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MARC AND THE MAMBAS “THREE BLACK NIGHTS OF LITTLE BLACK BITES” (COLD SPRING RECORDS, agosto 2025) (Reseña / Review #2277).

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Reseña Cultural nº: 2277 // Reseña Musical nº: 1464

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Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- My Former Self // 2- Your Aura // 3- The Animal In You // 4- Black Heart // 5- Narcissus // 6- Gloomy Sunday // 7- Vision // 8- In My Room // 9- The Bulls // 10- Près Des Remparts De Séville // 11- Catch A Fallen Star // 12- Your Love Is A Lesion // 13- Torment // 14- Empty Eyes // 15- Untitled // 16- Angels // 17- Caroline Says // 18- First Time // 19- Jacky
Datos técnicos: Álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Your Aura // 6- Gloomy Sunday // 8- In My Room // 13- Torment // 16- Angels

Gracias a la extraordinaria labor cultural que viene desarrollando el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records, el próximo día 8 de agosto será publicado oficialmente esta re-edición del álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” de la legendaria y breve banda musical británica Marc And The Mambas, presentándose por primera vez en vinilo en tres preciosas ediciones ya en pre-pedido que incluyen una copia del programa oficial de dieciséis páginas de los tres conciertos ofrecidos en el año 1983: 2LP 12” en vinilo negro, una lujosa edición limitada de 350 unidades en 2LP 12” en vinilo rojo, y una impactante edición limitada splatter de 150 unidades en 2LP 12” en vinilo rojo y negro, únicamente disponible directamente a través de la webstore del sello y de su página oficial en Bandcamp. El álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” ha sido engalanado con una magnífica maquetación a cargo de Abby Helasdottir, con arte fotográfico realizado por Peter Ashworth e ilustraciones ideadas por Huw Feather, destacando especialmente su portada en exclusiva para esta re-edición, y donde ha quedado resaltada la impactante atracción visual que provoca la obra “Arise 2” (2022) creada por la artista multidisciplinar inglesa Val Denham. Vertebrado por diecinueve temas musicales, el álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” atesora en su interior las canciones interpretadas por Marc And The Mambas en los tres conciertos ofrecidos en el año 1983 en el Teatro Duke Of York (Londres, Reino Unido), y que fueron grabados en cinta de vídeo VHS por el legendario artista Peter “Sleazy” Christopherson (Throbbing Gristle, Coil). Años después, en 2012, el propio artista británico Marc Almond publicó este álbum en CD con diecisiete temas + DVD a través de su sello discográfico Strike Force Entertainment, quedando ampliado en esta re-edición en vinilo a 19 temas (“Près Des Ramparts De Séville” y “Jacky” pertenecientes al DVD). Como analista musical, quisiera destacar el impecable y minucioso trabajo técnico de remasterización realizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), porque el resultado final es excelso en cuanto a calidad sonora. Hay que ser conscientes de que la grabación original fue realizada en cinta de vídeo VHS en 1983, posteriormente fue publicado en CD+DVD con la tecnología existente en el año 2012, e, increíblemente, tras haber pasado por sus expertas manos técnicas, el álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” presenta esta calidad sonora impresionante. Como apunte musical antes del análisis de esta obra musical, esta es la formación artística que presentaba Marc and the Mambas junto a The Venomettes. Marc and the Mambas lo formaban: Marc Almond (vocalista), Annie Hogan (piano, órgano Farfisa, y vox), Lee Jenkinson (guitarra y vocalista), Steve Sherlock (saxofón y flauta), y Peter Ashworth (percusión). Y The Venomettes lo formaban: Anne Stephenson (violín), Gini Hewes (violín), Martin McCarrick (chelo), Bill McGee (contrabajo arqueado), además de contar con la colaboración de Audrey Riley (chelo). Magníficas formaciones musicales, como podrán comprobar disfrutando estos temas en directo.

Iniciamos la audición de esta joya discográfica adentrándonos en el primer tema “My Former Self”, y con su melodioso piano perfecto para acompañar instrumentalmente a esta lírica decadente. Quebrándose en su evolución musical como el espíritu de su protagonista, hasta la sutil presencia del violín no hace más que ahondar en su tortuoso presente, quedando la pasional interpretación de Marc Almond como testimonio de esa degradación en cuerpo y alma. Un tenebroso directo con esos ecos irrepetibles de las grabaciones antiguas, envolviendo al artista en su mirada melancólica a ese pasado donde era mucho más fácil tocar lo celestial. Más intenso se presentará el tema “Your Aura”, con el piano cambiando completamente su espíritu melódico mientras Marc Almond desvela la difícil relación amorosa entre dos personas donde una de ellas desea el vínculo emocional y sentimental, y la otra está enfocada a lograr el éxito artístico, no siendo consciente de los sentimientos del otro. La vida es dura, es cruel, y mucho más cuando las expectativas artísticas no se cumplen, y “Your Aura” es eso mismo, quedando sólo la imaginación como escenario de victoria tras el fracaso, y con la otra persona pensando en lo que pudo ser y nunca se hizo realidad. Además, con Steve Sherlock creando esta magia melódica con el saxofón, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con el final del tema porque es un auténtico lujo. ¡¡¡“Your Aura”, preciosa canción e interpretación!!! Dando continuidad a las relaciones tortuosas, el tema “The Animal In You” tendrá la intensidad y la violencia de una batida de caza disparando de forma inmisericorde, apareciendo la canción “Black Heart” para exponer con crudeza esas relaciones amorosas donde una de las partes de dedica a hundir, a menospreciar, y a romper los sueños y las esperanzas del otro sin motivo alguno, solamente por el mero placer de convertir la vida de su pareja en un infierno, y contemplar su declive y terrible desasosiego existencial. Por este motivo, el tema “Black Heart” establece una base melódica con esta ambientación donde las luces son afiladas, los colores alegres son una burla de maléfico gesto, y la vida se presenta como una danza macabra señalando con el dedo y riendo. Sin duda alguna, si la crueldad tuviera banda sonora, “Black Heart” sería la canción ideal.

Con esos aires instrumentales tan propios de la escena británica en las décadas de los setenta y de los ochenta, el genial artista Steve Sherlock con el saxofón dará el cuerpo instrumental y melódico al tema “Narcissus”, creando este escenario que huele a soledad, a barreras sentimentales infranqueables, y a mirada al espejo buscando calidez donde ya la pasión está muerta. Conduciendo al melómano lector de Lux Atenea a uno de los temas malditos dentro de la Historia de la Música como es “Gloomy Sunday”, la guitarra acompaña a esta lírica dramática y obscura donde lo siniestro se presenta como realidad presente. Desesperanza, vitalidad perdida, mirada cansada, desamor, años que pesan como una gran lápida de mármol depositada sobre la espalda, en “Gloomy Sunday”, la muerte deja de ser temida, evitada, para mirarla con la esperanza de acabar con el sufrimiento terrenal que se padece. Gótico en su ambientación, por estas interpretaciones entenderán por qué a Marc Almond y a sus proyectos musicales se les llegó a incluir en aquella época dentro del new wave con influencias conceptuales del post-punk. Sin intervalos entraremos en el tema “Vision” donde la melancolía desdibuja la realidad, entremezclándose los recuerdos, las emociones, y los sentimientos en un presente que no se siente como tal. Oscuro en su estructura musical, adquiere el mismo espíritu sonoro que en “Black Heart”, pero más sacro en su línea melódica hasta hacerse espiritual. “Vision” es esa luz en la oscuridad donde se observan iridiscencias propias de otro mundo que no es este, y esa observación atenta encandila y permite soportar ese vivir cotidiano donde no se comprende el sentido de la propia existencia. Con “In My Room” presentando la soledad en su profundidad existencial más devastadora al sentir la ausencia del otro, la interpretación lírica de Marc Almond adquiere esta sensibilidad artística tan necesaria para proyectar esa situación personal. Acompañado de nuevo por un piano tenso llevado al extremo en su vibrante espíritu melódico, estas notas musicales al aire se hunden en el abismo interior del solitario, encontrando en “In My Room” a Marc Almond en una de sus interpretaciones más excelsas. ¡¡¡“In My Room”, soledad y dolor imposible de calmar!!!

“The Bulls” y la tauromaquia como fuente metafórica sobre el baile de máscaras que es la sociedad y sobre la hipocresía reinante en la ciudadanía, perfila una realidad donde la sangre corriendo es un sacrificio inútil en una explosión de lo humano cargada de histrionismo, narcisismo, y crueldad. Luego, la ópera “Carmen” del famoso compositor francés Georges Bizet (1875-1875) se presentará en una de sus composiciones, “Près Des Remparts De Séville”, con Gini Hewes (The Venomettes) como protagonista artística principal. Posteriormente, en el tema “Catch A Fallen Star”, su fuente de inspiración estará basada en la atmósfera que se respira en los antros donde individuos de toda clase van dando tumbos existenciales en su dejarse arrastrar por la corriente más salvaje y kitsch de la vida. Ambientes sobrecargados por el fracaso que se respira, ilusiones para escapar de una jaula indeseada pero defendida, personas ancladas a un pasado donde creyeron que eran alguien y en el presente son patéticos, y el dinero siempre presente en su adoración más ruin y decadente. Este es el alto nivel de crudeza lírica que los melómanos lectores de Lux Atenea encontrarán en “Catch A Fallen Star”, y solamente tienen que salir esta misma noche y entrar en ciertos locales de su ciudad para ver cada una de las escenas descritas en esta canción. ¡¡¡“Catch A Fallen Star”, sonrisas, mentiras, y olor a putrefacción de lo vital!!! Ahondando en lo extremo, el tema “Your Love Is A Lesion” es el sadomasoquismo físico y psicológico llevado a las relaciones amorosas, y que siempre deja profundas cicatrices en el corazón y en la mente. Disfrazado de pasión, el dolor es omnipresente en cada acto endulzado con emociones y sentimientos que son mentiras interpretadas intencionadamente, siendo su impacto absolutamente devastador. Por este motivo, “Your Love Is A Lesion” se presentará así de contundente y con la resignación sobrevolando este trágico escenario decorado con tormentosas descargas instrumentales. Y hablando de tensiones emocionales, el tema “Torment” será lo amoroso perdiendo cualquier clase de contención, de respeto a sí mismo, de decencia moral y ética, y de reciprocidad. Uno despreciando e incansable a la hora de provocar dolor, y otro deseando ser el centro de su atención aunque sea para ser atormentado, sintiendo que merece la pena el sufrimiento si en esos momentos están juntos. En el fondo, “Torment” destila ese amor llevado a su esencia más amarga y venenosa, convirtiendo la relación en un dantesco infierno donde una de las partes no tiene empatía y la otra cree que es importante porque le dedica atención… aunque sea para torturarlo. Excelso en su interpretación, en el tema “Torment” si que está presente la influencia conceptual del post-punk de forma muy clara, convirtiéndose en una de las mejores canciones de este álbum.

Cuando lo extrovertido se basa en mentiras, aparecen temas musicales como “Empty Eyes” que, llevado a las relaciones personales más íntimas, siempre desembocan en esa sensación de vacío al contemplar los ojos de la otra persona. Miradas que ya han perdido el fuego, gestos que hieren como espinas de rosas clavándose en la piel cuando es tocada, y mientras, todo es visto con esa extraña calidez que tiene observar la progresiva decadencia de una persona que se cree alguien, que cree que puede seguir manipulando a placer, mientras se va hundiendo apoyándose en un suelo que son arenas movedizas. De tempo más acelerado, en “Empty Eyes” se siente gran parte del estilo interpretativo de Marc Almond en Soft Cell, y este factor artístico da un encanto especial a esta canción. Enfocado en el ser solitario por naturaleza, el tema “Untitled” encantará al melómano lector de Lux Atenea por su lírica y por esta magnífica interpretación, apareciendo la magia musical de Marc and the Mambas con esos aires artísticos tan característicos de la década de los ochenta. Con una interpretación vocal en dueto que podía haber quedado mucho más pulida con unos ensayos previos, todo en “Untitled” termina provocando pensamientos sobre qué gran libertad tenían los artistas en aquella época tanto en sus composiciones, como en sus interpretaciones en concierto. Luego, el tema “Angels” será un caleidoscopio melódico donde sus planos instrumentales crean reflejos cromáticos de sorprendente belleza plástica. Una auténtica joya musical atesorada en este álbum, porque “Angels” posee toda la esencia mágica de la década de los ochenta que caracterizaba a la escena británica, y que revolucionó el mundo musical a nivel mundial con sus parámetros conceptuales. Posteriormente, la visión emocional y sentimental femenina se hará presente en el tema “Caroline Says”, a través de una lírica muy clara y directa basada en esa visión femenina de su pareja masculina cuando ya no tiene su respeto. Esa frialdad emocional y esa actitud femenina completamente alejada de lo sentimental, aflora en la voz de Marc Almond acompañado instrumentalmente por el piano. El tema “First Time” dará continuidad a esa situación, pero con lo masculino no entendiendo con su lógica racional qué ha pasado para que la pasión se haya muerto. Recordando el pasado, los momentos únicos vividos y compartidos, experimentados con la sonrisa de la inocencia más benigna, no termina de encontrar ese punto crítico cuando ella dejó de amar, dejó de sentir, dejó de ser importante para ella. Finalmente, el tema “Jacky” clausurará este álbum con estos aires artísticos propios de los escenarios teatrales, y en los cuales Marc Almond va a profundizar muchos años después en su carrera en solitario. No necesitando más que un piano, su interpretación lírica se transformará en la descripción de historias, sueños, pensamientos, ilusiones, éxitos, y fracasos. “Three Black Nights Of Little Black Bites”, joya discográfica de imprescindible adquisición para los fieles seguidores de Marc Almond, y para todos aquellos melómanos que deseen sentir la atmósfera creativa latente en la escena británica a principios de la década de los ochenta. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THE CURE “QUADPUS” (ELEKTRA / ASYLUM RECORDS, 1985) (Reseña / Review #33).

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Reseña Cultural nº: 33 // Reseña Musical nº: 13
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 3 de diciembre del año 2006.

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the cure quadpus vinilo

Publicado por: Elektra / Asylum Records, (ELEKTRA 0-66856), 1985
Edición comentada : Vinilo 12” (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: SIDE A: 1- A Night Like This // 2- New Day
SIDE B: 3- Close to me (12” mix) // 4- A Man in my Mouth
Valoración de la calidad del vinilo : 10 (Excelente vinilo, destacando tanto por el material utilizado como por la calidad de la grabación y de su impresión; un disco imprescindible para los fieles seguidores del grupo británico The Cure)

the cure quadpus vinilo pic2

“Quadpus” es uno de los trabajos musicales más desconocidos de toda la larga carrera discográfica del mítico grupo británico The Cure. Publicado en los Estados Unidos de América en el año 1985, “Quadpus” se convirtió en la década de los ochenta en una de las ediciones discográficas de The Cure más buscadas y difíciles de encontrar, pero esta odisea que había que pasar hasta hacerse con un ejemplar de esta edición en vinilo, salvo que la Diosa Fortuna te lo pusiera muy fácil y casi en la mano. A base de insistir en mi búsqueda, finalmente pude comprar uno de ellos, y todos los esfuerzos realizados tuvieron su recompensa artística más excelsa cuando en el giradiscos pude escuchar y disfrutar las dos rarezas musicales atesoradas en el mismo: “New Day” y “A Man in my Mouth”. Dos grandiosas canciones destinadas a ser degustadas sonoramente en audiciones siempre hipnóticas y psicodélicas que invitan a repetir estas escuchas. Y si centramos la atención artística en el mítico tema de The Cure “A Night Like This”, no sé ya cuántas veces habré escuchado esta canción, ni cuántas veces se habrá bailado este tema en los locales góticos. ¡Cuantas sesiones musicales han llegado a su punto y final con esta canción como cierre! Y es que “A Night Like This” es mucho más que una canción, es casi un icono musical que, como analista cultural, ha marcado más de una experiencia personal y más de un momento inolvidable.

the cure quadpus vinilo pic1

En el siguiente corte dentro de este ilustre vinilo, el tema “New Day”, aunque sea bastante menos conocido, no por ello deja de ser una de las canciones donde Robert Smith mejor ha sabido explotar su timbre de voz, desplegando unos fondos espectrales de lo más siniestro en esta atmósfera obscura y desgarradora. Una extraordinaria canción que los melómanos lectores de Lux Atenea han de tener en cuenta a la hora de seleccionar los temas más excelsos en la obra musical del grupo británico The Cure. Sin duda alguna, como analista musical y como fiel seguidor de este grupo sitúo al tema “New Day” dentro de sus diez mejores canciones. Y, en su cara B, si antes he hablado como he hablado de la canción “A Night Like This”, que más puedo decir de uno de los temas de The Cure de mayor éxito a nivel internacional: la canción “Close to me”. Un tema incombustible pasen los años que pasen, y se escuche las veces que se escuche. Pero, en “Quadpus”, a “Close to me” se le ha dado otra mezcla sonora incorporando nuevos planos instrumentales que incluyen una entrada para trompeta y saxo adicional, una mayor recreación melódica de estos instrumentos de viento, y un acertado uso de los ecos para dar otra dimensión musical a la voz de Robert Smith en este tema. Cerrando este EP 12″, “A Man in my Mouth” se presentará como una de las canciones más surrealistas compuestas por este grupo musical al proyectar pasajes sonoros dignos de un túnel de entrada a otro mundo, de entrada a otra realidad, y de entrada a otras perspectivas conceptuales. “A Man in my Mouth” es una canción perfecta para que cada uno dé rienda suelta a su imaginación. “Quadpus”, joya discográfica en vinilo por su excelencia musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

thecure-quadpus

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THIS MORTAL COIL “SIXTEEN DAYS – GATHERING DUST” (4AD, 1983) (Reseña / Review #16).

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Reseña Cultural nº: 16 // Reseña Musical nº: 7
THIS MORTAL COIL, UNA OBSCURA ETERNIDAD (1ª parte).
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 29 de octubre del año 2006.

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this mortal coil song to the siren

Publicado por : 4AD, (BAD 310), 1983
Edición comentada : Vinilo 12” Maxi (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Song to the siren / 2- Sixteen days reprise / 3- Sixteen days – Gathering dust
Valoración de la calidad del vinilo : 9 (excelente vinilo, destacando tanto el material utilizado como la grabación e impresión, que son dignos de elogio; una obra de esta categoría es casi impensable escucharla y apreciarla en un formato que no sea en vinilo)

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En el año 1980, Ivo Watts-Russell funda la compañía discográfica 4AD, embarcándose en una aventura empresarial y musical muy arriesgada en aquella época. Su firme y decidida apuesta en apoyo de obras creadas por grupos musicales non-mainstream con dificultades para publicar, unido a una exquisita selección artística, convertirán en pocos años a la compañía discográfica 4AD en uno de los sellos de referencia dentro de la escena musical cuyo prestigio sigue estando presente en esta segunda década del siglo XXI. Ya desde su inicio, el sector del público más melómano empezó a considerar a 4AD como toda una garantía de calidad musical debido a la relevancia conceptual y a los aires sonoros de vanguardia que se atesoraban en el interior de sus ediciones, pero Ivo Watts-Russell tenía también otros proyectos musicales en mente. Uno de ellos se transformará en el mito musical por excelencia dentro de la escena gótica. El proyecto tiene un nombre: This Mortal Coil.

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Para sacar adelante el proyecto experimental This Mortal Coil, Ivo Watts-Russell recibirá la ayuda de un maestro de la creación musical y de la técnica de grabación dentro del mundo discográfico llamado John Fryer, y, juntos, lograrán dar cuerpo y sentido a esta atrevida aventura artística. Las ideas sobre cómo ha de sonar This Mortal Coil, sobre cómo ha de ser, sobre cómo ha de transmitir su mensaje musical las tiene Ivo Watts-Russell en su cabeza de forma muy clara, pero John Fryer es quien se encargará de coordinar a los músicos y cantantes que participarán en This Mortal Coil. Incluso John Fryer escribirá las letras de algunos de esos temas, proyectando artísticamente en la práctica ese orden y ese sentido musical a estas ideas tan innovadoras. Por lo tanto, en contra de lo que algunos opinan, tras leer estas líneas los melómanos lectores de Lux Atenea han de tener muy claro que This Mortal Coil no es un grupo musical. This Mortal Coil es un experimento musical dentro del cual Ivo Watts-Russell decide unir a una serie de artistas y de bandas musicales para hacerlos partícipes de esta aventura artística tan temeraria como vanguardista. Tras empezar a preparar sus primeros trabajos, en el año1983 presentarán oficialmente el primer disco de This Mortal Coil: un maxi en vinilo de doce pulgadas que incluye tres temas, y que lleva por título “Song To The Siren”. Con esta ilustre y mítica publicación discográfica, el banderazo de salida de This Mortal Coil hacia el éxito acababa de ser dado. En este maxi, los artistas que dan cuerpo musical e interpretativo a estas canciones son Michael Conroy (bajo) y Gary McDowell (guitarra) provenientes del grupo Modern English, Elizabeth Fraser (vocalista) y Robin Guthrie (guitarra) del grupo Cocteau Twins, Gordon Sharp (vocalista) del grupo Cindytalk, y Martyn Young (teclados) del grupo Colour Box. Pasemos a escuchar y a disfrutar de esta primera obra, de esta auténtica joya musical de This Mortal Coil.

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El acto de sacar este disco de vinilo de su funda, depositarlo en el giradiscos, poner la aguja en el inicio del surco y pulsar el botón de start, lo he repetido no sé cuantas veces a lo largo de los años, de las décadas, pero sigue provocándome una sensación muy especial de lo más placentera. Este es el acto ceremonial por excelencia que un melómano puede realizar para disfrutar la esencia musical non-mainstream en estado puro. Tener en mis manos este primer disco de This Mortal Coil en vinilo y poderlo escuchar en su edición original, podemos decir y afirmar que es un ritual de lo más fetichista y sensorial. Un conmutador musical directo a las fuentes cerebrales del placer más sofisticado para el hedonista que se apasiona con la música selecta e inmortal. El motor del giradiscos ya está en marcha y la primera canción que comienza a sonar es el tema homónimo que da título a este maxi. La mítica canción “Song To The Siren” empieza a perfumar nuestra estancia con su encanto melódico y con su magia lírica, alzándose como un tótem musical gótico. Y es que “Song To The Siren” no es una canción, es un ente sonoro cuyo hechizo es capaz de poseer el espíritu de grupos musicales tan relevantes como Héroes del Silencio (sí, esta es la canción que utilizaba este grupo español como intro musical en sus conciertos), o el alma de genios artísticos de vanguardia como el director cinematográfico estadounidense David Lynch, que incluyó la canción “Song To The Siren” en su obra maestra “Carretera Perdida / Lost Highway” (1996) para engrandecerla aún más. El desierto solitario, esa casa en llamas iluminando la noche, Patricia Arquette haciendo el amor a un pobre infeliz mientras suena esta canción y, antes del clímax, le susurra suavemente al oído “nunca seré tuya” como un veneno mental que permanecerá indeleble en su cerebro, dando una fuerza psíquica y una intensidad visual a esta escena que es incomparable. ¡¡¡Una escena cinematográfica legendaria… inolvidable!!! Pero la mítica canción “Song To The Siren” de This Mortal Coil es la versión del tema original compuesto por el músico estadounidense Tim Buckley (1947 – 1975), siendo incluido en su álbúm “Starsailor” (Straight / Warner Bros. Records, 1970). Del estilo folk de finales de la década de los sesenta que presenta su versión original, tras pasar por el filtro musical de This Mortal Coil, la excelsa canción “Song To The Siren” adquiere este trasfondo obscuro, decadente y siniestramente bello gracias al etéreo registro de voz de Elizabeth Fraser en esta interpretación lírica única e irrepetible. ¡¡¡Pura magia!!!

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Tras volver a disfrutar el tema “Song To The Siren”, la canción “Sixteen Days Reprise” aparecerá musicalmente un poco ensombrecida porque el nivel artístico previo ha quedado situado muy alto, y más, cuando esta composición presenta una estructura compleja en su concepto innovador, quedando en algunos momentos bastante volátil en su dimensión sonora mientras mantiene su evolución musical orientada a la experimentación conceptual. Damos la vuelta al disco de vinilo, y nos encontramos con otra joya musical de This Mortal Coil que solamente publicaron en este disco: el tema “Sixteen Days – Gathering Dust”. Aquí, definitivamente nos rendimos al embrujo artístico de este grupo musical de auténtica vanguardia. Este plano instrumental para bajo como inicio del tema de donde emanarán siniestras nieblas, esta espera prolongada cargada de intensidad y de incertidumbre musical, y, como no, la entrada de Elizabeth Fraser para embrujarnos de nuevo con su voz mientras es acompañada por la desgarradora y vampírica voz de Gordon Sharp, convierten a “Sixteen Days – Gathering Dust” en una de las mejores canciones que hayan aparecido dentro la música non-mainstream de la década de los ochenta. Tener este vinilo maxi en las manos no es sólo poseer una edición de gran valor artístico y cultural. Como analista musical, es una auténtica delicia el poder contemplar y el poder admirar la primera obra de esta leyenda musical llamada This Mortal Coil en su edición original. Yo tardé algunos años en poder conseguir este vinilo, pero el esfuerzo y el dinero gastado merecieron mucho la pena. “Song To The Siren”, la incombustible e inagotable pasión musical tiene un nombre: This Mortal Coil. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THE CURE «THE TOP» (FICTION RECORDS, 1984) (Reseña / Review #13).

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Reseña Cultural nº: 13 // Reseña Musical nº: 5
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 22 de octubre del año 2007.

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THE CURE THE TOP 3

Publicado por: FICTION RECORDS (821 136-1), 1984
Formato: LP Vinilo 12” (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: SIDE A: 1- Shake Dog Shake // 2- Bird Mad Girl // 3- Wailing Wall // 4- Give Me It // 5- Dressing Up
SIDE B: 6- The Caterpillar // 7- Piggy in the Mirror // 8- The Empty World // 9- Bananafishbones // 10- The Top
Valoración de la calidad del vinilo: 9 (un vinilo de muy buena calidad, tanto en el material utilizado como en su grabación e impresión; imprescindible escucharlo en este formato).

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“The Top” es uno de los álbumes más controvertidos del mítico grupo británico The Cure. Este álbum aparecerá tras la ruptura artística de Robert Smith con Simon Gallup, por este motivo Robert Smith, como líder de la banda musical, se encargará tanto de la producción como de la composición de todas las canciones que darán forma a este peculiar álbum. Pero no todo quedará ahí. “The Top” también será el primer álbum producido en su totalidad en un estudio de grabación. Como pueden comprobar los melómanos lectores de Lux Atenea, el entorno artístico estuvo muy cargado y alterado, y, tras la presentación oficial del álbum, el aluvión de críticas que llegará al grupo The Cure por parte de sus seguidores y de los medios de comunicación será monumental, llevando incluso a Robert Smith a tirar por tierra su propio trabajo en declaraciones públicas, tal y como se puede comprobar con datos y fechas consultando la hemeroteca. En “The Top”, podemos decir y afirmar con rotundidad que estamos hablando del álbum de The Cure creado y producido en las circunstancias más extrañas y difíciles pero, entonces, ¿qué tiene este álbum de especial para ser analizado en Lux Atenea? El tiempo tiene la mala o buena costumbre, según se mire, de poner las cosas en su lugar y, en mi opinión como analista musical, el álbum “The Top” me parece uno de los mejores discos del grupo británico The Cure. Emocionalmente, es muy probable que esté condicionado por el momento personal tan especial que viví cuando hice la compra de este álbum en su edición discográfica en vinilo en la mítica tienda madrileña Discoplay situada muy cerca de la glorieta de Cuatro Caminos. Pero, yendo mucho más allá en el tiempo desde ese momento de la compra de la edición original física, desde mi analítico punto de vista considero este trabajo musical como el primer destello del futuro estilo musical que definirá al grupo The Cure en los álbumes posteriores. Eso sí, el estilo de composición perdió una gran parte de su belleza siniestra y de su obscura atracción sonora. Recientemente, se ha reeditado este álbum en CD tras pasar por un proceso sonoro de remasterización, incluyendo además un segundo CD con diecisiete rarezas musicales de aquella época. Esta edición discográfica no la comento en esta reseña porque no la he comprado, y me niego a descargar canción alguna de cualquier grupo musical para comentar sus trabajos. En Lux Atenea solamente analizo y reseño ediciones originales que he comprado o recibido como promocional. Además, sigo disfrutando intensamente el sonido característico del vinilo al escucharlo y, salvo alguna excepción discográfica que se presente en el futuro, creo que ésta será la edición definitiva que tenga de este excelente álbum. Por más que la tecnología siga avanzando, todavía no han igualado la autenticidad en el registro sonoro que me ofrece la música editada en vinilo.

THE CURE THE TOP 2

Hasta la aparición del álbum “The Top”, el estilo musical que era característico del grupo The Cure mantenía hundidas sus raíces musicales al espíritu de su grupo primigenio llamado The Easy Cure, y el halo emocional, sentimental y existencial que transmitían en la mayoría de sus composiciones musicales evolucionaba pero sin perder su esencia conceptual. Este toque sonoro afterpunk seguía vivo pese a la constante transformación musical seguida por The Cure, pero, con el álbum “The Top”, salvo en el perfume sonoro new romantic de la canción “The Empty World”, toda la base estructural y musical se rehace completamente y el mensaje global del disco se unifica dentro de unos parámetros mitad pop, mitad gótico. Además, en el álbum “The Top” por primera vez escucharemos el estilo Robert Smith que le definirá inconfundiblemente a la hora de cantar, un estilo que será muy característico por su registro vocal y por su ritmo pausado hasta convertirse en su sello lírico personal y en la marca musical inconfundible del grupo británico The Cure hasta nuestros días. ¿Quién no reconoce la voz de Robert Smith nada más escucharla, e inmediatamente aparece en nuestra mente el nombre de The Cure? “The Top” fue el inicio de esta nueva etapa artística mucho más alejada de lo afterpunk, pero mucho más innovadora en cuanto a la calidad y a la vanguardia que presentaron muchos temas del grupo The Cure en sus siguientes álbumes, convirtiéndose algunas de esas nuevas canciones en auténticos himnos góticos… y no góticos. Esta es la grandeza musical de The Cure: saber moverse con maestría entre lo pop y lo afterpunk, aunque el grupo nunca ha estado muy cómodo cuando lo han etiquetado como afterpunk o gótico. Y no han sido ni los primeros ni serán los últimos artistas que han rechazado esa etiqueta musical públicamente y, como muestra, ahí tenemos al mítico cantante y compositor británico Andrew Eldritch que tampoco considera la música de su grupo The Sisters Of Mercy como gótica. En fin, sin comentarios.

THE CURE THE TOP 1

Empieza a girar la cara A del vinilo y la furia sonora del grupo musical The Cure se desata con la potente canción “Shake Dog Shake”. Un mejor comienzo de un álbum de The Cure hasta entonces, es casi imposible encontrarlo. En potentes oleadas vamos ascendiendo hasta el cenit del renacido espíritu musical de The Cure y, una vez arriba, con el tema “Bird Mad Girl” saltaremos al vacío en busca de ese objeto de deseo nunca olvidado y que nunca conseguiremos hacer realidad. Sueños rotos, deseos convertidos en pesadas cadenas, y el tema “Wailing Wall” dará continuidad a esta distorsionada pesadilla como andadura por la lúgubre sombra de la soledad. Posteriormente, llegará a nuestra mente una pequeña muestra musical de los futuros vientos que soplarán en el futuro álbum “Kiss me Kiss me Kiss me”, sonando la canción “Give Me It” para acelerarlo todo en una dinámica rebelde y rabiosa de tensa atmósfera. Dientes apretados, sudores pegajosos, luces que descargan sobre nuestros ojos toda su furia, hasta que el sedoso tema “Dressing Up” nos meza suavemente con sus sensuales melodías que casi rayan lo vaporoso y lánguido como si los segundos estiraran su duración en el tiempo. Con “Dressing Up”, pasaremos de la aceleración previa hasta esa parálisis del placentero momento que prácticamente lo rompe en su límite máximo. Damos la vuelta al disco de vinilo y, en su cara B, con la canción “The Caterpillar”, la alegría se desatará en este baile de disfraces. Miradas ocultadas por imaginativas máscaras que reclaman esa atención, esos ojos que las desvele. Velas iluminarán los rostros sonrientes hasta que, en el tema “Piggy in the Mirror”, lo psicodélico cobre vida y se transforme en un ser grotesco de carne y hueso que encandilará con su divertida inocencia. Con el eco de antiguas guerras se presentará la canción “The Empty World”, en claro contraste con su mensaje lírico hasta que abramos las puertas de la tenebrosa mansión musical de “Bananafishbones”. Sus cadencias se convertirán en escaleras hacia su siniestra planta superior donde la oscuridad nos hipnotizará inexorablemente para que nos adentremos en su interior. Allí. el tiempo será devorado por un antiguo reloj de péndulo ante nuestros ojos mientras escuchamos atentamente el tema homónimo de este álbum. El final de este fascinante viaje musical ha llegado, pero el tema “The Top” nos atrapará y no nos dejará salir porque desea alimentarse con cada uno de nuestros lamentos. “The Top”, la evolución conceptual del grupo The Cure hacia caminos musicales más luminosos y no tan tenebrosos. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

the cure “the top”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.