Review #1658).

Posted on 21 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural: 1658 // Reseña Cómic: 15
Reseña actualizada. Publicada el 21 de enero del año 2010 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: NORMA EDITORIAL
ISBN: 84-8431-180-5 / 84-8431-546-0 / 84-9847-868-6
Edición: 2000 / 2002 / 2009 (EDICIONES COMPRADAS)

En el mes de marzo del pasado año 2009, Norma Editorial publicó la tercera entrega de esta serie tras un largo periodo de espera de varios años. A día de hoy, y sin que pueda afirmar rotundamente que esta saga haya quedado definitivamente cerrada, la serie “Megalex” queda vertebrada por los títulos “La Anomalía (tomo 1)”, “El Ángel Corcovado (tomo 2)” y “El Corazón de Kavatah (tomo 3)”. Basada en una visión idílica de las virtudes de la tecnología en sus diversas aplicaciones destinadas a mejorar la calidad de vida de la población en una sociedad futura, “Megalex” se muestra como una ciudad industrial cuya avanzada tecnología ha permitido buscar y encontrar la perfección para la especie humana. En esta urbe cualquier mínimo error es siempre eliminado, ya sea una máquina o un ser, funcionando todo de forma automatizada, sincronizada, y organizada de la manera más óptima y eficiente. Nada en su interior ha quedado al azar. Todo está perfectamente encasillado, catalogado, estudiado, analizado, probado… siendo su productiva maquinaria de alta tecnología, el corazón y la sangre de este engendro imparable. Como la ciudad de Megalex se encuentra en constante crecimiento, con el paso del tiempo, esta fuerte expansión ha provocado que en todo el planeta Giradiós solamente hayan quedado el bosque de Chem y el Océano Muerto como únicos territorios sin conquistar, por lo que el enfrentamiento entre tecnología y naturaleza será inevitable. Cuando en el interior de Megalex se produce un defecto en uno de sus clones, inexorablemente acaba convirtiéndose en ese error que ha de ser destruido.

Los cultos lectores de Lux Atenea quedarán profundamente impactados con la visión de esta clonación masiva y en serie, con estos operarios de estética un tanto gótica, tendrán la sensación de estar contemplando una posible sociedad futura para la humanidad (aunque lo humano aquí queda un poco en entredicho), les provocará un choque mental esta eliminación de clones con la misma facilidad con la que uno tira un papel usado o defectuoso a la basura, les impactará los ataques de los malaks o de la selva Chem a Megalex, les atraerán estos espectaculares paisajes exteriores donde todo es grandioso pero muy uniforme. “Megalex” es también mesianismo esperanzador, el mundo subterráneo de los objetores, el mágico maná que alimenta a la población de Megalex, la despótica reina Marea, la sangrienta Fiesta de Renovación… todo aquí te acaba atrapando psicológicamente por su riqueza visual y filosófica. Y es que se nota la mano del maestro Alejandro Jodorowsky por el trasfondo de su guión y en la definición de las características tan particulares de este planeta, de sus habitantes, y de sus sociedades. Con un planteamiento de trasfondo moral y ético donde la comodidad siempre trae consigo la injusticia, el abandono espiritual, y la ausencia de consciencia (sobre todo cuando hay que matar), en “Megalex” todo es blanco o negro filosóficamente hablando. No hay lugar para los matices o para las medias tintas, pero la experiencia que nos ofrece la vida humana es que la mayoría de las personas son grises, moviéndose hacia un lado u otro por el interés y por el beneficio que puedan sacar, e independientemente de la sociedad o de la época que les haya tocado vivir. En la vida real, los extremos no suelen ser más que anécdotas dentro de un mundo gris siempre cambiante y siempre insatisfecho.

Impresiona la excelente técnica de dibujo utilizada, y la perfección y el detalle que caracterizan a cada una de las viñetas creadas por Fred Beltran para esta serie. Aunque en la tercera entrega se observa un giro hacia un estilo mucho más simple en la definición y en el entintado del dibujo, sin lugar a dudas, “Megalex” es una obra que ha convertido al mundo del cómic en puro Arte y, sobre todo, en sus dos primeros tomos. Si además Norma Editorial ha publicado esta preciosa edición en este formato de gran tamaño, la espectacularidad que “Megalex” nos ofrece eleva aún más su excelencia hasta poder catalogarla como una auténtica obra maestra. Si se fijan en las imágenes adjuntas, las texturas ofrecen una visión impactante y casi real en una explosión de colores y tonos que aumentan nuestro placer durante su contemplación. En los dos primeros tomos no solamente te dedicas a leer mientras miras las viñetas, sino que te entretienes buscando ese detalle casi perfecto, esa textura en la piel, esa consistencia orgánica, esa estructura metálica compacta… Además, esta calidad en el diseño de la portada tiene su continuidad en las páginas interiores de los dos primeros tomos, convirtiendo su lectura en toda una experiencia visual para nuestra mente. “Megalex”, para los cultos lectores interesados en su adquisición, recientemente Norma Editorial ha publicado una edición especial con los tres tomos a un precio muy especial. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PACTAR CON EL DIABLO (the devil´s advocate)”, 1997 (Reseña / Review #1657).

Posted on 21 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1657 // Reseña Media nº: 31
Reseña actualizada. Publicada el 13 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por : Taylor Hackford
Actores principales: Al Pacino (John Milton), Keanu Reeves (Kevin Lomax), Charlize Theron (Mary Ann Lomax), Jeffrey Jones (Eddie Barzoon), Craig T. Nelson (Alexander Cullen)
Año : 1997 Duración aprox.: 138 minutos
Publicado por: WARNER BROS. Formato : DVD (EDICIÓN COMPRADA)

PACTAR CON EL DIABLO the devil´s advocate 1997

Ser una persona imbatible en el trabajo debe ser una sensación muy poderosa, y si encima se recompensa ese éxito profesional siendo considerado un elegido dentro de la empresa, entonces el afortunado debe sentirse el rey del mundo. Sobre esta base existencial y humana gira “Pactar con el Diablo”, una película cuyo guión está basado en la novela homónima escrita por Andrew Neiderman. En el fondo, “Pactar con el Diablo” es un largometraje que nos habla sobre la esencia del ser humano, o mejor dicho, sobre ese Ego permanentemente insatisfecho de todo, aunque lo tenga todo. Éxito, prestigio, victorias, fama… no son otra cosa que leña en la hoguera insaciable del Ego, pero esos excesos no son gratuitos. Al final, siempre pasan factura porque el ser humano que juega a ser Dios acaba cayendo en su propio Infierno. Si hablamos de poseer bienes, de acumular cosas materiales, entonces el ser humano es capaz de cualquier cosa con tal de poder adquirirlos. Por lo tanto, el resumen de este análisis no es otro que cada ser humano no hace más por su Ego no porque no pueda, sino porque no tiene oportunidad para hacerlo. Si este ansiado bien material es el dinero, su tiempo en esta vida se irá evaporando en pro del dinero y, además, siempre las cantidades de dinero que lleguen nunca serán suficientes. Y a más dinero, menos vida compartida con quienes le quieren de verdad, y con más gente interesada acercándose.

PACTAR CON EL DIABLO the devil´s advocate 1997 DVD

Los deseos, la ilusiones, la popularidad… juegan con los sueños más íntimos del ser humano en una lucha entre lo material y lo espiritual. Si quienes le quieren protestan por su ausencia en sus vidas, siempre creerá que con comprarles una jaula de oro, todo estará resuelto. Como muy bien comenta una de las protagonistas en la película, para poder ver a su marido “tiene que concertar una cita”. Pero, ¿qué sucede si todo se empieza a torcer? Siempre quedarán los vicios para tapar esos agujeros existenciales que empiezan a aparecer en su vida. Alcohol, drogas, sexo… el desenfreno absoluto para tapar la mala conciencia porque la conciencia no se deja vender, ni atontar, ni engañar por los bienes materiales ni por el éxito. De esta forma, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que visualicen esta película podrán comprobar como Kevin Lomax y su mujer Mary Ann pasan del beso continuo al beso en la cara y, de ahí, a la ausencia de contacto según Kevin va escalando más y más puestos según va ganando más y más dinero, y según Kevin va creyéndose más y más invencible satisfaciendo a su Ego. Respecto a la crítica que se observa en la película sobre el poder del sistema judicial en la sociedad moderna, sencillamente es real y omnipresente. El poder judicial es el rey de nuestra sociedad, y aquellos que forman parte de su estructura están situados por encima del ciudadano común. Todos conocemos su inmenso poder, y por algo se le llama el Poder Judicial. Las palabras hablan por sí mismas.

PACTAR CON EL DIABLO the devil´s advocate 1997 pic1

Concluyendo estos análisis sobre las temáticas tratadas en esta excelsa película, otro de sus pilares principales se sustenta en los poderes ocultos que existen sobre la tierra, poderes supraterrenales que cuentan con la ventaja de la incredulidad sobre su existencia por parte de un porcentaje creciente de la población. En un mundo capitalista, materialista, donde lo material lo es todo y el dinero es el más poderoso Dios que adorar, actualmente hablar de la existencia de esos poderes que viven, se desarrollan, influyen, y marcan nuestra vida como especie es menos creíble socialmente que hablar sobre la identidad política de Caperucita Roja, o decir que el Lobo Feroz era en realidad un activista de Greenpeace. En las sociedades más avanzadas, lo espiritual está en claro retroceso y el culto a lo material disfruta de una época de gloria y de máximo esplendor en cuanto a creyentes materialistas se refiere. Entrando también en detalles técnicos y artísticos que engrandecen a esta película, destacan tanto la iluminación como los efectos especiales, realzando considerablemente cada uno de los escenarios en los cuales se mueven los personajes. Los decorados son impactantes, especialmente en la guarida de Philip Moyés y en la acuática azotea del rascacielos de John Milton. Esto, unido a una banda sonora original compuesta por James Newton Howard que ha sido armoniosamente integrada en el desarrollo de su trama, convierten a “Pactar con el Diablo” en una magna película muy bien vertebrada artísticamente. Y si hablamos de escenas impactantes, hay imágenes que se quedarán en la mente del espectador como, por ejemplo, la escena donde Kevin entra en la iglesia donde se ha refugiado su esposa, la escena donde Kevin se encuentra andando por una avenida de Manhattan desierta, o con la escena donde las estatuas de la escultura que tiene John Milton en su despacho cobran vida. Algunas escenas memorables que quedan sin mencionar, pero no conviene desvelarlo todo en una película tan excelsa y atrayente. Una curiosidad: en el trailer cinematográfico incluido en los extras de esta edición en DVD aparecen escenas que no salen en la película. Incluso se puede observar en una de las tomas la sombra de uno de los cámaras grabando la escena sobre la plataforma de una grúa (Atenea dixit). Pero una importante pregunta sigue en el aire: ¿quién es el personaje principal de esta película? Indudablemente, John Milton (Al Pacino). Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con el arte interpretativo de Al Pacino en esta película. Al Pacino da vida a John Milton no solamente con sus actos y con sus palabras, sino con el lenguaje de los gestos. Por este motivo, su sonrisa, su risa, su mirada… se convierten en detalles fundamentales a la hora de dar realismo y credibilidad a su demoníaca personalidad. Y todo ello, unido a unos escenarios absolutamente sobrecogedores (como el salto de agua de la azotea con la ciudad a sus pies) llevan a Al Pacino a convertir este largometraje en una grandiosa y tenebrosa película. Una experiencia alcanzada dentro del arte de la interpretación que está únicamente reservada a los grandes actores y actrices. Si verdaderamente aman el Séptimo Arte, no duden un segundo en ver esta película en su versión original, e inclínense ante el despliegue interpretativo y artístico que Al Pacino nos ofrece, surgiendo de su boca maravillosas frases aquí traducidas al idioma español:

Lux Atenea 4 - 1

– “Si el diablo te comenta que te cortes el pelo, ve eligiendo peluquero”
– “… (en referencia al cuello) una tierra sin dueño donde luchan la mente y el cuerpo”
– “Narcisismo, la droga más natural”
– “La culpabilidad es un pesado saco de piedras. Tienes que librarte de él lo antes posible”
– “La virtud del diablo está siempre oculta”
– “La vanidad es sin duda, mi pecado favorito”
– “Es tan bella que te deja helado”
– “La presión, la presión lo cambia todo. Algunas personas al límite, responden. Otras, fallan”.
– “Yo soy la sorpresa”

Lux Atenea 4 - 6

Como punto y final en esta reseña, he seleccionado este diálogo en la película donde John Milton realiza una cuidada y precisa radiografía existencial del ser humano en la sociedad actual. “Pactar con el Diablo”, una de mis diez películas favoritas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Coge y acerba el apetito humano hasta que puedas romper los átomos con su enorme ansia. Levanta egos del tamaño de catedrales, y con fibra óptica conecta el mundo con sus egocéntricos impulsos. Adorna las atribuciones más osadas con oropel, dólares y fantasías hasta que todo ser humano sea aspirante a emperador, sea su propio Dios, y Eddie será el resultado. Mientras buscamos nuestro propio beneficio, ¿quién cuida del planeta? El aire es más plomizo, el agua más ácida, hasta la miel tiene cierto regusto metálico gracias a la radioactividad. El mundo se acaba… No hay tiempo para pensar, para prepararse, han hipotecado el futuro, a corto plazo, pero no hay futuro. Estamos sobre un caballo desbocado. Quieras o no, el mañana está en manos de un millón de Eddies Barzoon. Un montón de capullos dispuestos a dar por el culo a este planeta de Dios, y luego lavarse las manos como si no hubiera pasado nada, para volver cuanto antes a los ordenadores para acumular sus putas horas extra, y volver luego a casa. Eres responsable de tus propios actos, Eddie. En este juego, uno no puede plantarse.”

PACTAR CON EL DIABLO

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“VEXILLE”, 2007 (Reseña / Review #1656).

Posted on 21 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1656 // Reseña Media nº: 30
Reseña actualizada. Publicada el 11 de octubre del año 2010 en Lux Atenea.

DIRECTOR: SORI
AÑO: 2007 DURACIÓN APROX.: 109 minutos
PUBLICADO POR: AURUM PRODUCCIONES
AÑO: 2008 FORMATO: 2DVD Edición Especial (EDICIÓN COMPRADA)

De nuevo, con la película “Vexille”, Japón vuelve a dar un golpe en la mesa dentro del competitivo universo artístico del cine de animación. Con una interesante trama de ciencia-ficción de corte apocalíptico que lleva el sello de calidad de los creadores de “Appleseed”, en “Vexille” nos sumergiremos en una impresionante historia donde los enredos políticos y diplomáticos se entremezclarán con amenazas y sospechas del más alto nivel de secretismo. Situada a mediados de este siglo XXI en el renacimiento futuro del aislacionismo japonés, éste viene motivado por la supremacía tecnológica finalmente alcanzada y consolidada tras haber conseguido crear sofisticados androides construidos con un nuevo material llamado biometal, cuyas características especiales de grandioso poder se convierten en una seria amenaza para el equilibrio mundial. Todo ello, unido a los intereses ocultos de Industrias Daiwa, multinacional japonesa y líder mundial en alta tecnología robótica que está muy interesada en el mantenimiento de la Red Electromagnética que aísla a Japón de cualquier señal exterior para salvaguardar sus intereses. Este clima de intriga y misterio provocará que los Estados Unidos de América planeen infiltrarse en territorio japonés para, una vez vulnerada esa defensa electromagnética, tratar de desvelar qué está pasando en el interior del país nipón. Esa información, una vez descubierta, se va a convertir en un sorprendente y peligroso hallazgo para los EE.UU y para el resto del planeta.

De la película “Vexille” me ha encantado su trama futurista basada en suposiciones tecnológicas relacionadas con el mundo de la robótica y de la política internacional, porque en este siglo XXI perfectamente pueden llegar a ser reales dentro de unas décadas debido a la creciente influencia que las investigaciones científicas y la alta tecnología tienen en nuestro mundo. Además, los intereses políticos que vertebran la trama de esta película de animación fascinarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea, ya que sus dictados nacionales tienen como consecuencia el aislamiento internacional de Japón. Una secuencia de acción muy bien estructurada, y que queda integrada en la evolución de esta interesante trama a través de actos protagonizados por personajes muy bien perfilados que los hacen perfectamente creíbles ante el espectador. “Vexille” posee un ritmo intenso mantenido con gran acierto a lo largo de toda la película gracias a estos espectaculares efectos, a estas tomas y giros de cámara que te hacen testigo de la acción y casi protagonista, y por estos sorprendentes hechos y acciones de impactante belleza plástica y cromática que convierten la visualización de este largometraje en una auténtica delicia audiovisual. Sus acabados acrílicos y la sensación constante de profundidad en la escena te seducen, mientras el realismo visual termina por apoderarse de tu mente por la espectacularidad que presentan estas escenas. Por ejemplo, la impactante secuencia de la entrada de agentes especiales desde el aire atravesando las vidrieras para tomar por sorpresa a los robots de vigilancia, cuando el ala del avión atraviesa el edificio, con la aparición de los gusanos gigantes de metal, o en el túnel de comunicación con la isla con la carrera contrarreloj protagonizada por estos vehículos. Escenas de tal grandeza audiovisual que se acaban grabando en tu memoria gracias a esta magia cinematográfica que Japón nos viene ofreciendo dentro del mundo de la animación desde hace décadas. Además, se agradece la presencia predominante de la alta tecnología en cualquiera de los escenarios mostrados en esta película, junto a los planteamientos lógicos y prácticos que definen el inteligente diseño de las aeronaves, de los robots, de los exoesqueletos, de los uniformes y de las armas militares… mientras observas con atención cada secuencia. A tal nivel ha llegado ese cálculo tan meticuloso que han cuidado hasta la correcta relación entre protección/destrucción de los blindajes de defensa, respecto a la potencia de las armas disparadas contra ellos. Un factor que no siempre es tenido en cuenta en películas de esta temática y con escenarios tan tecnificados.

Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados cuando contemplen el nivel de perfección tan sublime alcanzado en estos dibujos, sobre todo, con el realismo que presentan las inclemencias meteorológicas en los distintos escenarios, en las caídas, por los efectos de los golpes y de los disparos, en las explosiones, con los reflejos y con las luces, al contemplar la mecánica que poseen estas máquinas y la funcionalidad de su diseño… y hasta en el realismo del humo que sale de los cigarrillos encendidos. Una pasión artística por el detalle que también se puede observar con claridad en la belleza de los decorados, de los uniformes, de las armas, de los distintos vehículos, aviones, y helicópteros que aparecen durante toda esta historia. Respecto a sus personajes, dibujados siguiendo las normas ya establecidas dentro del cine de animación japonés, éstos destacan por la definición casi perfecta de gestos, y de expresiones y movimientos, reafirmando la supremacía artística y creativa japonesa en cuanto a cine de animación se refiere. Como apunte final relacionado con el segundo DVD incluido en esta edición especial, los extras son de obligada visualización debido a las interesantes temáticas que lo vertebran (“Presentación en Locarno Film Festival”, “Cómo se hizo la ciudad y la animación 3D”, “Sori como creador de animación”…). “Vexille”, cuando en la brillante calidad artística de una película de animación hay que incluir hasta su Banda Sonora Original compuesta por el grupo musical de culto Dead Can Dance. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“ALIENS: GUERRA CONTRA LA TIERRA VOL. 1 al 4” (SERIE COMPLETA) (Reseña / Review #1655).

Posted on 20 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1655 // Reseña Cómic: 14
Reseña actualizada. Publicada el 22 de marzo del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: NORMA EDITORIAL, S.A.
ISBN: 84-460-1093-3
Edición: 1992 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 34 cada uno

“Aliens: Guerra contra la Tierra” es un cómic espectacular basado en los hechos y en los personajes de la película “Aliens el Regreso” (1986), producida por la mítica productora de cine estadounidense Twentieth Century Fox, ya que la trama de esta miniserie es la continuación oficial del largometraje. Por este motivo, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran los cuatro volúmenes que vertebran esta miniserie de la saga Alien, podrán conocer el destino de la niña llamada Rebecca (también llamada Newt por sus amigos), y cómo fue su reencuentro con Ripley, la gran protagonista de la saga Alien, tras su paso por el doloroso hospital. “Aliens: Guerra contra la Tierra” nos presenta una posible solución ideada por Ripley para la impresionante y terrorífica invasión alien de la Tierra. Esta atrayente historia ha sido creada por el célebre guionista estadounidense Mark Verheiden (películas “La Máscara”, “Heat”… ; series de televisión “Smallville”, “Galactica Batlestar”, “Heroes”…), habiéndolo perfilado y definido el dibujante de culto Sam Kieth (“Venom”, “The Sandman”, “Lobo”, “Judge Dredd”…) a través de un estilo del dibujo clásico que fácilmente identificamos con el panorama del cómic estadounidense de época. Además, durante los años 1989 y 1990, el magnífico ilustrador John Bolton ideó las cuatro portadas que serían finalmente elegidas para esta miniserie, inspirándose en los diseños y creaciones del maestro H.R.Giger para su realización.

Esta miniserie de la saga Alien les cautivará al encontrar en sus páginas desde los recuerdos del Nostromo (primera nave tripulada de Ripley) y del Sulaco (nave espacial de los marines), hasta las mentiras de la Corporación en relación con los aliens que provocaron la posterior invasión alien de la Tierra. Mundos como la colonia de Acheron del planeta LV-426 vuelven a tener presencia en esta trama, junto al mundo Génesis de Ripley, o el planeta desde donde se expandieron los aliens. Además, podrán presenciar el brutal enfrentamiento con los peligrosos aliens evolucionados que se encargan de proteger a su Reina-Madre, y que son mucho más rápidos y fuertes que los aliens más comunes. Una acción tensa y dramática que fluye en este cómic de ciencia-ficción a través de un intenso y violento crescendo, y donde la alta tecnología adquiere una importancia crucial en su desarrollo (la impulsión gravítica con la cual potencian la nave de Ripley, la cámara de contención construida para atrapar a la Reina-Madre alien…). En resumidas cuentas, en “Aliens: Guerra contra la Tierra”, de nuevo los peligrosos juegos con los aliens vuelven a convertir el destino de los seres humanos que entran en contacto con ellos en un inexorable camino de perdición, por muchas defensas y precauciones que se hayan tomado previamente. “Aliens: Guerra contra la Tierra”, la Reina-Madre alien reclama la presencia de su camada perdida, y su destino final es la Tierra. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

TSUTOMU NIHEI “BIOMEGA VOL. 2 y 3” (Reseña / Review #1654).

Posted on 20 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1654 // Reseña Cómic: 13
Reseña actualizada. Publicada el 5 de noviembre del año 2013 en Lux Atenea.

Publicado por: PANINI MANGA
ISBN: 84-9885-091-8 / 84-9885-117-5
Edición: Febrero y abril 2009 (EDICIONES COMPRADAS)

Tras la lectura y análisis del primer tomo de “Biomega”, en los dos siguientes volúmenes, los cultos lectores de Lux Atenea podrán comprobar cómo el artista japonés Tsutomu Nihei es un auténtico genio a la hora de imprimir acción y velocidad a las secuencias, a pesar de cambiar radicalmente de los escenarios de amplio horizonte y sublime belleza a otros más siniestros y claustrofóbicos debido a las colosales estructuras arquitectónicas que se contemplan. Seguirán impresionados con las habilidades del agente de Industrias Pesadas Tôa, Zôichi Kanoe, asesorado por Fuyu Kanoe, la Inteligencia Artificial de su moto, y todo presentado de forma espectacular y a lo grande en cuanto al tremendo poder destructivo de su versátil pistola y de este rifle letal. El segundo tomo comienza con el ataque a la sede de Industrias Pesadas Tôa por parte de los drones y su posterior caída (los drones son humanos contagiados con el virus N5S). Un dramático suceso que no impedirá que Zôichi Kanoe se acerque a ese lugar a pesar de las recomendaciones recibidas por su extrema peligrosidad. En el camino habrá de enfrentarse a una poderosa fuerza aeronaval y, una vez dentro, la acción se intensificará considerablemente. Luego, en un flash-back conoceremos cómo construyeron a Zôichi Kanoe (no hay que olvidar que es un humano sintético), qué importancia tiene el doctor Kurokawa y su hija en ese proyecto, y cómo ya entonces en Industrias Pesadas Tôa estaban pendientes de la misión a Marte organizada por la DRF. Tras la autodestrucción de la sede de Industrias Pesadas Tôa y con la expansión del virus N5S por todo el planeta, la DRF procede a crear un gobierno mundial. Comprueban que, genéticamente, el cuerpo de Ion Green no presenta alteraciones celulares como si nunca hubiera estado contagiada por el virus, y ese dato será clave para comprender por qué a la DRF le interesa el contagio de la población en este nuevo orden establecido. Las medidas tomadas por la población para evitar contagiarse del virus pasan a ser ilegales, tomándose ese contagio como un bautismo viral bien visto por las autoridades. Zôichi Kanoe ha sobrevivido a la destrucción de la sede y llega con su moto al MSCF nº57 (MSCF, Instalación de Contención de Seguridad Máxima), lugar donde se ha localizado a Ion Green, entrando también en escena el oso Kozlov mientras viaja en tren al lugar. Pero Kozlov es interceptado y solamente la ayuda in extremis de Nishu Mizunoe evita que caiga en manos de la DRF (o que lo maten), en una de las secuencias de acción más impactantes de la serie “Biomega” que podrán disfrutar los cultos lectores de Lux Atenea. Una vez a salvo, sorprendentemente, Nishu Mizunoe detiene al oso Kozlov Loewic Grebnev por su vinculación con uno de los fundadores de la compañía Microvolt llamado Loew Grigorievic Grebnev. Esa empresa, dedicada a la investigación de la inmortalidad, fue creada días después del desastre en la colonia en Marte y, pasados los años, finalmente acabó convirtiéndose en la compañía más grande del mundo como DRF. Nishu Mizunoe tiene la misión de encontrar a Loew Grigorievic Grebnev, y sabe que el oso Kozlov puede ser de gran ayuda para su localización y detención.

Zôichi Kanoe es informado sobre la nueva situación de Ion Green en el MSCF nº3 (cable de amarre del continente) pero, antes de ponerse en marcha, es atacado por una siniestra figura femenina llamada Kardal Spindal que trabaja para el Departamento de Sanidad Pública. A su vez, en la DRF hay una inquietante reunión donde se analiza el peligro que está suponiendo la interferencia de los miembros de Industrias Pesadas Tôa en sus planes, por lo que deciden actuar con mayor contundencia para eliminar ese obstáculo de una vez por todas. Cuando Zôichi Kanoe deja atrás a Kardal Spindal, un poderoso enemigo es enviado para interceptarle y en su ataque le dejará malherido. En otro lugar, la DRF comprueba la similitud existente entre Ion Green y Vief Chiena, antiguo miembro del laboratorio Zel donde trabajaba Loew Grigorievic Grebnev, y, tras comprobar los datos de sus retinas, en sus conclusiones revelarán rasgos de inmortalidad ya detectados por Loew. Entrando en el tercer tomo de “Biomega”, la continuidad de esta interesante historia se presentará mostrándonos los experimentos biológicos realizados por el doctor Wildenstein y las sangrientas luchas internas existentes dentro de la DRF dirigida por el monstruoso Nyaldee. Con Nishu Mizunoe siguiendo el rastro de Loew Grigorievic Grebnev, con ayuda del oso Kozlov encontrarán a un doctor que trabajó para la DRF. Gracias a él conocerán los letales poderes de una sustancia líquida viva llamada Polímero Reproductor Espejado, capaz de absorber la materia y reestructurarla. En un planeta plagado de drones, este líquido se convierte en un peligro latente cuyos potenciales efectos ya conoce la DRF, habiendo tomado medidas al respecto en un refugio seguro: el cable de amarre del continente, un satélite artificial en órbita alrededor de la Tierra.

Con Narain Megnard liderando el Departamento de Sanidad Pública y Nyaldee dirigiendo la DRF, el choque de intereses está servido por el control del cable de amarre del continente al ser el único lugar donde podrán salvar sus vidas. En este escenario harán su aparición tanto la siniestra figura de Kardal Spindal como la colosal presencia del dispositivo de aceleración de proyectiles a cerebros secundarios creado por el doctor Wildenstein, una peligrosa arma de ondas cerebrales. Con los efectivos del Servicio de Sanidad Pública diezmados, la DRF domina la situación, y con el control del cable de amarre del continente en sus manos se dispone a utilizar el Polímero Reproductor Espejado. Se ordena la muerte de Ion Green, aparece el ejecutor llamado Sadan Rikan, la situación interna en la DRF se viene abajo desde dentro, se descubre que Narain es un humano sintético, y la DRF empieza a esparcir el Polímero Reproductor Espejado en todo el mundo. Con una tremenda incertidumbre finaliza este tercer tomo. A nivel artístico, en el segundo y tercer tomo quedarán cautivados con imágenes tan espectaculares como cuando Zôichi Kanoe es atacado por aviones mientras corre velozmente por la imponente autopista construida sobre el mar, con la siniestra imagen que presentan las fuerzas de la DRF cuyos rostros están cubiertos por una inexpresiva máscara como símbolo metafórico claro de aceptación de su despersonalización individual dentro de la organización, o con las increíbles imágenes donde vemos la capacidad que tiene la moto de Zôichi Kanoe para moverse a toda velocidad por las fachadas de los edificios. Es espectacular la escena del ataque de los drones al tren donde viaja el oso Kozlov y observar la terrorífica imagen del inspector en el techo del vagón, quedas deslumbrado cuando ocultándose en la distancia, el oso Kozlov observa el ataque de las unidades de la DRF contra los drones, o con la imagen de la sede de la DRF que nos recuerda visualmente a la acrópolis de Atenas. Además, impresiona la imagen espectral del nuevo líder en la DRF, o la impactante secuencia donde vemos a Nyaldee con su imagen más terrorífica tras la cruenta lucha en el cable de amarre del continente. “Biomega”, el arte del manga japonés en su trasfondo cyberpunk más innovador. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TINO CASAL. MÁS ALLÁ DEL EMBRUJO”, GERARDO QUINTANA (Reseña #1653).

Posted on 19 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1653 // Reseña Literaria: 280
Reseña actualizada. Publicada el 22 de septiembre del año 2011 en Lux Atenea conmemorando el 20º aniversario del fallecimiento del polifacético e inigualable artista español TINO CASAL (1950-1991).

Publicado por: T & B EDITORES
ISBN: 84-96576-51-3
Edición: 2007 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 335

Dentro de la escena musical en España, ya han pasado 20 años desde que lamentamos su trágica muerte, pero el Arte y la Música del genial e irrepetible artista Tino Casal (11 de febrero de 1950 – 22 de septiembre de 1991) continúa seduciéndome actualmente con su esencia innovadora debido a su tremendo talento a la hora de convertir sus obras y su estilo en algo único e imposible de copiar. Personalmente, la fecha del 22 de septiembre del año 1991 siempre estará presente como uno de los momentos vividos que permanecerán grabados en mi memoria tras conocer su fallecimiento esa misma mañana en los medios de comunicación. Aquel día por la tarde, el legendario grupo musical La Dama Se Esconde nos ofrecía un concierto a sus fieles seguidores en el auditorio del Parque de Atracciones de Madrid, y allí mismo puse una pancarta solicitándoles una canción en homenaje a Tino Casal. Su mítico tema “Una Mano Amiga” sería su acertada elección musical. A los cultos lectores de Lux Atenea les puedo asegurar que ese día 22 de septiembre de 1991, el mundo de la música en España perdió a uno de sus artistas más vanguardistas e innovadores, y su deslumbrante talento aún hoy día no ha sido ni siquiera igualado pese a las dos décadas transcurridas. Como analista cultural, estoy seguro que si el genial artista Tino Casal hubiera nacido en los Estados Unidos de América o en Reino Unido, en una fecha tan señalada, ahora mismo estaría siendo homenajeado tanto por el mundo artístico y musical anglosajón, como a través de los sellos discográficos y de los medios de comunicación (radio, televisión, prensa…) para recordar su incomparable obra artística dentro del universo musical.

Como artista polifacético con inquietudes estéticas muy profundas, Tino Casal no solamente sobresalió por su excelsa obra musical, ya también destacó en otras vertientes artísticas al adentrarse en el mundo de la escultura, de la pintura, y del diseño. Su perspectiva cultural renacentista donde latía el espíritu que le impulsaba a explorar lo nuevo, lo transgresor y vital, lo estético y bello, se acabó convirtiendo en la muestra más clara de su plasticidad reflexiva y de su talento reflejados en sus obras multidisciplinares. Incluso, su fascinante imagen personal en clave barroca ha quedado inmortalizada en nuestra memoria para quienes vivimos y disfrutamos aquellos años. Esa estética barroca tan vital, atrayente, exclusiva, sobrecargada, y, a su vez, armoniosa, lo hacía destacar de forma inconfundible entre el resto de artistas contemporáneos. Una imagen aristocrática y elegante siempre presente como si hubiera estado integrada en su piel desde su nacimiento. Así vivió Tino Casal, intensamente, sacando esa esencia auténtica y vital a todo lo que hace de la vida una experiencia inefable, y con esa mirada artística que observaba más allá de las tendencias mainstream dominantes en su época. Tino Casal se arriesgó a crear todo aquello que nadie había concebido hasta entonces, y sin importarle la inevitable controversia que desatarían sus obras no solo en la sociedad, sino también en el mundo artístico y musical reinante en ese momento. España es un país donde las mentes artísticas más privilegiadas e intelectualmente más avanzadas tienen muchas dificultades para poder expandirse socialmente debido a esta mediocridad reinante, y esta envidia endémica latente en quienes siempre se sentirán inferiores ante el talento, ante las mentes creativas de vanguardia, y ante lo excelso, recurriendo a la asociación entre mediocres para tratar de anular a quien es capaz de crear y de fascinar con sus ideas pioneras. Tino Casal también sufriría ese acoso, ese rechazo, y esa falta de reconocimiento público que diera una justa correspondencia a su virtuosa labor artística, a su desbordante brillantez, y a sus asombrosas muestras de genialidad.

La lectura del libro “Tino Casal. Más Allá Del Embrujo” es apasionante mientras te informas al detalle sobre su vida. Con suma facilidad te sumerges en los escenarios que dan verosimilitud a esta biografía, exacta en los datos ofrecidos y en el enfoque artístico que su obra supuso. Desde la primera página hasta la última, la vida de Tino Casal va cobrando sentido y magnetismo ente nuestros ojos con la misma intensidad con la cual la experimentó. En esta obra, el bibliófilo lector de Lux Atenea descubrirá su trayectoria artística desde los grupos musicales Los Zafiros Negros y Los Archiduques hasta su carrera en solitario, y cómo en el universo musical británico y en la corriente conceptual del glam encontró el eje y su verdadero sentido como artista creativo hasta configurar finalmente su propio estilo. En estas páginas se describe cuál fue su relación con la movida madrileña y cuáles fueron los obstáculos que encontró entre aquellos músicos y artistas que lo protagonizaron, cuál fue su pasión por el videoclip como imagen audiovisual de su música, y qué importancia tuvo Julián Ruíz como promotor en su carrera. Además, Tino Casal nunca miró por encima del hombro a otros artistas ni cuando estuvo en la cúspide de su éxito y de su fama, cómo Tino Casal supo encontrar en el glamour y en el simbolismo del fetiche, ese luminoso encanto con el cual identificarse en cuerpo y alma para perfilar su estética de vanguardia. Tino Casal también tuvo una faceta artística desconocida como diseñador de portadas de discos, cómo su afán perfeccionista y su “toque” en la composición instrumental supuso una visión revolucionaria de la música como promotor y productor de grupos musicales que acabarían destacando dentro del panorama artístico español por su calidad (Vídeo, Obús, Azul y Negro…), y cómo para satisfacer su indomable espíritu musical tenían que estar presentes los equipos electrónicos más avanzados del momento y los mejores instrumentos musicales, costaran lo que costaran. Así sonó siempre su música, fuera en directo o en estudio, al trabajar con los medios más sofisticados e innovadores que hubieran aparecido en la escena musical.

En definitiva, tras esta lectura y análisis del libro, quisiera felicitar al autor de esta impresionante biografía porque, como analista cultural llevo muchos años leyendo a autores de libros sobre artistas musicales cuya calidad informativa y narrativa deja mucho que desear. Hay autores que únicamente escriben para poder decir que han escrito tal y cual libro sobre tal y cual artista o estilo musical, pero en las páginas de sus libros no hay análisis, no hay desvelo, no hay comprensión del trasfondo. Otros excelsos autores como Gerardo Quintana, en “Tino Casal. Más Allá Del Embrujo” nos demuestra con total contundencia que su labor informativa ha sido colosal en cuanto a la búsqueda de datos, y de experiencias y opiniones de las personas que también fueron protagonistas en la vida de Tino Casal. Todo ello presentado literariamente a través de un estilo narrativo admirable hasta quedar remarcado este libro como la mejor biografía de Tino Casal que se haya publicado hasta el momento, dejando el listón cualitativo a un nivel tan alto que será casi inalcanzable. En Lux Atenea, la obra musical de Tino Casal en solitario tiene un protagonismo artístico muy especial para mi, y así va a seguir siendo hasta el día que complete toda su discografía en una serie de reseñas musicales sobre las ediciones discográficas originales que tengo en mi colección, compradas a lo largo de los años en vinilo y en CD. Existe un álbum musical al que titularon “Casal Vive”, y hoy en Lux Atenea les puedo asegurar que su alma musical está más viva que nunca. “Tino Casal. Más Allá del Embrujo”, junto a Héroes del Silencio, Tino Casal ha sido de lo mejor que ha habido en los últimos cincuenta años dentro del universo musical en España. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“HELLRAISER: BLOODLINE”, 1996 (Reseña / Review #1652).

Posted on 19 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1652 // Reseña Media nº: 29
Reseña actualizada. Publicada el 12 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Alan Smithee
Actores principales: Bruce Ramsay (Saga Marchant), Doug Bradley (Pinhead), Valentina Vargas (Angelique), Mickey Cottrell (Duc De L´Isle)
Año: 1996 Duración aprox.: 83 minutos
Publicado por: FILMAX Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

La película “Hellraiser: Bloodline” es la cuarta entrega cinematográfica basada en la saga Hellraiser creada por el mítico escritor británico Clive Barker. En esta ocasión, nos encontramos en el año 2127 en el interior de la nave espacial diseñada por el doctor Merchant. El doctor ha secuestrado esta nave espacial, su obra maestra, ha dejado marchar a su tripulación y en solitario se dispone a manipular un objeto muy especial mediante un robot. El detalle de la utilización de la realidad virtual para la manipulación a distancia de objetos es una idea tecnológica que me ha llamado la atención, ya que creo que será de uso cotidiano en la exploración espacial futura. Estas escenas iniciales conseguirán que el cinéfilo lector de Lux Atenea quede enganchado a la trama de esta película desde los primeros minutos. Bloodline, linaje, y un juego que lleva siglos existiendo, Aquí el flash-back se convertirá en el método esencial en esta película para poder comprender esta historia de terror donde el doctor Merchant nos narrará la historia de este cubo mortal desde su construcción. Una obra concebida en el siglo XVIII por su antepasado Phillip L´Merchant (maestro en la construcción de juguetes) tras haber sido encargada por el señor Duc De L´Isle, siendo un guiño muy sutil al ilustre escritor decimonónico francés Villiers De L´Isle-Adam (conocido literariamente por su impactante libro “Cuentos crueles”). Las manecillas del reloj han retrocedido hasta situarnos en el siglo XVIII, el Siglo de las Luces, el Siglo de la Razón en el cual se negaría la existencia del Cielo y, por consiguiente, del Infierno. Más adelante, conoceremos el nacimiento de la demoníaca femme fatal llamada Angelique, mujer con un ansia insaciable de sangre y de poder gracias a su enérgico aliado, el tiempo. A partir de aquí, el disfrute de esta grandiosa película de terror queda en manos de los cinéfilos lectores de Lux Atenea.

“Hellraiser: Bloodline” es una excelsa película que considero más de horror que de terror. Es posible que haya personas jóvenes que, tras haber tenido ocasión de ver esta película, les haya provocado terror, pero a un público más adulto creo que esta película les atrae más por la estética del horror que observan que por el terror que pueda provocarles. Existen excepciones, por supuesto, pero creo que esta película no destaca por sus sobresaltos o por el miedo, sino más bien por su impacto visual y, siendo más concreto, creo que para una persona gótica o para una persona atraída por lo gótico, disfruta más esta película visualizando su inquietante atmósfera y su fascinante estética tenebrosa que por los hechos que acontecen. “Hellraiser: Bloodline” es una película donde se pueden observar excelsas ambientaciones obscuras en esta atmósfera extraña pero verosímil, y cuyos decorados se convierten en un grandioso espectáculo dentro del cine de horror. Las sombras, las figuras representadas en los cuadros, las cadenas que parecen caer desde el umbral de los muertos, el material médico, los relojes, las velas, los candelabros, las cabezas de los querubines que decoran los más diversos objetos, los ganchos, las calaveras, las cabezas de animales disecadas, los plásticos manchados de sangre, los restos de carne esparcidos por el suelo, los ingenios de metal dignos de un sofisticado laboratorio de investigación especializado en tortura… todo en “Hellraiser: Bloodline” es de lo más impactante. Pero, sobre todo, destacan los siniestros pasillos que caracterizan a esta saga para describirnos el dolor y el sufrimiento con absoluta crudeza.

Pero no todo es tan claramente obscuro en esta película. Por ejemplo, el palacio de De L´Isle es una exquisitez aristocrática digna de estos personajes cuya elegancia y caballerosidad no se encuentra para nada reñida con la intriga y la obscuridad. Un siniestro juego donde nada es lo que ven los ojos, y donde la magia ofrece su más tenebroso rostro. Duc De L´Isle nos dice que “quien invoca la magia, manda sobre la magia”, pero en la letra pequeña nos informa que el precio que se paga por su uso se llama alma. En este asunto, me gustaría destacar el extraordinario uso de la luz en esta invocación. ¿Por qué el Mal siempre ha de ser obscuridad? Por cierto, me dejaba un tema delicado que marca simbólicamente a estas películas: el uso de la sangre. En la saga Hellraiser, la sangre se hace imprescindible pero sin llegar a los usos absurdos y extremos del cine gore. Aquí la sangre se integra en comunión con el metal, otra marca fundamental de esta saga para captar la atención del espectador. Un metal que hace sangrar en su creación y que vuelve a hacer sangrar durante su uso. El metal esclaviza al hombre, lo ata, lo inmoviliza, lo hace sufrir… y el metal hace sangrar a los espíritus libres. Haciendo hincapié en los irresistibles diseños que parecen en la película, estos rozan la genialidad. Los cenobitas han sido creados para entrar en el salón de los seres de terror destinados al culto cinematográfico, y respecto al cubo, se ha convertido en un fetiche inconfundible nada más verlo. El cubo, la relación entre lo material y lo espiritual, entre lo inerte y la vida, y el Mal mostrado como un peligroso juego, siendo el cubo la máquina que no solo altera la materia sino que también interactúa con las fuerzas sobrenaturales. Y si hacemos foco en el dulce perrito de Pinhead y en el sonido de sus mandíbulas, este gesto está muy bien definido para poner nerviosa incluso a la persona más calmada en cuanto lo escuche.

En referencia al vestuario diseñado para esta película es irresistible, quedando lo sensual mostrado en su justa dosis. El desarrollo de la trama es ligera pero creíble, quedando el suspense muy bien llevado y sin llegar a saturar al espectador. Las escenas consiguen quedarse grabadas en la mente del espectador como las marcas de estos ganchos sobre la piel, destacando especialmente algunas secuencias como la de los dos guardias de seguridad cuando descubren la puerta que no está en el plano del edificio, la escena en la cual podemos ver las lágrimas de Angelique frente al espejo y la posterior imagen de Pinhead reflejada en los otros espejos que la rodean, o el encuentro de Pinhead con los gemelos donde las palabras de Pinhead son aterciopeladamente crueles. En esta magna obra dentro del cine de horror también quedan resaltadas algunas escenas donde el diálogo es un inteligente juego de palabras que hacen que, al hablar de la película “Hellraiser”, hablemos en realidad de su personaje principal: Pinhead. Como analista cultural, un consejo: para poder sentir toda la fuerza y la tenebrosa profundidad de su voz es imprescindible escucharla en su versión original. Ya sabemos que, en el doblaje al idioma español, siempre se pierde parte de la magia en la entonación lírica de las frases, siendo una merma inevitable de su mensaje. Por su belleza lírica, a continuación muestro algunos ejemplos del trasfondo siniestro contenido en las ingeniosas frases pronunciadas por Pinhead, y traducidas al español como es obvio:

– “Esto no es una habitación. Esto es un holocausto que está esperando su despertar.”
– “La aquiescencia humana se consigue tan fácilmente por el terror como por la tentación.”
– “¿Todavía hambriento? ¿Quizá de algo que grita mucho?”
– “Lastima que el espejo no muestre tu verdadera belleza, princesa. Quizá tu admirador humano no la perciba, pero yo si puedo oler el exquisito hedor de lo que eres en realidad.”
– “¿Daño? ¿cómo se atreve a usar esa palabra? Lo que ustedes consideran daño, sólo es una sombra. El daño tiene una cara, y se la voy a enseñar ahora mismo, caballeros. Yo soy el mismísimo daño.”
– “- La tentación es una ilusión, pero la hora de los trucos ha pasado. En este juego, nos mostramos como somos en realidad.”
– “(Angelique): ¿Qué es eso?
(Pinhead): La belleza del sufrimiento.”
– “¡Qué bella eres cuando sufres! Pero he venido a trabajar, no a divertirme.”
– “El sabor de la victoria, te aseguro que es un sabor agridulce.”
– “El jardín del Edén. Un jardín de carne.”
– “Estoy exquisitamente vacío.”
“(Dr. Merchant): Por el amor de Dios.
(Pinhead): ¿Te parece que soy alguien a quien le importa lo que piense Dios?”

Si piensas que el placer es dolor, nadie mejor que Pinhead para comprenderte, y si no crees en el Infierno, él estará esperándote para explicártelo con detalle. Por cierto, Angelique quiere jugar contigo. Cierra los ojos, confía en ella, y responde a esta pregunta: ¿las uñas de una mujer son tu fetiche? “Hellraiser: Bloodline”, la irresistible atracción de la belleza siniestra, la irresistible fascinación que provoca el terror, y la irresistible pasión estética del cine de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“CIELO SOBRE BERLÍN (der himmel über Berlin)”, 1987 (Reseña / Review #1651).

Posted on 18 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1651 // Reseña Media nº: 28
Reseña actualizada. Publicada el 20 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por : Wim Wenders
Actores principales: Bruno Ganz (Damiel), Otto Sander (Cassiel), Solveig Dommartin (Marion), Peter Falk (Peter Falk), Curt Bois (el anciano)
Año : 1987 Duración aprox.: 128 minutos Publicado por: FILMAX
Formato : DVD edición coleccionista (EDICIÓN COMPRADA)

Berlín después de la guerra. Como en las ciudades que forman parte de la sociedad occidental moderna, cada persona es un Estado dentro de otro Estado con sus ilusiones, sus problemas, sus inquietudes, sus pasiones, sus ambiciones, y sus crisis. En clave “Cielo sobre Berlín”, también en cada una de estas ciudades existen ángeles que conviven con sus habitantes, aunque no sean vistos. Son ángeles que ven, que observan directamente a la gente sin intervenir, y solamente los niños son capaces de descubrir su presencia. Cassiel y Damiel son dos de estos ángeles vestidos con largas gabardinas negras, y los ángeles han convertido la biblioteca de la ciudad de Berlín en su centro de reunión. Un lugar marcado por la quietud y la reflexión, y porque allí encuentran al ser humano recorriendo el camino más benéfico y provechoso para su existencia, para su esencia, para su interés, para encontrar esa razón de ser que no es otra que el Conocimiento. “Cielo sobre Berlín” es una película de culto perfilada artísticamente con pequeños y profundos detalles. Una película de sensaciones, de sensibilidades, de humanidad, y de desesperanza. En relación a la vida de los seres humanos, y a sus sentimientos y pensamientos, los ángeles anotan en sus diarios las características y las reacciones que más les llama la atención en relación con las personas que van encontrando, o con las que se cruzan. Por ejemplo, anotan los pensamientos de la gente en un vagón de metro, la tristeza de un niño apoyado en un muro porque otros niños no quieren jugar con él y le han dado de lado, la dura visión de un suicidio, los razonamientos de un anciano en las escaleras de una biblioteca, los recuerdos de este mismo anciano sobre una plaza que ya no existe en este presente tras la guerra salvo en su memoria… una serie de secretos e intimidades que quedan al descubierto para estos ángeles cuya vida espiritual ha quedado al margen de la cruda existencia carnal humana. En “Cielo sobre Berlín”, lo cotidiano se desvela con total nitidez a estos seres celestiales que miran, apuntan, pero no actúan. Uno de los elementos clave de la película es el circo Alekan que, instalado en un descampado de la ciudad, ofrece sus actuaciones a un público cada vez más escaso. Con una recaudación en taquilla cada vez más escasa, la desesperanza empieza a apoderarse de toda la compañía hasta llevarles finalmente a representar una actuación que será la última. Uno de los personajes principales dentro de ese espectáculo es Marion, una trapecista cuya vida artística se ve truncada con la desaparición del circo. Ante su última actuación sobre el trapecio, la escena de Marion llorando frente al espejo se convertirá en una de las escenas más emotivas de toda la película para el cinéfilo lector de Lux Atenea, y el maestro cinematográfico Wim Wenders ha sabido reflejar con sumo talento en estas imágenes la tensión existente en ese momento de esplendor previo a la gran debacle.

Wim Wenders trabajó junto a Peter Handke en el guión de “Cielo sobre Berlín” y, a la hora de rodar, una de sus ideas más acertadas fue grabar las escenas donde se muestra el punto de vista de los ángeles usando cinta cinematográfica en blanco y negro. Por el contrario, en todo lo relacionado con los seres humanos usó la cinta cinematográfica en color. Este perfilamiento artístico unido a la grabación en distintas tomas para mostrarnos escenas con ángeles y sin ellos en tiempo casi real, hará que el cinéfilo lector de Lux Atenea se quite el sombrero ante tales muestras de ingenio. Wim Wenders es todo un experto a la hora de configurar estas imágenes rodadas para que se expresen con ese lenguaje universal que ha llevado al cine a convertirse en el Séptimo Arte. A nivel interpretativo, destaca la presencia del actor Peter Falks, famoso por haber dado vida al teniente Colombo en la exitosa serie de televisión Colombo. En “Cielo sobre Berlín” se interpreta a sí mismo, ya que Peter Falks es un actor que llega a Berlín para protagonizar una película ambientada en el recién caído régimen nacionalsocialista. Otros relevantes actores con Bruno Ganz y Otto Sander en el papel de los ángeles Damiel y Cassiel, demostrando una solvencia artística y una seriedad a la hora de dar alma a estos complicados personajes hasta conseguir que el espectador los vea con esta aura tan brillante y necesaria para darles verosimilitud. Sus gestos, sus movimientos, y, sobre todo, su pausado caminar, son toda una delicia visual para los amantes del arte en la interpretación. Otro de los personajes principales es Marion, protagonizada por la actriz Solveig Dommartin en una de las interpretaciones más difíciles por su distanciamiento y, a su vez, por su batalla mental interior, quedando muy bien reflejadas en escenas de alta intensidad sentimental. Además, como personaje fugaz pero entrañable, encontramos al anciano interpretado por el actor Curt Bois. Una persona cuya mirada nos habla por si sola sin necesidad de palabras.

La música para esta película ha sido compuesta por el artista Jürgen Knieper, pero “Cielo sobre Berlín” depara grandes sorpresas para los melómanos lectores de Lux Atenea amantes de la música gótica. La presencia de míticos grupos musicales como Tuxedomoon (con su canción “Some guys”), Crime and the city solution (con su canción “Six bells chime”) o Nick Cave and the bad seeds (con sus canciones “The carny” y “From her to eternity”), harán las delicias de los fieles seguidores de la obscuridad en su perspectiva existencial cuando visualicen esta joya cinematográfica. Las escenas con actuaciones en directo de los grupos musicales Crime and the city solution y Nick Cave and the bad seeeds son todo un lujo visual y artístico, y fascinarán a los melómanos con gustos góticos. Los carteles que anuncian la actuación de Nick Cave and the bad seeds y que aparecen pegados en estas calles, tienen un poder fetichista tan directo que uno desearía poder entrar en esta película para disfrutar estos conciertos en vivo en ese local tan siniestro. Una de las imágenes de la película que no se me olvidará nunca es la actuación de Crime and the city solution cuando aparece Marion vestida de negro, y bailando junto a la columna. Como el anciano en esta película recordando el pasado que ha vivido, viendo esta escena no he podido evitar evadirme mentalmente por unos instantes, y ver delante de mis ojos momentos vividos en la sala Strong de Madrid cuando hace años abrió como local gótico (¡¡¡gracias Fran por esas sesiones musicales que trasgredieron con todo en aquellos años!!!). En el Strong, algunos góticos reservaban su espacio al lado de la famosa columna metálica, quedando esta delimitación bien acotada con sus pertenencias en el suelo. De allí no se movían en toda la noche como no fuera para ir a la barra a por una copa, bailando sin alejarse dos pasos de aquella columna. Hubo momentos únicos y un tanto surrealistas al ver a seis o siete góticos, y sobre todo góticas, bailando de cara a la mencionada columna. Momentos muy especiales para gente aún más especial.

Uno de los grandes avances que ha tenido la llegada del formato DVD ha sido la incorporación de los extras en las ediciones cinematográficas. En el caso de esta preciosa publicación de la película, esta sección de extras adquiere una gran importancia al permitirnos ver esas tomas que, finalmente, fueron eliminadas de la cinta definitiva. Escenas curiosas y atrayentes como la escena del conductor contando chistes a su acompañante, la preciosa escena de la niña mirando al ángel a través del parabrisas trasero de un Volkswagen, las escenas del ángel Cassiel imitando a la gente que se paraba delante del concesionario, las pruebas de invisibilidad de los ángeles realizadas por el director, o escenas tan graciosas como la de las tartas, serían inimaginables en otras ediciones en formato de cinta de video. Y todo esto con la comodidad en el acceso a las diferentes secciones de forma rápida, y de fácil manejo a la hora de poder visualizar estas mismas escenas las veces que se quiera. Podemos ver la silueta de un ángel sentado en el asiento de un autobús, o podemos ver a ese ángel observando la ciudad subido a un monumento al lado de una estatua convertida en la síntesis del espíritu humano. Una vida, una búsqueda, y la vida humana triste y opaca es iluminada por un rayo de luz. “Cielo sobre Berlín”, la magia del cine representada en su máximo esplendor artístico por esta película de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

KALIDASA “KUMARASAMBHAVA” (Reseña #1650).

Posted on 17 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural: 1650 // Reseña Literaria: 279
Reseña actualizada. Publicada el 6 de julio del año 2010 en Lux Atenea.

Publicado por: EDICIONES AKAL, S.A.
ISBN: 84-460-1093-3
Edición: 2003 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 220

Esta obra poética es una de las claves del pensamiento religioso y filosófico hindú, describiéndonos el poder de estos Dioses cuya influencia en nuestro destino como especie es crucial. “Kumarasambhava” es pura filosofía samkhya donde todo está formado por una combinación de claridad, pasión, y oscuridad, mientras la triada divina (trimurti) formada por Brahma (la creación: pasión, actividad, energía…), Visnu (la conservación: claridad, calma, bondad…) y Rudra (la destrucción: oscuridad, inhibición, masa…), se convierte en la columna principal que sostendrá toda esta trama y a sus protagonistas divinos. Escrito en sanscrito, idioma considerado en la India como “el idioma de los Dioses”, “Kumarasambhava” está vertebrado por estos poemas del maestro indio hinduista Kalidasa (siglo IV a.d.C- siglo V a.d.C.) donde nos narra el nacimiento de Kumara, hijo de Siva y Parvati. Unos versos de belleza incomparable cuyas escenas fascinarán a los cultos lectores de Lux Atenea, cayendo seducidos por el delicado estilo literario empleado en su creación. Como analista cultural tengo muy claro que, en cuanto empiecen a leer las primeras páginas de esta obra, la magia celestial de Kalidasa se convertirá en una de las experiencias más gratificantes que hayan encontrado en la literatura hindú. Los tres ojos de Siva, la liebre como la marca de la Luna, los preparativos de la boda sagrada y su ceremonia, los aullidos hum de Siva, la reducción a cenizas de Kama, la poderosa arma de Indra llamada vajra, las ocho formas de Siva, el admirable Sri como personificación divina de la suerte, el éxito y la victoria… configuran estos ocho cantos sacros cuya belleza encandila al lector, llevándole a mundos celestiales mediante símbolos y significados de carácter transcendente con aplicaciones prácticas y muy concretas en la sociedad y en la vida cotidiana. “Kumarasambhava” es fuente de Conocimiento y de Sabiduría desde la perspectiva hindú de la vida, teniendo en cuenta siempre la tandava, danza destructora de Siva, como hecho constante a lo largo del tiempo, de las generaciones, de los ciclos universales… “Kumarasambhava” son consejos y apreciaciones muy sutiles del mundo creado por los seres humanos y de su psicología. Un factor que prácticamente no ha cambiado durante milenios, y que sigue condicionando la vida de nuestra especie permanentemente marcada por la insatisfacción y por el deseo. “Kumarasambhava”, auténtica joya literaria, y una de las obras más bellas y trascendentes de la cultura hindú. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“HISTORIA DE LA GUERRA DEL PELOPONESO”, TUCÍDIDES (Reseña #1649).

Posted on 16 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1649 // Reseña Literaria: 278
Reseña actualizada. Publicada el 15 de junio del año 2010 en Lux Atenea.

Publicado por: EDITORIAL GREDOS, S.A.
ISBN: 84-249-2476-2 (OBRA COMPLETA), 84-249-2477-0 (TOMO I), 84-249-2478-9 (TOMO II), 84-249-2479-7 (TOMO III) y 84-249-2480-0 (TOMO IV)
Edición: 2000 (EDICIONES COMPRADAS)
Páginas: 464, 423, 316 y 343

Como analista cultural siempre seguiré recomendando el conocimiento y el análisis de las obras clásicas a los lectores de Lux Atenea. Aunque, por desgracia, vivimos en una sociedad donde la enseñanza tiende más a alejar a los lectores de la literatura clásica que a acercarlos a ella (yo también he sufrido ese efecto ‘educativo’ en mis años de estudio), no por ello vamos a dar de lado a estas obras cuyas páginas nos ilustran sobre esta etapa de nuestra historia como civilización mediterránea. De todo corazón les invito a disfrutar estas joyas literarias durante los próximos meses, comprendiendo que, inmersos en este estilo de vida tan acelerado en el cual vivimos, resulte un poco complicado plantearse la lectura de esta magna obra literaria griega vertebrada por ocho libros, y que ha sido publicada por la prestigiosa editorial Gredos en cuatro volúmenes hasta sumar más de mil quinientas páginas en su conjunto. Pero, al contrario de lo que se pueda pensar, “Historia de la Guerra del Peloponeso” es una obra que se lee con soltura debido a la facilidad que tiene el maestro Tucídides para despertar nuestra curiosidad a través de estas descripciones de los hechos de lo más instructivas, provocando pasión desde las primeras páginas durante su atenta lectura. Por este motivo, y por el eterno interés que la cultura griega sigue despertando en todos nosotros, “Historia de la Guerra del Peloponeso” es muy fácil que se convierta en ese descubrimiento literario que haga amar nuestra historia europea aún más.

Ponerme a describir históricamente los hechos que acontecieron durante la Guerra del Peloponeso me parece alargar gratuitamente esta reseña, debido a que el lector perfectamente puede realizar una búsqueda en Google sobre este tema y tener en un instante una gran cantidad de información al respecto. También puede realizar búsquedas para informarse más al detalle sobre sus protagonistas principales, datos y fechas concretos, desarrollo de las campañas, estrategias militares que se ejecutaron en el campo de batalla… Pero, en cambio, lo que difícilmente podrá encontrar en esas búsquedas es la mirada de Tucídides analizando y describiendo de primera mano cómo se desarrollaron estos acontecimientos y, sobre todo, desde la perspectiva de este hombre culto e instruido. Una cultura griega que potenciaba en las personas el análisis a través de la observación, porque observar y analizar lo observado fue una de las claves del pensamiento griego. Una filosofía poco dada a teorizar y mucho más centrada a hora de valorar la práctica como afirmación de lo analizado tras ser observado, y con el pragmatismo siempre presente, Así ha logrado perdurar como fuente de Sabiduría a través del tiempo y de las diferentes culturas nacidas a posteriori. Además, a muchos lectores les resultarán muy sorprendentes algunos detalles de este conflicto, quedando descritos con rigor en su análisis. Desde barcos de guerra que se tienen que poner a secar en las playas porque la madera se ha empapado de agua marina y los hace menos maniobrables, hasta la captura de ciudades para vender a sus ciudadanos como esclavos y así poder seguir financiando la guerra, pasando por el apoyo persa a ambos bandos según sus intereses en un juego diplomático y económico de lo más intrigante. Página tras página, los cultos lectores de Lux Atenea irán descubriendo toda la magia literaria contenida en esta excelsa obra.

Estamos ante una obra clásica etiquetada errónea e injustamente por una parte del público como ‘ladrillo’, y, aunque ya conocen mi pasión por la literatura griega y romana, creo que esta recomendación será del agrado de una gran parte de los lectores de Lux Atenea en cuanto empiecen a leer estos volúmenes. A partir de entonces, para el lector es muy probable que Tucídides se convierta en sinónimo de buena literatura, y de lectura que enseña y divierte a la vez mientras nuestra mente empieza a imaginarse cómo era aquella época y aquella cultura a través de estas palabras escritas por todo un maestro de las descripciones y del análisis de lo sucedido. Así irán visitando con su mirada, tomo tras tomo, todo este largo conflicto entre Atenas y Esparta desde sus inicios hasta que en el último volumen de esta edición noten que el estilo ha cambiado radicalmente. Pero todo en esta vida tiene su explicación lógica: el maestro Tucídides no logró terminar en vida esta obra, siendo el maestro Jenofonte el encargado de finalizarla. Cada escritor tiene un estilo propio que le caracteriza y, en el caso de Jenofonte, no podía ser más claro y tan obvio.

Jenofonte no es tan directo y tan concreto como Tucídides. Es más dado a la épica, a la grandilocuencia, a entretenerse resaltando, y ese estilo literario se hace un poco más difícil de llevar cuando se ha leído previamente a un escritor como Tucídides, que sabe cómo despertar la curiosidad en el lector como uno de los ejes de su estilo a la hora de crear una obra. Con esto no quiero decir que Tucídides sea muy bueno escribiendo y que Jenofonte no lo sea tanto. Lo que sí digo es que hay diferencias entre ellos que se notan muy claramente cuando pasamos de la lectura de uno a otro en “Historia de la Guerra del Peloponeso”, y si no se hubieran unido sus textos en una sola obra, es muy fácil que tanto a Tucídides como a Jenofonte les encantara en cuanto leyeran sus obras por separado. Pero esta es la magia de la literatura: la diversidad. Si todos los escritores escribieran igual y con el mismo punto de vista, la literatura estaría muerta desde hace siglos. Son estas diferentes miradas, estas diferentes perspectivas, y estas diferentes formas de describir una misma cosa lo que hacen grandes a los escritores. Como apunte final, creo que el prejuicio popular tan extendido en Occidente que etiqueta a los atenienses como los buenos y a los espartanos como los malos en aquella época histórica, va a quedar bastante mal parada en cuanto lean esta obra. La cortesía, la bondad, y las buenas formas atenienses les van a dejar helados y, por cierto, si alguien busca defender lo indefendible en relación a Atenas, Tucídides fue ateniense. “Historia de la Guerra del Peloponeso”, grandiosa obra clásica llena de sorpresas históricas que le asombrarán. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

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ALEJANDRO JODOROWSKY / FRED BELTRAN “MEGALEX” TOMOS 1, 2 y 3 (Reseña / Review #1658).

“PACTAR CON EL DIABLO (the devil´s advocate)”, 1997 (Reseña / Review #1657).

“VEXILLE”, 2007 (Reseña / Review #1656).

“ALIENS: GUERRA CONTRA LA TIERRA VOL. 1 al 4” (SERIE COMPLETA) (Reseña / Review #1655).

TSUTOMU NIHEI “BIOMEGA VOL. 2 y 3” (Reseña / Review #1654).

“TINO CASAL. MÁS ALLÁ DEL EMBRUJO”, GERARDO QUINTANA (Reseña #1653).

“HELLRAISER: BLOODLINE”, 1996 (Reseña / Review #1652).

“CIELO SOBRE BERLÍN (der himmel über Berlin)”, 1987 (Reseña / Review #1651).

KALIDASA “KUMARASAMBHAVA” (Reseña #1650).

“HISTORIA DE LA GUERRA DEL PELOPONESO”, TUCÍDIDES (Reseña #1649).