TENHORNEDBEAST “CAPRA HIRCUS” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2024) (Reseña / Review #2183).

Posted on 17 junio, 2024 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2183 // Reseña Musical nº: 1371

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- The Hallowing Of The North // 2- Cup & Ring // 3- How Pan Healed The Christ // 4- One More Leaf // 5- The Hearts Of All Men Dwell In The Same Wilderness
Datos técnicos: Temas musicales creados en los meses de invierno de los años 2023 y 2024; álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Atrittion) en su mítico laboratorio de alquimia musical The Cage Studios
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena ritual ambient

A finales del pasado mes de mayo fue presentado oficialmente el nuevo álbum “Capra Hircus” de Christopher Walton, alma mater de TenHornedBeast y mítico artista del dúo musical de culto Endvra (leer reseñas). Publicado por el prestigioso sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD de seis paneles, ambas disponibles en la webstore del sello y en su página oficial en Bandcamp, “Capra Hircus” ha sido engalanado con este magnífico diseño creado por Abby Helasdottir utilizando fotografías tomadas por el propio artista Christopher Walton en los montes Peninos, teniendo como protagonista principal a la cabra (“Capra Hircus” en su nombre científico que da título al álbum) y ese entorno bucólico inmortalizado visualmente. A nivel musical, Christopher Walton continúa profundizando en su base conceptual de composición a través de esta fusión del estilo ritual ambient con el drone al ser el lenguaje sonoro perfecto para recrear lo místico, lo espiritual, lo mágico… transformando los cinco temas que vertebran esta nueva obra musical en una inmersión mental hacia ese otro lado de la realidad, y con esa sensibilidad que ofrece el plano existencial elevándose sobre lo mundano. Todo ello, potenciado gracias a la impecable labor técnica de masterización realizada por el maestro Martin Bowes (Atrittion) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios. Gracias a este armonioso equilibrio en los niveles de registro sonoro, el álbum “Capra Hircus” se presentará en los oídos del melómano lector de Lux Atenea con una nitidez y con una precisión en el detalle musical que les impresionara, sumergiéndoles en otra dimensión, en otros espacios, en otra sensibilidad artística creada por TenHornedBeast. Después de su obra maestra “The Lamp Of No Light (Hymns For The Yorkshire Doom Stone)” (leer reseña) publicada por Cold Spring Records en el año 2022, “Capra Hircus” es su nueva obra maestra al dar un giro conceptual absoluto hacia lo sublime dentro del avanzado estilo ritual ambient que está desarrollando Christopher Walton en TenHornedBeast, y como inspirado trasfondo que viene caracterizando a su etapa artística más reciente.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra adentrándonos en el tema “The Hallowing Of The North”, mientras seguimos esta brumosa y obscura senda alejada completamente de la civilización donde el mundo y la vida adquieren otro significado, otra relevancia, otro sentido de existencia. “The Hallowing Of The North” es mucho más cercano a lo supraterrenal por el halo de trascendencia que transmite. A nivel musical, el drone perfila espacios, envuelve con su languidez sonora, y nos rodea con estas tenues luces casi fantasmagóricas que no están protagonizadas por espíritus o almas. “The Hallowing Of The North” es más un camino místico, una brújula esotérica bien orientada para marcar hacia donde ir, y precisamente el acto de recorrer estos espacios sagrados es lo que engrandece conceptualmente a esta composición en su recreación. Además, los melómanos lectores de Lux Atenea van a sentir inmediatamente la maestría y la experiencia musical de Christopher Walton en cuanto escuchen atentamente este tema al proyectar una armonía en su estructura sonora que les cautivará. Indiscutiblemente, “The Hallowing Of The North” es un tema que posee una belleza siniestra que impone pero no es esa belleza siniestra que provoca terror, ya que lo siniestro aquí es incertidumbre, es sorpresa, es desvelo, y es ese acto de progresiva fascinación hacia lo desconocido que se va iluminando poco a poco para mostrar su esencia, su fundamento, su halo supraterrenal. Este viaje hacia el norte es también una progresiva iluminación interior donde lo humano va desvaneciéndose, donde las palabras aprendidas para el lenguaje van borrándose debido al desvelo inefable que da respuestas directamente al alma, y donde hasta lo físico y lo material van perdiendo su poder y su influjo condicionante.

El tema “Cup & Ring” aparecerá con esta vibrante entrada sonora para recrear el cambio de realidad, para mostrar el cambio dimensional, y para romper cada uno de los condicionantes que alteraban el presente, permitiendo mostrar ese otro mundo donde la lógica y la razón humanas se encuentran absolutamente superadas por lo que se observa y por lo que se intuye. Con una base sonora establecida en esta estructura musical como si fuera un reloj de carrillón sonando a una hora en punto, su melodiosa secuencia dejará hipnotizados a los melómanos lectores de Lux Atenea a pesar de estos afilados planos sonoros de frecuencias agudas que llegan incluso en su nivel de registro más alto hasta el borde de la saturación. “Cup & Ring” es musicalmente siniestro pero como antesala de lo que va a ocurrir, de lo que va a acontecer, y ese velo enigmático es lo que no se perderá hasta nuestra entrada en el tema “How Pan Healed The Christ”, donde lo pagano hace acto de presencia. El paganismo y las fuerzas de la naturaleza versus el cristianismo y su demonización del entorno natural como justificación de su adulteración en manos humanas de egoísta e interesada intencionalidad. “How Pan Healed The Christ” es un amanecer, ese amanecer para el alma que revitaliza al espíritu y lo potencia, lo exalta y lo purifica, quedando atrás lo denso, lo verdaderamente obscuro, y lo degradantemente humano. A nivel musical, estos iridiscentes planos sonoros recrean fielmente esta apertura del templo sagrado, esta iluminación mental que comunica directamente con el alma, quedando los cromatismos sonoros del drone como definición del mundo divino y de la energía que late en el entorno natural como conjunto global vivo y sintiente. ¡¡¡“How Pan Healed The Christ”, impresionante tema!!!

Posteriormente, el tema “One More Leaf” se presentará conceptualmente mucho más arriesgado e innovador al situarse en la frontera del ritual ambient con la música contemporánea. Vibrante y minimalista en su definición dimensional, aquí los espacios se vuelven inconmensurables y los planos sonoros aparecen y se alejan hasta convertir esta composición en un escenario en 3D. Nítidamente configurado en su estructura musical, hasta la electrónica experimental se asoma tímidamente en su ecléctica evolución, transformándose su audición en una experiencia musical que dará absolutamente fascinados a los melómanos afines a la vanguardia. Clausurando esta joya artística de TenHornedBeast se encuentra el tema “The Hearts Of All Men Dwell In The Same Wilderness”, y es aquí donde el ritual ambient se convierte en protagonista conceptual con una magnética armonía en su despliegue sonoro como solamente de lo espiritual y esotérico puede emanar. Todo fluye de forma imparable en su lánguido movimiento, estableciéndose esa conexión mental con el melómano que lo vuelve reflexivo y psíquicamente abierto a la expansión sensorial, entrando en un estado hierático que lo embriaga y lo envuelve con el mismo velo existencial que termina cayendo a sus pies tras la revelación. Pero entonces ya no percibe el calor, la complicidad, la perspectiva vital que fundamentaba todo, viniéndose abajo toda la estructura interior para que, en esas ruinas, sea donde brote lo salvífico mientras el alma comprende el sentido de su soledad como unicidad existencial de carácter espiritual y universal. El alma acaba entendiendo que la soledad es la inexorable condición para la evolución y para la transformación interior, no necesitando a otras entidades para poder alcanzar ese proceso místico y trascendente. “Capra Hircus”, la nueva obra maestra musical firmada artísticamente por Christopher Walton y embellecida discográficamente por el sello británico Cold Spring Records. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MEAT BEAT MANIFESTO & MERZBOW “EXTINCT” (Cold Spring Records, abril 2024) (Reseña / Review #2058).

Posted on 25 febrero, 2024 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2058 // Reseña Musical nº: 1367

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- ¡FLAKKA! // 2- Burner // 3- ¡FLAKKA! (Radio Edit)
Datos técnicos: Temas musicales compuestos y grabados por Meat Beat Manifesto (Jack Dangers) y Merzbow (Masami Akita) entre los meses de noviembre de 2023 y enero de 2024
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Ecléctica Obra Maestra Musical

El próximo día 26 de abril será presentada oficialmente esta auténtica joya musical a través del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records, estando ya disponible en pre-pedido en la página oficial del sello en Bandcamp y en su webstore. El álbum “Extinct” de Meat Beat Manifesto y Merzbow será publicado en formato digital, en digipak CD, en vinilo LP 12”, y en una preciosa edición limitada de 300 unidades en LP 12” en vinilo rojo. Engalanado con este atrayente diseño artístico creado por Abby Helasdottir (Gydja), visualmente, su portada refleja el ecléctico espíritu musical que fundamenta este álbum innovador a través de una bella imagen estética donde se armoniza lo retro con lo actual, incluso hasta en el degradado cromático y en su armoniosa definición geométrica. A nivel sonoro, es impresionante comprobar cómo dos grandes genios musicales como el artista inglés Jack Dangers (Meat Beat Manifesto) y el artista japonés Masami Akita (Merzbow) han armonizado con sumo talento sus estilos musicales donde son auténticas eminencias conceptuales. En el excelso álbum “Extinct”, el melómano lector de Lux Atenea va a poder disfrutar de esta impactante vanguardia sonora en estado puro donde se funden en su base ecléctica, estilos musicales como el breakbeat, noise, e industrial, con pinceladas sonoras experimentales, high-tech ambient, y drum & bass. Todo ello, integrado con maestría en este crisol musical gracias al virtuosismo artístico desarrollado por Jack Dangers y Masami Akita que, durante los meses de noviembre de 2023 y enero de 2024, llevaron sus radiantes ideas conceptuales a su interpretación musical más contundente, precisa, e innovadora. Por este motivo, disfrutar el espectacular álbum “Extinct” es escuchar el futuro musical dentro de esta apasionante escena. Es abrir una puerta espacio-tiempo para sentir lo que en los próximos años va a inspirarse en esta magna obra musical tan avanzada. Como analista cultural y melómano, para mi es todo un honor que el sello discográfico británico Cold Spring Records me haya enviado este promocional para ser reseñado, porque su audición es hedonismo artístico iluminado con esta crème de la crème musical firmada por los ilustres Meat Beat Manifesto (Jack Dangers) y Merzbow (Masami Akita). ¡¡¡Qué lujo discográfico!!! Recomiendo reservar ya mismo la compra de su edición en vinilo en pre-pedido, siendo mucho más inmediato el pre-pedido si hacemos referencia a su exclusiva edición en vinilo rojo.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en el primer tema “¡FLAKKA!” con esta espectacular e intensa base musical, y donde el artista inglés Jack Dangers y el artista japonés Masami Akita directamente impulsan esta ecléctica composición a nivel sonoro sin concesiones. Aquí todo es creatividad y potenciación de su estructura musical de vanguardia, quedando perfectamente armonizados en lenguaje musical algunos estilos como el drum & bass, el breakbeat, y este noise no tan extremo e hiriente en su cortante presencia. Lo que más impresionará al melómano lector de Lux Atenea en su atenta audición es la sensación de fragilidad que tiene esta estructura multicapa, y que constantemente está a punto de quebrarse como si fuera el presagio de su colapso. Una atmósfera musical de vanguardia de donde emana esta acidez cosmopolita underground, como si se hubiera interpretado este tema improvisadamente en un escondido club musical del downtown a altas horas de la noche. Esa misma magia artística y conceptual es la que brilla intensamente en “¡FLAKKA!”, transformándose en un viaje musical donde el talento de Jack Dangers (Meat Beat Manifesto) y Masami Akita (Merzbow) fluye, provoca, sorprende, y abre nuevas perspectivas sonoras profundamente marcadas por el eclecticismo. Explosivamente experimental en su evolución, los veinte minutos de duración del tema “¡FLAKKA!” nos van a conducir de este potente impacto sonoro en su comienzo, que despeja cualquier prejuicio inicial por parte del melómano, a otro escenario donde la estructura entra en crisis con estos pasajes noise e industriales que cortan de forma imparable como si fuera una potente radial aplicada al metal. Posteriormente, el espectro musical se saturará, quedando este nuevo plano sonoro intermitente como alerta previa antes del colapso.

Luego, ese mismo plano sonoro intermitente se transformará en el tempo que definirá su re-estructuración al haber quedado despejados algunos espacios dimensionales, siendo cubiertos con varios perfiles sonoros experimentales en cuyo trasfondo sigue presente este breakbeat en segundo plano. Envolviéndonos posteriormente con un áspero torbellino industrial tan agreste, los perfilamientos sonoros de corte mecánico van a dominar en esta fase de la composición hasta encerrarnos en una salvaje cúpula musical donde se respira este polvoriento aire apocalíptico, tras el cual, la entrada de capas musicales de alta frecuencia y ruidísticas desembocarán en otro escenario futurista propio del transhumanismo. Esta fase creativa de Merzbow y Meat Beat Manifesto es espectacular, y dejará profundamente impactados a los melómanos afines a la vanguardia más transgresora y adelantada a su tiempo. Cuando fugaces perfiles sonoros electrónicos den una destellante luz a esta estructura que se había vuelto muy angosta en su dimensión, de repente, todo volverá a hundirse, e inmediatamente surgirá de este vórtice otra nueva definición conceptual del tema donde planos high-tech ambient adquieren mayor protagonismo. Cubriéndonos con una espiral sonora iridiscente, en esta fase, el tema “¡FLAKKA!” quedará más plano, más monolítico, y más pesado en su desarrollo, y ni la entrada de afiladas capas noise e industriales van a afectar a esta colosal columna en su potente y expansiva estabilidad. Cuando su ecléctica estructura musical haya alcanzado una estabilidad asombrosa en su mutable esencia, el epílogo sonoro de este tema se encontrará ya muy cerca.

A continuación, el tema “Burner” aparecerá con el inconfundible estilo noise de Masami Akita en un primer plano, abarcando y devorándolo todo con una voracidad atroz. El breakbeat definido por Jack Dangers va a quedar como tempo en esta salvaje estructura que arrasa con todo, orquestando esta brutal sinfonía de devastación que hará las delicias de los melómanos afines a las corrientes musicales de corte post-apocalíptico. Como una gigante apisonadora destruyendo y aplanando todo a su paso, “Burner” lanza destellos sonoros experimentales tan espectaculares como los rayos de una tormenta que parecen quebrar el cielo. Aquí, Merzbow vuelve a hacer otra demostración de su liderazgo conceptual dentro de la escena noise, pero “Burner” es más experimental, transmitiendo ese impulso pionero que abre nuevas fronteras conceptuales al incorporar lo ecléctico. Cuando el impulso sonoro llegue a su cenit, poco a poco irá decayendo su energía y su expansión dominante en este entorno, quedando la entrada de esta afilada capa sonora noise como desgarramiento inexorable de la estructura musical que lo debilitará, entrando en decadencia. Tras su explosión, los roles musicales se van a invertir, realzándose el potente breakbeat de Meat Beat Manifesto que avanzará con este pesado caminar sonoro tan siniestramente impactante. Pinceladas sonoras electrónicas recrearán ese tacto musical de la estática flotando en el aire, revelando detalles sonoros en su estructura que fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea más hedonistas. Incluso, en la fase final de esta composición va a quedar recreada la desaparición del voraz fuego con la llegada de esta lluvia sonora como si fueran gotas de agua cayendo. ¡¡¡Impresionante!!! Posteriormente, el tema “¡FLAKKA! (Radio Edit)” clausurará este álbum con una versión del tema original pero de menor duración (cinco minutos respecto a veinte del original). En su definición se ha tratado de condensar la esencia conceptual mientras su desarrollo pierde en definición y detalle, y gana en tensión e impulso. Con colapsos y re-estructuraciones musicales más fluidas, “¡FLAKKA! (Radio Edit)” acelerará su despliegue conceptual sin dejar de destellar su espectaculares definiciones conceptuales de vanguardia, pero si escuchan y disfrutan el tema original, en comparación, esta versión se va a quedar un tanto floja en cuanto al alma experimental que lo fundamenta. “Extinct”, cuando el virtuoso talento musical de Jack Dangers (Meat Beat Manifesto) y Masami Akita (Merzbow) es capaz de crear esta ecléctica obra maestra de vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LULL “JOURNEY THROUGH UNDERWORLDS” (Cold Spring Records, enero 2024) (Reseña / Review #2023).

Posted on 27 enero, 2024 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2023 // Reseña Musical nº: 1362

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Downwards // 2- Journey Through Underworlds // 3- In The Distance
Datos técnicos: Temas musicales grabados entre los meses de agosto y diciembre del año 1992 en el estudio Wall Of Silence (Birmingham, Reino Unido) de Mick Harris; temas mezclados en el estudio Avalanche de Justin K Broadrick (Godflesh) entre los meses de diciembre de 1992 y enero de 1993 en Avalanche; álbum remasterizado en el año 2023 por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Joya Musical dentro de la escena dark ambient

Publicado originalmente en CD a través del mítico sello discográfico Sentrax del artista británico John Everall en 1993, ayer viernes, día 26 de enero de 2024, fue presentada oficialmente esta re-edición del grandioso álbum de Lull “Journey Through Underworlds”, habiendo sido publicado por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD. “Journey Through Underworlds” viene engalanado con este impactante trabajo artístico creado por Abby Helasdottir donde la complejidad simbólica y la espectacularidad visual de su portada fascinará al melómano lector de Lux Atenea, teniendo que dedicar un tiempo a desvelar cada uno de los detalles que conforman esta impactante imagen. Lull es el proyecto musical en solitario del legendario baterista inglés Mick Harris (Michael John Harris) de Napalm Death y, en su segundo álbum “Journey Through Underworlds”, Lull transformó sus avanzadas ideas conceptuales dentro de la escena dark ambient en una ecléctica mirada artística muy adelantada a su tiempo al incorporar elementos sonoros conceptuales propios del aislacionismo, post-industrial, drone, industrial, y experimental. Hay que pensar que estos temas musicales fueron grabados por el propio artista Mick Harris en su estudio Wall Of Silence (Birmingham, Reino Unido) entre los meses de agosto y diciembre del año 1992, y, aunque han pasado mas de tres décadas desde su creación artística, el legendario álbum “Journey Through Underworlds” sigue sonando a vanguardia en esta década de los veinte del siglo XXI. Además, Lull pudo contar con el mítico artista Justin K Broadrick (Godflesh) en el mezclado de estas composiciones, siendo realizado entre los meses de diciembre de 1992 y enero de 1993. Pero es ahora, en la re-edición de “Journey Through Underworlds”, donde este álbum presenta su registro sonoro más perfecto y armonioso tras haber pasado por las expertas manos técnicas del maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), adquiriendo una sonoridad nítida y dimensional que te sumerge en otro espacio y donde la música de Lull renace para cautivar al melómano. Técnicamente, Martin Bowes ha hecho hincapié en resaltar cada detalle sonoro, ha armonizado cada plano musical, y ha establecido el nivel de registro sonoro ideal hasta convertir la audición de este álbum en una experiencia musical impresionante. Así lo podrán comprobar y disfrutar los melómanos que adquieran esta preciosa re-edición publicada por Cold Spring Records.

Iniciamos la audición de esta joya musical adentrándonos en esta inmersión en lo infernal con el tema “Downwards”, siendo sus ecos sonoros el preludio de este inframundo donde la luz va a ir poco a poco apagándose en este escenario tenebroso e inquietante. Aquí, el estilo dark ambient va a ir fusionándose con planos sonoros en clave conceptual aislacionista para llevar al melómano al interior de una campana de irrealidad donde todo será inhóspito y acechante. Unas manifestaciones de poder que irán acercándose cada vez más para crear ese miedo visceral e incontrolable, mientras lo racional y lógico van entrando en parálisis al quedar desbordados por esta realidad incomprensible e inexplicable para la mente. Texturas ctónicas, rupturas cuyas grietas desvelan una actividad salvajemente desatada, y elementos sonoros propios del estilo post-industrial van configurando esta ecléctica composición que evoluciona del dark ambient al aislacionismo, del aislacionismo al post-industrial más agresivo, y sintiendo siempre esta fragilidad existencial potenciada por la opresión y por el dominio psíquico. Agitados planos sonoros en primer plano aumentarán la angustia en el melómano lector de Lux Atenea, sobre todo si lo escuchan en completa oscuridad, y el incremento de esta actividad alrededor no hará más que llevar al pavor y a la pérdida del control mental, dejándonos llevar por esta majestuosa obscuridad musical de vanguardia. Atenazados, el tema “Downwards” desplegará en su parte final esta deriva sonora hacia parámetros conceptuales post-industriales donde los ecos y las texturas instrumentales son absolutamente sobrecogedoras.

El tema “Journey Through Underworlds” comenzará con un estilo dark ambient más fantasmagórico como recreación del inframundo, y estas presencias sobrenaturales elevarán su belleza siniestra hasta llegar al puro terror. Casi como si fuera una psicofonía grabada en ese infierno donde algunas almas están condenadas, “Journey Through Underworlds” incluso valdría como banda sonora del Infierno en “La Divina Comedia” de Dante, proyectando este escenario sonoro trágico y desangelado que hiela la sangre y perturba la mente por su dramatismo existencial. Sin duda alguna, “Journey Through Underworlds” es la contundente demostración artística de Lull sobre cómo componer un tema dentro del dark ambient más espectacular y siniestro, y su audición fascinará a los melómanos con gustos musicales góticos. En su parte final, hasta esta recreación de respiraciones salvajes y de tensión ambiental impresiona por la crudeza sensorial que nos transmite.

“In The Distance” es una composición de 45 minutos de duración, transformándose en una odisea musical donde el talento de Lull adquiere esa precisión en el lenguaje sonoro que lo hace único dentro de esta escena underground. Con una entrada musical dark ambient con reminiscencias al misticismo del ritual ambient que irá aproximándose a nosotros, aquí todo vibra para romper la realidad, y aquí todo se quiebra para poder entrar en otro escenario mucho más cercano a lo divino. La entrada de afilados elementos sonoros industriales provocará una sensación de rechazo psíquico muy profundo, y su repetición en el tiempo junto a la entrada de nuevos elementos sonoros industriales llegarán a poner la base dark ambient en un segundo plano. Posteriormente, todo lo industrial va a perder protagonismo en esta estructura musical, acelerándose esta descomposición sonora con el paso del tiempo. Inexorable en su degradación, lo industrial será ya fugaces pinceladas musicales, y este estilo dark ambient mutará hacia un entorno sonoro más cercano al ambient en su trasfondo. Con la entrada de planos musicales de textura acuosa, al final se entremezclará el dark ambient con lo industrial en este torbellino sonoro tan agresivo que anulará por completo todo lo que no sea industrial. Emocionalmente tan gélido como el metal, en esta fase de la composición todo girará en torno a un eje central cuya nebulosa esencia acabará absorbiéndolo todo como si fuera un agujero negro, de ahí la inmersión en un estilo dark ambient tan crudo y desolador. Luego, en este hieratismo infernal en la más completa obscuridad se podrá ver cómo se empiezan a desatar peligrosas manifestaciones cuyo movimiento anticipa el drama. La aparición de este latente aislacionismo musical nos llevará a contemplar el vacío, a quedar atraídos por lo abismal, y estos planos sonoros que suenan como latidos y como inspiraciones y expiraciones de lo demoníaco, no harán más que aumentar la tensión en este entorno infernal.

Luego, todo va a entrar en una fase de colapso y re-estructuración donde la música experimental transforma lo ecléctico en desvelo de nuevos conceptos en la composición. Hasta la entrada de rítmicos planos sonoros con reminiscencias a lo tribal no harán más que cautivarnos a la espera de nuevas sorpresas musicales. Aquí, la composición “In The Distance” se vuelve más densa, más física, más terrenal, hasta casi más humana, perdiendo la mayor parte de su magia fantasmagórica para hacerse más rítmica y secuencial. Su evolución hacia perfilamientos sonoros industriales se confirmará en cuanto surjan estos planos metálicos como si estuviéramos ante la forja de Vulcano, quedando la presencia del drone como alejado telón de fondo. Llegando incluso hasta este minimalismo de corte industrial, su colapso despejará la estructura sonora para incorporar posteriormente elementos musicales aislacionistas más acelerados e intensos. Un torbellino sonoro que lo rodeará y envolverá todo, y cuyo poder desatado desaparecerá de repente como si hubiera pasado un ciclón. Después, la experimentación sonora va a adquirir estos cromatismos sonoros multicolor con trazas musicales de espíritu ambient, evolucionando hacia lo envolvente y orgánico hasta llevarnos a este potente y denso escenario post-industrial que irá apagándose de forma progresiva. “Journey Through Underworlds”, Cold Spring Records y Martin Bowes vuelven a renacer el alma artística de este mítico álbum musical de Lull. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

BSO / OST “SPUTNIK” – OLEG KARPACHEV (Cold Spring Records, diciembre 2023) (Reseña / Review #2016).

Posted on 22 enero, 2024 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2016 // Reseña Musical nº: 1360

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Space // 2- The Creature // 3- One Night // 4- Shepard // 5- Ask The Mountain // 6- Nondiscloser Agreement // 7- Cup Of Tea // 8- Room 108 // 9- Still Awake // 10- Awakening // 11- Library // 12- Orphanage // 13- TV // 14- Can’t Or Won’t // 15- The Toy // 16- The Glass // 17- Get Her Out // 18- Fake Reports // 19- Camera // 20- Passenger // 21- Pill // 22- Monster And Princess // 23- Nutcase // 24- Feeding // 25- Fodder // 26- A Million Scarlet Roses // 27- Rigel // 28- Adaptive Spaces // 29- Run // 30- Grenade // 31- Fully Symbiotic // 32- Sacrifice // 33- Tanya // 34- Semiradov // 35- Final
Datos técnicos: Álbum musical masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Space // 4- Shepard // 12- Orphanage // 15- The Toy // 23- Nutcase // 26- A Million Scarlet Roses

El pasado día 1 de diciembre de 2023, el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records publicó oficialmente la banda sonora de la película “Sputnik” en formato digital y en esta preciosa edición en digipak CD, habiendo sido engalanada con esta portada de tenebroso diseño creada por Abby Helasdottir basándose en uno de los dos carteles oficiales de la película “Sputnik” en versión inglesa (existe también otro cartel utilizado en su versión original en ruso), pero en esta imagen con el cosmonauta sentado. Un diseño de portada que destaca especialmente por su inquietante y siniestra estética centrada visualmente en este cosmonauta, cuya sombra refleja la monstruosa figura de la criatura alienígena. A nivel musical, el genial compositor ruso Oleg Karpachev fue el encargado de perfilar y de definir musicalmente cada una de las composiciones que vertebran la banda sonora de la terrorífica película de ciencia-ficción “Sputnik” (2020), dirigida por Egor Abramenko, donde su trama de horror y suspense está basada en el retorno a nuestro planeta de un cosmonauta en cuyo cuerpo se encuentra un ser extraterrestre. Una banda sonora espectacular y sobrecogedora que, gracias a las expertas manos técnicas del maestro Martin Bowes (Attrition) en su masterizacion sonora realizada en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), ofrecerá al melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta edición discográfica, una dimensión sonora y una nitidez musical que le impresionará por su envolvente realidad tras haber quedado definidas con su registro sonoro más equilibrado, provocando admiración en los melómanos más exigentes. Sin duda alguna, a través de la detallada mirada técnica de Martin Bowes, esta magna obra musical compuesta por Oleg Karpachev ha alcanzado su perfección absoluta.

Iniciamos la audición de esta irresistible banda sonora con la solemne apertura musical del tema “Space” donde la obscuridad dominante va siendo apartada por la luz, siendo esta fusión de ambient y dark ambient en clave orquestal lo que nos envuelva con su magia sonora. Cuando “The Creature” haga su fugaz y abrupta aparición, el entorno se volverá tenso hasta dar entrada al tema “One Night” mientras la experimentación sonora vibra en su estructura minimalista, quedando “Shepard” como omnisciente impasse de una gran belleza melódica. Retornando al entorno vibrante en “Ask The Mountain”, será la antesala del obscuro tema “Nondiscloser Agreement” que cerrará espacios, apagará destellos de luz, y paralizará dinamismos hasta casi congelar el tiempo, para que luego de repente lo orquestal nos lleve a lo épico y colosal en un estallido de luz y actividad absolutamente expansivo. La tranquilidad de “Cup Of Tea” aparecerá con este estilo dark ambient tan estanco, que el tema “Room 108” romperá con esta inmersión sensorial minimalista que se acelerará de nuevo en “Still Awake”, ampliando su poderoso influjo sonoro con el tema “Awakening” que, en “Library”, se volverá pausado y pesado en su evolución temporal. Posteriormente, la composición “Orphanage” será musicalmente cristalina y solemne hasta llevar al melómano lector de Lux Atenea a este estado de placidez que, en “TV”, se volverá peligroso al estimular el estado de alerta, apareciendo el tema “Can’t Or Won’t” como ondas sísmicas que buscan el cambio y la alteración del entorno. De nuevo con este estilo ambient y dark ambient casi lisérgico en “The Toy”, lo industrial surgirá en el tema “The Glass” para impulsarnos inexorablemente hacia la furia desatada en el tema “Get Her Out”.

Lo inescrutable dominará ambientalmente la composición “Fake Reports”, y “Camera” no hará más que aumentar la adrenalina y el estado de alerta, percibiéndose en “Passenger” como algo siniestro y oculto. El tema “Pill” acelerará todo hasta casi el agotamiento vital, desembocando en “Monster And Princess” que redirigirá todo hacia la expansión de los sentidos ante la amenaza desatada, quedando “Nutcase” como solemne balsa acústica casi idílica. “Feeding” no presagiará nada bueno mientras el peligro no deja de aumentar, y con el tema “Fodder” ofreciendo una débil tregua a este clima de tensión, será en “A Million Scarlet Roses” donde la belleza siniestra de esta banda sonora adquiera su estructura musical más excelsa y seductora, volviéndose a quebrar todo de forma inmisericorde hasta la entrada en el tema “Rigel”, de perfilamiento sonoro post-industrial inicial para luego derivar hacia la magnificencia musical de lo orquestal. “Adaptive Spaces” dará continuidad a esta dinámica sonora que se prolongará en el tema “Run”, frenándose en el estilo dark ambient configurado en “Grenade”. Posteriormente, la luz sonora del estilo ambient nos irradiará en la composición “Fully Symbiotic” para alejar lo tenebroso, pero la presencia de lo desconocido observándolo todo no podrá evitarse, y el tema “Sacrifice” será la confirmación de esa amenaza aún sin superar. “Tanya” prolongará la solemnidad musical del tema “Sacrifice”, y sus ecos ahondarán en lo emocional, pero el peligro renacerá en “Semiradov”, conduciéndonos a la clausura musical de este álbum protagonizada por el tema “Final”. “Sputnik”, el arte musical del compositor ruso Oleg Karpachev creando la ambientación sonora perfecta para realzar esta terrorífica película de ciencia-ficción. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

The Telescopes “Experimental Health” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1990).

Posted on 18 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1990 // Reseña Musical nº: 1358

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Because They Care // 2- The Turns // 3- When I Hear The Sound // 4- Leave Nobody Behind // 5- 45e // 6- Wrong Dimension // 7- Repetitive Brain Injury // 8- The Turns Again // 9- Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix) // 10- 45e (Mosaic Runes Remix)
Datos técnicos: Temas musicales compuestos por Stephen Lawrie entre los meses de enero y mayo del año 2022 en West Yorkshire (Inglaterra, Reino Unido), siendo producidos y mezclados por Stephen Lawrie en The Experimental Health Unit; álbum masterizado por Colin Tucker
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Because They Care // 3- When I Hear The Sound // 7- Repetitive Brain Injury // 9- Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix) // 10- 45e (Mosaic Runes Remix)

A mediados del pasado mes de noviembre fue presentado oficialmente el nuevo álbum “Experimental Health” de la legendaria banda musical inglesa The Telescopes liderada por Stephen Lawrie, convirtiéndose en el décimo cuarto álbum dentro de su dilatada carrera musical iniciada en el año 1987. Publicado a través del prestigioso sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD, el álbum “Experimental Health” ha sido engalanado con este trabajo artístico creado por el propio Stephen Lawrie, transmitiendo ese miedo y esa mirada de desconfianza reflejadas en este diseño de estética abstracta e intensa fuerza visual. En este reciente álbum de The Telescopes, el genial músico Stephen Lawrie nos muestra otra talentosa demostración de arte en la composición haciendo uso de la arriesgada esencia de la música experimental, de la provocadora sonoridad instrumental del estilo postindustrial, de la arrogante intensidad del noise, de la siniestra esencia melódica de la música gótica old-school, de la cíclica y pesada definición sonora del estilo industrial, y de la alucinógena esencia melódica de la psicodelia. Además, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con la calidad sonora alcanzada por Colin Tucker a nivel técnico durante la masterización de este álbum, adquiriendo una nitidez musical y una atmósfera sonora prácticamente tridimensional que convierte su audición en una contundente inmersión sensorial y en un fascinante viaje musical un tanto siniestro por su belleza.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en el primer tema “Because They Care”, cuyas bases sonoras ruidísticas situadas en primer plano ofrecerán una atmósfera tecnológica opresiva que será potenciada en su pesada fuerza dominante por esta voz apesadumbrada, y donde el individuo se deja llevar por la corriente de la vida sin rumbo ni control. De ahí los amplios ciclos melódicos que perfilan la estructura y el tempo lánguido de esta canción, reflejando la asimilación de una realidad no deseada que no es rechazada o combatida. Impresionados con este comienzo musical de vanguardia, a continuación, la experimentación sonora electrónica en clave postindustrial aparecerá en el tema “The Turns” como recreación del alocado carrusel que es la vida humana en este mundo, proyectando musicalmente el pragmatismo del carpe diem y la absurda seriedad de la propia existencia, de ahí que “The Turns” parezca el testamento vital de un clown harto ya de los claroscuros vividos. La expresión “The Turns” (“Las Vueltas”) que da título a este tema, se utiliza en centros hospitalarios para indicar las vueltas que hay que dar a un paciente en cama para evitar que le aparezcan llagas en el cuerpo cuando permanece largo tiempo en una misma posición. Además, a la hora de escribir la lírica de esta canción (“Live while you can, And live all over, When you’re dead, You’ll be dead all over”), Stephen Lawrie se inspiró en la perspectiva existencial de Edward McKenzie, vagabundo que llegó a un acuerdo con el artista inglés Robert Lenkiewicz (1941-2002) para que, tras su muerte, embalsamara su cuerpo. Luego, el tema “When I Hear The Sound” hará hincapié en esa pérdida del sentido de la propia existencia que caracteriza a la ciudadanía en la actualidad, y donde el horizonte futuro no se ve ni se intuye, sintiéndose lo presente como un cruel laberinto sin salida. Mucho más tenso en su ambientación musical, el tema “When I Hear The Sound” impresiona por su sepulcral magnetismo y por esta decadencia vital gótica cercana al Decadentismo, pero sin alcanzarlo al carecer de ese decimonónico carpe diem hedonista. Como analista cultural con gustos musicales profundamente góticos, el excelso tema “When I Hear The Sound” me ha dejado impresionado. ¡¡¡Chapeau!!!

El tema “Leave Nobody Behind” sumergirá al melómano lector de Lux Atenea en este entorno futurista marcado por la presión existencial y por las ansias de liberación de la férrea dinámica marcada, habiendo sido magníficamente recreadas en este plano industrial de cíclico tempo que se desarrolla a lo largo de toda la canción. Una sensación de agobio y de sometimiento que se siente hasta en este tono vocal tan bajo utilizado para declamar su lírica, y de donde emanan las ácidas lágrimas del destino encadenado. Posteriormente, el tema “45e” tomará su título de la clausura de una Ley de Salud Pública de 1984 que libra al individuo de que le apliquen tratamiento médico obligatorio, siendo este derecho del individuo y esta defensa de la libre elección los que fundamentan el mensaje de su lírica. Precisamente por este trasfondo existencial indomable ante la imposición, el tema “45e” adquiere un perfilamiento musical muy contundente en su halo futurista y tecnológico en clave sonora esencialmente experimental, y puntualmente postindustrial en algunos planos instrumentales. Una lánguida cadencia que, en el tema “Wrong Dimension”, desaparecerá en este panorama secuencial recreado en clave sonora electrónica, mostrando la ausencia de integración del individuo outsider en una sociedad donde no se cuestiona nada, donde se acepta todo, y donde la pausa para el análisis racional y lógico por parte del individuo es visto como una disidencia por parte del sistema. Melódicamente lisérgico, proyectar esta alteración mental constante en lenguaje musical eleva el arte en composición por parte de Stephen Lawrie, llevándonos hasta ese estado psicodélico donde todo está alterado y deformado.

Lo mental también estará presente en el tema “Repetitive Brain Injury”, pero a través de la perturbación y del rechazo, y su lírica repetida casi como un mantra no hará más que incrementar esta pérdida del equilibrio psicológico reflejado en esta canción. Apoyándose conceptualmente en la música experimental y en el estilo industrial más denso y transgresor, por su siniestra obscuridad, el tema “Repetitive Brain Injury” llega incluso a adentrarse en terrenos artísticos góticos hasta envolvernos totalmente con estos planos melódicos sepulcrales. ¡¡¡“Repetitive Brain Injury”, impresionante!!! En cambio, el tema “The Turns Again” romperá todos los esquemas sonoros y todas las ideas artísticas preconcebidas por parte del melómano al ser el fruto accidental del anterior tema “The Turns”, siendo su lírica reproducida al revés. A continuación, serán los remixes los que nos ofrecerán otra perspectiva artística de estos dos temas, siendo la banda musical londinense Black Market Karma la que presente esta extraordinaria reinterpretación rockera del tema “Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix)” en clave shoegaze, fascinándome por su brillante perspectiva musical donde la interpretación lírica es obscuramente magnética. ¡¡¡“Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix)”, grandioso tema!!! Clausurando este apasionante álbum, Mosaic Runes nos presentará esta fantasmagórica visión musical del tema “45e (Mosaic Runes Remix)”, fusionando lo psicodélico y lo experimental hasta abrir otra dimensión espacio-tiempo que alterará lo mental y alejará la gravitatoria fuerza de lo físico y terrenal. “Experimental Health”, solamente la experiencia musical de Stephen Lawrie (The Telescopes) a lo largo de más de tres décadas, y su incansable espíritu creativo, hacen posible la aparición de álbumes musicales de esta calidad artística tan ecléctica e innovadora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Sonologyst “Shortwave Spectrum” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1989).

Posted on 17 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1989 // Reseña Musical nº: 1357

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: CD1: 1- Sleeper Agent // 2- Numbers Station // 3- NNN German // 4- Enigma G03 // 5- Encoded // 6- Spektrvm
CD2: 1- Shortwaves
Datos técnicos: Álbum masterizado por Raffaele Pezzella
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Excelso Álbum Musical de vanguardia

A finales del pasado mes de noviembre fue presentado oficialmente el nuevo álbum de Sonologyst “Shortwave Spectrum”, publicado por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en ecopak 2CD. Engalanado con este diseño gráfico visualmente tan tecnológico a cargo de Abby Helasdottir, en su portada, la presencia de este bosque de antenas de transmisión de señales de radio indicará muy claramente al melómano lector de Lux Atenea sobre la fuente de inspiración principal que ha llevado al talentoso artista italiano Raffaele Pezzella, alma máter de Sonologyst, a crear este álbum musical tan espectacular. Absolutamente brillante en su concepción, y perfecto en la definición técnica establecida tras la masterización sonora realizada por el propio artista, en el álbum “Shortwave Spectrum” encontrarán esta integración conceptual innovadora de estilos musicales como el dark ambient, la electrónica experimental, high-tech ambient, industrial, minimal, y postindustrial. Además, la virtuosa utilización de sintetizadores analógicos y grabadoras analógicas junto a samples de transmisiones de radio de onda corta por parte de Sonologyst, convierten la audición de su nuevo álbum en toda una experiencia musical. En los siete temas que lo vertebran, Raffaele Pezzella ha sabido recrear con maestría el sentido y el trasfondo de estas transmisiones de onda corta de carácter secreto, cuyo uso viene motivado por la seguridad que ofrecen a las Agencias de Inteligencia y a las Fuerzas Militares sobre su fiabilidad debido a que no pueden ser interferidas ni anuladas, siendo un medio de comunicación perfecto para poder ponerse en comunicación con otras fuerzas militares propias o con agentes secretos haciendo uso de comunicaciones codificadas. Las grabaciones de estas transmisiones de onda corta fueron registradas por radioaficionados a lo largo de las últimas décadas, desde la Guerra Fría hasta la actualidad, ya que el uso de las transmisiones de radio de onda corta continúa realizándose en nuestro presente precisamente por su fiabilidad en estos tiempos tecnológicos marcados por la saturación de las vías de comunicación y de información, y por el uso de contramedidas electrónicas.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta admirable obra musical adentrándonos en la primera composición “Sleeper Agent”, donde la música electrónica experimental y las bases conceptuales dark ambient son perfectas para perfilar este tema cargado de misterio y de realidad oculta. Por este motivo, “Sleeper Agent” recrea fielmente esa expectativa latente del agente secreto denominado como ‘durmiente’, siempre a la espera de recibir la orden que active su misión. Esta sensación sonora de oquedad y de oscura gruta donde la inteligencia está atenta a lo exterior, da sentido a la presencia de estos planos musicales luminosos, configurando una atmósfera mefistofélica donde nada es lo que aparenta. La parte final de la composición bajo la influencia conceptual industrial y postindustrial, realza estos chirriantes planos sonoros, alertando al melómano lector de Lux Atenea sobre el peligroso trasfondo letal de estos agentes secretos absolutamente mimetizados en la sociedad hasta no crear la más mínima sospecha en su entorno. Luego, en el tema “Numbers Station” disfrutaremos de esta inteligente integración artística de samples de grabaciones de onda corta con planos musicales electrónicos de corte minimalista, mientras el drone crea espacios y profundidad en este escenario tan siniestro y obscuro como una fantasmagoría. Aquí, Sonologyst vuelve a demostrar su espíritu creativo de vanguardia definiendo esta tenebrosa estructura sonora situada conceptualmente en medio de la encrucijada musical de lo experimental con el dark ambient, y el minimalismo más crudo y desangelado.

En el tema “NNN German”, la armonización de esta grabación de la transmisión homónima alemana con un vibrante plano sonoro industrial, te sumerge en otro espacio y en otra dimensión marcada por la ausencia absoluta de lo humano, salvo en la presencia de esta gélida voz. Derivando hacia un crudo escenario dark ambient donde el sonido de fondo impide la aparición de luz alguna, la inmersión mental del melómano durante la audición de este tema es casi de ultratumba hasta provocar su unión psicológica con la belleza sublime más deshumanizada y mortífera. Conduciéndonos hasta el tema “Enigma G03” prácticamente sin darnos cuenta de ello, esta composición desplegará su espectro musical más tenebroso alejándonos de sus focos sonoros hasta sumergirnos en la más completa obscuridad, mientras nuevos planos industriales de ciclo mecánico se incorporan para envolvernos con la dramática esencia de su sentido de existencia y que derivará en un prolongado final de desasosiego emocional. Posteriormente, el tema “Encoded” nos ofrecerá una mayor sensación de actividad ambiental dentro de este entorno tan obscuro, hasta que su dimensión espacial vaya poco a poco revelando su esquivo trasfondo lógico encubierto en lo aparentemente indescifrable. Haciendo uso de un estilo dark ambient tan sepulcral que les impresionará, el artista italiano Raffaele Pezzella irá evolucionando la estructura musical hacia esta magnífica fusión conceptual con el high-tech ambient, emanando esta invitación a la contemplación de esta presencia fugaz de caduca exposición entre brumas enlazadas en su tiempo al pasado. Finalmente, clausurando este primer CD se encuentra el tema “Spektrvm”, mucho más dinámico e intenso respecto a las composiciones anteriores, y donde lo industrial unido al dark ambient dan esta personalidad sonora tan agreste, siendo de nuevo la lejanía sentida por el melómano respecto al foco sonoro principal lo que le provoca desazón y decaimiento. Un espíritu musical que hará que este tema sea un tanto lineal en su evolución, sumergiéndonos posteriormente en un nuevo escenario tecnológico siempre situado en la lejanía. Aquí las luces son señales y los planos sonoros, nuevas vías de transmisión, derivando hacia este estilo high-tech ambient tan crudo y minimalista.

El segundo CD “Shortwaves”, de casi 42 minutos de duración, fascinará al culto melómano de Lux Atenea al convertirse en una compilación de transmisiones de radio de onda corta, algunas de las cuales continúan emitiéndose en la actualidad. De esta forma, iniciaremos esta atrayente audición viajando al pasado hasta situarnos en la República Democrática Alemana y sus transmisiones NNN German (hasta el minuto 1 y 19 segundos) y la siniestra Enigma G03 (hasta el minuto 2 y 8 segundos) utilizada por su ejército y por su policía secreta. A continuación, hasta el minuto 2 y 50 segundos escucharán el ruidístico sonido del Radar de Investigación Ionosférica (Ionospheric Research Radar), para luego ir hasta el minuto 3 y 51 segundos con el rítmico sonido digitalizado de la Red de Defensa China y su Chinese Robot activo en la actualidad. Desde China viajaremos hasta la localidad rusa de Rostov On Don y el sonido cibernético de su Rueda Chirriante (The Squeaky Wheel), que nos acompañará hasta el minuto 4 y 23 segundos, a partir del cual la emisión Three Day Mystery nos ofrece estas ondas pulsantes recogidas en el mes de julio de 2004 y cuyo posible origen es la Marina Británica. En el minuto 5 y 8 segundos retornaremos a las transmisiones de voz con la rusa UVB-76 de la década de los ochenta, al igual que desde el minuto 5 y 59 segundos volveremos a Alemania del Este con la melódica The Gong Station utilizada por sus servicios secretos. A continuación, en el minuto 6 y 29 segundos será protagonista la transmisión de voz The PIP que permanece activa desde el año 1985 todos los días, llevándonos hasta el minuto 6 y 51 segundos donde comenzará la ruidística Enigma 2000 que se mantuvo activa en los meses de mayo y junio de 2004, y cuyo halo misterioso tendrá su continuidad en el minuto 7 y 22 segundos con esta extraña emisión musical un tanto retro captada en el año 1970, convirtiéndose luego en puramente codificada hasta que estas locuciones estadounidenses y fragmentos musicales den paso a otras codificaciones. Posteriormente, en el minuto 13 y 3 segundos iremos hasta la península de Corea con esta transmisión de voz de una radio clandestina procedente de Corea del Norte que evolucionará hacia una melódica emisión musical, durando hasta el minuto 14 y 51 segundos a partir del cual escucharemos esta débil grabación de la transmisión de voz surcoreana ECHO OF HOPE-VOH.

Otra vez con Rusia como fuente de emisión, en el minuto 15 y 52 segundos comenzará la fantasmagórica transmisión The Russian Workshop captada el día 1 de diciembre del año 1997, llevándonos hasta el minuto 16 y 36 segundos con Cuba y su Dirección de Inteligencia como emisores de la transmisión de voz Cuban HM01 de codificación numérica. Luego, un halo de misterio envolverá la sonoridad acuática de la transmisión Chopper desde el minuto 22 y 56 segundos hasta el minuto 23 y 24 segundos, donde los melómanos lectores de Lux Atenea podrán escuchar la transmisión numérica de voz emitida por los rusos en idioma inglés una hora después de declarar oficialmente el inicio de la Guerra de Ucrania (24 de febrero del año 2022). Ahora, dirigiéndonos hasta la anglosfera, en el minuto 30 y 3 segundos dará comienzo la transmisión HF-GCS de la Fuerza Aérea Estadounidense captada en el año 2019, llevándonos hasta el minuto 31 y 9 segundos donde el Reino Unido es el emisor de la transmisión numérica de voz E11 Oblique captada en 2021. Posteriormente será la Real Fuerza Aérea Australiana protagonista de esta transmisión de voz del año 2014 que podrán escuchar desde el minuto 35 y 50 segundos hasta el minuto 38 y 26 segundos, donde comenzará esta transmisión de voz cíclica y repetitiva captada del día 19 de diciembre de 2004 al 16 de febrero de 2005 y que se cree que tuvo como origen el MATIC (Mobility Assessment Test & Integration Center) situado en el estado de Nuevo México (Estados Unidos de América). Clausurando este segundo CD del álbum, en el minuto 39 y 32 segundos comenzará esta transmisión de voz en idioma español que cerrará esta curiosa compilación de transmisiones. Tras las reseñas publicadas de sus grandiosos álbumes “Interdimensional” y “Silencers”, el artista italiano Raffaele Pezzella (Sonologyst) vuelve a ser el ilustre protagonista cultural en Lux Atenea. “Shortwave Spectrum”, la atenta audición de este excelso álbum será una de las experiencias musicales más innovadoras e impactantes que tendrá el melómano afín a la vanguardia, entre todas las ediciones discográficas publicadas en este año 2023. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Merzbow “Cafe OTO” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1987).

Posted on 4 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1987 // Reseña Musical nº: 1355

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (recibido como promocional)
Tracklist: 1- Untitled Knife I // 2- Untitled Knife II
Datos técnicos: Composiciones musicales grabadas en directo el día 1 de octubre del año 2016 en Cafe OTO (Londres) por Shaun Crook, habiendo sido mezcladas y masterizadas por James Dunn; álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Ambos CD’s. Excelso álbum musical en directo imprescindible dentro de la escena noise

En este blog cultural y existencial vuelve a ser protagonista el genial artista japones de vanguardia musical noise Masami Akita, alma máter de Merzbow, tras la reciente publicación de su álbum en directo “Cafe OTO”. Los melómanos lectores de Lux Atenea ya conocen el impactante estilo sonoro de Merzbow tras la publicación de mis análisis musicales (reseña del álbum “Animal Liberation”, reseña del álbum “((Vibra)) MMVII”, reseña del álbum “No Closure”, reseña del álbum “Partikel III”, reseña del álbum “A Perfect Pain”), siendo de nuevo la autenticidad de su contundente directo sonoro lo que enriquece su prolífica obra musical. Publicado oficialmente a mediados del pasado mes de noviembre a través del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una elegante edición en ecopak 2CD, el álbum en directo “Cafe OTO” viene engalanado con este magnífico trabajo artístico creado por Abby Helasdottir donde la fotografía de portada, tomada por el propio artista japonés Masami Akita, refleja la complejidad técnica del equipo musical virtuosamente utilizado en su actuación en vivo. La magia artística de Merzbow simbólicamente inmortalizada en una sola imagen, que lo dirá todo para el melómano lector de Lux Atenea que lo observe con sumo detalle.

Dos CD’s atesorando este brillante y potente espectáculo musical en directo grabado por Shaun Crook el día 1 de octubre del año 2016 en Cafe OTO (Londres), y tras haber sido mezclado y masterizado por James Dunn. Pero es con la perfecta remasterización realizada por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), donde el álbum “Cafe OTO” despliega todo su poder sonoro sin concesiones, ofreciendo una nitidez musical ideal al melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta joya discográfica, además de unos niveles de registro sonoro perfectos y una dimensión espacial que transforma la audición de este álbum en una experiencia única y arrolladora. Música noise en estado puro gracias a la maestría musical de Merzbow, y a la maestría de Martin Bowes como el mayor experto sonoro a nivel técnico que existe dentro de esta escena en la actualidad. Precisamente en remasterizaciones tan complejas y difíciles como “Cafe OTO” es donde un maestro en labores técnicas demuestra su trabajo sonoro más perfeccionista y equilibrado. ¡¡¡Qué grandioso espectáculo musical en directo de Merzbow para ser disfrutado con absoluta autenticidad!!!

Iniciamos esta inmersión en el universo sonoro noise de Merzbow adentrándonos en el primer CD “Untitled Knife I”, donde este brumoso plano ruidístico va a ir adquiriendo sutiles tonalidades noise desde el fondo hacia su primer plano, para luego integrarse en una nueva dimensión. Cuando otros planos sonoros noise surjan de repente para incrementar el espectro musical, todo el entorno irá perdiendo su amplitud dimensional para saturar el ambiente hasta llevarnos a escenarios conceptuales de vanguardia donde el nihilismo posmoderno aflora en su trágica angustia. Llegando a esta fase musical, con la pérdida de la noción del tiempo por parte del melómano lector de Lux Atenea, la distorsión del norte existencial verá truncada su visión ante una cortante realidad que condicionará progresivamente este espectro sonoro, primero de forma puntual, y luego de forma mucho más extrema y desafiante cuando estos afilados pasajes sonoros lo dominen todo. Un presente cortante y sangrante cargado de sadismo que ahoga, que disfruta respirando la densa adrenalina emanada del miedo, mientras la degradación ambiental no deja de arrancar cualquier rastro de belleza. Sumergidos en la tormenta de la existencia, a partir de aquí, Masami Akita vuelve a hacer otra contundente demostración artística de su maestría dentro de la escena noise, configurando diversos planos sonoros que aparecen, se solapan, se amortiguan, y se funden en otro plano final de lo más arrollador. Incluso, con la entrada de este latente tempo industrial como el latido de una maquinaria en incesante actividad, la sensación de desasosiego irá incrementándose hasta ahogar física y mentalmente, condicionando emociones bajo estas emanaciones musicales extremas que van revelando su distorsionada alma.

Un despliegue de frecuencias y distorsiones terminarán sincronizándose para abrir este espectáculo de deshumanización, proyectado a un futuro lacerante y posesivo en su trasfondo psicológico. Sin vía de escape posible y con la inadaptación ya asumida, cada segundo es una tortura existencial, y cada latido es una nueva herida en el Ego maltratado. Elevando el foco de observación, todo el entorno es un inmenso sistema destructivo que se manifiesta desde lo más grande a lo más pequeño e insignificante, y el espectáculo de esta incansable acción mecánica es desolador. Un aliento frío se materializa, una piel acartonada de abre debido a la desesperanza, y una mano toca el muro para ser seccionada al instante. Aquí todo es cruel, pero al ser todo cruel en lo absoluto, la pérdida de la noción de lo bueno y de lo malo se consigue para eliminar ese baremo existencial definitivamente, cambiando radicalmente el escenario sonoro desarrollado por Merzbow con la entrada de múltiples focos sonoros vibrantes, distorsionados, y modularmente alterados en su tempo. Con la difuminación del Mal omnipresente y dominante en un entorno donde todo es obscuridad, donde no hay contraste, en ese preciso instante será cuando comience su declive, su decadencia, su automutilación, y el canibalismo del propio sistema hacia sí mismo, derivando a un abismo sistémico donde no hay salvación posible porque no hay opciones. Sólo un presente perfecto despótico que se autodestruye, y que ha sido admirablemente recreado en este acelerado latido y en estos planos ruidísticos extremos que asfixian. Todo irá alterándose, todo perderá su sincronización apareciendo las malfunciones, pero el sistema cree que sigue siendo perfecto. Con el ocaso ya inevitable, el tiempo solamente estará presente como testigo de su caída final y del consiguiente vacío.

En el segundo CD “Untitled Knife II”, el cambio creativo en su espíritu sonoro vendrá definido por los matices, empezando de nuevo con esta nebulosa noise que será desgastada tan implacablemente como si fuera una pieza metálica cortada por una radial. Poco tiempo después, comenzará la saturación dimensional con la entrada de nuevos planos sonoros ruidístas que irán cubriendo cualquier espacio libre hasta hacerse hegemónicos. Con los espacios ya restringidos y el aire completamente congestionado con frecuencias áridas y armónicos descontrolados, aquí el sonido de Merzbow alcanza ese clímax artístico que expandirá la mente del melómano lector de Lux Atenea afín a la vanguardia más transgresora e innovadora. Permaneciendo Masami Akita absolutamente concentrado en la definición musical, el pulido de esta estructura multicapa presenta características especiales en su progresión sonora que desvela puro talento en la concepción artística en directo. Arte de vanguardia fluyendo para romper límites y barreras, mientras este vórtice sonoro va abriéndose al margen de la sociedad y de la dinámica cotidiana existente en el exterior de este evento artístico. Como en el cráter de un volcán, situados en su interior parecerá que hemos quedado apartados del reloj universal que marca el paso del resto del mundo, estando cubiertos ahora con capas sonoras noise que desvelan hundimiento y tragedia. Todo se hará opaco a lo humano, todo irá agrietándose, y todo perderá su densidad amenazando con desmoronarse. Ante este ruinoso espectáculo, la belleza sublime aparecerá en la contemplación del implacable paso del tiempo como hacedor de polvo y sombras.

Mientras Masami Akita continúa destilando esta esencia noise hasta purificarla en grado máximo, su concentración irá aumentando para saturar los sentidos y llevar al melómano a ese estado de ruptura mental. Aquí la música noise desvela y filtra lo poco que queda de armonía para apartarlo de la estructura artística, quedando únicamente estas columnas noise que se erigen desafiantes en este espacio musical extremo. Lo tecnológico y lo artístico llevado al plano musical en sus límites periféricos más excesivos. Cuando Merzbow logra configurar lo supremo, entonces este crisol sonoro noise se quiebra para expandirse y desgastarlo todo, calmándose en la latencia y en el tempo pausado que será de nuevo alterado para crepitar, reanimándose en una nueva estructura sonora ácida que provoca ansiedad. Y a cada cambio, una nueva opresión del espacio cada vez más angustioso. Agobiados, aquí hasta cuesta respirar, quedando lo orgánico fuera de lugar en este entorno sobresaturado y excesivamente rígido, de ahí esta creciente tensión que acabará quebrando, hundiéndose, y reactivándose en una sucesión de fases hasta desaparecer repentinamente. Indiscutiblemente, quienes tuvieron la oportunidad de asistir en el año 2016 a este directo musical en la ciudad de Londres, vivieron una experiencia única donde Merzbow se manifestó como innovación y transgresión artística en estado puro. “Cafe OTO”, el talentoso artista japonés Masami Akita realizando otra contundente demostración sonora en vivo de su creatividad musical de vanguardia dentro de la escena noise. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Burial Hex “In Hiding” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1986).

Posted on 2 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1986 // Reseña Musical nº: 1354

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD (recibido como promocional)
Tracklist: 1- O’ Crescent Shedding Queen! Dark Tide Is Cast Inside The Hearts Of Those Who’d Lay Siege To Your Luminous Shade // 2- Of Roses, Astronomers & The Falsely Accused // 3- From Heel To Throat // 4- A Kiss To Birth The Rotted Sun // 5- Backwards Curse // 6- Penitential March // 7- Magic Without Tears // 8- Pacing The Hollow // 9- Feral Blood Vision
Datos técnicos: Temas musicales remasterizados por Clay Ruby y Nathaniel Ritter entre los años 2022 y 2023
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna compilación musical

A finales del pasado mes de septiembre, el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records presentó oficialmente esta compilación musical de Burial Hex, vertebrada por nueve temas musicales pertenecientes a varias ediciones discográficas publicadas en formato digital, en vinilo, y en cassette, habiendo sido reunidas y publicadas por primera vez en formato CD en esta preciosa edición que incluye el tema inédito “Penitential March” como extra. El álbum recopilatorio “In Hiding” ha sido engalanado por Nathaniel Ritter con este impactante diseño, destacando especialmente su impactante portada de totémica estética visual y trasfondo simbólico unido a lo mágico. Una imagen intensa donde su configuración y su perspectiva revela ese halo metafórico enlazado con el subconsciente, llevando su mensaje más allá de lo lógico y racional, pero unido inequívocamente a lo humano y sus creencias espirituales y metafísicas que se pierden en el principio de los tiempos. A nivel técnico, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados con el magnífico trabajo de remasterización realizado entre los años 2022 y 2023 por Nathaniel Ritter y Clay Ruby, alma máter de Burial Hex. Una base musical renovada y potenciada con esta nueva mezcla sonora ideada por Clay Ruby, y que impactará al melómano con esta contundente demostración de talento artístico, ofreciendo el virtuoso espíritu creativo de vanguardia dentro de esta escena musical que ha erigido a Burial Hex como uno de sus máximos representantes. Prueba de ello es la atrayente panorámica sonora desarrollada a lo largo de todos estos años por Burial Hex, y que los melómanos lectores de Lux Atenea han ido conociendo en este blog cultural gracias a la cortesía de Cold Spring Records (reseña del álbum “Gauze”; reseña del álbum “In Psychic Defense”).

Sin más demora, iniciamos este viaje musical adentrándonos en el primer tema “O’ Crescent Shedding Queen! Dark Tide Is Cast Inside The Hearts Of Those Who’d Lay Siege To Your Luminous Shade”, donde lo acuoso y lo siniestro perfilan sonoramente este entorno áspero para lo humano mientras planos musicales afilados e iridiscentes vuelven a crear esa dualidad ambiental. Con el plano vocal transmitiendo su belleza obscura más tenebrosa, esta composición irá derivando del dark ambient al ritual ambient con una tormentosa aura sonora que sobrecogerá a los melómanos lectores de Lux Atenea. Además, tras esta primera muestra de maestría en el apartado técnico de remasterización, este álbum dejará abierta su puerta artística mediante el irresistible atractivo del sonido nítido, dimensional, y embriagador. Cuando los instrumentos de cuerda hagan su entrada en esta estructura musical, la evolución del ritual ambient a la música contemporánea también incorporará matices sonoros propios de la música experimental que les hipnotizará por su obscuro magnetismo envolvente, destacando especialmente su tenebroso plano vocal como antesala de este potente estilo post-industrial que dará algo de luz al entorno, pero sin perder su belleza siniestra. El retorno a la inquietante calma con el sonido del agua siendo de nuevo protagonista, adquiere ese tacto artístico único del dark ambient pero cercano a su frontera conceptual con el ambient. Profundamente impresionados, la inmediata llegada del tema “Of Roses, Astronomers & The Falsely Accused” será sentida como una apertura a lo primitivo, a los espacios abiertos, y a la noche. Una sobriedad donde la calma espiritual encuentra su sentido simbólico en el crepitar del fuego, para luego dar paso a este estilo conceptual propio de la mítica Escuela de Berlín de la década de los setenta donde la música electrónica presenta este alma universal, expansiva, y suprahumana. Con la brutal entrada de estos planos sonoros vocales, todo se volverá extremo y dominante a través del temor y de la coacción, reconfigurando su posesivo mensaje cuando se sumerja en estas decadentes olas post-industriales.

Posteriormente, el tema “From Heel To Throat” les seducirá con esta ambientación ceremonial cargada de ritualismo, de abandono de la Razón, y de emanación de lo visceral y emocional llevado a lo externo, al fetichismo de lo simbólico. Hasta estos pasajes melódicos propios del neofolk fluirán como revelación de lo unido a lo terrenal, a lo físico, al entorno natural fluyendo en éxtasis casi místico. “From Heel To Throat” es una composición intensa donde el eclecticismo conceptual lleva a su estructura sonora a evolucionar de forma innovadora, definiendo un viaje musical cuya belleza embriagará la mente del melómano. Aumentando la luz, el tema “A Kiss To Birth The Rotted Sun” será radical desde su inicio, cayendo psicológicamente sobre la mente con su aplastante dominio de lo extremo en su pesado rumbo a lo barroco, pero una esencia barroca decadente y monstruosa. Aquí, el horror se vuelve psicótico, degradante, y perturbado, transmitiendo desesperación y locura como manifestación de la pérdida de la cordura. Ojos que desean compasión, pero su mirada es fría y salvaje en su brutal obsesión. Hasta el plano melódico para órgano cayendo como una maldición refuerza esta recreación de lo irracional, quedando luego otra vez situado en el psicodélico caleidoscopio de la mente extraviada. Con el tema “Backwards Curse” presentándose con este plano melódico infernal, el horror quedará reforzado musicalmente con esta tenebrosa presencia vocal propia de una película de terror, de un cuento de Halloween, o de una casa maldita, siendo una composición conceptualmente mucho más lineal hasta su abrupta entrada en el estilo noise más áspero y pesado. ¡¡¡“Backwards Curse”, belleza siniestra en estado puro!!!

“Penitential March” es el título del tema inédito incluido en esta compilación musical, pasando del horror del tema anterior al dark ambient más experimental y melódico. Una atmósfera sonora lúgubre donde se respira lo mortuorio y lo escatológico, siendo lo melódico lo que da soporte a toda esta estructura musical con reminiscencias al cine estadounidense de terror de los años setenta. A continuación, el tema “Magic Without Tears” tendrá una definición sonora más gótica y, cinematográficamente hablando, más cercana a la inconfundible ambientación del estilo artístico que caracterizó a la mítica compañía inglesa Hammer. Breve en su duración, “Magic Without Tears” será la antesala perfecta para resaltar el siguiente tema “Pacing The Hollow”, proyectando una inquietante calma en el entorno a pesar de este plano melódico folk un tanto degradado en su estructura y en su evolución. Decadencia, recuerdos, y desesperanza bullendo en un presente insatisfactorio donde la mirada al pasado es dolor, y donde en el futuro sólo hay cenizas y olvido. Como opening musical de una serie de televisión de culto, el tema “Pacing The Hollow” sería perfecto. Finalmente, el tema “Feral Blood Vision” extenderá el telón de clausura de este álbum con la presencia del arte musical de Mater Suspiria Vision (recomiendo la lectura de la reseña de su álbum “666”), ya que inspiró a Clay Ruby para crear esta composición sonora experimental. “Feral Blood Vision” presentará este crescendo luminoso como la contemplación de un amanecer, para luego adentrarse en terrenos conceptuales propios del ambient en su definición sonora electrónica. Una contemplación de lo sublime mientras lo físico fluye, se transforma, y avanza hacia esa mutación renovada que será temporalmente caduca por su característica material. Por este motivo, la composición musical irá poco a poco apagándose hasta renacer con un nuevo impulso sonoro más pesado y denso, cuyo tempo se ralentizará hasta eclosionar en un nuevo escenario luminoso de estilo ambient, puntualmente oscurecido con estas pinceladas vocales siniestras. “In Hiding”, magna compilación musical de imprescindible audición para poder conocer la excelsa obra artística de Burial Hex dentro de la vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Satøri “The Woods” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1952).

Posted on 13 agosto, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1952 // Reseña Musical nº: 1351

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- A Stopped Clock // 2- Restrict // 3- The Summoning // 4- Caustic // 5- Black Serpent Kiss // 6- Pressing Down // 7- Body & Blood // 8- Abuser // 9- You Can’t Breathe
Datos técnicos: Temas musicales compuestos por Dave Kirby entre los años 2020 y 2023; álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena power electronics

Ya se encuentra disponible en pre-pedido a través de la webstore del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records y de su página oficial en Bandcamp, el esperado nuevo álbum de Satøri titulado “The Woods” que será presentado oficialmente el próximo día 8 de septiembre en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD. El álbum “The Woods” ha sido engalanado con este siniestro diseño gráfico en blanco y negro a cargo de Abby Helasdottir, quedando esta imagen de portada centrada en un entorno natural aparentemente tensionado con la presencia de estas ramas en la base de estos árboles como si se estuvieran preparando unas piras rituales o unas quemas de purificación aparentemente espirituales. Pero no son ramas destinadas a convertirse en piras, sino unas inquietantes chozas o refugios de una sola entrada. Una imagen visual del retorno humano a lo tribal, o al cazador salvaje sin ética o moral alguna que da rienda suelta a esos instintos propios del homo homini lupus que no han abandonado nunca al ser humano desde hace milenios. El horror en estado puro. En su nuevo álbum “The Woods”, el talentoso artista británico Dave Kirby vuelve a presentarnos otra joya musical donde el eclecticismo conceptual de vanguardia queda sustentado de forma creativa en los estilos power electronics, noise, dark ambient, industrial… Innovación y vanguardia destinadas a engrandecer esta apasionante escena musical, y que gracias a grandiosos artistas como Dave Kirby se presenta inagotable e incansable en la constante expansión de sus fronteras conceptuales.

Como alma máter de Satori ahora en solitario, Dave Kirby ahonda en esta obra en ese lado obscuro y demoníaco del ser humano manifestado en sus impulsos irracionales más destructivos y viscerales, a pesar del halo racional con el cual trata de envolverse y de justificarse como especie dominante en este planeta. Ya sea a nivel individual o colectivo, una cosa son los deseos y la propaganda, y otra la realidad y la contundencia de los actos, y muchos individuos o la propia Humanidad no parecen haber avanzado mucho en su camino racional y lógico, siendo lo emocional y sentimental lo que sigue impulsando con fuerza hacia la propia autodestrucción, o hacia un futuro estado de pre-civilización absolutamente tribal y salvaje en un entorno natural degradado y contaminado debido a la soberbia moral y ética del ser humano, y a su insaciable egoísmo material. A nivel técnico, los nueve temas que vertebran el grandioso álbum “The Woods” se presentarán ante el melómano lector de Lux Atenea con una nitidez y con una dimensión sonora espectacular gracias al impecable trabajo de masterización realizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido). Compuestos entre los años 2020 y 2023, estos temas musicales de Satori son muy contundentes a nivel artístico tras el minucioso trabajo de equilibrado y armonización en su nivel de registro sonoro realizado por Martin Bowes. Unas composiciones que revelan toda su intensidad de forma nítida, y un siniestro mensaje de trasfondo humano con un detalle en su dimensión musical que es impresionante. ¡¡¡El álbum “The Woods” suena espectacular!!!

Sin más demora, comenzamos esta audición adentrándonos en el primer tema “A Stopped Clock” de tacto sonoro áspero en su inicio, y rápidamente derivando hacia este colosal escenario en clave harsh noise y potente base industrial que se eleva tan cortante y desafiante como un hacha alzada en el aire. Brutal en su evolución sonora, estos inmisericordes latigazos fustigarán la mente del melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta siniestra obra como dura preparación psicológica ante lo que le espera en este álbum. El tema “Restrict” aparecerá con un estilo power electronics más innovador y deslumbrante en su siniestra belleza musical, mutando hacia espacios sublimes que se tiñen de angustia y sangre en cuanto esta arrolladora apisonadora sonora surja para someter y subyugar. Con un plano lírico que sobrecoge tanto como la audición del discurso de un agresivo líder señalando a la sociedad, aquí Satori amplifica todo el conjunto musical con esta ecléctica integración conceptual del noise, el industrial, y el power electronics más deshumanizado e insensible. Grietas abriéndose para dar paso a la hecatombe que, en “The Summoning”, da paso a este terrorífico ceremonial donde el sacrificio y el dolor son fundamentales para apartar el raciocinio y la lógica de la mente humana. Todo en “The Summoning” es extremo, subliminal, y coercitivo en su impacto mental, volviéndose infernal y demoníaco en su salvaje intencionalidad. En “The Summoning” no hay ni Ética ni Moral, sino la acción ejecutora del poder mostrando la cara más diabólica del ser humano. Una conmoción psicológica que paralizará al melómano durante su audición.

Cuando en el tema “Caustic” aparezca este estilo dark ambient en su inicio, el posterior protagonismo de los planos sonoros propios del power electronics nos harán sentir este corrosivo escenario distópico post-apocalíptico marcado por las ansias de degradación y de posesión hasta llegar a su manifestación más repulsiva y despiadada. Como si fuera un electroencefalograma sonoro de Leatherface en “Matanza en Texas”, sobre todo con esa máscara de piel tan bárbara y tribal, “Caustic” perturba por su envolvente halo de histeria, de pensamientos atroces, de sangriento placer imposible de complacer, y de profundo desprecio a lo humano hasta cosificarlo, sobre todo con esta sierra eléctrica musical en clave noise que no se para ante nada ni nadie. Fuera de control, el paso al potente tema “Black Serpent Kiss” será inmediato, retorciéndose su estructura musical como si fuera un leviatán desencadenado. “Black Serpent Kiss” proyecta y expande lo irracional. Ese interior infernal latente en las entrañas mentales del ser humano que han convertido este mundo en un tortuoso valle de lágrimas y de sufrimiento hasta hacer realidad ese infierno descrito y representado artísticamente por diferentes creencias religiosas a lo largo de la Historia. Un sádico calvario que, en el tema “Pressing Down”, se volverá solemne y mántrico en su esencia ritual inicial, encaminándonos a un viaje mental interior donde lo simbólico y lo metafórico están profundamente alterados en el individuo posicionado psicológicamente más allá del Bien y del Mal. “Pressing Down” recrea la peligrosa inestabilidad mental del ser humano endiosado que siente todo el poder en sus manos, y que a su vez se siente vacío e insatisfecho, provocando explosiones de ira y de rabia internas que desean ver la muerte y la destrucción a su alrededor como reflejo visual de su terrible infierno interior plagado de miedos y terrores.

El tema “Body & Blood” dará continuidad a esa descabellada deriva existencial que necesita estimular la aberración humana y sus instintos más primarios dirigidos a la materialización de la barbarie. Como culmen de la devastación y del culto al horror, “Body & Blood” sería un tema musical perfecto como banda sonora de una impactante película de horror cuando su psicópata protagonista entra en salvaje acción. Aquí los planos sonoros noise se muestran perfectamente armonizados con esta lírica descarnada, recreando lo brutal como pocos estilos son capaces de definir en clave musical. Una crudeza artística absolutamente sobrecogedora en “Abuser” debido a este inicio sacro abruptamente cortado con estos afilados planos noise, desgarrando toda la estructura musical hasta completar su dominio. Incluso algunos de estos planos sonoros son capaces de elevarse como desafío a lo celestial, siendo su materialización en este plano físico, la muestra más efectiva de su rebeldía a los designios sagrados. Sin límite o poder alguno que impida ese diabólico acto, “Abuser” refleja ese acto brutal de destructivo impacto físico y mental que dejará secuelas irreversibles imposibles de curar. Con el tema “You Can’t Breathe” extendiendo el telón de clausura en esta recreación del Mal protagonizado por el ser humano, su esencia conceptual aparecerá mucho más experimental y ecléctica para fascinar al melómano afín a los impactantes frutos artísticos de vanguardia de esta reveladora escena. “The Woods”, el genial artista británico Dave Kirby en solitario vuelve a convertir un nuevo álbum de Satøri en ese desvelo de los instintos demoníacos y autodestructivos humanos que lo encaminan inexorablemente hacia el apocalipsis de esta civilización técnicamente tan avanzada, pero muy pobre y decadente en su dimensión espiritual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

400 Lonely Things “Mother Moon” (Cold Spring Records, abril 2023) (Reseña / Review #1951).

Posted on 11 agosto, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1951 // Reseña Musical nº: 1350

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Good Morning // 2- You Must Sail To The Haunted Stars // 3- Parlor Tricks // 4- Many Moons // 5- In Darkness // 6- Oh My Soul // 7- Banning Mill // 8- Cast Us Deep In Mountain Sleep // 9- I Live In The Green Blooded Forest
Datos técnicos: Temas musicales mezclados y masterizados por Preston Wendel (Shania Taint)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Good Morning // 2- You Must Sail To The Haunted Stars // 4- Many Moons // 6- Oh My Soul // 9- I Live In The Green Blooded Forest

Un molino construido en los Estados Unidos de América como fábrica textil en la década de 1840, más de un siglo después termina convirtiéndose en un lugar refugio para artistas y outsiders desde la década de los setenta hasta los noventa, un emplazamiento cargado energéticamente donde arte y trascendencia confluyen en esta encrucijada, obras de arte que son algo más que decoraciones en sus habitaciones y estancias, simbología y fotografía inmortalizando una idea de trasfondo trascendente y místico, y lo selénico y lo mágico reflejados en esa unión sagrada perdida en el ser humano moderno y posmoderno salvo en estos apartados reductos a salvo de lo mercantil y de lo superfluo. Esta es la fuente de inspiración principal que llevó a Craig Varian, alma máter de 400 Lonely Things, a crear su grandiosa obra “Mother Moon” donde lo siniestro y lo tenebroso es mucho más interior que externo, y donde la música dark ambient de vanguardia fluye para despertar sensibilidades y planos existenciales capaces de armonizarse con la mutación interior, con el cambio, y con esa elevación del plano espiritual que rompe los límites de lo lógico y racional preestablecidos. El álbum “Mother Moon” es obscuro como los pasillos del laberinto creado por Dédalo, pero en su interior habita este Minotauro femenino unido a la Luna, a lo mágico, y a lo sobrenatural.

Presentado oficialmente en el mes de abril de este mismo año a través del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records, el álbum “Mother Moon” ha sido publicado en formato digital y en una preciosa edición en digitak CD de seis paneles que incluye un libreto digital de 44 páginas si se realiza el pedido a través de la página oficial de Cold Spring Records en Bandcamp. Engalanado con esta portada tan simbólica y atrayente protagonizada por esta coloreada fotografía del artista estadounidense Richard Scott Hill, prestigioso escultor y fotógrafo de fama mundial, aquí el mensaje viene codificado en clave metafórica cuyo trasfondo nos lleva a lo mágico, a lo trascendente, a la transformación interior, al cambio existencial, a lo oculto, y a esa máscara tan necesaria como defensa y protección del individuo ante el mundo y todo lo externo. Un Minotauro femenino que es protagonista principal en la imagen, y que también es ese otro lado del Minotauro unido a lo esotérico y a esta luna mágica que revela el misterio y que armoniza el ritual con su energía sagrada. Una imagen de portada que atrae nuestra mirada por esta belleza unida al simbolismo artístico y pictórico, configurando un todo complejo y profundo que exige dedicar un tiempo a cada uno de sus detalles que revelan una realidad oculta a primera vista. En este terreno creativo, el artista Richard Scott Hill sabe cómo romper lo cotidiano y los prejuicios con la provocación artística y con la esencia psicológica del mensaje simbólico unido al inconsciente humano.

Llevado a un plano musical, Craig Varian, alma máter de 400 Lonely Things, ha vertebrado el álbum “Mother Moon” con nueve temas convertidos en un viaje mental y trascendente donde la propia experiencia ha sido esencial para poder definir sonoramente la estructura musical de cada composición. Un estilo dark ambient muy avanzado donde el drone y la experimentación llevará al melómano lector de Lux Atenea a sentir este otro mundo, este escenario sobrenatural existente en el mundo de forma oculta. Unos temas musicales que han sido mezclados y masterizados por Preston Wendel (Shania Taint), y donde la influencia sobrenatural está presente en estas composiciones no para asustar con su belleza musical siniestra, sino para revelar ese otro lado del espejo de la realidad capaz de transformar interiormente a una persona. Por este motivo, escuchar el álbum “Mother Moon” se convierte en un acto personal, individual, e imposible de compartir con otros debido precisamente a su trasfondo psíquico profundo y por el nivel de concentración que exige cada uno de estos temas. En el fondo, el álbum “Mother Moon” es un ritual, un teatro metafórico de sus símbolos donde la ambientación musical es fundamental para irradiar a la mente del melómano con su fuente de inspiración principal: la presencia de lo oculto, y que también está unido al propio misterio de la vida.

Iniciamos este ritual trascendente en clave musical adentrándonos en el primer tema “Good Morning” con el sonido de la campana capaz de ahuyentar al mal de forma ritual, y adquiriendo esta composición un estilo ambient luminoso y expansivo donde lo natural aparece casi en estado virginal e idílico. Derivando hacia un escenario mucho más cerrado, la luz terminará abriéndose paso en este entorno con una evanescencia musical que, en el tema “You Must Sail To The Haunted Stars”, continuará presente en su inicio para luego elevarse hacia lo obscuro y lo infinito impulsado por lo mágico y lo místico como si fuera el vuelo mágico de un chamán. En “You Must Sail To The Haunted Stars”, el estilo ambient irá mezclándose conceptualmente con el dark ambient a través de estos planos experimentales donde el drone envuelve con su neblina sonora. La lírica presentándose como fuente de revelación en este dinámico escenario, acaba siendo un mantra que abre puertas mentales para ampliar el horizonte existencial hasta hacer perder el contacto con el suelo, con lo material, y con la jaula carnal, de ahí la inmersión en este estilo ambient tan etéreo en su parte final hasta volver a iniciar el ciclo mántrico. La belleza musical de “You Must Sail To The Haunted Stars” es impresionante, invitándote a repetir su audición varias veces antes de sumergirnos en el tema “Parlor Tricks”, arrancando como si fuera una nueva diapositiva iluminada en el proyector. “Parlor Tricks” es mucho más inquietante por el predominio musical del dark ambient, y el melódico sonido del piano inspira temor y tenebrosidad ante lo presente donde nada es lo que aparenta, llevándonos al interior de esta estancia fantasmagórica con presencia de lo ultraterreno y sobrenatural. La distorsionada deriva en la que termina esta composición ya absolutamente dark ambient. ¡¡¡“Parlor Tricks”, sobrecogedor!!!

Luego, en el tema “Many Moons”, el estilo dark ambient de 400 Lonely Things irá presentando muchos más matices sonoros incluso en este plano etéreo y aterciopelado que paraliza el tiempo y condiciona la mente. “Many Moons” es embriagador como un embrujo de Circe, envolviendo para cambiar la perspectiva de la vida y del mundo hasta llegar a la desconexión de lo cotidiano que será considerado como algo perteneciente al pasado. La nueva realidad es mucho más placentera, seductora, y aparentemente salvífica. ¡¡¡“Many Moons”, delicioso tema musical!!! Con “In Darkness” arrojándonos al interior de lo siniestro para provocarnos choques emocionales y dudas existenciales en este entorno frío en cuanto a sentimientos, lo experimental definirá su particularidad sonora hasta adquirir un aura futurista y tecnológico más cercano conceptualmente al high-tech ambient. Retornando al estilo ambient en el tema “Oh My Soul”, su debilidad estructural es lo que provocará que la entrada de planos sonoros dark ambient sea progresiva y decisiva en su configuración musical, dando dinamismo a este escenario nebuloso donde todo late, todo se mueve, y todo se encamina hacia lo sagrado. De ahí la calma espiritual que transmite este tema durante su audición, como si fuera un ceremonial de purificación.

El tema “Banning Mill” ahondará en lo obscuro mientras estas nieblas ocultan la verdad, quedando solamente la intuición como guía en este escenario semi-traslúcido dominado musicalmente por el drone en varios planos sonoros. Una estructura vaporosa, débilmente iluminada, y que se vuelve lisérgica con el paso del tiempo mientras nuestra mente se disipa en esta evanescencia espiritual. Cuando el tema “Cast Us Deep In Mountain Sleep” aparezca, lo mágico y lo ritual serán más directos pero de forma muy sutil, entrando en este ceremonial con suavidad, con solemnidad, y con los ojos abiertos a lo revelado. “Cast Us Deep In Mountain Sleep” transmite un estilo dark ambient muy avanzado e innovador que se sitúa cerca de su frontera conceptual con el ritual ambient, pero este tema es más espiritual y menos sobrecogedor, y su unión con lo ultraterreno se queda a nivel terrenal. En su trasfondo, “Cast Us Deep In Mountain Sleep” es más espiritual y vital que celestial y chamánico, y al incorporar este plano sonoro cíclico de un respirador presenta ese lado siniestro donde la fragilidad de la vida está presente. Adentrándonos en un escenario más tenso donde lo místico es ruptura y quebranto, la entrada en esta atmósfera inhóspita con la presencia de nuevo del respirador no hará más que atirantar aún más este tema hasta conducirnos a lo purificador, centrado simbólicamente en el agua. Luego, el tema “I Live In The Green Blooded Forest” clausurará este álbum con una estructura musical mucho más experimental y ecléctica unida a lo sobrenatural. Espacios solemnes, voces distorsionadas, ecos hieráticos, “I Live In The Green Blooded Forest” es el tema más tenebroso incluido en “Mother Moon” hasta sobrecoger si se escucha en la obscuridad más absoluta. “Mother Moon”, música y trascendencia en clave sonora, metafórica, y simbólica cuyo mensaje va directo al inconsciente en su propio lenguaje. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la categoría: Cold Spring Records

TENHORNEDBEAST “CAPRA HIRCUS” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2024) (Reseña / Review #2183).

MEAT BEAT MANIFESTO & MERZBOW “EXTINCT” (Cold Spring Records, abril 2024) (Reseña / Review #2058).

LULL “JOURNEY THROUGH UNDERWORLDS” (Cold Spring Records, enero 2024) (Reseña / Review #2023).

BSO / OST “SPUTNIK” – OLEG KARPACHEV (Cold Spring Records, diciembre 2023) (Reseña / Review #2016).

The Telescopes “Experimental Health” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1990).

Sonologyst “Shortwave Spectrum” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1989).

Merzbow “Cafe OTO” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1987).

Burial Hex “In Hiding” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1986).

Satøri “The Woods” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1952).

400 Lonely Things “Mother Moon” (Cold Spring Records, abril 2023) (Reseña / Review #1951).