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BAÏONNETTE “ABANDON BEFORE COWARDS” (AUTOEDITADO, noviembre 2025) (Reseña / Review #2317).

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Reseña Cultural nº: 2317 // Reseña Musical nº: 1504

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la prestigiosa webzine neérlandesa Score A/V por su cortesía al enviarme esta información musical promocional.

Edición reseñada: Vídeo digital en el canal oficial de Baïonnette en Youtube
Tracklist: 1- Abandon // 2- Before // 3- Cowards
Datos técnicos: Vídeo dirigido por Ben Berzerker, y grabado en directo en el desguace de automóviles “L’Auto-Satisfaction” de la localidad francesa de Blainville-sur-Orne; mezclado por Jimbo (Studio du Vieux Couvent), editado por Marcell Sazbó, y masterizado por Thibault Chaumont (DeviantLab)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena hardcore

Los fieles lectores de Lux Atenea, artistas, bandas musicales, sellos discográficos, promotoras… ya saben que como analista cultural no reseño obras musicales en streaming. Todos los álbumes que estoy reseñando han sido comprados, o recibidos como promocional en edición física o digital. Pero, como siempre sucede en esta vida, hay excepciones que confirman la norma, y este es uno de los casos excepcionales en los cuales no puedo seguir esa ley inamovible. El motivo de esta excepción no es otro que la esencia artística que fundamenta al extraordinario dúo francés Baïonnette en sus obras musicales, no editándolas ni grabándolas en estudio, quedando únicamente inmortalizadas en este vídeo publicado en su canal oficial en Youtube. Formado por Alex Diaz (The Prestige, New Favourite) y Florian Urbaniak (Junon/General Lee, Ipkiss), Baïonnette basa su perspectiva artística en la pureza del arte musical fluyendo en vivo, de la misma forma que, en sus últimos años, el ilustre poeta romántico alemán decimonónico Friedrich Hölderlin (1770-1843) buscó las raíces más profundas de la Poesía hasta casi desdibujarse en cuanto a su sentido lírico y armonía. Este espíritu creativo llevado al arte musical dentro de la escena hardcore más innovadora en la actualidad, es lo que mueve a Baïonnette para componer, para dar alma al tema musical, y para dar vida y sentido a sus canciones ofrecidas únicamente en directo. Una interpretación en vivo donde los temas adquieren su máxima expresión, y donde irradian su mensaje sin la artificialidad de la mesa de mezclas en un estudio de grabación. Por este motivo, los melómanos no encontrarán ediciones discográficas físicas o digitales de sus obras, convirtiéndose cada uno de sus conciertos y performance en esa ceremonia única e irrepetible donde su arte musical irradia pureza conceptual en su máxima expresión. Una mirada absolutamente transgresora dentro de esta escena musical underground, y latente en el mundo actual que vivimos entregado a lo material, al dinero, a la fama, a la relevancia social… Sin duda alguna, el estilo hardcore adquiere su pureza conceptual más extrema en manos de Baïonnette, transformando su furia sonora visceral y su interpretación lírica tan pasional y obscura en una excelsa catarsis musical que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta potente escena tan rebelde e inconformista. “Abandon Before Cowards” fue presentado oficialmente el pasado mes de noviembre, y con masterización a cargo de Thibault Chaumont (DeviantLab), su visualización y audición les impactará profundamente por su energía sonora y por su interpretación lírica tan desgarradora, y todo en un entorno tan decadente y degradado como un desguace de automóviles como reflejo simbólico de la crisis de la Modernidad que estamos viviendo en este siglo XXI.

Iniciamos la audición y visualización de este vídeo con el primer tema “Abandon”, comenzando con esta base ruidística distorsionada donde la batería entra con potente contundencia para abrir paso a esta lírica brutalmente interpretada. Sonidos afilados, gritos, tempo marcial… todo en “Abandon” empieza a despertarse con una furia colosal para agitar nuestra mente con su mensaje salvaje. Y luego, la guitarra eléctrica activándose a ráfagas como una sierra mecánica calentando motores, va a liberar toda la potencia sonora de Baïonnette para arrancar cualquier atisbo de equilibrio y control que pudiera manifestarse. Un impulso musical visceral y transgresor desatado en clave hardcore para conmocionar, para que la lírica desvele aquello que a la sociedad actual le resulta incómodo de ver, y que prefiere tapar e ignorar. Pero el tema “Abandon” prende fuego al telón que lo oculta, exponiendo una realidad que ha se asumirse porque está envuelta con la verdad. Con la dramática y terrible verdad. Todo ello, queda resaltado a nivel visual con estos primeros planos, con estos enfoques donde el dúo musical queda perfectamente integrado en este entorno decadente, y donde la iluminación crea una belleza fotográfica que atraerá al melómano lector de Lux Atenea, llevándole a la atenta contemplación de este espectáculo musical. Una grabación que te engancha hasta el final, que te absorbe mentalmente por su aura sonora prístina y auténtica, y donde se puede sentir de forma profunda la inmersión interpretativa de Baïonnette en cada nota musical, en cada palabra gritada, en cada gesto, en cada movimiento impulsado con la rabia del inconformista vital. Una perspectiva existencial marcada por la visión de este mundo donde nada se parece a lo que te cuentan los medios de información mainstream, la escena política, las fantasías religiosas, o los falsos y edulcorados reflejos de nuestro presente ofrecidos en las redes sociales. El tema “Abandon” es crudo, es corrosivo, es lacerante… pero toca lo real en clave humana.

El envite musical tormentoso continuará con el tema “Before”, y este plano melódico para guitarra desatándose para abrir el espectro sonoro y, tras tomar aire, retomar el arrollador impulso del final del tema anterior para no darnos tregua emocional alguna. Una guitarra eléctrica tenebrosa y contundente como el rock más pesado y destructor, y una batería perfilando esta estructura musical con la cortante precisión de una escarificación, convierten al tema “Before” en un impactante espectáculo artístico potenciado en este vídeo. Fuertes secuencias audiovisuales, desgarros líricos, energía inagotable moviendo las baquetas de la batería, todo en “Before” se vuelve ígneo y candente, y con valles musicales que son descargas de rabia y denuncia donde el estilo hardcore encuentra su fundamento, su base artística principal. Pero “Before” también es desestructuración como reflejo de la crisis, de la decadencia, del hundimiento, y la guitarra eléctrica es clave en esta fase del tema para romper cada una de las columnas de la estructura musical, para luego renacer con el impulso sonoro que caracteriza a esta canción. Y cuando la batería crea la nueva base sonora, sobre ella la guitarra nos ofrece su energía más intensa y acelerada, configurando una sólida estructura musical sobre la cual la lírica es coronada. A partir de aquí, entraremos en la fase más experimental y atrayente de esta composición donde no hay tensa calma, sino expiración. Inagotables a pesar de la intensidad interpretativa, el tema “Cowards” aparecerá con Baïonnette dándolo todo hasta vaciarse completamente en su entrega. Gritos, destellos melódicos, secuencias rompedoras… “Cowards” es salvaje en su máxima expresión sonora desde un principio. Hasta su valle musical es el preludio de la devastación inminente, surgiendo con una perspectiva creativa que conmoverá al melómano lector de Lux Atenea. Hardcore de auténtico lujo, y brillando gracias a la magia de Baïonnette presente hasta en sus fases melódicas más calmadas y reflexivas. Una deriva existencial siempre cargada de ira contenida, de aplastamiento moral, de incapacidad para cambiar el destino, siendo “Cowards” el tapiz musical que lo inmortalice. “Abandon Before Cowards”, la pureza conceptual del estilo hardcore llevada a su fundamento creativo más esencial y vanguardista, e interpretada únicamente en directo como muestra artística clara de lo efímero, de lo fugaz, y de la intensidad más pasional fluyendo desde la creatividad instintiva del artista en su catarsis musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

APHELION PSALM “PORTAL TO CASSIOPEIA” (AUTOEDITADO, junio 2025) (Reseña / Review #2291).

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Reseña Cultural nº: 2291 // Reseña Musical nº: 1478

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista español Carlos Martín Cuevas aka C. Pilgrim (Aphelion Psalm) por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: CD en carpeta con libreto de cuatro páginas (edición no a la venta) (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Portal to Cassiopeia:
I. Opening of the Portal (0’00»)
II. Ten-thousand-year Cryosleep (5’20»)
III. Antimatter Void Abyss (11’22»)
IV. At the Gates of Alpha Cassiopeia (14’54»)
Datos técnicos: Composición musical compuesta por C. Pilgrim entre los meses de mayo y junio del año 2025
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Portal to Cassiopeia

A mediados del pasado mes de junio fue presentado oficialmente el single “Portal to Cassiopeia” del genial artista español Carlos Martín Cuevas aka C. Pilgrim, y alma mater de Aphelion Psalm. Publicado en una autoedición en formato digital disponible a través de la página oficial de Aphelion Psalm en Bandcamp, en la nota informativa incluida en esta edición promocional física, el propio artista comenta que este single ya está en proceso de publicación en una próxima edición limitada en cassette a través de un sello discográfico underground. La presencia del mítico astrónomo, astrofísico, y divulgador científico estadounidense Carl Sagan (1934-1996) en el libreto de este single, y que tanto influyó en mi generación a la hora de comprender la inmensidad del universo y de la fragilidad de nuestro planeta y de nuestra civilización humana a través de su famosa serie de televisión Cosmos, de su enciclopedia homónima de tres tomos (publicada por Planeta en el año 1987, cuya edición atesoro en mi biblioteca), y de varios libros, junto a esta magnífica imagen de portada crean la presentación perfecta para describir la fuente de inspiración principal de esta obra musical a nivel visual. El single “Portal to Cassiopeia” de diecisiete minutos de duración, en realidad se encuentra vertebrado por cuatro piezas musicales enlazadas en un continuo bajo la influencia conceptual del estilo dark ambient fusionado con space ambient, y con reminiscencias conceptuales enraizadas en la mítica Escuela de Berlín de la década de los setenta. Con el universo, con la mirada al cosmos convertida en fuente de inspiración para el artista español Carlos Martín Cuevas, la audición de “Portal to Cassiopeia” fascinará al melómano lector de Lux Atenea que busca en la música esa expansión sensorial a través de composiciones sonoras de vanguardia. Un debut artístico contundente y esplendoroso por su riqueza en matices sonoros, y por su eclecticismo conceptual.

Sin más demora, iniciamos la audición del single “Portal to Cassiopeia” adentrándonos en la expansión dimensional que caracteriza al primer fragmento del tema homónimo titulado “Opening of the Portal”. Una estructura multicapa donde el drone y los planos sonoros electrónicos van adquiriendo luminosidad sobre un fondo oscuro perfilado conceptualmente en clave dark ambient, y con vibrantes oleadas musicales cuya presencia va tomando mayor protagonismo según nos sumergimos en estos confines difusos e inescrutables. Luego, “Opening of the Portal” irá apagándose de forma progresiva para que la siguiente pieza musical “Ten-thousand-year Cryosleep” nos lleve a un escenario mucho más intenso y radiante donde la Escuela de Berlín está presente como base conceptual de esta composición. Cromatismos sonoros sintetizados creando ambiente, melodías electrónicas casi etéreas fluyendo con absoluta libertad y viveza, planos sonoros experimentales recreando visiones futuras donde ojos humanos verán por primera vez la magnificencia del universo, todo ello configurando un estilo space ambient con pinceladas high-tech ambient que encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea por su belleza artística. Si te gusta la Escuela de Berlín, “Ten-thousand-year Cryosleep” te hipnotizará con su esplendorosa riqueza sonora donde los matices son los que llevan a esta composición hasta la vanguardia en este siglo XXI. En manos del artista español Carlos Martín Cuevas, todo queda equilibrado e intenso, con raíces conceptuales y con el magnetismo de lo innovador también presente con sutileza, mostrando una maestría en su tempo y en su arquitectura musical que sorprenden al ser su ópera prima como Aphelion Psalm, y este savoir faire les invitará a repetir su audición varias veces para disfrutar sus matices musicales, antes de pasar a la siguiente composición. ¡¡¡“Ten-thousand-year Cryosleep”, la mítica Escuela de Berlín llevada conceptualmente al siglo XXI!!!

El siguiente fragmento musical titulado “Antimatter Void Abyss” va a adquirir una personalidad sonora definida por sus claroscuros melódicos que oscilarán dentro de los límites conceptuales del dark ambient con el ambient, y con el drone en tonos graves llevando a este entorno a una fría oscuridad mucho más profunda, paralizando su tempo de forma progresiva hasta conducirnos a un escenario minimal con base drone. Toda la actividad quedará sostenida únicamente por el drone, quedando en su trasfondo este plano sonoro que preparará mentalmente al melómano lector de Lux Atenea para la llegada de la composición “At the Gates of Alpha Cassiopeia”, que clausurará este single. Retornando a lo radiante pero de forma contenida, como la observación de un foco intenso de luz desde la distancia, ya de entrada va a ir complementándose esta estructura musical hasta quedar fijada con solidez como un mosaico sonoro ya terminado. Una eclosión que será el germen de algo nuevo, de algo buscado, de algo anhelado, como una llegada al Paraíso, de ahí este grandioso final del tema donde el space ambient vuelve a brillar con grandeza bajo la atenta mirada de C. Pilgrim. Un final que te deja con la miel en los labios, porque desearías que esta composición siguiera fascinándote durante más tiempo con su audición. Diecisiete minutos que se presentan como un placentero vórtice sonoro en tu vida cotidiana para llevarte a otra realidad mucho más colosal e inabarcable. Un vórtice sonoro capaz de trasladarte a otro lejano lugar de nuestro universo. “Portal to Cassiopeia”, extraordinaria ópera prima de Aphelion Psalm cuya calidad musical, deseo que sea la semilla creativa de un próximo álbum en vista al gran talento artístico mostrado en esta obra. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PHILEAS FOGG “ALLESMUSSSEINENDEFINDEN” (SCHÖNE PLATTEN RECORDS, abril 2025) (Reseña / Review #2268).

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Reseña Cultural nº: 2268 // Reseña Musical nº: 1455

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la banda musical alemana Phileas Fogg por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Salz // 2- Vorbei // 3- Augen // 4- Regen // 5- Hafen // 6- Kometengift // 7- Meinerfundenesland // 8- Belegt // 9- Küssen // 10- Häutung
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Salz // 5- Hafen //6- Kometengift // 7- Meinerfundenesland // 8- Belegt // 9- Küssen

A principios del pasado mes de abril, la banda musical alemana Phileas Fogg presentó oficialmente su nuevo álbum “Allesmussseinendefinden” (“Todo debe llegar a su fin”) a través de su propio sello Schöne Platten Records, estando disponible a través de la propia página oficial en Bandcamp de Phileas Fogg en formato digital, en una edición limitada de 200 unidades en vinilo LP 12”, y en una preciosa edición de 100 unidades en LP 12” en vinilo violeta transparente. Engalanado con esta obscura imagen de portada de trasfondo mortuorio, su plasticidad abstracta es perfecta para reflejar en esta imagen precisamente el dinamismo conceptual de Phileas Fogg en este álbum. Formado por Andreas Mäule (guitarra y voz), Fabian Baumgartner (guitarra), y Nicholas Karidis (bajo), el álbum “Allesmussseinendefinden” es una deslumbrante inmersión en la esencia de la escena post-punk y darkwave alemana cuya vitalidad artística no ha dejado de decaer desde principios de este siglo, cuando la escena alemana marcaba parámetros creativos de primer nivel en la década de los noventa, apoyada en una industrial musical underground que era valorada a nivel mundial por su diversidad y por su apuesta firme por el talento innovador. En 2025, la autoedición es casi obligatoria si un artista o banda musical no desea perder su alma creativa, y el álbum “Allesmussseinendefinden” ha aparecido para marcar nuevas fronteras en la composición a través de temas deslumbrantes por su radiante sangre sonora. Vertebrado por diez extraordinarios temas, presenta una perspectiva conceptual con raíces, con fundamentos sólidos asentados, y con una pasión interpretativa que se transmite claramente desde el primer tema. Como analista musical, hacia muchos años que no disfrutaba un álbum musical alemán actual compuesto con tanto talento, convirtiendo el análisis del álbum “Allesmussseinendefinden” en una experiencia personal muy especial por su obscuro encanto. Por supuesto, recomiendo la adquisición de cualquiera de sus dos magníficas ediciones en vinilo para poder sentir estos temas en su plenitud sonora, porque el vinilo es un formato único.

Iniciamos la audición de este extraordinario álbum sumergiéndonos en la insatisfacción existencial que proyecta el primer tema “Salz”, quedando perfilado a nivel musical con esta entrada para bajo donde su tempo se prolonga en esta composición como un latido vital, entrando la melódica guitarra y la tensión del registro vocal con esa reflexión y esa mirada cargada de intrascendencia. Deseoso de cortar radicalmente con ello, el final abrupto de la canción es perfecto. Como los melómanos lectores de Lux Atenea pueden comprobar, estamos ante la actualización innovadora del post-punk alemán que deslumbró en la década de los noventa, pero llevado a otra dimensión conceptual mucho más avanzada, y que va a brillar con intensidad artística en cada uno de estos temas para convertir su audición en una experiencia musical potente y profunda. Tras el magnífico tema “Salz”, “Vorbei” tendrá ese halo romántico decimonónico del epílogo, del final, de la vela apagándose, encontrando el título de este álbum en su lírica. “Vorbei” es expansivo, es el estallido de luz antes de la Nada, destacando la guitarra en su estructura instrumental acompañada sútilmente con pinceladas electrónicas que ofrecen un aire sonoro más creativo. Desembocando rápidamente en el tema “Augen”, lo pasional se respira desde el primer segundo, siendo todo emociones, sensaciones, deseos, pasión, y leña y fuego para arder en la hoguera en medio de la noche. Sus planos melódicos son clave en la magnífica estructura musical de esta canción, y tan concentrada con un intenso perfume destinado a embriagar desde la primera toma de contacto sensorial, emanando esa búsqueda de complicidad y de ceremonial donde fundirse en el calor más intenso. Y todo con una sola mirada como desencadenante. Lo contrario aparecerá en el tema “Regen” donde todo son sueños, fantasías existenciales, pensamientos en una realidad no asumida por la crisis existencial que conlleva, quedando fielmente recreado a nivel musical con estos planos sonoros electrónicos y estas bases rítmicas de los cuales emana ese alejamiento absoluto del doloroso presente. “Regen” rompe con la dinámica conceptual post-punk para seducirnos con este estilo darkwave del siglo XXI, luminoso en su radiante sonoridad y dinámico en su evolución artística. Con el tema “Hafen” fijándonos mentalmente en lo estático como parada vital, aquí la mirada y la mente quedan concentradas para el desvelo al alejarse de la loca carrera cotidiana de la vida. En este sentido, el tema “Hafen” te fascina al haber sabido reflejar esa atmósfera de quietud y de calma tan necesarias para poder alcanzar esos momentos trascendentes. Con su plano vocal interpretado de forma extraordinaria, toda la estructura instrumental de esta canción es excelsa, fluyendo con una belleza sonora que les seducirá desde lo más profundo de su alma. ¡¡¡“Hafen”, joya musical!!!

El tema “Kometengift” será el reflejo musical de esta Alemania actual completamente desnortada en su presente y en su futuro, e incluiría en esa realidad a más de un país europeo viendo como sus fundamentos como Estado van disolviéndose como una pastilla efervescente en un vaso de agua, mientras la ciudadanía sigue entretenida gastando el dinero comprando y viendo contenidos audiovisuales de todo tipo. La entrada musical electrónica del tema “Kometengift” es perfecta como alarma en un presente que huele a decadencia y a colapso futuro, siendo la lírica interpretada con esta voz sintetizada como la mejor forma de mandar ese mensaje frío y calculador de quienes están interesados en la sombra en provocar este hundimiento. Con un impactante estilo electrodark fundamentando su perspectiva conceptual, “Kometengift” encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena. Luego, la inmersión en el Idealismo aparecerá en el tema “Meinerfundenesland”, convirtiendo las emociones y los sentimientos en esa llama vital imposible de apagar en el interior hasta el día de la muerte, deseando que el cuerpo quede enterrado en esa tierra tan amada. “Meinerfundenesland” es la canción más pasional de este álbum, y su encanto artístico tiene ese trasfondo que lleva al melómano a conectar con su mensaje con esas emociones conectadas con su inconsciente. La melancólica obscuridad latirá en el tema “Belegt”, y con este melódico plano instrumental para sintetizador que fue una de las marcas sonoras clásicas en la década de los ochenta dentro de la escena gótica, siendo el resto de la estructura musical propia de esta época hasta quedar remarcada esta canción de manera muy especial en este álbum. “Küssen” es la luna, la noche, las nubes, y esos besos sentidos como esencia de vida y viendo ya los ojos de la Dama Muerte sobre nosotros. Esencia de vida, línea melódica instrumental para bajo, y la noche recreada con maestría con estas evanescentes melodías electrónicas, quedando la guitarra como fuego vital aún activo en el presente. El tema “Küssen” es una auténtica delicia, repitiendo su audición varias veces antes de llegar a la clausura con “Häutung”, el tema más potente y contundente para poner el punto y final a este apasionante viaje artístico. “Allesmussseinendefinden”, desde la ciudad de Stuttgart, grandioso álbum musical compuesto por Phileas Fogg para revitalizar la escena alemana a nivel conceptual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SATARAY “EDAX SOLIS” (AUTOEDITADO, abril 2025) (Reseña / Review #2267).

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Reseña Cultural nº: 2267 // Reseña Musical nº: 1454

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la genial artista estadounidense Katrina Ellison (Sataray) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Solar Inviction // 2- Transmissions // 3- Black River Part 1 // 4- The Poisonous Vine // 5- Black River Part 2 // 6- Chrysalis
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Sataray; álbum masterizado por Casey Jones
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena dark ambient y ritual ambient

A finales del pasado mes de abril fue presentado el nuevo álbum “Edax Solis” de la genial artista estadounidense Katrina Ellison, alma mater de Sataray. Publicado en formato digital, el álbum “Edax Solis” se encuentra disponible a través de la página oficial de Sataray en Bandcamp, habiendo sido engalanado por la propia artista con esta siniestra portada. A nivel visual, el título del álbum (“Edax Solis”, “devorador del Sol”) ha quedado fielmente representado con esta tenebrosa y poderosa presencia casi oculta en la obscuridad, y con el Sol débilmente iluminado en la parte superior. Conceptualmente, la artista estadounidense Katrina Ellison vuelve a mostrarnos otra nueva inmersión en la vanguardia dentro de la escena dark ambient y ritual ambient, vertebrando este nuevo álbum con seis impresionantes temas donde el talento en la composición deslumbrará al melómano lector de Lux Atenea deseoso de sentir innovación y virtuosismo musical. Seis temas de fuerte impacto sonoro por su definición artística tan obscura, realzando siniestros planos sonoros que marcan la diferencia, ya que presentan perspectivas conceptuales pioneras en estructuras musicales virtuosamente construidas. Tras haber pasado por el proceso técnico de masterización sonora realizado por Casey Jones, la audición del álbum “Edax Solis” les hará disfrutar de una nueva mirada creativa dentro del estilo dark ambient y ritual ambient que atrae irresistiblemente por su belleza y por su trasfondo siniestro, llevando de nuevo a Sataray hasta la vanguardia musical más relevante. Con la presentación del álbum “Edax Solis”, la genial artista estadounidense Katrina Ellison sigue dando continuidad a su evolución conceptual con un despliegue de talento que les impresionará por su maestría alcanzada a lo largo de todos estos años, desde la aparición de su mítico álbum de debut “Nocturnum” (2018), ya reseñado en Lux Atenea.

Iniciamos la audición de esta magna obra musical adentrándonos en el tema “Solar Inviction” con su solemnidad trágica, y la presencia tenebrosa de esta entidad de amenazante espectro por su trasfondo demoníaco. La aparición de este plano melódico sacro que retumba en el entorno como la omnipresencia de un ser ultraterreno en sus dominios, nos llevará del dark ambient al ritual ambient con una aparición de lo mágico que sobrecoge por su realismo y por este impulso de dominio donde el tiempo no existe, siendo factor de tragedia. Con una fantasmagórica coral proyectando estos aires de lamento en su crudeza espiritual más profunda, “Solar Inviction” llegará a su final con la misma atracción artística del final de un acto en una ópera dramática. Una primera toma de contacto con el álbum “Edax Solis” que provocará que los melómanos lectores de Lux Atenea ya sepan que están ante una grandiosa obra donde la experiencia musical va a ser inolvidable. El tema “Transmissions” surgirá con un siniestro velo sonoro cuyas vibraciones retumban en tan obscuro escenario, y que se volverá espeluznante tras la aparición de este plano vocal procedente de otro mundo. Una entrada espectacular que aumentará su perspectiva creativa innovadora con la entrada de un plano melódico, configurando esta invocación en lenguaje musical donde el ritual ambient es perfecto a nivel conceptual para recrear su trasfondo esotérico. Sobrenatural hasta en su modulación vocal, el tema “Transmissions” evolucionará hacia esa luz mística propia de Oriente Medio cuyo poder adquiere una relevancia espiritual imposible de entender sin el Conocimiento. Una cara obscura del Misticismo que, en esta impresionante composición, se manifiesta en clave sonora con una belleza y una perspectiva innovadora dentro de la escena ritual ambient que les fascinará, repitiendo su audición varias veces más por el embrujo artístico que es capaz de crear. ¡¡¡“Transmissions”, excelso tema!!! Conduciéndonos hasta “Black River Part 1”, la manifestación de lo tenebroso se hará más contundente y dramática hasta convertir su omnipresente vibración en anticipo sonoro de lo trágico. Planos sonoros que se elevan como estandartes de poder que avisan del entorno agreste y peligroso en el cual nos adentramos, y siniestras oleadas sonoras unidas al plano vocal ceremonial creando un conjunto musical espectacular. Con un final del tema que es pura vanguardia conceptual, la esencia pionera en la composición que Sataray nos muestra aquí, convierte a “Black River Part 1” en una siniestra delicatessen para los melómanos más oscuros.

El tema “The Poisonous Vine” aparecerá mucho más solemne y calmado en su inicio que, como una lenta bruma, expandirá lo mágico y ritual a través de la invocación, apareciendo esos poderes ultraterrenos en respuesta a la llamada, a la conexión más allá del tiempo, a esa realidad perfectamente comprendida por el alma y absolutamente velada al pensamiento racional. “The Poisonous Vine” posee esa atmósfera mágica de lo arcano, del Conocimiento legado por entidades en el pasado remoto que el ser humano no ha llegado del todo a comprender en su más amplia influencia y en el trasfondo de sus consecuencias, hasta que ya es demasiado tarde. Una ambientación tenebrosa que tiene esa aura cercana a la eternidad, rompiendo esquemas mentales en lo humano. Posteriormente, en el tema “Black River Part 2” recorreremos otro páramo emocional donde los sentidos son engañados, confundidos, manipulados, por las entidades superiores que crearon ese mundo. Sublime en su magnificencia sonora, y terriblemente siniestro en su configuración musical, el tema “Black River Part 2” sobrecoge por esa frialdad emocional que proyecta, no encontrando calidez alguna en este escenario porque lo humano es un ser extraño en un entorno hostil a su presencia, salvo para su alma. Con la entrada de cromatismos sonoros experimentales en la estructura musical, “Black River Part 2” es una nueva demostración del virtuoso talento en la composición mostrado por la genial artista estadounidense Katrina Ellison, llevando al álbum “Edax Solis” hasta la primera línea de vanguardia dentro de la escena dark ambient y ritual ambient por méritos propios. Una contundente consolidación de su maestría artística y de su pasión por la obra musical a través de la búsqueda de nuevas expresiones sonoras que detallen el mensaje en la composición, invitando a repetir su audición para poder desvelar su esencia musical plena. Clausurando este álbum abriendo los espacios y subiendo la intensidad de luz, el tema “Chrysalis” rompe todos los límites para dar paso a una renovación, a una evolución, a una transformación total, emanando de esta perspectiva esotérica ese poder que provoca la renovación que conduce a un plano de consciencia más elevado. Y cuando se asienta con firmeza, el pasado es visto como algo obsoleto, primitivo, que encadenaba, y lleno de prejuicios y errores existenciales que hacían más densa y pesada al alma. Un ritual ceremonial de liberación que quiebra lo obsoleto para dar paso a lo superior. “Edax Solis”, Sataray consolidando su proyecto musical con esta obra maestra de vanguardia dentro de la escena dark ambient y ritual ambient más actual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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SATARAY «NOCTURNUM» (AUTOEDITADO, octubre 2018) (leer reseña)
“NACIMIENTO Y RENACIMIENTO, el significado de la iniciación en la cultura humana”, MIRCEA ELIADE (leer reseña)
“MITOS, RITOS Y SÍMBOLOS”, JEAN HANI (leer reseña)
ELIPHAS LEVI “LA CLAVE DE LOS MISTERIOS” (leer reseña)
“GURDJIEFF. CAMINO A LA INICIACIÓN”, NORA SABATER (leer reseña)
“ALQUIMIA Y MÍSTICA. EL MUSEO HERMÉTICO”, ALEXANDER ROOB (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ARSHAN NAJAFI “IMAGINARY CRISIS” (AUTOEDITADO, diciembre 2024) (Reseña / Review #2261).

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Reseña Cultural nº: 2261 // Reseña Musical nº: 1448

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista iraní Arshan Najafi por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Sine-Tom // 2- Breath, Whistle and Wind // 3- Dangling Santour // 4- Visual Soundscapes // 5- Dotted Pink // 6- Strangled Piano // 7- Kamancheh on Noise
Datos técnicos: Temas musicales grabados por Arshan Najafi
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena experimental adelantada a su tiempo

A finales del mes de diciembre del pasado año 2024, el polifacético artista multidisciplinar iraní Arshan Najafi presentó su álbum de debut titulado “Imaginary Crisis”. Publicado en formato digital a través de su propia página oficial en Bandcamp, el álbum “Imaginary Crisis” ha sido engalanado con este elegante diseño creado por Roya Nouri basado en el arte fotográfico de Arshan Najafi. Sobre fondo oscuro, la luz, la armonía, y el equilibrio estético confluyen visualmente en su portada para fascinarnos con su belleza estética. A nivel musical, el joven artista iraní Arshan Najafi proyecta una creatividad sonora muy especial que sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea afín a las corrientes de vanguardia más deslumbrantes. Vertebrado por siete temas impresionantes, durante su audición se siente claramente el amplio espectro artístico desarrollado por Arshan Najafi tanto a nivel de performance, de transgresión conceptual, y de exploración sonora dentro de la música experimental, intuyéndose en estas composiciones hasta su faceta literaria como poeta por la línea de armonía presente en sus estructuras musicales, incluso en las más extremas. Como opera prima, el álbum “Imaginary Crisis” presenta los aires creativos del pionero con talento iluminando la obra con brillantez, e irradiando ese trasfondo artístico donde la exploración sonora dentro de la música concreta es desvelo. Conceptualmente ecléctico, hasta la electroacústica está presente a través de una proyección que sorprende por su experta definición sonora, pero estamos hablando de un artista de veintitrés años. Talento en estado puro, y todo inmortalizado en el álbum “Imaginary Crisis” para engrandecer la escena underground iraní de vanguardia.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta grandiosa obra musical adentrándonos en el tema “Sine-Tom” y esta atmósfera sonora experimental donde la electroacústica fluye, realza, amplía su estructura con una riqueza de matices musicales incomparable. En manos de Arshan Najafi, sumergirnos en el tema “Sine-Tom” es entrar en otra dimensión conceptual cuya complejidad sonora obligará al melómano lector de Lux Atenea a repetir varias veces su audición para poder descubrir sus matices, y este proceso de varias audiciones del tema se mantendrá hasta el final del álbum. Incluso, pinceladas instrumentales aparecerán para lanzar destellos en la composición y fijar nuestra atención, ampliando nuestros sentidos hasta estimular nuestra mente con la vanguardia artística más relevante. ¡¡¡“Sine-Tom”, delicatessen musical!!! A continuación, el tema “Breath, Whistle and Wind” presentará otra perspectiva sonora completamente distinta, acercándose a estructuras conceptuales más cercanas al post-industrial, al minimalismo, y a una avanzada perspectiva dentro de la música ambient que se hace presente en algunos de sus planos sonoros. Derivando hacia escenarios cercanos al dark ambient, el tema “Breath, Whistle and Wind” te envuelve, rompe cualquier perspectiva artística que tuvieras en mente, y esta ruptura llegará de forma radical en la parte final de la composición. Una dimensión espacial cuya inmensidad amplificará la sensibilidad del melómano, sobre todo, si disfruta este álbum en el silencio de la noche. ¡¡¡“Breath, Whistle and Wind”, la irresistible seducción del eclecticismo musical!!! Con el tema “Dangling Santour” consolidando una base sonora minimalista y obscura, sus afilados cromatismos sonoros aparecerán para quebrar, para separar, para marcar lo físico con su acción, dando continuidad a una actividad que trata de proyectarse en un entorno frío y desangelado. Matices sonoros propios del post-industrial aparecerán para romper esquemas artísticos que pudieran intuirse, porque Arshan Najafi sabe cómo sorprender, cómo mantener el equilibrio musical incluso en una estructura experimental donde el santur pierde su alma melódica para adentrarse en terrenos conceptuales más propios del dark ambient y del noise. En una performance, el tema “Dangling Santour” tiene que ser espectacular.

Aparecerá el tema “Visual Soundscapes” con el sonido de las olas llegando a la orilla, estableciendo un cíclico tempo en su estructura sobre la cual irán apareciendo vibrantes pinceladas sonoras, además de planos musicales industriales de tempo secuencial que terminan ahogando el tempo inicial del tema, llevando todo a una tenebrosa obscuridad. Este nuevo tempo sonoro lo resetea, y todo cambiará a nivel conceptual para fascinarnos con este minimalismo de corte experimental que te atrae por el calmado halo que irradia. Incluso, cuando aparezcan frecuencias sonoras propias del noise más depurado y elegante para adueñarse del tema, la sensación en la cual permanecerá el melómano lector de Lux Atenea le provocará esa mezcla de hedonismo individualista ante el nuevo descubrimiento artístico, y esa sensación extraña que eleva la mente para llevarla al ingrávido limbo. ¡¡¡“Visual Soundscapes”, impresionante!!! Conduciéndonos hasta el tema “Dotted Pink”, la inquietud surgirá desde el primer segundo a pesar de su título. Porque “Dotted Pink” hace hincapié en lo vibrante, en sus diferentes manifestaciones sonoras, orquestado Arshan Najafi esta delicada y cristalina composición que, siendo disruptiva a nivel conceptual, muta constantemente sin perder su belleza musical. Una antesala artística espectacular para luego disfrutar el tema “Strangled Piano” con un nivel de sensibilidad mucho más alto. “Strangled Piano” desarrolla una estructura inicial marcada por la pérdida del alma melódica del piano, quedando lo instrumental completamente alejado de la armonía para abrir su espectro dimensional a otra clase de sonidos muy alejados de su raíz. Todo ello integrado posteriormente con planos sonoros experimentales sobre fondo obscuro, convierten a “Strangled Piano” en el más siniestro de este álbum con diferencia. Como banda sonora de una tenebrosa escena en una película de terror, el tema “Strangled Piano” amplificaría su impacto emocional considerablemente hasta llevarlo a lo extremo. ¡¡¡“Strangled Piano”, excelsa composición con un final espectacular!!! El tema “Kamancheh on Noise” clausurará esta obra maestra musical a través de una estructura sonora basada en lo afilado, en lo cortante, en lo hiriente, llevando lo instrumental enfocado en el kamanché a su perfilamiento conceptual noise. Pero “Kamancheh on Noise” oscila entre lo industrial y el noise en un tenso desarrollo musical que llega incluso a presentar un escenario fantasmagórico. Todo en “Kamancheh on Noise” adquiere una obscuridad tan impactante como una terrible psicofonía grabada en una mansión abandonada. “Imaginary Crisis”, esplendoroso álbum de debut del artista Arshan Najafi para llevar a la música experimental iraní hasta la primera línea de vanguardia a nivel internacional. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
VARIOUS ARTISTS “VISIONS OF DARKNESS (IN IRANIAN CONTEMPORARY MUSIC): VOLUME II” (COLD SPRING RECORDS / UNEXPLAINED SOUNDS, julio 2022) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MAHA PRALAYA “THE FLAME IN THE SKULL” (AUTOEDITADO, noviembre 2024) (Reseña / Review #2257).

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Reseña Cultural nº: 2257 // Reseña Musical nº: 1444

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al talentoso dúo musical ruso Maha Pralaya por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- The Flame in the Skull
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- The Flame in the Skull

Los melómanos lectores de Lux Atenea ya conocen mi pasión por las obras artísticas del dúo musical ruso Maha Pralaya, algunos de cuyos álbumes ya he reseñado en este blog cultural y existencial. Ahondando en esta profundización en sus avanzados conceptos sonoros dentro del estilo ritual ambient, además de su trasfondo esotérico de corte chamánico, como analista musical creo que su espectacular álbum “The Flame in the Skull” se convertirá en una de las audiciones que más les sorprenderá y les fascinará. Concebida por Maha Pralaya junto al bailarín Nemo Butoh como banda sonora de su obra “Butoh”, en su definición artística, el álbum “The Flame in the Skull” se presenta esplendoroso, mágico, solemne, y espectacular en su interpretación y desarrollo, quedando destacada como una de las obras musicales más sobresalientes de Maha Pralaya. Presentado oficialmente en el mes de noviembre del pasado año 2024 en una autoedición en formato digital, disponible en la página oficial de Maha Pralaya en Bandcamp, este álbum ha sido engalanado con un impactante diseño de portada de intensos colores donde el color rojo es ineludible por la presencia del fuego en su título, habiendo quedado como imagen principal, la obra de los maestros talladores de colmillos de mamut, los artistas Artyukhov. Una conexión con lo ancestral, con lo artesano, con la tradición, y con ese trasfondo esotérico y místico que se pierde en pasado más remoto. Por este motivo, el estilo ritual ambient de Maha Pralaya a la hora de componer estas grandiosas obras musicales queda especialmente destacado en su álbum “The Flame in the Skull” por su belleza, por su perspectiva conceptual, y por este sentido del equilibrio sonoro con esencia mística. Sin duda alguna, “The Flame in the Skull” será uno de los álbumes que más veces disfruten a lo largo de los años si sienten la música ritual ambient en profundidad y con sensibilidad musical, porque tiene esa alma sonora que perdura pasen los años que pasen. Brillantez instrumental en su interpretación y mirada artística donde la experiencia musical es un don, convierten al álbum “The Flame in the Skull” es una auténtica delicia para quienes aman lo espiritual.

Iniciamos la atenta audición del álbum “The Flame in the Skull” de treinta minutos de duración, sumergiéndonos en esta atmósfera sonora marcada por las iridiscencias, los tintineos, y estos instrumentos de viento que evocan la entrada de lo sobrenatural y de esas energías provenientes de otro mundo. Con estas fuerzas desatadas, la flauta revela y señala la danza simbólica y metafórica del ritual configurado metódicamente en lo ceremonial, y mientras la obscuridad mística lo rodea todo salvo el centro. Un eje en torno al cual va a expandirse lo sagrado, permaneciendo el centro como generador de esas ondas energéticas que son emanadas para transformarlo todo. La entrada de lo sobrenatural detalladamente recreado a nivel instrumental por Maha Pralaya en esta fase de la composición, adquiere una belleza siniestra espectacular, quedando definida a nivel sonoro con una complejidad artística que te envuelve y te fascina a pesar de la obscuridad que proyecta. A partir de aquí, “The Flame in the Skull” mostrará al melómano lector de Lux Atenea este estilo ritual ambient de vanguardia donde cada plano instrumental tiene un significado claro en esta representación mística, evolucionando como un ritual sagrado donde paso a paso van abriéndose las dimensiones, emanando energías, manifestándose las presencias, y fluyendo todo con un sentido espiritual profundo por su raíz chamánica, de ahí el uso de instrumentos específicos dedicados a estas ceremonias mágicas. Con lo sobrenatural creando esta ambientación fantasmagórica, la entrada de instrumentos de percusión consolidará y estabilizará esta nueva realidad donde todo lo cotidiano y lo humano se desdibujan, apareciendo esa realidad superior que suele estar oculta, pero omnipresente en el destino.

Derivando hacia una estructura musical mucho más solemne tras la aparición de nuevo de las iridiscencias cristalinas que vuelven a romper el velo que oculta lo divino, los instrumentos de percusión verán amplificados sus sonoridades acercándose al melómano lector de Lux Atenea durante la audición, mientras lo mágico fluye en lo alto. Con los sentidos sensibilizados al máximo, “The Flame in the Skull” va a adquirir otra dimensión sonora donde su evanescencia transforma esta atmósfera en esa languidez sagrada unida lo divino, porque el tiempo comienza a disolverse. Y en este estado, la mente se expande, los sentidos elevan su alerta a los matices sonoros e instrumentales que aparecen en esta composición musical, convirtiendo su audición en una auténtica delicia para quienes buscan experimentar sensaciones profundas con el arte musical. Luego, Maha Pralaya reordenará toda la estructura multicapa para hacerla más fluida, más ligera, y mucho más siniestra, proyectando estas presencias inquietantes en la oscuridad que no tienen nada que ver con lo humano. Pinceladas melódicas oscilantes, vibrantes pasajes instrumentales, sonidos selénicos propios de lo mágico, van a apoderarse de este escenario en una recreación musical espectacular que provocará en el melómano, su más sincera admiración hacia el talento y la pasión interpretativa de Maha Pralaya en este álbum. Conduciéndonos hacia espacios más amplios donde la oscuridad sigue apoderándose del entorno, este plano melódico centrará toda nuestra atención hasta que todo desemboque en el sonido del gong como magnífica forma de anunciar su clausura en clave esotérica. “The Flame in the Skull”, el sublime arte del dúo musical ruso Maha Pralaya puliendo sonoramente este álbum grandioso en su concepto, y espectacular en su interpretación. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
MAHA PRALAYA “SAMADHI” (AUTOEDITADO, diciembre 2024) (leer reseña)
MAHA PRALAYA “Śūnyatā” (AUTOEDITADO, diciembre 2021) (leer reseña)
MAHA PRALAYA “BON” (AUTOEDITADO, junio 2017) (leer reseña)
VARIOUS ARTISTS “RITUALS FROM THE ANCIENT WORLD” (OMINOUS SOUNDS, febrero 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THUNRAZ “INCINERATION DAY” (AUTOEDITADO, noviembre 2024) (Reseña / Review #2237).

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Reseña Cultural nº: 2237 // Reseña Musical nº: 1424

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Quiero dar las gracias al genial artista estonio Madis Jalakas (Thunraz) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Tyrant // 2- Compactor // 3- Fragile Automata // 4- Incinerator // 5- The Day After // 6- Eastern Promises // 7- Spiritual Self-Surgery
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna Obra Musical dentro de la escena death metal

Dentro de la escena metal más innovadora, la banda musical estonia Thunraz está destacando especialmente dentro del estilo death metal con sus propuestas musicales experimentales que expanden fronteras conceptuales. Una pasión artística donde las llamas de la creatividad rompen barreras para ampliar límites sonoros y presentar nuevas estructuras musicales, dando forma a composiciones espectaculares en su definición instrumental, en su lírica existencialmente reveladora, y en su trasfondo inspirador. A finales del mes de noviembre del pasado año 2024, Thunraz presentó su nuevo álbum “Incineration Day” en una autoedición publicada en formato digital y en un impactante CD, ambos disponibles a través de su página oficial en Bandcamp. Engalanado con una portada espectacular creada por Madis Jalakas, como analista cultural creo que no podía haber elegido una portada mejor porque, visualmente, en esta imagen ha quedado muy bien definido el trasfondo latente en el nuevo álbum de Thunraz: la maldición divina que padecen las personas más brillantes y cultas en este mundo. Como si fuera una tragedia griega donde los dioses maldicen, atacan, y acaban con los seres humanos más extraordinarios, así de contundente y reflexiva se presentarán la esencia musical y el trasfondo del álbum “Incineration Day” a los melómanos lectores de Lux Atenea apasionadamente entregados a los frutos musicales más relevantes de la escena metal. Formado por Madis Jalakas (vocalista y guitarras) y Sean Rehmer (batería), en los siete temas que vertebran el álbum “Incineration Day” podrán disfrutar de este estilo experimental death metal absolutamente innovador que te sorprende y fascina por sus destellos musicales pioneros admirablemente interpretados. Unas composiciones marcadas por sus estructuras sonoras únicas, estableciéndose diferencias artísticas muy claras entre cada uno de los temas como principio creativo de composición, y donde la lírica fluye en perfecta armonía con la base instrumental para potenciar aún más la crudeza de su mensaje. Y es que todo en el álbum “Incineration Day” es espectacular, adquiriendo una sonoridad perfecta para poder sentir cada una de estas líricas en su dimensión musical más sobresaliente.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en la potente intensidad musical del primer tema “Tyrant”, demostrándonos Madis Jalakas ya de entrada con su voz que, en este álbum, no va a haber tregua alguna ni decoración moral alguna. Solamente la ácida y corrosiva verdad existente en este mundo al que algunos llaman vida, y al que tanto se aferran los más primarios en cuando a su plano existencial. Y es que la lírica de “Tyrant” es desoladora pero realista, quedando impecablemente definida a nivel instrumental mientras la batería dirigida inteligentemente por Sean Rehmer va marcando el peso de su trasfondo. Una densidad instrumental y una evolución melódica acompañando la salvaje voz de Madis Jalakas, y con su guitarra eléctrica serrando implacablemente cada arista de felicidad en este mundo. ¡¡¡“Tyrant”, brutal!!! A continuación, el tema “Compactor” proyectará un escenario humano desangelado que choca frontalmente con el mensaje de grandeza de la civilización, presentando la fragilidad y la esencia de maldad que define a lo humano mientras se creen dioses en un planeta cada vez más degradado. En este sentido, la lírica es afilada pero con fundamento en su trasfondo, tirando abajo el dorado tótem erigido por el ser humano a sí mismo. Con una estructura musical explosiva desde su inicio, en su evolución sonora destaca de manera especial estas oleadas instrumentales donde la guitarra eléctrica se libera de todas sus cadenas y limitaciones conceptuales para abrir estos espectros sonoros brillantes en su definición e interpretación. Con pasajes musicales experimentales que fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea, el tema “Compactor” va conformando este eclecticismo en su estructura instrumental e, incluso, vocal, hasta quedar remarcada esta canción dentro del álbum de manera muy especial. Si tienen alguna duda, escúchenlo, disfrútenlo.

“Fragile Automata” es un tema que me ha fascinado por la belleza siniestra de su lírica, estableciendo esa unión entre la sangre y la vida, y entre su derramamiento en este mundo como sacrificio del extraordinario, de quienes destacan por encima del resto, porque el populacho quiere ver sufrir a los que vuelan más alto ya que ellos no tienen alas, y los que intentaron tenerlas cayeron inexorablemente a la tierra como Ícaro. A nivel musical, “Fragile Automata” es esplendorosamente obscuro, presentando en su inicio esta entrada instrumental donde la batería ya marca indeleblemente la base rítmica del tema, entrando guitarra y voz con la fuerza de la tormenta enviada por lo divino para arrasar con todo. De ahí su tempo más calmado que en los temas anteriores, recreando el firme impulso del Mal cuando desea destruir y acabar con aquello que lo supera, con aquello que le hace sentir inferior. Luego, el tema “Incinerator” traerá consigo estos vientos apocalípticos donde la muerte es tomada como liberación de este infierno terrenal. Un exterminio de la vida que es sentida como luz por quienes padecen, y que es temida por los adoradores del Mal porque se les acaba el tiempo de existencia sobre la faz de la tierra. Por este motivo, “Incinerator” es un tema que les pasará por encima con su rodillo mortal ya que la vida es aplastada debajo de forma inmisericorde. Un torbellino sonoro donde el death metal adquiere una brillantez interpretativa colosal gracias a sus destellos vocales e instrumentales de vanguardia, transformando lo experimental en una revitalización conceptual sublime. ¡¡¡“Incinerator”, demoledor!!!

La composición instrumental “The Day After” para guitarra será la antesala perfecta del tema “Eastern Promises”, perfilando melódicamente ese amanecer post-apocalíptico donde lo humano ha sido silenciado definitivamente, teniendo la atmósfera esa luz tan especial cuando ha sido limpiada a nivel energético. El tema “Eastern Promises” es la crónica de esta tierra convertida en infierno por el ser humano mientras cree que está construyendo el Paraíso. Un horizonte interminable de dolor y tragedia que ha de asumirse desde que abrimos los ojos, porque aquí no hay esperanza ni piedad, sólo una jungla salvaje donde sobrevive no el más válido e inteligente, sino el más bárbaro y cruel. Y los bárbaros y crueles tienen miedo a los cultos, a quienes tienen experiencia, a quienes poseen Sabiduría, porque a ellos no los puede engañar, dominar, o subyugar, y temen que puedan provocar que el resto de mortales despierten. “Eastern Promises” aparecerá con esta afilada entrada instrumental, entrando voz y batería con una ferocidad arrasadora, para luego mutar el plano vocal hacia valles sonoros más suavizados que, poco a poco, volverán a latir con violento impulso. En estos valles musicales, batería y guitarra van perfilando una base musical donde los matices vendrán dados por esta guitarra absolutamente libre en su evolución y transformación sonora. Con rugidos vocales casi ceremoniales, la ralentización del tempo de la composición nos llevará a un epílogo sonoro ideal para resaltar al tema “Spiritual Self-Surgery”, encargado de extender el telón de clausura de este álbum. Como un mantra, una sola frase sintetiza su mensaje lírico: “you don’t know where i’ve been”. De nuevo, con la batería marcando el comienzo de este tema, el de mayor duración de todo el álbum, su esencia musical adquiere una solemnidad ritual absolutamente sobrecogedora cuya tensión ambiental es mantenida por esta rugiente guitarra. Con la voz de Madis Jalakas desarrollando este colosal despliegue interpretativo, aquí lo autodestructivo terminará derivando en autoconocimiento a través del dolor como vía de desvelo de una realidad… absolutamente cruda. “Spiritual Self-Surgery” es ese desasosiego que destapa la realidad, y que evita el seductor hechizo de quienes tratan de manipular creando falsas expectativas materiales y/o espirituales en este mundo. Un caminar existencial propio del ermitaño que, en soledad, asume que ha de sufrir y padecer para poder encontrar esa luz llamada Verdad. “Incineration Day”, la deslumbrante creatividad musical de la banda musical estonia Thunraz dentro de la escena death metal, vuelve a traernos otra joya discográfica destinada a ser sentida en su más siniestro esplendor sonoro in aeternum. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MAHA PRALAYA “SAMADHI” (AUTOEDITADO, diciembre 2024) (Reseña / Review #2230).

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Reseña Cultural nº: 2230 // Reseña Musical nº: 1417

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Quiero dar las gracias al dúo musical ruso Maha Pralaya por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Samadhi
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Obra Maestra Musical dentro de la escena ritual ambient

El pasado día 1 de diciembre fue presentado oficialmente este espectacular álbum musical en directo dentro de la escena ritual ambient, protagonizado por el dúo musical ruso Maha Pralaya. El álbum “Samadhi” impresionará profundamente al melómano lector de Lux Atenea afín a las corrientes musicales de carácter místico, conduciéndole a esta envolvente atmósfera sonora oriental inspirada en el estado de consciencia mística homónima donde la mente del individuo se expande a lo universal, a lo divino, a través de la meditación. Autopublicado por Maha Pralaya en formato digital, el álbum “Samadhi” se encuentra disponible en su página oficial en Bandcamp, habiendo sido engalanado visualmente con esta representación instrumental de cuencos tibetanos y gong como fondo, configurando una imagen cuyo reflejo visual está inspirado en este directo musical de orientación espiritual y trascendente. En Lux Atenea ya conocen con sumo detalle el arte musical desarrollado por Maha Pralaya tras los álbumes que he venido reseñando, siendo siempre todo un placer el poder escuchar, analizar y disfrutar estos ambientes sonoros tan embriagadores a nivel espiritual, llevándote a otros estados mentales absolutamente expansivos o que incitan a la reflexión y al equilibrio interior. En este sentido artístico, Maha Pralaya es todo un lujo musical dentro de la escena ritual ambient actual, y cuyos álbumes que encanta disfrutar de forma asidua. Además, en el álbum “Samadhi” podrán descubrir la verdadera esencia artística de Maha Pralaya porque atesora en su interior la autenticidad de su música interpretada en directo. Un arte musical que va mucho más allá de lo artístico precisamente por su trasfondo trascendente y espiritual de carácter místico, y esta esencia sonora se siente, te expande mentalmente, y te lleva a ese estado espiritual íntimamente relacionado con la Meditación. Por esta razón, el álbum “Samadhi” es mucho más que un álbum precisamente por esta cualidad artística donde música y Misticismo oriental se funden en un Todo trascendente. ¡¡¡Qué lujo sonoro en los tiempos actuales!!! Sobre todo viviendo en esta sociedad postmoderna del siglo XXI tan materialista, tan nihilista, tan artificial, tan intrascendente. El álbum “Samadhi” es justo todo lo contrario… luz mística en esta densa oscuridad terrenal que nos toca vivir.

Sin más demora, iniciamos la audición de este espectacular álbum en directo adentrándonos en el tema homónimo, donde el ritual ambient comenzará rápidamente a seducirnos de forma espiritual con este agitado escenario sonoro. Pronto, iridiscencias instrumentales irán sumergiéndonos en otro estado de sensibilidad mientras vibrantes planos sonoros nos envuelven con su mágico halo. El álbum “Samadhi” nos abre su tesoro musical, mientras esta solemne atmósfera va poseyéndonos porque no habla a nuestra mente, sino a nuestra alma, y esta ansiada búsqueda de armonía va mucho más allá de nuestro fundamento existencial como seres humanos racionales. Este trasfondo místico tan profundo va sintiéndose con absoluta nitidez según vamos avanzando por este camino sonoro de desvelos espirituales y, melómanos lectores de Lux Atenea que practiquen la Meditación, quedarán fascinados con esta armonización musical desplegada para estimular a nuestro espíritu. Samadhi es clave como horizonte trascendente cuando en el pasado decidimos recorrer el difícil camino de lo místico ante la vacuidad existencial en la cual vivíamos, y que tantas insatisfacciones vitales nos provocaba. Y cuando se alcanza el estado de consciencia (samadhi) que une al alma con el universo creado por la Divinidad y con la propia Divinidad, su perfume espiritual se siente escuchando atentamente este grandioso álbum musical en directo. Una pasión interpretativa y un equilibrio sonoro que se mantiene de principio a fin durante su audición, porque Maha Pralaya tiene el virtuoso don de saber cómo recrear estos estados espirituales en sus temas musicales y, el álbum “Samadhi”, es la prueba más clara y evidente de su talento artístico de carácter místico oriental. Una entrada en otro estado de consciencia que, en este cierre de año, encantará a los melómanos que sienten estas fechas tan señaladas como un final de ciclo marcado por los doce meses del año, alejándose de celebraciones mundanas porque para ellos, estos días son momentos de reflexión y de análisis sobre lo que ha supuesto el año a punto de terminar. Un epílogo personal que será el comienzo del amanecer de un nuevo ciclo existencial con la llegada del nuevo año. Durante este periodo final del año, si desean disfrutar de un álbum musical que estimule esa reflexión y esa meditación sobre lo que han tenido de bueno y de malo estos doce meses a punto de acabar, y sobre en qué estado de consciencia espiritual se encuentran, en “Samadhi” encontrarán una obra inigualable dentro de esta escena. “Samadhi”, 50 minutos de culto artístico al estilo ritual ambient con trasfondo místico y trascendente, gracias a las virtuosas manos interpretativas del dúo musical ruso Maha Pralaya en directo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
MAHA PRALAYA “BON” (AUTOEDITADO, junio 2017) (leer reseña)
MAHA PRALAYA “Sunyata” (AUTOEDITADO, diciembre 2021) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

AUTUNNA ET SA ROSE “STALKER/ZONE” (AUTOEDITADO / EDERDISIA, diciembre 2023) (Reseña / Review #2201).

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Reseña Cultural nº: 2201 // Reseña Musical nº: 1389

Información Muy Importante / Very Important Information :
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Quiero dar las gracias al genial artista italiano Saverio Tesolato (Autunna Et Sa Rose) por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: CD en carpeta (edición no a la venta) (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Kresty // 2- Vintovka/Okno // 3- Myatezh pisatelya // 4- «Stoy!» // 5- Kolodets // 6- Tunnel/Myatezh professora // 7- Raskalyonnye ugli // 8- Ostanovka/Prorochestvo // 9- Myasorubka // 10- Dyuny // 11- Stikh // 12- Telefon // 13- Porog/Bomba // 14- Komnata
Datos técnicos: Temas musicales compuestos por Saverio Tesolato
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna Obra Musical dentro de la música contemporánea

El día 1 de diciembre del pasado año 2023, el genial artista italiano Saverio Tesolato presentó oficialmente su nuevo álbum “Stalker/Zone” como posible banda sonora psicológica de la película de culto “Stalker” (1979), rodada por el mítico director de cine ruso Andrej Tarkovskij. Alma mater de Autunna Et Sa Rose, Saverio Tesolato ha autopublicado este espectacular álbum en formato digital y en una preciosa edición limitada de 100 unidades en vinilo LP 12”, ambas disponibles a través de la página oficial de Autunna Et Sa Rose en Bandcamp. Engalanado con este impactante diseño donde lo visual se convierte en una metamorfosis física de la realidad llevada a otra dimensión, el álbum “Stalker/Zone” refleja fielmente en su diseño el espíritu creativo puro que ha fundamentado esta magna obra. A nivel musical, los catorce temas que vertebran este álbum se presentarán ante los melómanos lectores de Lux Atenea como una virtuosa demostración de maestría en la composición y de fértil estado de inspiración en el cual se ha encontrado el artista italiano Saverio Tesolato para dar forma musical a esta banda sonora de la película de culto “Stalker”. Por este motivo, durante su audición todo fluye con armonía y equilibrio, mientras un tema tras otro va revelando esos matices sonoros esenciales que dan sentido a este álbum absolutamente experimental en su concepto. Música y sentimientos, música y filosofía, música y arte cinematográfico, todo confluye de forma sonora en este nuevo álbum de Autunna Et Sa Rose que ha ser escuchado en su edición en vinilo LP 12” para poder sentirlo en todo su esplendor y en toda su riqueza sonora más precisa y auténtica.

Iniciamos la audición de esta magna obra sumergiéndonos en la tensa atmósfera sonora del primer tema “Kresty”, presentando esta fusión conceptual de música contemporánea y electrónica experimental para dar cuerpo sonoro a este entorno tétrico e inhóspito para lo humano. El tema “Kresty” perturba y, a su vez, condiciona al melómano al orientar sus sentidos hacia este entorno gris donde lo mortuorio está presente allá donde se mire. Posteriormente, el tema “Vintovka/Okno” va a mostrar elementos post-industriales en su definición instrumental para incrementar la tensión, integrándose totalmente en esta composición donde la música contemporánea domina conceptualmente hasta su quiebre estructural. En el tema “Myatezh pisatelya” va a adquirir un mayor protagonismo inicial lo post-industrial para luego dar paso a la música contemporánea basada en los instrumentos de cuerda, perfilando esta melodía triste y decadente que nos llevará hasta el tema “»Stoy!»”, mucho más experimental en su distorsionada perspectiva musical donde la sensación de vacío es absoluta y donde la acción es contemplada como acto rechazable. Tremendamente obscuro en su belleza, el tema “»Stoy!»” es hielo emocional lanzado para paralizar, para inmovilizar y, con ello, intentar parar la esencia principal de la vida. Todo lo contrario será el tema “Kolodets”, donde la esencia conceptual post-industrial marca su personalidad instrumental principal mientras el piano y los instrumentos de cuerda giran alrededor de este núcleo musical central como spins que nunca tocan el centro. Extremo en su composición, “Kolodets” es cortante y brusco en su evolución hasta quebrar lo inmutable, y esta rebeldía se siente desde el primer segundo. Volviendo a quedar invertidos en su valor conceptual, en “Tunnel/Myatezh professora”, la música contemporánea reclamará su espacio para presentar esta contundente demostración de tensión melódica que parece estar a punto de romper las cuerdas en esta interpretación tan violenta, apareciendo “Raskalyonnye ugli” con un espíritu experimental inicial que rápidamente derivará hacia su frontera con lo post-industrial, ofreciendo una actividad frenética a ráfagas como esas llamas que aparecen cuando al combustible sólido ardiendo se le aplica aire en compresión de forma cíclica.

Un nuevo cambio conceptual marcará al tema “Ostanovka/Prorochestvo”, donde la música contemporánea adquiere una definición musical más inquietante y fantasmagórica en su sonoridad envolvente, desarrollándose con matices instrumentales propios de lo experimental aún manteniendo su equilibrio melódico. Una dinámica musical que se mantendrá en el tema “Myasorubka” pero con una sorprendente cercanía emocional inicial que se verá totalmente rota, lanzando destellos sonoros afilados y desconcertantes en todas las direcciones hasta no dejar nada sin alterar o lacerar. Este quebranto estructural seguirá en el tema “Dyuny” dentro de una atmósfera irrespirable cercana a la Nada, y donde la soledad es absoluta porque la vida languidece en este entorno. El tema “Dyuny” es desolador, y “Stikh” llegará para tratar de dar calidez a este escenario sonoro situado en la intersección de la música contemporánea con el minimalismo y lo post-industrial. De tacto musical experimental donde la creatividad de Saverio Tesolato se encuentra en su máxima expresión dentro de este álbum, el tema “Stikh” sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea afín a la vanguardia más actual. Luego, toda la actividad y toda la tensión de desbordará en el tema “Telefon”, adquiriendo cromatismos sonoros casi orgánicos que mutarán hacia lo degradante y lo supraterrenal, quedando algo más calmado en “Porog/Bomba” a pesar de sus adrenalínicas fases de actividad sonora situadas dentro de un plano más bajo, más terrenal. También experimental en su dimensionamiento instrumental y sonoro, “Porog/Bomba” es denso y pesado, alejándose completamente de lo supraterrenal que definía a “Telefon”. Con el tema “Komnata” clausurando esta magna obra, la sensación de estancamiento irá ampliándose hasta cubrir cada rincón de este escenario, transmitiendo esa perspectiva existencial limitada en cuyo orden se trata de buscar equilibrio emocional. “Stalker/Zone”, grandioso álbum de Autunna Et Sa Rose dentro de la escena conceptual perteneciente a la música contemporánea. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otros álbumes reseñados:

  • AUTUNNA ET SA ROSE “PHALÈNE D´ONYX” (ARK RECORDS, 2012) (leer reseña)
  • AUTUNNA ET SA ROSE “ENTRELACS DU RÊVE” (ATMOSPHERE RECORDS, noviembre 2017) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

AS IF “SEEKER” (AUTOEDITADO, junio 2024) (Reseña / Review #2199).

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Reseña Cultural nº: 2199 // Reseña Musical nº: 1387

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Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista japonés Toshiyuki Hiraoka (As If) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Seeker // 2- Evening Sun // 3- Peace & Nothing // 4- Waterfowl Fight // 5- Immoral Society // 6- Master and Servant // 7- Psychological Distress // 8- M.L.
Datos técnicos: Temas musicales compuestos entre los meses de abril y junio de 2024; mezclados y masterizados por Toshiyuki Hiraoka
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Evening Sun // 4- Waterfowl Fight // 6- Master and Servant // 7- Psychological Distress

El dúo musical formado por los artistas japoneses Hiroo Chubachi y Toshiyuki Hiraoka no deja de sorprendernos en cada nuevo álbum, y el pasado día 14 de junio presentaron oficialmente esta autoedición en formato digital disponible en la página oficial de Toshiyuki Hiraoka en Bandcamp. El álbum “Seeker” ha sido engalanado con una sorprendente portada diseñada por Toshiyuki Hiraoka donde lo inquietante viene definido por la aparente alegría, por las actitudes proactivas, y, sobre todo, por este trasfondo psicopático reflejado en la repetición. Hasta los colores son inquietantes, transmitiendo una uniformidad que provoca repulsión mental. Vertebrado por ocho temas masterizados por Toshiyuki Hiraoka, el álbum “Seeker” presenta un alma creativa absolutamente ecléctica donde los estilos rock, indie, doom… siempre tienen esencia conceptual experimental, y estas características sonoras atraerán a los melómanos lectores de Lux Atenea que se alejan completamente de los convencionalismos musicales. Una libertad creativa y una entrega artística absoluta a la búsqueda de planos sonoros melódicos que hacen de la audición del álbum “Seeker” algo muy especial porque presenta otra mirada artística dentro de esta apasionante escena. Matices musicales, cambios de estilo dentro del mismo tema, cromatismos sonoros luminosos, todo en este álbum suena nuevo, pionero, auténtico y radiante en su interpretación, y por este motivo lo he seleccionado como obra musical a reseñar en Lux Atenea.

Iniciamos la audición de esta extraordinaria obra musical adentrándonos en vibrante tema “Seeker”, donde bajo y guitarra eléctrica perfilan esta estructura conceptual rock con reminiscencias estadounidenses por su luminosidad sonora. Pero “Seeker” no es un tema lineal, ya que posee un espíritu experimental que sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea por sus valles musicales, pinceladas melódicas, y sus pasajes electrónicos obscuros situados sutilmente como trasfondo. Enlazando inmediatamente con el intenso tema “Evening Sun”, del estilo estadounidense pasaremos a este rock indie e incluso crooner si tuviera plano musical lírico. Una libertad creativa dentro del rock que hará hincapié en la melodía como base artística, pudiendo convertirse perfectamente en el opening de una serie de televisión o de un anime de culto. Y es que la capacidad artística del dúo japonés As If para abrir espacios sonoros dentro del rock es admirable, y su talento para embellecer sus temas con pasajes melódicos es su maestría musical. Así lo podrán comprobar fielmente en el tema “Peace & Nothing” con su potencia instrumental tan expansiva, incorporando por primera vez un plano vocal establecido como coro, mientras toda la estructura va mutando radicalmente dentro de una perspectiva musical oriental donde la entrega interpretativa a la experimentación es absoluta y sin limitarse a conceptos preestablecidos. Esto se ve claramente en el tema “Waterfowl Fight”, radicalmente distinto en su eje conceptual al adentrarse en terrenos musicales doom mucho más obscuros y pesados, quedando marcado su tempo con una firmeza y una esencia inalterable en su consolidación instrumental que fascinará a los melómanos afines a la belleza siniestra, presentando incluso este torbellino sonoro arrasador en su parte final potenciado por el bajo. ¡¡¡“Waterfowl Fight”, impresionante!!!

El tema “Immoral Society” nos llevará de nuevo a un escenario musical luminoso en línea con la dinámica sonora del primer tema del álbum, creando instrumentalmente el bajo toda esta base musical sobre la cual fluye el enérgico plano melódico para guitarra. Añadiendo un plano melódico electrónico para teclado que inicialmente irá por libre, su integración definitiva en la estructura musical principal ampliará la intensidad sonora del tema hasta saturar todos los espacios, y hasta secuencias melódicas con reminiscencias batcave aparecerán para sorprendernos. Posteriormente, el tema “Master and Servant” surgirá con texturas sonoras más angostas y decadentes, proyectando una atmósfera artística con tendencia al hundimiento musical. En “Master and Servant” si que va a aparecer el plano lírico y vocal que caracteriza a una canción, pero aquí todo es armonioso, fluyendo suave y lentamente como una calurosa tarde de verano. El grandioso tema “Master and Servant” tiene magia, tiene ese encanto musical especial que lo diferencia del resto de temas de este álbum por su personalidad artística, e incluso los planos melódicos electrónicos en su parte final resaltan por su lánguida belleza. ¡¡¡“Master and Servant”, una auténtica delicia musical!!! Y cuando “Psychological Distress” vuelva a reconducir la atmósfera sonora, su deriva conceptual nos llevará a perfiles obscuros y fantasmagóricos mucho más cercanos a la escena gótica, aunque todo el tema tendría que ser mucho más tenebroso para poder formar parte de ese siniestro estilo. Finalmente, el tema “M.L.” clausurará este álbum con una atmósfera urbana y cosmopolita donde los grandes edificios, los reflejos de la luz del sol en los cristales, y la incesante actividad, impulsan a mantener el ritmo de lo cotidiano como eje vital y como perspectiva existencial puntualmente condicionada por el nihilismo. “Seeker”, luminosidad melódica, experimentación musical, y eclecticismo conceptual compuesto por el dúo musical japonés As If con absoluta libertad creativa. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.