JAGATH “SVAPNA” (COLD SPRING RECORDS, octubre 2022) (Reseña / Review #1812).

Posted on 15 noviembre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1812 // Reseña Musical nº: 1327

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico COLD SPRING RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Prabodhan (Exhortation) // 2- Svapna (Dream) // 3- Vyayana (Separation) // 4- Unmada (Obsession)
Datos técnicos: Temas musicales grabados en el mes de enero del año 2021; álbum masterizado en el mes de abril de 2022 por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena industrial y ritual

El nuevo álbum “Svapna” de la banda musical rusa Jagath vuelve a presentarse con un potente impulso sonoro transgresor, a través de esta grabación de sus temas concebidos como performance realizadas en construcciones abandonadas o en desuso. Una fusión conceptual del estilo industrial con el ritual ambient, dark ambient, postindustrial, y la música experimental, adquiriendo este impactante perfilamiento sonoro que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea por su esencia innovadora y proyectando estos aires de vanguardia conceptual donde los espacios, los ecos, la sonoridad instrumental, la lírica ceremonial, y la estructuración musical recrean fielmente su mensaje inspirador. Una construcción abandonada como axis artístico, el virtuosismo creativo de este grupo musical fluyendo, la interpretación de la performance elevada al plano ritual de la decadencia humana, y la música como hilo conductor emocional, dan sentido y trasfondo al álbum “Svapna” para ampliar las fronteras conceptuales de la escena industrial en esta década de los veinte del siglo XXI. Presentado oficialmente a principios del pasado mes de octubre a través del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en un precioso digipak CD de seis paneles, “Svapna” ha sido engalanado visualmente por Abby Helasdottir con esta atrayente portada de estética siniestra donde la cálida luz artificial amplifica el obscuro impacto emocional que proyectan estas estructuras desangeladas y opresivas que parecen que van a colapsar. En este nuevo álbum, Jagath está formado a nivel artístico por Gregory Skvortsov, Ftor Nik, Nikt, Cornelia Platonova, Anna Belikh, Ekaterina Korneeva, y Arti Petros, habiendo grabado estos temas en el mes de enero del año 2021 tras ser concretados musicalmente por Gregory Skvortsov, para luego quedar definitivamente pulidos con absoluta maestría a nivel técnico en el mes de abril de 2022 por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido). Un equilibrio sonoro perfecto y una dimensión espacial de estas estructuras musicales a través de la masterización más armoniosa que se pueda alcanzar en estos momentos dentro de la escena non-mainstream, como los melómanos ya conocen y valoran cada vez que un álbum musical pasa por las hábiles y virtuosas manos técnicas de Martin Bowes. Por este motivo, la atenta escucha de cada uno de estos temas les dejará sobrecogidos por su realismo ambiental y por su sonoridad natural que, cerrando los ojos, parece que estuviéramos presentes en estas impactantes performance rituales de Jagath.

Iniciamos la audición de esta grandiosa obra musical adentrándonos en el tema “Prabodhan (Exhortation)” donde las iridiscencias se presentan como alteración sensitiva de la realidad orientada interesadamente a la manipulación, y con los ecos de su plano lírico interpretado con este armonioso registro femenino en clave ethereal sirviendo de contraste entre lo proclamado y difundido respecto a la cruda realidad recreada sonoramente a través del industrial. Instrumental y conceptualmente, en este tema, Jagath llega a entrar en perfilamientos sonoros propios del postindustrial hasta cruzar ese abanico artístico para desembocar en la música experimental, sobre todo a nivel de percusión. Posteriormente, todo quedará perfectamente asentado en esta estructura para dar paso a un estilo ritual ambient potente que mentalmente te hechiza, y donde resalta especialmente el protagonismo melódico de la flauta como guía y transmisor de esta realidad humana alterada intencionadamente. Una vez presentado este plano ritual, el siguiente tema “Svapna (Dream)” va a profundizar y ampliar esos límites conceptuales para recrear lo onírico como puerta a otra realidad no tan lejana del sentido de la vida del ser humano condicionado por su perspectiva particular de lo real. Además, “Svapna (Dream)” deslumbrará al melómano lector de Lux Atenea por esta virtuosa integración del ritual ambient con el dark ambient, mientras lo industrial da solidez sonora a toda la estructura musical. Una complejidad en su definición conceptual al alcance de muy pocos artistas y grupos musicales en la actualidad, y que, en este tema se manifiesta de forma contundente, excelsa, y emocionalmente arrolladora. ¡¡¡“Svapna (Dream)”, brutal!!!

Posteriormente, el tema “Vyayana (Separation)” quebrará toda la dinámica ambiental anterior en la cual nos habíamos sumergido para redefinir esta inmersión sonora de vanguardia. “Vyayana (Separation)” transmite equilibrio y poder a través de iridiscencias sonoras que expanden la armonía, y que confluyen en esa mirada a la vida y a la existencia desde un plano superior pero no divino, sino terrestre. Con una estructura musical donde quedan interconectados a nivel conceptual el ambient con lo experimental, y el postindustrial con lo ethereal, todo en “Vyayana (Separation)” es vanguardia, radiante vanguardia donde permanecer flotando como en un reino de Hades evanescente y perenne en su esencia sonora. ¡¡¡“Vyayana (Separation)”, impresionante!!! Llegando a la parte final de este álbum, el tema “Unmada (Obsession)” extenderá el telón de clausura con esta fantasmagórica entrada musical donde la pérdida del norte existencial, donde el lamento del alma, y donde el caos y la crisis interior alteran de forma tensa y violenta este escenario al borde del colapso. Grietas sonoras rompiendo los pilares estructurales de esta composición para conducir su esencia postindustrial a otro plano creativo y emocional mucho más profundo e impactante. “Svapna”, desde la ciudad rusa de Perm, la creación musical integrada con la performance adquiere esta dimensión sonora industrial de vanguardia cuyo trasfondo es la deshumanización y la pérdida de la espiritualidad latente en la actualidad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MASCHINENZIMMER 412 (MZ. 412) “MALFEITOR” (COLD SPRING RECORDS, noviembre 2022) (Reseña / Review #1804).

Posted on 12 noviembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1804 // Reseña Musical nº: 1325

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico británico COLD SPRING RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Virus // 2- Malfeitor // 3- The Death Of Lasarus // 4- Cold Face // 5- Auguste Piccards Nightmare // 6- Introspektion // 7- Public Worship // 8- Ecaf Dloc II // 9- Still…
Datos técnicos: Temas musicales grabados en Musikfront en el mes de septiembre del año 1989 y mezclados por Anti-Klan en RM Studio; álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en el mítico The Cage Studios (Coventry, Reino Unido); nuevo master de Henrik Nordvargr Bjorkk en el mes de enero del año 2022
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena black industrial

Gracias a la admirable labor discográfica que viene realizando el prestigioso sello británico Cold Spring Records, estas joyas musicales están volviendo a estar de actualidad tanto por la calidad sonora tan espectacular que presentan, como por su esencia artística adelantada a su tiempo que, en 2022, sigue proyectando esta dimensión conceptual de vanguardia. Formado por Henrik Nordvargr Björkk, Jouni Ulvtharm Ollila, and Leif Holm, el grupo musical sueco Maschinenzimmer 412 (MZ. 412) vio publicado su álbum “Malfeitor” por primera vez en el año 1989 a través del legendario sello discográfico sueco Cold Meat Industry en una edición limitada de 700 unidades en vinilo LP 12”, siendo re-editado posteriormente en digipak CD (2000 unidades) en 2001. El pasado viernes, día 4 de noviembre, este excelso álbum ha vuelto a renacer tras haber sido publicado por el prestigioso sello discográfico británico Cold Spring Records por primera vez en formato digital, y en una lujosa edición en digipak CD ya disponible en su webstore y en la página oficial del sello en Bandcamp. En esta nueva edición discográfica, los melómanos lectores de Lux Atenea comprobarán cómo el álbum “Malfeitor” suena espectacular tras esta magnífica unión del trabajo técnico de masterización realizado por el maestro Martin Bowes en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), y este nuevo master presentado por Henrik Nordvargr Björkk (MZ. 412) en el mes de enero de este mismo año. Una nueva edición discográfica engalanada con este impactante diseño creado por Abby Helasdottir, cuyo impacto visual viene marcado por su trasfondo espiritual pagano de siniestra estética y por el vínculo que establece con lo ritual donde el entorno natural se presenta misterioso, obscuro, y mágico. Todo un lujo discográfico.

Maschinenzimmer 412 (MZ. 412), como creadores del estilo musical black industrial, perfilaron y definieron un nuevo concepto sonoro donde la integración de la esencia black metal con lo industrial, fusionado conceptualmente con perfilamientos dark ambient y noise, a finales de la década de los ochenta supuso toda una revolución artística dentro de la escena musical non-mainstream más innovadora. Tras su ópera prima “Macht Durch Stimme” (ya reseñada en Lux Atenea tras la re-edición publicada por Cold Spring Records el pasado mes de agosto), “Malfeitor” cimentó musicalmente este nuevo black industrial tan siniestro como deslumbrante, llevando a Maschinenzimmer 412 (MZ. 412) a situarse en primera línea dentro de los artistas y grupos musicales de culto. “Malfeitor” finalmente quedaría como uno de sus ejes artísticos principales como referencia a la hora de poder sentir estas ideas musicales tan novedosas llevadas a espacios y dimensiones sonoras absolutamente inexploradas. Un espíritu pionero que aún hoy día sigue cautivándonos, y han pasado ya más de treinta años desde su primera presentación oficial, por este motivo Maschinenzimmer 412 (MZ. 412) es un grupo musical de culto cuyos seguidores siguen creciendo cada día en todo el mundo.

Sin más demora, iniciamos la audición de este mítico álbum adentrándonos en el tema “Virus”, cuya mecánica entrada sonora en clave industrial va adquiriendo un impulso denso y contundente mientras lo cíclico no hace más que transformarlo todo en algo inerte. Pero “Virus” es una composición que proyecta amenaza, que proyecta poder destructivo, y que transmite esa ausencia de emociones y de sentimientos que lo vuelve más demoníaco aún, expandiéndose sin nada pueda pararlo. Este trasfondo unido al Mal tendrá su continuidad en el tema “Malfeitor”, donde lo humano presenta su cara más obscura y degradada hasta adquirir la cortante mirada del depredador observando a su próxima presa. En “Malfeitor”, lo lírico es declamado con estos tonos infernales lanzados para helar el alma, amplificando el impacto sensorial de este tema orientado a la inmersión psíquica y al condicionamiento mental a través de lo siniestro. Un escenario sonoro lúgubre que, en “The Death Of Lasarus”, se vuelve tan mortuorio como el gélido halo de la ultratumba imposible de asimilar por lo vivo, quedando resaltado a nivel sonoro por estas potentes columnas musicales cayendo como demoníacos latigazos sobre la espalda del penitente encadenado. Aquí, ni siquiera la declamación lírica a través del registro vocal femenino suaviza el crudo impacto mental que irradia, fundiéndose el dolor con los instintos autodestructivos que a través del placer extremo tratan de alcanzar esa anhelada y momentánea muerte, aunque sea solamente por unos segundos. “The Death Of Lasarus” es tenso, lacerante, e inequívocamente mefistofélico en su dimensión báquica y en esta definición donde los deseos son degradaciones perversas de la jaula carnal. ¡¡¡“The Death Of Lasarus”, impresionante!!! Cuando el tema “Cold Face” aparezca, la dimensión sonora de esta estructura musical se presentará más eléctrica con descargas violentas que inspiran terror. Mucho más cercano en su proximidad dimensional al melómano durante su audición, aquí lo industrial adquiere esta renovada configuración conceptual de vanguardia hasta llevar a toda la estructura casi a lo minimalista en algunos momentos. Lo metálico y lo eléctrico manifestándose de forma brutal en este entorno degradado para la vida, pero perfecto para la expansión sin límites de lo físico y material.

Inspirado en la esencia poética de Peter Jackson, en el tema “Auguste Piccards Nightmare” se acelerará el tempo de la base rítmica hasta casi lo marcial, adquiriendo el trasfondo conceptual industrial estas características siniestras que definen al black industrial. Aquí, Maschinenzimmer 412 (MZ. 412) vuelven a demostrar su perspectiva creativa innovadora dentro de su nuevo estilo conceptual con absoluta contundencia y, como analista cultural, me sigue fascinando que este álbum tenga más de treinta años y continúe siendo tan transgresor y actual. Posteriormente, “Introspektion” nos llevará a este tormentoso escenario de donde emana la incertidumbre y la inquietud, volviéndose lo humano algo mecánico y frío a pesar de la tensión ambiental reinante. Todo en “Introspektion” subyuga, creando una atmósfera irrespirable donde la muerte es anhelada como vía de escape de este infierno. Siguiendo esta senda de degradación y deshumanización, el tema “Public Worship” presentará este virtuosismo conceptual de MZ. 412 a la hora de perfilar lo armonioso a nivel sonoro como una tenebrosa danza musical que te embruja, te atrae, y te devora. Una composición hipnótica donde lo industrial adquiere estos cromatismos psicodélicos, desembocando en estados alterados de consciencia que llevan a la pérdida del lugar de ubicación y al olvido del pasado. “Public Worship” es un siniestro reino de Hades industrial. A continuación, lo terrible se manifestará en el tema “Ecaf Dloc II”, que es la inversión del tema “Cold Face” tomada como fuente de inspiración. Una composición cortante y afilada que se mueve en el tiempo como una ruptura de lo físico, ya que es manifestación violenta del caos material provocado cuyo futuro ordenamiento creará la base de lo que será construido. Además, “Ecaf Dloc II” es un tema que incorpora esos perfilamientos sonoros noise que también engloba el black industrial, motivo por lo cual llevará al melómano lector de Lux Atenea a varias audiciones para poder extraer toda su esencia musical. Finalmente, la clausura de este álbum llegará con el tema “Still…” en clave musical electrónica y experimental, y dramático colapso. “Malfeitor”, el renacimiento discográfico de esta mítica joya musical gracias al prestigioso sello británico Cold Spring Records. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

COLOSSLOTH “PROMETHEAN MEAT” (COLD SPRING RECORDS, agosto 2022) (Reseña / Review #1614).

Posted on 31 agosto, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1614 // Reseña Musical nº: 1318

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico COLD SPRING RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Pain Is The Cleanser // 2- The Locus Trove // 3- Promethean Meat // 4- Homemaker // 5- Flowering Discipline // 6- Tethering The Constellation // 7- Drownsize // 8- Feigning Death Paves Our Path // 9- A Mother’s Arrow // 10- Dead Swan Song // 11- Personality Debris
Datos técnicos: Álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena industrial

El pasado día 19 de agosto, el talentoso artista británico Wooly Woolaston presentó oficialmente su nuevo álbum titulado “Promethean Meat”. Los melómanos lectores de Lux Atenea ya conocen el espíritu pionero de Wooly Woolaston, alma máter de Colossloth, ya que hasta el momento he publicado las reseñas de sus obras “Anchored By Lungs – EP” (Cold Spring Records, 2013) y “Plague Alone” (Cold Spring Records, 2020). En su nuevo álbum “Promethean Meat” vuelve a sorprendernos con este colosal despliegue de virtuosismo en la definición de estructuras musicales apoyadas conceptualmente en lo industrial, llevándolas hasta la vanguardia más innovadora dentro de esta escena tras haber integrado planos sonoros propios del noise, postindustrial, dark ambient, electrónica experimental extrema… Publicado por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD, el álbum “Promethean Meat” viene engalanado con este espectacular diseño creado por Abby Helasdottir, transmitiendo con su estética clásica el fundamento conceptual de esta nueva obra de Colossloth inspirada en la mitología griega, y en el cruel castigo del titán Prometeo condenado por Zeus por haber entregado el fuego a los seres humanos. Prometeo es encadenado al Caúcaso y, allí, ha de sufrir el dolor de ver cómo un águila llega cada día para devorar su hígado que, por la noche, se regenera ya que Prometeo es un ser inmortal. Día tras día, este titán va padeciendo su brutal castigo sin poder evitarlo. Por este motivo, los melómanos entenderán mucho más claramente el sentido y el trasfondo del mensaje de su portada al estar protagonizado por Prometeo y el águila devorando su hígado. Si también desean profundizar en el mensaje contenido en estas representaciones mitológicas llevadas al mundo del Arte, y con la Política y el Arte formando un todo, recomiendo la lectura de la reseña que publiqué sobre el catálogo oficial de la exposición “Las Furias: Alegoría Política y Desafío Artístico”, (Museo Nacional del Prado, Madrid, España, 21 de enero – 4 de mayo de 2014) porque Prometeo y el águila tuvieron un protagonismo muy especial. Además, publicaré la reseña actualizada sobre la magna obra “Prometeo Liberado” del ilustre maestro de la literatura romántica inglesa Percy Bysshe Shelley (1792-1822), que en este año 2022 se conmemora el Bicentenario de su fallecimiento.

Retornando al trasfondo mitológico de Prometeo, tiempo después es liberado por Heracles tras lanzar una de sus flechas al águila, y como Heracles se dirigía al Jardín de la Hespérides, Prometeo agradece su liberación diciéndole cómo puede hacerse con las manzanas doradas que allí había y que daban la inmortalidad. Los cultos lectores de Lux Atenea ya saben que Prometeo es todo un maestro para los engaños, y para idear argucias que le permitieran conseguir lo que quería aunque estuviera prohibido. El fuego, la inteligencia aplicada al engaño, el impulso irrefrenable de Conocimiento científico y sagrado, la pérdida de la inocencia que quita ese velo que impide entender este universo, el instinto ácrata de rebeldía alejado completamente de la sumisión que limita y esclaviza, las ansias de igualar a los dioses por parte de los seres humanos, el cuestionamiento de todo lo que se asienta en la fe o en el poder de la fuerza o en las leyes de la autoridad y no tiene una base racional y lógica… todo esto tiene su representación mitológica, simbólica, e iluminadora en la figura de Prometeo. En “Promethean Meat”, Wooly Woolaston transmite fielmente ese trasfondo existencial y esotérico en cada uno de los once temas que vertebran su grandioso álbum, los define musicalmente en clave industrial de vanguardia, y el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido) ha pulido este álbum en su masterización de forma impecable para que el melómano pueda sentir cada composición con este realismo espectacular. Cuando adquieran la edición discográfica original del álbum “Promethean Meat” quedarán impresionados, escuchándolo atentamente porque técnica y artísticamente es una auténtica delicatessen musical industrial.

Iniciamos la audición de esta magna obra directamente envueltos por la contundencia musical del tema “Pain Is The Cleanser”, presentándose este estilo industrial de vanguardia con una atmósfera brutal amplificada por pasajes sonoros situados en la frontera del noise, y donde el registro vocal femenino conmueve al ahondar en la transmisión del sufrimiento. Profundamente impactados, el tema “The Locus Trove” no hará más que realzar musicalmente lo metálico, lo cíclico, y el aire ácido y agreste de este entorno que huele a desolación, a sudor, y a ambiente cargado con esa desilusión deseosa de encontrar una luz de esperanza. En cambio, el tema “Promethean Meat” es conceptualmente ecléctico al incorporar a lo industrial estos cromatismos sonoros del postindustrial, estos afilados registros del noise, y esta densidad musical del dark ambient más radical y siniestro por su crudeza. Una admirable recreación artística de la pérdida de control del propio destino al quedar sobrepasado por los acontecimientos, e influenciado por hilos de poder situados fuera de alcance para poder liberarse. “Promethean Meat” es perfecto como antesala de la brutal contundencia sonora del tema “Homemaker”, mientras las salvajes oleadas industriales amplían su arco conceptual hasta romper en el acantilado artístico del noise para desbordar esta estructura musical con el poder de lo colosal. Unas descargas sonoras que crean pánico y angustia como si fuera el sonido de las sirenas alertando de una catástrofe inminente. El tema “Flowering Discipline” dará continuidad a esa densidad musical y a ese estado de alarma mientras lo colosal se manifiesta con lo inexorable, con la presencia dominante que exige sumisión, sometimiento, y obediencia. En “Flowering Discipline”, Wooly Woolaston proyecta sus avanzadas ideas artísticas dentro del industrial amalgamando planos sonoros en esta superestructura musical, haciéndose sublime en su proyección porque te paraliza y tremendamente siniestra por el aura que expande en este entorno.

El tema “Tethering The Constellation” calmará un poco esa tensión pero sin dejar de proyectar el instinto visceral que reclama poder, llevándonos a contemplar esta estructura sonora multicapa donde lo postindustrial termina dominando la composición en su tramo final. Ecos y planos sonoros retumbando en este espacio iluminado por la actividad incesante que paraliza el pensamiento, y que suele desembocar en el éxtasis manifestado en su aspecto más destructivo, caótico, y exultante. Ampliando el horizonte, el tema “Drownsize” nos hará retornar al estrés existencial del industrial para luego ir cerrando poco a poco este espacio, mientras los procesos activos van sucediéndose de forma imparable y sin atisbo alguno de lo emocional. “Drownsize” es muy crudo y extremo, acercándose esta brutal actividad a nosotros para traer consigo el dolor y el sufrimiento. Poniéndose en funcionamiento el instinto de supervivencia en el tema “Feigning Death Paves Our Path” a través del perfilamiento sonoro del engaño de lo aparente, y con Colossloth volviendo a ampliar las fronteras conceptuales del industrial con esta magna demostración de talento en la composición que nos llevará directamente hasta el tema “A Mother’s Arrow”. Aquí lo experimental se amalgama con lo postindustrial y el noise, acelerando esta composición musical hasta convertirse en un torbellino imparable capaz de cambiar todo lo que se ponga a su paso. “A Mother’s Arrow” transmite esa esencia conceptual del japanoise más extremo y radical, pero manteniendo cierta distancia sonora y dimensional con el melómano durante su audición, al contrario que el japanoise que suele acercar sus planos sonoros hasta desbordar psicológicamente al melómano con su impacto musical.

Tras la tormenta, en “Dead Swan Song” aparentemente llega la calma en esta composición musical de claro trasfondo esotérico, de ahí la presencia de estos pasajes sonoros etéreos que progresivamente irán diluyéndose ante la constancia sonora de sus planos industriales, y de su tenebroso trasfondo unido conceptualmente al dark ambient donde el drone es esencial en su nebulosa evolución. Si hubiera que poner banda sonora a la belleza siniestra para poder comprender su significado más profundo, el tema “Dead Swan Song” sería perfecto. Sin duda alguna, la joya de la corona de esta obra maestra. ¡¡¡Impresionante!!! Extendiendo el telón de clausura de este álbum, el tema “Personality Debris” nos recordará con este contundente despliegue musical que esta obra artística es extrema, y donde el japanoise vuelve a estar presente en su influencia artística. Un retorno sonoro a las fuentes conceptuales del tema “A Mother’s Arrow”, pero absolutamente japanoise en cuanto a la cercanía dimensional con el melómano durante su audición. Si Wooly Woolaston quería un epílogo sonoro que no dejara indiferente a sus fieles seguidores en cuanto a la perspectiva de vanguardia mostrada, “Personality Debris” es el epílogo ideal para este álbum. Después… el silencio. “Promethean Meat”, desde la ciudad inglesa de Leicester, Colossloth nos presenta esta obra maestra dentro de la escena musical industrial más ecléctica e innovadora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

WE BE ECHO “CEZA EVI – COMPLEAT EDITION” (COLD SPRING RECORDS, julio 2022) (Reseña / Review #1598).

Posted on 14 agosto, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1598 // Reseña Musical nº: 1312

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico COLD SPRING RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: CD 1: 1- Sexuality // 2- Punish You // 3- No Going Back // 4- Dawn // 5- Dull Day // 6- Cave Dweller // 7- Inside Life’s Wire (feat. Genesis P-Orridge, Iham) // 8- After The Battle // 9- Communication // 10- This Hour’s Mine // 11- I Want // 12- Breakdown // 13- Paranoia // 14- House Of Punishment // 15- Who You Are // 16- Bright Sheets // 17- I Do // 18- Thee Shout (feat. Iham)
CD 2: 1- Death Row // 2- A New Day // 3- I’m A Gambler // 4- It Was You // 5- Micro Penis // 6- Dirty Harry // 7- Survivalists II // 8- Knechtschaft // 9- Got You // 10- Manson // 11- Kick // Bonus Tracks: 12- Seven Seasons // 13- Loathing // 14- Breakdown Reprise
Datos técnicos: Temas musicales grabados entre los años 1980 y 1982, además de los temas extras grabados entre 1981 y 1983; álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido) para esta edición
Composiciones musicales que escucharás mil veces: CD 1: 1- Sexuality // 3- No Going Back // 4- Dawn // 5- Dull Day // 14- House Of Punishment // 15- Who You Are // 16- Bright Sheets
CD 2: 2- A New Day // 3- I’m A Gambler // 13- Loathing

El pasado día 1 de julio fue presentada oficialmente esta espectacular y lujosa re-edición de “Ceza Evi – Compleat Edition”, legendario álbum de debut de We Be Echo. Publicado originalmente en el año 1983 a través del mítico sello discográfico Cause For Concern de Larry Peterson, y meses más tarde en una nueva edición especial autopublicada en cassette, ese mismo año, el álbum “Ceza Evi” también fue incluido como extra en cassette en el número 5 del magazine underground Nanavesh, publicado por Dave Farmer a principios de la década de los ochenta en Reino Unido y en cuyas páginas se promovió la mítica obra artística de Psychic TV y Throbbing Gristle. Después, no será hasta el año 2020 donde este álbum es re-editado en Canadá en una edición limitada de 23 unidades en cassette, pero la edición más completa que se haya publicado hasta ahora es esta publicación discográfica del mítico sello británico Cold Spring Records presentada en formato digital y en esta preciosa edición en ecopak 2CD de seis paneles. Engalanado con este diseño creado por el propio artista Kevin Thorne, alma máter de We Be Echo, visualmente se presenta extremo y tenso a nivel cromático, y con una proyección estética claramente industrial al integrar esta fotografía de David Leadley incluida en la primera edición del álbum “Ceza Evi” en cassette. Obviamente, ahora con mucha más resolución. En esta ópera prima, Kevin Thorne además pudo contar con la colaboración del mítico y polifacético artista Genesis P-Orridge, pura vanguardia conceptual dentro de la escena industrial a través de Psychic TV y Throbbing Gristle, y con Dave Farmer aka Iham, editor de la revista Nanavesh. Esta re-edición del álbum en ecopak 2CD incluye en el primer CD los temas originales de la edición especial en cassette anteriormente mencionada en esta reseña, teniendo el segundo CD los temas originales de la primera edición en cassette junto a tres temas extras grabados entre el año 1981 y 1983 (“Seven Seasons”, “Loathing” y “Breakdown Reprise”).

De esta forma, los temas originales del álbum editado en cassette por el sello Cause For Concern que fueron grabados en el año 1980 son “No Going Back”, “Micropenis”, “Knechtschaft”, “I Want”, “Paranoia” y “Manson”; del año 1981 son “It Was You”, “Got You” y “Kick”; y del año 1982 son “Sexuality”, “Punish You”, “Death Row”, “A New Day”, “I’m A Gambler”, “Dirty Harry”, “Survivalists II”, “This Hour’s Mine” y “House Of Punishment”. Los otros temas musicales (“Dawn”, “Dull Day”, “Cave Dweller”, “Inside Life’s Wire”, “After The Battle”, “Communication”, “Breakdown”, “Who You Are”, “Bright Sheets”, “I Do” y “Thee Shout”) pertenecen a la edición especial en cassette autopublicada por We Go Echo en 1983. Y tras el impecable trabajo técnico de remasterización realizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido) para esta lujosa re-edición, los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena podrán disfrutar del mejor sonido que se haya escuchando nunca en este álbum, fluyendo el alma musical y conceptual de estos treinta y dos temas con una nitidez y una dimensión sonora que les impresionará, teniendo en cuenta que este álbum fue editado en cassettes a principios de la década de los ochenta. Un colosal trabajo de remasterización sonora digno del mayor de los elogios.

Iniciamos la audición del primer CD de esta magnífica re-edición discográfica en ecopak adentrándonos en su primer tema “Sexuality” a través de este tacto sonoro experimental, presentándose su personalidad instrumental electrónica con desarrollos secuenciales que aumentan las emociones más gélidas. Manteniendo esa base conceptual, el tema “Punish You” se volverá más incisivo y fluyendo con este inconfundible perfume artístico de la década de los ochenta, hasta que “No Going Back” nos haga sumergirnos en esta atmósfera tímida, reflexiva, e intimista que se irá volviendo psicótica y obscura en su parte final. Luego, “Dawn” aparecerá con esta base conceptual propia del dark ambient, atrayendo a la creciente luz sin perder su mágico halo hasta hacerse sublime. El estilo musical cambiará completamente en el tema “Dull Day”, proyectando un mayor impulso que incita al movimiento, a la actividad, al dinamismo, y que desembocará en un tema tan experimental como “Cave Dweller” para romper ese ciclo sonoro mediante la fractura estructural. En el tema “Inside Life’s Wire”, por la virtuosa mano artística de Genesis P-Orridge y el discreto protagonismo instrumental de Iham, la inmersión en escenarios musicales de vanguardia será absoluta con estos planos sonoros multicapa que te envuelven en su tormentoso caos, surgiendo “After The Battle” con esta contundencia musical pesada, potente, e industrial aunque aparezcan melodías instrumentales aparentemente inocentes. Dando continuidad a la perspectiva experimental, el tema “Communication” quedará fijado en lo abstracto, en lo estéticamente siniestro, en la atmósfera embrutecida y subyugante, y en este presente arcaico donde lo racional no existía. Lo brutal seguirá presente en el tema “This Hour’s Mine” para teñir esta estructura con lo violento, lo dominante, y lo visceral como si fuera la banda sonora de una performance propia del Accionismo Vienés, recomendando al culto lector de Lux Atenea la lectura del libro homónimo que publiqué sobre esta temática artística conceptualmente extrema.

Luego, retornaremos a cromatismos musicales de la escena underground de la década de los ochenta en el tema “I Want”, irradiándonos con esta fusión del incansable dinamismo cosmopolita con el instinto moderno en busca de sensaciones que estimulen al caprichoso Ego, siendo su sombra, el tema “Breakdown” al incorporar lo obscuro y decadente a su esencia urbana hasta incitar a lo etílico y al carpe diem en esta huida desesperada de la realidad. “Paranoia” hará hincapié en ello partiendo de una perspectiva individualista que ha perdido el norte en la vida, entremezclándose los sueños, la fantasía, los fracasos no asumidos, y la visión inmadura. De ahí que el tema “House Of Punishment” ahonde en lo doloroso y en lo trágico en esta auténtica delicatessen musical porque, para los melómanos con gustos góticos, escuchar el tema “House Of Punishment” será todo un placer sobre todo por la presencia de esta línea sonora de tonalidad grave y esta base rítmica sonando como latigazos. ¡¡¡“House Of Punishment”, espectacular!!! Lo siniestro también estará presente en el tema “Who You Are” para que la llama sonora gótica siga encantándonos y fascinándonos. Volviendo a estructuras musicales de carácter innovador, el tema “Bright Sheets” nos embrujará por su brillantez estructural cuya esencia ha inspirado a tantos artistas y bandas musicales desde entonces. En “Bright Sheets” tomarán consciencia del virtuosismo conceptual de We Be Echo en aquellos años, y cómo su perspectiva creativa sigue aún vigente dentro de esta escena. Lo inquietante y lo lóbrego decorarán la estructura musical del tema “I Do” como un mantra de autoconvencimiento para poder alcanzar lo inalcanzable, aquello que está fuera de nuestro radar pero se desea, quedando el tema “Thee Shout” como lánguida y tenebrosa clausura de este primer CD, y con la presencia artística de Iham para complementar su definición sonora.

Sin más demora, comenzaremos la audición del segundo CD con el tema “Death Row” en un tono socialmente crítico que desenmascara lo moderno en su cara más cruda e inhumana, destacando posteriormente el tema “A New Day” por este páramo desolado englobado conceptualmente dentro del estilo dark ambient. “A New Day” les sorprenderá por su hipnótica atmósfera sonora y por su trasfondo existencial de carácter esotérico porque este tema refleja esa iluminación, cambio, y transformación interior del ritual místico de muerte y resurrección. Dando un giro absoluto al estilo conceptual, en “I’m A Gambler”, el predominio musical de lo electrónico volverá a presentarse en este ambiente futurista donde la realidad es emocionalmente fría, donde los retos son constantes, y donde el riesgo es lo que llevará al éxito a pesar de las dificultades y de los errores cometidos. Inmersos en esta espiral, en el tema “It Was You” aparecerán estos claroscuros cotidianos donde lo luminoso y lo dramático no dejan de surgir en el presente humano. Sin líneas de separación claras, el Bien y el Mal se entremezclan mientras el tiempo sigue pasando y el dolor marca el paso de la vida en este mundo, teniendo a “Micro Penis” como reflejo simbólico del fracaso y de la imposibilidad física de cara a la sociedad moderna unida indisolublemente al disfrute carnal como leitmotiv existencial. El tema “Dirty Harry” profundizará en el contraste, en lo tenebroso, en lo sarcástico como trasfondo para representar la locura social del colectivo humano mucho más conectado con la enfermedad mental que con lo racional. Siguiendo esa misma senda pero en clave fanática aparecerá el tema “Survivalists II”, mostrándose como un alucinógeno mental donde lo apocalíptico, lo religioso, y lo egocéntrico dan cuerpo a este cóctel donde todo es llevado hasta la desesperación interior más irracional.

El fundamento conceptual industrial se volverá absolutamente descarnado en el tema “Knechtschaft”, sumergiéndonos en este escenario angustioso intencionadamente orientado a la sumisión y a la reprogramación psicológica en pro de la obediencia que, en el tema “Got You”, se transformará en dominio, en la pérdida del control del propio destino a través de la libre elección, y en la asimilación de ser un instrumento de los deseos ajenos a la propia voluntad. Siguiendo esta terrible senda de lo humano, la intensidad sonora del tema “Manson” se volverá posesiva, excéntrica, y con ese trasfondo mentalmente alterado que deforma la realidad bajo la influencia de los desvaríos psíquicos de la mente. Posteriormente, algunos destellos luminosos surgirán en el tema “Kick” sin perder lo emocionalmente gélido, ya que estas secuencias melódicas electrónicas sostienen toda su estructura musical a través de lo vaporoso y de lo inerte. Con “Seven Seasons” nos adentraremos en los temas extras incluidos en esta edición discográfica, convirtiendo a las bases rítmicas en los pilares sonoros de esta estructura musical mientras la lírica situada en un segundo plano hace acto de presencia tímidamente. Luego, el tema “Loathing” va a adquirir esta definición artística apoyada en los contrastes instrumentales hasta perfilar una magnética aura sonora que les fascinará, sobre todo por la influencia conceptual de la Escuela de Berlín presente en este tema. Como clausura, “Breakdown Reprise” nos ofrecerá esta versión para que cerremos la edición discográfica con este regusto musical a través del brillante estilo de composición del artista inglés Kevin Thorne. “Ceza Evi – Compleat Edition”, innovación y vanguardia conceptual creadas por We Be Echo a principios de la década de los ochenta para seguir hoy día cautivándonos. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LULL “MOMENTS” (COLD SPRING RECORDS, diciembre 2021) (Reseña / Review #1586).

Posted on 21 julio, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1586 // Reseña Musical nº: 1307

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico COLD SPRING RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1-100 Moment 1 to 100
Datos técnicos: Temas musicales creados y mezclado por Mick Harris en el mes de enero del año 1998; álbum masterizado por Bill Yurkiewicz y Dave Shirk en Sonorous Mastering, Inc. Durante el mes de febrero de 1998; álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido) para esta publicación discográfica en vinilo
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Composiciones musicales eclécticas de alma experimental

Desde el año 1992, a través de su proyecto musical Lull, el baterista inglés de Napalm Death Mike Harris ha ido experimentando con nuevas definiciones sonoras en cada uno de sus álbumes musicales. Los melómanos lectores de Lux Atenea han de tener en cuenta que los temas musicales del álbum “Moments” fueron creados y mezclados por Mick Harris en el mes de enero del año 1998, siendo presentado este álbum originalmente en CD en junio de ese mismo año a través del sello discográfico estadounidense Release Entertainment. Pero es en esta lujosa edición discográfica del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records donde alcanza su perfección sonora absoluta, tras haber pasado por las expertas manos técnicas del maestro Martin Bowes (Attrition) encargadas de su remasterización. En su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), Martin Bowes ha ido realzando la calidad sonora de cada una de estas composiciones musicales hasta transformar su audición en la más nítida y espectacular que se haya escuchado nunca anteriormente. De esta forma, cada una de estas cien composiciones muestra al melómano su esencia sonora y su fundamento conceptual en su registro musical idóneo, y esta virtud técnica unida a la calidad del registro sonoro del vinilo como formato discográfico convierten a esta edición en 2LP en una auténtica joya para melómanos y coleccionistas. Presentado oficialmente en el mes de diciembre del pasado año 2021, el álbum “Moments” ha sido publicado por primera vez en vinilo a través del sello Cold Spring Records en una edición limitada de 250 unidades en vinilo negro 2LP 12”, y una edición limitada de 500 unidades en vinilo marrón 2LP 12”. Habiendo respetado la estética de su portada original, además, el álbum “Moments” viene vertebrado por 100 composiciones (o momentos) al incluir el momento número 100 como extra en esta preciosa edición, por lo que es la más completa que se haya presentado de este álbum musical hasta el momento.

Conceptualmente, en el álbum “Moments” podrán disfrutar desde pasajes sonoros de drone englobados dentro del dark ambient (moment 1, 2, y 3), a cromatismos sonoros más industriales (moment 4, 5, y 6) que evolucionarán hacia escenarios minimalistas (moment 7, 8, y 9) donde la sensación de vacío es absoluta. Incluso situándose en la tenue frontera sonora del aislacionismo, Lull se adentra a explorar nuevos entornos sonoros partiendo del dark ambient (moment 10, 11, y 12) que lo vuelven todo siniestro y sepulcral, mientras se reconfigura en estructuras musicales más densas donde las fuerzas ctónicas se desatan (moment 13, 14, y 15). Apareciendo a continuación perfilamientos musicales experimentales de vanguardia (moment 16, 17, y 18), todo se vuelve angustioso y sofocante (moment 19, 20, y 21) hasta la llegada de esencias sonoras drone (moment 22, 23 y 24) que nos conducirán a esta atmósfera industrial (moment 25, 26, y 27). Retornando a la vacuidad (moment 28, 29 y 30), puntualmente se verá alterada por este dark ambient que se vuelve fantasmagórico con estas frecuencias sonoras (moment 31, 32 y 33), volviendo al vacío anterior (moments 34, 35 y 36) como antesala de este tenebroso estilo dark ambient (moment 37, 38 y 39) donde se manifestarán poderosas fuerzas ocultas en la lejanía cuya actividad sobrecogerá al melómano lector de Lux Atenea (moment 40, 41, 42, 43, y 44). Más profundo e intimista se proyectará este estilo dark ambient para paralizarnos físicamente y estimularnos psíquicamente (moment 45, 46, y 47), quedando todo alterado con estos perfilamientos musicales electrónicos de corte experimental que reflejan un estilo space ambient más hipnótico y psicodélico (moment 48, 49 y 50).

Retornando a los entornos nebulosos del drone (moment 51, 52 y 53) que se paralizarán aún más en este aislacionismo sonoro (moment 54, 55, y 56), la entrada de intensos planos musicales transformará estas dimensiones espaciales (moment 57, 58 y 59) hasta sumergirnos en abismos sonoros (moment 60, 61 y 62) que conducen a esta quietud más propia del Purgatorio de Dante (moment 63, 64 y 65). Adentrándonos en escenarios musicales propios del ritual ambient donde todo se vuelve místico y espiritual (moment 66, 67, 68 y 69), la ruptura sensorial surgirá (moment 70, 71, y 72) para abrir la mente a un nuevo plano existencial (moment 73, 74 y 75) que inmoviliza (moment 76, 77, 78 y 79) y luego hunde su fundamento en la introspección (moment 80, 81 y 82). Reactivando su impulso mediante siniestros planos sonoros dark ambient (moment 83) que se funden con oscilantes cromatismos industriales en su trasfondo (moment 84, y 85), se terminarán apagando con la llegada de estas colosales columnas musicales absolutamente sublimes en su obscuridad (moment 86, 87 y 88). Pero lo industrial seguirá presente volviendo todo emocionalmente gélido (moment 89, 90 y 91), para luego ver aminorada su energía ante esta expansión del espacio que conmueve (moment 92, 93 y 94). Como si todo lo devorara, la ausencia de estímulo neutraliza lo vital (moment 95, 96 y 97), reimpulsándose a continuación con este plano sonoro oscilante que, como un acelerado latir, trata de no perder su último aliento de vida (moment 98 y 99). Pero nada se escapa en este universo de los designios divinos (moment 100). “Moments”, el talento artístico de Mike Harris inmerso en la experimentación musical como definición conceptual de vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

BLACK TAPE FOR A BLUE GIRL “THE CLEFT SERPENT” (PROJEKT, octubre 2021) (Reseña / Review #1582).

Posted on 19 julio, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1582 // Reseña Musical nº: 1305

Quiero dar las gracias al genial artista estadounidense SAM ROSENTHAL (BLACK TAPE FOR A BLUE GIRL) por su cortesía al firmarme y dedicarme esta edición discográfica.

Edición reseñada: Digipak CD, firmado y dedicado (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- The Cleft Serpent // 2- The Trickster // 3- Hidden Villa, Florence 1453 // 4- Ares & Hermes // 5- To Touch The Milky Way // 6- So Tired Of Our History // 7- The Matchmaker // 8- I’m The One Who Loses
Datos técnicos: Álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena ethereal

Desde el año 1986 estoy disfrutando la música del genial artista estadounidense Sam Rosenthal, alma máter de Black Tape For A Blue Girl y fundador del mítico sello discográfico Projekt, ya que ese mismo año compré su álbum de debut “The Rope” en CD (álbum ya reseñado en Lux Atenea). Por la pasión que sus temas siguen provocando en mí durante la audición de sus magnas obras musicales, Black Tape For A Blue Girl ha tenido un protagonismo artístico muy destacado tanto en la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD (1999-2002) como actualmente en Lux Atenea desde el año 2006. Su más reciente álbum titulado “The Cleft Serpent”, deslumbra por su esencia melódica y lírica de vanguardia dentro de la escena musical ethereal hasta erigirse en su nueva obra maestra, perfilando temas musicales con una sensibilidad y una maestría en la composición que fascinará a los melómanos afines a los álbumes musicales más selectos, exquisitos, y exclusivos. Todo en “The Cleft Serpent” es magia sonora y esencia conceptual de Black Tape For A Blue Girl, siempre innovando a la hora de crear la belleza musical más hedonista y resplandeciente nacida en esta escena artística. Desde el primero hasta el último tema que vertebra el álbum “The Cleft Serpent” hechizará al melómano, transformando su audición en una inmersión sensorial absoluta en este deslumbrante universo musical concebido por Sam Rosenthal, y que gracias a la impecable labor técnica de masterización realizada por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), cada tema brilla con esta luz musical cristalina, nítida, y con selectos matices, invitando a su atenta audición a través de su esencia sonora más pura. Una obra maestra que suena perfecta hasta emocionarnos por los sentimientos que provoca cada una de estas composiciones musicales.

Presentado oficialmente el día 1 de octubre del pasado año 2021 a través del mítico sello discográfico Projekt en formato digital, en este precioso digipak CD, y en una edición limitada de 500 unidades en vinilo LP 12”, el álbum “The Cleft Serpent” viene engalanado con este espectacular diseño creado por el propio artista Sam Rosenthal, destacando especialmente la ilustración de las serpientes creada por Michael Aul y la novela gráfica dibujada por Andy Raybourne. A nivel musical, Sam Rosenthal ha contado con la colaboración profesional de artistas de la categoría de Henrik Meierkord (instrumentos de cuerda) y Jon DeRosa (vocalista), fluyendo cada tema musical con una armonía y un magnetismo sonoro que impresionará al melómano lector de Lux Atenea que adquiera este álbum. Cada tema de “The Cleft Serpent” lleva conceptualmente al ethereal a una nueva dimensión, a una nueva estructura instrumental y lírica de primer nivel que te envuelve y te impregna mentalmente con esta luz artística que parece proceder de otro universo enlazado a lo divino. Con esta nueva obra maestra, el virtuosismo de Sam Rosenthal en la composición llega a pulir cada tema hasta con el más mínimo detalle sonoro, armonizando lírica y planos melódicos con una maestría que conmueve. Todo en el álbum “The Cleft Serpent” evoluciona, fluye, muta en proyecciones sonoras que te asombran y te incitan a re-audiciones de cada tema. En “The Cleft Serpent” no sobra ni falta una nota musical, quedando todo pulido y resplandeciendo con una belleza musical que hará que disfrutes de nuevo este álbum a lo largo de los próximos años, décadas, con la misma pasión que lo sientes en la actualidad. Incluso con más pasión aún según vayas descubriendo nuevos detalles sonoros en cada nueva audición.

Iniciamos la audición de esta obra maestra adentrándonos en el tema homónimo del álbum, abriéndose la luz con el mismo tacto del terciopelo para acariciar a nuestra alma con su mística. Derivando hacia pasajes instrumentales de esencia barroca, el tema “The Cleft Serpent” proyectará toda su magia con la entrada de su lírica impecablemente interpretada hasta desembocar en este acuoso cromatismo sensorial. El embrujo musical de Black Tape For A Blue Girl se ha liberado para poseernos, siendo el tema “The Trickster” el que nos lleve a este entorno más sombrío donde las notas musicales parecen disolverse en el aire, quedando la penumbra como lugar acogedor para el espíritu melancólico deseoso de ser traspasado por la belleza sublime, deseoso de encontrar ese sentido existencial que se perdió entre sus dedos. Todo se vuelve evanescente en esta obra musical mientras ahonda en el espíritu barroco, y el siguiente tema “Hidden Villa, Florence 1453” nos llevará al pasado, a esa armonía de la mente renacentista fascinada con la belleza, con la armonía, con la visión de los secretos del Conocimiento observados con esa mezcla de intuición y reflexión. Pero más conocimiento, mayor inteligencia, siempre traen consigo mayor sufrimiento y una creciente desconexión con lo humano que te lleva a los brazos de la soledad, y a ese aislamiento místico en relación a la vacuidad existencial que emana de la sociedad y del mundo. ¡¡¡“Hidden Villa, Florence 1453”, impresionante!!! Con las emociones a flor de piel, el tema “Ares & Hermes” aparecerá con un ímpetu más poderoso como si las brumas de lo divino empezarán a extenderse alrededor nuestro. De forma pausada, constante, inexorable, la magia melódica de Black Tape For A Blue Girl vuelve a transformar la esencia conceptual del ethereal en esta perspectiva musical que fascina, llevándonos a lo trascendente y a la elevación del plano existencial porque su arte musical tiene alma, alma universal.

Los instrumentos de cuerda seguirán siendo protagonistas en el tema “To Touch The Milky Way”, quedando este vibrante piano como soporte perfecto de su lírica declamada con sentimiento. El tiempo se para, el devenir quedó atrás, y la mirada de quien empezó a purificar su alma comenzó a fijarse en la magnificencia de lo superior. Los detalles fueron los libros donde su alma verdaderamente comenzó a aprender a vivir, y, tomando perspectiva desde lo más pequeño, todo el universo empezó a cobrar sentido porque todo está íntimamente relacionado. Posteriormente, cuando el tema “So Tired Of Our History” nos haga retornar al espíritu barroco del tempus fugit, la visión de los secretos de lo humano no harán más que llevar al desasosiego. Fuera del alocado carrusel de la sociedad humana, la sensación de haber perdido el tiempo cuando se estuvo dentro de él empezará a notarse como la losa más pesada, deseando librarse de ese peso existencial. ¡¡¡“So Tired Of Our History”, espectacular!!! Luego, el tema “The Matchmaker” se mostrará como ese destello de lo humano tratando de mostrar una realidad inexistente, y que siempre es decorada y vendida con sus mejores galas. Una fantasía del ideal alejado completamente de la verdad, y que trata de atrapar a quienes creen en ello con la letal eficacia de la tela de araña. La vida ya se encargará de envolverlo con su firme hilo de seda para que no pueda escapar. Finalmente, cuando el tema “I’m The One Who Loses” empiece a extender el telón de clausura de este maravilloso álbum, esta delicatessen musical endulzará el amargor de la vida con esta lírica que destila verdad. Un baño de realidad, traspasar el espejo para ir al otro lado, tomar la delicada mano de la soledad para recorrer ese nuevo camino escondido en la obscuridad, todo en “I’m The One Who Loses” es trágico, dramático, y liberador. “The Cleft Serpent”, cuando el virtuosismo en la composición lleva de nuevo a Sam Rosenthal a elevar su arte musical hasta este nivel creativo: la obra maestra. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MERZBOW “ANIMAL LIBERATION – UNTIL EVERY CAGE IS EMPTY” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2022) (Reseña / Review #1574).

Posted on 14 julio, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1574 // Reseña Musical nº: 1301

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico COLD SPRING RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- No Cages Part 1 // 2- No Cages Part 2 // 3- No Cages Part 3 // 4- No Cages Part 4 // 5- Baby Bird
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados en el propio estudio de grabacion Munemi House (Tokio, Japón) de Masami Akita en el año 2021 (tema “Baby Bird”) y en 2022 (resto de temas); álbum masterizado por el maestro Martin Bowes en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena noise

Nada más recibir este promocional físico y escucharlo atentamente, me vino a la mente la novena edición de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD que publiqué en el mes de septiembre del año 2001, dedicada especialmente a denunciar el cruel trato que el ser humano da a los animales, de ahí su título “Liberación Animal, Liberación Humana”. Su impactante portada diseñada por Doctor Macabre bajo ideas y conceptos que le comenté sobre el mensaje visual que quería enviar al culto lector de la revista, sin duda alguna, se convirtió en una de las mejores portadas que se publicaron de un total de doce números editados entre los años 1999 y 2002. Siempre he tenido muy claro que un ser humano evolucionado mentalmente no puede maltratar a los animales, ni puede degradar el entorno natural como lo viene destruyendo desde hace milenios. Cada elevación del plano existencial a través del aumento de la inteligencia conlleva un aumento de la sensibilidad hacia los seres vivos que habitan en este planeta. Una elevación de la consciencia lleva implícito el desvelo de la realidad existencial de otros seres vivos que, hasta ese momento, pasaba desapercibida para el individuo. Y esta espiral donde cada aumento de la inteligencia lleva a un aumento de la sensibilidad y, con el tiempo, a un nuevo aumento de la inteligencia, siempre ha quedado roto por culpa de un elemento clave en la especie humana como difusora del Mal sobre la faz de la Tierra: el dinero. El dinero justifica la inmensa mayoría de todos los actos crueles y salvajes (por no decir todos) que el ser humano viene realizando desde tiempos inmemoriales, y dinero no son solamente monedas o billetes, sino cualquier cosa que el ser humano convierta en bienes de valor. Y si el propio ser humano da un trato cruel a otros de su especie por dinero, cómo no va a dar ese mismo trato o mucho peor a los animales si con ello consigue un beneficio económico. Para el ser humano, el dinero siempre lo justifica absolutamente todo.

Desde la llegada de la Industrialización, el número de seres humanos que habitan la Tierra se ha disparado. Cuando a partir del siglo XIX, las naciones definitivamente van pasando de las sociedades tradicionales a las sociedades industriales, la producción de todo tipo de bienes de consumo se dispara debido a su bajo coste en comparación con las producciones artesanales. Esta expansión industrial llevará a muchas personas del campo a la ciudad debido a la mayor riqueza que pueden alcanzar en las ciudades, en proporción a su nivel de vida anterior. A lo largo del siglo XX, las ciudades van creciendo muy rápidamente en cuanto a su número de habitantes, pero hay que alimentar a estas poblaciones. Desde mediados del siglo XX, la sociedad industrial empieza a plantear soluciones industriales para ese problema, y se empiezan a crear macrogranjas y macro explotaciones ganaderas, al igual que gigantescas explotaciones agrícolas. Pero cual es precio de esta aparente solución alimentaria: los animales son encerrados masivamente en un entorno que es un auténtico campo de exterminio, y bajo condiciones extremadamente crueles para un animal con esos niveles de inteligencia. Por ejemplo, ¿por qué creen que a los pollos les cortan el pico en estas macrogranjas? Porque se autolesionan debido al estrés que allí sufren. Otros muchos ejemplos del impacto brutal de ese entorno salvaje y extremo en estas especies animales pueden conocerlos a través de diversos ensayos publicados dentro del apasionante mundo de la Etología, e invito al culto lector de Lux Atenea a que se informe sobre qué nivel de inteligencia tienen los cerdos, las gallinas, los patos, las vacas… y luego piensen en qué condiciones viven dentro de esas macro instalaciones industriales destinadas a la alimentación humana. Siguiendo esta senda sobre una realidad oculta existente en nuestra sociedad moderna y posmoderna, empezarán a entender qué fuente de inspiración ha fundamentado cada una de las composiciones de este álbum musical creado por Masami Akita, alma máter de Merzbow.

A finales del pasado mes de mayo, el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records presentó el nuevo álbum “Animal Liberation – Until Every Cage Is Empty” del artista japones de vanguardia Masami Akita en formato digital y en este lujoso digipak CD. Con diseño a cargo de Abby Helasdottir, su impactante halo visual refleja fielmente la esencia del álbum “Animal Liberation – Until Every Cage Is Empty” como denuncia del salvaje trato que la era moderna viene dando a los animales explotados en macrogranjas y macroinstalaciones ganaderas. Como reflejo sonoro de ese cruel entorno donde malviven estos animales destinados a la alimentación humana, el estilo musical noise resulta perfecto para recrear los ambientes terroríficos donde estos animales sufren todo tipo de torturas y de mortificaciones tanto físicas como psíquicas, a pesar de que muchas de estas especies son mentalmente avanzadas y con una sensibilidad no tan alejadas del ser humano como la ciudadanía cree. Desde hace décadas, el genial artista japones Masami Akita no ha dejado de sorprendernos y de fascinarnos con sus creaciones musicales debido precisamente a su trasfondo, basado siempre en la denuncia, en el desvelo de una realidad humana y social que paso a paso va encaminándonos hacia el colapso de esta civilización. Masami Akita es una de las mentes creativas más deslumbrantes que hayan surgido dentro de la escena noise a lo largo de las últimas décadas y, en su nuevo álbum “Animal Liberation – Until Every Cage Is Empty”, el poso moral y ético es de lo más contundente en relación al trato que da el ser humano moderno y posmoderno a los animales, como así podrán comprobarlo los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la vanguardia noise.

Vertebrado por cinco temas musicales grabados y mezclados por el propio artista Masami Akita en su estudio de grabacion Munemi House (Tokio, Japón) en el año 2021 (tema “Baby Bird”) y en 2022 (resto de temas), además, este grandioso álbum ha sido masterizado por el maestro Martin Bowes en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido) hasta ofrecernos esta impactante dimensión musical. Martin Bowes ha convertido la salvaje esencia sonora de Merzbow en su álbum “Animal Liberation – Until Every Cage Is Empty” en una expansiva y equilibrada explosión musical noise absolutamente equilibrada en sus niveles de registro sonoro. Las composiciones noise son muy difíciles de masterizar debido a su amplísima gama de frecuencias sonoras, muchas de ellas llevadas al extremo y a su saturación en armónicos pero, para Martin Bowes, siendo el mayor experto en labores técnicas de sonido existente dentro de esta apasionante escena, cada reto musical siempre se termina convirtiendo en su obra masterizada más espectacular en cuanto a audición rica en matices. Sin duda alguna, la creatividad de Masami Akita y la profesionalidad técnica de Martin Bowes es una unión cuyo fruto final ha sido esta obra maestra surgida dentro de la escena noise más actual.

Sin más demora, comenzamos la audición de este impactante álbum adentrándonos en el contundente entorno sonoro de trasfondo conceptual industrial del primer tema “No Cages Part 1”, siendo su plano cíclico inicial dominado por la aparición de escalofriantes pasajes sonoros noise que hielan la sangre. Las dimensiones se cierran, la luz se va apagando hasta casi desaparecer, y el destino observa con ojos maléficos esperando esa sangre derramada que es deseada como tributo. Una sangre derramada que es la vida perdiéndose, que es el último grito del espíritu hundido hasta ahogarse en los pestilentes lodos de la hecatombe, quedando la obscuridad como denso manto capaz de tapar los gritos sin voz. Posteriormente, en el tema “No Cages Part 2” más pulsante, Merzbow reconfigurará la estructura musical para hacerla más extrema y agresiva mientras, como fondo, permanecen estos latidos constantes en un corazón acelerado, estresado, alterado por un espacio que ahoga. Alrededor, todo es plano, lineal, y psicóticamente uniforme hasta transformar la vida en un borrado cerebral absoluto. Pero aquí todo se mueve constantemente hacia el abismo de la intrascendencia vital. Un entorno creado para el uso y no para la vida, para sustentar a los seres vivos hasta que la muerte llegue de forma implacable para acabar con todos ellos en el terrible ceremonial del ser humano hambriento de dinero.

Luego, en “No Cages Part 3”, aquí no hay espiritualidad sino explotación, aquí no hay sensibilidad sino precisión mecánica, y aquí no hay miradas que ayuden a entenderlo todo, sino la frialdad del siniestro metal que ya no brilla al haber quedado opaco por la suciedad. Junto a “Baby Bird”, “No Cages Part 3” es el tema de menor duración pero el más intenso y complejo en su definición musical al integrar cromatismos sonoros industriales con absoluto virtuosismo. ¡¡¡“No Cages Part 3”, impresionante!!! Desembocando en “No Cages Part 4”, la trituradora de vida acelerará su ritmo para alcanzar su meta de forma óptima para que su funcionalidad sea casi casi perfecta. Los ojos ya no tiene luz, ya no tienen vida, ya se dejan llevar al matadero que acabe con su sufrimiento. Un pensamiento flota y se transmite entre los seres que malviven en esta infernal atmósfera: ¿es esto vivir? No han conocido otra cosa a lo largo de su vida, y nada entienden, nada comprenden. Todo huele a comida, todo huele a excrementos, todo huele a suciedad, todo huele a dinero a repartir entre algunos seres humanos. Clausurando este álbum tan impactante, el tema “Baby Bird” extenderá este siniestro telón de clausura recreando el grito ahogado de los seres encerrados en este escenario, siempre pegajoso por los restos de sangre que lo impregnan todo. Merzbow estirará conceptualmente este estilo noise de vanguardia derivando toda su estructura musical hacia planos sonoros electrónicos de corte experimental en parte final, y modulando estos cromatismos musicales hasta quedar exhaustos y carentes de impulso vital. Como apunte final, los beneficios económicos que genere esta edición discográfica del álbum irán destinados íntegramente a organizaciones dedicadas a la lucha por los derechos de los animales, y que denuncian estas crueles prácticas productivas dentro del sector alimentario industrial. “Animal Liberation – Until Every Cage Is Empty”, cuando la música noise de vanguardia de Merzbow es capaz de abrirnos la mente a una realidad humana difícilmente justificable en este siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ATTRITION “THIS DEATH HOUSE” (OTHER VOICES RECORDS, 2021) (Reseña / Review #1572).

Posted on 12 julio, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1572 // Reseña Musical nº: 1300

Quiero dar las gracias al genial artista británico MARTIN BOWES (ATTRITION) por su cortesía al firmarme esta edición discográfica en vinilo.

Edición reseñada: Vinilo LP 12”, edición limitada de 250 unidades, firmado por Martin Bowes (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: SIDE A: 1- Crawling SIDE B: 2- Dead Of Night
Datos técnicos: Álbum grabado en el mes de agosto del año 1982 (Black Prince Studio); remasterizado en el año 2020 por el maestro Martin Bowes en The Cage Studios (Coventry, Reino Unido) para esta edición
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Legendaria Obra Maestra dentro de la escena dark ambient e industrial

En el año 2021, el sello discográfico ruso Other Voices Records presentó oficialmente esta lujosa edición en vinilo LP 12” de la ópera prima de Attrition “This Death House”, quedando limitada a 250 unidades. Lo primero que les llamará la atención es el impresionante diseño creado por Oleg Galay donde destaca la estética gótica de sus imágenes, y muy especialmente el halo macabro que transmite su portada y las dos imágenes que engalanan este disco de vinilo en su parte central. Habiendo sido remasterizado en el año 2020 por el maestro Martin Bowes en The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), su mítico laboratorio de alquimia sonora donde siempre lleva a los temas musicales a su máxima perfección, esta admirable labor deslumbra por la calidad musical que nos ofrece esta edición en vinilo. Una calidad sonora que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea que lo adquieran a través de la página oficial de Attrition en Bandcamp. Hay que tener en cuenta que el álbum “This Death House” fue grabado en el año 1982 (Black Prince Studio) y, tras esta remasterización tan meticulosa, en este vinilo renacen estas dos composiciones en su máximo esplendor sonoro para nuestro disfrute, presentando una tenebrosa atmósfera donde la música dark ambient e industrial reluce por su esencia experimental. Han pasado cuarenta años desde su composición, pero su magia artística sigue estando viva y latente sin que el paso del tiempo haya dejado obsoleta su perspectiva creativa original. Inspirados por la obra cinematográfica del director estadounidense George A. Romero dentro del género de terror, en el álbum “This Death House”, tanto Martin Bowes como Ashley Niblock y Richard Woodfield supieron cómo perfilar sonoramente estas dos composiciones a través de un uso vanguardista de los sintetizadores y de los instrumentos electrónicos, creando esta irresistible atracción sonora que siempre embrujará a los melómanos afines a lo gótico y a las atmósferas siniestras. “This Death House” fue el álbum de debut de Attrition, siendo presentado oficialmente en el año 1982 en una autoedición en cassette, y sucediéndose una serie de re-ediciones discográficas a lo largo de los años que ha quedado culminada con este irresistible vinilo.

Un vórtice musical electrónico comenzará a abrirse en el tema “Crawling”, obscureciendo esta cara A del vinilo a través de resplandecientes nebulosas sonoras que invitan a la inquietud. Brumas marcadas por lo desconocido para extremar la sensibilidad en pro de lo siniestro, de ese lado del terror donde la parálisis y la incertidumbre van apoderándose poco a poco de esta atmósfera sonora. Pasajes musicales que irán alterándose mediante cíclicas descargas sonoras cada vez más siniestras, proyectándose aires fuertemente cargados con la acidez existencial del temor hasta quebrar el tiempo con la languidez del desasosiego. Una amenaza que altera la calma mientras se espera la aparición de lo infernal, pero lo cíclico continúa definiendo el horror con inquietante tesón. Tomando cada vez más impulso en su dinamismo, cada plano musical perfila con crudeza este entorno, siendo la aparición de nuevos pasajes sonoros los que acerquen el peligro para conmovernos con su creciente obscuridad recreada en afiladas frecuencias. Luego, rodeados por lo fantasmagórico, serán los planos melódicos los que vuelvan todo opaco hasta deformar las formas y los espacios, evolucionando posteriormente hacia un escenario donde lo gótico acaba siendo dominante. A continuación, en la cara B del disco de vinilo comenzará el tema “Dead Of Night” con melodías de corte sacro, mientras desde la lejanía va acercándose lo horrible con brutal ímpetu. De trasfondo conceptual más industrial y experimental, “Dead Of Night” generará mayores contrastes emocionales en el melómano por su potente evolución musical.

Mientras “Crawling” estaba definido sonoramente por un dark ambient decorado con planos musicales experimentales que abrían los espacios, “Dead Of Night” es más tenso, más experimental, más radical, más industrial, reduciendo las dimensiones hasta llegar al agobio. Un escenario estresante que cambia y evoluciona a través de lo convulso, fluctuando en su atmósfera angustiosa hacia el pánico. Una actividad cortante y afilada que hace que fluya la adrenalina, quedando la luz cada vez más apagada a pesar de la entrada de nuevos cromatismos sonoros electrónicos hasta hacerse abrasivo. Incluso cuando el entorno parece calmarse, su esencia sinuosa no hace más que acrecentar el miedo para llevarnos a un nuevo espacio aún más extremo. Una riqueza en matices musicales que te hipnotiza por su trasfondo vanguardista de primer nivel, y que se vuelven aún más atrevidos gracias a su halo de experimentación sonora donde la audición se vuelve mucho más atenta para percibir su belleza, su siniestra belleza. Luego, avalanchas sonoras de potente registro lo inundan todo hasta definir esta tenebrosa bóveda donde el terror es dominante. Aquí no aparece el cielo protector de la noche, sino más bien la manifestación de lo demoníaco en su cara más deformada e irracional, emanando el crepúsculo de lo dantesco como epílogo de lo mortal. Como apunte final de esta preciosa edición en vinilo, en su interior también incluye este magnífico póster en formato A3 que incitará al melómano a su enmarcado para que luzca en una estancia de estética gótica. “This Death House”, la espectacular remasterización sonora de esta mítica obra maestra de Attrition. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

TENHORNEDBEAST “THE LAMP OF NO LIGHT (Hymns For The York Doom Stone)” (COLD SPRING RECORDS, 2022) (Reseña / Review #1526).

Posted on 10 mayo, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1526 // Reseña Musical nº: 1289

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico COLD SPRING RECORS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: I – This Is The First Death // II – Into The Mouth Of Hell // III – Upon Their Head Names Of Blasphemy // IV – Black Furnace // V – This Is The Second Death
Datos técnicos: Álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio sonoro The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical

A finales del mes de abril de este año 2022, el innovador artista Christopher Walton presentó oficialmente su nuevo álbum “The Lamp Of No Light”, perteneciente a su colosal proyecto musical TenHornedBeast. Como los cultos lectores de Lux Atenea ya conocen, a principios de la década de los noventa, Stephen Pennick y Christopher Walton revolucionaron la escena musical non-mainstream con su proyecto artístico Abraxas (1993), luego Endvra (1994-2001), ofreciendo ese trasfondo esotérico y místico a cada una de sus obras que nos ha seguido deslumbrando desde entonces en cada nueva audición. En solitario y como alma máter de TenHornedBeast, Christopher Walton no ha dejado de ampliar ese mensaje esotérico unido a lo arcano desde el año 2004 hasta nuestros días, y su nuevo álbum “The Lamp Of No Light” vuelve a desarrollarse musicalmente con lo ecléctico para recrear con detalle ese mensaje espiritual y trascendente. “The Lamp Of No Light” ha sido publicado por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en digipak CD de seis paneles, habiendo sido engalanado con estas magníficas imágenes pertenecientes al archivo fotográfico del propio artista, quedando inmortalizada visualmente en su portada esta mágica piedra del juicio localizada en la catedral de York (norte de Inglaterra), y donde quedaron esculpidas estas figuras demoníacas dedicadas a torturar a las almas impuras condenadas por sus acciones en contra de las leyes divinas. Vertebrado por cinco espectaculares temas, a nivel musical, el álbum “The Lamp Of No Light” es muy ecléctico bajo la influencia conceptual de estilos como el dark ambient, noise, doom, minimal, industrial… sentando las bases renovadas de un estilo doom ambient con límites conceptuales en expansión. Por este motivo, y por su esencia musical de vanguardia, valoro al álbum “The Lamp Of No Light” como obra maestra, habiendo quedado potenciada su calidad musical gracias al minucioso trabajo técnico de masterización realizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido). La ecualización es impecable, los niveles de registro sonoro son perfectos, la dimensión espacial de los sonidos es espectacular, y la inmersión sensorial es total gracias a la maestría técnica de Martin Bowes mostrada en este álbum. Estoy seguro que Christopher Walton cuando escuchó su obra ya masterizada, dijo un “¡¡¡wow!!!¡¡¡espectacular!!!”. Esto mismo es lo que dirán los melómanos lectores de Lux Atenea cuando adquieran este álbum, y lo disfruten.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta obra maestra adentrándonos en la esencia sonora trascendente del primer tema “This Is The First Death”, donde el ritual ambient nos invita a contemplar la entrada a ese otro mundo post-mortem. Aunque proyecta esta siniestra atmósfera propia del dark ambient, “This Is The First Death” irradia esa energía sacra que libera al alma de su pesada y densa carga, adquiriendo este aire sonoro de trasfondo chamánico completamente alejado de las perspectivas existenciales presentes en la vida cotidiana. Pero el destino de ese alma no va a ser el Paraíso Celestial precisamente. A continuación, el tema “Into The Mouth Of Hell” recreará musicalmente esta inmersión en lo mefistofélico cuyo devenir es la perdición, adquiriendo esta tensión ambiental brutal y descorazonadora mientras en el horizonte escuchamos los ruidos del terror infernal. Aquí la actividad que sentirán los melómanos lectores de Lux Atenea les helará la sangre, ya que “Into The Mouth Of Hell” es dark ambient en estado puro, presentando cromatismos sonoros cercanos conceptualmente al noise y en perfecta armonía con la poderosa energía latente en este entorno. “Into The Mouth Of Hell” suena a mortificación del alma, a culpas imposibles de curar debido a las terribles consecuencias de su acción. “Into The Mouth Of Hell” es una puerta abierta al abismo infernal. ¡¡¡Impresionante composición musical!!! Luego, en “Upon Their Head Names Of Blasphemy”, lo dantesco seguirá permaneciendo omnipresente en esta obscura atmósfera, revelándose como proyección de aquello que corrompe lo puro. En este tema, las estructuras sonoras son colosales, sublimes en su dimensión pero asfixiantes en su siniestra irradiación musical, siendo el tema más extremo de este álbum. En “Upon Their Head Names Of Blasphemy”, su base conceptual ecléctica viene condicionada por estilos como el dark-ambient, noise, doom, e industrial, proyectándose estos chirriantes planos sonoros como afilados cuchillos capaces de dañar al alma, mientras lo sacro adquiere la contundente trascendencia de la sentencia divina señalando al impuro. Cuando quieran tener una referencia musical de lo que es doom ambient, “Upon Their Head Names Of Blasphemy” es el ejemplo artístico más claro. Posteriormente, el tema “Black Furnace” nos sorprenderá con esta mágica inmersión en este dark ambient de estructura sonora marcada por el drone, adquiriendo cromatismos musicales de trasfondo ígneo que son impulsados en este imparable crescendo. “Black Furnace” es opaco, inquietantemente opaco, añadiéndose a su estructura estas pinceladas sonoras propias del minimal. La pérdida del sentido del tiempo y del espacio es absoluta en este Hades demoníaco que todo lo atrapa, que todo lo paraliza, que todo lo trasforma, siendo capaz de alterar hasta la energía del alma. Desembocando en el tema “This Is The Second Death”, llegaremos a la clausura de esta obra maestra donde retornaremos a este ritual ambient de base conceptual ecléctica, emanando de cada plano musical de su estructura esta esencia mística de trasfondo metafísico. “The Lamp Of No Light”, otra contundente muestra del fértil talento innovador en la composición desarrollado por este genio musical: Christopher Walton. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SHE SPREAD SORROW “HUNTRESS” (COLD SPRING RECORDS, octubre 2021) (Reseña / Review #1157).

Posted on 21 septiembre, 2021 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1157 // Reseña Musical nº: 1007

67ª Semana Musical Non-Mainstream / 67th Non-Mainstream Music Week

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico británico COLD SPRING RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- Blue // 2- Get Me // 3- Stand // 4- Dragonflies // 5- Inside // 6- Parasomnias
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Alice Kundalini y Luca Sigurtà; álbum masterizado por el maestro Martin Bowes en el mítico The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena death-industrial

Lux Atenea 4 - 3

Los melómanos afines a la escena death-industrial estamos de enhorabuena ante la inminente presentación del cuarto álbum musical de She Spread Sorrow titulado “Huntress”, que será publicado oficialmente el próximo día 1 de octubre a través de Cold Spring Records, el prestigioso sello discográfico británico que ha editado toda su obra musical. En esta nueva obra maestra de Alice Kundalini, alma máter de She Spread Sorrow, en los seis temas que lo vertebran se siente la evolución sonora experimentada por esta grandiosa artista italiana dentro del death-industrial, uniendo a sus pinceladas musicales power electronics y dark-ambient que caracterizaron a su inconfundible estilo de composición mostrado en las obras maestras “Rumspringa” (2015), “Mine” (2017) y “Midori” (2018), estos nuevos cromatismos sonoros electrónicos que son más propios de la escena musical experimental más transgresora. El álbum “Huntress” aparece en este año 2021 como el siniestro fruto artístico que She Spread Sorrow nos ofrece tras tres años de creatividad experimental en el arte musical bajo la inspiración del mundo onírico y, más concretamente, del tenebroso e inquietante universo mental proyectado en las pesadillas de Alice Kundalini. Ese shock psíquico ha quedado reflejado en cada uno de estos temas protagonizados por esta joven cazadora llamada Blue, en cuyo interior bullen fuerzas mentales completamente opuestas que condicionan su perspectiva existencial. Por este motivo, el álbum “Huntress” se presentará ante los melómanos lectores de Lux Atenea marcado por colosales tensiones sonoras de trasfondo psíquico, perfilando dos caras internas englobadas en lo extremo tanto en lo emocional, como en su deriva mental hacia lo obsesivo, hacia lo irracional, hacia la inestabilidad y lo fantasioso, pero siempre en clave siniestra e infernal. Por este motivo, el álbum “Huntress” no es emocionalmente expansivo, sino introspectivo, quedando prácticamente ausente lo solar como luz espiritual ante la hegemonía de lo lunar y mental en la esencia interior de su protagonista Blue que, en muchos aspectos me recuerda a la mítica Diana cazadora, sobre todo en cuanto a sentimientos de soledad y de sufrimiento interior.

Lux Atenea 4 - 4

Esta obra maestra será publicada en formato digital, en una preciosa edición en digipak CD de seis paneles, y en una lujosa edición limitada de 500 unidades en vinilo LP 12”, habiendo sido engalanada con este impactante diseño creado por Abby Helasdottir con fotografía a cargo de Stefano Majno. La portada del álbum “Huntress” es espectacular. Su belleza siniestra refleja fielmente ese trasfondo psíquico a través de esta plasticidad en las formas y en los colores que transmiten tensión, crisis mental, violencia, y locura, como si Stefano Majno hubiera sido poseído por el maestro cinematográfico italiano del cine giallo Dario Argento. Observas esta imagen de portada, y parece el fotograma de una de sus películas al haber quedado integrado lo estético y lo obscuro en lo erótico y lo maníaco entremezclándose como si fuera un pulp psicótico y sangriento. A nivel musical, la calidad sonora que alcanza el álbum “Huntress” es excelsa gracias al meticuloso trabajo técnico de masterización realizado por el maestro Martin Bowes en el mítico The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), convirtiendo su audición en una auténtica delicia para el melómano. En su edición discográfica en vinilo de 180 gramos, el álbum “Huntress” tiene que sonar perfecto y musicalmente insuperable para poder sentir el talento artístico de Alice Kundalini en su plenitud. En estos momentos es cuando el vinilo demuestra su superioridad sonora, su encanto musical, su hegemonía discográfica como formato más fetichista por excelencia, y por eso es tan querido y deseado por los melómanos. Disfrutar el estilo death-industrial de vanguardia que She Spread Sorrow nos ofrece en este nuevo álbum a través de un disco de vinilo en el giradiscos, se convierte en esa delicatessen tan personal como exclusiva. No duden un segundo en comprar esta edición limitada en vinilo antes de que pongan el cartel de “Sold Out”.

Lux Atenea 4 - 5

Iniciamos la audición de esta obra maestra adentrándonos en el primer tema “Blue” y su oscilante entrada musical, pulsante como la vida y tensa como su actividad, apareciendo la voz de Alice Kundalini como plano lírico etéreo de inquietante trasfondo porque este entorno sonoro no es ambient, sino dark-ambient. Con planos musicales que se mueven, retuercen, y disipan como si tuvieran vida propia, “Blue” posee ese lado hipnótico que te seduce irresistiblemente a pesar de que todas las alarmas se han activado en tu interior. Denso en su estructura, aquí los cromatismos sonoros son casi psicodélicos, y, teniendo como trasfondo lo onírico, esta psicodelia ambiental encuentra su armonía precisamente en la embriaguez mental que transmite. Posteriormente, en el tema “Get Me”, lo siniestro irá en aumento mientras la voz de Alice Kundalini queda en un primer plano casi amenazante, quedando solamente como trasfondo estos pasajes sonoros no tan alejados en esta dimensión espacial absolutamente tenebrosa. Con la lírica emanando en susurros que parecen fantasmagóricos, será la constante actividad de fondo lo que incremente su posesiva aura demoníaca hasta derivar en esa obsesión que esclaviza lo deseado. Sensación de agobio, de angustia vital, y el tema “Stand” aparecerá con matices sonoros experimentales que impresionarán a los melómanos lectores de Lux Atenea, proyectando matices sonoros experimentales que recrean la dicotomía, el contraste emocional, mientras lo industrial va dominando poco a poco su base conceptual. Perdición e impulso contenido definen al tema “Stand”, derivando en ásperas atmósferas de insatisfacción en “Dragonflies” para llevarnos directamente a contemplar este espectáculo sonoro de vanguardia. La música electrónica en texturas sonoras y plasticidades moduladas que definen lo mental y abstracto como fantasía. Y la fantasía no es imaginación, sino caos y psicopatía si se toma como realidad. En este plano mental, “Dragonflies” tiene esa intencionalidad obscura que posee la manipulación, la manzana envenenada, el dulce pastel mortal, siendo lo sensorial y embriagador lo que provoque que se baje la guardia como paso previo a la dominación. A continuación, el tema “Inside” reforzará esa jaula interior creada desde dentro para salvarse, para protegerse, para evitar que alguien entre en la mente, en el refugio personal, en ese universo interior que terminará convirtiéndose en un infierno sin escapatoria. Finalmente, la clausura de esta magna obra musical llegará con el tema “Parasomnias” y esta tierra de nadie donde lo onírico y la vigilia se entrecruzan y se enredan, para llevar a la confusión mental más absoluta. “Parasomnias” es terrible, sobrecogedor, y extremo, mientras la obscuridad lo envuelve. Hasta el plano vocal es demoníaco, como de ultratumba, apareciendo para alterar y atemorizar, quedando toda la estructura sonora levitando en esta dimensión alterada donde no hay un apoyo o una base. Si desean ver reflejado lo inquietante en un tema musical death-industrial, el mejor ejemplo que podrán encontrar en la actualidad es “Parasomnias”. “Huntress”, con esta nueva obra maestra, la escena musical death-industrial de vanguardia ha de mostrar su admiración y más humilde reverencia a She Spread Sorrow. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Lux Atenea 4 - 6

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la etiqueta: The Cage Studios

JAGATH “SVAPNA” (COLD SPRING RECORDS, octubre 2022) (Reseña / Review #1812).

MASCHINENZIMMER 412 (MZ. 412) “MALFEITOR” (COLD SPRING RECORDS, noviembre 2022) (Reseña / Review #1804).

COLOSSLOTH “PROMETHEAN MEAT” (COLD SPRING RECORDS, agosto 2022) (Reseña / Review #1614).

WE BE ECHO “CEZA EVI – COMPLEAT EDITION” (COLD SPRING RECORDS, julio 2022) (Reseña / Review #1598).

LULL “MOMENTS” (COLD SPRING RECORDS, diciembre 2021) (Reseña / Review #1586).

BLACK TAPE FOR A BLUE GIRL “THE CLEFT SERPENT” (PROJEKT, octubre 2021) (Reseña / Review #1582).

MERZBOW “ANIMAL LIBERATION – UNTIL EVERY CAGE IS EMPTY” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2022) (Reseña / Review #1574).

ATTRITION “THIS DEATH HOUSE” (OTHER VOICES RECORDS, 2021) (Reseña / Review #1572).

TENHORNEDBEAST “THE LAMP OF NO LIGHT (Hymns For The York Doom Stone)” (COLD SPRING RECORDS, 2022) (Reseña / Review #1526).

SHE SPREAD SORROW “HUNTRESS” (COLD SPRING RECORDS, octubre 2021) (Reseña / Review #1157).