400 Lonely Things “Mother Moon” (Cold Spring Records, abril 2023) (Reseña / Review #1951).

Posted on 11 agosto, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1951 // Reseña Musical nº: 1350

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Good Morning // 2- You Must Sail To The Haunted Stars // 3- Parlor Tricks // 4- Many Moons // 5- In Darkness // 6- Oh My Soul // 7- Banning Mill // 8- Cast Us Deep In Mountain Sleep // 9- I Live In The Green Blooded Forest
Datos técnicos: Temas musicales mezclados y masterizados por Preston Wendel (Shania Taint)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Good Morning // 2- You Must Sail To The Haunted Stars // 4- Many Moons // 6- Oh My Soul // 9- I Live In The Green Blooded Forest

Un molino construido en los Estados Unidos de América como fábrica textil en la década de 1840, más de un siglo después termina convirtiéndose en un lugar refugio para artistas y outsiders desde la década de los setenta hasta los noventa, un emplazamiento cargado energéticamente donde arte y trascendencia confluyen en esta encrucijada, obras de arte que son algo más que decoraciones en sus habitaciones y estancias, simbología y fotografía inmortalizando una idea de trasfondo trascendente y místico, y lo selénico y lo mágico reflejados en esa unión sagrada perdida en el ser humano moderno y posmoderno salvo en estos apartados reductos a salvo de lo mercantil y de lo superfluo. Esta es la fuente de inspiración principal que llevó a Craig Varian, alma máter de 400 Lonely Things, a crear su grandiosa obra “Mother Moon” donde lo siniestro y lo tenebroso es mucho más interior que externo, y donde la música dark ambient de vanguardia fluye para despertar sensibilidades y planos existenciales capaces de armonizarse con la mutación interior, con el cambio, y con esa elevación del plano espiritual que rompe los límites de lo lógico y racional preestablecidos. El álbum “Mother Moon” es obscuro como los pasillos del laberinto creado por Dédalo, pero en su interior habita este Minotauro femenino unido a la Luna, a lo mágico, y a lo sobrenatural.

Presentado oficialmente en el mes de abril de este mismo año a través del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records, el álbum “Mother Moon” ha sido publicado en formato digital y en una preciosa edición en digitak CD de seis paneles que incluye un libreto digital de 44 páginas si se realiza el pedido a través de la página oficial de Cold Spring Records en Bandcamp. Engalanado con esta portada tan simbólica y atrayente protagonizada por esta coloreada fotografía del artista estadounidense Richard Scott Hill, prestigioso escultor y fotógrafo de fama mundial, aquí el mensaje viene codificado en clave metafórica cuyo trasfondo nos lleva a lo mágico, a lo trascendente, a la transformación interior, al cambio existencial, a lo oculto, y a esa máscara tan necesaria como defensa y protección del individuo ante el mundo y todo lo externo. Un Minotauro femenino que es protagonista principal en la imagen, y que también es ese otro lado del Minotauro unido a lo esotérico y a esta luna mágica que revela el misterio y que armoniza el ritual con su energía sagrada. Una imagen de portada que atrae nuestra mirada por esta belleza unida al simbolismo artístico y pictórico, configurando un todo complejo y profundo que exige dedicar un tiempo a cada uno de sus detalles que revelan una realidad oculta a primera vista. En este terreno creativo, el artista Richard Scott Hill sabe cómo romper lo cotidiano y los prejuicios con la provocación artística y con la esencia psicológica del mensaje simbólico unido al inconsciente humano.

Llevado a un plano musical, Craig Varian, alma máter de 400 Lonely Things, ha vertebrado el álbum “Mother Moon” con nueve temas convertidos en un viaje mental y trascendente donde la propia experiencia ha sido esencial para poder definir sonoramente la estructura musical de cada composición. Un estilo dark ambient muy avanzado donde el drone y la experimentación llevará al melómano lector de Lux Atenea a sentir este otro mundo, este escenario sobrenatural existente en el mundo de forma oculta. Unos temas musicales que han sido mezclados y masterizados por Preston Wendel (Shania Taint), y donde la influencia sobrenatural está presente en estas composiciones no para asustar con su belleza musical siniestra, sino para revelar ese otro lado del espejo de la realidad capaz de transformar interiormente a una persona. Por este motivo, escuchar el álbum “Mother Moon” se convierte en un acto personal, individual, e imposible de compartir con otros debido precisamente a su trasfondo psíquico profundo y por el nivel de concentración que exige cada uno de estos temas. En el fondo, el álbum “Mother Moon” es un ritual, un teatro metafórico de sus símbolos donde la ambientación musical es fundamental para irradiar a la mente del melómano con su fuente de inspiración principal: la presencia de lo oculto, y que también está unido al propio misterio de la vida.

Iniciamos este ritual trascendente en clave musical adentrándonos en el primer tema “Good Morning” con el sonido de la campana capaz de ahuyentar al mal de forma ritual, y adquiriendo esta composición un estilo ambient luminoso y expansivo donde lo natural aparece casi en estado virginal e idílico. Derivando hacia un escenario mucho más cerrado, la luz terminará abriéndose paso en este entorno con una evanescencia musical que, en el tema “You Must Sail To The Haunted Stars”, continuará presente en su inicio para luego elevarse hacia lo obscuro y lo infinito impulsado por lo mágico y lo místico como si fuera el vuelo mágico de un chamán. En “You Must Sail To The Haunted Stars”, el estilo ambient irá mezclándose conceptualmente con el dark ambient a través de estos planos experimentales donde el drone envuelve con su neblina sonora. La lírica presentándose como fuente de revelación en este dinámico escenario, acaba siendo un mantra que abre puertas mentales para ampliar el horizonte existencial hasta hacer perder el contacto con el suelo, con lo material, y con la jaula carnal, de ahí la inmersión en este estilo ambient tan etéreo en su parte final hasta volver a iniciar el ciclo mántrico. La belleza musical de “You Must Sail To The Haunted Stars” es impresionante, invitándote a repetir su audición varias veces antes de sumergirnos en el tema “Parlor Tricks”, arrancando como si fuera una nueva diapositiva iluminada en el proyector. “Parlor Tricks” es mucho más inquietante por el predominio musical del dark ambient, y el melódico sonido del piano inspira temor y tenebrosidad ante lo presente donde nada es lo que aparenta, llevándonos al interior de esta estancia fantasmagórica con presencia de lo ultraterreno y sobrenatural. La distorsionada deriva en la que termina esta composición ya absolutamente dark ambient. ¡¡¡“Parlor Tricks”, sobrecogedor!!!

Luego, en el tema “Many Moons”, el estilo dark ambient de 400 Lonely Things irá presentando muchos más matices sonoros incluso en este plano etéreo y aterciopelado que paraliza el tiempo y condiciona la mente. “Many Moons” es embriagador como un embrujo de Circe, envolviendo para cambiar la perspectiva de la vida y del mundo hasta llegar a la desconexión de lo cotidiano que será considerado como algo perteneciente al pasado. La nueva realidad es mucho más placentera, seductora, y aparentemente salvífica. ¡¡¡“Many Moons”, delicioso tema musical!!! Con “In Darkness” arrojándonos al interior de lo siniestro para provocarnos choques emocionales y dudas existenciales en este entorno frío en cuanto a sentimientos, lo experimental definirá su particularidad sonora hasta adquirir un aura futurista y tecnológico más cercano conceptualmente al high-tech ambient. Retornando al estilo ambient en el tema “Oh My Soul”, su debilidad estructural es lo que provocará que la entrada de planos sonoros dark ambient sea progresiva y decisiva en su configuración musical, dando dinamismo a este escenario nebuloso donde todo late, todo se mueve, y todo se encamina hacia lo sagrado. De ahí la calma espiritual que transmite este tema durante su audición, como si fuera un ceremonial de purificación.

El tema “Banning Mill” ahondará en lo obscuro mientras estas nieblas ocultan la verdad, quedando solamente la intuición como guía en este escenario semi-traslúcido dominado musicalmente por el drone en varios planos sonoros. Una estructura vaporosa, débilmente iluminada, y que se vuelve lisérgica con el paso del tiempo mientras nuestra mente se disipa en esta evanescencia espiritual. Cuando el tema “Cast Us Deep In Mountain Sleep” aparezca, lo mágico y lo ritual serán más directos pero de forma muy sutil, entrando en este ceremonial con suavidad, con solemnidad, y con los ojos abiertos a lo revelado. “Cast Us Deep In Mountain Sleep” transmite un estilo dark ambient muy avanzado e innovador que se sitúa cerca de su frontera conceptual con el ritual ambient, pero este tema es más espiritual y menos sobrecogedor, y su unión con lo ultraterreno se queda a nivel terrenal. En su trasfondo, “Cast Us Deep In Mountain Sleep” es más espiritual y vital que celestial y chamánico, y al incorporar este plano sonoro cíclico de un respirador presenta ese lado siniestro donde la fragilidad de la vida está presente. Adentrándonos en un escenario más tenso donde lo místico es ruptura y quebranto, la entrada en esta atmósfera inhóspita con la presencia de nuevo del respirador no hará más que atirantar aún más este tema hasta conducirnos a lo purificador, centrado simbólicamente en el agua. Luego, el tema “I Live In The Green Blooded Forest” clausurará este álbum con una estructura musical mucho más experimental y ecléctica unida a lo sobrenatural. Espacios solemnes, voces distorsionadas, ecos hieráticos, “I Live In The Green Blooded Forest” es el tema más tenebroso incluido en “Mother Moon” hasta sobrecoger si se escucha en la obscuridad más absoluta. “Mother Moon”, música y trascendencia en clave sonora, metafórica, y simbólica cuyo mensaje va directo al inconsciente en su propio lenguaje. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Shinkiro “The Birth Of The Gods” (CYCLIC LAW, julio 2023) (Reseña / Review #1947).

Posted on 21 julio, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1947 // Reseña Musical nº: 1346

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico Cyclic Law por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- The Wind // 2- Fire // 3- The Sun // 4- The Sea // 5- Water // 6- Mountains // 7- The Moon
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra dentro de la escena musical ambient

Hoy viernes, día 21 de julio de 2023, se presenta oficialmente el nuevo álbum de Shinkiro “The Birth Of The Gods” a través del prestigioso sello discográfico Cyclic Law, siendo publicado en formato digital y en una edición limitada de 400 unidades en ecopack CD de seis paneles disponibles en la webstore de Cyclic Law, y en su página oficial en Bandcamp. Engalanado con un espectacular diseño de portada creado por Dehn Sora, esta impactante puerta Torii delimitadora del territorio sagrado refleja perfectamente el trasfondo sintoísta que fundamenta cada una de las siete composiciones que vertebran esta magna obra. Lo ancestral y lo mitológico en clave japonesa armonizándose con este avanzado estilo musical ambient donde Manabu Hiramoto, alma máter de Shinkiro, perfila escenarios sonoros sublimes donde lo instrumental fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena. Planos sonoros drone junto a grabaciones de campo, y la magia melódica del piano poniendo ese halo musical único, convierten al álbum “The Birth Of The Gods” en una auténtica delicia artística que resulta ideal para ser disfrutada en audiciones y re-audiciones a lo largo de los años. Incluso, en esta época estival, escuchar el álbum “The Birth Of The Gods” a medianoche se convierte en una experiencia inolvidable. Una delicia musical más que recomendada, y que incluso en los fríos días de invierno en paseos solitarios, este álbum ha de poder romper la conexión terrenal cotidiana del melómano para llevarle a otra perspectiva, a otras sensaciones, a otra mirada del mundo que le rodea como si contemplara un axis mundi sagrado que se acaba de revelar delante suya.

Iniciamos este viaje musical a lo sagrado adentrándonos en el tema “The Wind”, intensamente luminoso y mentalmente abierto, y donde el viento refleja simbólicamente el movimiento, o sea, el fundamento principal de la vida. Un impulso que, en “The Wind”, transmite poder y voluntad de creación a un nivel colosal e inescrutable en su intencionalidad. Un estilo ambient que te seduce por su magnificencia y que, en el tema “Fire”, este escenario va a transformarse en un entorno más espiritual y místico que conduce a lo puro, a ese estado de pureza íntimamente ligado a lo sagrado. “Fire” es iridiscente porque abre el abanico lumínico, porque amplía la presencia de lo divino a su estado más cercano a lo etéreo, y su fulgurante intensidad elimina lo denso e intrascendente para poder alcanzar lo más alto. Y tras el fuego, el tema “The Sun” será su sublimación como reflejo de lo divino, como centro expansivo de lo vivo, de la energía vital, siendo esa guía trascendente que da sentido a todo. “The Sun” irradia y conmueve, emanando estas ondas cíclicas que se mueven más allá del horizonte para establecer las fronteras de su reino sagrado. También “The Sun” es acción incansable e inagotable, invitando a lo hierático mientras somos envueltos por esta composición musical. “The Sun” es un tema impresionante.

En cambio, todo se volverá más denso en el tema “The Sea”, obscureciéndose un poco debido a la evolución de este entorno hacia lo evanescente y fugaz. “The Sea” recrea un estado espiritual más plano e idílico donde la materia aún no se ha vuelto densa y pesada, y aunque esta bella composición lleva al estilo ambient muy cerca de los límites conceptuales que lo separan del dark-ambient, sonoramente sigue siendo cien por cien ambient. El tema “Water” mantendrá la esencia musical que da continuidad a “The Sea”, pero marcando un desarrollo sonoro mucho más experimental y etéreo donde los diferentes ecos cristalinos conforman esta breve pero fascinante composición. Un periodo de transición perfecto para adentrarnos en la densidad del tema “Mountains”, donde lo sagrado y lo elevado quedan perfectamente armonizados en esta ecléctica composición situada conceptualmente en la intersección del ambient con el dark-ambient, el minimal, y lo experimental. “Mountains” es el tema más esotérico de este álbum, y sus reflejos místicos cautivarán a más de un melómano lector de Lux Atenea por la profundidad y por el detalle en su fuente de inspiración. Una atmósfera que invita a la elevación del plano existencial, y a ese impulso atávico marcado por la revelación espiritual. Una revelación que, en el tema “The Moon”, se volverá mágico, intuitivo, creativo, y muy íntimo. En “The Moon” aparecerá el piano con ese halo melódico gótico que seduce por su obscuridad aunque haya luz, y con esa iridiscencia del arte regio donde la materia, la energía, y el devenir son moldeados por la intención. “The Moon” es un tema no tan breve como “The Sea”, pero con ese encanto sonoro que te incita a escucharlo varias veces seguidas por su irresistible belleza. “The Birth Of The Gods”, el genial artista japonés Manabu Hiramoto vuelve a concebir y perfilar una nueva obra maestra con la indiscutible personalidad conceptual definida en Shinkiro. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Shibalba “Dreams Are Our World Of Experience” (CYCLIC LAW, julio 2023) (Reseña / Review #1946).

Posted on 12 julio, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1946 // Reseña Musical nº: 1345

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico Cyclic Law por su cortesía al enviarme este promocional digital.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- TEΛETH I // 2- TEΛETH II // 3- TEΛETH III // 4- TEΛETH IV // 5- TEΛETH V // 6- TEΛETH VI // 7- TEΛETH VII
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- TEΛETH I // 3- TEΛETH III // 6- TEΛETH VI // 7- TEΛETH VII

Los aires místicos y esotéricos llevados al arte musical vuelven a ser protagonistas en Lux Atenea, gracias a la mano maestra del dúo musical Shibalba formado por V.P. Adept y Aldra-Al-Melekh. Este viaje sonoro de corte chamánico llamado “Dreams Are Our World Of Experience”, vertebrado por siete hipnóticas composiciones definidas en clave ritual, abrirá otra dimensión del arte musical a los melómanos debido a su trasfondo mágico y ancestral, y gracias también al uso de estos instrumentos musicales con sumo talento. Junto a guitarras, sintetizadores y drones, Shibalba también utiliza campanas, trompetas de hueso y cuerno, gongs, cuencos tibetanos, tambores darbuka, cuernos tibetanos, y calaveras y huesos utilizados como instrumentos de percusión. Un despliegue musical muy cautivador cuya audición es impresionante, solemne, y tenebrosa. Estando actualmente disponible en pre-pedido, el grandioso álbum “Dreams Are Our World Of Experience” será presentado oficialmente el próximo viernes (día 14 de julio) a través del prestigioso sello discográfico Cyclic Law en formato digital, en una edición limitada de 300 unidades en ecopak CD, y en una edición limitada de 300 unidades en vinilo LP 12”. Engalanado con esta impactante portada donde ha quedado fundido e integrado lo mágico y lo esotérico con lo místico y chamánico, incluso la conexión con el inframundo y con lo supraterrenal presenta ese trasfondo velado al neófito, todo lo contrario a lo que le sucede al alma espiritual donde no es ni el tiempo ni la materia lo que le hacen trascender, sino todo lo relacionado con ultraterreno y sus diferentes manifestaciones. En “Dreams Are Our World Of Experience”, Shibalba experimenta con los instrumentos para configurar composiciones que crearán en la mente del melómano ese vórtice sonoro donde lo cotidiano queda apartado. Unos temas musicales que paralizan, que te sobrecogen por su belleza sublime, y que te envuelven con su halo mágico hasta ser poseídos por lo hierático. “Dreams Are Our World Of Experience” es siniestramente bello, y por este motivo me ha fascinado de forma muy especial en cada una de las audiciones que he disfrutado hasta tener terminada esta reseña. Sin duda alguna, “Dreams Are Our World Of Experience” es un álbum impresionante.

Iniciamos esta inmersión mística adentrándonos en el tema “TEΛETH I” a través de esta inquietante atmósfera que desplegará toda su esencia siniestra como si fuera la audición de una psicofonía, para luego quedar el entorno débilmente iluminado con este precioso plano melódico que será la antesala del ceremonial. “TEΛETH I” suena a cueva sagrada, suena a rito de muerte y resurrección, y nos va paralizando poco a poco con su magnetismo hierático donde la Razón y la Lógica empiezan a perder su poder en nuestra mente ante el impacto de lo sentido. A partir del minuto 5, “TEΛETH I” es espectacular… ¡¡¡excelso!!! Sumergidos en otra dimensión de la realidad, cuando el tema “TEΛETH II” haga su aparición en clave étnica serán los embriagadores aires sonoros orientales los que nos llevarán a lo extático, a esta danza de la vida y la muerte donde el alma queda irradiada con la energía de lo espiritual. “TEΛETH II” es lisérgico, denso, y luminoso hasta elevar nuestro plano existencial con estos velos de terciopelo cayendo para mostrarnos la esencia verdadera del sentido de la existencia. Aquí, los melómanos lectores de Lux Atenea empezarán a tomar consciencia de la grandeza conceptual de Shibalba mostrada en esta magna obra. A continuación, la atmósfera volverá a obscurecerse en el tema “TEΛETH III” con esta apertura sonora dentro del ritual ambient que, poco a poco, va a ir tomando impulso hasta conducirnos a lo mágico. El sonido del gong romperá las falsas manifestaciones, purificando un entorno que se irá haciendo iridiscente hasta quedar todo iluminado con este estilo ambient fundido con planos sonoros melódicos de inspiración étnica. La delicadeza instrumental que se muestra es muy seductora, puliendo los espacios hasta dotarlos de esta radiante aura capaz de transmitirnos armonía. “TEΛETH III” es un tema musical maravilloso que ha de ser disfrutado con suma atención.

Ahondando en lo obscuro, “TEΛETH IV” aparecerá más cercano, más próximo y agobiante con la aparición de estos planos instrumentales que transmiten dolor, lamento, y condenación del alma. Por este motivo, esta composición será la que más impresionará a los melómanos con gustos más góticos y siniestros. A nivel conceptual, en esta extraordinaria composición, Shibalba ha sabido integrar con maestría esta base ritual ambient con la fuerza de la dimensión sonora que irradia la música contemporánea, siendo los instrumentos los que recrean esta inmersión en lo tenebroso apoyados en pinceladas vocales que te sobrecogen. Desembocando en el tema “TEΛETH V”, aquí todo el escenario sonoro cambiará radicalmente con la entrada del sintetizador y las bases rítmicas, llevándonos a un entorno más terrenal donde lo material y lo físico van evolucionando a través del tiempo de forma imparable. Un dinamismo que incrementará su potencia sonora con la entrada de estos planos instrumentales de cuerda cuyos vibrantes ecos serán la antesala de lo ceremonial, que aparecerá con una magnificencia muy expansiva y dominante. Y, de nuevo, con el dark ambient llevándonos a lo ultraterreno, el tema “TEΛETH VI” convertirá lo vibrante en manifestación de lo oculto, de esas entidades situadas al margen de la influencia del tiempo, y donde lo mágico se vuelve chamánico en su definicion ritual y ceremonial. “TEΛETH VI” te atrae, te conmueve, y te provoca cierto temor a su vez, de ahí que sea uno de los temas más siniestros de este álbum. Una frágil quietud, una presencia no deseada, un entorno desconocido que crea inseguridad, y una dinámica espiritual que te incita a seguir avanzando a pesar de todo lo anteriormente descrito. Finalmente, con el tema “TEΛETH VII” clausurando esta obra con un estilo ritual tan avanzado, incluso oir el crepitar del fuego junto a este plano vocal no harán más que cautivar al melómano, absolutamente fascinado con la capacidad creativa de Shibalba a la hora de dar forma a estos escenarios tan sublimes. Por su tempo tan lánguido, “TEΛETH VII” es perfecto para poner el punto y final a este grandioso álbum. “Dreams Are Our World Of Experience”, cuando el arte musical es Mística, y Shibalba es sinónimo de vanguardia adelantada a las corrientes conceptuales por su eclecticismo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

The Beautiful Schizophonic “Shelter” (Anywave Records, junio 2023) (Reseña / Review #1945).

Posted on 4 julio, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1945 // Reseña Musical nº: 1344

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico francés Anywave Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Two Alone Will Sing Like Birds // 2- Split Against Her Voice to Eye Other Sacrifices // 3- Into The Night Sky // 4- Anotherness // 5- Bedroom Stratospherics // 6- Only Die For Love // 7- Shelter // 8- Mara’s Magic Birds // 9- Leave Her to Heaven // 10- In The Secret Garden of Emotional Pointlessness // 11- The Sorrow of Eros // 12- Lucid Dream
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandioso álbum musical dentro de los estilos ambient, dark ambient y experimental

Presentado oficialmente a mediados del pasado mes de junio, el extraordinario álbum “Shelter” de The Beautiful Schizophonic ya me sorprendió durante la primera audición debido a esta atmósfera musical tan radiante, armoniosa, y equilibrada que te transmite. A nivel sonoro, presenta un estilo muy ecléctico marcado conceptualmente por el ambient, dark ambient, experimental, y minimal donde el drone queda talentosamente definido por el artista portugués Jorge Mantas, alma máter de The Beautiful Schizophonic, transformando su audición en un viaje mental de trasfondo espiritual y sensitivo. Aunque “Shelter” se ha convertido en el décimo álbum oficial de The Beautiful Schizophonic, los doce temas que lo vertebran fueron compuestos entre los años 2008 y 2011, siendo en este año 2023 cuando ven por primera vez la luz pública gracias al prestigioso sello discográfico francés Anywave Records. Publicado en formato digital y en una elegante edición limitada en cassette, su diseño conserva esa estética tan característica en una gran parte de las ediciones musicales publicadas en la escena new age de principios de este siglo XXI. Diseñado por Myriam Barchechat y Fact Form Fiction haciendo uso del arte fotográfico de Julien Carreyn, esta magnética imagen de portada atrae la mirada debido a la presencia de dos sombras alargadas por la iluminación intensa en un entorno no tan luminoso. Parece como si fuera un anochecer o un temprano amanecer. Incluso la distorsión que adquiere la forma de estas dos figuras incita a la toma de consciencia de otro plano existencial, de otro escenario físico, y de otra dimensión de la realidad mucho más cercana a la propia realidad del alma. Una visión perfecta para sintetizar la fuente de inspiración de estos temas del álbum “Shelter” en una sola imagen. En esta temporada estival, la audición de esta grandiosa obra será una deliciosa experiencia musical que los melómanos lectores de Lux Atenea han de disfrutar en cuanto adquieran esta edición discográfica. Cromatismos sonoros, expansión lumínica, y espiritualidad emanarán en cada uno de los temas de este álbum.

Iniciamos la audición de esta magna obra sumergiéndonos en un iridiscente viaje que comenzará con el tema “Two Alone Will Sing Like Birds”, donde un creciente abanico de destellos multicolor va dando alma a este escenario que parece flotar en el aire como una pluma mecida suavemente por el viento. Como pueden comprobar, el artista portugués Jorge Mantas es un auténtico mago del equilibrio musical, transformando los planos sonoros en algo etéreo y supraterrenal. Una paz interior que, en el tema “Split Against Her Voice to Eye Other Sacrifices”, se paralizará bajo la influencia de lo hierático para observar lo trágico mientras los sentimientos afloran únicamente en el interior. Nada se manifiesta fuera, solamente una mirada como testigo mudo de ese sacrificio. En “Split Against Her Voice to Eye Other Sacrifices”, The Beautiful Schizophonic se acerca conceptualmente a la frontera que separa el ambient del dark ambient, cruzándola siempre en cuanto baja un poco el nivel de luminosidad en esta composición. Unos espacios abiertos que, en el tema “Into The Night Sky”, enmascaran las formas tras esta cortina sonora que oculta y vela tras el misterio. Aquí, el sonido se vuelve hegemónico como fuente sensitiva, como vehículo emocional para preparar a la mente a lo trascendente, abriendo su potencial a lo inconmensurable. Un ritual de muerte y renacimiento recreado en el tema “Anotherness” para reflejar el cambio, la elevación, la evolución hacia otro estado y otra perspectiva vital que se manifiesta impoluta, desconocida, e irresistible. Por este motivo, “Anotherness” es vibrante, cristalino, y frágil en su definición musical, y esta delicadeza es la que irradia paz y serenidad a nuestro interior. Cerramos los ojos y, con “Bedroom Stratospherics” poniendo banda sonora a este momento tan especial, de repente, la expansión mental es total mientras nos dejamos llevar por estos bellos planos melódicos que parecen provenir de otro mundo. Sin duda alguna, “Bedroom Stratospherics” es una de las composiciones de este álbum que más veces repetirán su audición porque escucharlo en el anochecer, en mitad de la noche, u observando el amanecer mientras el Sol empieza a asomarse en el horizonte sobre agua del mar, convierten a esta experiencia musical en algo único. ¡¡¡“Bedroom Stratospherics”, impresionante tema!!!

Cuando “Only Die For Love” nos invite a recorrer el camino existencial definido por el ideal, paso tras paso, lo humano y lo carnal irán perdiendo su influencia en nuestro interior, sintiendo todo en nuestro entorno de forma distinta. Más pura. “Only Die For Love” huele a rosas frescas y a pétalos que parecen de seda, y mirando las espinas de sus tallos, nos da igual si en algún momento nos pinchamos porque la belleza tiene un precio en esta vida. “Only Die For Love” es pasión y aceptación, es embriagador y sin condicionantes que alteren lo auténtico. “Only Die For Love” refleja la verdad, y la verdad conduce al dolor. Posteriormente, en “Shelter”, retornaremos a nuestro interior, a la soledad de nuestra alma que es sentida como luz encerrada en una jaula de carne y hueso. “Shelter” es tan evanescente como la reflexión, tan iridiscente como la revelación existencial, y tan magna como el universo. Esta composición es el tema del álbum que establece de forma más clara y contundente una conexión con lo espiritual, de ahí que, cuando termina, nos queda una sensación interior de vacío. Pero “Mara’s Magic Birds” llegará para dar color a nuestro horizonte como la cola de un pavo real desplegada para transformar la realidad en una visión hipnótica que nos atrapa psíquicamente. Resplandeciente, “Mara’s Magic Birds” abre y cambia, tienta y sorprende, hechiza y provoca admiración porque hace realidad lo nunca imaginado dentro de lo bello. “Mara’s Magic Birds” seduce los sentidos para acariciarnos con lo paradisíaco bajo su embrujo. Sin duda alguna, es la composición más experimental que encontrarán en este álbum.

Luego, la atmósfera sonora se volverá más minimalista en el tema “Leave Her to Heaven”, desenvolviéndose conceptualmente hacia terrenos musicales marcados por lo experimental mientras son definidos en un plano predominantemente obscuro. Una negrura ambiental que relaza y matiza los tonos sonoros, que amplifica las vibraciones para ser sentidas con mayor nitidez, y que desembocará finalmente en la encrucijada conceptual donde se unen el ambient con el dark ambient, y la música experimental con el ritual ambient. Una complejidad en la definición musical que “In The Secret Garden of Emotional Pointlessness” reorientará de nuevo hacia el estilo ambient, dando esta frescura ambiental, este despertar de la vida, esta neblina natural, y este mensaje vital que transforma la contemplación en reflexión mística. Aquí no hay emociones, aquí no hay sentimientos, sino revelaciones del sentido de la vida a través del intelecto, del pensamiento, y de ese puente con el alma consolidado al otro extremo. Con el tema “The Sorrow of Eros” deslumbrándonos con esta intensidad lumínica, cuando los ojos se adapten a este radiante entorno descubrirán cómo el dolor se oculta al otro lado debido a la pérdida de la armonía y de la ilusión. La intención pierde impulso, la mente va cambiando creatividad por decaimiento, observando cómo la pasión va muriendo poco a poco sin que se pueda hacer nada por ella ya que la intuición nos está avisando de su futura defunción. Sin pasión, ¿qué sentido tiene todo? Hueles una flor y no hay perfume, pruebas un pastel y no sabe a nada, bebes champagne y sólo sientes acidez en la boca. “The Sorrow of Eros” es el ocaso de la pasión. Finalmente, el tema “Lucid Dream” clausurará este grandioso álbum con la recreación del sueño perfecto, del sueño consciente, con este viaje al Reino de Morfeo sin perder la consciencia de la vigilia. Además, que en “Lucid Dream” predomine el drone dentro de este estilo dark ambient es perfecto para recrear estos escenarios oníricos que son sentidos desde lo consciente, de ahí el contraste que se establece entre lo irreal (sueño) y el ser (consciencia). Una inmersión en la fantasmagoría mental que no te posee porque el control lo tienes tú, y todo durará o será como tú desees. “Shelter”, el genial artista portugués Jorge Mantas ha logrado perfilar un álbum intemporal donde la armonía musical es belleza orientada a la trascendencia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Post California “View from a View” (Anywave Records, junio 2023) (Reseña / Review #1944).

Posted on 3 julio, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1944 // Reseña Musical nº: 1343

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico francés Anywave Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Starfall // 2- URGENCE MORT SUBITE // 3- Onyx // 4- I Saw A Rope In Your Eye // 5- BlueNext // 6- Omninight Technologies
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Excelso álbum dentro de la escena musical de vanguardia

El segundo álbum del grupo musical Post California titulado “View from a View”, fue presentado oficialmente el pasado día 16 de junio a través del prestigioso sello discográfico francés Anywave Records en formato digital y en una impactante edición limitada de 48 unidades en cassette, habiendo sido engalanado con este magnífico diseño creado por Myriam Barchechat basándose en el arte desarrollado por Pierre La Police dentro de sus obras pertenecientes a las series Parpalate. Una fusión del clasicismo con la estética pop que refleja sarcasmo, ironía, y decadente modernidad en su trasfondo visual. No hay nada más moderno que tomar lo tradicional y clásico para modificarlo, alterarlo en su esencia, y transformarlo en algo hueco. Lo moderno despojando al arte de su sentido trascendente y de su armonía estética. A nivel musical, Post California define sus composiciones musicales completamente a través del eclecticismo vanguardista, y puntualmente con esa base conceptual condicionada por la performance artística innovadora. Como los melómanos lectores de Lux Atenea podrán comprobar cuando adquieran este grandioso álbum, cada tema musical es un mundo sonoro único, un estímulo sensorial impactante a disfrutar, y una perspectiva artística que se mueve entre lo provocativo y lo caústico en relación a su fuente de inspiración principal que es la sociedad moderna (o siendo más precisos, la sociedad posmoderna en estos momentos). Un collage sonoro e instrumental de primer nivel donde la rúptura de esquemas y de parámetros preestablecidos es constante, sintiendo cómo Post California es completamente libre para crear sus composiciones con absoluta libertad y sin condicionante alguno dentro de esta escena. Un segundo álbum que nos lleva un paso más allá en la frontera de la vanguardia más actual, percibiendo el instinto creativo dentro del arte en su estado más puro a la hora de desvelar y de señalar la decadencia del materialismo, la crisis profunda del modelo social y económico, y la degradación humana en todo lo que toca que esté relacionado con la vida.

Adentrándonos en el primer tema “Starfall” iniciaremos la audición del universo sonoro de Post California inmortalizado en este álbum, mientras este vibrante pulso latiendo en la inmensidad va dando algo de luz a esta obscuridad dominante para quebrar la realidad con su presencia. Poco a poco, este estilo high-tech ambient irá evolucionando hacia esa quietud casi divina donde hasta el tiempo pierde su influjo en el presente, siendo la música electrónica lo que defina sonoramente a esta belleza sublime que minimiza lo humano y magnifica lo divino. Destellos de lo supraterrenal abarcando lo universal para romper las ataduras del presente y llevar a una nueva consciencia más elevada situada siempre al borde de la quiebra, al borde del abismo, al borde de la desaparición. Con un impulso mucho más potente y deslumbrante dentro de la electrónica experimental aparecerá “URGENCE MORT SUBITE”, extraordinario tema compuesto para la videoinstalación Milton (2020) de Nicolas Milhé, derivando hacia planos sonoros post-industriales de carácter cíclico y con esa personalidad musical high-tech donde la tecnología es sentida como inexorable futuro y como yugo para la humanidad. La voz sintetizada con eco amplificará este impacto mental en el melómano mientras pasea por este espacio donde no encuentra sitio ni armonía, pero que no puede dejar a un lado ni abandonarlo. Una adicción letal a la alta tecnología imposible de eliminar, aunque le cueste la vida o su sentido de existencia en este mundo. Es esa luz intensa que termina quemando a la mariposa atraída inevitablemente por su luminosidad. “URGENCE MORT SUBITE” es uno de los temas musicales de este álbum que más les fascinará, incitándoles a nuevas audiciones.

Cuando el tema “Onyx” aparezca en sus oídos, la magia creativa de Post California surgirá de nuevo dentro del estilo high-tech ambient surgido al inicio de este álbum, pero su pulso sonoro es más tenebroso. Un halo siniestro que nos llevará en este tema hasta el dark ambient más sobrecogedor no como terror, sino como horror. Ese horror cósmico definido literariamente por el maestro Howard Phillips Lovecraft (1890-1937) y, dentro del cual, el tema “Onyx” perfectamente podía formar parte de su banda sonora. En otro plano musical, el extraordinario tema “I Saw A Rope In Your Eye” nos llevará a un estilo ambient prístino cuya estructura musical multicapa queda sobrecargada en su parte superior, presentando en lo inferior esta nebulosa etérea que incita al abandono, siendo posteriormente alterado con la entrada de una base rítmica y de nuevos planos sonoros propios del estilo industrial. El tema “I Saw A Rope In Your Eye” fue la banda sonora utilizada en la videoinstalación Mold II (2014) de Laura Gozlan, y tuvo que provocar un fuerte impacto sensorial en las personas presentes ante su obra porque su esencia musical de vanguardia tiene ese magnetismo sonoro capaz de producir un vórtice emocional en donde está presente. “I Saw A Rope In Your Eye” tiene ese halo seductor del sueño lúcido que termina derivando en pesadilla en su ocaso. Nueve minutos de duración que serán sentidos como si hubieran pasado solamente dos o tres.

A continuación, en el tema “BlueNext”, Post California seguirá haciendo hincapié en lo tenebroso pero con un halo mucho más posesivo y agobiante. Lo curioso es que este abrumador influjo sonoro será sentido con placer por los melómanos más góticos en cuanto entre este plano melódico etéreo, convirtiendo al tema “BlueNext” en un spleen decadentista donde hedonismo, sensualidad, y futuro casi tocado con la mano resquebrajan lo cotidiano, observando la degradación del entorno en el presente como colapso inevitable. No hay vínculo con lo establecido, no hay encorsetamiento social, no hay conexión con lo exterior. Sólo un carpe diem en clave personal donde el individuo busca su transformación mientras disfruta el presente, esos frutos agridulces de un presente emocionalmente esplendoroso que es deliciosamente observado en crisis. Sin duda alguna, el tema “BlueNext” es la joya de la corona de este álbum. Teniendo a la composición “Omninight Technologies” como clausura musical, presentará estos planos sonoros donde lo mortificante y lo degradante perfilan su trasfondo conceptual. La presencia de definiciones de Edward Levy creadas por A V G V S T en el año 2012 (no hay que olvidar que Post California está liderado por un exmiembro de A V G V S T), no hace más que incrementar su brillantez sonora en esta composición que oscila conceptualmente en la frontera del estilo ambient con la electrónica experimental. Un cierre musical perfecto para esta magnífica edición destinada a convertirse en obra de culto, en una publicación discográfica en cassette que será muy buscada en el futuro por los coleccionistas musicales más selectos. Un álbum excelso para ser disfrutado desde el primer tema hasta el último ininterrumpidamente. “View from a View”, precisamente con la publicación de álbumes de tan alto nivel artístico, Anywave Records sigue siendo un sello discográfico de referencia dentro de la escena musical de vanguardia más actual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

JPEGr “PARAÍSOS MODULADOS” (ECLECTIC REACTIONS RECORDS, diciembre 2022) (Reseña / Review #1888).

Posted on 8 enero, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1888 // Reseña Musical nº: 1339

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico ECLECTIC REACTIONS RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Ruta Raíz // 2- Anti Edén // 3- Juegos De Azahar // 4- Hiperutopía // 5- Ecos y Penumbra // 6- Entre Los Claros
Datos técnicos: Temas musicales compuestos por JPEGr
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Anti Edén // 4- Hiperutopía // 5- Ecos y Penumbra

Como analista cultural, el prestigioso sello discográfico Eclectic Reactions Records me tiene fascinado por la espectacular calidad artística de las ediciones musicales que viene publicando, teniendo uno de los catálogos más innovadores y vanguardistas cuya calidad deslumbrará a los melómanos lectores de Lux Atenea que aún no hayan caído rendidos ante su virtuoso aura conceptual. Una de sus más recientes ediciones musicales que más me ha cautivado ha sido el álbum “Paraísos Modulados” de JPEGr, presentado oficialmente a mediados del pasado mes de diciembre de 2022 en formato digital y en una lujosa edición limitada de 32 unidades en cassette de color rojo en bolsa holográfica. Una auténtica exquisitez musical y discográfica destinada a engrandecer toda colección donde esté presente. Engalanado con este precioso diseño creado por el propio sello y este extraordinario trabajo artístico concebido por Ángela Sáez, su portada destaca por esta aura propia de la década de los setenta en cuanto a su definición etérea y psicodélica, pero fusionada con la vanguardia glitch actual de ruptura de las formas en su trasfondo ya que la innovación conceptual también está muy presente en estas composiciones musicales. Vertebrado por seis magníficos temas, el genial artista cántabro JPEGr convierte el eclecticismo conceptual dentro de su amplia paleta sonora de cromatismos en esta armoniosa integración de estilos como el ambient, IDM, experimental, high-tech ambient, breakbeat… como si fuera un orfebre musical perfilando una vidriera sonora multiforme y viva. Seis temas que no tienen paralelismo artístico alguno no solamente dentro de la escena nacional, sino también internacional, y esta maestría en la definición y en el equilibrio sonoro fundamentados en la idea inspiradora, va tomando forma y desvelo durante la audición de cada tema. Por este motivo, todo en el álbum “Paraísos Modulados” tiene sentido, intencionalidad artística, y ese núcleo siempre latente en su irradiación sonora que muta constantemente en nuevas estructuras sin que el tema deje de fascinarnos por su impacto musical tan innovador.

Sin más demora, comenzamos la audición de esta espectacular obra adentrándonos en su primer tema “Ruta Raíz” con un entorno sonoro experimental en su inicio, fusionándose luego con planos musicales high-tech ambient, breakbeat, e IDM hasta quedar perfectamente definida esta estructura innovadora. Ya en el tema “Ruta Raíz”, los melómanos lectores de Lux Atenea empezarán a tomar consciencia del carácter pionero de JPEGr en cuanto a su creatividad artística, transformando estos temas en una apasionante experiencia sonora sensorialmente inmersiva y de primer nivel. Tras el contundente impacto artístico de “Ruta Raíz”, el tema “Anti Edén” aparecerá minimalista al principio para evolucionar hacia este estilo ambient tan psíquico y dimensionalmente sublime, invitándonos a dejarnos llevar mentalmente mientras disfrutamos de estos espacios luminosos y dinámicos de destelleante brillantez sonora, reconfigurándose todo a continuación hacia definiciones musicales cosmopolitas donde todo fluye en permanente estado de movimiento. Manteniendo esta atmósfera sonora de vanguardia, el tema “Juegos De Azahar” se presentará más cristalino e iridiscente en su impulso dinámico realzado por este breakbeat áspero y potente, y esta tensión estructural creará colapsos sonoros inevitables para poder añadir nuevos cromatismos musicales que lleven a esta composición a ese estado límite de iridiscencia.

Posteriormente, el tema “Hiperutopía” cambiará completamente el entorno sonoro para volverse más selénico, traslúcido, y futurista, quedando su plasticidad conceptual notablemente definida en estos planos melódicos rotos, y con este regusto metálico y mecánico del estilo industrial. En “Hiperutopía”, el IDM y el breakbeat chocan hasta transformarse en potentes emanaciones vibrantes que, como ondas de un cuásar, van marcando el tempo de este tema, surgiendo de nuevo las iridiscencias para recrear ese futuro de alta tecnología tan alejado de lo emocional y sentimental. Desembocando en el tema “Ecos y Penumbra”, aquí este álbum se vuelve tan obscuramente exquisito como el dark ambient, pero es una inteligente combinación de ambient con IDM innovador sostenido con pilares sonoros electrónicos quebrados y recortados como si fueran imágenes en un collage que individualmente perturban, pero experimentados en su conjunto definen otra dimensión artística que te hipnotiza. Sin duda alguna, “Ecos y Penumbra” es la composición más magnética mentalmente de este álbum, siendo muy adictiva en sucesivas audiciones continuas. Clausurando este admirable trabajo musical, el tema “Entre Los Claros” tiene esa intensidad sonora del beat que irá poco a poco perdiendo su protagonismo conceptual con la entrada de esta avalancha musical multicapa que estilará los espacios. Solamente la base beat acerca su núcleo sonoro al melómano, mientras el entorno adquiere ese punto de ruptura extremo que presagia el colapso y la inercia hacia el sosiego paralizante. “Paraísos Modulados”, ecléctico caleidoscopio conceptual de vanguardia tan deslumbrante como innovador en su perspectiva musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

JARBOE “SACRIFICIAL CAKE” (THE CIRCLE MUSIC, diciembre 2022) (Reseña / Review #1878).

Posted on 2 enero, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1878 // Reseña Musical nº: 1337

Quiero dar las gracias a DISCIPLINE PR (DAN) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: SIDE A: 1- Lavender Girl // 2- Ode To V // 3- Shimmer (Instrumental) // 4- My Buried Child
SIDE B: 5- Not Logical // 6- Spiral Staircase // 7- Yum-Yab // 8- Surgical Saviour
SIDE C: 9- Caché Toi // 10- Tragic Seed // 11- Troll Lullaby // 12- Deflowered
SIDE D: 13- The Body Lover // 14- Shimmer // 15- Act III // 16- Troll
Datos técnicos: Álbum grabado en Plastikville Studios (Nueva York), salvo el tema “My Buried Child” grabado en directo por Berry Kamer en VPRO Radio (Países Bajos); temas musicales mezclados en Civa Studio (Atlanta); álbum masterizado originalmente por Chris Griffin en Griffin Mastering, habiendo sido remasterizado por George Emmanuel en Pentagram Studio para esta edición en vinilo
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Lavender Girl // 2- Ode To V // 3- Shimmer (Instrumental) // 6- Spiral Staircase // 11- Troll Lullaby // 12- Deflowered // 13- The Body Lover // 14- Shimmer // 16- Troll

La talentosa artista estadounidense Jarboe perteneció al grupo musical de culto The Swans pero, en solitario, desde principios de la década de los noventa ha ido presentando álbumes de vanguardia dentro de esta escena que han servido de referencia a futuros artistas y grupos musicales. Uno de estos míticos álbumes de Jarboe es “Sacrificial Cake”, editado originalmente en CD a través de los sellos discográficos Young God Records, Alternative Tentacles, y Rough Trade en el año 1995, y que, a mediados del pasado mes de diciembre de 2022, ha sido publicado por primera vez en el insustituible y fidedigno formato en vinilo por el prestigioso sello discográfico griego The Circle Music, tras haber sido remasterizado por George Emmanuel en Pentagram Studio. Una joya discográfica que hará las delicias de los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta preciosa edición, limitada a 500 unidades en 2LP 12” en vinilo de 180 gramos de color lavanda inspirado en el famoso tema del álbum titulado “Lavender Girl”. Habiendo sido engalanado con un nuevo diseño creado por Riccardo Isolabella, mantiene el protagonismo visual de la portada original (obra pictórica del artista multidisciplinar británico Deryk Thomas titulada “Knifewoman Drawing”) pero presentando una mayor luminosidad, una decoración marcada por tonos cromáticos más intensos, y un trasfondo simbólico donde la presencia de la mano en un segundo plano adquiere este siniestro hilo de influencia en ese acto principal representado.

En su grandioso álbum “Sacrificial Cake”, Jarboe pudo contar con la colaboración de otros artistas como Michael Gira (alma máter de The Swans), Michael Evans, y Lary Seven (Lary Govensky) en la interpretación final de estos temas musicales, y siempre teniendo en cuenta que, en este álbum, el tema “My Buried Child” fue el único grabado en directo (VPRO Radio, Países Bajos). A nivel conceptual, la innovación musical que presenta Jarboe en estas composiciones es absoluta a través de un eclecticismo artístico donde quedan presentes estilos como el ethereal, tribal, industrial, experimental, ambient, postindustrial, indie rock, dark ambient, minimal… Por este motivo, el mítico álbum “Sacrificial Cake” es fundamental para poder conocer y sentir los vientos musicales de vanguardia que supuso la composición instrumental y lírica de estos temas de la mano de Jarboe, definiendo una obscura perspectiva sonora y una pasión interpretativa que nos deslumbró a quienes amamos esta escena musical desde lo más profundo del alma. “Sacrificial Cake” es un ejemplo claro de la grandeza artística de Jarboe a mediados de la década de los noventa, y una de las bases creativas esenciales para su posterior evolución en la composición de nuevos temas a lo largo de los siguientes años.

Iniciamos la audición de esta mítica obra adentrándonos en el universo musical de Jarboe a través de su famoso tema “Lavender Girl”, mientras estas melodías embriagadoras nos sumergen en ese estado espiritual donde los sentidos se expanden gracias a estos planos instrumentales vaporosos, y con el dulce registro vocal de Jarboe seduciendo nuestra mente como una mística sacerdotisa. Misticismo, esta es la perfumada esencia que emana del excelso tema “Lavender Girl”, y su sombra también se proyecta en el tema “Ode To V” dentro de un plano más carnal al estar dedicada al templo del placer femenino, misterioso y adorado como radiante fuente hedonista de esa petite mort tan anhelada y deseada. “Ode To V” es fetichismo y ceremonia, es pórtico sagrado y agua salvífica, es incienso carnal y tacto divino que conduce a otro plano existencial si es tocado por ese impulso de búsqueda que solamente la pureza es capaz de revelar. De ahí este ceremonial sonoro étnico y tribal tan seductor. ¡¡¡“Ode To V”, impresionante!!! Conduciéndonos hasta el tema instrumental “Shimmer”, aquí el estilo ambient adquiere estos radiantes cromatismos iridiscentes entre claroscuros dimensionales débilmente iluminados para expandir nuestros sentidos durante su audición. “Shimmer” es la magia musical de Jarboe en su máxima expresión, y en su definición estructural más armoniosa y bella. Posteriormente, “My Buried Child” se presentará como el único tema de este álbum que fue grabado en directo con Jarboe acompañada por Michael Gira a la guitarra, y terminando en un colapso absoluto de toda su estructura instrumental, apareciendo el tema “Not Logical” para reconducir esa atmósfera obscura hacia un escenario musical de lírica transgresora, y decorada con la serenidad de estos pasajes melódicos ambient que derivarán puntualmente hacia lo industrial. “Not Logical” invita a elevar el plano existencial, siendo mántrico en su lírica mientras te embruja con su eclecticismo musical. Dando un giro conceptual absoluto al estilo, “Spiral Staircase” proyecta el espíritu vital más decadentista de este álbum, y establece una serie de contrastes que resultan esenciales para envolvernos con esta dinámica constantemente influida por el dolor hasta el entumecimiento emocional. “Spiral Staircase” es uno de los temas más obscuramente bellos de este álbum por su perfumada tristeza.

Cuando el tema “Yum-Yab” aparezca con su ambientación étnica, será esta interpretación lírica experimental lo que altere esa atmósfera con la belleza siniestra más irascible. “Yum-Yab” es provocador, áspero, y extremo, quedando el tema “Surgical Saviour” como demostración conceptual del postindustrial más nihilista en su plano existencial, sumergiéndose en la tentación de lo físico como intento de sentirse vivo, de cobrar sentido la existencia en un presente siempre incómodo e insustancial. Tras la vorágine, “Caché Toi” será la antesala lírica perfecta para adentrarnos en el tema experimental “Tragic Seed” donde se refleja esa difuminada realidad del amor como tragedia, de ahí su inexorable deriva musical hacia lo siniestro que aparecerá de forma contundente y lapidaria, y cuya continuidad es la demoníaca canción de cuna “Troll Lullaby”. Una ambientación sonora dark ambient irresistible, y con una lírica gótica de auténtico lujo que sería ideal como banda sonora de una película de terror sobrenatural. Desembocando en el tema “Deflowered”, aquí el indie rock recupera su mensaje de denuncia y de crítica para desvelar una realidad no siempre reconocida ni aceptada, porque toca aspectos económicos y empresariales que no se desea destapar por los intereses creados alrededor de ello. En “Deflowered”, la industria musical queda al descubierto, presentándose como una trituradora de ilusiones, de talento, de magia artística, por los intereses carnales y económicos que se mueven internamente. Un precio que el artista muchas veces tiene que pagar en esta industria musical para poder abrir la puerta que conduce supuestamente al éxito y a la fama. Conceptualmente, el rock se convierte en el estilo musical más idóneo para remarcarlo con estos aires artísticos de la década de los sesenta y principios de los setenta.

Volviendo al ambiente gótico decimonónico tardío, “The Body Lover” es un tema musical que quedaría perfecto como banda sonora en películas como “La Carne y el Demonio (the flesh and the fiends)”, ya reseñada en Lux Atenea, debido al protagonismo de estos ladrones de cadáveres con vidas al margen de la ley en su lado más marginal, violento, y depredador. El dark ambient, el minimalismo, y lo experimental dan cuerpo musical a “The Body Lover”, cubriéndonos de obscuridad e inquietud. Perfumado con esta preciosa lírica magníficamente interpretada por Jarboe, el tema “Shimmer” ahora potencia su aura embriagadora como si fuera un potente hechizo lanzado por Circe. Luego, el tema “Act III” aparecerá con esta estructura musical postindustrial tan exquisita y vanguardista en su dimensión instrumental, y con una lírica en clave sonora ritual. “Act III” se expandirá hasta el tema “Troll” sin que haya una frontera musical clara que lo separe porque la armonía se mantiene constante en su evolución, adquiriendo esta clausura del álbum la brillantez creativa que siempre ha caracterizado a Jarboe en sus obras musicales. “Troll” es profundamente siniestro y con ese lado burlón que caracteriza a la mitología escandinava en relación a estas criaturas sobrenaturales, quedando recreadas con absoluta maestría en esta composición experimental. “Sacrificial Cake”, primera edición discográfica en vinilo de este mítico álbum para poder sentir el arte musical de Jarboe en su plenitud sonora ideal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

DEN SORTE DØD “DEPRESSIV MAGI” (CYCLIC LAW, julio 2022) (Reseña / Review #1633).

Posted on 7 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1633 // Reseña Musical nº: 1323

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico CYCLIC LAW por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Den Evindelige Skygge // 2- Depressiv Magi // 3- En Vind AfInfernalsk Ulidelighed // 4- Sortsind // 5- Håbløsheden // 6- Den Kosmiske Forbandelse
Datos técnicos: Temas grabados por Den Sorte Død; álbum masterizado por Hans Olsson
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical bajo la influencia conceptual de la Escuela de Berlín llevada al siglo XXI

A finales del pasado mes de julio, el dúo musical danés Den Sorte Død presentó oficialmente su quinto álbum “Depressiv Magi”, vertebrado por estos seis temas espectaculares que seducirán a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena musical non-mainstream de vanguardia. Publicado por el mítico sello discográfico Cyclic Law en formato digital, en una edición limitada de 300 unidades en ecopak CD de cuatro paneles, y en una lujosa edición limitada de 300 unidades en vinilo LP 12”, el álbum “Depressiv Magi” viene engalanado con esta impactante portada tan siniestramente bella donde lo ctónico y la luz transmiten fielmente esa esencia simbólica de lo tenebroso, unida a los ritos mistéricos de muerte y resurrección celebrados en grutas y cuevas sagradas. Seis temas musicales grabados por Den Sorte Død donde su fértil talento en la composición ha quedado especialmente resaltado tras la magnífica labor técnica de masterización realizada por Hans Olsson. Una sonoridad que fascinará al melómano que adquiera este álbum en su edición discográfica original por la irresistible atracción artística que provocan estas composiciones, desplegándose a nivel sensorial y espacial con esa aura obscura, decadente, y lúgubre que sobrecoge. “Depressiv Magi” es un álbum superlativo a nivel conceptual a través de este estilo ambient unido a la Escuela de Berlín que es decorado con pinceladas sonoras dark ambient e industrial. Esta definición brilla especialmente por su estructuración musical tan innovadora que te posee mentalmente desde el primero hasta el último tema sin pausa alguna. Por esta perspectiva artística de vanguardia, año tras año, Den Sorte Død se está convirtiendo en uno de los estandartes musicales más creativos dentro de esta escena.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta grandiosa obra sumergiéndonos en lo sutil con el tema “Den Evindelige Skygge”, mientras estos ecos nos preparan para la ruptura sensorial que llegará con la entrada de estos planos melódicos ambient de reminiscencias conceptuales unidas a la Escuela de Berlín de los años setenta. El tema “Den Evindelige Skygge” es pausado, marcando un tempo que embriaga y armoniza, quedando añadida a esta bella estructura musical estos planos sonoros electrónicos evanescentes que, como una danza, irán atrayendo nuestra atención mental hasta seducirnos. Posteriormente, el tema “Depressiv Magi” proyectará esa dinámica melódica anterior en este escenario más difuso por su luminosidad, perdiendo el contacto con la realidad en cuanto aparezcan estos planos musicales que descargarán su tensión e intensidad de forma violenta. Aunque en “Depressiv Magi” se mantiene una base musical melódica estable a lo largo de toda la composición, son esas otras pinceladas sonoras repentinas lo que dan este brillo conceptual de vanguardia. Luego, el tema “En Vind AfInfernalsk Ulidelighed” nos sobrecogerá con sus siniestros cromatismos sonoros donde todo se vuelve atmosférico, inquietantemente atmosférico, envolviéndonos con esa tenebrosa esencia melódica que caracterizaba a las bandas sonoras del cine giallo, e incorporando incluso pinceladas instrumentales propias del industrial en esta composición.

El eclecticismo conceptual quedará configurado en el tema “Sortsind” a través de este trasfondo melódico propio del dark ambient, perdiéndose la definición de las formas y del espacio por la degradación de los sentidos hasta desembocar en lo sepulcral, presentando luego esta atmósfera sonora que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea con gustos góticos. Durante su audición, “Sortsind” me hace recordar a las siniestras ambientaciones del cine de terror de la mítica compañía cinematográfica inglesa Hammer Productions, precisamente por esta atmósfera musical gótica enraizada conceptualmente a la década de los sesenta y de los setenta. Ahondando en lo lúgubre decorado con iridiscencias sonoras, el tema “Håbløsheden” es el más depresivo de todo este álbum, presentando un tempo muy lánguido que armonizado con estos planos melódicos, amplifican este aire de desasosiego y melancolía, volviéndose lisérgico, decadente, y con ese spleen decimonónico envuelto con lo alucinógeno, lo etílico, y lo degradantemente carnal. Finalmente, la clausura de este álbum llegará con el tema “Den Kosmiske Forbandelse” que realzará aún más lo siniestro al sobresalir conceptualmente el dark ambient en su composición. Aquí la luminosidad ambiental es mínima, y los espacios son mucho más estrechos por esta obscuridad incluso cuando entren estos planos sonoros ambient donde lo melódico y lo cristalino elevan un poco la luz en este entorno. Pero “Den Kosmiske Forbandelse” te mantiene mentalmente a distancia, rodeándote de obscuridad salvo en el foco musical principal de carácter melódico que marca la evolución sonora en este tema. “Depressiv Magi”, desde Dinamarca, vanguardia artística de carácter pionero dentro de esta escena musical non-mainstream tan ecléctica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ASCENDING DIVERS “WATERY DOMAIN” (CYCLIC LAW, agosto 2022) (Reseña / Review #1621).

Posted on 3 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1621 // Reseña Musical nº: 1320

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico CYCLIC LAW por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Spinning Lantern Dance // 2- Clamor Of An Off-shore Dismissal // 3- Daybreak In The Waves // 4- Ear The Shell Speech // 5- Pearly Reflections Throught The Algae Gate // 6- A Stormful Place Far Out Off The Coast // 7- Mother-Of-Pearl Nest // 8- Above The Foam Crashing // 9- Wreck
Datos técnicos: Álbum masterizado por Frederic Arbour
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Clamor Of An Off-shore Dismissal // 3- Daybreak In The Waves // 5- Pearly Reflections Throught The Algae Gate // 7- Mother-Of-Pearl Nest // 9- Wreck

El pasado día 5 de agosto fue presentado oficialmente el nuevo álbum de Ascending Divers titulado “Watery Domain”, perfilando en sus nueve temas musicales estos sinuosos cromatismos sonoros drone donde el estilo dark ambient queda armonizado artísticamente mediante estos trasfondos siniestramente bellos. El genial artista francés Hugo Champion, alma máter de Ascending Divers, desde el año 2015 no ha dejado de explorar musicalmente en la dimensión sonora del drone a través de un amplio arco conceptual que oscila del ambient al dark ambient, estableciendo nuevas estructuras sonoras que vienen fascinando desde entonces a los melómanos afines a la escena musical non-mainstream de vanguardia. Publicado por el mítico sello discográfico Cyclic Law en formato digital y en una edición limitada de 300 unidades en ecopak CD de seis paneles, el álbum “Watery Domain” viene engalanado con un precioso diseño en cuya portada, la belleza sublime queda integrada armoniosamente con el tiempo tanto presente como pasado, adquiriendo ese mensaje metafórico que proyecta el agua como elemento simbólico prácticamente alejado de la influencia del tiempo y con esa esencia purificadora sobre la vida. Simbólica y metafóricamente, el agua es la fuente principal de inspiración del artista Hugo Champion en su nueva obra musical hasta llevar a estas composiciones hacia trasfondos casi místicos por su alejamiento de lo humano en su realidad materialista tan angustiosamente enlazada con el tiempo. Todo este universo de sensaciones musicales ha quedado sonoramente perfecto tras la labor técnica de masterización realizada por Frederic Arbour, artista canadiense propietario del sello Cyclic Law, transformando la audición de estos temas en algo cristalino, vivo, y latente en su proyección musical. Nueve temas que hechizarán a los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta edición discográfica por su esplendorosa dimensión sonora, convirtiendo su audición en esa ruptura mental de lo cotidiano para elevarse mentalmente a otro mundo, a otra realidad unida a la iridiscencia espiritual y trascendente que cambia la mirada al mundo y a este universo tras el tacto con lo casi eterno. Y lo eterno es cualidad de lo sagrado y divino, siendo el agua el elemento que purifica para poder alcanzar ese estado, ese lugar, ese otro mundo donde el alma se expande.

Iniciamos la audición de esta grandiosa obra sumergiéndonos en el primer tema “Spinning Lantern Dance” como entrada a otro espacio sensorial en clave ambient, apareciendo este plano melódico de corte sacro para transmitir esa esencia conceptual experimental que redefinirá esta composición hasta darle una poderosa contundencia luego aplacada. Posteriormente, el tema “Clamor Of An Off-shore Dismissal” hará que nos expandamos mentalmente cuando sus planos musicales drone conviertan esta composición dark ambient en una ruptura del espacio a través de la recreación sonora de estas oleadas, cuyo ritmo se dilata en el tiempo hasta la languidez. Ahondando en el estilo dark ambient, el tema “Daybreak In The Waves” es mucho más obscuro pero con ese trasfondo místico que ilumina el espíritu, habiendo recreado Hugo Champion este amanecer al borde del mar de forma magistral para hacer sentir al melómano esta experiencia casi trascendente. “Daybreak In The Waves” es obscuro pero irradia energía dentro de un claroscuro místico que te envuelve y te hipnotiza. ¡¡¡“Daybreak In The Waves”, armoniosamente bello!!! Mucho más vibrante aparecerá el tema “Ear The Shell Speech”, adentrándose conceptualmente en lo experimental y en ese estilo dark ambient de carácter místico, atravesando esta nebulosa melódica con los sentidos estimulados por lo colosal, por lo omnisciente, hasta entrar en “Pearly Reflections Throught The Algae Gate” prácticamente sin darnos cuenta al ser este tema su continuidad musical para fascinarnos con estos vivos cromatismos sonoros puntualmente quebrados con siniestros planos sonoros. Un caleidoscopio acuático donde los destellos, las luces, los tonos cromáticos, convierten la vida en un brillante espectáculo de la diversidad donde lo vivo y lo mortuorio están siempre presentes.

Con el tema “A Stormful Place Far Out Off The Coast” proyectando esos aires un tanto tenebrosos donde todo se vuelve peligroso e inquietante hasta llegar a lo fantasmagórico, aquí el dark ambient nos provoca ese contraste emocional definido por su atracción melódica espiritual y por el rechazo a este trasfondo casi demoníaco que seduce e inspira temor a su vez. En el ecuador de esta composición, la saturación en el nivel de registro sonoro sorprende un poco en vista a la nitidez musical disfrutada hasta ahora, desembocando en “Mother-Of-Pearl Nest” donde lo experimental vuelve a resurgir en este tema ambient para embellecer melódicamente a esta grandiosa composición. Una nueva demostración del talento creativo de Ascending Divers dentro de la vanguardia artística hasta convertir a este tema en la joya de la corona de este álbum. “Mother-Of-Pearl Nest” es espectacular, y una auténtica delicia cuya repetición constante en su audición es casi adictiva. Posteriormente, la crudeza del estilo dark ambient aparecerá en el tema “Above The Foam Crashing” hasta cambiar completamente el escenario anterior con este reflejo simbólico del quebranto del tiempo, y de la esencia caduca de todo lo vivo. A veces solemne, a veces sublime, “Above The Foam Crashing” es una composición musical muy dinámica condicionada por los contrastes, emanando esa luz que no es cálida sino fría y fugaz, motivo por lo cual la distancia emocional es mayor hasta casi llegar a lo puramente contemplativo. Clausurando este magnífico álbum, el tema “Wreck” traerá con su aparente calma lo dramático, la aspereza de la tragedia latente, y esa aura tenebrosa que fluye en la desgracia, recreando el ambiente marino de este naufragio con sumo talento artístico. Un naufragio que se vive, que se observa mentalmente, siendo el estilo dark ambient insustituible en su definición. Hasta los fugaces reflejos de luz que aparecen en el cielo son admirablemente recreados en esta composición que causará asombro y admiración en el melómano, y hará que su pasión por la obra musical de Ascending Divers no deje de crecer por su valoración artística. “Watery Domain”, innovación conceptual dentro del estilo dark ambient mediante la exploración sonora de vanguardia en clave drone. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

YALDA “TAVALLODI DIGAR” (TAXI DRIVER RECORDS, julio 2022) (Reseña / Review #1595).

Posted on 6 agosto, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1595 // Reseña Musical nº: 1311

Quiero dar las gracias al grupo musical YALDA por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Hedie // 2- Tavallodi Digar // 3- Nasim // 4- Dar // 5- Khushouf // 6- Adlay // 7- Pejvak
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Yalda en Studio K (Génova, Italia); álbum masterizado por Mattia Cominotto en Greenfog Studio (Génova, Italia)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Hedie // 2- Tavallodi Digar // 3- Nasim // 5- Khushouf // 6- Adlay // 7- Pejvak

Formado por Lalè (percusiones y vocalista) y Berna (guitarras y sampler), desde Italia, el dúo musical Yalda nos presenta su nuevo álbum “Tavallodi Digar” para ofrecernos vanguardia conceptual en estado puro. Un álbum espectacular marcado artísticamente por lo ecléctico, y donde las estructuras musicales adquieren esta personalidad sonora intensa y casi sobrehumana que te llevan al éxtasis durante su audición. “Tavallodi Digar” es un crisol musical donde se integran con maestría corrientes conceptuales como la música electrónica, experimental, étnica, tribal, post-industrial, ambient, industrial… y hasta puntuales cromatismos sonoros noise aparecen en sus temas para engrandecerlos aún más. Con lírica en farsi, el idioma de los persas, la fascinación que provoca escuchar a Lalè interpretando estos temas dejará profundamente impresionados a los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta grandiosa obra musical en su edición original. Presentado oficialmente el pasado día 8 de julio a través del magnífico sello discográfico italiano Taxi Driver Records en formato digital y en ecopak CD, el diseño que presenta el álbum “Tavallodi Digar” es siniestro y muy elegante, destacando especialmente su portada obscura donde lo selénico irradia ese influjo unido a la naturaleza y a lo mágico. A nivel técnico, Mattia Cominotto ha realizado un buen trabajo de masterización sonora del álbum, permitiéndonos disfrutar los siete temas que vertebran esta obra con una calidad musical que sobrecoge. Artísticamente, “Tavallodi Digar” tiene el inconfundible magnetismo conceptual de lo vanguardista, de esos álbumes que nada más escucharlos por primera vez, sabes que repetirás su audición a lo largo del tiempo porque despierta tu pasión por la música.

Iniciamos la audición de esta magna obra musical sumergiéndonos en la atmósfera sobrecogedora del tema “Hedie”, cuyo videoclip oficial recomiendo visualizar en el canal oficial de Yalda en Youtube. Una inmersión sensorial en otra dimensión sonora que, a través de este plano musical pulsante y de este tempo marcado por la percusión, romperán cualquier idea conceptual que tuvieran en su mente. Cuando la impresionante voz de Lalè surja, la magia de la lírica hará su aparición acompañada por esta guitarra eléctrica resonando para dar base a toda la estructura musical. Tras un valle sonoro, entonces será cuando Lalè despliegue todo el potencial de su registro vocal como si fuera una sacerdotisa del mundo antiguo. ¡¡¡“Hedie”, espectacular!!! A continuación, el tema “Tavallodi Digar” nos llevará a un escenario musical más denso y obscuro, poniendo al límite toda la estructura instrumental para que la hipnótica voz de Lale’ nos embruje con sus embriagadores tonos orientales. Una cadencia y unas iridiscencias místicas que les conducirán mentalmente a otro mundo, a otra dimensión donde lo espiritual perfuma el sentir de la vida. “Tavallodi Digar” tiene luz, esa luz cálida que reconforta y estimula al alma con su deslumbrante energía. Posteriormente, “Nasim” aparecerá con un tempo más acelerado con la percusión y la guitarra eléctrica distorsionada acompañando a Lale’ en este tema musical absolutamente experimental. “Nasim” es una sorpresa sonora constante a lo largo de toda su audición, presentando esta definición artística de vanguardia muy adelantada a su tiempo. En “Nasim” se integra con maestría lo cosmopolita con lo futurista, lo urbano con pasajes cyberpunk que desafían al destino. ¡¡¡“Nasim”, impresionante!!!

En el tema “Dar” retornaremos a esos aires instrumentales orientales que atrapan al espíritu por su vigor sonoro, introduciéndonos en este caleidoscopio musical donde la saturación musical acaba desbordando y nublando la mente. Mucho más sereno aparecerá el tema “Khushouf”, quedando la voz de Lalè como axis sagrado iluminado por los destellos del pasado. Instrumentalmente, “Khushouf” se acerca conceptualmente al minimalismo, derivando posteriormente hacia estructuras sonoras post-industriales amalgamadas con planos musicales experimentales hasta configurar este grandioso mosaico melódico. Luego, el tema “Adlay” va a adquirir una personalidad musical más etérea donde la voz de Lalè en clave clásica se vuelve evanescente en este ambiente, apareciendo esta base electrónica para abrir la luz a toda la estructura musical. En “Adlay” es todo un placer escuchar la voz de Lalè, siendo una auténtica delicatessen que adquiere mayor fuerza artística mientras se disfruta en esta temporada estival. “Adlay” tendrá su continuidad en el tema “Pejvak” sin interrupción, clausurando esta extraordinaria obra con su personalidad mística inicial que será bruscamente rota con la entrada de potentes planos sonoros industriales. “Pejvak” es radical, transgresor, invitándonos a sentir la innovación conceptual sin filtro alguno y en su esencia más armoniosa y provocadora. En su parte final, de nuevo las brumas melódicas orientales harán su aparición para llevarnos a otro nivel de sensibilidad y de pasión debido al virtuosismo artístico desplegado por este dúo musical. ¡¡¡“Pejvak”, colosal!!! “Tavallodi Digar”, la música de vanguardia fluye en estas impresionantes composiciones de Yalda. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la etiqueta: Ambient

400 Lonely Things “Mother Moon” (Cold Spring Records, abril 2023) (Reseña / Review #1951).

Shinkiro “The Birth Of The Gods” (CYCLIC LAW, julio 2023) (Reseña / Review #1947).

Shibalba “Dreams Are Our World Of Experience” (CYCLIC LAW, julio 2023) (Reseña / Review #1946).

The Beautiful Schizophonic “Shelter” (Anywave Records, junio 2023) (Reseña / Review #1945).

Post California “View from a View” (Anywave Records, junio 2023) (Reseña / Review #1944).

JPEGr “PARAÍSOS MODULADOS” (ECLECTIC REACTIONS RECORDS, diciembre 2022) (Reseña / Review #1888).

JARBOE “SACRIFICIAL CAKE” (THE CIRCLE MUSIC, diciembre 2022) (Reseña / Review #1878).

DEN SORTE DØD “DEPRESSIV MAGI” (CYCLIC LAW, julio 2022) (Reseña / Review #1633).

ASCENDING DIVERS “WATERY DOMAIN” (CYCLIC LAW, agosto 2022) (Reseña / Review #1621).

YALDA “TAVALLODI DIGAR” (TAXI DRIVER RECORDS, julio 2022) (Reseña / Review #1595).