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Acerca de Félix V. Díaz

Félix V. Díaz, desde el año 1999, siendo pionero en España como analista cultural orientado a la difusión de las obras artísticas más selectas inspiradas en la mirada más profunda a lo Bello, a lo Sublime, y a lo Siniestro (Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, Shadow's Garden, Ouroboros Webzine y, actualmente, publicando en mi blog cultural y existencial Lux Atenea).

“TINO CASAL. MÁS ALLÁ DEL EMBRUJO”, GERARDO QUINTANA (Reseña #1653).

Reseña Cultural: 1653 // Reseña Literaria: 280
Reseña actualizada. Publicada el 22 de septiembre del año 2011 en Lux Atenea conmemorando el 20º aniversario del fallecimiento del polifacético e inigualable artista español TINO CASAL (1950-1991).

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: T & B EDITORES
ISBN: 84-96576-51-3
Edición: 2007 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 335

Tino Casal mas alla del embrujo biografia

Dentro de la escena musical en España, ya han pasado 20 años desde que lamentamos su trágica muerte, pero el Arte y la Música del genial e irrepetible artista Tino Casal (11 de febrero de 1950 – 22 de septiembre de 1991) continúa seduciéndome actualmente con su esencia innovadora debido a su tremendo talento a la hora de convertir sus obras y su estilo en algo único e imposible de copiar. Personalmente, la fecha del 22 de septiembre del año 1991 siempre estará presente como uno de los momentos vividos que permanecerán grabados en mi memoria tras conocer su fallecimiento esa misma mañana en los medios de comunicación. Aquel día por la tarde, el legendario grupo musical La Dama Se Esconde nos ofrecía un concierto a sus fieles seguidores en el auditorio del Parque de Atracciones de Madrid, y allí mismo puse una pancarta solicitándoles una canción en homenaje a Tino Casal. Su mítico tema “Una Mano Amiga” sería su acertada elección musical. A los cultos lectores de Lux Atenea les puedo asegurar que ese día 22 de septiembre de 1991, el mundo de la música en España perdió a uno de sus artistas más vanguardistas e innovadores, y su deslumbrante talento aún hoy día no ha sido ni siquiera igualado pese a las dos décadas transcurridas. Como analista cultural, estoy seguro que si el genial artista Tino Casal hubiera nacido en los Estados Unidos de América o en Reino Unido, en una fecha tan señalada, ahora mismo estaría siendo homenajeado tanto por el mundo artístico y musical anglosajón, como a través de los sellos discográficos y de los medios de comunicación (radio, televisión, prensa…) para recordar su incomparable obra artística dentro del universo musical.

entrada concierto La Dama Se Esconde Parque de Atracciones Madrid

Como artista polifacético con inquietudes estéticas muy profundas, Tino Casal no solamente sobresalió por su excelsa obra musical, ya también destacó en otras vertientes artísticas al adentrarse en el mundo de la escultura, de la pintura, y del diseño. Su perspectiva cultural renacentista donde latía el espíritu que le impulsaba a explorar lo nuevo, lo transgresor y vital, lo estético y bello, se acabó convirtiendo en la muestra más clara de su plasticidad reflexiva y de su talento reflejados en sus obras multidisciplinares. Incluso, su fascinante imagen personal en clave barroca ha quedado inmortalizada en nuestra memoria para quienes vivimos y disfrutamos aquellos años. Esa estética barroca tan vital, atrayente, exclusiva, sobrecargada, y, a su vez, armoniosa, lo hacía destacar de forma inconfundible entre el resto de artistas contemporáneos. Una imagen aristocrática y elegante siempre presente como si hubiera estado integrada en su piel desde su nacimiento. Así vivió Tino Casal, intensamente, sacando esa esencia auténtica y vital a todo lo que hace de la vida una experiencia inefable, y con esa mirada artística que observaba más allá de las tendencias mainstream dominantes en su época. Tino Casal se arriesgó a crear todo aquello que nadie había concebido hasta entonces, y sin importarle la inevitable controversia que desatarían sus obras no solo en la sociedad, sino también en el mundo artístico y musical reinante en ese momento. España es un país donde las mentes artísticas más privilegiadas e intelectualmente más avanzadas tienen muchas dificultades para poder expandirse socialmente debido a esta mediocridad reinante, y esta envidia endémica latente en quienes siempre se sentirán inferiores ante el talento, ante las mentes creativas de vanguardia, y ante lo excelso, recurriendo a la asociación entre mediocres para tratar de anular a quien es capaz de crear y de fascinar con sus ideas pioneras. Tino Casal también sufriría ese acoso, ese rechazo, y esa falta de reconocimiento público que diera una justa correspondencia a su virtuosa labor artística, a su desbordante brillantez, y a sus asombrosas muestras de genialidad.

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La lectura del libro “Tino Casal. Más Allá Del Embrujo” es apasionante mientras te informas al detalle sobre su vida. Con suma facilidad te sumerges en los escenarios que dan verosimilitud a esta biografía, exacta en los datos ofrecidos y en el enfoque artístico que su obra supuso. Desde la primera página hasta la última, la vida de Tino Casal va cobrando sentido y magnetismo ente nuestros ojos con la misma intensidad con la cual la experimentó. En esta obra, el bibliófilo lector de Lux Atenea descubrirá su trayectoria artística desde los grupos musicales Los Zafiros Negros y Los Archiduques hasta su carrera en solitario, y cómo en el universo musical británico y en la corriente conceptual del glam encontró el eje y su verdadero sentido como artista creativo hasta configurar finalmente su propio estilo. En estas páginas se describe cuál fue su relación con la movida madrileña y cuáles fueron los obstáculos que encontró entre aquellos músicos y artistas que lo protagonizaron, cuál fue su pasión por el videoclip como imagen audiovisual de su música, y qué importancia tuvo Julián Ruíz como promotor en su carrera. Además, Tino Casal nunca miró por encima del hombro a otros artistas ni cuando estuvo en la cúspide de su éxito y de su fama, cómo Tino Casal supo encontrar en el glamour y en el simbolismo del fetiche, ese luminoso encanto con el cual identificarse en cuerpo y alma para perfilar su estética de vanguardia. Tino Casal también tuvo una faceta artística desconocida como diseñador de portadas de discos, cómo su afán perfeccionista y su “toque” en la composición instrumental supuso una visión revolucionaria de la música como promotor y productor de grupos musicales que acabarían destacando dentro del panorama artístico español por su calidad (Vídeo, Obús, Azul y Negro…), y cómo para satisfacer su indomable espíritu musical tenían que estar presentes los equipos electrónicos más avanzados del momento y los mejores instrumentos musicales, costaran lo que costaran. Así sonó siempre su música, fuera en directo o en estudio, al trabajar con los medios más sofisticados e innovadores que hubieran aparecido en la escena musical.

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En definitiva, tras esta lectura y análisis del libro, quisiera felicitar al autor de esta impresionante biografía porque, como analista cultural llevo muchos años leyendo a autores de libros sobre artistas musicales cuya calidad informativa y narrativa deja mucho que desear. Hay autores que únicamente escriben para poder decir que han escrito tal y cual libro sobre tal y cual artista o estilo musical, pero en las páginas de sus libros no hay análisis, no hay desvelo, no hay comprensión del trasfondo. Otros excelsos autores como Gerardo Quintana, en “Tino Casal. Más Allá Del Embrujo” nos demuestra con total contundencia que su labor informativa ha sido colosal en cuanto a la búsqueda de datos, y de experiencias y opiniones de las personas que también fueron protagonistas en la vida de Tino Casal. Todo ello presentado literariamente a través de un estilo narrativo admirable hasta quedar remarcado este libro como la mejor biografía de Tino Casal que se haya publicado hasta el momento, dejando el listón cualitativo a un nivel tan alto que será casi inalcanzable. En Lux Atenea, la obra musical de Tino Casal en solitario tiene un protagonismo artístico muy especial para mi, y así va a seguir siendo hasta el día que complete toda su discografía en una serie de reseñas musicales sobre las ediciones discográficas originales que tengo en mi colección, compradas a lo largo de los años en vinilo y en CD. Existe un álbum musical al que titularon “Casal Vive”, y hoy en Lux Atenea les puedo asegurar que su alma musical está más viva que nunca. “Tino Casal. Más Allá del Embrujo”, junto a Héroes del Silencio, Tino Casal ha sido de lo mejor que ha habido en los últimos cincuenta años dentro del universo musical en España. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

TINO CASAL MAS ALLA DEL EMBRUJO GERARDO QUINTANA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“HELLRAISER: BLOODLINE”, 1996 (Reseña / Review #1652).

Reseña Cultural nº: 1652 // Reseña Media nº: 29
Reseña actualizada. Publicada el 12 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Dirigida por: Alan Smithee
Actores principales: Bruce Ramsay (Saga Marchant), Doug Bradley (Pinhead), Valentina Vargas (Angelique), Mickey Cottrell (Duc De L´Isle)
Año: 1996 Duración aprox.: 83 minutos
Publicado por: FILMAX Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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La película “Hellraiser: Bloodline” es la cuarta entrega cinematográfica basada en la saga Hellraiser creada por el mítico escritor británico Clive Barker. En esta ocasión, nos encontramos en el año 2127 en el interior de la nave espacial diseñada por el doctor Merchant. El doctor ha secuestrado esta nave espacial, su obra maestra, ha dejado marchar a su tripulación y en solitario se dispone a manipular un objeto muy especial mediante un robot. El detalle de la utilización de la realidad virtual para la manipulación a distancia de objetos es una idea tecnológica que me ha llamado la atención, ya que creo que será de uso cotidiano en la exploración espacial futura. Estas escenas iniciales conseguirán que el cinéfilo lector de Lux Atenea quede enganchado a la trama de esta película desde los primeros minutos. Bloodline, linaje, y un juego que lleva siglos existiendo, Aquí el flash-back se convertirá en el método esencial en esta película para poder comprender esta historia de terror donde el doctor Merchant nos narrará la historia de este cubo mortal desde su construcción. Una obra concebida en el siglo XVIII por su antepasado Phillip L´Merchant (maestro en la construcción de juguetes) tras haber sido encargada por el señor Duc De L´Isle, siendo un guiño muy sutil al ilustre escritor decimonónico francés Villiers De L´Isle-Adam (conocido literariamente por su impactante libro “Cuentos crueles”). Las manecillas del reloj han retrocedido hasta situarnos en el siglo XVIII, el Siglo de las Luces, el Siglo de la Razón en el cual se negaría la existencia del Cielo y, por consiguiente, del Infierno. Más adelante, conoceremos el nacimiento de la demoníaca femme fatal llamada Angelique, mujer con un ansia insaciable de sangre y de poder gracias a su enérgico aliado, el tiempo. A partir de aquí, el disfrute de esta grandiosa película de terror queda en manos de los cinéfilos lectores de Lux Atenea.

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“Hellraiser: Bloodline” es una excelsa película que considero más de horror que de terror. Es posible que haya personas jóvenes que, tras haber tenido ocasión de ver esta película, les haya provocado terror, pero a un público más adulto creo que esta película les atrae más por la estética del horror que observan que por el terror que pueda provocarles. Existen excepciones, por supuesto, pero creo que esta película no destaca por sus sobresaltos o por el miedo, sino más bien por su impacto visual y, siendo más concreto, creo que para una persona gótica o para una persona atraída por lo gótico, disfruta más esta película visualizando su inquietante atmósfera y su fascinante estética tenebrosa que por los hechos que acontecen. “Hellraiser: Bloodline” es una película donde se pueden observar excelsas ambientaciones obscuras en esta atmósfera extraña pero verosímil, y cuyos decorados se convierten en un grandioso espectáculo dentro del cine de horror. Las sombras, las figuras representadas en los cuadros, las cadenas que parecen caer desde el umbral de los muertos, el material médico, los relojes, las velas, los candelabros, las cabezas de los querubines que decoran los más diversos objetos, los ganchos, las calaveras, las cabezas de animales disecadas, los plásticos manchados de sangre, los restos de carne esparcidos por el suelo, los ingenios de metal dignos de un sofisticado laboratorio de investigación especializado en tortura… todo en “Hellraiser: Bloodline” es de lo más impactante. Pero, sobre todo, destacan los siniestros pasillos que caracterizan a esta saga para describirnos el dolor y el sufrimiento con absoluta crudeza.

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Pero no todo es tan claramente obscuro en esta película. Por ejemplo, el palacio de De L´Isle es una exquisitez aristocrática digna de estos personajes cuya elegancia y caballerosidad no se encuentra para nada reñida con la intriga y la obscuridad. Un siniestro juego donde nada es lo que ven los ojos, y donde la magia ofrece su más tenebroso rostro. Duc De L´Isle nos dice que “quien invoca la magia, manda sobre la magia”, pero en la letra pequeña nos informa que el precio que se paga por su uso se llama alma. En este asunto, me gustaría destacar el extraordinario uso de la luz en esta invocación. ¿Por qué el Mal siempre ha de ser obscuridad? Por cierto, me dejaba un tema delicado que marca simbólicamente a estas películas: el uso de la sangre. En la saga Hellraiser, la sangre se hace imprescindible pero sin llegar a los usos absurdos y extremos del cine gore. Aquí la sangre se integra en comunión con el metal, otra marca fundamental de esta saga para captar la atención del espectador. Un metal que hace sangrar en su creación y que vuelve a hacer sangrar durante su uso. El metal esclaviza al hombre, lo ata, lo inmoviliza, lo hace sufrir… y el metal hace sangrar a los espíritus libres. Haciendo hincapié en los irresistibles diseños que parecen en la película, estos rozan la genialidad. Los cenobitas han sido creados para entrar en el salón de los seres de terror destinados al culto cinematográfico, y respecto al cubo, se ha convertido en un fetiche inconfundible nada más verlo. El cubo, la relación entre lo material y lo espiritual, entre lo inerte y la vida, y el Mal mostrado como un peligroso juego, siendo el cubo la máquina que no solo altera la materia sino que también interactúa con las fuerzas sobrenaturales. Y si hacemos foco en el dulce perrito de Pinhead y en el sonido de sus mandíbulas, este gesto está muy bien definido para poner nerviosa incluso a la persona más calmada en cuanto lo escuche.

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En referencia al vestuario diseñado para esta película es irresistible, quedando lo sensual mostrado en su justa dosis. El desarrollo de la trama es ligera pero creíble, quedando el suspense muy bien llevado y sin llegar a saturar al espectador. Las escenas consiguen quedarse grabadas en la mente del espectador como las marcas de estos ganchos sobre la piel, destacando especialmente algunas secuencias como la de los dos guardias de seguridad cuando descubren la puerta que no está en el plano del edificio, la escena en la cual podemos ver las lágrimas de Angelique frente al espejo y la posterior imagen de Pinhead reflejada en los otros espejos que la rodean, o el encuentro de Pinhead con los gemelos donde las palabras de Pinhead son aterciopeladamente crueles. En esta magna obra dentro del cine de horror también quedan resaltadas algunas escenas donde el diálogo es un inteligente juego de palabras que hacen que, al hablar de la película “Hellraiser”, hablemos en realidad de su personaje principal: Pinhead. Como analista cultural, un consejo: para poder sentir toda la fuerza y la tenebrosa profundidad de su voz es imprescindible escucharla en su versión original. Ya sabemos que, en el doblaje al idioma español, siempre se pierde parte de la magia en la entonación lírica de las frases, siendo una merma inevitable de su mensaje. Por su belleza lírica, a continuación muestro algunos ejemplos del trasfondo siniestro contenido en las ingeniosas frases pronunciadas por Pinhead, y traducidas al español como es obvio:

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– “Esto no es una habitación. Esto es un holocausto que está esperando su despertar.”
– “La aquiescencia humana se consigue tan fácilmente por el terror como por la tentación.”
– “¿Todavía hambriento? ¿Quizá de algo que grita mucho?”
– “Lastima que el espejo no muestre tu verdadera belleza, princesa. Quizá tu admirador humano no la perciba, pero yo si puedo oler el exquisito hedor de lo que eres en realidad.”
– “¿Daño? ¿cómo se atreve a usar esa palabra? Lo que ustedes consideran daño, sólo es una sombra. El daño tiene una cara, y se la voy a enseñar ahora mismo, caballeros. Yo soy el mismísimo daño.”
– “- La tentación es una ilusión, pero la hora de los trucos ha pasado. En este juego, nos mostramos como somos en realidad.”
– “(Angelique): ¿Qué es eso?
(Pinhead): La belleza del sufrimiento.”
– “¡Qué bella eres cuando sufres! Pero he venido a trabajar, no a divertirme.”
– “El sabor de la victoria, te aseguro que es un sabor agridulce.”
– “El jardín del Edén. Un jardín de carne.”
– “Estoy exquisitamente vacío.”
“(Dr. Merchant): Por el amor de Dios.
(Pinhead): ¿Te parece que soy alguien a quien le importa lo que piense Dios?”

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Si piensas que el placer es dolor, nadie mejor que Pinhead para comprenderte, y si no crees en el Infierno, él estará esperándote para explicártelo con detalle. Por cierto, Angelique quiere jugar contigo. Cierra los ojos, confía en ella, y responde a esta pregunta: ¿las uñas de una mujer son tu fetiche? “Hellraiser: Bloodline”, la irresistible atracción de la belleza siniestra, la irresistible fascinación que provoca el terror, y la irresistible pasión estética del cine de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“CIELO SOBRE BERLÍN (der himmel über Berlin)”, 1987 (Reseña / Review #1651).

Reseña Cultural nº: 1651 // Reseña Media nº: 28
Reseña actualizada. Publicada el 20 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Dirigida por : Wim Wenders
Actores principales: Bruno Ganz (Damiel), Otto Sander (Cassiel), Solveig Dommartin (Marion), Peter Falk (Peter Falk), Curt Bois (el anciano)
Año : 1987 Duración aprox.: 128 minutos Publicado por: FILMAX
Formato : DVD edición coleccionista (EDICIÓN COMPRADA)

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Berlín después de la guerra. Como en las ciudades que forman parte de la sociedad occidental moderna, cada persona es un Estado dentro de otro Estado con sus ilusiones, sus problemas, sus inquietudes, sus pasiones, sus ambiciones, y sus crisis. En clave “Cielo sobre Berlín”, también en cada una de estas ciudades existen ángeles que conviven con sus habitantes, aunque no sean vistos. Son ángeles que ven, que observan directamente a la gente sin intervenir, y solamente los niños son capaces de descubrir su presencia. Cassiel y Damiel son dos de estos ángeles vestidos con largas gabardinas negras, y los ángeles han convertido la biblioteca de la ciudad de Berlín en su centro de reunión. Un lugar marcado por la quietud y la reflexión, y porque allí encuentran al ser humano recorriendo el camino más benéfico y provechoso para su existencia, para su esencia, para su interés, para encontrar esa razón de ser que no es otra que el Conocimiento. “Cielo sobre Berlín” es una película de culto perfilada artísticamente con pequeños y profundos detalles. Una película de sensaciones, de sensibilidades, de humanidad, y de desesperanza. En relación a la vida de los seres humanos, y a sus sentimientos y pensamientos, los ángeles anotan en sus diarios las características y las reacciones que más les llama la atención en relación con las personas que van encontrando, o con las que se cruzan. Por ejemplo, anotan los pensamientos de la gente en un vagón de metro, la tristeza de un niño apoyado en un muro porque otros niños no quieren jugar con él y le han dado de lado, la dura visión de un suicidio, los razonamientos de un anciano en las escaleras de una biblioteca, los recuerdos de este mismo anciano sobre una plaza que ya no existe en este presente tras la guerra salvo en su memoria… una serie de secretos e intimidades que quedan al descubierto para estos ángeles cuya vida espiritual ha quedado al margen de la cruda existencia carnal humana. En “Cielo sobre Berlín”, lo cotidiano se desvela con total nitidez a estos seres celestiales que miran, apuntan, pero no actúan. Uno de los elementos clave de la película es el circo Alekan que, instalado en un descampado de la ciudad, ofrece sus actuaciones a un público cada vez más escaso. Con una recaudación en taquilla cada vez más escasa, la desesperanza empieza a apoderarse de toda la compañía hasta llevarles finalmente a representar una actuación que será la última. Uno de los personajes principales dentro de ese espectáculo es Marion, una trapecista cuya vida artística se ve truncada con la desaparición del circo. Ante su última actuación sobre el trapecio, la escena de Marion llorando frente al espejo se convertirá en una de las escenas más emotivas de toda la película para el cinéfilo lector de Lux Atenea, y el maestro cinematográfico Wim Wenders ha sabido reflejar con sumo talento en estas imágenes la tensión existente en ese momento de esplendor previo a la gran debacle.

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Wim Wenders trabajó junto a Peter Handke en el guión de “Cielo sobre Berlín” y, a la hora de rodar, una de sus ideas más acertadas fue grabar las escenas donde se muestra el punto de vista de los ángeles usando cinta cinematográfica en blanco y negro. Por el contrario, en todo lo relacionado con los seres humanos usó la cinta cinematográfica en color. Este perfilamiento artístico unido a la grabación en distintas tomas para mostrarnos escenas con ángeles y sin ellos en tiempo casi real, hará que el cinéfilo lector de Lux Atenea se quite el sombrero ante tales muestras de ingenio. Wim Wenders es todo un experto a la hora de configurar estas imágenes rodadas para que se expresen con ese lenguaje universal que ha llevado al cine a convertirse en el Séptimo Arte. A nivel interpretativo, destaca la presencia del actor Peter Falks, famoso por haber dado vida al teniente Colombo en la exitosa serie de televisión Colombo. En “Cielo sobre Berlín” se interpreta a sí mismo, ya que Peter Falks es un actor que llega a Berlín para protagonizar una película ambientada en el recién caído régimen nacionalsocialista. Otros relevantes actores con Bruno Ganz y Otto Sander en el papel de los ángeles Damiel y Cassiel, demostrando una solvencia artística y una seriedad a la hora de dar alma a estos complicados personajes hasta conseguir que el espectador los vea con esta aura tan brillante y necesaria para darles verosimilitud. Sus gestos, sus movimientos, y, sobre todo, su pausado caminar, son toda una delicia visual para los amantes del arte en la interpretación. Otro de los personajes principales es Marion, protagonizada por la actriz Solveig Dommartin en una de las interpretaciones más difíciles por su distanciamiento y, a su vez, por su batalla mental interior, quedando muy bien reflejadas en escenas de alta intensidad sentimental. Además, como personaje fugaz pero entrañable, encontramos al anciano interpretado por el actor Curt Bois. Una persona cuya mirada nos habla por si sola sin necesidad de palabras.

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La música para esta película ha sido compuesta por el artista Jürgen Knieper, pero “Cielo sobre Berlín” depara grandes sorpresas para los melómanos lectores de Lux Atenea amantes de la música gótica. La presencia de míticos grupos musicales como Tuxedomoon (con su canción “Some guys”), Crime and the city solution (con su canción “Six bells chime”) o Nick Cave and the bad seeds (con sus canciones “The carny” y “From her to eternity”), harán las delicias de los fieles seguidores de la obscuridad en su perspectiva existencial cuando visualicen esta joya cinematográfica. Las escenas con actuaciones en directo de los grupos musicales Crime and the city solution y Nick Cave and the bad seeeds son todo un lujo visual y artístico, y fascinarán a los melómanos con gustos góticos. Los carteles que anuncian la actuación de Nick Cave and the bad seeds y que aparecen pegados en estas calles, tienen un poder fetichista tan directo que uno desearía poder entrar en esta película para disfrutar estos conciertos en vivo en ese local tan siniestro. Una de las imágenes de la película que no se me olvidará nunca es la actuación de Crime and the city solution cuando aparece Marion vestida de negro, y bailando junto a la columna. Como el anciano en esta película recordando el pasado que ha vivido, viendo esta escena no he podido evitar evadirme mentalmente por unos instantes, y ver delante de mis ojos momentos vividos en la sala Strong de Madrid cuando hace años abrió como local gótico (¡¡¡gracias Fran por esas sesiones musicales que trasgredieron con todo en aquellos años!!!). En el Strong, algunos góticos reservaban su espacio al lado de la famosa columna metálica, quedando esta delimitación bien acotada con sus pertenencias en el suelo. De allí no se movían en toda la noche como no fuera para ir a la barra a por una copa, bailando sin alejarse dos pasos de aquella columna. Hubo momentos únicos y un tanto surrealistas al ver a seis o siete góticos, y sobre todo góticas, bailando de cara a la mencionada columna. Momentos muy especiales para gente aún más especial.

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Uno de los grandes avances que ha tenido la llegada del formato DVD ha sido la incorporación de los extras en las ediciones cinematográficas. En el caso de esta preciosa publicación de la película, esta sección de extras adquiere una gran importancia al permitirnos ver esas tomas que, finalmente, fueron eliminadas de la cinta definitiva. Escenas curiosas y atrayentes como la escena del conductor contando chistes a su acompañante, la preciosa escena de la niña mirando al ángel a través del parabrisas trasero de un Volkswagen, las escenas del ángel Cassiel imitando a la gente que se paraba delante del concesionario, las pruebas de invisibilidad de los ángeles realizadas por el director, o escenas tan graciosas como la de las tartas, serían inimaginables en otras ediciones en formato de cinta de video. Y todo esto con la comodidad en el acceso a las diferentes secciones de forma rápida, y de fácil manejo a la hora de poder visualizar estas mismas escenas las veces que se quiera. Podemos ver la silueta de un ángel sentado en el asiento de un autobús, o podemos ver a ese ángel observando la ciudad subido a un monumento al lado de una estatua convertida en la síntesis del espíritu humano. Una vida, una búsqueda, y la vida humana triste y opaca es iluminada por un rayo de luz. “Cielo sobre Berlín”, la magia del cine representada en su máximo esplendor artístico por esta película de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

KALIDASA “KUMARASAMBHAVA” (Reseña #1650).

Reseña Cultural: 1650 // Reseña Literaria: 279
Reseña actualizada. Publicada el 6 de julio del año 2010 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: EDICIONES AKAL, S.A.
ISBN: 84-460-1093-3
Edición: 2003 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 220

Kalidasa Kumarasambhava

Esta obra poética es una de las claves del pensamiento religioso y filosófico hindú, describiéndonos el poder de estos Dioses cuya influencia en nuestro destino como especie es crucial. “Kumarasambhava” es pura filosofía samkhya donde todo está formado por una combinación de claridad, pasión, y oscuridad, mientras la triada divina (trimurti) formada por Brahma (la creación: pasión, actividad, energía…), Visnu (la conservación: claridad, calma, bondad…) y Rudra (la destrucción: oscuridad, inhibición, masa…), se convierte en la columna principal que sostendrá toda esta trama y a sus protagonistas divinos. Escrito en sanscrito, idioma considerado en la India como “el idioma de los Dioses”, “Kumarasambhava” está vertebrado por estos poemas del maestro indio hinduista Kalidasa (siglo IV a.d.C- siglo V a.d.C.) donde nos narra el nacimiento de Kumara, hijo de Siva y Parvati. Unos versos de belleza incomparable cuyas escenas fascinarán a los cultos lectores de Lux Atenea, cayendo seducidos por el delicado estilo literario empleado en su creación. Como analista cultural tengo muy claro que, en cuanto empiecen a leer las primeras páginas de esta obra, la magia celestial de Kalidasa se convertirá en una de las experiencias más gratificantes que hayan encontrado en la literatura hindú. Los tres ojos de Siva, la liebre como la marca de la Luna, los preparativos de la boda sagrada y su ceremonia, los aullidos hum de Siva, la reducción a cenizas de Kama, la poderosa arma de Indra llamada vajra, las ocho formas de Siva, el admirable Sri como personificación divina de la suerte, el éxito y la victoria… configuran estos ocho cantos sacros cuya belleza encandila al lector, llevándole a mundos celestiales mediante símbolos y significados de carácter transcendente con aplicaciones prácticas y muy concretas en la sociedad y en la vida cotidiana. “Kumarasambhava” es fuente de Conocimiento y de Sabiduría desde la perspectiva hindú de la vida, teniendo en cuenta siempre la tandava, danza destructora de Siva, como hecho constante a lo largo del tiempo, de las generaciones, de los ciclos universales… “Kumarasambhava” son consejos y apreciaciones muy sutiles del mundo creado por los seres humanos y de su psicología. Un factor que prácticamente no ha cambiado durante milenios, y que sigue condicionando la vida de nuestra especie permanentemente marcada por la insatisfacción y por el deseo. “Kumarasambhava”, auténtica joya literaria, y una de las obras más bellas y trascendentes de la cultura hindú. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

KALIDASA - KUMARASAMBHAVA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“HISTORIA DE LA GUERRA DEL PELOPONESO”, TUCÍDIDES (Reseña #1649).

Reseña Cultural: 1649 // Reseña Literaria: 278
Reseña actualizada. Publicada el 15 de junio del año 2010 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: EDITORIAL GREDOS, S.A.
ISBN: 84-249-2476-2 (OBRA COMPLETA), 84-249-2477-0 (TOMO I), 84-249-2478-9 (TOMO II), 84-249-2479-7 (TOMO III) y 84-249-2480-0 (TOMO IV)
Edición: 2000 (EDICIONES COMPRADAS)
Páginas: 464, 423, 316 y 343

Tucidides historia de la guerra del peloponeso 1

Como analista cultural siempre seguiré recomendando el conocimiento y el análisis de las obras clásicas a los lectores de Lux Atenea. Aunque, por desgracia, vivimos en una sociedad donde la enseñanza tiende más a alejar a los lectores de la literatura clásica que a acercarlos a ella (yo también he sufrido ese efecto ‘educativo’ en mis años de estudio), no por ello vamos a dar de lado a estas obras cuyas páginas nos ilustran sobre esta etapa de nuestra historia como civilización mediterránea. De todo corazón les invito a disfrutar estas joyas literarias durante los próximos meses, comprendiendo que, inmersos en este estilo de vida tan acelerado en el cual vivimos, resulte un poco complicado plantearse la lectura de esta magna obra literaria griega vertebrada por ocho libros, y que ha sido publicada por la prestigiosa editorial Gredos en cuatro volúmenes hasta sumar más de mil quinientas páginas en su conjunto. Pero, al contrario de lo que se pueda pensar, “Historia de la Guerra del Peloponeso” es una obra que se lee con soltura debido a la facilidad que tiene el maestro Tucídides para despertar nuestra curiosidad a través de estas descripciones de los hechos de lo más instructivas, provocando pasión desde las primeras páginas durante su atenta lectura. Por este motivo, y por el eterno interés que la cultura griega sigue despertando en todos nosotros, “Historia de la Guerra del Peloponeso” es muy fácil que se convierta en ese descubrimiento literario que haga amar nuestra historia europea aún más.

Tucidides historia de la guerra del peloponeso 2

Ponerme a describir históricamente los hechos que acontecieron durante la Guerra del Peloponeso me parece alargar gratuitamente esta reseña, debido a que el lector perfectamente puede realizar una búsqueda en Google sobre este tema y tener en un instante una gran cantidad de información al respecto. También puede realizar búsquedas para informarse más al detalle sobre sus protagonistas principales, datos y fechas concretos, desarrollo de las campañas, estrategias militares que se ejecutaron en el campo de batalla… Pero, en cambio, lo que difícilmente podrá encontrar en esas búsquedas es la mirada de Tucídides analizando y describiendo de primera mano cómo se desarrollaron estos acontecimientos y, sobre todo, desde la perspectiva de este hombre culto e instruido. Una cultura griega que potenciaba en las personas el análisis a través de la observación, porque observar y analizar lo observado fue una de las claves del pensamiento griego. Una filosofía poco dada a teorizar y mucho más centrada a hora de valorar la práctica como afirmación de lo analizado tras ser observado, y con el pragmatismo siempre presente, Así ha logrado perdurar como fuente de Sabiduría a través del tiempo y de las diferentes culturas nacidas a posteriori. Además, a muchos lectores les resultarán muy sorprendentes algunos detalles de este conflicto, quedando descritos con rigor en su análisis. Desde barcos de guerra que se tienen que poner a secar en las playas porque la madera se ha empapado de agua marina y los hace menos maniobrables, hasta la captura de ciudades para vender a sus ciudadanos como esclavos y así poder seguir financiando la guerra, pasando por el apoyo persa a ambos bandos según sus intereses en un juego diplomático y económico de lo más intrigante. Página tras página, los cultos lectores de Lux Atenea irán descubriendo toda la magia literaria contenida en esta excelsa obra.

Tucidides historia de la guerra del peloponeso 3

Estamos ante una obra clásica etiquetada errónea e injustamente por una parte del público como ‘ladrillo’, y, aunque ya conocen mi pasión por la literatura griega y romana, creo que esta recomendación será del agrado de una gran parte de los lectores de Lux Atenea en cuanto empiecen a leer estos volúmenes. A partir de entonces, para el lector es muy probable que Tucídides se convierta en sinónimo de buena literatura, y de lectura que enseña y divierte a la vez mientras nuestra mente empieza a imaginarse cómo era aquella época y aquella cultura a través de estas palabras escritas por todo un maestro de las descripciones y del análisis de lo sucedido. Así irán visitando con su mirada, tomo tras tomo, todo este largo conflicto entre Atenas y Esparta desde sus inicios hasta que en el último volumen de esta edición noten que el estilo ha cambiado radicalmente. Pero todo en esta vida tiene su explicación lógica: el maestro Tucídides no logró terminar en vida esta obra, siendo el maestro Jenofonte el encargado de finalizarla. Cada escritor tiene un estilo propio que le caracteriza y, en el caso de Jenofonte, no podía ser más claro y tan obvio.

Tucidides historia de la guerra del peloponeso 4

Jenofonte no es tan directo y tan concreto como Tucídides. Es más dado a la épica, a la grandilocuencia, a entretenerse resaltando, y ese estilo literario se hace un poco más difícil de llevar cuando se ha leído previamente a un escritor como Tucídides, que sabe cómo despertar la curiosidad en el lector como uno de los ejes de su estilo a la hora de crear una obra. Con esto no quiero decir que Tucídides sea muy bueno escribiendo y que Jenofonte no lo sea tanto. Lo que sí digo es que hay diferencias entre ellos que se notan muy claramente cuando pasamos de la lectura de uno a otro en “Historia de la Guerra del Peloponeso”, y si no se hubieran unido sus textos en una sola obra, es muy fácil que tanto a Tucídides como a Jenofonte les encantara en cuanto leyeran sus obras por separado. Pero esta es la magia de la literatura: la diversidad. Si todos los escritores escribieran igual y con el mismo punto de vista, la literatura estaría muerta desde hace siglos. Son estas diferentes miradas, estas diferentes perspectivas, y estas diferentes formas de describir una misma cosa lo que hacen grandes a los escritores. Como apunte final, creo que el prejuicio popular tan extendido en Occidente que etiqueta a los atenienses como los buenos y a los espartanos como los malos en aquella época histórica, va a quedar bastante mal parada en cuanto lean esta obra. La cortesía, la bondad, y las buenas formas atenienses les van a dejar helados y, por cierto, si alguien busca defender lo indefendible en relación a Atenas, Tucídides fue ateniense. “Historia de la Guerra del Peloponeso”, grandiosa obra clásica llena de sorpresas históricas que le asombrarán. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

HISTORIA DE LA GUERRA DEL PELOPONESO TUCIDIDES

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“GRANDES PERSONAJES A FONDO: JORGE LUIS BORGES” (Reseña / Review #1648).

Reseña Cultural nº: 1648 // Reseña Media nº: 27
Reseña actualizada. Publicada el 13 de junio del año 2012 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

País: ESPAÑA Año: 1976 / 1980
Productora: RTVE
Duración aprox.: 157 minutos (BORGES I: 90 minutos / BORGES II: 67 minutos)
Publicado en España por: TRASBALS, S.A.
AÑO: 2004 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Jorge Luis Borges Grandes Personajes A Fondo DVD

Como analista cultural, vuelve a ser un placer escribir una reseña sobre otro DVD de la serie “Grandes Personajes A Fondo” publicado en el año 2004 por Trasbals, S.A. y basado en el programa de RTVE “A Fondo”. En esta ocasión, el ilustre invitado no fue otro que el gran maestro literario argentino Jorge Luis Borges (1899-1986), poseedor de una cultura y de una mente inigualables. En esta magnífica edición en DVD se han incluido las dos entrevistas realizadas en este programa de televisión por su director y presentador Joaquín Soler Serrano, y que fueron emitidas el día 8 de septiembre del año 1976 y el día 23 de abril de 1980. En la segunda entrevista, el maestro Jorge Luis Borges acababa de ser galardonado con el Premio Cervantes ese mismo día, en una ceremonia donde le fue entregado ese ilustre y prestigioso galardón en persona por Su Majestad Don Juan Carlos I, rey de España, convirtiéndose en uno de los reconocimientos internacionales más importantes en la vida de este insigne escritor. Como analista cultural, qué extraordinario privilegio tuvo el periodista Joaquín Soler Serrano a la hora de poder entrevistar a este genio de la Literatura y del Pensamiento hispanoamericano, único e irrepetible. Y, además, en dos gloriosas ocasiones. Máxima relevancia del Pensamiento enriqueciendo a un programa de televisión orientado a la difusión cultural en España. En fin, otra época y otros estímulos culturales a la hora de informar al público a través de los medios de comunicación nacionales que, por desgracia, se han perdido en este país desde hace años en pro de los índices de audiencia conseguidos a través de programas bizarros donde la crispación y la bajeza intelectual es la tónica general de cara al espectador. O tal vez son los españoles del siglo XXI los que demandan salseo y cotilleo banal en vez de Cultura, reflejándose sus preferencias en el contundente éxito social de los programas de televisión de esa temática.

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En la primera entrevista realizada el 8 de septiembre de 1976, los cultos lectores de Lux Atenea encontrarán a Jorge Luis Borges brillantemente lúcido y vital a pesar de su avanzada edad. Una entrevista donde su privilegiada mente les irá ofreciendo un lenguaje simbólico de significados universales marcados por la sensibilidad y por el acierto en su trasfondo. Tanto sus interesantes reflexiones sobre el arte poético, que considera que ha de estar marcado por lo simbólico y por lo sonoro en manos del poeta creador, como por el despliegue intelectual del escritor puliendo profundidad en sus bellas palabras donde las fronteras quedan establecidas al límite de lo simbólico, para Borges, lo que diferencia a un escritor de un intelectual es la ignorancia y la falta de sensibilidad de algunos de estos últimos sobre la auténtica belleza sonora del lenguaje, y sobre sus auténticos significados. Una explicación detallada sobre la tarea del poeta que, como la del verdadero filósofo, su labor será continua hasta el final de su existencia. Además, los interesantes comentarios sobre sus versos surgidos del mundo onírico durante sus paseos por el reino de Morfeo, fueron muchas veces convertidos en palabras durante la vigilia como reveladoras luces de nuestra alma. Un código hermético en su escritura que, como Jano, tenía dos caras completamente opuestas para él: una privada cuyo significado personal solamente él era capaz de percibir al ser leído, y otra pública donde sus razonamientos eran comprendidos por su público. Pero, por encima de todo, este gran maestro siempre antepuso su necesidad de escribir al extrovertido camino personal del escritor hacia el éxito porque, desde su punto de vista más profundo e inamovible, ya desde pequeño vio claramente que su destino y su futuro estarían fuertemente unidos al mundo literario con independencia de la popularidad que sus escritos pudieran alcanzar.

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Este gran maestro se muestra en la entrevista con agradables y sinceras muestras de humildad, a pesar de la gloriosa aura artística que entonces ya poseía. Basando una gran parte de su filosofía personal en el lema “Errar es necesario para aprender”, el hecho de reconocer públicamente sus erróneos comienzos como escritor que, con el paso de los años, hubo de cambiar, a continuación procede a explicar el motivo de tales cambios ante este atento presentador. La verdad es que estos momentos conmoverán al culto lector de Lux Atenea por su absoluta franqueza mostrada de cara al público, y que, a pesar de su privilegiado talento literario reconocido mundialmente, insiste varias veces que su verdadero maestro fue el escritor Rafael Cansinos Assens (1882-1964), al que muestra todo su afecto y agradecimiento en esta entrevista. Una humildad que no hace más que aumentar aún más mi fascinación y mi identificación con su discreta y sencilla personalidad, porque no tiene nada que ocultar ni de qué esconderse. La valoración que hace del lenguaje utilizado en gran parte de sus obras, donde las palabras de uso común son dominantes, se encuentra fundamentada en el uso oral que estas tienen en las personas, ya sea en la conversación o en la intimidad personal, ya que éstas son las que tienen mayor eficacia en cuanto a su significado. Para Borges, las palabras de uso común son las que verdaderamente tienen vida. En cambio, la escritura barroca, o sea, la escritura que utiliza constantemente palabras del diccionario que no son de uso común, no es más que la escritura de la vanidad. Una vanidad completamente alejada del verdadero sentido de la escritura.

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Una magnífica entrevista donde su pasado familiar también es sacado a la luz con sumo respeto por parte del periodista Joaquín Soler Serrano, y donde la descripción de sus recuerdos de infancia nos permite conocer a este gran lector ya desde su infancia. Un ávido lector con una biblioteca a su disposición donde leyó lo que le gustaba, recalcando que un niño cuando lee, no compara las obras que lee al no juzgarlas o criticarlas. Además, enternece el profundo amor y la sincera admiración que muestran sus palabras cuando hace referencia a su madre, al igual que a su abuela inglesa a la que consideraba una Biblia viviente ya que tenía memorizada cada palabra de este libro religioso en su mente, pudiéndole realizar cualquier pregunta al respecto sin ningún temor a que errara. Por este motivo, el inglés y el español se convirtieron en sus lenguas de infancia. En definitiva, el gran maestro Borges se presenta con una inmejorable y precisa memoria que más quisiéramos muchos tener. Pero las palabras de Borges siempre venían perfumadas con la esencia de la controversia, y sus particulares ideas sobre el mundo de la política y de los gobiernos no hicieron más que dar argumentos a quienes la cultura ha de ser siempre algo políticamente correcto. Además, la reciente convulsión pública en España que había sufrido tras comentar que, para él, García Lorca es un poeta menor al ver musicalidad en sus versos pero sin que le provoquen pasión, vuelven a ser reafirmadas en esta entrevista con total naturalidad. Otros pensamientos muy directos y claros también ven la luz en este programa, como en su crítica hacia la obra de Gracián debido a su ingenio y al uso de retruécanos, o cuando comenta que le sorprende la pérdida de pasión por la literatura que apreciaba en las generaciones que vivían los años setenta, convirtiéndose en el contrapunto de sus interesantes e instructivas reflexiones sobre Cervantes y su obra, sobre todo, cuando Borges comenta que no cree que Cervantes hiciera una crítica de los libros de caballería al escribir “Don Quijote”, sino más bien todo lo contrario. Pero esta larga entrevista también está perfumada con otros pensamientos filosóficos y culturales como cuando menciona y explica su obsesión por la muerte y por lo eterno, sobre su visión personal de la cultura germana, francesa, islandesa, china… y sobre la fuerte atracción que el taoísmo y la poesía oriental le provocan, Sobre su mirada metafísica del ser, del mundo, y del destino, y sobre su profunda perspectiva analítica fruto de la experiencia personal, o por su fascinación por los pensamientos de Marco Aurelio. Habla también sobre las fuentes de inspiración que dieron como fruto algunas de sus más queridas obras, o sobre su viaje a Europa y a Suiza en concreto donde nacería su más profunda admiración por esa nación. En definitiva, una apasionante entrevista en la cual he dejado muchos temas sin mencionar en esta reseña para que sean los lectores quienes descubran sus brillantes tesoros culturales y del pensamiento.

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En la segunda entrevista incluida en este DVD, grabada y emitida en televisión ya en color el día 23 de abril del año 1980, podemos ver a Jorge Luis Borges con ochenta años de edad pero con la misma humildad y sentido del humor con el cual nos conquistó en la entrevista anterior. También encontrarán a Borges tartamudeando con más frecuencia, tal vez, por querer decir y expresar muchas opiniones e ideas en un corto espacio de tiempo. Y es que, muchas veces, el tartamudeo es la consecuencia inmediata de un cerebro muy veloz en sus pensamientos, frente a una capacidad oral mucho más lenta y limitada que las rápidas chispas lógicas y racionales concebidas en la mente. Hay múltiples ejemplos en nuestra historia sobre personas con mentes privilegiadas que, por sus capacidades intelectuales y culturales, llegaron a tener episodios de tartamudez en oratorias públicas debido a ese retraso existente entre el inmenso torrente de información que se piensa y razona, y el flujo de palabras que normalmente puede decirse y transmitirse en un diálogo u oratoria. Además, el gran maestro Borges sorprenderá a los cultos lectores de Lux Atenea por el duro juicio crítico que realiza sobre su obra, presentándose de forma lapidaria al igual que en la entrevista anterior. Pese a su apreciable cansancio, la creación literaria sigue motivándole con fuerza a seguir adelante y, en esta interesante charla intelectual e informativa, destaca especialmente la gran popularidad de sus obras entre la gente joven de aquella época. Su sentido del humor (que no ha perdido a lo largo de los años), su prudente y educada negativa a hablar de temas íntimos y muy personales, su impresionante memoria e incansable espíritu de aprendizaje cultural a pesar de su avanzada edad, te siguen impactando e impresionando. Su postura recogida, con los brazos apoyados en las piernas, inconfundiblemente nos habla de una persona tímida pero abierta a compartir sus opiniones y sus pensamientos.

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Si hay un protagonista muy especial que sale a la luz en esta segunda entrevista es su padre, donde su admiración sale constantemente a relucir. El gran maestro Borges nos habla de la presencia constante de la voz de su padre en su vida, y cómo la biblioteca de su padre donde descubrió el fascinante mundo de la literatura, sería el factor clave en su vida que terminaría cautivándole. Sorprende escuchar sus palabras cuando comenta que su padre nunca le dio ningún consejo literario, y que, aunque hizo correcciones de sus obras, nunca le dijo su opinión personal al respecto (en mi opinión, creo que su padre no quiso interferir en el camino artístico que su hijo había decidido recorrer, motivo por el cual tomó esa firme decisión para no condicionarle). Pero, además de esta elogiosa visión de su padre, Borges también les volverá a sorprender al comentar al entrevistador que aún seguía asombrándose cada día de no encontrar a su madre en su habitación para poder hablar con ella y comentarle sus sueños, revelando el despertar de una sensación de desdicha en su interior cuando murió su madre como si la hubiera defraudado en vida. Incluso confesará al entrevistador que, en la intimidad, para él su madre sigue viva aunque sepa que ha muerto. Un nivel de sensibilidad que verá aumentados sus sentimientos y emociones cuando menciona a su gato Beppo, nombre que le vino a la mente por uno de los personajes de Byron llamado Peppo, pero al que le cambió la primera letra porque no le gustaba el original.

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La perspectiva humana de Borges encandila, te hace sentir la grandeza de la Cultura y de la inteligencia humana a flor de piel con su visión filosófica y real de la amistad. Su tremenda pasión por la épica literaria, su adaptación a la soledad tras la aparición de su ceguera (la cual concibe como una forma de soledad pero que le impulsó a crear más obras), cómo no aprendió nunca el lenguaje Braille, pidiendo a las personas que le visitaban que le leyeran algunos libros, o su visión existencial de la vida donde prevalece la creencia en el individuo y no en el Estado. Su acertada y reveladora visión de la literatura como algo en constante cambio, al igual que sucede con el lenguaje y el significado de las palabras, o con la evolución del uso que se le da a nivel cotidiano. La pasión que en él se despierta cada vez que se menciona a Cervantes y/o a su obra universal “El Quijote”, cuando reconoce que no se considera un lector de novelas, cuando comenta que aprendió alemán para poder leer a Schopenhauer en su idioma original, y, sobre todo, cuando en esta entrevista sale a relucir su particular visión sobre la muerte como un estado de libertad que llega a tener reflejo hasta en sus sueños. El extraordinario DVD “Grandes Personajes A Fondo: Jorge Luis Borges” contiene en su interior dos impresionantes entrevistas llenas de momentos inolvidables, y que se convierten en un registro audiovisual de crucial importancia para toda persona que desee estudiar o conocer el universo Borges con mayor profundidad y rigor. Al igual que a mí me ha sucedido después de ver y analizar estas dos entrevistas, seguramente los cultos lectores de Lux Atenea también se pregunten cómo a un genio literario de esta relevancia artística nunca lo galardonaron con el premio Nobel de Literatura, tras haber conseguido tantos méritos académicos y tras haber alcanzado esta grandiosa sabiduría atesorada a lo largo de toda su vida. En fin, creo que hay premios literarios que deberían ignorar otros factores externos a lo puramente artístico a la hora de galardonar a eminentes genios que han hecho grande al pensamiento humano. Desde mi punto de vista, a Borges siempre se le deberá un premio Nobel de Literatura más que merecido. “Grandes Personajes A Fondo: Jorge Luis Borges”, dos excelsas entrevistas realizadas a este maestro ya inmortal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Jorge Luis Borges Grandes Personajes A Fondo

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

JEAN LORRAIN “LA MANDRÁGORA” ILUSTRADO POR MARCEL PILLE (Reseña #1647).

Reseña Cultural: 1647 // Reseña Literaria: 277
Reseña actualizada. Publicada el 2 de junio del año 2015 en Lux Atenea.

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Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la editorial REINO DE CORDELIA por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Publicado por: REINO DE CORDELIA, S.L.
ISBN: 978-84-15973-49
Edición: Marzo 2015 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 72

Jean Lorrain - La Mandragora ilustrado por Marcel Pille

La literatura decimonónica es una de las columnas culturales más importantes de Lux Atenea por la relevancia de los libros que voy seleccionando para ser analizados y reseñados, dando continuidad a esta línea temática que estoy potenciando con constancia y con pasión en los diferentes medios de información que he creado y dirigido desde el año 1999, convirtiéndose la promoción cultural de estas joyas de la literatura en un auténtico placer. He de reconocer que mi pasión por la literatura del siglo XIX irremediablemente me lleva a seleccionar ilustres obras escritas en aquella época tan cercana en el tiempo, y tan desconocida a su vez por el gran público. Dentro del amplio panorama literario, gracias al admirable trabajo que están realizando prestigiosas editoriales comprometidas con la Cultura como Reino de Cordelia, en España podemos disfrutar estas delicatessen decimonónicas. Cuando la magia de la fábula se convierte en ese estímulo para la imaginación del lector, los libros que destilan esa esencia de ficción y fantasía quedan indeleblemente guardados en nuestra memoria a través del trasfondo psicológico que posee su moraleja. Si además le unimos la fuerza visual de las ilustraciones que lo engalanan, ediciones tan lujosas como “La Mandrágora” de Jean Lorrain (1855-1906) ven su calidad literaria aumentada gracias al arte de la ilustración mostrada por Marcel Pille, encargado de crear las bellas ilustraciones que engalanaban la edición en formato libro de esta fábula presentada originalmente en el año 1899 (anteriormente había sido publicada con el título “Conte de Noël” en las páginas del periódico Le Courrier Français en 1894). Tras haber sido traducida por Luis Alberto de Cuenca y Alicia Mariño, esta ilustre obra por primera vez ha visto la luz en idioma español a través de esta lujosa edición en tapa dura con sobrecubierta presentada oficialmente el pasado mes de marzo, y que estoy seguro que fascinará a los bibliófilos lectores de Lux Atenea que lo adquieran.

Jean Lorrain - La Mandragora ilustrado por Marcel Pille pic 1

Jean Lorrain, seudónimo del escritor francés Paul Alexandre Martin Duval (1855-1906) de reconocida fama en el siglo XIX, siempre fue uno de los artistas inconfundibles dentro del Decadentismo cuya vida extrovertida no le hizo pasar precisamente desapercibido en la sociedad de aquella época. Una actitud que le llevó a ganarse la amistad o la enemistad de otros genios de la literatura como Jules Barbey d’Aurevilly (1808-1889) o Guy de Maupassant (1850-1893) respectivamente, en un momento clave en Europa Occidental por el colapso definitivo de la sociedad tradicional ante el incontenible impulso de la sociedad moderna. Un periodo de tiempo marcado por la tensión existente en la ciudadanía ante los bruscos cambios en la ética y la moral hasta entonces reinantes, y tanto los escritores románticos como los decadentistas fueron el reflejo literario de esa resistencia al racionalismo y al materialismo moderno, ya fuera desde una perspectiva espiritual profunda que venera al Ideal (Romanticismo), o ya fuera a través de la exaltación del individualismo y del análisis psicológico del inconsciente (Decadentismo), convirtiéndose éste último en la semilla artística del futuro Simbolismo. Pero, lo más curioso y sorprendente desde un punto de vista cultural, es que todavía haya obras literarias decadentistas de esta calidad que aún permanecían inéditas en idioma español hasta en esta segunda década del siglo XXI, lo cual me lleva a pensar sobre cuántas joyas literarias escritas en aquella fascinante época quedan todavía pendientes de ser editadas en España para el disfrute de los lectores. En esta apasionante labor, es admirable el trabajo que está realizando la prestigiosa editorial Reino de Cordelia, cuidando cada detalle en la impresión de estas preciosas ediciones.

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Iniciamos la lectura del libro “La Mandrágora” con el interesante prólogo escrito por Alicia Mariño titulado “El Hechizo de la Mandrágora”, y donde el análisis de esta obra despierta nuestro interés al haber quedado muy bien fundamentado. A continuación, la inmersión en esta fábula de Jean Lorrain nos invitará a conocer la sorprendente historia de la reina Godelive cuyo segundo hijo recién nacido, una rana, removerá la estabilidad del reino hasta en sus cimientos. Tras ser sentenciada a muerte por el rey Luitprand, la rana es ejecutada, pero lejos de solucionar ese problema, a partir de entonces nada volverá a ser igual en el reino al caer presa de la tragedia, del caos, y del infortunio. Teniendo como trasfondo el contraste existente entre la bondad interior con apariencia exterior rechazada socialmente, contrapuesta a la belleza física admirada públicamente pero de maléfica raíz, “La Mandrágora” se acaba convirtiendo en un siniestro espectáculo de horror y decadencia, y con la presencia del ocultismo como obscura guinda para este tenebroso pastel moral y ético donde el mundo de los sueños se presenta cargado de metafóricos simbolismos. Un estilo narrativo ágil que despertará la curiosidad y el interés en el culto lector de Lux Atenea, intrigado sobre cómo acabará esta historia después de esa ejecución inmisericorde, asentándose su trama en la realidad basada en el crudo reflejo de la visión humana sobre el Bien y el Mal que siempre enjuicia o prejuzga a favor o en contra por las apariencias a través de la belleza. Pero, ¿qué sucede cuando el Mal está envuelto con una impactante y seductora belleza física? ¿Son el ser humano y su sociedad capaces de ver ese demoníaco trasfondo astutamente ocultado tras una belleza fascinante? En cuanto al arte dentro del plano visual, esta lujosa edición de la obra viene engalanada con elegantes ilustraciones de estilo clásico donde el realismo en el detalle hace que tengan más fuerza. Dibujos que se convierten en instantáneas de esta dramática historia, y con la crudeza de su trama perfectamente reflejada con sumo talento por Marcel Pille en este admirable trabajo de ilustración. Poseedoras de una aristocrática belleza de época, el protagonismo de estas imágenes adquiere en el siglo XXI ese hipnótico halo vintage cuando la mirada del lector se detiene para observarlas atentamente, habiendo sido armoniosamente integradas en las páginas de este libro para ofrecer este plus cultural a la obra y que provoca que su moraleja resplandezca con mayor brillantez y sensibilidad. “La Mandrágora”, cuando la iridiscente esencia literaria de esta fábula continúa fascinándonos un siglo después de su primera publicación. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

JEAN LORRAIN LA MANDRAGORA ILUSTRADO POR MARCEL PILLE

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ELIPHAS LEVI “EL LIBRO DE LOS SABIOS” (Reseña #1646).

Reseña Cultural: 1646 // Reseña Literaria: 276
Reseña actualizada. Publicada el 14 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
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Publicado por: EDITORIAL HUMANITAS, S.L.
ISBN: 84-7910-031-1
Edición: 2002 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 119

ELIPHAS LEVI - EL LIBRO DE LOS SABIOS

Sin duda alguna, “El Libro de los Sabios” es una de las obras escritas por el ocultista francés Alphonse Louis Constant, Eliphas Levi (1810-1875), que más les hará pensar sobre su contenido, sobre su mensaje, sobre su trasfondo, y sobre su perspectiva sobre lo esotérico. Lo primero que sorprenderá a los bibliófilos lectores de Lux Atenea que decidan adentrarse en estas reveladoras páginas, son los diez interesantes diálogos donde Eliphas Levi conversa con diversos representantes del mundo de la Ciencia y de la Religión, como un clerical, un filósofo, un panteísta, un israelita, un protestante, un médico, un docto, un sacerdote, un espiritista, y un iniciado. Unas conversaciones donde cada uno de ellos procederá a exponer su punto de vista sobre la realidad humana, sobre la vida, y sobre el mundo que nos rodea, y de cuyo sentido y existencia diferirán diametralmente por sus distintas visiones, comprensiones, y descripciones durante la exposición de sus diferentes opiniones, creencias, y certezas. Tras este inicio del libro en clave conceptual, a continuación, será el mundo de la religión, de la moral, de la naturaleza, del magnetismo, de la muerte, de Satán, del ocultismo, de la fe, de la Ciencia, de la acción, de la fuerza, y de la paz profunda, donde estos temas son abordados por Eliphas Levi dentro de una perspectiva clara y precisa sobre la naturaleza de cada una de ellas, y sobre su influencia en nuestras vidas.

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“El Libro de los Sabios” es una ilustre obra donde se percibe muy claramente la conexión existente con otro gran maestro del esoterismo como Gérard Anaclet Vincent Encausse, Papus (1865-1916), en cada una de sus páginas. Palabras y frases condicionadas por el intelecto, y donde Eliphas Levi únicamente termina creyendo aquello que es capaz de entender, de experimentar, de comprobar, o de intuir en su interior con irresistible fuerza, alejándose totalmente de una fe religiosa que trata de ser aceptada por los individuos per se. La perspectiva a través de la cual Eliphas Levi enfoca los temas aquí tratados, adquiere su sentido más revelador en relación a nuestra mente debido al mensaje fundamentado con sus descripciones y reflexiones, fruto de una experiencia asentada y que reafirma claramente de cada uno de los asuntos abordados en esta obra. La lectura de “El Libro de los Sabios” resultará a veces un tanto incómoda para algunos lectores, porque todo lo relacionado con lo religioso es vinculado con lo fantasioso y artificial a nivel conceptual, ritual, y estamental, pese a su indudable atractivo para la mente de aquellos que usan poco el raciocinio y la lógica. Además, en estas páginas lo religioso es recolocado en aquellos lugares situados fuera de lo sacro y de lo divino, que es donde verdaderamente le corresponden. En esta obra, las palabras son sentidas como sabias, no por su capacidad para denunciar y atacar, sino por su correcta explicación de todo aquello que es tomado como celestial y sagrado, cuando no lo es. En definitiva, este libro es una obra que genera polémica por tocar aquello que socialmente no debería ser tocado en Occidente por ser ‘políticamente incorrecto’, o mejor dicho, ‘religiosamente incorrecto’. “El Libro de los Sabios”, la obra donde Eliphas Levi nos expuso sus doctrinas y creencias fundamentales. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

ELIPHAS LEVI EL LIBRO DE LOS SABIOS

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ESOTERISMO DE PARSIFAL”, LOTUS PÉRALTÉ (Reseña #1645).

Reseña Cultural: 1645 // Reseña Literaria: 275
Reseña actualizada. Publicada el 18 de enero del año 2011 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
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Publicado por: EDICIONES ALCÁNTARA, S.L.
ISBN: 84-95218-04-6
Edición: 1999 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 157

el esoterismo de parsifal wagner

Esotéricamente hablando, la ópera wagneriana “Parsifal” está basada en representación musical de la Ética de la Redención. Un drama sublime donde música y lírica fueron concebidos artísticamente por el genial maestro alemán del Romanticismo Richard Wagner (1813-1883) desde un punto de vista místico, basándose en la magna obra literaria “Parzival” escrita por el ilustre Wolfram von Eschenbach (1170-1220), que también estuvo inspirada en el libro “Perceval o El Cuento del Grial” del maestro del Ciclo Artúrico Chrétien de Troyes (1135-1190). Unas obras nacidas dentro del mundo medieval de los trovadores, de su esencia caballeresca, y de ese amor cortés que revolucionó culturalmente a Occidente. Además, estas obras en particular ofrecieron una dimensión menos mundana y mucho más sacra al mensaje contenido en sus tramas. Un Ciclo Artúrico que, con el Santo Grial como eje simbólico y místico fundamental para la comprensión metafórica de su sagrado mensaje, estimularía la imaginación medieval con valientes héroes que destacaban por su humildad (Perceval), magos todopoderosos que eran capaces de cambiar la historia de un reino (Merlín), ambiciosas hechiceras con ansias de poder infinitas (Morgana), carismáticos reyes que no eran capaces de asumir las responsabilidades con maestría (Arturo), objetos mágicos que solamente podían ser poseídos por los elegidos (Escalibur, el Santo Grial…), caballeros que caían en las debilidades más pasionales y humanas (Lanzarote del Lago), reinas cuya posición social de privilegio se oponía a su auténtica razón de ser por su selénica esencia (Ginebra), obscuros aspirantes a alzarse con el trono y con el poder a cualquier precio (Mordred)… en definitiva, en el Ciclo Artúrico asistimos a una representación mística y trascendente de las diversas perspectivas existenciales humanas (con sus cualidades y debilidades), y cuyas sabias lecciones se pierden en la noche de los tiempos en Europa. En estas excelsas obras literarias, el bibliófilo lector de Lux Atenea toma contacto con los principales retos a los cuales deben enfrentarse cada uno de estos personajes para poder alcanzar un nivel superior de consciencia, ya sea en su extremo más luminoso o más tenebroso.

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En el siglo XIV, tras la caída de los cátaros y de toda la rica cultura del Languedoc a manos de los cristianos bajo las órdenes del Papa Inocencio III, una edad espiritualmente obscura cubrirá una gran parte de Occidente en Europa hasta finales del siglo XVIII. En el siglo XIX, el genial compositor alemán Richard Wagner logrará unir las raíces culturales celtas propias del Ciclo Artúrico con las escandinavas, origen de la ancestral cultura germana, en unos poemas románticos que servirán para dar esa alma mitológica tan sublime a su ópera “Parsifal”. En ella, símbolos como el número doce, el Crom-lekh, la sangre… serán protagonistas junto a mitológicos personajes, en una escenificación musical donde lo sacro y lo mitológico encuentran su más perfecta armonía a través de composiciones musicales de indiscutible trasfondo esotérico. Esta ópera nos habla sobre un estado superior de consciencia que trasciende a la propia existencia humana como especie sobre la faz de la tierra, pero a nivel individual. Precisamente para la comprensión detallada de cada uno de los personajes y de los símbolos incluidos en la ópera wagneriana “Parsifal”, el libro “El Esoterismo de Parsifal” se muestra muy claro y revelador a través de este estudio minucioso sobre las características de cada uno de ellos por separado, y sobre el significado de su mensaje final en su conjunto. Parsifal, como héroe, adquiere un trasfondo místico que, pese a su dimensión artística romántica, cobra su sentido más auténtico en la lucha por alcanzar un estado superior de consciencia a través del seguimiento de su propio instinto. Auténtico guía que permanecerá fiel a su raíz espiritual siempre que el individuo sepa entregarse a sus dictados, y a aceptar los colosales retos que se presentarán durante su vida donde solamente encontrará sufrimiento y dolor. Como analista cultural, si estableciera un paralelismo con los Arcanos del Tarot por su significado y por su trasfondo, inexorablemente identificaría a Parsifal con El Loco. Su férrea voluntad marca completamente a la base principal de su personalidad con la cual afronta el cruel mundo de la existencia, y cuya capacidad de sufrimiento agranda aún más su carácter épico y la pureza de su espíritu místico, porque Parsifal es la exaltación de la individualidad por encima de cualquier condicionante por poderoso que sea. “El Esoterismo de Parsifal”, cuando una ópera musical es concebida para exaltar la visión sagrada del destino de un ser. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

EL ESOTERISMO DE PARSIFAL- LOTUS PERALTE

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ENRIQUE CORNELIO AGRIPPA “NUMEROLOGÍA OCULTA” (Reseña #1644).

Reseña Cultural: 1644 // Reseña Literaria: 274
Reseña actualizada. Publicada el 30 de marzo del año 2011 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: EDICIONES OBELISCO, S.A.
ISBN: 84-7720-992-8
Edición: 2003 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 140

Cornelius Agrippa numerologia oculta

El Conocimiento de carácter esotérico que dominamos en la actualidad no sería lo mismo si no tuviéramos como legado estas obras ocultistas escritas por todo un genio del Renacimiento como Heinrich Cornelius Agrippa von Nettesheim (1486-1535). Conocimientos que son cruciales para desvelar, y para profundizar en esta visión y en este análisis del mundo alejado de la densidad material. Heinrich Cornelius Agrippa fue constante en el estudio de disciplinas como la Medicina, la Cábala, la Alquimia y la magia principalmente, y llevó a esta mente privilegiada a conocer, a investigar, y a asimilar la esencia primigenia de estas ramas del Conocimiento para poder alcanzar una Sabiduría de corte trascendental al alcance de pocos en su época. Este ilustre místico alemán se dedicó al desvelo de las enseñanzas contenidas en la Cábala, y consiguió establecer esa unión existente con el pitagorismo hasta desembocar en la escritura final de esta magna obra. En el año 2003, la prestigiosa editorial Obelisco publicó esta magnífica edición que resalta aún más por esta sublime calidad de impresión, y que permitirá al bibliófilo lector de Lux Atenea adentrarse en este universo numerológico tan complejo influido por lo cosmológico. De por sí, en la primera parte de esta impresionante obra, los números son analizados desde una perspectiva esotérica definida por sus valores matemáticos, y por su poder y virtudes tanto en su aplicación natural como sobrenatural. En cambio, en la segunda sección del libro, los número parten de una división en doce escalas esenciales donde sus diferentes significados y valores se presentan de forma descriptiva a través del uso didáctico de estas tablas, ofreciendo una información y una perspectiva clara que facilita considerablemente el aprendizaje de este conocimiento. En las páginas de la obra “Numerología Oculta” también quisiera destacar las excelentes relaciones que se muestran sobre los símbolos utilizados por los antiguos griegos para representar los números, la relación establecida entre los números y ciertas gesticulaciones, o la relación existente entre los números y los ángeles, los arcángeles, y el mundo suprahumano. Además, en este extraordinario libro podrán conocer y estudiar las proporciones existentes en la anatomía humana, la relación astrológica y zodiacal de los números, la relación existente entre los sonidos y los números, los vínculos entre los cuerpos geométricos y la numerología, y qué números están emparentados con cada uno de los dioses griegos y romanos. En definitiva, una obra de imprescindible lectura y análisis para quienes desean profundizar en el nebuloso mundo de la numerología esotérica. “Numerología Oculta”, auténtica joya literaria dentro del esoterismo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

ENRIQUE CORNELIO AGRIPPA - NUMEROLOGÍA OCULTA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.