“EL ESTRANGULADOR DE BOSTON (the Boston strangler)”, 1968 (Reseña / Review #1748).

Reseña Cultural nº: 1748 // Reseña Media nº: 101
Reseña actualizada. Publicada el 28 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Director: RICHARD FLEISCHER
Guión: EDWARD ANHALT
Actores principales: TONY CURTIS (Albert DeSalvo), HENRY FONDA (John S. Bottomly), GEORGE KENNEDY (detective Phil DiNatale)
País: EE.UU Año: 1968 Productora: 20th CENTURY FOX
Duración aprox.: 111 minutos
Publicado en España por: 20th CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. Año: 2006 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD EL ESTRANGULADOR DE BOSTON the Boston strangler

“El Estrangulador de Boston” es un impactante thriller cinematográfico cuya trama está basada en la investigación policial que acabaría identificando a Albert DeSalvo como autor de los crímenes cometidos por el estrangulador de Boston, siendo hallado culpable y condenado a cadena perpetua tras el asesinato de trece mujeres entre los años 1962 y 1964. El caso policial relacionado con este asesino en serie es uno de los más estudiados y analizados debido a la complejidad de la patología psiquiátrica de Albert DeSalvo, porque la amnesia y el Trastorno de Identidad Disociativo en su psicótica personalidad complicaron durante mucho tiempo esta investigación llevada a cabo por las fuerzas de orden para la resolución de este caso criminal de gran impacto en la opinión pública. Rodada en color, esta película destaca sobre todo por la forma a través de la cual el extraordinario director de cine estadounidense Richard Fleischer terminó reflejando la psicología de este despiadado asesino. El uso de varias imágenes en pantalla en algunas secuencias, y que, en algunos momentos, llega a haber hasta siete simultáneas ofreciendo cada una de ellas una perspectiva distinta del mismo escenario, nos permite observar y analizar cada instante o suceso importante en la trama. Una sorprendente técnica audiovisual que, en manos de este genial director, logra engrandecer el arte cinematográfico como muy pocos creadores son capaces de configurar. Por este motivo, la película “El Estrangulador de Boston” garantizará a los cultos lectores de Lux Atenea la visualización de un excelso largometraje de intriga y misterio donde podrán sentir con sumo realismo, el tremendo pánico ciudadano que todos estos crímenes provocaron en la ciudad de Boston durante aquellos años.

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Aunque inicialmente parecía que las mujeres mayores eran el objetivo principal del estrangulador de Boston, y todo apuntaba a un médico como supuesto culpable de esos crímenes debido al uso del doble nudo cuadrado utilizado normalmente por parte de ese maníaco, la desorientación y los prejuicios propios de aquella época empezaron a salir a la luz durante las investigaciones. Cuando la policía comienza la búsqueda de este asesino en serie, fetichistas, gays, voyeurs, hombres con perversiones únicamente confesables a prostitutas, lectores de cierto tipo de literatura… terminan convirtiéndose en los primeros perfiles de sospechosos a investigar. Pero el número de mujeres asesinadas continúa, las investigaciones siguen sin aportar ninguna pista fiable sobre el asesino, y la policía en su desesperada búsqueda del homicida llega incluso a solicitar la colaboración de un médium que, supuestamente, terminó llevándoles a la detención del posible asesino. Todo ello cambiará radicalmente a partir de la séptima víctima, una joven negra, al quedar este crimen completamente diferenciado de los asesinatos anteriores, ancianas blancas. Esta atmósfera de misterio que empezó al comienzo de la película y donde permanecía oculto el rostro del asesino, no será hasta el ecuador de este largometraje cuando el espectador pueda empezar a ver cómo es el modus operandi del estrangulador de Boston a la hora de poder entrar en las casas de sus víctimas pese a la alarma social.

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En esta obra, el director Richard Fleischer sabe cómo reflejar en imágenes ese choque existente entre la visión policial, jurídica, y médica a la hora de resolver este caso. Por este motivo, los espectadores concentrados en la intensidad de los acontecimientos, durante la evolución de su trama pasarán de un thriller a una película de trasfondo mental y análisis psicológico profundo sin prácticamente darse cuenta de ello. Un cambio sutil en el sentido conceptual de la película, favorecido por la excelente interpretación de sus personajes por parte de estos grandes actores, destacando especialmente el difícil papel de Albert DeSalvo interpretado por el mítico actor Tony Curtis. Dentro de la misteriosa complejidad de este asesino en serie con la máscara permanentemente puesta sobre su rostro para complicar su identificación, la naturalidad con la cual Tony Curtis presenta la frialdad emocional de este personaje, el oportunismo caótico con el que solía elegir a veces a sus víctimas, el desquiciado temperamento que lo caracterizaba, el solapamiento mental de sus recuerdos perfectamente reflejados en sus gestos y expresiones… engrandecen artísticamente a este actor estadounidense. En “El Estrangulador de Boston” encontrarán a este escalofriante Tony Curtis interpretando escenas cinematográficas brutales y sobrecogedoras que se quedarán grabadas en su memoria.

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También el legendario actor Henry Fonda adquiere relevancia en esta película al interpretar el papel de John S. Bottomly, un analítico e inteligente funcionario público que, por orden del Fiscal General, es designado como coordinador de la investigación por parte del Estado para poder capturar a este esquivo homicida que tanta repercusión empezaba a tener en los medios de comunicación. Otro gran actor secundario como George Kennedy, en su papel del investigador Phil DiNatale, fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea interpretando a este detective absolutamente desbordado por la difícil situación que ha de afrontar. Si desean tener una muestra clara de la magnífica obra artística de George Kennedy, recomiendo la lectura de la reseña que publiqué sobre la impactante película “El Caso de Lucy Harbin” (1964). “El Estrangulador de Boston” presenta impactantes escenas como la secuencia del estrangulador de Boston frente al espejo, cuando conversa con su mujer tras ir a visitarle al hospital para hablar con él, la tensa escena del interrogatorio de John S. Bottomly (Henry Fonda) a Albert DeSalvo (Tony Curtiss) y la readaptación mental que éste hace de los hechos ocurridos en uno de sus ataques, la siniestra imagen de una de sus víctimas andando al lado de los maniquíes, la imagen con profunda carga psicológica en la visión de Albert DeSalvo cuando ve a su mujer en perspectiva y a lo lejos… Como apunte final en esta edición íntegra del largometraje publicada en formato DVD por 20th Century Fox en el año 2006, quisiera subrayar que algunas secuencias permanecen en su idioma original porque no fueron dobladas en aquella época tras haber sido censuradas por su controvertido mensaje. “El Estrangulador de Boston”, la película del asesino en serie estadounidense cuya psicopatía llegó a contraponer en aquella época a las leyes judiciales con la lógica científica y médica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

EL ESTRANGULADOR DE BOSTON the Boston strangler 1968

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“QUILLS”, 2000 (Reseña / Review #1738).

Reseña Cultural nº: 1738 // Reseña Media nº: 91
Reseña actualizada. Publicada el 7 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: PHILIP KAUFMAN
Guión: DOUG WRIGHT
Actores principales: GEOFFREY RUSH (marqués de Sade), KATE WINSLET (Madeleine ‘Maddy’ LeClerc), JOAQUIN PHOENIX (abate de Coulmier), MICHAEL CAINE (Dr. Royer-Collard), BILLIE WHITELAW (madame LeClerc)
País: EE.UU Año: 2000 Productora: FOX SEARCHLIGHT PICTURES / INDUSTRY ENTERTAINMENT / WALRUS & ASSOCIATES, LTD
Duración aprox.: 120 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA S.A.
Año: 2001 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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¿Por qué el marqués de Sade (1740-1814) sigue atrayendo al público en este siglo XXI? ¿Por qué continúa vigente su espíritu transgresor y provocador en este año 2014, doscientos años después de su muerte? Algo tiene su figura y su mensaje de trasfondo ígneo y corrupto para que sus llamas continúen vivas en la mente de la ciudadanía a través de esta siniestra atracción hacia lo inmoral y lo perverso, teniendo mucha más fuerza psicológica que la repulsión que generan sus degradantes y degenerados textos etiquetados como “propios de una mente enferma”. Tantas veces considerado como una persona viciosa y lujuriosa, creo más bien que la visión del marqués de Sade sobre el libertinaje extremo va mucho más allá de los límites de la lujuria debido a esa esencia humana degradante, egoísta, y autodestructiva que destila la cruda descripción de envilecidos y depravados actos. Dentro de esa perspectiva analítica, en Lux Atenea quisiera resaltar la extraordinaria película “Quills” rodada por el prestigioso director estadounidense Philip Kaufman, después de haber dirigido magníficos largometrajes como “Elegidos para la gloria”, “Henry & June”, “La insoportable levedad del ser”… Con este relevante currículum cinematográfico en su haber, la unión de su especial talento artístico para el cine con la fascinación que provoca un escritor maldito como el marqués de Sade, fue inevitable que su fruto artístico culminara en este grandioso drama donde las pasiones y las debilidades humanas quedan intensamente contrastadas a través de su lado más tenebroso. Actos salvajes que continúan causando estupor, conmoción, y repulsa por su carga mental alejada completamente de la Razón. Un enajenamiento de los sentidos ante lo contemplado que, en el caso de la película “Quills”, toma esta deriva brutal y extrema como espejo revelador de la realidad humana más siniestra cuando no hay nada que lo limite. Esa ruptura total de los límites es lo que observarán los cinéfilos lectores de Lux Atenea cuando visualicen esta magnífica edición en formato DVD, publicada por Twentieth Century Fox Home Entertainment España en el año 2001. Un crescendo emocional desde el primer minuto donde la Razón se verá constantemente atacada ante la contemplación de esta desviación moral y ética degenerada, siendo sobrepasada ampliamente por los inesperados efectos de la hipocresía moral y por la incontenible plasticidad de la inteligencia humana para poder burlar las situaciones más desesperadas. “Quills” es una película de temática extrema porque extrema fue la vida y la obra literaria del marqués de Sade.

“En condiciones adversas, el artista se crece.”

Esta interesante trama nos sitúa en la ciudad de París en el año 1794, quedando ambientados de forma admirable el entorno y la vida cotidiana reinante en aquella época convulsa. Además, la actitud que presentan estos geniales actores ante la cámara con actitudes y gestos propios de aquel siglo, facilitan que el espectador se sumerja mentalmente con mucha facilidad en esta historia, convirtiendo cada suceso en un torrente de emociones cuya intensidad irá en aumento debido a la brutal deriva de los acontecimientos. Una intriga que dará comienzo en la residencia psiquiátrica de Charenton donde el marqués de Sade permanece encerrado. Dirigido con aparente serenidad y calma por el abate de Coulmier, magníficamente interpretado por el actor estadounidense Joaquin Phoenix, verá rápidamente rota su armonía. La ejecución en la guillotina de Mademoiselle Renard será el primer aviso al espectador de que nada va a ser de color de rosa en “Quills”. Luego, el choque inmediato entre el abate y el marqués de Sade, interpretado de forma excelsa por el actor australiano Geoffrey Rush, será una animosa lucha de poder entre enérgicas e irreductibles voluntades donde el abate aparentemente representa el lado bueno, y el marqués de Sade el lado oscuro de la tentación y de la corrupción. Teniendo a la lavandera de la residencia llamada Madeleine Leclérc, espléndidamente interpretada por la actriz Kate Winslet, como campo de batalla en disputa donde comprobar ambos su verdadero poder, será la entrada del doctor Royer-Collard en esta residencia, papel interpretado con obscura y malévola maestría por el actor Michael Caine, lo que llevará la sangrienta marca de la tragedia a cada uno de estos personajes simbólicamente unidos a la degradación moral (marqués de Sade), a la religión vivida con pasionales tabúes carnales difícilmente controlables (abate de Coulmier), a la visión romántica del amor con un toque pícaro (Madeleine Leclérc), y a la crueldad humana tapada con el velo de la respetabilidad social (doctor Royer-Collard). Una interactuación entre personalidades absolutamente incompatibles, salvo en el caso de Madeleine y el marqués de Sade, que generará situaciones caracterizadas por la brutalidad en los actos, y donde el marqués no será precisamente el que salga peor parado de cara a la opinión del espectador una vez finalizada la visualización de esta película.

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La constante principal en esta trama será la obsesión del marqués de Sade por escribir sus obras a pesar de las dificultades, siendo el abate y el doctor Royer-Collard los que hagan todo lo posible por evitarlo, sobre todo el manipulador e inmisericorde doctor. Al comienzo de la película, el marqués de Sade se encuentra escribiendo su famosa obra “Justine” (obra literaria ya reseñada en Lux Atenea) de forma oculta a los ojos del abate, entregando sus escritos a la joven Madeleine a la que tiene fascinada. Ella luego se encarga de ponerse en contacto con los editores para que lo publiquen. Cuando tan provocativa obra ve la luz pública y se convierte en un escándalo social, será el propio emperador Napoleón el que dé poder al doctor Royer-Collard para que inspeccione la residencia psiquiátrica de Charenton y evite que el marqués de Sade continúe escribiendo. Cada drástica medida tomada será inteligentemente respondida por el marqués, y cuando le retiran los papeles, la tinta, y las plumas para escribir, utilizará las sábanas como lienzo, el vino como tinta, y un hueso de pollo como pluma. Cuando es descubierta esta argucia, el marqués de Sade usa su propia sangre como tinta y su ropa como lienzo para escribir su obra. Cuando este sistema tampoco le acaba sirviendo, a falta de un método de escritura termina organizando una ingeniosa forma de continuar su actividad literaria: a través de un agujero en la pared le va diciendo las frases que componen su obra a otro paciente ingresado, y este en una cadena con otros pacientes al final acaban dictándoselo a Madeleine para que los vaya escribiendo. Pero cuando incluso este sistema es descubierto, en una situación tan límite y desesperada, al final un moribundo marqués de Sade aún continuará escribiendo usando sus excrementos en las paredes de su celda, desafiando al abate y al doctor enfrentados el creador literario cuyas obras son consideradas como un peligro para la sociedad. Lo más ruin e hipócrita llegará años después, una vez muerto el marqués de Sade, cuando el doctor Royer-Collard ponga a los pacientes de la residencia a trabajar imprimiendo las obras del marqués de Sade por el lucrativo negocio literario que genera. Una muestra más de la hipocresía que tienen en esta vida quienes dan lecciones morales y éticas.

“Es la primera regla de la política: el hombre que ordena la ejecución jamás hace caer la hoja.”

El choque entre el marqués de Sade y el abate es desigual y claramente a favor del marqués. Conoce bien sus debilidades carnales, y explota ese talón de Aquiles que rompe su equilibrio interior basado en la religión para provocarle aún más y enfrentarle a sus miedos, temores, e incontrolables pasiones. El abate trata de contener la pasión que siente hacia Madeleine, y esa tentación irá en aumento hasta llegar a una siniestra pesadilla protagonizada por él donde el cuerpo presente de Madeleine es ultrajado. Un shock emocional que pasará factura al abate, junto a las acciones extremas que éste ejecutará contra el marqués de Sade en una horrenda y macabra deriva que irá mostrándose cada vez más brutal según vaya aumentando su debilidad. Cuando el doctor Royer-Collard haga acto de presencia en la residencia es cuando estas acciones se llevarán al extremo más absoluto, y el marqués de Sade conoce muy bien al doctor nada más verlo porque es otro ser humano igual o más envilecido y degenerado que él. La sátira representación teatral que el marqués dirige en la residencia, de temática inspirada en el recién llegado doctor, se convierte en una de las escenas inolvidables de esta película por su mensaje sarcástico e irónico sobre la verdadera personalidad del doctor. Un espejo en el cual se refleja su realidad oculta ante el público asistente sin velo ni máscara alguna, clamando venganza por su osado atrevimiento. Un desvelo ácido y directo de su hipocresía que es donde la mente del marqués de Sade se encuentra como pez en el agua a la hora de describir y de representar la terrible realidad del ser humano. Sade conoce muy bien cómo piensa y actúa el doctor porque él es igual, pero sin la máscara social de lo respetable, y este es el motivo por el cual desvela la realidad humana en sus obras literarias a través de la descripción de actos dignos del más macabro y horrible infierno.

“Os recuerdo que yo no he creado este mundo. Sólo lo documento.”

Qué grandeza artística mostrada por el director Philip Kaufman a la hora de crear escenas imborrables en la mente del espectador, siendo uno de los apartados cinematográficos donde destaca este largometraje de forma sobresaliente. Con actores de esta categoría entregados en cuerpo y alma a la interpretación de sus respectivos papeles, solamente queda la maestría artística del director para crear la magia cinematográfica en la gran pantalla. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados viendo extraordinarias escenas como el drama y la desesperación que se respira en la ejecución de Mademoiselle Renard, en la terrorífica visión de la institución dirigida por el doctor Royer-Collard y los brutales métodos de rehabilitación que aplica a sus pacientes, en la decoración un tanto bizarra de la celda del marqués de Sade, observando la inquisitorial silla calmante del doctor Royer-Collard, con el brutal trato que el doctor da a su jovencísima esposa Simone, en la inteligente escena donde el doctor va manipulando a la esposa del marqués para orientarla hacia sus intereses, en la secuencia donde se ve a Simone camuflando el libro “Justine” para poder leerlo sin miedo de ser descubierta por la inquisitiva mirada del doctor, con la sublime imagen del marqués de Sade vestido con el traje donde ha escrito los nuevos capítulos de su obra (¡¡¡impresionante!!!), o en la tensa e impactante escena del abate con el marqués de Sade encadenado, y el crucifijo. “Quills”, el Séptimo Arte convirtiendo al polémico marqués de Sade en protagonista y perverso antihéroe en esta magna película. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
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“NIEBLA EN EL ALMA (don’t bother to knock)”, 1952 (Reseña / Review #1730).

Reseña Cultural nº: 1730 // Reseña Media nº: 83
Reseña actualizada. Publicada el 19 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: ROY WARD BAKER
Guión: DANIEL TARADASH
Actores principales: RICHARD WIDMARK (Jed Towers), MARILYN MONROE (Nell Forbes), ANNE BANCROFT (Lyn Lesley)
País: EE.UU Año: 1952 Productora: 20TH CENTURY FOX Duración aprox.: 76 minutos
Publicado en España por: 20th CENTURY FOX ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. / DIARIO EL MUNDO
Año: 2005 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD NIEBLA EN EL ALMA don't bother to knock

“Niebla en el Alma” es una película rodada en la gloriosa década de los cincuenta que sorprenderá a los cinéfilos lectores de Lux Atenea cuando presencien el dramático personaje de Nell Forbes, magníficamente interpretado por la legendaria actriz estadounidense Marilyn Monroe (1926-1962) debido a su trasfondo trágico y psicológico al tomar especial protagonismo. Basada en la novela de la escritora estadounidense Charlotte Armstrong (1905-1969), “Niebla en el Alma” es un terrible drama rodado en blanco y negro, unos colores perfectos para reflejar este esquivo poso psicológico donde el velo de lo aparentemente normal oculta los obscuros traumas de una persona desequilibrada. Rupturas sentimentales, apariencias que esconden sufrimientos emocionales por pérdidas irreparables no asimiladas en la vida, dulzura que oculta una profunda tristeza… en definitiva, “Niebla en el Alma” es un largometraje que presenta hechos ficticios que perfectamente pueden haber ocurrido, que ocurren, y que ocurrirán en la vida real. Pero su grandeza artística no viene dada solamente por el protagonismo de Marilyn Monroe en la misma, sino también por esta extraordinaria interpretación de Jed Towers realizada por Richard Widmark (1914-2008). Un carismático actor que nos ha ofrecido inolvidables momentos cinematográficos a lo largo de toda su carrera y, como una muestra clara de su arte, en la película “Niebla en el Alma” sabe cómo dar personalidad y credibilidad a un hombre con una gran incertidumbre interna donde intervienen y se contraponen el deseo y la razón. Además, acompañando a estos dos geniales actores, la mítica actriz Anne Bancroft (1931-2005) tuvo su debut en el cine precisamente en este largometraje.

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Como analista cultural, una de las cualidades cinematográficas que me más encanta de la película “Niebla en el Alma” es poder ver a Marilyn Monroe mostrándose como la excelente actriz que era, demostrando con hechos cómo estaba perfectamente capacitada para dar vida a personajes dramáticos tan complejos como Nell. Una buena actriz con magníficas dotes interpretativas, pero la industria de Hollywood no estuvo por la labor de potenciar esas cualidades por ella atesoradas, primando su belleza a la hora de presentarla en la gran pantalla. En “Niebla en el Alma” podrán disfrutar de impresionantes escenas como la del ascensor y el dálmata que no quiere entrar en él, la melancólica Nell mirando por la ventana cuando escucha el sonido de un avión surcando el cielo, la plasticidad visual de los flirteos ventana a ventana entre Nell y Jed, la imagen de las muñecas de Nell mientras se pinta los labios frente a un espejo de mano, o con la impresionante interpretación de Marilyn Monroe en la escena final del hall del hotel McKinley. Pese al gran papel realizado por Marilyn Monroe en esta película, tristemente, su posterior éxito en el cine estadounidense de impacto mundial vendría de la mano de una industria cinematográfica que terminaría encasillándola en papeles de chica rubia que despierta pasiones a su alrededor, y a través de escenas visualmente impactantes, luminosas, y glamurosas que harían soñar a millones de espectadores generación tras generación hasta nuestros días. Solamente en la espectacular película “Vidas Rebeldes (The Misfits)” volveremos a ver brillar artísticamente con fuerza a Marilyn Monroe en una interpretación sublime. “Niebla en el Alma”, en toda la carrera cinematográfica de Marilyn Monroe, posiblemente sea la película menos conocida por el gran público. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PIEL DE SERPIENTE (the fugitive kind)”, 1960 (Reseña / Review #1712).

Reseña Cultural nº: 1712 // Reseña Media nº: 65
Reseña actualizada. Publicada el 30 de agosto del año 2012 en Lux Atenea.

Director: SIDNEY LUMET
Guión: TENNESSEE WILLIAMS y MEADE ROBERTS
Actores principales: MARLON BRANDO (Valentine Xavier “Piel de Serpiente -Snakeskin-”), ANNA MAGNANI (Señora Torrance), JOANNE WOODWARD (Carol Cutrere), MAUREEN STAPLETON (Señora Talbot), VICTOR JORY (Jabe Torrance), R. G. ARMSTRONG (Sheriff Talbot), EMORY RICHARDSON (Tío Pleasant), MADAME SPIVY (Ruby Lightfoot), SALLY GRACIE (Dolly Hamma), LUCILLE BENSON (Beulah Binnings)
País: EE.UU Año: 1960 Productora: UNITED ARTISTS
Duración aprox.: 116 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A.
Año: 2010 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “Piel de Serpiente”
EXTRAS: Ficha Técnica // Ficha Artística // Galería Fotográfica

DVD PIEL DE SERPIENTE the fugitive kind

Basada en la obra del talentoso escritor estadounidense Tennessee Williams “La caída de Orfeo (Orpheus Descending)”, la película “Piel de Serpiente” es un drama psicológicamente impactante donde queda reflejada con total claridad la terrible hipocresía dominante en la sociedad tradicional y, más concretamente, en las ciudades del sur de los Estados Unidos de América de la década de los cincuenta con su inflexible y anquilosado sistema, con sus ilógicas supersticiones cargadas de racismo y xenofobia, y con su sociedad de clases donde los prejuicios, los abusos de poder, y la corrupción dominan y condicionan la vida cotidiana. Rodada bajo la dirección de Sidney Lumet, “Piel de Serpiente” tiene el encanto de las películas en blanco y negro donde la magna calidad artística de sus imágenes no hacen más que ensalzar la impresionante interpretación de sus actores, sobre todo, de estas dos grandes estrellas cinematográficas como son Anna Magnani y el grandioso e incomparable Marlon Brando. Actores perfectos para encarnar a estos difíciles personajes que se caracterizan por la pérdida del sentido de sus vidas en este mundo, y por ese crítico descontrol interior en referencia a su destino vital. La fuerza irresistible de lo pasional (que suele traer consigo falsas esperanzas) y la desilusión (que transforma el amor en odio con instintos de venganza) llevarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea a disfrutar esta extraordinaria película donde su mayor grandeza artística se llama guión+interpretación, y sin que sea necesaria la presencia de los efectos especiales tan en boga actualmente para garantizar el éxito de un largometraje. “Piel de Serpiente” es la historia de tres personajes, Valentine (Marlon Brando), Carol (Joanne Woodward), y la señora Torrance (Anna Magnani), donde Carol representa el pasado de frivolidad, juerga, desenfreno, y aparente sensación de libertad en el cual ha vivido Valentine mientras vivió en la ciudad de Nueva Orleans, y la señora Torrance se presenta casi como el futuro de seguridad económica y de cambio radical en su vida que Valentine desea alcanzar. Pero Valentine también es visto como la última tabla de salvación de esas dos mujeres en este mundo, y en esa complicada situación, qué forma de vida creen que será la que termine condicionando el destino de Valentine. Todo ello unido a la importancia del suceso que provocó el incendio del merendero regentado por el padre de la señora Torrance, no hará más que aumentar la intriga de este extraordinario y atrayente drama con un final en su horizonte que difícilmente es percibido hasta la última escena.

Lux Atenea 4 - 6

En este magnífico y reflexivo guión donde la maestría lírica de Tennessee Williams se respira en cada frase, desde la primera escena quedarán cautivados por la magnética imagen de Valentine Xavier, alias “piel de serpiente (snakeskin)”, interpretado por el colosal actor Marlon Brando. Presentado ante un tribunal para ser juzgado por haber causado daños en un local de Nueva Orleans llamado Club Rendezvous, Valentine es músico, animador de locales nocturnos, y está fuertemente unido a su inseparable guitarra, instrumento que le fue regalado por el músico de jazz Leadbelly al que venera. Y tal es su pasión por la música que poco a poco ha ido cubriéndola con las firmas de grandes músicos de jazz como si fuera su Templo de Euterpe personal. Tras ser puesto en libertad por el juez con la promesa de no volver a cometer los mismos actos nunca más, Valentine abandona la ciudad en su automóvil pero, en una noche tormentosa bajo la lluvia torrencial, se acercará a una casa de la pequeña localidad sureña de Two Rivers para que le permitan dormir en un lugar seco durante esa noche. Pero la casa a la que acude resulta ser el hogar del sheriff de la localidad. Admitido por la amable y compasiva mujer del sheriff, la señora Talbot, para darle un lecho donde poder descansar, terminará confesándole que trata de dar un cambio radical a su vida, motivo por el cual ella tratará de conseguirle un empleo en su localidad ya que en la tienda del señor Jabe Torrance andan buscando a un dependiente debido a la grave enfermedad que padece. Cuando acude a la tienda para poder conseguir el empleo conoce a la señora Torrance (Anna Magnani), y aunque ésta se muestra inicialmente muy fría con él, poco a poco irá tomando más y más confianza hasta confesarle algunas particularidades existentes en esa localidad aparentemente tranquila. Además, Valentine “piel de serpiente” (llamado así por la chaqueta de piel de serpiente que acostumbra a llevar siempre puesta) también conocerá a Carol Cutrere (Joanne Woodward), y los motivos que llevaron al sheriff de la localidad a echarla del pueblo tras acusarla de ser una degenerada. Carol es una mujer extravagante, frívola, de moral muy ligera (por lo que provoca conflictos y tensiones constantes en una comunidad tan conservadora), indiscreta, se toma la vida como si fuera una fiesta constante, piensa que puede hacer lo que le dé la gana en este mundo… en definitiva, una joven que es todo lo contrario a la señora Torrance. La actitud de Carol se ve agravada por su pasado religioso, y espiritualmente hablando acabó completamente defraudada con esa forma de vida aparentemente piadosa cuando descubrió cómo justificaba el racismo imperante en su localidad. El corazón de Carol cae rendido ante la presencia de Valentine, y cuando rompe voluntariamente con su exilio y retorna al pueblo, el choque de personalidades entre la señora Torrance y Carol será inevitable. Una incompatibilidad que no evitará que se establezca un peligroso e inestable triángulo de relaciones entre Valentine y la señora Torrance, y Valentine con Carol, que incrementará su intensidad emocional y sentimental según se vaya enredando más y más ante la imposibilidad real de su consolidación, y ante el frágil futuro que se les presenta.

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En esta seductora trama, la tragedia, el drama, la ironía, y ciertos toques de sarcasmo en el humor, fascinarán al culto lector de Lux Atenea a través de este magnífico guión que irremediablemente atraerá su atención a la pantalla. Un detallado perfilamiento psicológico de los personajes que, en manos de estos excelentes actores, hacen destacar a la película “Piel de Serpiente” dentro de su género porque tener en esta película a un actor como Marlon Brando en uno de sus mejores momentos profesionales, es todo un lujo y se nota. Su firmeza, su expresividad, su convicción transformada en gestos faciales, su mirada propia de un ser que está por encima de todo a pesar de su precaria situación económica en la vida, su capacidad para transmitirnos esos sueños de inmortalidad que todo buen músico y artista posee, su fuerza en los ojos como pocos actores han tenido como don artístico en toda la Historia del Cine… en definitiva, Marlon Brando es uno de los pocos actores cuya sola presencia llena la gran pantalla con sólo verlo actuar. En el complicado papel de Carol Cutrere, también la actriz Joanne Woodward logra transmitirnos la difícil personalidad de esta joven rebelde cuya mentalidad no admite ni falsas creencias, ni esa forma de vivir cargada de hipocresía que define a la vida tradicional y cotidiana en su localidad. Una joven que le encanta provocar y que sabe cómo jugar con Valentine, porque en el fondo ella sabe que le importa. Pero, por encima de todo, la actriz que logra equilibrar la calidad interpretativa mostrada por Marlon Brando en esta película es, sin duda alguna, la genial Anna Magnani haciendo el papel de la señora Torrance. Una mujer atormentada en su interior que contrasta totalmente con su apariencia de carácter fuerte en el trato (casi siempre con los brazos cruzados), siendo un personaje perfecto para que Anna Magnani pueda lucirse junto al colosal Marlon Brando. La señora Torrance comentará sus sueños a Valentine ante su aparente sinceridad porque, en el fondo, necesita sentirse protegida y querida ya que se siente muy sola, y el origen de ese vacío existencial es la absoluta falta de entendimiento entre el señor y la señora Torrance que, muy claramente, se hará presente en la escena cuando el señor Torrance regresa a la tienda tras recibir el alta del hospital de Memphis donde fue ingresado. Tras su hospitalización, la señora Torrance ha de cuidar a su marido y llevar también la tienda, y a pesar de contar con la ayuda de Valentine, esa estresante situación le acabará desbordando porque el señor Torrance es un hombre despótico, egoísta, y arrogante con el cual no se puede razonar. La excelente interpretación que el actor Victor Jory hace del autoritario señor Torrance es sencillamente magistral. Los cinéfilos quedarán muy impresionados al contemplar al actor Victor Jory dando intensidad a su personaje con esa actitud con la cual mira a su mujer, y a la que constantemente está mandándole el mensaje de que puede hacer con su vida lo que le venga en gana. En el caso de Valentine, el señor Torrance también le deja muy claro que, a la primera oportunidad que tenga, no dudará un segundo en acabar con él, presentando actitudes agresivas que no hacen más que incrementar la tensión dramática de cada escena en la que participa. Una interpretación muy impactante, y en sintonía con el magnífico trabajo realizado por otros actores y actrices como Maureen Stapleton en el papel de la señora Talbot (personaje que vive en su propio mundo a espaldas de la realidad), o en la fuerza vital que despliega Madame Spivy en cada gesto al interpretar el papel de la dueña del local Ruby´s Bar.

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La película “Piel de Serpiente” es, sobre todo, un largometraje vertebrado por escenas inolvidables como la imagen del particular cuadro que ha pintado la señora Talbot (la mujer del sheriff), en la tensión que se respira en la escena del tío Pleasant cuando entra en la tienda y donde quedan perfectamente reflejados los prejuicios dominantes en aquella sociedad tradicional, cuando Carol provoca con sus piernas a Valentine dentro del coche, cuando la dueña del Ruby´s Bar le dice discretamente a Valentine que se lleve a Carol a otro lado porque no la quiere allí, en la genial escena donde Carol explica a los clientes del Ruby´s Bar qué significa para ella “ir de antros” (sus caras y sus reacciones lo dicen todo), o en la impactante secuencia del cementerio donde Valentine descubre que Carol es una persona mucho más sensible y frágil, con miedos, inseguridades, y con un profundo vacío existencial. A los cinéfilos les atraerá la impresionante escena de Valentine con la señora Torrance en las escaleras de la tienda, la cruda escena de la confesión de la señora Torrance al hermano de Carol en la tienda, la fuerza visual y simbólica de la imagen donde aparece el pregonero informando sobre la inauguración de la confitería de la Sra. Torrance en el pueblo, y, sobre todo, es en la escena de la cerilla donde Valentine muestra su lado indomable, desplegando Marlon Brando todo su virtuosismo interpretativo a la hora de dar cuerpo y alma a la personalidad individualista en personajes cinematográficos tan indómitos. Papeles donde siempre se mostró colosal, superlativo, e insuperable a nivel artístico. Una escena que será clave en el desarrollo de esta inteligente y elaborada trama, y donde el talento lírico del escritor Tennessee Williams queda potenciado en cada gesto y mirada de Marlon Brando. Finalmente, un apoteósico crescendo emocional en los últimos quince minutos de película con constantes sorpresas, dan más empuje y energía emocional a la trama, y los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán ir descubriendo poco a poco todo lo que se oculta tras el férreo orden de la ley que parece imperar en este pueblo para salvaguardar la aparente vida tranquila y sosegada de sus ciudadanos. “Piel de Serpiente”, magnífica película en blanco y negro con Anna Magnani y Marlon Brando insuperables. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

PIEL DE SERPIENTE the fugitive kind 1960

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“A MERCED DEL ODIO (the nanny)”, 1965 (Reseña / Review #1710).

Reseña Cultural nº: 1710 // Reseña Media nº: 63
Reseña actualizada. Publicada el 8 de febrero del año 2015 en Lux Atenea conmemorando el 50º aniversario de la mítica película “A MERCED DEL ODIO (the nanny)” (1965).

Director: SETH HOLT
Guión: JIMMY SANGSTER
Actores principales: BETTE DAVIS (niñera), WENDY CRAIG (Virginia ‘Virgie’ Fane), WILLIAM DIX (Joey Fane), PAMELA FRANKLIN (Bobbie Medman), JAMES VILLIERS (Bill Fane), JILL BENNETT (tía Pen)
País: REINO UNIDO Año: 1965 Productora: SEVEN ARTS / HAMMER FILM PRODUCTION
Duración aprox.: 89 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A.
Año: 2006 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “A Merced Del Odio”
EXTRAS: Trailer

DVD A MERCED DEL ODIO the nanny 1965

Cine en blanco y negro, suspense, la mítica productora británica Hammer… excelsa amalgama artística dentro del Séptimo Arte para hacer relucir a la legendaria actriz Bette Davis en esta película de culto. Un claro ejemplo de fusión creativa representada en la gran pantalla en “A Merced Del Odio”, una película rodada con maestría por el director británico Seth Holt para poder definir y estructurar este excelso thriller de gran impacto psicológico en el espectador. Comprobarán cómo en su trama late la duda permanente sobre si el joven Joey es la víctima, o es el inmisericorde verdugo causante de este horrible drama. Unas veces se presentará como un ángel, en otras ocasiones como un auténtico demonio, pero, durante su visualización, la tensión psicológica no dejará de aumentar hasta el final porque esta trama es muy turbia e inquietante, dándonos pistas poco a poco sobre quién posee esa diabólica alma en su interior. ¿Será en realidad la niñera, impecablemente interpretada por la actriz de culto Bette Davis? En este largometraje podrán disfrutar de su maestría en la interpretación realizada en la era dorada que viviría en la década de los sesenta dentro del cine de suspense, recomendando a los cinéfilos lectores interesados en aquella gloriosa etapa que visualicen también “¿Qué Fue De Baby Jane?” (1962), película de culto ya reseñada en Lux Atenea. Aunque Bette Davis empezaba a percibir en el horizonte el declive de su exitosa carrera profesional, gracias al magnífico guion basado en la novela homónima escrita por Evelyn Piper (1964), en “A Merced Del Odio” brilla solemnemente en la gran pantalla interpretando a este personaje obscuro y fascinante. Un escenario marcado profundamente por los sentimientos de culpa, por la verdad que no sale a la luz, y por la tensión existencial resultante tras el cínico enmascaramiento de la muerte. Como analista cultural me encantan las películas que protagonizó Bette Davis en aquella época, a la cual considero inigualable e incomparable en su prolongada y prestigiosa carrera debido a su augusta grandeza interpretativa reflejada en escena al dar vida a personajes profundamente siniestros que, personificados en el rostro y en los gestos de Bette Davis, adquieren esas características tan tenebrosas que los vuelven apasionadamente atrayentes, y repulsivos a su vez. Sus ojos penetrantes, su gélida mirada, sus expresiones situadas al límite de la cordura, su cínico servilismo, su insensibilidad ante el dolor y el sufrimiento… extreman aún más la personalidad y el protagonismo del personaje interpretado hasta convertirlo en un ser absolutamente creíble a pesar de los fuertes contrastes que aparecen en su comportamiento. En “A Merced Del Odio”, el Mal ha vuelto para trastornar la vida cotidiana de una familia acomodada tras haber vivido un sangriento suceso en el pasado, motivo por el cual su hijo Joey fue acusado de matar a su hermana Susy. Después de un largo periodo de tiempo ingresado en un centro psiquiátrico, su retorno al hogar no va a ser precisamente un camino de rosas al seguir la niñera de la familia al servicio de sus padres. Una niñera a la cual Joey señaló como la verdadera causante de la muerte de su hermana Susy. A partir de ese momento, las muertes volverán a presentarse en el terrible destino de esta familia acomodada y desestructurada.

Lux Atenea 4 - 6

Pero, en este largometraje, la extraordinaria interpretación de Bette Davis en el papel de la niñera no solamente lo convierte en mítico. Hay otros actores y actrices situados en otro gran nivel artístico cuyo valor cualitativo dentro de esta obra cinematográfica es el que permite acentuar aún más el glorioso despliegue interpretativo de Bette Davis, haciéndola absolutamente creíble de cara al público. En estas películas resulta crucial que la calidad en la interpretación mostrada por los actores de segundo nivel sea relevante para poder sostener toda la historia, y fascinar así al espectador a través de las emociones que despiertan durante su visualización. En este caso, emociones tensas, viscerales, al observar cómo el engaño y las falsas apariencias van tapando y distrayendo la atención sobre la persona causante de estas muertes. Un fascinante abanico de personajes donde resaltan magníficos actores como William Dix, dando vida al joven niño de diez años llamado Joey Fane que desprecia totalmente a la niñera, y en la que no confía. Con un perfil psicológico marcado por la retorcida intencionalidad de sus actos, el retorno de Joey a la casa será el renacer de la conflictividad en el seno del hogar. Sin duda alguna, las personalidades más fuertes en esta historia son la niñera y Joey, todo lo contrario respecto a la inestabilidad emocional que presentan otros personajes como su madre, Virginia Fane (actriz Wendy Craig), una persona mentalmente débil cuyas acciones y comportamientos terminan desesperándote por su falta de carácter, su padre Bill Fane (actor James Villiers), una persona amargada que elude sus responsabilidades en el hogar amparándose en las exigencias de su trabajo al servicio de la Casa Real inglesa, o haciendo excesivo uso de la autoridad para dominar las situaciones que no controla, la tía Pen (actriz Jill Bennett), una mujer de salud muy delicada por sus problemas de corazón y de estabilidad muy quebradiza que caracteriza a su personalidad, o la joven vecina Bobbie Medman (actriz Pamela Franklin), que se convierte en la persona de confianza de Joey, aunque presenta ciertas pérdidas de la noción de la realidad motivadas por una vida personal donde no se están cumpliendo sus sueños y los cambia por la fantasía. Como pueden comprobar, esta película lo tiene todo para dar cuerpo e intensidad a un buen drama dentro esta obscura atmósfera de suspense.

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“A Merced Del Odio” es una película que marca, que impresiona, que fascina por la terrible crudeza con la cual se presentan en escena los actos más horribles. “A Merced Del Odio” atesora imágenes y escenas en su celuloide que quedarán indeleblemente grabadas en la mente del espectador como, por ejemplo, la estoica entrada de la niñera en la casa a pesar de las muestras de sufrimiento de Virginia Fane ante el retorno de su hijo Joey, el contraste emocional existente en la escena de la cocina donde la sonriente niñera saca la tarta que ha comprado para dar la bienvenida a Joey (mientras se escucha a los padres discutir en otra estancia), la cara de profunda tristeza y de terrible desamparo interior que transmite el rostro de Virginia Fane cuando sale del cuarto y cómo los recuerdos de su hija Susy y su muerte le siguen atormentando, la macabra broma que Joey le gasta a la señora Griggs (actriz Nora Gordon), la ausencia de cualquier muestra de cariño en Bill Fane en el hospital psiquiátrico cuando llega su hijo, los dibujos pintados por los niños expuestos en una de las paredes del hall del hospital, la mirada de rechazo y de desprecio que Joey muestra nada más ver a la niñera, o la impactante imagen de Virginia ante el espejo y el reflejo de la entrada sonriente de Joey en la habitación, una de las mejores escenas en esta película. Lo retorcidamente siniestro está presente cuando Joey guarda la soga debajo de la almohada, cuando Virginia y su hermana Pen charlan y sale a la luz el accidente tras el cual la niñera se hizo cargo de Virginia, la tensión que se respira cuando la niñera le advierte muy seriamente a Joey después de la peligrosa broma al lechero, cuando Joey le gasta a la niñera una broma muy cruel para impresionar a su vecina Bobbie utilizando su muñeca en la bañera, las serias amenazas de Joey a su madre, o la impactante escena en la cual la niñera trata a Virginia como si fuera una niña pequeña para que se coma la cena. ¡¡¡Unas imágenes que lo dicen todo!!! Impresiona observar la indiferencia emocional de Joey tras el envenenamiento de su madre, o tras haber acusado a la niñera de tratar de ahogarlo, o la escena en la cual Joey le cuenta la muerte de su hermana a Bobbie, u otras tan inolvidables como la inquietante imagen de tía Pen durmiendo con los latidos de su corazón como sonido de fondo, la siniestra secuencia cuando tía Pen sufre un ataque al corazón en la cocina y trata de llegar como puede a la habitación para tomar su medicina, la reacción que tiene la niñera en esta situación de emergencia y sus revelaciones a tía Pen, o la entrada de la niñera en la habitación de Joey y la posterior escena de la bañera. ¡¡¡Arte interpretativo por excelencia!!! En definitiva, esta película es una exquisita muestra del mejor cine de la década de los sesenta, y con la magia y la inquietud que provocan en el espectador las imágenes rodadas en blanco y negro. “A Merced Del Odio”, película de culto dentro del cine de horror y suspense. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

A MERCED DEL ODIO the nanny 1965

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PASIÓN BAJO LA NIEBLA (Ruby Gentry)”, 1952 (Reseña / Review #1706).

Reseña Cultural nº: 1706 // Reseña Media nº: 59
Reseña actualizada. Publicada el 21 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea.

Director: KING VIDOR
Guión: SILVIA RICHARDS
Actores principales: JENNIFER JONES (Ruby Gentry), CHARLTON HESTON (Boake Tachman), KARL MALDEN (Jim Gentry), PHYLLIS AVERY (Tracy McAuliffe)
País: EE.UU Año: 1952 Productora: 20th CENTURY FOX
Duración aprox.: 82 minutos
Publicado en España por: REGASA FILMS Año: 2010
Formato: DVD edición coleccionista con libreto de 34 páginas (EDICIÓN COMPRADA)

DVD PASION BAJO LA NIEBLA Ruby Gentry

“Pasión bajo la Niebla” simboliza artísticamente a la magnética fuerza del cine en blanco y negro creado en Hollywood en la legendaria década de los cincuenta. Toda una garantía de fascinación cinematográfica en la gran pantalla, y que los cultos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar gracias a esta lujosa edición coleccionista en formato DVD publicada por la compañía Regasa Films en el año 2010. En esta película quedarán cautivados con este deslumbrante talento mostrado por el experimentado director estadounidense King Vidor (1894-1982), capaz de sacar toda la agudeza interpretativa de este joven Charlton Heston (1923-2008) camino al Olimpo cinematográfico en el papel del acaudalado Boake Tachman, junto a la espectacular actriz Jennifer Jones (1919-2009) en el papel de Ruby Gentry que se transforma en la reina indiscutible de este largometraje. En “Pasión bajo la Niebla”, Jennifer Jones logra transmitir intensidad y radicalidad en el carácter de su personaje, dando esta fuerza y esta personalidad salvaje a Ruby Gentry casi cercana a los gestos y movimientos masculinos en su incontrolable esencia temperamental. Jennifer Jones y Charlton Heston, dos talentos interpretativos ante la cámara donde el contraste emocional irá tomando este apasionado crescendo, y cuyo sorprendente final les llevará a quedar definitivamente entregados al disfrure de esta época cinematográfica Hollywoodiense irrepetible. Además, en este largometraje, el contrapunto femenino queda centrado en el personaje de Tracy McAuliffe interpretado por la actriz Phyllis Avery, representando fielmente al estereotipo de la mujer estadounidense en aquella época con su pelo rubio, su sumisión al marido, y con su permanente docilidad en el trato hasta quedar perfectamente encorsetado en este degradante cliché femenino. La película “Pasión sobre la Niebla” es una historia de amor irremediablemente truncada por los roles, por los prejuicios, y por esas actitudes soberbias que el estatus económico elevado suele llevar consigo en la sociedad. Un choque entre clases sociales donde el amor suele salir malparado ante el egoísmo y las envidias que éste suele generar cuando aparece entre personas pertenecientes a diferentes estratos económicos.

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Pasión y venganza son las claves principales de esta trama ambientada en la sociedad estadounidense reinante en el estado de Carolina del Norte. Ruby es una joven que es objeto de deseo de la mayor parte de los hombres del lugar, y con los cuales le gusta jugar pero dentro de unos límites por ella establecidos. Cuando conoce al desahogado joven Boake Tachman, entre ellos se establecerá un tenso idilio amoroso que terminará con Ruby despechada tras haberle prometido Boake Tachman cosas que no se ha planteado cumplir jamás. Las esperanzas de Ruby con Boake Tachman traerán consigo la desesperanza, sus ilusiones desembocarán en amargas desilusiones, y su corazón herido por el engaño clamará venganza. Para complicarlo aún más todo, Boake Tachman decidirá casarse con Tracy McAuliffe, una joven mujer rubia, coqueta, de finos y educados modales (al contrario que Ruby), y que pertenece a una clase social mucho más elevada que la suya. Con esta unión matrimonial, Boake Tachman desea satisfacer sus sueños de grandeza garantizando su posición social y su futuro económico. El matrimonio de Boake Tachman con Tracy McAuliffe se convierte en una boda por el interés económico, pero las cosas cambiarán en el destino de Ruby. Poco tiempo después de la muerte de la mujer del millonario Jim Gentry (interpretado por el magnífico actor Karl Malden), Ruby y Jim Gentry deciden casarse con el shock que ello supone en el círculo social de alto standing en el cual éste se mueve, siendo constantes las muestras de rechazo que Ruby recibe en ese ambiente tan elitista y hostil. Una difícil situación que se complicará con el fortuito accidente mortal que Jim Gentry sufrirá en el mar, y que será usado por sus amistades como excusa para acusar a Ruby de estar detrás de ello. Ante ese injustificado ataque contra ella, Ruby tomará la decisión de cambiar radicalmente de actitud hacia todas aquellas personas que le han herido en su vida y, a partir de ese momento, toda esa gente empezará a recibir lo que habían hecho contra ella. Pero Ruby sigue siendo una mujer apasionada, y su hermano, obsesionado con la moral y la ética religiosa, no hará más que complicar mucho más las cosas. Disfrutarán “Pasión bajo la Niebla” contemplando estas magníficas tomas exteriores filmadas bajo la atenta mirada del genial director King Vidor, además de espectaculares e inolvidables escenas como cuando Boake Tachman y Ruby se encuentran rodando por la playa, con la fascinante imagen de Ruby fumando en el interior de su coche mientras sierran los postes que marcaban la propiedad de Boake Tachman en los pantanos, con la escena del baile y los coqueteos nada disimulados de Ruby con Boake Tachman bajo la atenta mirada de su marido Jim Gentry, o la impactante imagen de Jim Gentry en la barra ante el espejo. Un extraordinario largometraje de intriga con un final inolvidable. “Pasión bajo la Niebla”, sublime película de cine negro basada en la insaciable e implacable fuerza de la venganza. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

PASION BAJO LA NIEBLA Ruby Gentry 1952

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“KAGEMUSHA, LA SOMBRA DEL GUERRERO (影武者)”, 1980 (Reseña / Review #1689).

Reseña Cultural nº: 1689 // Reseña Media nº: 42
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 23 de noviembre del año 2010 conmemorando el centenario del nacimiento del genial director de cine japonés AKIRA KUROSAWA (1910-1998), y los 30 años de la presentación oficial de esta sublime película (1980).

Director: AKIRA KUROSAWA
Guión: AKIRA KUROSAWA y MASATO IDE
Año: 1980 Duración aprox.: 152 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. Año: 2007
Formato: 2 DVD (EDICIÓN COMPRADA)

KAGEMUSHA LA SOMBRA DEL GUERRERO AKIRA KUROSAWA

Galardonada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes del año 1980, y con el César a la Mejor Película Extranjera otorgado por la Academia de las Artes y Técnicas del Cine de Francia en 1981, “Kagemusha, la Sombra del Guerrero” es una película que la crítica especializada ha valorado como una auténtica obra maestra dentro del universo cinematográfico. De la mano del genial director de cine japonés Akira Kurosawa, a quien admiro profundamente por la calidad artística que siempre ha presentado en cada una de las maravillosas obras que ha rodado, el cinéfilo lector de Lux Atenea que decida asistir a este gran espectáculo visual de la imagen concebida como una obra artística, comprobará con sus propios ojos cómo el color, el movimiento, la coordinación, las tomas, los encuadres… acaban convirtiéndose en la radiante alma de esta película que le dejará fascinado por su sublime belleza. Situada en Japón durante el periodo feudal, su trama está basada en la búsqueda de un doble que pueda hacerse pasar por un poderoso señor feudal ante su inminente muerte, evitando con ello la pérdida de sus dominios. Finalmente encuentran como doble a una persona con un pasado poco honorable, reconduciendo su vida como respetado señor de la guerra. Un ladrón que, de la noche a la mañana, se le presenta una oportunidad única en la vida para renacer y para cambiar su aciago y triste destino a través de una nueva existencia que le otorga sentido vital y orgullo. Pero la vida cotidiana de un poderoso señor feudal también está llena de compromisos, de decisiones importantes que ha de tomar como gobernante, y de inevitables peligros que ha de esquivar, y que le llevarán a replantearse muy seriamente si continúa protagonizando este teatro de la realidad.

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Cuando en España empezó la expansión del formato de vídeo doméstico VHS y de los videoclubs, aparte de alquilar las películas más interesantes del momento, también me aficioné a alquilar películas japonesas debido al fascinante mundo cinematográfico que me mostraban. Unos largometrajes que me cautivaron artísticamente por el cuidado de la imagen y del color como parte plástica fundamental que da sentido a la obra. Con personajes interpretados magníficamente por actores que, viniendo de una esencia artística puramente teatral, daban vida y alma a sus personajes utilizando gestos y expresiones nada comunes en el resto de películas occidentales. Ese estilo tan característico en muchas películas japonesas de la época te obliga a fijar la mirada atentamente en sus personajes, mientras la escena nos ofrece ese ambiente único y bello como solamente los grandes directores japoneses son capaces de inmortalizar dentro del Séptimo Arte. Sobre todo, en tomas exteriores donde la naturaleza, el ser humano, y lo urbano, son considerados como una belleza fugaz que es grabada en fotogramas tras una paciente espera. Y es que no hay nada mejor que la belleza circunstancial y efímera que nos rodea para dar realismo y credibilidad a una trama, independientemente del escenario donde se desarrolle. Como analista cultural, así veo y siento la grandeza del cine japonés a la hora de convertir el escenario y el personaje en el diario de la existencia humana, ya sea en su carácter externo o en su universo personal interior. Uno de estos directores con ese virtuoso don artístico para poder reflejar la belleza en imágenes fue Akira Kurosawa, y en este año 2010 que en Lux Atenea estoy conmemorando el centenario de su nacimiento, es todo un honor y un placer escribir esta reseña sobre una de sus mejores películas: “Kagemusha, la Sombra del Guerrero”. Los tiempos han cambiado radicalmente desde los tiempos del VHS, con todos esos mágicos momentos que me llevaban a buscar una película japonesa en el videoclub y alquilarla sin saber qué te ibas a encontrar luego. Regresando a la actualidad, en esta preciosa edición en doble DVD podrán no solamente admirar esta grandiosa película, sino también conocer un poco más sobre la carrera cinematográfica de este genial director gracias a los extras aquí incluidos (entrevistas con George Lucas, Francis Ford Coppola, y Kurosawa; Akira Kurosawa: es maravilloso crear; Imágenes: la continuidad de Kurosawa…). “Kagemusha, la Sombra del Guerrero”, el color, el movimiento, y los gestos interpretativos convierten a este largometraje en una película de culto dentro del cine japonés más selecto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

KAGEMUSHA LA SOMBRA DEL GUERRERO 1980

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.