FERNANDO ARRABAL “LA PIEDRA DE LA LOCURA” (Reseña #1842).

Reseña Cultural: 1842 // Reseña Literaria: 360
Reseña actualizada. Publicada el 9 de septiembre del año 2008 en Lux Atenea.

Publicado por: LIBROS DEL INNOMBRABLE
ISBN: 84-95399-08-3
Edición: 2000 (EDICIÓN COMPRADA)

FERNANDO ARRABAL LA PIEDRA DE LA LOCURA LIBROS DEL INNOMBRABLE

“Entre los dos, me llevaron, atado de pies y manos, a la catedral de los sumisos.”

España nunca ha sido un país que haya sabido valorar a los genios del Arte nacidos en su tierra, y un ejemplo claro y contundente de esta triste realidad es el innovador artista multidisciplinar Fernando Arrabal. Ganador con tan solo diez años del Premio Nacional para Superdotados en el año 1941, con el paso del tiempo se convirtió en miembro fundador del Movimiento Pánico con Roland Topor (1938-1997) y Alejandro Jodorowsky, y en figura esencial dentro del Surrealismo junto a André Breton (1896-1966) en su vertiente teatral y poética. Además, ha sido finalista en el Premio Cervantes del año 2001, condecorado con la Legión de Honor francesa en el año 2005… Sin duda alguna, Fernando Arrabal tiene una mente privilegiada cuyo reconocimiento nunca ha sido suficientemente valorado por los grandes medios de comunicación o por el público a nivel nacional. Tal vez, haber nacido en España haya sido su talón de Aquiles porque hablar de Fernando Arrabal en círculos artísticos e intelectuales franceses, ingleses, estadounidenses… es hablar de uno de los genios más admirados por sus conceptos vanguardistas y por la profunda complejidad de esos mismos conceptos transmitidos en cada una de sus obras. Como analista cultural, no exagero al decir que sin la presencia artística de Fernando Arrabal, una gran parte del avance experimentado durante el siglo XX en la evolución del Arte no se habría producido y estaría incompleto, atrasado, u obsoleto en la actualidad.

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“Las mujeres llevaban cuernos blancos y antifaces negros. Los hombres, arrodillados junto a ellas, imploraban.”

Anteriormente he hecho mención a dos corrientes artísticas que conviene aclarar al lector antes de proseguir con el análisis de este libro: Surrealismo y Movimiento Pánico. Para entender el Surrealismo hay que echar la vista atrás y situarnos en la ciudad de París en el año 1962. Fernando Arrabal toma contacto con la élite artística liderada por André Breton y, poco después, les presenta su nueva obra marcada por la corriente surrealista que tanto adoraban. ¿Qué es el Surrealismo? El Surrealismo toma como base creativa al estado alterado del propio artista a través de métodos alejados de la lógica racional que sostiene el estado normal de vigilia. Con el Surrealismo, el uso de técnicas como la hipnosis, la escritura subliminal, el encierro en hospitales psiquiátricos, el uso de sustancias alucinógenas… se convierte en el origen de la propia obra. Nada que pueda ser influenciado por la Razón es admitido como obra surrealista, y con Fernando Arrabal y su “piedra de la locura”, este campo se amplía al mensaje profundamente simbólico contenido en los sueños y en las pesadillas. Por este motivo, cuando el bibliófilo lector de Lux Atenea decida leer y analizar este enigmático e hipnótico libro, sus palabras y sus frases romperán ese estado de realidad racional concentrada en la lectura para abrir puertas psicológicas que tendrán sentido únicamente en el particular universo mental que cada uno de nosotros poseemos en exclusiva, y que está establecido en el inconsciente a través de lo simbólico y de lo metafórico. Si creen que “La Piedra de la Locura” es una obra alejada del factor psicológico en su función artística y didáctica, estarán muy equivocados. Este libro contiene muchas claves mentales en sus páginas que tal vez sean capaces de abrir algunos candados subliminales en su cerebro.

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“Junto al niño había un perro, con una caperuza de diablo, que parecía reírse de mí.”

Fernando Arrabal se une a Alejandro Jodorowsky y a Roland Topor, fundando el Movimiento Pánico que tiene como origen a la palabra griega Pan, el todo. ¿Por qué lo llaman Pánico? Con el tiempo, André Breton empieza a establecer reglas y normas sobre lo que es surrealista y lo que no lo es, y es precisamente ese encorsetamiento sobre lo que no tiene fronteras lo que llevará a los miembros del Movimiento Pánico a abandonar el círculo de André Breton. Liderando esa separación artística se encuentra Fernando Arrabal, el cual reclama la libertad absoluta del artista respecto a todo aquello que lo limite. Fernando Arrabal sostiene que las normas establecen unas bases ideológicas y estéticas que limitan la capacidad creativa del artista de vanguardia. Además, cuando la innovación artística ha de apoyarse en una serie de reglas para poder tener sentido, en ese preciso instante deja de ser vanguardista. No se puede estar rompiendo barreras y, a su vez, exigir que se respeten otras barreras nuevas. Por ejemplo, en “La Piedra de la Locura” todo es onírico y subliminal, y su mensaje simbólico varía según haya sido formada la personalidad del lector que decida pasearse por sus páginas. En “La Piedra de la Locura” encontrarán la presencia astrológica del Horóscopo, de los arcanos del Tarot, de las piezas del ajedrez. En “La Piedra de la Locura” sentirán la presencia de la madre que devora y marca psicológicamente al hijo, sentirán el desprecio y las burlas del resto de las personas, aparecerá la castración moral y ética que ofrece la religión cristiana al hombre en su relación con la mujer. En “La Piedra de la Locura” vivirán como realidad el verdadero mundo del SuperYo, un gigante aparentemente dormido en las profundidades de la mente pero que condiciona sutilmente a ese Yo con el cual vivimos en lo cotidiano. Una obra fascinante con enfermedades y burlas, transformaciones y seres rayando lo absurdo, luces que oscurecen y oscuridad que ilumina, y la Razón convertida en un perro a la búsqueda y captura de quienes desean ser libres para morderlos. Como auténtico lujo artístico, además en esta edición podrán encontrar ilustraciones definidas en completo equilibrio con su complejo mensaje. “La Piedra de la Locura”, una obra única porque en sus páginas fluyen los sueños y las pesadillas de Fernando Arrabal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“A veces, cuando me besa en la mano, siento un calor especial. Cuando retira los labios en mi mano aparece el escarabajo de oro y bajo él la palabra -Maravilla-.”

FERNANDO ARRABAL LA PIEDRA DE LA LOCURA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“TETSUO I, EL HOMBRE DE HIERRO (鉄男, Tetsuo: the iron man)”, 1989 (Reseña / Review #1701).

Reseña Cultural nº: 1701 // Reseña Media nº: 54
Reseña actualizada. Publicada el 23 de marzo del año 2013 en Lux Atenea.

Director: SHINYA TSUKAMOTO
Guión: SHINYA TSUKAMOTO / KEI FUJIWARA
Actores principales: TOMOROH TUGUCHI (hombre), KEI FUJIWARA (mujer), NOBU NAKAOKA (mujer de gafas), RENJI ISHIBASHI (vagabundo), NAOMASA MUSAKA (doctor), SHINYA TSUKAMOTO (hombre fetichista)
País: JAPÓN Año: 1988 Productora: KAUJU THEATER
Duración aprox.: 67 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VÍDEO
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “TETSUO”
EXTRAS: Trailer // Filmografía // Notas de producción

TETSUO EL HOMBRE DE HIERRO the iron man DVD

Rodada en el año 1988 y estrenada oficialmente el día 1 de julio de 1989, con esta reseña quiero rendir el merecido homenaje artístico a esta película de culto convertida ya en referencia obligada dentro del cine cyberpunk japonés. Dirigida por el virtuoso maestro cinematográfico Shinya Tsukamoto y rodada en blanco y negro, “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” destaca visualmente con esta brillantez artística por su fotografía hasta presentarse excelsa en cuanto a innovación conceptual. Una película de vanguardia nacida a finales de la decada de los ochenta y que despuntó musicalmente por su contundente banda sonora, realzando aún más este impacto visual tan brutal en cada uno de sus escenarios. Un largometraje pionero por su base conceptual, y que será capaz de hipnotizar y seducir a los cinéfilos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma al disfrute del cine japonés de culto. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” también puede ser incluido de forma un tanto global en el cine experimental, además de encajar perfectamente dentro del cine de ciencia-ficción y de terror un tanto extremo y bizarro que provoca que algunas de sus secuencias se adentren en el cine gore. Ver “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” es una experiencia cinematográfica única, y en su trama de corte surrealista se aprecia ese perfil kafkiano a lo largo de su siniestro desarrollo. Llevada al terreno conceptual de vanguardia, indiscutiblemente hay que valorarla artísticamente como película de culto por su sugerente perspectiva y por este trasfondo donde la carne y el metal terminan fusionándose para crear una nueva materia inteligente. En este sentido, tan contundente largometraje proyecta todo el talento cinematográfico de su director hasta en sus efectos especiales, haciendo un magnífico uso de la técnica de rodaje stop motion en sus secuencias más aceleradas. Hay que pensar que estamos hablando de una película de finales de la década de los ochenta, con todas las limitaciones técnicas que existían en aquella época a la hora de rodar un largometraje de estas características. Proyectando también una visión apocalíptica como destino final para esta nueva mutación de lo humano con lo metálico, “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” se une conceptualmente a la corriente cyberpunk donde los avances tecnológicos son vistos como una seria amenaza y como un factor de decadencia para los seres humanos.

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La trama que da personalidad artística a “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” es compleja, quedando fundamentada en la brillante idea de Shinya Tsukamoto que fusiona la carne y el metal, y que es personificado en esta historia en el hombre fetichista interpretado por el propio director. Un hombre obsesionado con la idea de mutar la carne y el metal en su propio cuerpo para lograr ser un híbrido. De ahí que le veamos en las primeras secuencias de la película introduciéndose trozos de metal dentro de su cuerpo, y con resultados un tanto desagradables para los espectadores más sensibles. Según la perspectiva existencial del hombre fetichista, una vez haya logrado esa mutación, viviendo en una sociedad dominada física y tecnológicamente por el metal no se hará esperar la expansión de su álter ego híbrido, iniciando una progresiva evolución y crecimiento que se hará colosal y gigantesco hasta devorar todo a su paso, y luego reducirlo a polvo de óxido de forma implacable. Sueños de grandeza que se disolverán bruscamente tras comprobar las funestas consecuencias de sus desvaríos mentales en su propia carne (escena de los gusanos), siendo poseído por el miedo y el horror. Presa del pánico, en su alocada huida saldrá a la calle donde es atropellado por una joven pareja e, inexplicablemente, el conductor del coche será poseído por una mutación genético-metálica que también irá apoderándose de él hasta cambiar inexorablemente su vida, sus sentidos, y su percepción del mundo.

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Con un final cinematográfico de corte apocalíptico made in Japan definido con maestría en los últimos quince minutos de esta película, la vertebración de esta increíble historia en secuencias de fuerte impacto audiovisual quedarán indeleblemente grabadas en su mente tras contemplarlas. Por ejemplo, les impresionará el inquietante ambiente cubierto con imágenes de deportistas y trozos de metal entremezclados donde el hombre fetichista realiza sus rituales en el cuerpo con el metal, cuando introduce una barra de acero roscada en su muslo tras haber realizado previamente un gran corte, cuando escuchen el escalofriante sonido del roscado de la barra de acero al pasar por sus dientes, o con el horror, la angustia, y la locura que se respiran en la escena protagonizada por la mujer de gafas. Una mujer de gafas que presentará su más siniestra imagen en la secuencia un tanto gore que sucede en el garaje, y con esta música de fondo espectacular que aumentará la intensidad y el dramatismo sentido por el espectador. Quedarán impactados al ver la crudeza visual que se presenta con la progresiva mutación que va sufriendo el protagonista de esta historia, o con las infernales imágenes de su nuevo Yo directamente relacionado con los desvaríos mentales del hombre fetichista. En definitiva, un despliegue artístico transgresor donde el talento audiovisual adquiere esta esencia conceptual innovadora que continuará atrayendo la mirada del cinéfilo en el siglo XXI.

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Dentro de este cine underground hay dos apartados artísticos desarrollados en esta película de culto que quisiera destacar por su maestría y por su excelsa definición. La primera y más evidente es la extraordinaria interpretación realizada por estos geniales actores, y en los cuales se aprecia muy claramente su pertenencia al grupo de teatro Kauju Theater. Su expresividad, sus estudiados gestos que dan mayor credibilidad a sus personajes, y su experiencia a la hora de moverse y de desenvolverse ante la cámara, consiguen transmitir esta tensión y esta psicodélica dinámica mental en la cual se sumergirán en esta impactante trama. Si pudiéramos trasladar en el tiempo el innovador espíritu creativo y el talento vanguardista de los maestros cinematográficos que destacaron en el Expresionismo alemán, y le añadiéramos el factor tecnológico, sin duda alguna esta película sería mitificada y tomada como referencia cinematográfica por aquellos grandes genios. La grandeza artística mostrada por Shinya Tsukamoto en “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” hace que se pueda unir esta obra maestra a otras míticas obras del Séptimo Arte firmadas por grandes maestros conceptuales como David Cronenberg y su Nueva Carne, o David Lynch y su siniestra oscuridad cotidiana. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro” también deslumbra por su impresionante y ecléctica banda sonora creada por Chu Ishikawa, cuyo talento musical me impresionó profundamente desde el momento en que vi por primera vez esta película tras haber comprado la primera edición publicada en España en formato VHS. Un eclecticismo conceptual radiante donde se integran estilos musicales como el noir jazz, darkwave, industrial, electrónica experimental… hasta ser armonizados magistralmente en escenas sublimes. Entre todas ellas, sobre todo destacaría las grandiosas composiciones musicales industriales presentes en algunas secuencias, por ejemplo, cuando tras atropellar al hombre fetichista, el conductor del coche es infectado por esa extraña mutación, o en la escena donde contemplamos la visión del hombre con traje y corbata moviéndose frenéticamente, convirtiéndose en una de las mejores secuencias de esta obra maestra. Una excelencia cinematográfica más propia del arte audiovisual experimental presente en el dinámico universo musical del videoclip. Todo ello unido a la utilización de la estática y del ruido en muchas de estas innovadoras composiciones, harán que la audición de esta espectacular banda sonora sea una delicatessen para los melómanos lectores de Lux Atenea identificados con la vanguardia. “Tetsuo I, el Hombre de Hierro”, la imprescindible visualización del cine japonés de culto en esta preciosa edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Filmax. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SURREAL VERSUS SURREALISMO EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO -CATÁLOGO OFICIAL-” (Reseña #1563).

Reseña Cultural: 1563 // Reseña Literaria: 238
Reseña actualizada. Publicada el 30 de noviembre del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: INSTITUTO VALENCIANO DE ARTE MODERNO

SURREAL VERSUS SURREALISMO EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO CATÁLOGO OFICIAL

A principios de este mes tuve oportunidad de visitar la extraordinaria exposición organizada por el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) sobre el Surrealismo. Un arte siempre tan interesante como cautivador. Con un catálogo oficial disponible en Internet en formato .pdf a través de la página web oficial del IVAM, su lectura previa a la visita me permitió poder dedicar todo el tiempo que me gusta brindar a la contemplación y al análisis de las obras expuestas, sin tener que estar realizando parones informativos entre obra y obra una vez allí. Aunque en el catálogo no están las obras de arte ordenadas en la misma secuencia de su distribución en las diferentes salas que componen la exposición, la lectura previa del catálogo nos permite localizar con suma rapidez cada una de ellas para poder tener una idea más concreta del artista y de su obra que, complementado con las explicaciones y descripciones dispuestas a lo largo de toda la exposición, hace que adquiramos un conocimiento mucho más profundo de cada obra creada bajo la influencia psicológica del Surrealismo. Y es que hay obras de arte que te sorprenden, que te dejan paralizado, que te sobrecogen por su ingenio y talento, mientras vamos adentrándonos poco a poco en los mundos evanescentes de lo onírico, de lo simbólico, de aquello que se encuentra en esa fina línea de ensoñación que separa la vigilia del sueño. Pero la realidad humana también está presente en cada una de estas obras a través del mensaje psicológico, algunas veces subliminal, donde el arte contemporáneo encuentra en el mensaje surrealista ese lenguaje único para poder expresar una idea, una visión, o un concepto directo a nuestra Razón. Colores, formas, gestos, hacen de este universo del Arte Contemporáneo unido a lo surreal, esa aventura mental y psíquica de irrenunciable visita en Valencia para aquellos lectores de Lux Atenea interesados en la Cultura. El Surrealismo obliga al espectador a hacerle pensar en lo que está viendo, a pensar en aquello que, bajo una apariencia intencionadamente determinada, se esconde el verdadero mensaje que le ha dado forma y sentido. Así de grandioso se presenta el Surrealismo, y tal es la grandeza del Instituto Valenciano de Arte Contemporáneo al haber organizado esta exposición artística tan espectacular e interesante. Tras haber visitado esta magnífica e impactante exposición en el IVAM, y en vista a la calidad de las obras expuestas, quisiera ofrecer a los cultos lectores de Lux Atenea estas impresiones y estos análisis personales sobre la esencia conceptual de algunas de las joyas artísticas aquí expuestas:

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– TONY OURSLER “UNTITLE (HEAD WITH TOOLS)”: Una obra impactante y siniestramente bella. Refleja la cárcel carnal en la que habita nuestra alma a través de las cadenas y de los instrumentos de tortura que la mantienen sujeta.
– INEZ VAN LAMSWEERDE & VINOODH MATADIN “ANASTASIA”: Gélidamente fetichista. Atractiva belleza femenina que oculta su verdadera realidad interior, mientras nos embruja con una mirada que te posee.
– ROSS BLECKNER “ONE DAY FEVER”: Un cuadro que impresiona por su efecto sobrenatural, por su fuerza espiritual, por su misticismo e imagen trascendente.
– JAVIER PÉREZ “CABEZA RAÍZ”: Impresiona y sobrecoge. Parece viva, como si en un momento u otro fuera a abrir los ojos. Representa la caducidad de todo lo carnal y material que marcan y definen el miedo ancestral del ser humano a la muerte.
– MARC QUINN “THE FUTURE OF THE PLANET”: Obra siniestra. Representa el idealismo místico, tanto en su dimensión espiritual como en su dimensión terrenal. Imagen contundente sobre la trascendencia más allá de la muerte.

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Otras obras de arte a destacar son:

– MATTHEW BARNEY “CREMASTER 4: LOUGHTON MANUAL”: El hombre ante el dilema existente entre su instinto animal (macho cabrío = símbolo de la masculinidad) y su esencia espiritual (traje blanco = símbolo de pureza), y que trata de dar la espalda a lo animal (lo terrenal, lo material, lo carnal) pero sin perder contacto con ello (por ese motivo, está tocando el cuerno del macho cabrío pero sin mirarlo). Perfectamente podía llegar a ser una moderna carta del Tarot.
– JOHN BOCK “SEEWOLF”: Reflejo artístico de la capacidad del ser humano para adaptarse a cualquier medio y circunstancia en la vida. Una obra inspirada en el libro de Jack London “El Lobo de Mar”.
– MAURIZIO CATTERLAN “CHARLIE DON´T SURF”: Representación del individuo educado en la modernidad.
– FRANCESCO CLEMENTE “JAIN SAINT”: Una obra compleja donde queda representado simbólicamente el mundo material y el mundo espiritual separados por un inexorable vacío existencial.
– ROBERTO CUOGHI “SENZA TITULO”: Retrato del músico Arto Lindsay a través de una degradación realista de su imagen, y como contraste entre la imagen alterada que vemos y la verdadera imagen del artista. Sus ojos te miran y te incomodan. Su mano parece viva.
– NATHALIE DJURBUERG “SNAKES KNOW IT´S YOGA”: Interesante video de animación utilizando personajes creados con arcilla.
– FRANCESCO GENNERI “CONTRAZIONE DELLA METAFISICA Nº2”: Su efecto psicológico rompe con lo orgánico.
– ROBERT GOBER “MAN COMING OUT OF THE WOMAN”: Una de las obras más impactantes de la exposición, sobre todo para el público femenino, por su absoluto realismo. Impresiona esta contundente representación de los traumas sexuales femeninos.
– DIONISIO GONZALEZ “JORNALISTA ROBERTO MARINHO II”: Símbolo de la presencia social y urbana del ser humano alterando y adaptando siempre el entorno en donde se establece.
– DOUGLAS GORDON “SELF-PORTRAIT OF YOU + ME (TYRONE POWER)”: Excelente estudio psicológico de las ilusiones del público y de los fans ante las grandes estrellas. Tiene espejos en boca, ojos, y frente (la frente representa cerebralmente a nuestras emociones y a nuestra personalidad) para que el espectador pueda reflejarse en ellos, convirtiéndose en la propia imagen de la obra.
– TIMOTHY GREENFIELD-SANDERS “JOHN JONES, MARINE STAFF SERGEANT”: Posmoderno en su mensaje, esta obra sorprende por la integración realizada entre carne y máquina en una ruptura psicológica de lo corporal como algo exclusivo al haber sido sustituido lo orgánico por una máquina.
– PETER HALLEY “PRISON”: Posmodernidad tecnológica futurista. Post-estructuralismo. Te atrae y, a su vez, te invita a dar un paso atrás.
– CARSTEN HÖLLER “REINDEER”: Es un reno recién nacido pintado de verde. Sus ojos te observan y te juzgan. Una crítica demoledora de la injerencia humana en las leyes naturales.
– SHIRAZEH HOUSHLARY “FLOOD”: Una obra que te hipnotiza por esta sensación de profundidad y de dinamismo. Textura cromática casi orgánica.
– MICHAEL JOO “IMPROVED RACK (MOOSE Nº6)”: Imagen del pensamiento científico que todo lo ha de dividir y analizar por separado, cuando en el conjunto está su esencia.
– ANISH KAPOOR “UNTITLED”: Una obra que invierte nuestra imagen, confundiendo nuestros sentidos sobre la realidad que percibimos.
– KOMAR AND MELAMID “STALIN AND THE MUSES”: Extraña integración del neoclasicismo con la propaganda política. Una extraña mezcla del idealismo mitológico y las limitaciones políticas.
– OLEG KULIK “THE HOLY FAMILY”: Cuadro muy realista y extremo que te crea tensión.
– MA LIUMING “FEN-MA LIUMING”: Fotografía del artista vestido y maquillado como una mujer como imagen de los vientos sociales posmodernos que están llegando con la globalización.
– RUDI MANTOFANI “WHEN TOUCHES THE GROUND”: Crítica de la simbología psicológica relacionada con la agresividad y con la violencia a nivel social.
– LUIGI ONTANI “LANCILLOTTO, CAVALIERE ANONIMO”: Una visión idealista del ser humano en la naturaleza. Naturalismo humanizado. Es curioso cómo su protagonista no tiene ojos triunfantes, sino resignados porque la naturaleza le limita.
– RICHARD PRINCE “SILHOUETTE COWBOY (A HERD OF BUFFALO)”: Sensación de movimiento. Refleja el poder de la publicidad a la hora de hacer real las ilusiones sociales y humanas.
– NEO RAUCH “GEGENLICHT”: El ser humano expuesto a las letales exigencias de la productividad, de la técnica, y del progreso.
– CINDY SHERMAN “UNTITLE, FILM STILL Nº6”: Contraste absoluto entre la imagen exterior (ego e ilusiones) versus realidad interior.
– CINDY SHERMAN “UNTITLE, FILM STILL Nº15”: Contraste entre las ilusiones y deseos respecto a la realidad en la que vive.
– CINDY SHERMAN “UNTITLE, FILM STILL Nº53”: Mirada femenina de desconfianza ante los aires cosmopolitas propios de la modernidad.
– SHI YONG “THE MOON´s HUES ARE TEASING”: Contraste entre la realidad y la ilusión, entre lo que es y lo que debería ser. Una obra que nos provoca psicológicamente al romper de forma simbólica con lo que pensamos que debería ser real.
– RONALD VENTURA “CUMULUS”: Esta obra es una siniestra crítica social donde la opulencia queda reflejada en un rostro lleno de dolor, de suplicio, de desgracia y de muerte. Sorprende la representación de lo industrial y de los vicios, o sobre la fascinación que provoca lo material como si la vida fuera Disneylandia.
– WANG GUANGYI “VIRUS CARRIER”: Obra convertida en una crítica sobre la manipulación social a través de mensajes psicológicos relacionados con nuestros miedos ancestrales.
– WANG QINGSONG “FOLLOW HIM”: Refleja la sobrecarga informativa y cultural del individuo en nuestra sociedad. Una situación que le provoca dudas e inestabilidad en su razonamiento, de ahí la gran cantidad de hojas aplastadas que tiene tiradas en el suelo. Un obra crítica de mensaje claro y muy directo.
– WANGECHI MUTU “UNTITLE”: La figura femenina representada en su unión con la Madre Naturaleza, pero de una forma dominante y creativa marcada por la diversidad. Tiene una serpiente sin cabeza como simbólica representación de la liberación de la mujer de ese pecado cristiano que se le ha asignado. Un cuadro casi religioso y muy expansivo sensorialmente.
– YUE MINJUN “HAPPINESS”: Alienante. Imagen de la falsedad social vestida de felicidad a través de un encorsetamiento de la personalidad bajo los dictados morales y éticos de la sociedad.
– ZHANG XIAOGANG “BROTHERS AND SISTERS”: Refleja la pérdida del individualismo en la sociedad china moderna. Tienen ojos perdidos, sin alma ni libertad de pensamiento.
– ERWIN WURM “ANGER BUMPS”: Impresiona porque parece animado, pero no tiene ni vida ni personalidad (le falta la cabeza). Es una imagen psicológica de la realidad humana vista desde la perspectiva y el razonamiento científico.

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“Surreal versus Surrealismo en el Arte Contemporáneo”, el interesante catálogo oficial de esta exposición de Arte en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) de imprescindible visita en Valencia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

SURREAL VERSUS SURREALISMO EN EL ARTE CONTEMPORANEO

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.