motivo, el álbum “Dissolutioning” despliega con contundencia un torbellino sonoro de pura vanguardia con una personalidad conceptual muy diferenciada respecto a otras perspectivas musicales, resaltando la creatividad por encima de todo. Inmisericorde en su potente definición musical y salvaje en su revelador trasfondo, esta nueva obra de Corpse Honey está destinada a marcar parámetros, perspectivas, y visiones dentro de esta escena que impriman otra mirada obscura y existencial para revitalizarla. Un impulso pionero que, como semillas esparcidas en el campo, sus fértiles frutos musicales se irán viendo a lo largo de los próximos años. El dúo musical estadounidense Corpse Honey tiene talento, sabe cómo transmitir fielmente sus ideas en cada composición, y su siniestra belleza les fascinará y les impactará con fuerza porque tiene ese lado transgresor que toda vanguardia ha de poseer para romper barreras y límites conceptuales.

Iniciamos la audición de esta magna obra musical sumergiéndonos en la atmósfera sonora apocalíptica del primer tema “Death Comes”, donde los efectos de sonido, los samples, y las grabaciones reproducidas en bucle, configuran esta brutal estructura musical de vanguardia con una fuerza tan destructiva como el estallido de una bomba nuclear. Esta atmósfera sonora posteriormente va a ser gobernada por el pánico, el shock, y la confusión mientras todo alrededor huele a muerte. En el tema “Death Comes”, Corpse Honey crea una perspectiva nueva dentro del estilo power electronics con un realismo artístico, con un panorama desolador, y con esas cenizas flotando en el aire donde hacía poco había vida, que impactará musicalmente el melómano lector de Lux Atenea hasta hacerle ser consciente de forma inmediata sobre la grandeza conceptual atesorada en este álbum. Desembocando en el segundo tema “Fasting on Honey”, lo destructivo pasará a un primer plano pero dentro de una manifestación sonora colosal. Como la erupción de un volcán donde la densa lava es arrojada con violencia desde las entrañas de la tierra, “Fasting on Honey” va a ir desarrollándose con una tensión estructural aún más extrema que irá siendo potenciada hasta quedar entrecortados algunos de sus planos sonoros como recreación de esta presión salvaje. Con este power electronics oscilando en la frontera con el noise, la grandeza conceptual de estos ciclos musicales viene dada por su constante evolución sonora interna hasta casi desdibujarse en su límite con la desestructuración artística máxima. ¡¡¡“Fasting on Honey”, absolutamente transgresor!!! Dentro de esta vía creativa tan agreste, el tercer tema “Inside Together” proyectará una sonoridad futurista con destellos distópicos mientras este plano sonoro distorsionado va marcando su tempo, siendo complementado con un éxtasis llevado hasta el ahogamiento que derivará hacia este tornado electrónico metálico que, como cuchillas, arrancará el óxido existencial no para que brille, sino para ser seccionado y separado. Sin perder su halo cosmopolita, “Inside Together” lleva al nihilismo, incluso al hedonismo más egoísta e individualista debido a que la persona ha perdido su proyecto de futuro y sus ambiciones, anclándose en un carpe diem casi suicida por su alta intensidad y desgaste vital experimentado en un progresivo aislamiento social. ¡¡¡“Inside Together”, espectacular!!!

Lo corrosivo llevado al individuo, a su espíritu dañado, y a sus pensamientos degradados, ha quedado fielmente recreado en el impresionante tema “Self-sacrificing”, con el dúo musical estadounidense Corpse Honey ofreciéndonos una plasticidad sonora casi táctil en su manifestación musical. Más siniestro en su ambientación, “Self-sacrificing” ahonda en los terrores internos, en la pérdida de la cordura, en el abandono dentro de la fantasía mental llevada a lo decadente y degradado, quedando todo perfectamente mostrado en esta tenebrosa estructura musical cuyos estratos sonoros mutan y dejan espacios a nuevos cromatismos electrónicos de esencia experimental. Introspectivo y demoníaco, el tema “Self-sacrificing” somete y lacera para dejar su huella en el alma como cicatriz que recuerde su martirio. Así de crudo y de inmisericorde se va a ir desarrollando a nivel artístico, teniendo a la Muerte como deseada puerta de salida que es abierta. Con el tema “Fading Slow” disolviendo lo consciente, lo existencial, lo trascendente, se caracteriza especialmente por su aparente entorno tenebroso de corte gótico que, en constante degradación, desdibujará sus planos musicales a través de la inmersión conceptual en el noise que termina expandiéndose en cada una de sus columnas sonoras. Con samples en bucle que dan esa aparente presencia de lo humano, en el fondo, provocará el efecto contrario en el melómano lector de Lux Atenea con la entrada de nuevos samples a cual más trágico. Llegando a lo psicótico, “Fading Slow” termina siendo una autentica pesadilla propia de los weird tales estadounidenses de principios del siglo XX. El tema “Mellified” clausurará esta auténtica obra maestra dentro del power electronics más vanguardista, con una mirada creativa basada en espacios mucho más amplios que, sin perder su obscuridad, adquieren una tenebrosidad casi solemne en su latente maldad. Oculto y furtivo en este escenario, su presencia es sentida, su impulso destructor aparece con afiladas ráfagas que quiebran la realidad para ser reconfigurada a su voluntad, transformando todo en un entorno desolador donde se ha perdido el sentido de la vida hasta convertir su presencia en una diabólica exposición de taxidermia. “Dissolutioning”, aquí no encontrarán nada dulce, sino el amargor de la hiel existencial y social recreada con la mirada artística innovadora del dúo musical estadounidense Corpse Honey. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CADLAG “TENSOR” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, mayo 2025) (Reseña / Review #2273).

Posted on 30 mayo, 2025 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2273 // Reseña Musical nº: 1460

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico esloveno Pharmafabrik Recordings por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Tensor // 2- Matrix // 3- Legionela // 4- Interval // 5- Kompakte // 6- Asbestopluma // 7- Ampula // 8- Spekula // 9- Cavern
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Matrix // 3- Legionela // 6- Asbestopluma

Presentado oficialmente el pasado día 7 de mayo a través del prestigioso sello discográfico esloveno Pharmafabrik Recordings, el álbum “Tensor” de Cadlag ha sido publicado en formato digital, en una preciosa edición en CD, y en una lujosa edición limitada en cinta de audio de 7 pulgadas, estando disponibles en la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con una estética clásica dentro de la escena electrónica experimental, el mensaje visual proyecta en su trasfondo esa búsqueda de nuevas fronteras, de nuevos territorios sonoros, y de nuevas estructuras musicales con la mirada creativa del pionero. En su reciente álbum “Tensor”, el colectivo esloveno Cadlag nos presentan un nuevo despliegue de talento en la definición sonora a través del eclecticismo conceptual, y de su propia visión del arte musical donde los espacios donde se graban estas composiciones forman parte esencial de su perfilamiento sonoro final, integrándose en perfecta armonía con la idea artística aunque el tema llegue a ser extremo en su estructura sonora. En el caso en particular del álbum “Tensor”, esta búsqueda de espacios y entornos donde grabar los nueve temas que vertebran esta magna obra, ha llevado a Cadlag a encontrar diferentes entornos industriales, mineros, religiosos, y cavernas. El fruto sonoro final es espectacular, como así podrán comprobarlo los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta joya musical que, seguro, no tardará mucho en agotar sus ediciones físicas, sobre todo la lujosa edición en cinta de audio de 7 pulgadas. Una auténtica rareza discográfica destinada a los melómanos y a los coleccionistas más selectos.

Sin más demora, iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en su tema homónimo con total contundencia sonora. Así, de entrada, sin filtro alguno ni antesala ambiental. Una amalgama estructural donde estos estratos noise nos cubren a nivel sensorial, mientras sutiles planos electrónicos experimentales fluyen en su trasfondo para ofrecer cromatismos sonoros alejados de esta salvaje cortina noise. Evolucionando hacia parámetros propios del power electronics, el tema “Tensor” marca ciertas diferencias al incorporar matices musicales que, de forma fugaz, se adentran en terrenos industriales para dar otra dimensión a estos espacios tan opresivos. Con la sonoridad de una caverna, cada uno de sus pilares sonoros irán apagándose para dar paso esta fluida manifestación musical cuyos matices se engloban dentro de la electrónica experimental, para luego diluirse hasta desaparecer. Con el tema “Matrix” cambiando completamente el entorno hacia elementos más eléctricos e incandescentes, su impacto musical es tan espectacular como contemplar una torre de Tesla en acción. Pero “Matrix” es distópico en su esencia, de ahí ese fondo melódico tan siniestro como apocalíptico por la crudeza de emociones y sentimientos que se perciben. Si hubiera que poner banda sonora a la representación cinematográfica de una Inteligencia Artificial fuera de control, el tema “Matrix” sería perfecto, ideal, y terriblemente directo en su mensaje. ¡¡¡“Matrix”, colosal!!! Luego, el tema “Legionela” presentará una estructura melódica completamente calmada por su perspectiva conceptual minimal, siendo decorada con luminiscentes pilares sonoros experimentales que le dan esa aura de vanguardia de primer nivel. Incluso sus vibraciones no alteran el equilibrio de su estructura minimalista, presentando una fragilidad casi cristalina en su latencia que fascinará al melómano lector de Lux Atenea por su perspectiva de vanguardia. Hasta cuando lo vibrante derive en la estática y en esta tensión musical electrónica, ampliando el noise su área de influencia, la armonía permanece sorprendentemente inmutable, y hay que tener mucho talento musical para dar continuidad a una estructura sonora de estas características. ¡¡¡“Legionela”, innovación conceptual!!!

El tema “Interval” dará continuidad a lo vibrante prolongando su tempo, y puliéndolo con esta languidez casi sepulcral que irá adentrándose en parámetros sonoros propios del dark ambient. Una estancia donde la proximidad del vacío provoca parálisis, y con la omnipresencia de lo inconmensurable en clave siniestra que nos conduce pausadamente a su inquietante centro, perfilado como una estructura industrial esquematizada en sus pilares sonoros. “Interval” es desasosegante por su atmósfera tan gélida, y hasta en su fase musical más activa no dejan de emanar estas amenazantes brumas propias de la ultratumba. En el fondo, el tema “Interval” es como un terrible Reino de Hades, pero no como paso previo al Cielo, sino al Infierno, siendo su final musical muy impactante y espectacular en su definición sonora. En cambio, “Kompakte” será totalmente radical en su esencia ruidista con este contundente power electronics tan devastador como el paso de un tornado de nivel 5, dejando el escenario musical preparado para que el tema “Asbestopluma” aparezca con un panorama obscuro de amplio horizonte, sumergido en una obscuridad abismal que todo lo atrae a su inhóspita fosa. Con una atmósfera de cierta ingravidez, “Asbestopluma” es una extraordinaria composición que posee la magia sonora del ritual ambient sin serlo, no saliendo de las amplias fronteras musicales del dark ambient y con una gran brillantez en su definición cromática siniestra donde lo tecnológico y lo futurista adquieren ese halo demoníaco. Hasta lo mortuorio termina haciéndose presente perfilado con pasajes sonoros experimentales de dura y rugosa textura, y con esa energía de lo ctónico capaz de alterar lo físico con su acción. Los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena dark ambient disfrutarán de forma muy especial este tema por su perspectiva creativa tan avanzada. ¡¡¡“Asbestopluma”, pura obscuridad en clave musical!!!

Posteriormente, el tema “Ampula” nos conducirá a un entorno completamente distinto sin perder esos aires tenebrosos, teniendo en sus brillantes claroscuros sonoros esa clave pionera en la composición al resplandecer en esta superestructura musical como espectaculares pinceladas experimentales de gran viveza. Una intensidad creciente en su actividad que nos rodeará con su poderosa definición conceptual, y donde Cadlag no duda en hacer uso de parámetros industriales para potenciar su impacto. En constante transformación, que el tema “Ampula” desemboque en este grandioso estilo power electronics es artísticamente lógico si se desea profundizar en su grandiosidad, para luego proyectar esta estructura con una moderación musical que resalte la espectacularidad de estas emanaciones electrónicas extremas y cortantes. “Ampula” es tensión, son esos cortes afilados que la tecnología va dando a la sensibilidad humana para aislar al individuo en su propio Ego, apartando cualquier atisbo de empatía mental con la precisión de un neurocirujano. En un nuevo cambio del escenario musical, el tema “Spekula” tomará al power electronics como eje conceptual para potenciarlo con nuevas oleadas experimentales orquestadas sobre un entorno sosegado. Un contraste absoluto entre lo nebuloso y lo agresivo, entre la calma y la acción violenta, y esta dualidad sonora va perdurando en esta composición con una perspectiva innovadora que sorprende por su apertura artística a nivel creativo. “Spekula” es tan arriesgado a nivel conceptual que su final abrupto es hasta esperado, siendo el camino musical que se termina para que el tema “Cavern” tome el control sonoro como clausura de este álbum. De perspectiva post-industrial en su definición artística, Cadlag va apartando sus planos sonoros de forma sutil para dar paso a un nuevo concepto en clave power electronics que, tímidamente, desde el fondo va a ir abriéndose paso gracias a estas oleadas ruidísticas donde el noise es esencial para rasgar las diferentes capas musicales mostradas en su inicio. Cuando este latente tempo tan marcado vaya sincronizándose con toda la nueva estructura sonora, los pilares musicales del tema “Cavern” van a crear un colosal pasillo con columnas experimentales de primer nivel que dejarán al melómano profundamente impresionado, llegando a su inevitable colapso final. “Tensor”, dentro de la escena experimental más ecléctica, una nueva muestra musical de la impactante alma artística de vanguardia ideada e interpretada con sumo talento por el colectivo esloveno Cadlag. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
PUREH “TETRAGRAM” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, diciembre 2024) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “OSCILLOPSIA” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, septiembre 2014) (leer reseña)
DANIEL BUESS “PITCH” featuring CAL LYALL & KIKUCHI YUKINORI (PHARMAFABRIK RECORDINGS, diciembre 2014) (leer reseña)
VARIOUS ARTISTS “FABRIKSAMPLER V4” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, 2011) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SORRY FOR LAUGHING “SELECTED WORKS (2020-2025)” (NO PART OF IT, marzo 2025) (Reseña / Review #2272).

Posted on 29 mayo, 2025 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2272 // Reseña Musical nº: 1459

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Seen by candlelight // 2- A howl in the park // 3- The necessity of good timing // 4- Milk wood (Polly’s song) // 5- Fate stars // 6- Nothing for everyone // 7- Seven stormy oceans (an Edward Lear dream) // 8- Friends forever // 9- Struck blind // 10- Twist ending – Shelf isolation // 11- Heart of the matter – The three roses // 12- Waterlow ode // 13- The second value moment
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 3- The necessity of good timing // 4- Milk wood (Polly’s song) // 7- Seven stormy oceans (an Edward Lear dream) // 8- Friends forever // 10- Twist ending – Shelf isolation

Presentado oficialmente a principios del pasado mes de marzo, el extraordinario álbum “Selected Works (2020-2025)” está vertebrado por una exquisita selección de temas musicales realizada personalmente por el genial artista estadounidense Gordon H. Whitlow, en exclusiva para el prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It. En mi reseña sobre el álbum “The Medici Poison Garden” de Crone of the Wildwood, ya recomendé a los melómanos lectores de Lux Atenea que se subscribieran a este sello discográfico de vanguardia dirigido por el talentoso artista Arvo Zylo, porque atesora auténticas joyas discográficas en su catálogo. Disponible en formato digital sólo para subscriptores a través de la página oficial del sello en Bandcamp, el álbum “Selected Works (2020-2025)” ha sido engalanado con esta espectacular portada donde su belleza cromática realza ese mensaje de soledad, y de estar constantemente en el filo de la navaja en este mundo mientras lo sublime irradia espiritualmente su esencia siniestra. Para poder ver este mundo desde lo alto, se ha de pagar el precio de la soledad absoluta, de la incomprensión, y del rechazo por ser un alma libre, y en lo más alto solamente se contempla lo sublime, aquello velado a los comunes, a los grises, a los intrascendentes. Como alma mater y líder de la banda musical Sorry For Laughing, el virtuoso artista experimental Gordon H. Whitlow ha ido desarrollando desde la década de los ochenta una vanguardia conceptual pionera cuya fascinación lírica y melódica impresionará a los melómanos. Cuarenta años de experiencia artística desarrollados no solamente en Sorry For Laughing, sino también en el proyecto musical Biota y en el colectivo artístico de vanguardia Mnemonists de la década de los setenta. Pero la banda musical Sorry For Laughing es muy especial, ya que en ella también han participado grandes artistas como Edward Ka-Spel (The Legendary Pink Dots), Martyn Bates (Eyeless in Gaza), el violinista Patrick Q Wright, y la guitarrista Janet Feder. Un magnetismo musical cuyos frutos han sido espectaculares en cuanto a innovación conceptual, en cuanto a creatividad en la composición, y en cuanto a brillantez en su interpretación con pasión. Esta alma musical irradia su belleza artística en el álbum “Selected Works (2020-2025)”, convirtiendo la escritura de esta reseña en uno de esos momentos inolvidables en Lux Atenea que recordaré siempre, hasta que la Dama Muerte me dé su beso en este mundo. ¡¡¡Gordon H. Whitlow, chapeau!!!

Iniciamos la audición de esta joya discográfica con el primer tema “Seen by candlelight” y su intensa apertura musical, apareciendo desde un principio su carácter conceptual donde la electrónica experimental oscila en su frontera con el post-industrial, el noise, y el industrial. Texturas rugosas, cortantes planos musicales, trasfondos sonoros alterados, van configurando esta estructura para llevarnos a una obscuridad en el entorno donde las sombras se mueven, y donde lo siniestro es muy sutil y delicado. Llegando a las puertas del tema “A howl in the park”, su apertura nos desvelará esta delicia melódica para piano acompañando a una lírica interpretada con cierto grado de timidez que le da un gran encanto. Con la misma magia melódica de un carrusel establecida en su estructura musical como trasfondo, “A howl in the park” tiene el punto de inocencia de una historia de misterio y luz, desplegándose con la paciencia de aquello que siempre termina en un inquietante epílogo, de ahí su siniestra parte final. “The necessity of good timing” dará continuidad a esta deriva con claroscuros, presentando una tensa y entrecortada melodía para piano que, con otro plano melódico para piano de largo tempo situado en un segundo nivel, provoca que la lírica quede entre sus dos aguas sonoras. La entrada de siniestros coros llevará al melómano lector de Lux Atenea afín a la escena gótica más experimental, a disfrutar de uno de los temas más excelsos de este álbum. ¡¡¡“The necessity of good timing”, tenebrosa joya musical gótica!!! Tras esta exquisitez obscura, el tema “Milk wood (Polly’s song)” ahondará en ese misterio en el entorno pero con una perspectiva conceptual ecléctica girando alrededor del dark ambient y del ambient, hasta que este último quede en un primer plano como luminoso pilar melódico hasta la aparición de la lírica interpretada con la débil calidez de una noche invernal. “Milk wood (Polly’s song)” es mágico, es casi mitológico en sus raíces musicales con pasado, y con esa mirada de fascinación que se perdió con la llegada de la Modernidad. En constante evolución musical, su espíritu melódico provocará que el melómano incluya este tema en su selección musical más personal y querida. ¡¡¡“Milk wood (Polly’s song)”, maravillosa canción!!!

Cambiando radicalmente de estilo, el tema “Fate stars” nos hará volver a lo experimental dentro de una dimensión mucho más minimal, desarrollándose su interpretación lírica como la historia contada por un trovador mientras la música va recreando cada uno de los escenarios descritos. De una obscuridad perfumada con melancolía, “Fate stars” tiene el encanto de lo vintage pero actualizado gracias a esta estructura sonora de vanguardia completamente alejada de convencionalismos. “Fate stars” es brillante y obscuro, reflejando esos brillos aperlados en tono gris que te alejan del presente, que te sumergen en otra época que nada tiene que ver con las tendencias musicales actuales y, curiosamente, “Fate stars” sigue sonando innovador. Esta es la magia artística de Sorry For Laughing, y “Fate stars” tiene atracción y magnetismo. Luego, el tema “Nothing for everyone” aparecerá con una solemnidad melódica casi ceremonial que derivará hacia terrenos experimentales en su definición instrumental. Con la aparición de un segundo plano melódico encargado de estabilizar su estructura musical, el giro conceptual nos conducirá hacia esta desestructuración controlada situada en el límite de su colapso sonoro hasta el final de la composición. Mantener esta tensión musical sin que todo se venga abajo es otra nueva muestra del espíritu creativo de vanguardia de Sorry For Laughing, teniendo a Gordon H. Whitlow como insustituible director de orquesta. “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” nos llevará directamente a este escenario tormentoso donde lo depresivo y el desasosiego son recreados melódicamente con este plano instrumental para violín. La entrada de la lírica interpretada con esos aires de tragedia asumida por su inexorable realidad, da al tema “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” ese plano artístico bajo donde luego brillar la belleza melódica del violín. Con reminiscencias irlandesas en parte de su definición sonora, “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” también incorpora pinceladas experimentales para evitar que pueda etiquetarse al tema como puramente folk. Su parte final… ¡¡¡una auténtica delicia!!! Posteriormente, “Friends forever” va a mostrarnos con una perspectiva artística donde lo gótico está presente de forma sutil en un principio, amalgamándose con este ambient de etérea esencia cuyas iridiscencias fascinarán a los melómanos que buscan armonía, mirada inocente, y limpieza mental en la definición artística de una composición, proyectando esa belleza ya perdida en la acelerada vida posmoderna actual de insensible piel de elefante. ¡¡¡“Friends forever”, aterciopelado tema!!!

Retornando a lo ceremonial con el tema “Struck blind”, se mantendrán las iridiscencias del tema anterior pero sin su inocencia tan característica, abriendo su estructura musical con una evolución más madura, más pesada, más asentada en lo terrenal y con un trasfondo de resignación, conservando “Twist ending – Shelf isolation” esa base ceremonial pero mucho más tímida. Situada como trasfondo, la quietud de esta composición y su minimalismo serán decorados con maestría con fugaces pinceladas sonoras experimentales, adquiriendo esa solemnidad de apagado espíritu como una asimilada espera. Fluyendo lo melódico como una suave niebla que va cubriendo todo el entorno, “Twist ending – Shelf isolation” termina desembocando en lo decadente a pesar de su vibrante cambio melódico, desarrollándose como si fuera el canto del cisne. Entrando la lírica con intensidad para reactivar toda la estructura, su siniestro halo irá desvelándose con progresiva claridad para encantarnos por su magnífica interpretación lírica e instrumental. ¡¡¡“Twist ending – Shelf isolation”, virtuosismo experimental!!! El tema “Heart of the matter – The three roses” saldrá completamente de esa dinámica musical para llevarnos a un escenario más urbano, acercándose al jazz en su definición instrumental que acompañará a esta lírica declamada, entrando planos sonoros ambient para cambiar absolutamente su estructura. Una transición conceptual rápida, armoniosa, fluida, que también se repetirá cuando pasemos a este estilo propio de las bandas sonoras puntualmente decorado con matices instrumentales metálicos, para luego entrar en un free style. “Heart of the matter – The three roses” es la transformación, la revolución conceptual consolidada con inmediatez sin que suponga en ningún momento un quiebre en su perspectiva musical. Desembocando con suavidad en “Waterlow ode”, esa visión alegre e inquietante del carrusel retornará pero mucho más siniestra que en el tema “A howl in the park”, y es que “Waterlow ode” es tenebroso hasta en sus planos melódicos, volviéndose un tanto diabólico y psicótico en su final. Con el tema “The second value moment” clausurando esta selección musical, el estilo ambient va a abrir los espacios pero dentro de una amplia bruma que desdibuja las formas y tamiza la luz, yendo poco a poco hacia un tenebroso estilo dark ambient casi sepulcral que se encaminará sonoramente a lo fantasmagórico. Con la entrada de la lírica, en su atmósfera musical se fusionará el dark ambient con cromatismos sonoros experimentales, manteniendo la atmósfera gótica con estos aires decimonónicos de ultratumba que, con la entrada del violín, presentará su máxima expresión artística. “Selected Works (2020-2025)”, el amplio y fascinante abanico conceptual desarrollado con sumo talento artístico por Sorry For Laughing a lo largo de todos estos años. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
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LUX ATENEA

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Archivo del Autor: Félix V. Díaz

Acerca de Félix V. Díaz

DODENSKALD “TELEPATHIC FAREWELL” (BROKEN BOTTLE PRODUCTIONS, diciembre 2023) (Reseña / Review #2281).

LAST DAYS OF BURDEN “BLACK OCEAN BEYOND TIME” (AUTOEDITADO / SONIC CENTURION, junio 2025) (Reseña / Review #2280).

DØDSMASKIN “ISOLAT” (DEATH MACHINE INDUSTRIES, marzo 2025) (Reseña / Review #2279).

UNHOLY IMPURITY “OCULUS MORTIS” (MASKED DEAD RECORDS, febrero 2025) (Reseña / Review #2278).

MARC AND THE MAMBAS “THREE BLACK NIGHTS OF LITTLE BLACK BITES” (COLD SPRING RECORDS, agosto 2025) (Reseña / Review #2277).

PETROLIO “SANGUE (šαиgνe) – EP” (ANTHROPOLOGIST INC. / TOTEN SCHWAN RECORDS / DIO DRONE, mayo 2025) (Reseña / Review #2276).

KAE TAKAHASHI & JAW SURGERY “PARANOIA SURVIVE” (CRUEL NATURE RECORDS, abril 2025) (Reseña / Review #2275).

CORPSE HONEY “DISSOLUTIONING” (GATES OF HYPNOS, mayo 2025) (Reseña / Review #2274).

CADLAG “TENSOR” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, mayo 2025) (Reseña / Review #2273).

SORRY FOR LAUGHING “SELECTED WORKS (2020-2025)” (NO PART OF IT, marzo 2025) (Reseña / Review #2272).