FERNANDO ARRABAL “LA PIEDRA DE LA LOCURA” (Reseña #1842).

Reseña Cultural: 1842 // Reseña Literaria: 360
Reseña actualizada. Publicada el 9 de septiembre del año 2008 en Lux Atenea.

Publicado por: LIBROS DEL INNOMBRABLE
ISBN: 84-95399-08-3
Edición: 2000 (EDICIÓN COMPRADA)

FERNANDO ARRABAL LA PIEDRA DE LA LOCURA LIBROS DEL INNOMBRABLE

“Entre los dos, me llevaron, atado de pies y manos, a la catedral de los sumisos.”

España nunca ha sido un país que haya sabido valorar a los genios del Arte nacidos en su tierra, y un ejemplo claro y contundente de esta triste realidad es el innovador artista multidisciplinar Fernando Arrabal. Ganador con tan solo diez años del Premio Nacional para Superdotados en el año 1941, con el paso del tiempo se convirtió en miembro fundador del Movimiento Pánico con Roland Topor (1938-1997) y Alejandro Jodorowsky, y en figura esencial dentro del Surrealismo junto a André Breton (1896-1966) en su vertiente teatral y poética. Además, ha sido finalista en el Premio Cervantes del año 2001, condecorado con la Legión de Honor francesa en el año 2005… Sin duda alguna, Fernando Arrabal tiene una mente privilegiada cuyo reconocimiento nunca ha sido suficientemente valorado por los grandes medios de comunicación o por el público a nivel nacional. Tal vez, haber nacido en España haya sido su talón de Aquiles porque hablar de Fernando Arrabal en círculos artísticos e intelectuales franceses, ingleses, estadounidenses… es hablar de uno de los genios más admirados por sus conceptos vanguardistas y por la profunda complejidad de esos mismos conceptos transmitidos en cada una de sus obras. Como analista cultural, no exagero al decir que sin la presencia artística de Fernando Arrabal, una gran parte del avance experimentado durante el siglo XX en la evolución del Arte no se habría producido y estaría incompleto, atrasado, u obsoleto en la actualidad.

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“Las mujeres llevaban cuernos blancos y antifaces negros. Los hombres, arrodillados junto a ellas, imploraban.”

Anteriormente he hecho mención a dos corrientes artísticas que conviene aclarar al lector antes de proseguir con el análisis de este libro: Surrealismo y Movimiento Pánico. Para entender el Surrealismo hay que echar la vista atrás y situarnos en la ciudad de París en el año 1962. Fernando Arrabal toma contacto con la élite artística liderada por André Breton y, poco después, les presenta su nueva obra marcada por la corriente surrealista que tanto adoraban. ¿Qué es el Surrealismo? El Surrealismo toma como base creativa al estado alterado del propio artista a través de métodos alejados de la lógica racional que sostiene el estado normal de vigilia. Con el Surrealismo, el uso de técnicas como la hipnosis, la escritura subliminal, el encierro en hospitales psiquiátricos, el uso de sustancias alucinógenas… se convierte en el origen de la propia obra. Nada que pueda ser influenciado por la Razón es admitido como obra surrealista, y con Fernando Arrabal y su “piedra de la locura”, este campo se amplía al mensaje profundamente simbólico contenido en los sueños y en las pesadillas. Por este motivo, cuando el bibliófilo lector de Lux Atenea decida leer y analizar este enigmático e hipnótico libro, sus palabras y sus frases romperán ese estado de realidad racional concentrada en la lectura para abrir puertas psicológicas que tendrán sentido únicamente en el particular universo mental que cada uno de nosotros poseemos en exclusiva, y que está establecido en el inconsciente a través de lo simbólico y de lo metafórico. Si creen que “La Piedra de la Locura” es una obra alejada del factor psicológico en su función artística y didáctica, estarán muy equivocados. Este libro contiene muchas claves mentales en sus páginas que tal vez sean capaces de abrir algunos candados subliminales en su cerebro.

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“Junto al niño había un perro, con una caperuza de diablo, que parecía reírse de mí.”

Fernando Arrabal se une a Alejandro Jodorowsky y a Roland Topor, fundando el Movimiento Pánico que tiene como origen a la palabra griega Pan, el todo. ¿Por qué lo llaman Pánico? Con el tiempo, André Breton empieza a establecer reglas y normas sobre lo que es surrealista y lo que no lo es, y es precisamente ese encorsetamiento sobre lo que no tiene fronteras lo que llevará a los miembros del Movimiento Pánico a abandonar el círculo de André Breton. Liderando esa separación artística se encuentra Fernando Arrabal, el cual reclama la libertad absoluta del artista respecto a todo aquello que lo limite. Fernando Arrabal sostiene que las normas establecen unas bases ideológicas y estéticas que limitan la capacidad creativa del artista de vanguardia. Además, cuando la innovación artística ha de apoyarse en una serie de reglas para poder tener sentido, en ese preciso instante deja de ser vanguardista. No se puede estar rompiendo barreras y, a su vez, exigir que se respeten otras barreras nuevas. Por ejemplo, en “La Piedra de la Locura” todo es onírico y subliminal, y su mensaje simbólico varía según haya sido formada la personalidad del lector que decida pasearse por sus páginas. En “La Piedra de la Locura” encontrarán la presencia astrológica del Horóscopo, de los arcanos del Tarot, de las piezas del ajedrez. En “La Piedra de la Locura” sentirán la presencia de la madre que devora y marca psicológicamente al hijo, sentirán el desprecio y las burlas del resto de las personas, aparecerá la castración moral y ética que ofrece la religión cristiana al hombre en su relación con la mujer. En “La Piedra de la Locura” vivirán como realidad el verdadero mundo del SuperYo, un gigante aparentemente dormido en las profundidades de la mente pero que condiciona sutilmente a ese Yo con el cual vivimos en lo cotidiano. Una obra fascinante con enfermedades y burlas, transformaciones y seres rayando lo absurdo, luces que oscurecen y oscuridad que ilumina, y la Razón convertida en un perro a la búsqueda y captura de quienes desean ser libres para morderlos. Como auténtico lujo artístico, además en esta edición podrán encontrar ilustraciones definidas en completo equilibrio con su complejo mensaje. “La Piedra de la Locura”, una obra única porque en sus páginas fluyen los sueños y las pesadillas de Fernando Arrabal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“A veces, cuando me besa en la mano, siento un calor especial. Cuando retira los labios en mi mano aparece el escarabajo de oro y bajo él la palabra -Maravilla-.”

FERNANDO ARRABAL LA PIEDRA DE LA LOCURA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“MANTEGNA. EL SUEÑO DE LO ANTIGUO, EL ORO DE LA CORTE” (Reseña #1834).

Reseña Cultural: 1834 // Reseña Literaria: 352
Reseña actualizada. Publicada el 12 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: ELECTA / GRIJALBO MONDADORI, S.A.
ISBN: 84-8156-317-X
Edición: 2001 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 143

MANTEGNA EL SUEÑO DE LO ANTIGUO EL ORO DE LA CORTE

“La actividad artística, la vida familiar y las ambiciones personales de Andrea Mantegna están indisolublemente ligadas a la corte de los Gonzaga.”

Andrea Mantegna (1431-1506) es uno de los mayores genios artísticos del Quattrocento italiano. Teniendo como principal fuente de inspiración al arte del extinto Imperio Romano, bajo su influjo pudo crear obras maestras de gran belleza que actualmente siguen conmoviéndonos al contemplarlas. Poseedor de un don artístico muy especial para integrar con absoluta perfección sus imágenes pictóricas dentro del entorno donde debían permanecer (iglesias, palacios, habitaciones, capillas…), los bibliófilos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados con la precisa definición de sus personajes de una fuerza de expresión incomparable y con unas proporciones anatómicas cercanas a la más absoluta perfección, además de su talento artístico único para explorar el mágico mundo de las perspectivas a la hora de crear las escenas a representar. Andrea Mantegna llegaría incluso a adentrarse en el terreno del ocultismo con la creación de una serie de grabados conocidos durante siglos como “El Tarot de Mantegna”, y que algunos expertos han querido alejar de esa interpretación esotérica al identificarlos con una recreación cosmológica mucho más simple por parte del autor, aunque mantengan al ser humano y al universo como principales ejes existenciales, espirituales, y místicos. Como analista cultural, la interpretación esotérica de los grabados de Mantegna en relación con la baraja del Tarot no es para nada irreal, teniendo en cuenta que el Tarot Visconti también surgió en Italia en la misma época de la mano de la poderosa familia milanesa de los Sforza, y estos grabados de Mantegna aparecen en la ciudad de Ferrara exactamente dos décadas después.

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“Respecto al dibujo, el grabado ofrece la ventaja de la reproductibilidad en diversos ejemplares; esta técnica aparece pronto como la más idónea para satisfacer a un público de apasionados y coleccionistas que a finales de siglo está en claro crecimiento.”

La genialidad técnica y artística desarrollada por el maestro Andrea Mantegna le llevaría incluso a ver solicitados sus servicios para la restauración de importantes obras italianas que, tras el paso del tiempo, se encontraban en diversos estados de degradación. Su amplia experiencia con las más diversas técnicas pictóricas, junto a su concienzudo trabajo con retablos, lienzos… convirtieron a Mantegna en uno de los artistas de más reconocido prestigio en toda la península itálica y, a partir del siglo XVI, sus creaciones se han convertido en obras muy codiciadas cuya pertenencia a las más diversas colecciones públicas y privadas no ha hecho más que ver aumentado considerablemente su prestigio y valoración. Para que los cultos lectores de Lux Atenea puedan hacerse una idea clara de la importancia histórica de Andrea Mantegna dentro del mundo del arte en Europa, les invito a que adquieran esta magnífica guía publicada por la prestigiosa editorial Electa en cuanto tengan oportunidad de comprar un ejemplar. La excelsa calidad de esta edición impresa, tanto por los materiales utilizados como por la exquisita selección de sus imágenes, harán que el libro “Mantegna. El Sueño de los Antiguo, el Oro de la Corte” les deje asombrados debido a la precisión que presentan las descripciones de las obras escogidas, y a través de espectaculares imágenes a todo color donde es posible observar con detenimiento muchos de sus detalles. Por este motivo, obras maestras de Andrea Mantegna como “Sofonisba”, “Sibila y Profeta”, “El Triunfo de la Virtud”, “Retrato de Francesco Gonzaga, IV marqués de Mantua”, “Descenso al Limbo”, “Lamento sobre Cristo Muerto”, “La Pala de San Zenón”, “Niño Bendiciendo”, “El Políptico de San Lucas”… les sobrecogerán por su impactante perfección, concepción, y hermosura, junto a las obras de otros genios del Arte como Alberto Durero en “Los Jinetes del Apocalipsis”, Giovanni Bellini en “Retrato del Dogo Leonardo Loredan” y en “Tríptico dei Frari”, Cristoforo Solari en “Monumento Fúnebre a Ludovico el Moro y Beatrice d´Este”, Sandro Botticelli en “La Piedad”… Una atracción pictórica irresistible que siempre es un placer volver a contemplar. Además, el índice de nombres en las páginas finales de este libro les resultará muy útil a la hora de conocer quiénes fueron los principales personajes de la época aquí mencionados. “Mantegna. El Sueño de los Antiguo, el Oro de la Corte”, deslumbrante crème de la crème pictórica del Quattrocento italiano. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“La muerte sorprende a Mantegna el 13 de septiembre de 1506, a la edad de 75 años. El último periodo de su vida estuvo marcado por apremiantes dificultades económicas y por una visión cada vez más melancólica de su posición como artista, hostigado ya por pintores de la nueva generación…”

MANTEGNA - EL SUEÑO DE LO ANTIGUO EL ORO DE LA CORTE

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“CANOVA” (Reseña #1792).

Reseña Cultural: 1792 // Reseña Literaria: 316
Reseña actualizada. Publicada el 1 de julio del año 2010 en Lux Atenea.

Publicado por: EDITORIAL ELECTA
Edición: 1995 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 64

CANOVA POCKETS ELECTA

Hay un gran maestro de la escultura con el cual me he identificado en cuerpo y alma por la belleza que supo materializar en sus espectaculares obras: el genial Antonio Canova (1757-1822). Como destacado artista italiano del Neoclasicismo, Antonio Canova tiene un don creativo muy especial a la hora de definir y de pulir una estatua hasta alcanzar su máxima perfección, e incluso consigue que quien contempla alguna de sus obras pueda llegar a caer en el complejo de Pigmalion y desear que cobren vida propia. Los bibliófilos lectores de Lux Atenea quedarán maravillados cuando observen atentamente estas páginas, y vean cómo es increíble que Antonio Canova fuera capaz de convertir los bloques de mármol en estas maravillosas obras de arte protagonizadas por personajes que parecen reales, que parecen que se van a mover, o que van hasta a pestañear. Es como si Antonio Canova hubiera podido presenciar en persona la escena que quería representar y, por arte de magia, hubiera podido transformar en piedra a sus protagonistas. Además, Antonio Canova posee un sentido estético y una perspectiva artística completamente armoniosa en su definición que le lleva a tener una extraordinaria capacidad para imaginar la disposición de los personajes, su actitud, la tensión de cada músculo… y con una técnica escultórica propia de un ser sobrenatural a la hora de convertir su idea en algo real y tan asombrosamente bello. Quién haya podido ver en persona algunas obras esculpidas por Antonio Canova, sabe muy bien de lo que hablo, y quien no haya tenido esta inolvidable experiencia, al menos le aconsejo que se pasee por las páginas de este libro para tener una primera toma de contacto con el virtuosismo creativo de Antonio Canova. Las imágenes impresas que han sido incluidas en esta edición les dejarán con ganas de iniciar un viaje hacia los lugares donde están expuestas estas magnas obras. Una fascinación incomparable que acercará su alma a la belleza propia del Arte Escultórico porque es imposible no conmoverse con obras como “Pio VI in preghiera”, “Ninfa addormentata”, “Marte e Venere”, “Teseo vincitore del Minotauro”, con el impactante y potente “Ercole e Lica”, o con la solemnidad que transmite el Monumento a María Cristina de Austria, por poner alguno de los muchos ejemplos claros que existen sobre su extraordinario don artístico. Como último apunte en esta reseña, la edición del libro fue publicada en idioma italiano y desconozco si la editorial Electa también lo ha presentado en idioma español. “Canova”, grandioso libro sobre Arte para admirar. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

CANOVA

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

GUILLERMO PÉREZ VILLALTA “EXPOSICIÓN ENERO-FEBRERO 2003, MADRID” (Reseña #1643).

Reseña Cultural: 1643 // Reseña Literaria: 273
Reseña actualizada. Publicada el 6 de mayo del año 2009 en Lux Atenea.

Publicado por: GALERÍA SOLEDAD LORENZO
Edición: 2002 (EDICIÓN COMPRADA)

GUILLERMO PÉREZ VILLALTA EXPOSICIÓN ENERO-FEBRERO 2003 MADRID 1

Guillermo Pérez Villalta es uno de los artistas multidisciplinarios más innovadores que hayan nacido en España. Con un espíritu renacentista siempre latente tanto en escultura como en arquitectura, y sobre todo dentro del apasionante mundo de la pintura, el genio creativo de Guillermo Pérez Villalta ya consiguió sus primeros laureles públicos tras entrar dentro del selecto grupo de artistas de La Movida Madrileña de la década de los ochenta. Con un universo pictórico propio que se mueve entre el minimalismo, el posmodernismo, y el neomanierismo, sus obras conseguirán que los cultos lectores de Lux Atenea tengan sentimientos de admiración, de añoranza de un idílico pasado, y del establecimiento de una armonía con el entorno natural que seduzca a nuestra alma humana de nuevo, y sin perder por ello nuestro modo de vida urbano y nuestra adoración por los placeres de la vida. Esta magnífica edición fue el catálogo oficial de la exposición organizada en Madrid por la Galería Soledad Lorenzo entre los días 9 de enero y 18 de febrero del año 2003. Tras mi visita y quedar absolutamente fascinado con la contemplación de estas magnas obras, cada relectura de este catálogo es un viaje al pasado y volver a revivir esas sensaciones. Pese a la gran calidad de impresión que presentan estas páginas en relación a estas obras, verdaderamente es espectacular la magia de las formas y la intensidad de los colores que transmiten estas obras cuando se observan y analizan directamente. Te dejan paralizado mientras las contemplas, tu mente se expande inmersa en un crescendo de placer visual, y los ojos no dejan de moverse de un lado a otro escrutando con la mirada cada detalle, cada tonalidad, cada forma, y con la imaginación deseando poder vivir dentro de ese armonioso mundo con un trasfondo simbólico.

GUILLERMO PÉREZ VILLALTA EXPOSICIÓN ENERO-FEBRERO 2003 MADRID 2

Guillermo Pérez Villalta es un artista muy selecto y cuidadoso. Se le intuye inconformista a la hora de escoger lo mejor, buscando incansablemente ese nuevo punto de intensidad vital presente a través del reflejo de la esencia del pasado, y de la desbordante imaginación que ofrece siempre el futuro. Utiliza la estética minimalista para aumentar la intensidad emocional en quienes contemplan sus obras, usando tonos cromáticos no muy frecuentes que se mueven entre los tonos pastel (de aparente tacto algodonoso) y los tonos crudos (que parecen tener vida propia). Bajo la influencia posmodernista, a Guillermo Pérez Villalta le gusta mostrar las vidas privadas de sus personajes ante el público, mientras estos permanecen abstraídos de todo lo que está sucediendo alrededor. Sorprende comprobar el alto grado de concentración que Guillermo Pérez Villalta resalta en muchos de sus personajes, e influido por sus estudios arquitectónicos, conoce muy bien cómo dar forma tridimensional a un cuadro mediante este uso inteligente de las proporciones, y de los colores y las formas que parecen moverse siguiendo una inercia imparable. Pero a Guillermo Pérez Villalta también le gusta situar a sus personajes en posiciones retorcidas, tremendamente incómodas, y con un trazo final muy cercano al estilo utilizado en muchos cómics. Un sello artístico personal en sus cuadros que lo ha colocado entre los pintores neomanieristas más importantes. Tras la lectura del prólogo escrito por el propio autor, estamos ante la obra de uno de los mayores artistas de la Pintura existentes en la actualidad. La obra de todo un maestro de las evocaciones, de la grandeza del alma humana, de la consciencia positiva en constante expansión a través del placer, y de la eterna adoración de la belleza que hemos heredado culturalmente desde la Antigüedad. “Catálogo de la exposición sobre Guillermo Pérez Villalta, enero-febrero 2003, Madrid”, contemplar la magna obra de este genial artista incita a amar mucho más la vida y la Cultura. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

GUILLERMO PEREZ VILLALTA EXPOSICION ENERO-FEBRERO 2003 MADRID

Félix V. Díaz
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“LA PINTURA DEL ROMANTICISMO” (Reseña #1639).

Reseña Cultural: 1639 // Reseña Literaria: 271
Reseña actualizada. Publicada el 18 de enero del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: BENEDIKT TASCHEN VERLAG GmbH.
ISBN: 3-8228-6806-X
Edición: 1999 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 159

LA PINTURA DEL ROMANTICISMO

Durante las primeras décadas del siglo XIX, el Romanticismo se presenta en Occidente como la nueva corriente artística que hará perder la hegemonía cultural a un Neoclasicismo agotado que no encontraba nuevas vetas inspiradoras que lo renovaran. Con un trasfondo cultural profundo donde el idealismo y el renacer espiritual plantan cara a toda la corriente filosófica nacida y desarrollada en el Siglo de las Luces, y basada en la Lógica y en la Razón, el Romanticismo retoma la visión del ser humano dentro de un panteísmo donde su alma añora profundamente esa armonía perdida con la Madre Naturaleza y el universo. El Romanticismo se fija en la soledad de la persona sensible, de la persona intuitiva, de la persona que muestra su creatividad como acto donde desborda su candente idealismo interior en la fría realidad externa. El Romanticismo es utópico por naturaleza, y toma como referencia artística el Medievo por su esencia espiritual sacra y por la estrecha relación que establecieron entre el ser humano y la naturaleza. También el Renacimiento será otro de sus pilares culturales por ese despertar de la mente humana al mundo donde detrás de sus nuevos horizontes mentales parecía ocultarse su liberador futuro. Por este motivo, el arte creado por los grandes maestros de esas dos épocas es reverenciado por estos pintores románticos al ser tomados como indiscutibles referencias creativas a la hora de dar vida a sus obras. Pero el Romanticismo tiene alma propia, tiene una entidad filosófica propia que se entrelaza con el mundo místico y religioso hasta darle una espectacular armonía que trasciende la mente de la persona que observa cualquiera de estas obras. Unos cuadros románticos que saben cómo hablar a nuestra alma haciendo uso de una depurada técnica pictórica donde lo metafórico y lo simbólico adquieren un valor supremo mucho más allá de lo propiamente estético. Estos pintores románticos no dudarán un segundo en traspasar los límites de la belleza para adentrarse en los colosales dominios de lo sublime y, yendo mucho más allá, incluso se introducirán en el obscuro y tenebroso reino de la Belleza Siniestra en busca de la auténtica raíz humana que siempre acaba ocultándose en esos terrenos del inframundo.

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Aparte de la impresionante calidad de impresión a todo color a la cual ya nos tiene acostumbrados la prestigiosa editorial Taschen, los bibliófilos lectores de Lux Atenea quedarán encantados con esta edición por la completa relación de pintores románticos incluidos en estas páginas. Una presencia cultural internacional unida por el espíritu artístico romántico donde el lector podrá apreciar y sentir con claridad qué corrientes e ideales influyeron en estos artistas a la hora de crear cada una de sus obras, y cómo se pudo sentir, artísticamente hablando, esa idealización del ser humano según la cultura del país en el cual estuviera establecido el artista. Una herencia cultural que dejaría una huella artística muy clara en las obras de estos pintores según su procedencia, y donde el Romanticismo mostraría una amplia y profunda riqueza cultural enraizada con los anhelos ancestrales del lugar. Además, en esta edición tan completa también tienen a su disposición la biografía de cada uno de estos pintores en las últimas páginas del libro para que puedan conocer en mayor profundidad no solamente una exquisita selección de sus obras, sino también los hechos más importantes que influyeron en cada una de sus vidas. Como apunte final, quisiera comentar que en esta reseña no voy a realizar una selección personal de estos impresionantes cuadros, ni mi análisis subjetivo sobre ellos debido a que esta lista de preferencias es demasiado larga en vista a la exquisita selección realizada en esta edición, dejando este apartado descriptivo para futuras e inminentes reseñas sobre temáticas pictóricas más concretas y definidas. “La Pintura del Romanticismo”, a continuación les adjunto la relación de pintores ordenada por orden de aparición, y cuyas obras han sido incluidas en esta excelsa y lujosa edición. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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ALEMANIA y AUSTRIA:
– Philipp Otto Runge
– Caspar David Friedrich
– Ernst Ferdinand Oehme
– Georg Friedrich Kersting
– Carl Gustav Carus
– Carl Wagner
– Christian Friedrich Gille
– Karl Friedrich Schinkel
– Peter von Cornelius
– Ferdinand Olivier
– Julius Schnorr von Carolsfeld
– Franz Pforr
– Friedrich Overbeck
– Philipp Veit
– Carl Philipp Fohr
– Johann Anton Ramboux
– Josef Führich
– Wilhelm von Schadow
– Franz Ludwig Catel
– Carl Rottmann
– Karl Blechen
– Wilhelm von Kobell
– Ludwig Richter
– Moritz von Schwind
– Ferdinand Georg Waldmüller
– Carl Spitzweg

GRAN BRETAÑA:
– Johann Heinrich Füssli
– William Blake
– John Martin
– Richard Parkes Bonington
– John Sell Cotman
– John Constable
– James Ward
– Clarkson Stanfield
– Francis Danby
– Samuel Palmer
– William Turner
– Edwin Landseer
– David Scott
– John Ruskin
– William Morris
– Charles Lock Eastlake
– William Dyce
– William Holman Hunt
– John Everett Millais
– Dante Gabriel Rosetti
– Edward Burne-Jones
– Ford Madox Brown

FRANCIA:
– François Gérard
– Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson
– Horace Vernet
– Pierre-Paul Prud´hon
– Théodore Chassériau
– Antoine-Jean Gros
– Théodore Géricault
– Jean Auguste Dominique Ingres
– Georges Michel
– Théodore Gudin
– Eugène Delacroix
– Paul Delaroche
– Théodore Rousseau
– Léopold Robert
– Jean-Baptiste Camille Corot
– Paul Huet
– Félix Ziem

PAÍSES BAJOS:
– Jacobus Theodorus Abels

BÉLGICA:
– Antoine Wiertz

RUSIA:
– Alexei Venetsianov
– Alexander Ivanov
– Karl Pavlovich Brüllow

POLONIA:
– Pjotr Michalowski

HUNGRÍA:
– Kàroly Markò el Viejo

ESCANDINAVIA:
– Jens Juel
– Christen Schjellerup Kobke
– Johan Christian Clausen Dahl
– Christoffer Wilhelm Eckersberg
– Thomas Fearnley

ITALIA:
– Francesco Hayez
– Tommaso Minardi
– Massimo d´Azeglio

ESPAÑA:
– Francisco de Goya
– Eugenio Lucas y Padilla
– Jenaro Pérez Villaamil
– Mariano Fortuny y Carbó Marsal

ESTADOS UNIDOS DE AMÉRICA:
– Thomas Cole
– George Caleb Bingham
– William Sidney Mount
– George Loring Brown
– William Louis Sonntag
– Frederic Edwin Church
– Albert Bierstadt

LA PINTURA DEL ROMANTICISMO TASCHEN

Félix V. Díaz
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NEIL GAIMAN “ERRORES INFALIBLES PARA (Y POR) EL ARTE” (Reseña #1583).

Reseña Cultural: 1583 // Reseña Literaria: 252
Reseña actualizada. Publicada el 12 de mayo del año 2015 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a MALPASO EDICIONES por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Publicado por: MALPASO EDICIONES, S.L.
ISBN: 84-15996-73-6
Edición: Febrero 2015 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 80

neil gaiman errores infalibles MALPASO

La mítica saga de cómics “The Sandman” ha hecho mundialmente famoso al polifacético escritor británico Neil Gaiman. Como autor de esta extraordinaria obra titulada “Errores Infalibles Para (y por) El Arte”, en sus páginas ha quedado recopilado el discurso de graduación ofrecido el 17 de mayo de 2012 en la Universidad de Arte de Filadelfia, habiendo sido presentado recientemente en España a través de la prestigiosa editorial Malpaso Ediciones en esta preciosa publicación de pequeño formato, pero visualmente espectacular por su diseño. Y es que es su excelso diseño lo que más impresionará a primera vista a los bibliófilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta magnífica obra, transformando su lectura en una apertura mental a las ideas de este genial artista que han quedado impresas en estas páginas, y que deslumbran por su diseño único e impactante. Tres colores, blanco, rojo, y negro, con los cuales se ha dado vida a este caleidoscopio conceptual en torno a la valoración de la imaginación y de las ideas en la mente del lector, irradiando este mensaje tan cristalino y estos reflejos psicológicamente iridiscentes tras el paso de cada hoja debido a que la sorpresa conceptual y visual es permanente hasta el final del libro. Poblado por multitud de frases que te obligan a parar a pensar detenidamente su significado más profundo, en su obra “Errores Infalibles para (y por) El Arte”, a Neil Gaiman le gusta convertir las ideas en el centro de creación del Arte incluso cuando éstas no llevan a una buena finalización. El razonamiento, la imaginación, incluso la fantasía por su poder evasor de la realidad en quienes se sumergen en ella, aparecen como vías perfectas para el nacimiento de nuevas formas de expresión artísticas que han hecho avanzar al ser humano a lo largo de toda su historia, y esa falibilidad latente en los errores, también ha provocado el surgimiento de otras perspectivas que aplicadas al Arte, han sido capaces de transformarlo en profundidad.

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Hay una tendencia del ser humano a buscar la perfección, y el Arte muchas veces ha sido el reflejo de ese anhelo aún latente en este siglo XXI. Y claro, si se busca la perfección, el error queda siempre al margen por su imperfección. Pero, ¿qué sucedería si un error fuera una semilla de perfección? Tal vez el camino a seguir para alcanzar la perfección no sea ni recto ni esté bien empedrado, sino más bien al contrario al ser un terreno inhóspito y desconocido donde los peligros y las dudas están siempre presentes, trazándose y levantándose caminos sin tener la seguridad de que lleguen al destino deseado. Si a ello le unimos otros factores como el ideal, la pasión, la cultura existente en la época, los estados de ánimo tanto del artista como de quienes tratan de desvelar y de sentir el mensaje y la esencia de la obra, al final terminamos moviéndonos en un plano real bastante indefinido donde la verdadera cualidad de lo perfecto termina siendo adquirido por su esencia perenne, independientemente de la época, de la cultura, o del sentir emocional dominante. Más subjetivo que racional, más flexible que inmutable, más concreto que complejo, terminar cayendo en manos de las leyes de la armonía que rigen en el universo tal vez pueda ser ese el comienzo de una era dorada en la mente de quienes buscan ideas, de quienes buscan la plenitud, y de quienes tratan de acercarse a la perfección representada con lo palpable. Lo externo y lo interno enlazados por ese algo desconocido que conmueve e ilumina interiormente, y que ayuda a avanzar y a superar las dificultades que nos pone la vida para que no hagamos nuestro sueño realidad. Así de contundentes se presentan las palabras de Neil Gaiman en esta obra. “Errores Infalibles Para (y por) El Arte”, la ruptura y la transgresión dentro del ígneo caldo de cultivo mental de las ideas artísticas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

ERRORES INFALIBLES PARA (Y POR) EL ARTE NEIL GAIMAN

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SURREAL VERSUS SURREALISMO EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO -CATÁLOGO OFICIAL-” (Reseña #1563).

Reseña Cultural: 1563 // Reseña Literaria: 238
Reseña actualizada. Publicada el 30 de noviembre del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: INSTITUTO VALENCIANO DE ARTE MODERNO

SURREAL VERSUS SURREALISMO EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO CATÁLOGO OFICIAL

A principios de este mes tuve oportunidad de visitar la extraordinaria exposición organizada por el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) sobre el Surrealismo. Un arte siempre tan interesante como cautivador. Con un catálogo oficial disponible en Internet en formato .pdf a través de la página web oficial del IVAM, su lectura previa a la visita me permitió poder dedicar todo el tiempo que me gusta brindar a la contemplación y al análisis de las obras expuestas, sin tener que estar realizando parones informativos entre obra y obra una vez allí. Aunque en el catálogo no están las obras de arte ordenadas en la misma secuencia de su distribución en las diferentes salas que componen la exposición, la lectura previa del catálogo nos permite localizar con suma rapidez cada una de ellas para poder tener una idea más concreta del artista y de su obra que, complementado con las explicaciones y descripciones dispuestas a lo largo de toda la exposición, hace que adquiramos un conocimiento mucho más profundo de cada obra creada bajo la influencia psicológica del Surrealismo. Y es que hay obras de arte que te sorprenden, que te dejan paralizado, que te sobrecogen por su ingenio y talento, mientras vamos adentrándonos poco a poco en los mundos evanescentes de lo onírico, de lo simbólico, de aquello que se encuentra en esa fina línea de ensoñación que separa la vigilia del sueño. Pero la realidad humana también está presente en cada una de estas obras a través del mensaje psicológico, algunas veces subliminal, donde el arte contemporáneo encuentra en el mensaje surrealista ese lenguaje único para poder expresar una idea, una visión, o un concepto directo a nuestra Razón. Colores, formas, gestos, hacen de este universo del Arte Contemporáneo unido a lo surreal, esa aventura mental y psíquica de irrenunciable visita en Valencia para aquellos lectores de Lux Atenea interesados en la Cultura. El Surrealismo obliga al espectador a hacerle pensar en lo que está viendo, a pensar en aquello que, bajo una apariencia intencionadamente determinada, se esconde el verdadero mensaje que le ha dado forma y sentido. Así de grandioso se presenta el Surrealismo, y tal es la grandeza del Instituto Valenciano de Arte Contemporáneo al haber organizado esta exposición artística tan espectacular e interesante. Tras haber visitado esta magnífica e impactante exposición en el IVAM, y en vista a la calidad de las obras expuestas, quisiera ofrecer a los cultos lectores de Lux Atenea estas impresiones y estos análisis personales sobre la esencia conceptual de algunas de las joyas artísticas aquí expuestas:

Lux Atenea 4 - 2

– TONY OURSLER “UNTITLE (HEAD WITH TOOLS)”: Una obra impactante y siniestramente bella. Refleja la cárcel carnal en la que habita nuestra alma a través de las cadenas y de los instrumentos de tortura que la mantienen sujeta.
– INEZ VAN LAMSWEERDE & VINOODH MATADIN “ANASTASIA”: Gélidamente fetichista. Atractiva belleza femenina que oculta su verdadera realidad interior, mientras nos embruja con una mirada que te posee.
– ROSS BLECKNER “ONE DAY FEVER”: Un cuadro que impresiona por su efecto sobrenatural, por su fuerza espiritual, por su misticismo e imagen trascendente.
– JAVIER PÉREZ “CABEZA RAÍZ”: Impresiona y sobrecoge. Parece viva, como si en un momento u otro fuera a abrir los ojos. Representa la caducidad de todo lo carnal y material que marcan y definen el miedo ancestral del ser humano a la muerte.
– MARC QUINN “THE FUTURE OF THE PLANET”: Obra siniestra. Representa el idealismo místico, tanto en su dimensión espiritual como en su dimensión terrenal. Imagen contundente sobre la trascendencia más allá de la muerte.

Lux Atenea 4 - 5

Otras obras de arte a destacar son:

– MATTHEW BARNEY “CREMASTER 4: LOUGHTON MANUAL”: El hombre ante el dilema existente entre su instinto animal (macho cabrío = símbolo de la masculinidad) y su esencia espiritual (traje blanco = símbolo de pureza), y que trata de dar la espalda a lo animal (lo terrenal, lo material, lo carnal) pero sin perder contacto con ello (por ese motivo, está tocando el cuerno del macho cabrío pero sin mirarlo). Perfectamente podía llegar a ser una moderna carta del Tarot.
– JOHN BOCK “SEEWOLF”: Reflejo artístico de la capacidad del ser humano para adaptarse a cualquier medio y circunstancia en la vida. Una obra inspirada en el libro de Jack London “El Lobo de Mar”.
– MAURIZIO CATTERLAN “CHARLIE DON´T SURF”: Representación del individuo educado en la modernidad.
– FRANCESCO CLEMENTE “JAIN SAINT”: Una obra compleja donde queda representado simbólicamente el mundo material y el mundo espiritual separados por un inexorable vacío existencial.
– ROBERTO CUOGHI “SENZA TITULO”: Retrato del músico Arto Lindsay a través de una degradación realista de su imagen, y como contraste entre la imagen alterada que vemos y la verdadera imagen del artista. Sus ojos te miran y te incomodan. Su mano parece viva.
– NATHALIE DJURBUERG “SNAKES KNOW IT´S YOGA”: Interesante video de animación utilizando personajes creados con arcilla.
– FRANCESCO GENNERI “CONTRAZIONE DELLA METAFISICA Nº2”: Su efecto psicológico rompe con lo orgánico.
– ROBERT GOBER “MAN COMING OUT OF THE WOMAN”: Una de las obras más impactantes de la exposición, sobre todo para el público femenino, por su absoluto realismo. Impresiona esta contundente representación de los traumas sexuales femeninos.
– DIONISIO GONZALEZ “JORNALISTA ROBERTO MARINHO II”: Símbolo de la presencia social y urbana del ser humano alterando y adaptando siempre el entorno en donde se establece.
– DOUGLAS GORDON “SELF-PORTRAIT OF YOU + ME (TYRONE POWER)”: Excelente estudio psicológico de las ilusiones del público y de los fans ante las grandes estrellas. Tiene espejos en boca, ojos, y frente (la frente representa cerebralmente a nuestras emociones y a nuestra personalidad) para que el espectador pueda reflejarse en ellos, convirtiéndose en la propia imagen de la obra.
– TIMOTHY GREENFIELD-SANDERS “JOHN JONES, MARINE STAFF SERGEANT”: Posmoderno en su mensaje, esta obra sorprende por la integración realizada entre carne y máquina en una ruptura psicológica de lo corporal como algo exclusivo al haber sido sustituido lo orgánico por una máquina.
– PETER HALLEY “PRISON”: Posmodernidad tecnológica futurista. Post-estructuralismo. Te atrae y, a su vez, te invita a dar un paso atrás.
– CARSTEN HÖLLER “REINDEER”: Es un reno recién nacido pintado de verde. Sus ojos te observan y te juzgan. Una crítica demoledora de la injerencia humana en las leyes naturales.
– SHIRAZEH HOUSHLARY “FLOOD”: Una obra que te hipnotiza por esta sensación de profundidad y de dinamismo. Textura cromática casi orgánica.
– MICHAEL JOO “IMPROVED RACK (MOOSE Nº6)”: Imagen del pensamiento científico que todo lo ha de dividir y analizar por separado, cuando en el conjunto está su esencia.
– ANISH KAPOOR “UNTITLED”: Una obra que invierte nuestra imagen, confundiendo nuestros sentidos sobre la realidad que percibimos.
– KOMAR AND MELAMID “STALIN AND THE MUSES”: Extraña integración del neoclasicismo con la propaganda política. Una extraña mezcla del idealismo mitológico y las limitaciones políticas.
– OLEG KULIK “THE HOLY FAMILY”: Cuadro muy realista y extremo que te crea tensión.
– MA LIUMING “FEN-MA LIUMING”: Fotografía del artista vestido y maquillado como una mujer como imagen de los vientos sociales posmodernos que están llegando con la globalización.
– RUDI MANTOFANI “WHEN TOUCHES THE GROUND”: Crítica de la simbología psicológica relacionada con la agresividad y con la violencia a nivel social.
– LUIGI ONTANI “LANCILLOTTO, CAVALIERE ANONIMO”: Una visión idealista del ser humano en la naturaleza. Naturalismo humanizado. Es curioso cómo su protagonista no tiene ojos triunfantes, sino resignados porque la naturaleza le limita.
– RICHARD PRINCE “SILHOUETTE COWBOY (A HERD OF BUFFALO)”: Sensación de movimiento. Refleja el poder de la publicidad a la hora de hacer real las ilusiones sociales y humanas.
– NEO RAUCH “GEGENLICHT”: El ser humano expuesto a las letales exigencias de la productividad, de la técnica, y del progreso.
– CINDY SHERMAN “UNTITLE, FILM STILL Nº6”: Contraste absoluto entre la imagen exterior (ego e ilusiones) versus realidad interior.
– CINDY SHERMAN “UNTITLE, FILM STILL Nº15”: Contraste entre las ilusiones y deseos respecto a la realidad en la que vive.
– CINDY SHERMAN “UNTITLE, FILM STILL Nº53”: Mirada femenina de desconfianza ante los aires cosmopolitas propios de la modernidad.
– SHI YONG “THE MOON´s HUES ARE TEASING”: Contraste entre la realidad y la ilusión, entre lo que es y lo que debería ser. Una obra que nos provoca psicológicamente al romper de forma simbólica con lo que pensamos que debería ser real.
– RONALD VENTURA “CUMULUS”: Esta obra es una siniestra crítica social donde la opulencia queda reflejada en un rostro lleno de dolor, de suplicio, de desgracia y de muerte. Sorprende la representación de lo industrial y de los vicios, o sobre la fascinación que provoca lo material como si la vida fuera Disneylandia.
– WANG GUANGYI “VIRUS CARRIER”: Obra convertida en una crítica sobre la manipulación social a través de mensajes psicológicos relacionados con nuestros miedos ancestrales.
– WANG QINGSONG “FOLLOW HIM”: Refleja la sobrecarga informativa y cultural del individuo en nuestra sociedad. Una situación que le provoca dudas e inestabilidad en su razonamiento, de ahí la gran cantidad de hojas aplastadas que tiene tiradas en el suelo. Un obra crítica de mensaje claro y muy directo.
– WANGECHI MUTU “UNTITLE”: La figura femenina representada en su unión con la Madre Naturaleza, pero de una forma dominante y creativa marcada por la diversidad. Tiene una serpiente sin cabeza como simbólica representación de la liberación de la mujer de ese pecado cristiano que se le ha asignado. Un cuadro casi religioso y muy expansivo sensorialmente.
– YUE MINJUN “HAPPINESS”: Alienante. Imagen de la falsedad social vestida de felicidad a través de un encorsetamiento de la personalidad bajo los dictados morales y éticos de la sociedad.
– ZHANG XIAOGANG “BROTHERS AND SISTERS”: Refleja la pérdida del individualismo en la sociedad china moderna. Tienen ojos perdidos, sin alma ni libertad de pensamiento.
– ERWIN WURM “ANGER BUMPS”: Impresiona porque parece animado, pero no tiene ni vida ni personalidad (le falta la cabeza). Es una imagen psicológica de la realidad humana vista desde la perspectiva y el razonamiento científico.

Lux Atenea 4 - 4

“Surreal versus Surrealismo en el Arte Contemporáneo”, el interesante catálogo oficial de esta exposición de Arte en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) de imprescindible visita en Valencia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

SURREAL VERSUS SURREALISMO EN EL ARTE CONTEMPORANEO

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“OBRAS MAESTRAS DEL JEAN PAUL GETTY MUSEUM: MANUSCRITOS ILUMINADOS” (Reseña #1562).

Reseña Cultural: 1562 // Reseña Literaria: 237
Reseña actualizada. Publicada el 3 de abril del año 2014 en Lux Atenea.

Publicado por: THAMES AND HUDSON
ISBN: 0-500-17016-9
Edición: 1997 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 128

obras maestras Jean Paul Getty Museum Manuscritos Iluminados

“Obras Maestras del Jean Paul Getty Museum: Manuscritos Iluminados” es uno de los libros sobre Arte que más disfruto cada vez que abro sus páginas. Publicado en esta preciosa edición de gran formato por la editorial londinense Thames And Hudson, esta obra forma parte de una serie de siete libros (Antigüedades, Manuscritos Iluminados, Artes decorativas, Dibujos, Pinturas, Fotografías y Esculturas) reunidos bajo el título “Obras Maestras del Jean Paul Getty Museum”. Su extraordinaria calidad de impresión mostrará al bibliófilo lector de Lux Atenea cada una de estas esplendorosas obras de Arte a través de imágenes de gran definición, y donde el detalle y los vivos colores incrementan aún más la sensación de su alto valor histórico y cultural contenido en cada una de estas piezas artísticas. Un libro extraordinario donde la contemplación acaba transformándose en fuente de sabiduría y de placer ante la belleza observada. Sublime colección de Arte nacida gracias a la pasión que estas antigüedades despertaron en el magnate del petróleo estadounidense Jean Paul Getty (1892 – 1976) y que, con el paso del tiempo y ante la relevancia cultural de estas obras, reafirman la acertada decisión de crear un museo privado abierto al público para poder mostrar su exquisitez cultural. Así surgió el Jean Paul Getty Museum situado en el estado de California, y cuyas dos sedes oficiales están localizadas en la ciudad de Los Ángeles y en Malibú, albergando esta magna colección cuyo valor cultural viene atrayendo a un gran numero de personas cada año, distinguiéndose como uno de los museos más prestigiosos de los Estados Unidos de América en la actualidad. Una afluencia de público más que comprensible en vista a la extraordinaria calidad de las obras expuestas, como podrán comprobarlo los cultos lectores de Lux Atenea que adquieran esta maravillosa edición.

Lux Atenea 4 - 4

Este volumen está dedicado a los Manuscritos Iluminados, pudiendo percibir muy claramente esta atmósfera sacra desde sus primeras páginas. Una magnífica colección de Arte Medieval y Renacentista que abarca desde los siglos X al XVI, y en los que destacan los manuscritos religiosos cristianos, los Libros de Horas, libros para la liturgia, Biblias… junto a la especial relevancia del Arte Gótico en este lujoso libro. Arte europeo de irresistible belleza espiritual creado por los más importantes artistas y artesanos de la época en los reinos y territorios más ricos y pujantes como España, Francia, Italia, Inglaterra, Alemania… Pero es ante la magnitud y la importancia cultural de sus Manuscritos cuando el lector toma consciencia del exquisito gusto artístico de Jean Paul Getty a la hora de seleccionar las piezas que darían forma a esta colección. Maravillosa exposición artística de esa época culturalmente irrepetible cuando cada libro era una obra de arte única, siendo bellamente engalanada y decorada. Una época anterior al nacimiento de la imprenta donde el texto de cada hoja era creada a mano, al igual que su deslumbrante decoración. Belleza literaria sublime que jamás ha vuelto a repetirse en nuestra historia europea, y que fue posible gracias a ese espíritu religioso reinante donde el tiempo, los medios, y los esfuerzos destinados a la obra espiritual permitieron imaginar y componer estos volúmenes con paciencia y pasión. Una época sin la estresante presión del tiempo sobre el individuo y que estuvo dedicado en cuerpo y alma al Arte inmortal. Cada hoja, cada página, terminaba convirtiéndose en un universo cultural único. “Obras Maestras del Jean Paul Getty Museum: Manuscritos Iluminados”, cuando el dinero se invierte en Arte aparecen estas magnas colecciones privadas donde la Cultura es preservada. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

JEAN PAUL GETTY MUSEUM MANUSCRITOS ILUMINADOS

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.