WE BE ECHO “DO NOT SWITCH ON” (AUTOEDITADO, noviembre 2023) (Reseña / Review #2011).

Posted on 18 enero, 2024 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2011 // Reseña Musical nº: 1359

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista canadiense Kevin Thorne (We Be Echo) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Cold Rain Gun // 2- At You, Because // 3- Sometimes // 4- Grey Grey Grey // 5- Die For You // 6- Sepia // 7- Shallow Hallow // 8- R.U.N. // 9- Tear Me Down // 10- Never Mind // 11- What Were You Thinking // 12- Centro Iberico
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical

A finales del mes de noviembre del pasado año 2023, el legendario artista canadiense Kevin Thorne, alma máter de We Be Echo, presentó su nuevo álbum “Do Not Switch On” autoeditado. Publicado en formato digital (disponible en página oficial de We Be Echo en Bandcamp) y en CD (Bandcamp y página web oficial de We Be Echo), “Do Not Switch On” ha sido engalanado con esta sencilla portada que sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea porque este álbum es una auténtica obra maestra a nivel musical. Ya en su álbum anterior “No Truth No Lie” publicado en el año 2022 (leer reseña), Kevin Thorne nos deslumbró con aquellos destellos místicos donde incluso lo gótico tenía una destacada e innovadora presencia musical (por ejemplo, en el tema “Download Me”), y siempre con esa base conceptual unida al post-industrial y a la música experimental a la hora de componer temas adelantados a su tiempo. Ahora, en su nuevo álbum “Do Not Switch On”, la columna conceptual principal es el rock tanto en su vertiente dark como en puntuales destellos indie, junto al post-industrial y a la psicodelia. Experimentación musical de vanguardia que llevará al melómano a poder respirar estos aires artísticos explorados únicamente por Kevin Thorne, mientras su lírica se transforma en poesía existencial donde metafísica y existencialismo dan sentido al mensaje irradiado por estos doce temas que vertebran el álbum. Pasión y talento en la composición que, ante tal muestra de excelencia artística, convierten a “Do Not Switch On” en una obra maestra destinada a ser disfrutada a lo largo de los próximos años, décadas, sin que pierda brillo artístico porque conceptualmente este álbum está muy adelantado a su tiempo. De por si, como analista cultural, no me extrañará nada que en un futuro me encuentre con otros artistas y grupos musicales cuyas obras han quedado influidas por este admirable álbum.

Iniciamos la audición de este espectacular álbum adentrándonos en el tema “Cold Rain Gun” con esta densa entrada musical en clave rock profundamente urbano y cosmopolita, ya que es la jungla urbana lo que Kevin Thorne ha recreado junto a la alerta constante del individuo sometido a una tensión ambiental brutal donde el homo homini lupus es el lema. “Cold Rain Gun” es rock tremendamente oscuro, sucio, underground, y con una intensidad sonora absoluta donde hasta los planos instrumentales parecen quebrarse. ¡¡¡“Cold Rain Gun”, impresionante!!! Sin perder esta atmósfera, el grandioso tema “At You, Because” les seducirá por su magia existencial donde el Yo queda anulado ante el Tu, dejando el individuo de ser centro para girar alrededor del otro ser que le irradia con su presencia. De lo inmóvil y estático pasó a ser condicionado por el spín y, por este motivo, “At You, Because” es una canción que transmite esa luz y espiritualidad de quien cree que ha encontrado su camino, su sentido de la vida. Retornando a la densidad musical inicial del álbum, en “Sometimes” será lo mental lo que quede perfilado con maestría gracias al talento de Kevin Thorne para crear agitadas superestructuras instrumentales que fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea. De “At You, Because” emanaba esa atmósfera musical nocturna y selénica del antro escondido en la ciudad, de allí donde se experimenta con el arte musical, y esta canción vuelve a ser otro ejemplo más de la mirada innovadora de Kevin Thorne en la composición donde el rock y el post-industrial llegan a acercarse hasta casi tocar la frontera conceptual del noir jazz. ¡¡¡“At You, Because”, chapeau!!!

La uniformidad, la mediocridad dominante en el entorno, y la ausencia de individualidad alguna, definen el trasfondo del tema “Grey Grey Grey”, siendo precisamente el color gris perfecto para describir de forma simbólica este escenario humano plano y lineal en el tiempo. “Grey Grey Grey” es la parálisis del espíritu humano, es el final de la evolución, es el tiempo transformado en una callada procesión humana hacia su propia sepultura, y este melódico plano instrumental para guitarra es ideal para recrearlo. “Grey Grey Grey” es musicalmente intenso, potente, opresivo como un mantra dictatorial, y el contraste sonoro con la voz con eco no hace más que potenciar su crudo mensaje. ¡¡¡“Grey Grey Grey”, qué excelso tema!!! Tras haber disfrutado su audición varias veces, a continuación, será la quiebra absoluta del espíritu romántico lo que quedará reflejado en el tema “Die For You”, anulado por ese pragmatismo existencial del individuo absolutamente decepcionado con la especie humana. En el fondo, si el sacrificio supremo ha de ser la propia vida, aquel por quien se sacrifica… ¿es verdaderamente tan excepcional como para merecerlo? “Die For You” es la cara opuesta del tema “At You, Because”, siendo una potente canción obscura donde el protagonismo sonoro de la guitarra es esencial para mostrar esta apertura mental tras el desvelo de la auténtica cara de lo humano. Aquí ya no hay sentimentalismo, aquí ya no hay engaño, aquí ya no hay emociones que condicionan, aquí ya no hay esperanzas en algo que realmente nunca ocurrirá. Posteriormente, el tema “Sepia” nos planteará cuestiones existenciales cuyo mensaje iría en paralelo al mostrado en “Grey Grey Grey”, pero “Grey Grey Grey” es más externo y centrípeto, y “Sepia” es más interno y centrífugo. Por este motivo, a nivel instrumental, este tema está muy bien configurado para transmitir esta ácida nebulosa donde el rock y la psicodelia se funden para crear esta pesadilla vital. Una inteligente lírica donde la presencia de lo simbólico es fundamental para transformar a la metáfora en el mensaje oculto tras el telón. Y como continuidad en el mensaje de “Sepia”, el extraordinario tema “Shallow Hallow” extenderá esta pesada alfombra sobre lo humano para anularlo. En “Shallow Hallow” no hay pensamiento, no hay curiosidad, no hay inteligencia, no hay espíritu crítico, no hay alma, y este plano melódico bajo crea la base sonora para enviar este mensaje con absoluta credibilidad musical de cara al melómano lector de Lux Atenea.

“R.U.N.” es angustia vital. “R.U.N.” es el miedo que provoca la huida. “R.U.N.” es el terror a ser descubierto. Un tema musical radicalmente obscuro donde lo gótico se entremezcla con el indie rock, siendo lo siniestro lo que crea dimensión sonora hacia el abismo mientras esta guitarra melódicamente libre apoya y realza la lírica hasta convertir la voz de Kevin Thorne en la solemne declamación de un ritual de protección. Desde luego, es una auténtica delicia recrearse en la audición de esta guitarra y cómo va mutando a lo largo de todo el tema. ¡¡¡“R.U.N.”, puro talento en la composición!!! Dando continuidad al protagonismo instrumental de la guitarra eléctrica, el tema “Tear Me Down” aparecerá tan contundente, desafiante, e inquisitivo como su lírica para transformar este estilo dark rock en una oquedad emocional donde todo da vueltas, donde no hay principio ni fin, y donde las contradicciones existenciales afloran para teñir sentimientos, emociones, y recuerdos. Un torbellino mental que lleva a señalar, mientras el amor se ha degradado hasta convertir la suave seda en un metálico alambre de espino que cada vez que se toca, provoca una herida emocional. Este entorno tan sentimentalmente agreste derivará en el tema “Never Mind” en la repulsa, en el rechazo, en anular cualquier posibilidad de acercamiento por el dolor que provocaría. “Never Mind” es una canción reflexiva que te incita a tomar un buen whisky mientras se disfruta plácidamente su audición. Los melómanos lectores de Lux Atenea con gustos musicales más obscuros disfrutarán especialmente este tema por la excelsa ambientación instrumental que We Be Echo ha configurado en esta canción, estableciéndose estas grietas estructurales como tormentosas presencias de los pensamientos a ser eliminados. Sin duda alguna, el tema “Never Mind” es la joya musical de este álbum por excelencia, la guinda color granate que corona este siniestro pastel artístico. Sin dar un momento de respiro, el tema “What Were You Thinking” aparecerá inmediatamente terriblemente obscuro con este tenebroso plano vocal en clave crooner que dará contraste al plano lírico principal. Envuelto en esta lisérgica estructura instrumental, aquí las preguntas, el anhelo, la inseguridad, y la incomprensión crean la fragilidad que se respira en todo el tema, y esta dinámica va a ir prolongándose en el tiempo como una línea espiritual dañada por los guiños del materialismo, del deseo, y de la fantasía más decadente. Desembocando en el tema “Centro Iberico” que clausurará este álbum, aquí se producirá ese antes y después que lo cambiará todo. Una ruptura absoluta de todo, de ahí su embriagadora estructura conceptual post-industrial para demoler lo antiguo y dar luz a lo nuevo, a ese nuevo plano existencial donde ya nada será como antes. “Centro Iberico” no es el final, sino el principio de. “Do Not Switch On”, Kevin Thorne profundizando en lo existencial para perfilar artísticamente el álbum musical más contundente y revelador de We Be Echo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

JULIO CÉSAR “GUERRA DE LAS GALIAS” (Reseña #1994).

Posted on 4 enero, 2024 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1994 // Reseña Literaria: 484
Reseña actualizada. Publicada el 26 de noviembre del año 2008 en Lux Atenea.

Publicado por: EDITORIAL GREDOS
ISBN: 84-249-2516-5
Edición: 2000 (EDICIÓN COMPRADA)

“Toda la Galia está dividida en tres partes, de las cuales habitan una los belgas, otra los aquitanos y la tercera los que en su lengua se llaman celtas y en la nuestra galos.”

Es indudable que gran parte de los acontecimientos históricos del pasado que conocemos actualmente han sido escritos o narrados por el bando vencedor, pero, dejando a un lado este factor que lo condiciona todo a la hora del análisis en profundidad de los hechos, hay obras literarias que impresionan por su realismo y por esas ganas de describir un conflicto bélico de forma bastante atractiva y bella literariamente hablando. Uno de estos interesantes libros es “Guerra de las Galias”, escrita por Julio César (100 a. C. – 44 a. C.). La Guerra de las Galias fue una larga campaña bélica que se desarrolló entre los años 52 y 58 antes de Cristo, y esta sangrienta contienda, ganada por Julio César de forma magistral pese a la clamorosa inferioridad numérica de su ejército, se convirtió en la semilla que llevaría a Roma a convertirse en Imperio y en la potencia hegemónica del mundo hasta entonces conocido. Con la conquista de toda la Galia, Roma no solo alejó el peligro de las cíclicas invasiones celtas que asolaban el norte de la península itálica, sino que también se apropió de unas riquezas de incalculable valor tanto en bienes materiales como en volumen de alimentos, siendo fundamentales para poder financiar y sostener su futura expansión continental y mediterránea.

“El punto capital de su doctrina es la inmortalidad de las almas, que, según ellos, pasan de unos a otros después de la muerte, y piensan que con esto se animan sobre manera a practicar virtud, perdiendo el miedo a la muerte.”

Como los cultos lectores de Lux Atenea ya conocen, Julio César fue el gran vencedor. Julio César fue quien convirtió la astucia en su mejor arma bélica. Y Julio César ya avisó previamente sobre su forma de concebir la guerra algunos años antes de iniciar esta campaña, cuando describió su participación en la batalla de Zela (año 47 a. C.) como “Vini, Vidi, Vinci” (“Llegué, ví, vencí”), una triple V que convirtió en su ofrenda personal para obtener los favores de la Victoria. El libro “Guerra de las Galias” es el relato de una proeza bélica durante la cual el genio militar de Julio César supo detectar el talón de Aquiles que hacía vulnerable a una cultura tan guerrera como la celta: la división y el conflicto constante existente entre sus líderes, sus aldeas, sus clanes… De esta forma, enfrentando a los unos contra los otros, solamente utilizó todo el poder bélico de su experimentado ejército romano cuando fue estrictamente necesario. Si a ello le unimos a una serie de crueles y sangrientas batallas en las cuales la tierra quemada y el exterminio de poblaciones enteras crearon un miedo atroz a oponerse a su paso, para muchos celtas, Julio César terminaría convirtiéndose en esa mezcla entre un admirado líder victorioso y un reverenciado dios guerrero sobre la tierra. Una propaganda en tiempos de guerra que resultó de lo más eficaz para los intereses de Roma al debilitar el espíritu de lucha galo. Y si desean informarse con más detalle sobre este acontecimiento clave en la Historia de Europa a través de las propias palabras escritas por su laureado protagonista, esta es la obra fundamental que buscaban. “Guerra de las Galias”, cuando la inteligencia y la astucia son más letales que el ejército más guerrero y con más combatientes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Esta asamblea, según costumbre de los galos, indica el comienzo de la guerra; por ley común y tradicional todos los jóvenes están obligados a acudir a ella armados; al que llega el último se le da muerte a vista de toda la multitud, en medio de los mayores tormentos.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

The Telescopes “Experimental Health” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1990).

Posted on 18 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1990 // Reseña Musical nº: 1358

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Because They Care // 2- The Turns // 3- When I Hear The Sound // 4- Leave Nobody Behind // 5- 45e // 6- Wrong Dimension // 7- Repetitive Brain Injury // 8- The Turns Again // 9- Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix) // 10- 45e (Mosaic Runes Remix)
Datos técnicos: Temas musicales compuestos por Stephen Lawrie entre los meses de enero y mayo del año 2022 en West Yorkshire (Inglaterra, Reino Unido), siendo producidos y mezclados por Stephen Lawrie en The Experimental Health Unit; álbum masterizado por Colin Tucker
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Because They Care // 3- When I Hear The Sound // 7- Repetitive Brain Injury // 9- Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix) // 10- 45e (Mosaic Runes Remix)

A mediados del pasado mes de noviembre fue presentado oficialmente el nuevo álbum “Experimental Health” de la legendaria banda musical inglesa The Telescopes liderada por Stephen Lawrie, convirtiéndose en el décimo cuarto álbum dentro de su dilatada carrera musical iniciada en el año 1987. Publicado a través del prestigioso sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD, el álbum “Experimental Health” ha sido engalanado con este trabajo artístico creado por el propio Stephen Lawrie, transmitiendo ese miedo y esa mirada de desconfianza reflejadas en este diseño de estética abstracta e intensa fuerza visual. En este reciente álbum de The Telescopes, el genial músico Stephen Lawrie nos muestra otra talentosa demostración de arte en la composición haciendo uso de la arriesgada esencia de la música experimental, de la provocadora sonoridad instrumental del estilo postindustrial, de la arrogante intensidad del noise, de la siniestra esencia melódica de la música gótica old-school, de la cíclica y pesada definición sonora del estilo industrial, y de la alucinógena esencia melódica de la psicodelia. Además, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con la calidad sonora alcanzada por Colin Tucker a nivel técnico durante la masterización de este álbum, adquiriendo una nitidez musical y una atmósfera sonora prácticamente tridimensional que convierte su audición en una contundente inmersión sensorial y en un fascinante viaje musical un tanto siniestro por su belleza.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en el primer tema “Because They Care”, cuyas bases sonoras ruidísticas situadas en primer plano ofrecerán una atmósfera tecnológica opresiva que será potenciada en su pesada fuerza dominante por esta voz apesadumbrada, y donde el individuo se deja llevar por la corriente de la vida sin rumbo ni control. De ahí los amplios ciclos melódicos que perfilan la estructura y el tempo lánguido de esta canción, reflejando la asimilación de una realidad no deseada que no es rechazada o combatida. Impresionados con este comienzo musical de vanguardia, a continuación, la experimentación sonora electrónica en clave postindustrial aparecerá en el tema “The Turns” como recreación del alocado carrusel que es la vida humana en este mundo, proyectando musicalmente el pragmatismo del carpe diem y la absurda seriedad de la propia existencia, de ahí que “The Turns” parezca el testamento vital de un clown harto ya de los claroscuros vividos. La expresión “The Turns” (“Las Vueltas”) que da título a este tema, se utiliza en centros hospitalarios para indicar las vueltas que hay que dar a un paciente en cama para evitar que le aparezcan llagas en el cuerpo cuando permanece largo tiempo en una misma posición. Además, a la hora de escribir la lírica de esta canción (“Live while you can, And live all over, When you’re dead, You’ll be dead all over”), Stephen Lawrie se inspiró en la perspectiva existencial de Edward McKenzie, vagabundo que llegó a un acuerdo con el artista inglés Robert Lenkiewicz (1941-2002) para que, tras su muerte, embalsamara su cuerpo. Luego, el tema “When I Hear The Sound” hará hincapié en esa pérdida del sentido de la propia existencia que caracteriza a la ciudadanía en la actualidad, y donde el horizonte futuro no se ve ni se intuye, sintiéndose lo presente como un cruel laberinto sin salida. Mucho más tenso en su ambientación musical, el tema “When I Hear The Sound” impresiona por su sepulcral magnetismo y por esta decadencia vital gótica cercana al Decadentismo, pero sin alcanzarlo al carecer de ese decimonónico carpe diem hedonista. Como analista cultural con gustos musicales profundamente góticos, el excelso tema “When I Hear The Sound” me ha dejado impresionado. ¡¡¡Chapeau!!!

El tema “Leave Nobody Behind” sumergirá al melómano lector de Lux Atenea en este entorno futurista marcado por la presión existencial y por las ansias de liberación de la férrea dinámica marcada, habiendo sido magníficamente recreadas en este plano industrial de cíclico tempo que se desarrolla a lo largo de toda la canción. Una sensación de agobio y de sometimiento que se siente hasta en este tono vocal tan bajo utilizado para declamar su lírica, y de donde emanan las ácidas lágrimas del destino encadenado. Posteriormente, el tema “45e” tomará su título de la clausura de una Ley de Salud Pública de 1984 que libra al individuo de que le apliquen tratamiento médico obligatorio, siendo este derecho del individuo y esta defensa de la libre elección los que fundamentan el mensaje de su lírica. Precisamente por este trasfondo existencial indomable ante la imposición, el tema “45e” adquiere un perfilamiento musical muy contundente en su halo futurista y tecnológico en clave sonora esencialmente experimental, y puntualmente postindustrial en algunos planos instrumentales. Una lánguida cadencia que, en el tema “Wrong Dimension”, desaparecerá en este panorama secuencial recreado en clave sonora electrónica, mostrando la ausencia de integración del individuo outsider en una sociedad donde no se cuestiona nada, donde se acepta todo, y donde la pausa para el análisis racional y lógico por parte del individuo es visto como una disidencia por parte del sistema. Melódicamente lisérgico, proyectar esta alteración mental constante en lenguaje musical eleva el arte en composición por parte de Stephen Lawrie, llevándonos hasta ese estado psicodélico donde todo está alterado y deformado.

Lo mental también estará presente en el tema “Repetitive Brain Injury”, pero a través de la perturbación y del rechazo, y su lírica repetida casi como un mantra no hará más que incrementar esta pérdida del equilibrio psicológico reflejado en esta canción. Apoyándose conceptualmente en la música experimental y en el estilo industrial más denso y transgresor, por su siniestra obscuridad, el tema “Repetitive Brain Injury” llega incluso a adentrarse en terrenos artísticos góticos hasta envolvernos totalmente con estos planos melódicos sepulcrales. ¡¡¡“Repetitive Brain Injury”, impresionante!!! En cambio, el tema “The Turns Again” romperá todos los esquemas sonoros y todas las ideas artísticas preconcebidas por parte del melómano al ser el fruto accidental del anterior tema “The Turns”, siendo su lírica reproducida al revés. A continuación, serán los remixes los que nos ofrecerán otra perspectiva artística de estos dos temas, siendo la banda musical londinense Black Market Karma la que presente esta extraordinaria reinterpretación rockera del tema “Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix)” en clave shoegaze, fascinándome por su brillante perspectiva musical donde la interpretación lírica es obscuramente magnética. ¡¡¡“Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix)”, grandioso tema!!! Clausurando este apasionante álbum, Mosaic Runes nos presentará esta fantasmagórica visión musical del tema “45e (Mosaic Runes Remix)”, fusionando lo psicodélico y lo experimental hasta abrir otra dimensión espacio-tiempo que alterará lo mental y alejará la gravitatoria fuerza de lo físico y terrenal. “Experimental Health”, solamente la experiencia musical de Stephen Lawrie (The Telescopes) a lo largo de más de tres décadas, y su incansable espíritu creativo, hacen posible la aparición de álbumes musicales de esta calidad artística tan ecléctica e innovadora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Sonologyst “Shortwave Spectrum” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1989).

Posted on 17 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1989 // Reseña Musical nº: 1357

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: CD1: 1- Sleeper Agent // 2- Numbers Station // 3- NNN German // 4- Enigma G03 // 5- Encoded // 6- Spektrvm
CD2: 1- Shortwaves
Datos técnicos: Álbum masterizado por Raffaele Pezzella
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Excelso Álbum Musical de vanguardia

A finales del pasado mes de noviembre fue presentado oficialmente el nuevo álbum de Sonologyst “Shortwave Spectrum”, publicado por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en ecopak 2CD. Engalanado con este diseño gráfico visualmente tan tecnológico a cargo de Abby Helasdottir, en su portada, la presencia de este bosque de antenas de transmisión de señales de radio indicará muy claramente al melómano lector de Lux Atenea sobre la fuente de inspiración principal que ha llevado al talentoso artista italiano Raffaele Pezzella, alma máter de Sonologyst, a crear este álbum musical tan espectacular. Absolutamente brillante en su concepción, y perfecto en la definición técnica establecida tras la masterización sonora realizada por el propio artista, en el álbum “Shortwave Spectrum” encontrarán esta integración conceptual innovadora de estilos musicales como el dark ambient, la electrónica experimental, high-tech ambient, industrial, minimal, y postindustrial. Además, la virtuosa utilización de sintetizadores analógicos y grabadoras analógicas junto a samples de transmisiones de radio de onda corta por parte de Sonologyst, convierten la audición de su nuevo álbum en toda una experiencia musical. En los siete temas que lo vertebran, Raffaele Pezzella ha sabido recrear con maestría el sentido y el trasfondo de estas transmisiones de onda corta de carácter secreto, cuyo uso viene motivado por la seguridad que ofrecen a las Agencias de Inteligencia y a las Fuerzas Militares sobre su fiabilidad debido a que no pueden ser interferidas ni anuladas, siendo un medio de comunicación perfecto para poder ponerse en comunicación con otras fuerzas militares propias o con agentes secretos haciendo uso de comunicaciones codificadas. Las grabaciones de estas transmisiones de onda corta fueron registradas por radioaficionados a lo largo de las últimas décadas, desde la Guerra Fría hasta la actualidad, ya que el uso de las transmisiones de radio de onda corta continúa realizándose en nuestro presente precisamente por su fiabilidad en estos tiempos tecnológicos marcados por la saturación de las vías de comunicación y de información, y por el uso de contramedidas electrónicas.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta admirable obra musical adentrándonos en la primera composición “Sleeper Agent”, donde la música electrónica experimental y las bases conceptuales dark ambient son perfectas para perfilar este tema cargado de misterio y de realidad oculta. Por este motivo, “Sleeper Agent” recrea fielmente esa expectativa latente del agente secreto denominado como ‘durmiente’, siempre a la espera de recibir la orden que active su misión. Esta sensación sonora de oquedad y de oscura gruta donde la inteligencia está atenta a lo exterior, da sentido a la presencia de estos planos musicales luminosos, configurando una atmósfera mefistofélica donde nada es lo que aparenta. La parte final de la composición bajo la influencia conceptual industrial y postindustrial, realza estos chirriantes planos sonoros, alertando al melómano lector de Lux Atenea sobre el peligroso trasfondo letal de estos agentes secretos absolutamente mimetizados en la sociedad hasta no crear la más mínima sospecha en su entorno. Luego, en el tema “Numbers Station” disfrutaremos de esta inteligente integración artística de samples de grabaciones de onda corta con planos musicales electrónicos de corte minimalista, mientras el drone crea espacios y profundidad en este escenario tan siniestro y obscuro como una fantasmagoría. Aquí, Sonologyst vuelve a demostrar su espíritu creativo de vanguardia definiendo esta tenebrosa estructura sonora situada conceptualmente en medio de la encrucijada musical de lo experimental con el dark ambient, y el minimalismo más crudo y desangelado.

En el tema “NNN German”, la armonización de esta grabación de la transmisión homónima alemana con un vibrante plano sonoro industrial, te sumerge en otro espacio y en otra dimensión marcada por la ausencia absoluta de lo humano, salvo en la presencia de esta gélida voz. Derivando hacia un crudo escenario dark ambient donde el sonido de fondo impide la aparición de luz alguna, la inmersión mental del melómano durante la audición de este tema es casi de ultratumba hasta provocar su unión psicológica con la belleza sublime más deshumanizada y mortífera. Conduciéndonos hasta el tema “Enigma G03” prácticamente sin darnos cuenta de ello, esta composición desplegará su espectro musical más tenebroso alejándonos de sus focos sonoros hasta sumergirnos en la más completa obscuridad, mientras nuevos planos industriales de ciclo mecánico se incorporan para envolvernos con la dramática esencia de su sentido de existencia y que derivará en un prolongado final de desasosiego emocional. Posteriormente, el tema “Encoded” nos ofrecerá una mayor sensación de actividad ambiental dentro de este entorno tan obscuro, hasta que su dimensión espacial vaya poco a poco revelando su esquivo trasfondo lógico encubierto en lo aparentemente indescifrable. Haciendo uso de un estilo dark ambient tan sepulcral que les impresionará, el artista italiano Raffaele Pezzella irá evolucionando la estructura musical hacia esta magnífica fusión conceptual con el high-tech ambient, emanando esta invitación a la contemplación de esta presencia fugaz de caduca exposición entre brumas enlazadas en su tiempo al pasado. Finalmente, clausurando este primer CD se encuentra el tema “Spektrvm”, mucho más dinámico e intenso respecto a las composiciones anteriores, y donde lo industrial unido al dark ambient dan esta personalidad sonora tan agreste, siendo de nuevo la lejanía sentida por el melómano respecto al foco sonoro principal lo que le provoca desazón y decaimiento. Un espíritu musical que hará que este tema sea un tanto lineal en su evolución, sumergiéndonos posteriormente en un nuevo escenario tecnológico siempre situado en la lejanía. Aquí las luces son señales y los planos sonoros, nuevas vías de transmisión, derivando hacia este estilo high-tech ambient tan crudo y minimalista.

El segundo CD “Shortwaves”, de casi 42 minutos de duración, fascinará al culto melómano de Lux Atenea al convertirse en una compilación de transmisiones de radio de onda corta, algunas de las cuales continúan emitiéndose en la actualidad. De esta forma, iniciaremos esta atrayente audición viajando al pasado hasta situarnos en la República Democrática Alemana y sus transmisiones NNN German (hasta el minuto 1 y 19 segundos) y la siniestra Enigma G03 (hasta el minuto 2 y 8 segundos) utilizada por su ejército y por su policía secreta. A continuación, hasta el minuto 2 y 50 segundos escucharán el ruidístico sonido del Radar de Investigación Ionosférica (Ionospheric Research Radar), para luego ir hasta el minuto 3 y 51 segundos con el rítmico sonido digitalizado de la Red de Defensa China y su Chinese Robot activo en la actualidad. Desde China viajaremos hasta la localidad rusa de Rostov On Don y el sonido cibernético de su Rueda Chirriante (The Squeaky Wheel), que nos acompañará hasta el minuto 4 y 23 segundos, a partir del cual la emisión Three Day Mystery nos ofrece estas ondas pulsantes recogidas en el mes de julio de 2004 y cuyo posible origen es la Marina Británica. En el minuto 5 y 8 segundos retornaremos a las transmisiones de voz con la rusa UVB-76 de la década de los ochenta, al igual que desde el minuto 5 y 59 segundos volveremos a Alemania del Este con la melódica The Gong Station utilizada por sus servicios secretos. A continuación, en el minuto 6 y 29 segundos será protagonista la transmisión de voz The PIP que permanece activa desde el año 1985 todos los días, llevándonos hasta el minuto 6 y 51 segundos donde comenzará la ruidística Enigma 2000 que se mantuvo activa en los meses de mayo y junio de 2004, y cuyo halo misterioso tendrá su continuidad en el minuto 7 y 22 segundos con esta extraña emisión musical un tanto retro captada en el año 1970, convirtiéndose luego en puramente codificada hasta que estas locuciones estadounidenses y fragmentos musicales den paso a otras codificaciones. Posteriormente, en el minuto 13 y 3 segundos iremos hasta la península de Corea con esta transmisión de voz de una radio clandestina procedente de Corea del Norte que evolucionará hacia una melódica emisión musical, durando hasta el minuto 14 y 51 segundos a partir del cual escucharemos esta débil grabación de la transmisión de voz surcoreana ECHO OF HOPE-VOH.

Otra vez con Rusia como fuente de emisión, en el minuto 15 y 52 segundos comenzará la fantasmagórica transmisión The Russian Workshop captada el día 1 de diciembre del año 1997, llevándonos hasta el minuto 16 y 36 segundos con Cuba y su Dirección de Inteligencia como emisores de la transmisión de voz Cuban HM01 de codificación numérica. Luego, un halo de misterio envolverá la sonoridad acuática de la transmisión Chopper desde el minuto 22 y 56 segundos hasta el minuto 23 y 24 segundos, donde los melómanos lectores de Lux Atenea podrán escuchar la transmisión numérica de voz emitida por los rusos en idioma inglés una hora después de declarar oficialmente el inicio de la Guerra de Ucrania (24 de febrero del año 2022). Ahora, dirigiéndonos hasta la anglosfera, en el minuto 30 y 3 segundos dará comienzo la transmisión HF-GCS de la Fuerza Aérea Estadounidense captada en el año 2019, llevándonos hasta el minuto 31 y 9 segundos donde el Reino Unido es el emisor de la transmisión numérica de voz E11 Oblique captada en 2021. Posteriormente será la Real Fuerza Aérea Australiana protagonista de esta transmisión de voz del año 2014 que podrán escuchar desde el minuto 35 y 50 segundos hasta el minuto 38 y 26 segundos, donde comenzará esta transmisión de voz cíclica y repetitiva captada del día 19 de diciembre de 2004 al 16 de febrero de 2005 y que se cree que tuvo como origen el MATIC (Mobility Assessment Test & Integration Center) situado en el estado de Nuevo México (Estados Unidos de América). Clausurando este segundo CD del álbum, en el minuto 39 y 32 segundos comenzará esta transmisión de voz en idioma español que cerrará esta curiosa compilación de transmisiones. Tras las reseñas publicadas de sus grandiosos álbumes “Interdimensional” y “Silencers”, el artista italiano Raffaele Pezzella (Sonologyst) vuelve a ser el ilustre protagonista cultural en Lux Atenea. “Shortwave Spectrum”, la atenta audición de este excelso álbum será una de las experiencias musicales más innovadoras e impactantes que tendrá el melómano afín a la vanguardia, entre todas las ediciones discográficas publicadas en este año 2023. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Jarl “Isolation Colours” (ZOHARUM, septiembre 2023) (Reseña / Review #1988).

Posted on 16 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1988 // Reseña Musical nº: 1356

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD de seis paneles, edición limitada de 300 unidades (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Circle -1- Grey – Scale One // 2- Circle -2- Blue Grey – (Livid) // 3- Circle -3- Blue // 4- Circle -4- Blindness // 5- Circle -5- Black // 6- Circle -6- White // 7- Circle -7- Grey – Scale Two
Datos técnicos: Temas musicales grabados por Erik Jarl entre los meses de junio y noviembre de 2022 en la ciudad sueca de Norrköping, salvo el tema “Circle -3- Blue” grabado en el invierno y la primavera del mismo año; álbum masterizado por Peter Andersson
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 3- Circle -3- Blue // 4- Circle -4- Blindness // 6- Circle -6- White

El talentoso artista sueco Erik Jarl vuelve a ser protagonista cultural en Lux Atenea tras la presentación oficial de su nuevo álbum “Isolation Colours” el pasado mes de septiembre. Publicado a través del prestigioso sello discográfico polaco Zoharum en formato digital y en esta preciosa edición limitada de 300 unidades en digipak CD de seis paneles, “Isolation Colours” viene engalanado con este atrayente trabajo artístico creado por Radoslaw Kaminski donde los cromatismos se vuelven difusos y nebulosos en su interactuación, siendo el fondo negro perfecto para resaltar su alma visual y su intensidad de luz. Precisamente con los tonos cromáticos como fuente principal de inspiración para los siete temas que vertebran esta extraordinaria obra, aquí Jarl ofrecerá al melómano lector de Lux Atenea esa recreación sonora precisa y envolvente del color en relación con las sensaciones y los estados de ánimo que puede provocar, convirtiendo a “Isolation Colours” en un álbum profundamente magnético en su seductora esencia musical. Ya en el año 2014, junto a David Reed (Envenomist), Jarl nos dejó impresionados con los aires conceptuales innovadores que emanaban del álbum “Tunguska Event” (leer reseña publicada), y, ahora en 2023, Erik Jarl vuelve a demostrarnos su talento en la composición con estos nuevos temas cuya brillantez conceptual sigue situándolo en la vanguardia dentro de esta escena musical. “Isolation Colours” es inmersivo, sensorialmente embriagador, e introspectivo en cuanto a sensaciones, desplegándose paso por paso como composiciones únicas e individuales cuyo nexo de unión son los colores, sus frecuencias lumínicas, y sus emanaciones sensoriales. De ahí este halo hedonista e individualista que provocará su audición en el melómano, porque disfrutar cada tema del álbum “Isolation Colours” se convierte en algo muy personal donde el amante de la música se aísla mentalmente del exterior para sumergirse en estas magnas recreaciones sonoras casi reales y visibles por su virtuosa definición sonora, tras haber quedado especialmente resaltadas con el magnífico trabajo técnico de masterización realizado por Peter Andersson. Unas estructuras musicales conceptualmente unidas a la escena experimental, pero cuya base ecléctica las une al ambient, dark ambient, high-tech ambient, industrial… en su definición sonora.

Iniciamos esta inmersión musical adentrándonos en el primer tema “Circle -1- Grey – Scale One”, donde la aparición de este escenario sonoro high-tech ambient fundido con dark ambient cubrirá todo el entorno por su densidad musical. Convulso y activo, aquí todo fluye, se mueve, muta, y se fusiona hasta crear esos contrastes fruto de la integración. Planos sonoros espectaculares que aparecerán como pinceladas musicales de vanguardia a lo largo de todo el tema, y cuya estructura siempre da solidez a su evolución a pesar de esta intensa actividad que se irá calmando entre iridiscencias cuando lleguemos al final de la composición. Posteriormente, el tema “Circle -2- Blue Grey – (Livid)” aparecerá mucho más pulsante y acelerado dentro de este estilo ambient tan expansivo, que se irá oscureciendo progresivamente cuando derive hacia este siniestro dark ambient que provoca inquietud y agobio por su oscuridad y por su rápido tempo. Como si fuera un poderoso pulsar a punto de explotar, “Circle -2- Blue Grey – (Livid)” es casi tan diabólico como una apocalíptica cuenta atrás, proyectando esa sensación perturbadora de estar en un acantilado al borde del abismo en una noche de luna nueva. Hasta los fugaces destellos sonoros que recorren este espacio de un extremo a otro desprenden esa sensación de alarma, mientras el dark ambient se va volviendo más y más cavernoso hasta quedar controlado y definido en su base por un rítmico plano musical industrial que también desembocará en esta apertura iridiscente. Con el tema “Circle -3- Blue” vibrando en su oscilante desarrollo dimensional, aquí la esencia conceptual ambient se eleva hasta lo universal, hasta lo cósmico, volviéndose sublime en su belleza mientras contemplamos lo inabarcable e insondable. Con la mirada lanzada a un horizonte grandioso y colosal, “Circle -3- Blue” es superlativo en su estructura sonora multicapa donde cada nuevo plano musical no hace más que aumentar su halo místico, ofreciendo esa luz enlazada a lo espiritual que hechizará al melómano con inquietudes existenciales más allá de lo terrenal y material. ¡¡¡“Circle -3- Blue”, impresionante!!!

El tema “Circle -4- Blindness” nos mostrará su belleza musical en clave dark ambient, teniendo al viento como tenebrosa presencia cuyo poder se muestra omnipresente y dominante. Estos fugaces planos sonoros de terrosa esencia serán ideales como antesala musical del siguiente tema “Circle -5- Black” que, curiosamente, será mucho más luminoso en su comienzo, dando continuidad al estilo ambient de carácter cósmico del tema “Circle -3- Blue”, pero con más matices musicales que se presentarán de forma muy sutil y discreta. Cíclico en su transformación sonora, “Circle -5- Black” provoca calma y despierta los sentidos, permaneciendo en ese estado de placidez consciente que eleva el plano existencial y que abre puertas mentales a ese otro lado de la vida oculto tras el telón de lo físico. Tocando muy levemente el ritual ambient por sus características sonoras, no traspasa nunca esa frontera conceptual debido a la ausencia de lo ceremonial y de ese lado mágico orquestado como acto simbólico y metafórico porque “Circle -5- Black” está situado en un plano mucho más elevado de lo terrenal. A continuación, lo espacial nos presentará esta actividad rodeada de oscuridad en el tema “Circle -6- White” y, por este motivo, la sensación de soledad será intensa y profunda como si fuéramos un cosmonauta en solitario surcando el universo. Los ecos, los planos sonoros cristalinos, el tempo cíclico proyectándose infinitamente, hacen que la audición de este tema sea algo maravilloso, mágico, y seductor. Un viaje a lo universal como revelación del interior del ser, siendo la contemplación de la inmensidad, la metáfora del inconsciente obscuro e inconmensurable cuya actividad y poder permanecen ocultos a la luz de la Razón y de la Lógica. Casi lisérgico en su duración, “Circle -6- White” es una excelsa joya musical que nos muestra la admirable capacidad creativa de Jarl a la hora de hipnotizarnos con su vanguardia musical de primer nivel. Clausurando este extraordinario álbum, el pulsante tema “Circle -7- Grey – Scale Two” nos llevará a un estado mucho más calmado donde estos ecos redefinen el entorno a través de una delimitación de las distancias que, con la aparición de planos musicales mucho más cercanos a nosotros en este espacio, irán creando un caleidoscopio sonoro de esencia psicodélica donde sus mutantes destellos rompen lo mental para condicionarnos y poseernos. Aquí todo es contemplación, distancia, y pasividad, viendo el Ego anulado su poder debido a la fuerte atracción de lo hierático que este tema transmite, apagándose poco a poco en su ocaso. “Isolation Colours”, cuando la recreación sonora de colores y estados de ánimo se convierte en arte musical. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Merzbow “Cafe OTO” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1987).

Posted on 4 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1987 // Reseña Musical nº: 1355

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (recibido como promocional)
Tracklist: 1- Untitled Knife I // 2- Untitled Knife II
Datos técnicos: Composiciones musicales grabadas en directo el día 1 de octubre del año 2016 en Cafe OTO (Londres) por Shaun Crook, habiendo sido mezcladas y masterizadas por James Dunn; álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Ambos CD’s. Excelso álbum musical en directo imprescindible dentro de la escena noise

En este blog cultural y existencial vuelve a ser protagonista el genial artista japones de vanguardia musical noise Masami Akita, alma máter de Merzbow, tras la reciente publicación de su álbum en directo “Cafe OTO”. Los melómanos lectores de Lux Atenea ya conocen el impactante estilo sonoro de Merzbow tras la publicación de mis análisis musicales (reseña del álbum “Animal Liberation”, reseña del álbum “((Vibra)) MMVII”, reseña del álbum “No Closure”, reseña del álbum “Partikel III”, reseña del álbum “A Perfect Pain”), siendo de nuevo la autenticidad de su contundente directo sonoro lo que enriquece su prolífica obra musical. Publicado oficialmente a mediados del pasado mes de noviembre a través del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una elegante edición en ecopak 2CD, el álbum en directo “Cafe OTO” viene engalanado con este magnífico trabajo artístico creado por Abby Helasdottir donde la fotografía de portada, tomada por el propio artista japonés Masami Akita, refleja la complejidad técnica del equipo musical virtuosamente utilizado en su actuación en vivo. La magia artística de Merzbow simbólicamente inmortalizada en una sola imagen, que lo dirá todo para el melómano lector de Lux Atenea que lo observe con sumo detalle.

Dos CD’s atesorando este brillante y potente espectáculo musical en directo grabado por Shaun Crook el día 1 de octubre del año 2016 en Cafe OTO (Londres), y tras haber sido mezclado y masterizado por James Dunn. Pero es con la perfecta remasterización realizada por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), donde el álbum “Cafe OTO” despliega todo su poder sonoro sin concesiones, ofreciendo una nitidez musical ideal al melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta joya discográfica, además de unos niveles de registro sonoro perfectos y una dimensión espacial que transforma la audición de este álbum en una experiencia única y arrolladora. Música noise en estado puro gracias a la maestría musical de Merzbow, y a la maestría de Martin Bowes como el mayor experto sonoro a nivel técnico que existe dentro de esta escena en la actualidad. Precisamente en remasterizaciones tan complejas y difíciles como “Cafe OTO” es donde un maestro en labores técnicas demuestra su trabajo sonoro más perfeccionista y equilibrado. ¡¡¡Qué grandioso espectáculo musical en directo de Merzbow para ser disfrutado con absoluta autenticidad!!!

Iniciamos esta inmersión en el universo sonoro noise de Merzbow adentrándonos en el primer CD “Untitled Knife I”, donde este brumoso plano ruidístico va a ir adquiriendo sutiles tonalidades noise desde el fondo hacia su primer plano, para luego integrarse en una nueva dimensión. Cuando otros planos sonoros noise surjan de repente para incrementar el espectro musical, todo el entorno irá perdiendo su amplitud dimensional para saturar el ambiente hasta llevarnos a escenarios conceptuales de vanguardia donde el nihilismo posmoderno aflora en su trágica angustia. Llegando a esta fase musical, con la pérdida de la noción del tiempo por parte del melómano lector de Lux Atenea, la distorsión del norte existencial verá truncada su visión ante una cortante realidad que condicionará progresivamente este espectro sonoro, primero de forma puntual, y luego de forma mucho más extrema y desafiante cuando estos afilados pasajes sonoros lo dominen todo. Un presente cortante y sangrante cargado de sadismo que ahoga, que disfruta respirando la densa adrenalina emanada del miedo, mientras la degradación ambiental no deja de arrancar cualquier rastro de belleza. Sumergidos en la tormenta de la existencia, a partir de aquí, Masami Akita vuelve a hacer otra contundente demostración artística de su maestría dentro de la escena noise, configurando diversos planos sonoros que aparecen, se solapan, se amortiguan, y se funden en otro plano final de lo más arrollador. Incluso, con la entrada de este latente tempo industrial como el latido de una maquinaria en incesante actividad, la sensación de desasosiego irá incrementándose hasta ahogar física y mentalmente, condicionando emociones bajo estas emanaciones musicales extremas que van revelando su distorsionada alma.

Un despliegue de frecuencias y distorsiones terminarán sincronizándose para abrir este espectáculo de deshumanización, proyectado a un futuro lacerante y posesivo en su trasfondo psicológico. Sin vía de escape posible y con la inadaptación ya asumida, cada segundo es una tortura existencial, y cada latido es una nueva herida en el Ego maltratado. Elevando el foco de observación, todo el entorno es un inmenso sistema destructivo que se manifiesta desde lo más grande a lo más pequeño e insignificante, y el espectáculo de esta incansable acción mecánica es desolador. Un aliento frío se materializa, una piel acartonada de abre debido a la desesperanza, y una mano toca el muro para ser seccionada al instante. Aquí todo es cruel, pero al ser todo cruel en lo absoluto, la pérdida de la noción de lo bueno y de lo malo se consigue para eliminar ese baremo existencial definitivamente, cambiando radicalmente el escenario sonoro desarrollado por Merzbow con la entrada de múltiples focos sonoros vibrantes, distorsionados, y modularmente alterados en su tempo. Con la difuminación del Mal omnipresente y dominante en un entorno donde todo es obscuridad, donde no hay contraste, en ese preciso instante será cuando comience su declive, su decadencia, su automutilación, y el canibalismo del propio sistema hacia sí mismo, derivando a un abismo sistémico donde no hay salvación posible porque no hay opciones. Sólo un presente perfecto despótico que se autodestruye, y que ha sido admirablemente recreado en este acelerado latido y en estos planos ruidísticos extremos que asfixian. Todo irá alterándose, todo perderá su sincronización apareciendo las malfunciones, pero el sistema cree que sigue siendo perfecto. Con el ocaso ya inevitable, el tiempo solamente estará presente como testigo de su caída final y del consiguiente vacío.

En el segundo CD “Untitled Knife II”, el cambio creativo en su espíritu sonoro vendrá definido por los matices, empezando de nuevo con esta nebulosa noise que será desgastada tan implacablemente como si fuera una pieza metálica cortada por una radial. Poco tiempo después, comenzará la saturación dimensional con la entrada de nuevos planos sonoros ruidístas que irán cubriendo cualquier espacio libre hasta hacerse hegemónicos. Con los espacios ya restringidos y el aire completamente congestionado con frecuencias áridas y armónicos descontrolados, aquí el sonido de Merzbow alcanza ese clímax artístico que expandirá la mente del melómano lector de Lux Atenea afín a la vanguardia más transgresora e innovadora. Permaneciendo Masami Akita absolutamente concentrado en la definición musical, el pulido de esta estructura multicapa presenta características especiales en su progresión sonora que desvela puro talento en la concepción artística en directo. Arte de vanguardia fluyendo para romper límites y barreras, mientras este vórtice sonoro va abriéndose al margen de la sociedad y de la dinámica cotidiana existente en el exterior de este evento artístico. Como en el cráter de un volcán, situados en su interior parecerá que hemos quedado apartados del reloj universal que marca el paso del resto del mundo, estando cubiertos ahora con capas sonoras noise que desvelan hundimiento y tragedia. Todo se hará opaco a lo humano, todo irá agrietándose, y todo perderá su densidad amenazando con desmoronarse. Ante este ruinoso espectáculo, la belleza sublime aparecerá en la contemplación del implacable paso del tiempo como hacedor de polvo y sombras.

Mientras Masami Akita continúa destilando esta esencia noise hasta purificarla en grado máximo, su concentración irá aumentando para saturar los sentidos y llevar al melómano a ese estado de ruptura mental. Aquí la música noise desvela y filtra lo poco que queda de armonía para apartarlo de la estructura artística, quedando únicamente estas columnas noise que se erigen desafiantes en este espacio musical extremo. Lo tecnológico y lo artístico llevado al plano musical en sus límites periféricos más excesivos. Cuando Merzbow logra configurar lo supremo, entonces este crisol sonoro noise se quiebra para expandirse y desgastarlo todo, calmándose en la latencia y en el tempo pausado que será de nuevo alterado para crepitar, reanimándose en una nueva estructura sonora ácida que provoca ansiedad. Y a cada cambio, una nueva opresión del espacio cada vez más angustioso. Agobiados, aquí hasta cuesta respirar, quedando lo orgánico fuera de lugar en este entorno sobresaturado y excesivamente rígido, de ahí esta creciente tensión que acabará quebrando, hundiéndose, y reactivándose en una sucesión de fases hasta desaparecer repentinamente. Indiscutiblemente, quienes tuvieron la oportunidad de asistir en el año 2016 a este directo musical en la ciudad de Londres, vivieron una experiencia única donde Merzbow se manifestó como innovación y transgresión artística en estado puro. “Cafe OTO”, el talentoso artista japonés Masami Akita realizando otra contundente demostración sonora en vivo de su creatividad musical de vanguardia dentro de la escena noise. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Burial Hex “In Hiding” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1986).

Posted on 2 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1986 // Reseña Musical nº: 1354

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD (recibido como promocional)
Tracklist: 1- O’ Crescent Shedding Queen! Dark Tide Is Cast Inside The Hearts Of Those Who’d Lay Siege To Your Luminous Shade // 2- Of Roses, Astronomers & The Falsely Accused // 3- From Heel To Throat // 4- A Kiss To Birth The Rotted Sun // 5- Backwards Curse // 6- Penitential March // 7- Magic Without Tears // 8- Pacing The Hollow // 9- Feral Blood Vision
Datos técnicos: Temas musicales remasterizados por Clay Ruby y Nathaniel Ritter entre los años 2022 y 2023
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna compilación musical

A finales del pasado mes de septiembre, el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records presentó oficialmente esta compilación musical de Burial Hex, vertebrada por nueve temas musicales pertenecientes a varias ediciones discográficas publicadas en formato digital, en vinilo, y en cassette, habiendo sido reunidas y publicadas por primera vez en formato CD en esta preciosa edición que incluye el tema inédito “Penitential March” como extra. El álbum recopilatorio “In Hiding” ha sido engalanado por Nathaniel Ritter con este impactante diseño, destacando especialmente su impactante portada de totémica estética visual y trasfondo simbólico unido a lo mágico. Una imagen intensa donde su configuración y su perspectiva revela ese halo metafórico enlazado con el subconsciente, llevando su mensaje más allá de lo lógico y racional, pero unido inequívocamente a lo humano y sus creencias espirituales y metafísicas que se pierden en el principio de los tiempos. A nivel técnico, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados con el magnífico trabajo de remasterización realizado entre los años 2022 y 2023 por Nathaniel Ritter y Clay Ruby, alma máter de Burial Hex. Una base musical renovada y potenciada con esta nueva mezcla sonora ideada por Clay Ruby, y que impactará al melómano con esta contundente demostración de talento artístico, ofreciendo el virtuoso espíritu creativo de vanguardia dentro de esta escena musical que ha erigido a Burial Hex como uno de sus máximos representantes. Prueba de ello es la atrayente panorámica sonora desarrollada a lo largo de todos estos años por Burial Hex, y que los melómanos lectores de Lux Atenea han ido conociendo en este blog cultural gracias a la cortesía de Cold Spring Records (reseña del álbum “Gauze”; reseña del álbum “In Psychic Defense”).

Sin más demora, iniciamos este viaje musical adentrándonos en el primer tema “O’ Crescent Shedding Queen! Dark Tide Is Cast Inside The Hearts Of Those Who’d Lay Siege To Your Luminous Shade”, donde lo acuoso y lo siniestro perfilan sonoramente este entorno áspero para lo humano mientras planos musicales afilados e iridiscentes vuelven a crear esa dualidad ambiental. Con el plano vocal transmitiendo su belleza obscura más tenebrosa, esta composición irá derivando del dark ambient al ritual ambient con una tormentosa aura sonora que sobrecogerá a los melómanos lectores de Lux Atenea. Además, tras esta primera muestra de maestría en el apartado técnico de remasterización, este álbum dejará abierta su puerta artística mediante el irresistible atractivo del sonido nítido, dimensional, y embriagador. Cuando los instrumentos de cuerda hagan su entrada en esta estructura musical, la evolución del ritual ambient a la música contemporánea también incorporará matices sonoros propios de la música experimental que les hipnotizará por su obscuro magnetismo envolvente, destacando especialmente su tenebroso plano vocal como antesala de este potente estilo post-industrial que dará algo de luz al entorno, pero sin perder su belleza siniestra. El retorno a la inquietante calma con el sonido del agua siendo de nuevo protagonista, adquiere ese tacto artístico único del dark ambient pero cercano a su frontera conceptual con el ambient. Profundamente impresionados, la inmediata llegada del tema “Of Roses, Astronomers & The Falsely Accused” será sentida como una apertura a lo primitivo, a los espacios abiertos, y a la noche. Una sobriedad donde la calma espiritual encuentra su sentido simbólico en el crepitar del fuego, para luego dar paso a este estilo conceptual propio de la mítica Escuela de Berlín de la década de los setenta donde la música electrónica presenta este alma universal, expansiva, y suprahumana. Con la brutal entrada de estos planos sonoros vocales, todo se volverá extremo y dominante a través del temor y de la coacción, reconfigurando su posesivo mensaje cuando se sumerja en estas decadentes olas post-industriales.

Posteriormente, el tema “From Heel To Throat” les seducirá con esta ambientación ceremonial cargada de ritualismo, de abandono de la Razón, y de emanación de lo visceral y emocional llevado a lo externo, al fetichismo de lo simbólico. Hasta estos pasajes melódicos propios del neofolk fluirán como revelación de lo unido a lo terrenal, a lo físico, al entorno natural fluyendo en éxtasis casi místico. “From Heel To Throat” es una composición intensa donde el eclecticismo conceptual lleva a su estructura sonora a evolucionar de forma innovadora, definiendo un viaje musical cuya belleza embriagará la mente del melómano. Aumentando la luz, el tema “A Kiss To Birth The Rotted Sun” será radical desde su inicio, cayendo psicológicamente sobre la mente con su aplastante dominio de lo extremo en su pesado rumbo a lo barroco, pero una esencia barroca decadente y monstruosa. Aquí, el horror se vuelve psicótico, degradante, y perturbado, transmitiendo desesperación y locura como manifestación de la pérdida de la cordura. Ojos que desean compasión, pero su mirada es fría y salvaje en su brutal obsesión. Hasta el plano melódico para órgano cayendo como una maldición refuerza esta recreación de lo irracional, quedando luego otra vez situado en el psicodélico caleidoscopio de la mente extraviada. Con el tema “Backwards Curse” presentándose con este plano melódico infernal, el horror quedará reforzado musicalmente con esta tenebrosa presencia vocal propia de una película de terror, de un cuento de Halloween, o de una casa maldita, siendo una composición conceptualmente mucho más lineal hasta su abrupta entrada en el estilo noise más áspero y pesado. ¡¡¡“Backwards Curse”, belleza siniestra en estado puro!!!

“Penitential March” es el título del tema inédito incluido en esta compilación musical, pasando del horror del tema anterior al dark ambient más experimental y melódico. Una atmósfera sonora lúgubre donde se respira lo mortuorio y lo escatológico, siendo lo melódico lo que da soporte a toda esta estructura musical con reminiscencias al cine estadounidense de terror de los años setenta. A continuación, el tema “Magic Without Tears” tendrá una definición sonora más gótica y, cinematográficamente hablando, más cercana a la inconfundible ambientación del estilo artístico que caracterizó a la mítica compañía inglesa Hammer. Breve en su duración, “Magic Without Tears” será la antesala perfecta para resaltar el siguiente tema “Pacing The Hollow”, proyectando una inquietante calma en el entorno a pesar de este plano melódico folk un tanto degradado en su estructura y en su evolución. Decadencia, recuerdos, y desesperanza bullendo en un presente insatisfactorio donde la mirada al pasado es dolor, y donde en el futuro sólo hay cenizas y olvido. Como opening musical de una serie de televisión de culto, el tema “Pacing The Hollow” sería perfecto. Finalmente, el tema “Feral Blood Vision” extenderá el telón de clausura de este álbum con la presencia del arte musical de Mater Suspiria Vision (recomiendo la lectura de la reseña de su álbum “666”), ya que inspiró a Clay Ruby para crear esta composición sonora experimental. “Feral Blood Vision” presentará este crescendo luminoso como la contemplación de un amanecer, para luego adentrarse en terrenos conceptuales propios del ambient en su definición sonora electrónica. Una contemplación de lo sublime mientras lo físico fluye, se transforma, y avanza hacia esa mutación renovada que será temporalmente caduca por su característica material. Por este motivo, la composición musical irá poco a poco apagándose hasta renacer con un nuevo impulso sonoro más pesado y denso, cuyo tempo se ralentizará hasta eclosionar en un nuevo escenario luminoso de estilo ambient, puntualmente oscurecido con estas pinceladas vocales siniestras. “In Hiding”, magna compilación musical de imprescindible audición para poder conocer la excelsa obra artística de Burial Hex dentro de la vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Indalaska “Musique des Sables” (ZOHARUM, febrero 2023) (Reseña / Review #1985).

Posted on 1 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1985 // Reseña Musical nº: 1353

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Ecopak CD de seis paneles, edición limitada de 250 unidades (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Tracklist: 1- L’éveil des eaux dormantes // 2- Transfixion // 3- Le bleu superstition // 4- Le premier jour de sable dans l’éther
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena dark ambient de vanguardia

Los melómanos lectores de Lux Atenea ya conocen la excelsa creatividad musical del dúo artístico francés formado por los hermanos Frédéric Charlot y Olivier Charlot, tanto en Maninkari (reseña de su álbum “Continuum Sonore Part 7>14”) como en Sphyxion (reseña de su álbum “3”), siendo en esta ocasión en su reciente álbum de Indalaska “Musique des Sables” donde exploran nuevos espacios sonoros. Como analista cultural, cuando un artista o una banda musical cambian completamente su estilo de composición, siempre agradezco que cambien de nombre a su nuevo proyecto para no confundir a los melómanos que disfrutan intensamente sus creaciones musicales. Por este motivo, como Indalaska, en el caso en particular del álbum “Musique des Sables”, me fascina su avanzado concepto sonoro dentro del estilo dark ambient donde el drone aparece para dar dimensión a la estructura musical, y para perfilar espacios de cara a otros planos sonoros. Publicado oficialmente el pasado mes de febrero a través del prestigioso sello discográfico polaco Zoharum en formato digital y en esta atrayente edición limitada de 250 unidades en ecopak CD de seis paneles, el álbum “Musique des Sables” ha sido engalanado con este diseño de portada retro creado por el propio Olivier Charlot, con reminiscencias a los diseños de portada de los álbumes de la década de los noventa dentro de la escena electrónica underground. Un estilo de diseño donde la representación de espacios en 3D en malla digital cubierta de una superficie base a falta de sus texturas definitivas, daban ese halo tecnológico aplicado al universo musical. Como reflejo visual de la esencia conceptual del álbum “Musique des Sables”, esta portada es perfecta, uniendo una pincelada bellamente sublime a la simplicidad de estas imágenes así representadas, alejando la mente del melómano de ese espacio del cual ha de mantener una distancia focal.

Cuatro composiciones vertebran esta magna obra musical compuesta con sumo talento por Frédéric Charlot y Olivier Charlot, transmitiendo una deslumbrante esencia artística de vanguardia donde lo conceptual adquiere brillantez a través de la maestría en la estructura sonora, y de la sorpresa con la entrada en nuevos terrenos musicales inexplorados dentro de este estilo dark ambient tan irresistible. Su trasfondo espiritual de corte trascendente impresionará al melómano lector de Lux Atenea afín a la vanguardia artística, sobre todo si le apasiona la música contemporánea, debido a que Indalaska convierte a “Musique des Sables” en un viaje iniciático y místico donde lo denso e impuro es dejado atrás para aligerar la energía sagrada del alma, permitiéndola alcanzar esa anhelada cercanía al Demiurgo, auténtico constructor del universo, de la Realidad, de las dimensiones, y de las diferentes manifestaciones. Una travesía hacia lo sagrado oculta tras la densidad de lo obvio, de lo físico, y de lo palpable. Lo místico versus la materialidad de lo físico. “Musique des Sables” deslumbra por la inmensa profundidad de su núcleo conceptual trascendente, y paraliza al melómano durante su audición por su radiante belleza sublime entremezclada con lo siniestro, con lo oculto, y con lo musicalmente impredecible.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta obra maestra adentrándonos en el primer tema “L’éveil des eaux dormantes” con esta sensación sonora de estar en el interior de otro elemento dimensional, siendo estos planos drone ideales para definir esta cúpula sensorial donde obscuridad e iridiscencias sonoras llegan a romper la realidad, abriendo el telón que desvela este otro mundo que late e irradia con absoluta armonía más allá del tiempo. Un estado espiritual en la frontera del Reino de Hades que no paraliza, pero embriaga los sentidos hasta ser todo mente. Olas vibratorias tocando lo hierático para recrear musicalmente esta evolución que, con la aparición de estos planos instrumentales, presentará una definición sonora mucho más directa en su perfilamiento artístico relacionado conceptualmente con la música contemporánea. Precisamente por su trasfondo como ruptura de lo físico, el siguiente tema “Transfixion” se presentará mucho más contundente y afilado, dejando a un lado todos los condicionantes de lo físico como una serpiente abandona su vieja piel tras la muda. Con una admirable estructura musical marcada por los espacios abiertos en una doble dimensión y que han quedado perfectamente definidos, incluso los ecos establecen estos puentes musicales para que lo melódico y lo ambiental se fundan en un nuevo espacio. Una ruptura que irá ampliando su área para dar luz a lo inminente frente a esa vieja estructura ya obsoleta y en decadencia. De esta forma, el tema “Transfixion” estará en constante mutación mientras la actividad no cesa ni se calma, ya que lo nuevo reclama su reino, su espacio, y ese universo donde cobrará sentido. Ya en plena expansión, las dimensiones, como capas, irán poco a poco sincronizándose con este nuevo latido trascendente hasta equilibrarse con el nuevo impulso, llevando toda la estructura musical a un único bloque multicapa que se irá volviendo omnipresente con el paso del tiempo. De por si, en su parte final, el tema “Transfixion” se vuelve sacro con la entrada de este plano melódico para órgano que transmite plenitud.

Posteriormente, inmersos en el tema “Le bleu superstition”, los aires conceptuales neoclásicos serán los que se presenten en su intensidad melódica inicial, convirtiendo a esta composición en una auténtica delicatessen musical. ¡¡¡“Le bleu superstition”, impresionante!!! Cuando su fusión con los planos sonoros dark ambient vaya desarrollándose, el espectáculo artístico se vuelve colosal, adquiriendo ese halo épico donde lo místico es revelación y temor a su vez. Envuelto en belleza siniestra con la entrada de este plano sonoro cristalino que provoca inquietud, su tempo cortante y constante cubierto de esta densa bruma hará las delicias de los melómanos lectores de Lux Atenea más góticos, apagándose ese tenebroso tempo para dar un mayor protagonismo a los planos melódicos más punzantes y extremos cercanos conceptualmente al post-industrial. Desembocando en el tema “Le premier jour de sable dans l’éther”, la transformación se consumará en un entorno místico donde este siniestro plano melódico transmite seriedad y temor. Pero el impulso es hacia adelante e imposible de parar, intuyendo ya la deseada pureza en el brillo de lo etéreo. Un anhelo de lo celestial que hipnotiza al alma, y que convierte la existencia en una melódica danza hacia la unión sagrada. En esta fase musical de la composición, la realidad se muestra nítida, reveladora, y esencial como desvelo, sintiendo la calidez de la resurrección espiritual envuelta con ese temor a lo desconocido que no se perderá hasta el final, cuando ya no hay vuelta atrás. “Musique des Sables”, Indalaska integrando con maestría artística el estilo dark ambient más innovador con la música contemporánea de esencia mística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Ampscent “Ampscent” (ZOHARUM, mayo 2023) (Reseña / Review #1953).

Posted on 16 agosto, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1953 // Reseña Musical nº: 1352

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD de seis paneles con libreto desplegable, edición limitada de 300 unidades (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Hospitality // 2- Intro // 3- Boiling Field // 4- Arrival // 5- Nothing But The World // 6- Meta Scenery
Datos técnicos: Temas musicales producidos y mezclados por Ampscent
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical de vanguardia

El dúo Ampscent está formado por los experimentados artistas multidisciplinares Jacek Doroszenko (teclados, sintetizadores, y electrónica) y Marcin Sipiora (sintetizadores y electrónica), presentando en este álbum homónimo un avanzado estilo musical donde el eclecticismo conceptual adquiere fundamentos sonoros propios de la escena industrial, experimental, high-tech ambient, harsh electronics… de avanzado carácter futurista. Este año 2023, el magnífico álbum “Ampscent” fue presentado oficialmente a mediados del mes de mayo a través del prestigioso sello discográfico polaco Zoharum, habiendo sido publicado en formato digital y en esta edición limitada de 300 unidades en digipak CD de seis paneles con libreto desplegable. En este álbum homónimo, el dúo Ampscent ha incluido dos de los tres temas que vertebraron su EP “Nothing But The World” (temas “Boiling Field” y “Nothing But The World”), ópera prima publicada también por el sello Zoharum en el mes de enero de este mismo año, quedando este álbum finalmente vertebrado con seis impactantes temas musicales de auténtica vanguardia, como así podrán comprobarlo y disfrutarlo los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta obra musical. Una ventana sonora abierta al futuro conceptual de esta escena electrónica non-mainstream donde Ampscent presenta una perspectiva creativa fascinante, siendo este álbum un agujero espacio-tiempo que se abre para poder ver y sentir cómo será esta escena artística dentro de unos años. Así de vanguardista se presentará el álbum “Ampscent” desde un principio.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra sumergiéndonos en la áspera atmósfera sonora del primer tema “Hospitality”, donde no hay concesión alguna al equilibrio o al factor aleatorio. Su estructura musical adquiere estos planos industriales como base secuencial, mientras pinceladas experimentales y destellantes cromatismos sonoros high-tech ambient nos embrujan por su talentosa definición. Escuchar de nuevo el tema “Hospitality” será obligatorio precisamente por esta contundente demostración de arte musical de vanguardia, prestando atención a cada plano sonoro, a cada detalle, y a cada particularidad sonora. Hasta fugaces presencias post-industriales aparecen y desaparecen en esta composición, como si fueran cometas sonoros surcando esta estructura musical de vanguardia. Adentrándonos luego en el alocado y fluctuante tema experimental “Intro”, su aura distópica irá aumentando en este intenso y siniestro caleidoscopio sonoro que nos dirigirá directamente al tema “Boiling Field”. Aquí, donde este escenario conceptual muta y se reconfigura conceptualmente traspasando varias fronteras, termina revelándose experimental en su visión artística pero amalgamando lo industrial con el high-tech ambient con sumo talento. Emocionalmente frío, el tema “Boiling Field” nos invita a contemplar estas entrañas mecánicas expuestas a nuestra atenta mirada, y con aires futuristas de cautivadora belleza que te envuelven por sus iridiscencias cristalinas. Estructuralmente, la composición “Boiling Field” es exquisita y hedonista por su innovadora esencia conceptual, siendo uno de los temas más resplandecientes y magnéticos de este álbum. ¡¡¡“Boiling Field”, impresionante!!!

En el tema “Arrival”, el dúo Ampscent profundiza en estos nuevos espacios conceptuales de vanguardia buscando la belleza artística por encima de todo. Vientos sonoros experimentales fluyendo en este entorno ambient para seducir al melómano con tanto esplendor musical en estado puro. Una sensación de armonía que no es rota ni siquiera con la entrada de secuencias glitch entrecortadas, haciendo que esta composición pudiera ser perfecta para poner banda sonora a la lectura de un manga japonés de Tsutomu Nihei como Biomega, tan adelantado a su tiempo en cuanto al futuro que nos presenta en sus páginas y viñetas. Posteriormente, el tema “Nothing But The World” dará continuidad a esa inmersión sonora pero con una atmósfera más siniestra, apareciendo planos sonoros experimentales y harsh electronics que dejarán muy impresionados a los melómanos non-mainstream. Hasta secuencias industriales que reflejan suciedad y humedad volverán más denso e irrespirable este entorno, observando toda esta coreografía en movimiento con la sensación de estar descubriendo algo nunca antes escuchado. “Nothing But The World” es un latido, es debilidad y decadencia, es el metal inorgánico que sigue moviéndose perpetuamente hasta el último segundo de energía. Con el tema “Meta Scenery” desvelando un nuevo continente virtual en expansión, la clausura de esta obra maestra es sublime por su definición sonora, entrecruzándose conceptualmente el high-tech ambient con lo experimental, además de incorporar avanzados planos musicales harsh electronics e industriales que te lanzan de lleno a sentir ese futuro digital que ya empieza a asomarse en el horizonte tecnológico. Una expansión sensorial que les invitará a escuchar este tema repitiéndose ad infinitum. “Ampscent”, uno de los álbum musicales más innovadores y vanguardistas que se hayan publicado en este año 2023, gracias a la admirable labor cultural que viene desarrollando el prestigioso sello discográfico polaco Zoharum. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Satøri “The Woods” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1952).

Posted on 13 agosto, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1952 // Reseña Musical nº: 1351

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- A Stopped Clock // 2- Restrict // 3- The Summoning // 4- Caustic // 5- Black Serpent Kiss // 6- Pressing Down // 7- Body & Blood // 8- Abuser // 9- You Can’t Breathe
Datos técnicos: Temas musicales compuestos por Dave Kirby entre los años 2020 y 2023; álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena power electronics

Ya se encuentra disponible en pre-pedido a través de la webstore del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records y de su página oficial en Bandcamp, el esperado nuevo álbum de Satøri titulado “The Woods” que será presentado oficialmente el próximo día 8 de septiembre en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD. El álbum “The Woods” ha sido engalanado con este siniestro diseño gráfico en blanco y negro a cargo de Abby Helasdottir, quedando esta imagen de portada centrada en un entorno natural aparentemente tensionado con la presencia de estas ramas en la base de estos árboles como si se estuvieran preparando unas piras rituales o unas quemas de purificación aparentemente espirituales. Pero no son ramas destinadas a convertirse en piras, sino unas inquietantes chozas o refugios de una sola entrada. Una imagen visual del retorno humano a lo tribal, o al cazador salvaje sin ética o moral alguna que da rienda suelta a esos instintos propios del homo homini lupus que no han abandonado nunca al ser humano desde hace milenios. El horror en estado puro. En su nuevo álbum “The Woods”, el talentoso artista británico Dave Kirby vuelve a presentarnos otra joya musical donde el eclecticismo conceptual de vanguardia queda sustentado de forma creativa en los estilos power electronics, noise, dark ambient, industrial… Innovación y vanguardia destinadas a engrandecer esta apasionante escena musical, y que gracias a grandiosos artistas como Dave Kirby se presenta inagotable e incansable en la constante expansión de sus fronteras conceptuales.

Como alma máter de Satori ahora en solitario, Dave Kirby ahonda en esta obra en ese lado obscuro y demoníaco del ser humano manifestado en sus impulsos irracionales más destructivos y viscerales, a pesar del halo racional con el cual trata de envolverse y de justificarse como especie dominante en este planeta. Ya sea a nivel individual o colectivo, una cosa son los deseos y la propaganda, y otra la realidad y la contundencia de los actos, y muchos individuos o la propia Humanidad no parecen haber avanzado mucho en su camino racional y lógico, siendo lo emocional y sentimental lo que sigue impulsando con fuerza hacia la propia autodestrucción, o hacia un futuro estado de pre-civilización absolutamente tribal y salvaje en un entorno natural degradado y contaminado debido a la soberbia moral y ética del ser humano, y a su insaciable egoísmo material. A nivel técnico, los nueve temas que vertebran el grandioso álbum “The Woods” se presentarán ante el melómano lector de Lux Atenea con una nitidez y con una dimensión sonora espectacular gracias al impecable trabajo de masterización realizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido). Compuestos entre los años 2020 y 2023, estos temas musicales de Satori son muy contundentes a nivel artístico tras el minucioso trabajo de equilibrado y armonización en su nivel de registro sonoro realizado por Martin Bowes. Unas composiciones que revelan toda su intensidad de forma nítida, y un siniestro mensaje de trasfondo humano con un detalle en su dimensión musical que es impresionante. ¡¡¡El álbum “The Woods” suena espectacular!!!

Sin más demora, comenzamos esta audición adentrándonos en el primer tema “A Stopped Clock” de tacto sonoro áspero en su inicio, y rápidamente derivando hacia este colosal escenario en clave harsh noise y potente base industrial que se eleva tan cortante y desafiante como un hacha alzada en el aire. Brutal en su evolución sonora, estos inmisericordes latigazos fustigarán la mente del melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta siniestra obra como dura preparación psicológica ante lo que le espera en este álbum. El tema “Restrict” aparecerá con un estilo power electronics más innovador y deslumbrante en su siniestra belleza musical, mutando hacia espacios sublimes que se tiñen de angustia y sangre en cuanto esta arrolladora apisonadora sonora surja para someter y subyugar. Con un plano lírico que sobrecoge tanto como la audición del discurso de un agresivo líder señalando a la sociedad, aquí Satori amplifica todo el conjunto musical con esta ecléctica integración conceptual del noise, el industrial, y el power electronics más deshumanizado e insensible. Grietas abriéndose para dar paso a la hecatombe que, en “The Summoning”, da paso a este terrorífico ceremonial donde el sacrificio y el dolor son fundamentales para apartar el raciocinio y la lógica de la mente humana. Todo en “The Summoning” es extremo, subliminal, y coercitivo en su impacto mental, volviéndose infernal y demoníaco en su salvaje intencionalidad. En “The Summoning” no hay ni Ética ni Moral, sino la acción ejecutora del poder mostrando la cara más diabólica del ser humano. Una conmoción psicológica que paralizará al melómano durante su audición.

Cuando en el tema “Caustic” aparezca este estilo dark ambient en su inicio, el posterior protagonismo de los planos sonoros propios del power electronics nos harán sentir este corrosivo escenario distópico post-apocalíptico marcado por las ansias de degradación y de posesión hasta llegar a su manifestación más repulsiva y despiadada. Como si fuera un electroencefalograma sonoro de Leatherface en “Matanza en Texas”, sobre todo con esa máscara de piel tan bárbara y tribal, “Caustic” perturba por su envolvente halo de histeria, de pensamientos atroces, de sangriento placer imposible de complacer, y de profundo desprecio a lo humano hasta cosificarlo, sobre todo con esta sierra eléctrica musical en clave noise que no se para ante nada ni nadie. Fuera de control, el paso al potente tema “Black Serpent Kiss” será inmediato, retorciéndose su estructura musical como si fuera un leviatán desencadenado. “Black Serpent Kiss” proyecta y expande lo irracional. Ese interior infernal latente en las entrañas mentales del ser humano que han convertido este mundo en un tortuoso valle de lágrimas y de sufrimiento hasta hacer realidad ese infierno descrito y representado artísticamente por diferentes creencias religiosas a lo largo de la Historia. Un sádico calvario que, en el tema “Pressing Down”, se volverá solemne y mántrico en su esencia ritual inicial, encaminándonos a un viaje mental interior donde lo simbólico y lo metafórico están profundamente alterados en el individuo posicionado psicológicamente más allá del Bien y del Mal. “Pressing Down” recrea la peligrosa inestabilidad mental del ser humano endiosado que siente todo el poder en sus manos, y que a su vez se siente vacío e insatisfecho, provocando explosiones de ira y de rabia internas que desean ver la muerte y la destrucción a su alrededor como reflejo visual de su terrible infierno interior plagado de miedos y terrores.

El tema “Body & Blood” dará continuidad a esa descabellada deriva existencial que necesita estimular la aberración humana y sus instintos más primarios dirigidos a la materialización de la barbarie. Como culmen de la devastación y del culto al horror, “Body & Blood” sería un tema musical perfecto como banda sonora de una impactante película de horror cuando su psicópata protagonista entra en salvaje acción. Aquí los planos sonoros noise se muestran perfectamente armonizados con esta lírica descarnada, recreando lo brutal como pocos estilos son capaces de definir en clave musical. Una crudeza artística absolutamente sobrecogedora en “Abuser” debido a este inicio sacro abruptamente cortado con estos afilados planos noise, desgarrando toda la estructura musical hasta completar su dominio. Incluso algunos de estos planos sonoros son capaces de elevarse como desafío a lo celestial, siendo su materialización en este plano físico, la muestra más efectiva de su rebeldía a los designios sagrados. Sin límite o poder alguno que impida ese diabólico acto, “Abuser” refleja ese acto brutal de destructivo impacto físico y mental que dejará secuelas irreversibles imposibles de curar. Con el tema “You Can’t Breathe” extendiendo el telón de clausura en esta recreación del Mal protagonizado por el ser humano, su esencia conceptual aparecerá mucho más experimental y ecléctica para fascinar al melómano afín a los impactantes frutos artísticos de vanguardia de esta reveladora escena. “The Woods”, el genial artista británico Dave Kirby en solitario vuelve a convertir un nuevo álbum de Satøri en ese desvelo de los instintos demoníacos y autodestructivos humanos que lo encaminan inexorablemente hacia el apocalipsis de esta civilización técnicamente tan avanzada, pero muy pobre y decadente en su dimensión espiritual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la categoría: Reseña Musical

WE BE ECHO “DO NOT SWITCH ON” (AUTOEDITADO, noviembre 2023) (Reseña / Review #2011).

JULIO CÉSAR “GUERRA DE LAS GALIAS” (Reseña #1994).

The Telescopes “Experimental Health” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1990).

Sonologyst “Shortwave Spectrum” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1989).

Jarl “Isolation Colours” (ZOHARUM, septiembre 2023) (Reseña / Review #1988).

Merzbow “Cafe OTO” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1987).

Burial Hex “In Hiding” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1986).

Indalaska “Musique des Sables” (ZOHARUM, febrero 2023) (Reseña / Review #1985).

Ampscent “Ampscent” (ZOHARUM, mayo 2023) (Reseña / Review #1953).

Satøri “The Woods” (Cold Spring Records, septiembre 2023) (Reseña / Review #1952).