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DISSECTING TABLE “CONTAMINATED AREA” (SSSM – SEEKING SENSATION SCALE MUSIC, agosto 2025) (Reseña / Review #2308).

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Reseña Cultural nº: 2308 // Reseña Musical nº: 1495

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista japonés Hiroshi Hashimoto (Contagious Orgasm) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Death From Infection // 2- Black Purification System
Datos técnicos: Temas musicales grabados el día 31 de julio del año 2025 en UPD Studio
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna Obra Musical dentro de la escena industrial y noise más experimental

A mediados del pasado mes de agosto fue presentada oficialmente la nueva obra musical de Dissecting Table titulada “Contaminated Area”. Publicada por el genial artista japonés Hiroshi Hashimoto (Contagious Orgasm) a través de su propio sello discográfico SSSM (Seeking Sensation Scale Music) en formato digital y en una preciosa edición en cassette, el EP “Contaminated Area” ha sido engalanado con este atrayente diseño creado por el propio artista japonés Ichiro Tsuji, alma mater de Dissecting Table, fundiendo a nivel visual esta estética psicodélica de la década de los setenta situada en un primer plano, con un trasfondo más radical donde los instrumentos médicos utilizados en operaciones quirúrgicas han sido dispuestos en círculo de forma inquietante. Este ordenamiento proyecta una siniestra psicopatía que es perfecta para representar a nivel visual, la esencia musical noise e industrial de esta impactante obra. Vertebrado por dos magníficos temas grabados el día 31 de julio de este mismo año, Dissecting Table fascinará al melómano lector de Lux Atenea amante de la vanguardia artística debido a la perspectiva creativa desarrollada por el experto artista japonés Ichiro Tsuji en “Contaminated Area”, transmitiendo esta fusión de madurez conceptual atesorada desde finales de la década de los ochenta con el incansable espíritu artístico del pionero. El EP “Contaminated Area” es pura vanguardia dentro de la escena noise e industrial alcanzada gracias a los conocimientos técnicos de Ichiro Tsuji dentro del mundo musical a nivel de instrumentos y de equipamiento tecnológico, creando sus propios equipos musicales que dan esta personalidad sonora tan especial a Dissecting Table. “Contaminated Area” es una mirada directa a esta oxidada y degradada Modernidad que estamos viviendo, habiendo llevado a lo humano a un estrés extremo a nivel mental en un entorno artificial convertido en una salvaje y despiadada jungla de cristal, hormigón, y asfalto. Una Modernidad industrial que ha convertido a este planeta en un recurso a explotar, y sin miramiento alguno a la diversidad viviente existente en la Madre Naturaleza, con los presagios de decadencia y de caída inexorable que ya se observan en el horizonte de esta civilización que ha puesto toda su apuesta de futuro en la tecnología, cueste lo que cueste a nivel ambiental y de recursos naturales para poder conseguirlo.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra adentrándonos en el universo musical de Dissecting Table a través del primer tema “Death From Infection”, apareciendo esta saturada atmósfera sonora experimental donde lo industrial es decorado con pinceladas noise, quedando todo entrecortado como recreación musical de la degradación del entorno humano. Lo tecnológico sufriendo estos cortes en su hegemonía, y lo humano reducido a la sintetización de todo lo que caracteriza al individuo hasta quedar convertido en una burda digitalización, a una serie de datos fríos y sin alma. El tema “Death From Infection” evolucionará de forma sutil a través de matices sonoros que obligarán a los melómanos lectores de Lux Atenea a varias atentas audiciones debido a su complejidad. Una estructura industrial multicapa donde cromatismos sonoros experimentales y trazos musicales noise van configurando su mensaje profundo y desgarrador, transmitiendo una crítica directa de nuestra civilización moderna, o más bien postmoderna (ya en decadencia en la actualidad por la creciente Singularidad), elevando aún más la prestigiosa posición de privilegio alcanzada por Dissecting Table dentro de esta escena. Una definición musical de la estructura sonora que te envuelve, que te va ahogando con esta amalgama de realidades que consideramos como cotidianas a pesar de su trasfondo destructivo, y de una tecnología que con promesas de liberación va sometiendo de forma implacable. Así de crudo se presenta el tema “Death From Infection”, incluso radical en algunos aspectos por haber tirado abajo el telón que ocultaba todas las inmundicias existentes en el sistema que vivimos, y que lleva a la ciudadanía a mirar a otro lado a pesar de todos los mensajes de alarma que están sucediendo tanto a nivel social como a nivel ambiental, en una secuencia cada vez más destructiva y extrema en sus consecuencias presentes y futuras. Una espereza sonora que no es más que una muestra clara de la fragilidad de esta civilización hechizada por lo tecnológico hasta endiosar al ser humano, mientras la crisis social, económica, y ambiental sigue haciéndose cada vez más grande y profunda hasta lo incorregible. Hasta lo inexorable en su marcha hacia el abismo.

El tema “Black Purification System” es una composición clara y directa de los falsos mensajes de salvación latentes en esta civilización al borde del colapso. Mucho más luminoso que el tema anterior, “Black Purification System” es más pulsante, más experimental en su perfilamiento sonoro, siendo una auténtica delicatessen musical para el melómano lector de Lux Atenea que disfruta con la vanguardia más relevante aparecida en la actualidad. Aquí, la electrónica experimental proyecta destellos innovadores que te seducen por su belleza conceptual a pesar de su trasfondo siniestro. Porque, a pesar de su luz, los segundos planos musicales de “Black Purification System” son muy oscuros como su nombre indica. Evolucionando hacia este avanzado concepto de lo industrial, según va desarrollándose esta composición te lleva a una mayor atención en relación a estas secuencias electrónicas poderosas y afiladas, para luego reorientar toda la estructura hacia una electrónica experimental que se acerca conceptualmente al high-tech ambient sin sobrepasar esos límites artísticos porque, insisto, “Black Purification System” es muy siniestro por sus claroscuros. Incluso, en su parte final se aprecian destellos conceptuales del estilo postindustrial hasta derivar a un power electronics muy avanzado y sintetizado en su estructura. Una composición excelsa en su mirada creativa que lo lleva hasta la vanguardia, y una definición conceptual ecléctica donde el artista japonés Ichiro Tsuji va amalgamando con absoluta armonía cada capa sonora en esta estructura musical vibrante, enérgica, y dimensionalmente profunda. Y todo fluye con fuerza, irradiando su mensaje crítico con la nitidez del lenguaje musical concebido con sentido y trasfondo, con esa atmósfera sonora que estimula a la mente del melómano con esa combinación única de alma musical con reflexión existencial. Esta es la magia artística de Dissecting Table. “Contaminated Area”, el prestigioso sello discográfico SSSM (Seeking Sensation Scale Music) publicando esta joya musical con el artista japonés Ichiro Tsuji en estado de máxima inspiración creativa dentro de la escena industrial y noise. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
DISSECTING TABLE “INDUSTRIAL DOCUMENT 1988-1991” (STEINKLANG INDUSTRIES, 2011) (leer reseña)
DISSECTING TABLE / VASILISK “SADDHARMA | TIBETAN LIBERATION” (STEINKLANG INDUSTRIES, 2011) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

VODE “ZONE CHILDREN” (NO PART OF IT, septiembre 2025) (Reseña / Review #2297).

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Reseña Cultural nº: 2297 // Reseña Musical nº: 1484

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias el genial artista Arvo Zylo y a su prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Green Judgement // 2- Matilda’s Drum Kitchen // 3- The Moon Room // 4- Brass Hydrochroma // 5- I’ll Be Here In The Morning (Townes Van Zandt)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena esperimental

Ayer lunes, día 1 de septiembre, el dúo musical estadounidense VODE presentó oficialmente su segundo álbum titulado “Zone Children”. Formado por Leslie Keffer y Arvo Zylo, VODE es una de las propuestas artísticas más vanguardistas e innovadoras que están destacando en la escena experimental actual, y con una perspectiva conceptual ecléctica dirigida a la toma de contacto con estructuras musicales nuevas, revolucionarias, y transgresoras. Publicado a través del prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It dirigido por Arvo Zylo, el álbum “Zone Children” ha sido editado en formato digital y en una preciosa edición limitada de 100 unidades en cassette, 50 de ellas numeradas que incluyen una tarjeta plateada con efecto espejo, estando disponibles para su adquisición a través de la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con este atrayente diseño creado por el propio artista Arvo Zylo tanto en su portada como en el apartado fotográfico, su estética abstracta transmite solidez y trasfondo como reflejos visuales de la esencia musical atesorada en los cinco temas que vertebran este álbum, y con destellos del brutalismo arquitectónico en esta imagen de portada como señal directa de la Modernidad sobresaturando los espacios con irreversible firmeza. El dúo musical VODE presentó su álbum de debut “Two Rivers” (No Part Of It) en el año 2023 y, con su nuevo álbum “Zone Children”, muestran un gran salto creativo al abrir sus pilares sonoros a estilos conceptuales extraordinariamente integrados en estructuras musicales que impresionarán a los melómanos lectores de Lux Atenea por su maestría, y por sus contundentes muestras de talento en la composición. Y es que el espíritu experimental e innovador lleva moviendo a Leslie Keffer y a Arvo Zylo a nivel artístico desde el año 2003 y 2000 respectivamente, no dejando de ampliar su horizonte conceptual con esta brillantez mental del pionero dentro del mundo del Arte Musical, y esta experiencia y savoir faire se notan muy claramente en VODE. Por este motivo, escuchar atentamente cada uno de los temas que vertebran este álbum es de obligado disfrute para los melómanos entregados en cuerpo y alma a la vanguardia musical más relevante, lo que marca la diferencia, y lo que crea tendencias conceptuales con el paso de los años. VODE es un ejemplo muy claro de este virtuosismo en la perspectiva creativa dentro de la escena musical experimental. Sin duda alguna, “Zone Children” es una obra maestra que en un lustro, en una década, o en varias décadas, volverán a disfrutar escuchando porque este álbum es artísticamente impresionante.

Iniciamos la audición de este extraordinario álbum sumergiéndonos en la apertura dimensional del primer tema “Green Judgement”, fusionando ambient con electrónica experimental para pulir esta estructura sonora y lanzarla hacia un escenario saturado donde el drone es clave, tanto en su trasfondo nebuloso como en este cromatismo noise situado en un primer plano. La presencia instrumental irá pasando de fugaces pinceladas a un mayor protagonismo como quiebre de este monolítico pilar sonoro, desarrollándose los cambios en sus diferentes capas musicales dentro de un segundo plano y de forma sosegada, aunque lancen ocasionales destellos cercanos al industrial. Cuando “Green Judgement” se vuelva más desangelado pese a su angustiosa atmósfera sumamente activa, el plano noise comenzará a dar muestras de debilitamiento, primero intermitente y luego viendo su protagonismo un poco amortiguado en la composición, entrando en una progresiva pérdida energética como un motor de explosión al que le empieza a faltar el carburante. Y con la entrada sutil de lo melódico como réquiem del plano noise, todo terminará apagándose como un momento recordado cuya viveza va difuminándose. Posteriormente, el tema “Matilda’s Drum Kitchen” encantará al melómano lector de Lux Atenea afín a la escena dark ambient, ya que VODE va a orientar esta estructura musical hacia el minimalismo pero sin adentrarse en su cruda definición sonora. Esto será posible al derivar hacia definiciones conceptuales propias de la electrónica experimental, aproximándose incluso al post-industrial en su deconstrucción musical. Asentándose en esta secuencia propia del industrial que termina consolidándose en el eje principal de la estructura musical, cuando baja su intensidad de registro da paso a nuevos planos sonoros experimentales que aportan mayor profundidad y que, como destellos, dan mayor luz a toda la composición. En el ecuador del tema, el melómano se sumergirá en esta hipnótica espiral un tanto psicodélica que, incansable en su avance, con el paso del tiempo irá abandonando este primer plano para simplificar completamente la estructura musical hasta volverla extremadamente cálida en su influjo sonoro, como los rayos del Sol cayendo implacablemente sobre la superficie desértica.

La experiencia musical tendrá su continuidad con el tema “The Moon Room”, y este entorno ambient cercano a lo bucólico donde la oscuridad no provoca temor sino complicidad. Casi místico en su trasfondo, la aparición de planos sonoros industriales romperán completamente esa magia para llevarnos a un entorno distinto con el dark ambient tomando relevancia en su definición conceptual. Luego, lo selénico irá matizándose con planos sonoros que recrean los ruidos propios de la actividad nocturna, quedando todo en un segundo plano hasta convertir al melómano lector de Lux Atenea en un mero observador. Imparable, el tema “The Moon Room” no dejará de descubrirnos nuevos escenarios sonoros como tesoros escondidos, y que son mostrados por VODE con un sentido de la armonía que les provocará su más sincera admiración. La audición de “The Moon Room” es espectacular, al igual que el siguiente tema “Brass Hydrochroma”, con su brutal entrada sonora orquestada a través de oleadas cargadas de tragedia y de quebranto de una realidad completamente superada por el presente, por ese drama finalmente manifestado de forma violenta y contundente. Una corriente enfurecida que arrastra todo a su paso y al cual, toda oposición lo único que provoca es un incremento de su fuerza. A continuación, el tema “I’ll Be Here In The Morning (Townes Van Zandt)” cambiará completamente el escenario musical para clausurar este álbum con un vibrante plano sonoro como base sobre el cual apoyar su lírica en clave folk, notándose claramente la influencia de la artista Leslie Keffer en su perfilamiento. Sin duda alguna, “I’ll Be Here In The Morning (Townes Van Zandt)” es el verso suelto en esta obra a nivel conceptual, transmitiendo esa mirada al mundo con cierto poso melancólico y onírico en su declamación lírica. “Zone Children”, para poder conocer la vanguardia musical experimental más actual hay que escuchar al dúo estadounidense VODE, y este álbum es su más reciente obra, su más deslumbrante muestra de talento pionero en la composición sonora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
BBJr “THE ANTIQUE HEARTBEAT” (NO PART OF IT, septiembre 2025) (leer reseña)
SORRY FOR LAUGHING “SELECTED WORKS (2020-2025)” (NO PART OF IT, marzo 2025) (leer reseña)
CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

KAE TAKAHASHI & JAW SURGERY “PARANOIA SURVIVE” (CRUEL NATURE RECORDS, abril 2025) (Reseña / Review #2275).

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Reseña Cultural nº: 2275 // Reseña Musical nº: 1462

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista filipino Chester Masangya (Jaw Surgery) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Collapsed Valve // 2- Birth Of Death // 3- Unusual Skin // 4- Adorable Misery // 5- Body Abomination // 6- Birth Of Death (Cheng Daoyuan Remix)
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Kae Takahashi y Chester Masangya (Jaw Surgery) en el año 2024; álbum masterizado por Chia-chun Xu
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandioso Álbum Musical dentro de la escena power electronics de vanguardia

A finales del pasado mes de abril fue presentado el álbum de debut “Paranoia Survive” del dúo musical formado por la artista japonesa Kae Takahashi y por el artista filipino Chester Masangya, alma mater de Jaw Surgery. Publicado por el prestigioso sello discográfico británico Cruel Nature Records en formato digital y en una preciosa edición limitada de 30 unidades en cassette, ambos disponibles a través de la página oficial del sello en Bandcamp, el álbum “Paranoia Survive” ha sido engalanado con este magnífico diseño creado por Jase Kester y basado en el trabajo de la artista japonesa Kei Kei (Ursula Kei). Intensidad cromática y presencia de lo siniestro dentro de una estética abstracta con trasfondo mentalmente perturbador. Y es que, en el fondo, la artista japonesa Kei Kei ha sabido sintetizar la verdadera esencia musical de este álbum a nivel visual, porque “Paranoia Survive” es eso mismo: intensidad y belleza siniestra dentro de este estilo power electronics de vanguardia. Los primeros esbozos creativos de donde han surgido posteriormente los temas musicales que vertebran este álbum, aparecieron en su actuación en vivo como dúo musical en el espectáculo sonoro ofrecido el día 13 de enero de este año 2025 por Anti-Itch Cream (Kae Takahashi) en la ciudad filipina de Manila. Una fértil unión de talentos artísticos de sobrada experiencia musical, donde Kae Takahashi (Sete Star Sept, Anti-Itch Cream) y Chester Masangya (Jaw Surgery, Fossa Magna, Coalminer, Fleshcarver, y Aetheric Wound) nos ofrecen en su álbum de debut “Paranoia Survive”, pura innovación conceptual dentro del power electronics más avanzado. Habiendo contado además con la colaboración del artista taiwanés Cheng Daoyuan en la remezcla del tema “Birth Of Death”, gracias al extraordinario trabajo técnico de masterización realizado por el artista taiwanés Chia-chun Xu, el álbum “Paranoia Survive” proyecta fielmente su esencia transgresora y su alma musical provocadora con una riqueza en matices y una sonoridad espectaculares. Los melómanos lectores de Lux Atenea que disfrutan descubriendo los frutos sonoros más innovadores que aparecen dentro de esta escena, comprobarán cómo el álbum “Paranoia Survive” les hará abrir sus mentes gracias a estas nuevas perspectivas musicales del power electronics, aumentando aún más su pasión por este movimiento artístico.

Iniciamos la audición de este potente álbum musical adentrándonos en la brutal cortina ruidística del primer tema “Collapsed Valve”, decorada con un diabólico plano vocal tan desencajado en su interpretación como si surgiera de una persona poseída. Llevando los niveles de registro sonoro al extremo en gran parte de sus estratos musicales, el tema “Collapsed Valve” irá desarrollándose por oleadas dentro de un entorno sofocante y corrosivo que dejará al melómano lector de Lux Atenea completamente exhausto por su tensión e intensidad. Power electronics perfilado conceptualmente con esta mirada creativa muy bien pensada a nivel artístico, y cuyo tempo calmado no hace más que aumentar su siniestra oscuridad con un trasfondo tenebroso que eriza el vello durante su audición por su capacidad para transmitir este provocativo mensaje. Una intensidad emocional que tendrá su continuidad en el tema “Birth Of Death”, de tormentosa estructura sonora y descarnado plano vocal donde los matices musicales se encuentran en un segundo plano para decorar desde la sutileza más refinada. Con el noise concebido como reflejo del cataclismo presente y de lo destructivo como expansión imparable en este mundo, la aparición de nuevos planos sonoros que caen como bombas en un ataque aéreo que arrasa todo a su paso, no hará más que abrir su horizonte musical a lo apocalíptico surgido como final inexorable. ¡¡¡“Birth Of Death”, espectacular!!! Luego, el tema “Unusual Skin” redefinirá el espectro sonoro dentro de las fronteras del noise llevándolo a lo sepulcral, y con afilados matices musicales que traspasan la frontera del noise con el industrial, estableciendo un terrible entorno de acción agresiva y de desoladora potencia donde el fuego, el metal, y lo diabólico se funden en este crisol maldito. Sin entrar en escenarios artísticos propios del dark ambient, “Unusual Skin” refleja esos mismos entornos dominados por la obscuridad procedente de otro mundo más allá de lo humano que, en muchas ocasiones, se convierte en un auténtico infierno. Una composición que obligará al melómano a abrir su mente a esta perspectiva creativa tan transgresora como ardiente en su mutación sonora, y que es llevada siempre hasta lo máximo, hasta lo mentalmente perturbador, hasta lo inconmensurable. El final del tema… una obra maestra dentro del power electronics. ¡¡¡“Unusual Skin”, brutal composición!!!

“Adorable Misery” será más pulsante, más industrial incluso por sus cíclicos planos musicales moviéndose tan pesadamente como el gigantesco motor de un superpetrolero. Una composición que es todo potencia hasta desbordar, hasta arrancar completamente sus muros de contención conceptuales para llevar al melómano lector de Lux Atenea a una nueva dimensión del power electronics más profundo y provocador. En esta labor creativa, es inevitable que Kae Takahashi y Jaw Surgery tengan que adentrarse en el eclecticismo conceptual para recrear sus fértiles ideas de vanguardia dentro de esta escena, y “Adorable Misery” tiene que ser espectacular disfrutándolo en directo. Con cromatismos sonoros extremos que parecen gritos desgarradores provenientes de una sala de torturas, su definición musical traspasa la lógica y la Razón para tocar esos resortes mentales en el melómano que lo arrojan al abismo de lo siniestro para descubrir emociones nunca antes sentidas. ¡¡¡“Adorable Misery”, excelso power electronics!!! Y ahondando en la búsqueda de lo innovador dentro de esta escena, Kae Takahashi y Chester Masangya (Jaw Surgery) nos proponen en el tema “Body Abomination”, esta invitación a entrar en el laberinto más salvaje del inconsciente humano donde los ecos de nuestro pasado como especie transformaba la supervivencia en un desprecio a la propia vida al estar en constante peligro. El sufrimiento, el dolor, la muerte como acto supremo de lo vital, todo ello gira alrededor del núcleo sonoro de “Body Abomination” como presencia indeleble de lo feroz y de la insensibilidad cuyos ojos poseen la fuerza del depredador en acción. Además, en la parte final del tema “Body Abomination” podrán apreciar la influencia conceptual del japanoise para engrandecer aún más su relevancia artística. Quedado clausurado el álbum con esta perspectiva musical del tema “Birth Of Death” ideada por el artista taiwanés Cheng Daoyuan en su remezcla, la composición abre la base sonora de su estructura a nivel conceptual para ralentizar su tempo y dar mayor densidad a sus pilares musicales. “Birth Of Death (Cheng Daoyuan Remix)” es más urbano, más industrial como emanación de una megalópolis tecnológicamente avanzada y absolutamente perdida a nivel ético y moral. Un influjo maléfico que transmite la maldad con una frialdad y una voluntad de posesión que les impresionará profundamente. “Paranoia Survive”, auténtica delicatessen conceptual de vanguardia dentro de la escena power electronics, y que hará las delicias de los fieles seguidores de esta apasionante corriente musical tan propia de los tiempos actuales, en este siglo XXI con olor a colapso de civilización. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CORPSE HONEY “DISSOLUTIONING” (GATES OF HYPNOS, mayo 2025) (Reseña / Review #2274).

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Reseña Cultural nº: 2274 // Reseña Musical nº: 1461

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Gates Of Hypnos por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Death Comes // 2- Fasting on Honey // 3- Inside Together // 4- Self-sacrificing // 5- Fading Slow // 6- Mellified
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro del estilo power electronics de vanguardia

El pasado día 19 de mayo fue publicado oficialmente el segundo álbum “Dissolutioning” del dúo musical estadounidense Corpse Honey a través del prestigioso sello discográfico polaco Gates Of Hypnos, estando disponible en formato digital en la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con esta impactante imagen de portada, lo anatómico se convierte en el reflejo simbólico descarnado de la pérdida de lo humano en la sociedad moderna. Una estética y un mensaje utilizados dentro de la escena power electronics como vía artística y visual para conseguir primero la mirada del melómano, luego provocar a su mente, y posteriormente impactarle con total brutalidad con estas estructuras musicales innovadoras contenidas en el álbum. Vertebrado por seis temas que no dejarán indiferentes a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena, en su nuevo álbum “Dissolutioning”, Corpse Honey vuelve a presentarnos un amplio despliegue de talento en la creación de composiciones musicales dentro del power electronics, y donde su eclecticismo conceptual engloba estilos como el noise, electrónica experimental, industrial… Por este motivo, el álbum “Dissolutioning” despliega con contundencia un torbellino sonoro de pura vanguardia con una personalidad conceptual muy diferenciada respecto a otras perspectivas musicales, resaltando la creatividad por encima de todo. Inmisericorde en su potente definición musical y salvaje en su revelador trasfondo, esta nueva obra de Corpse Honey está destinada a marcar parámetros, perspectivas, y visiones dentro de esta escena que impriman otra mirada obscura y existencial para revitalizarla. Un impulso pionero que, como semillas esparcidas en el campo, sus fértiles frutos musicales se irán viendo a lo largo de los próximos años. El dúo musical estadounidense Corpse Honey tiene talento, sabe cómo transmitir fielmente sus ideas en cada composición, y su siniestra belleza les fascinará y les impactará con fuerza porque tiene ese lado transgresor que toda vanguardia ha de poseer para romper barreras y límites conceptuales.

Iniciamos la audición de esta magna obra musical sumergiéndonos en la atmósfera sonora apocalíptica del primer tema “Death Comes”, donde los efectos de sonido, los samples, y las grabaciones reproducidas en bucle, configuran esta brutal estructura musical de vanguardia con una fuerza tan destructiva como el estallido de una bomba nuclear. Esta atmósfera sonora posteriormente va a ser gobernada por el pánico, el shock, y la confusión mientras todo alrededor huele a muerte. En el tema “Death Comes”, Corpse Honey crea una perspectiva nueva dentro del estilo power electronics con un realismo artístico, con un panorama desolador, y con esas cenizas flotando en el aire donde hacía poco había vida, que impactará musicalmente el melómano lector de Lux Atenea hasta hacerle ser consciente de forma inmediata sobre la grandeza conceptual atesorada en este álbum. Desembocando en el segundo tema “Fasting on Honey”, lo destructivo pasará a un primer plano pero dentro de una manifestación sonora colosal. Como la erupción de un volcán donde la densa lava es arrojada con violencia desde las entrañas de la tierra, “Fasting on Honey” va a ir desarrollándose con una tensión estructural aún más extrema que irá siendo potenciada hasta quedar entrecortados algunos de sus planos sonoros como recreación de esta presión salvaje. Con este power electronics oscilando en la frontera con el noise, la grandeza conceptual de estos ciclos musicales viene dada por su constante evolución sonora interna hasta casi desdibujarse en su límite con la desestructuración artística máxima. ¡¡¡“Fasting on Honey”, absolutamente transgresor!!! Dentro de esta vía creativa tan agreste, el tercer tema “Inside Together” proyectará una sonoridad futurista con destellos distópicos mientras este plano sonoro distorsionado va marcando su tempo, siendo complementado con un éxtasis llevado hasta el ahogamiento que derivará hacia este tornado electrónico metálico que, como cuchillas, arrancará el óxido existencial no para que brille, sino para ser seccionado y separado. Sin perder su halo cosmopolita, “Inside Together” lleva al nihilismo, incluso al hedonismo más egoísta e individualista debido a que la persona ha perdido su proyecto de futuro y sus ambiciones, anclándose en un carpe diem casi suicida por su alta intensidad y desgaste vital experimentado en un progresivo aislamiento social. ¡¡¡“Inside Together”, espectacular!!!

Lo corrosivo llevado al individuo, a su espíritu dañado, y a sus pensamientos degradados, ha quedado fielmente recreado en el impresionante tema “Self-sacrificing”, con el dúo musical estadounidense Corpse Honey ofreciéndonos una plasticidad sonora casi táctil en su manifestación musical. Más siniestro en su ambientación, “Self-sacrificing” ahonda en los terrores internos, en la pérdida de la cordura, en el abandono dentro de la fantasía mental llevada a lo decadente y degradado, quedando todo perfectamente mostrado en esta tenebrosa estructura musical cuyos estratos sonoros mutan y dejan espacios a nuevos cromatismos electrónicos de esencia experimental. Introspectivo y demoníaco, el tema “Self-sacrificing” somete y lacera para dejar su huella en el alma como cicatriz que recuerde su martirio. Así de crudo y de inmisericorde se va a ir desarrollando a nivel artístico, teniendo a la Muerte como deseada puerta de salida que es abierta. Con el tema “Fading Slow” disolviendo lo consciente, lo existencial, lo trascendente, se caracteriza especialmente por su aparente entorno tenebroso de corte gótico que, en constante degradación, desdibujará sus planos musicales a través de la inmersión conceptual en el noise que termina expandiéndose en cada una de sus columnas sonoras. Con samples en bucle que dan esa aparente presencia de lo humano, en el fondo, provocará el efecto contrario en el melómano lector de Lux Atenea con la entrada de nuevos samples a cual más trágico. Llegando a lo psicótico, “Fading Slow” termina siendo una autentica pesadilla propia de los weird tales estadounidenses de principios del siglo XX. El tema “Mellified” clausurará esta auténtica obra maestra dentro del power electronics más vanguardista, con una mirada creativa basada en espacios mucho más amplios que, sin perder su obscuridad, adquieren una tenebrosidad casi solemne en su latente maldad. Oculto y furtivo en este escenario, su presencia es sentida, su impulso destructor aparece con afiladas ráfagas que quiebran la realidad para ser reconfigurada a su voluntad, transformando todo en un entorno desolador donde se ha perdido el sentido de la vida hasta convertir su presencia en una diabólica exposición de taxidermia. “Dissolutioning”, aquí no encontrarán nada dulce, sino el amargor de la hiel existencial y social recreada con la mirada artística innovadora del dúo musical estadounidense Corpse Honey. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ARSHAN NAJAFI “IMAGINARY CRISIS” (AUTOEDITADO, diciembre 2024) (Reseña / Review #2261).

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Reseña Cultural nº: 2261 // Reseña Musical nº: 1448

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista iraní Arshan Najafi por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Sine-Tom // 2- Breath, Whistle and Wind // 3- Dangling Santour // 4- Visual Soundscapes // 5- Dotted Pink // 6- Strangled Piano // 7- Kamancheh on Noise
Datos técnicos: Temas musicales grabados por Arshan Najafi
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena experimental adelantada a su tiempo

A finales del mes de diciembre del pasado año 2024, el polifacético artista multidisciplinar iraní Arshan Najafi presentó su álbum de debut titulado “Imaginary Crisis”. Publicado en formato digital a través de su propia página oficial en Bandcamp, el álbum “Imaginary Crisis” ha sido engalanado con este elegante diseño creado por Roya Nouri basado en el arte fotográfico de Arshan Najafi. Sobre fondo oscuro, la luz, la armonía, y el equilibrio estético confluyen visualmente en su portada para fascinarnos con su belleza estética. A nivel musical, el joven artista iraní Arshan Najafi proyecta una creatividad sonora muy especial que sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea afín a las corrientes de vanguardia más deslumbrantes. Vertebrado por siete temas impresionantes, durante su audición se siente claramente el amplio espectro artístico desarrollado por Arshan Najafi tanto a nivel de performance, de transgresión conceptual, y de exploración sonora dentro de la música experimental, intuyéndose en estas composiciones hasta su faceta literaria como poeta por la línea de armonía presente en sus estructuras musicales, incluso en las más extremas. Como opera prima, el álbum “Imaginary Crisis” presenta los aires creativos del pionero con talento iluminando la obra con brillantez, e irradiando ese trasfondo artístico donde la exploración sonora dentro de la música concreta es desvelo. Conceptualmente ecléctico, hasta la electroacústica está presente a través de una proyección que sorprende por su experta definición sonora, pero estamos hablando de un artista de veintitrés años. Talento en estado puro, y todo inmortalizado en el álbum “Imaginary Crisis” para engrandecer la escena underground iraní de vanguardia.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta grandiosa obra musical adentrándonos en el tema “Sine-Tom” y esta atmósfera sonora experimental donde la electroacústica fluye, realza, amplía su estructura con una riqueza de matices musicales incomparable. En manos de Arshan Najafi, sumergirnos en el tema “Sine-Tom” es entrar en otra dimensión conceptual cuya complejidad sonora obligará al melómano lector de Lux Atenea a repetir varias veces su audición para poder descubrir sus matices, y este proceso de varias audiciones del tema se mantendrá hasta el final del álbum. Incluso, pinceladas instrumentales aparecerán para lanzar destellos en la composición y fijar nuestra atención, ampliando nuestros sentidos hasta estimular nuestra mente con la vanguardia artística más relevante. ¡¡¡“Sine-Tom”, delicatessen musical!!! A continuación, el tema “Breath, Whistle and Wind” presentará otra perspectiva sonora completamente distinta, acercándose a estructuras conceptuales más cercanas al post-industrial, al minimalismo, y a una avanzada perspectiva dentro de la música ambient que se hace presente en algunos de sus planos sonoros. Derivando hacia escenarios cercanos al dark ambient, el tema “Breath, Whistle and Wind” te envuelve, rompe cualquier perspectiva artística que tuvieras en mente, y esta ruptura llegará de forma radical en la parte final de la composición. Una dimensión espacial cuya inmensidad amplificará la sensibilidad del melómano, sobre todo, si disfruta este álbum en el silencio de la noche. ¡¡¡“Breath, Whistle and Wind”, la irresistible seducción del eclecticismo musical!!! Con el tema “Dangling Santour” consolidando una base sonora minimalista y obscura, sus afilados cromatismos sonoros aparecerán para quebrar, para separar, para marcar lo físico con su acción, dando continuidad a una actividad que trata de proyectarse en un entorno frío y desangelado. Matices sonoros propios del post-industrial aparecerán para romper esquemas artísticos que pudieran intuirse, porque Arshan Najafi sabe cómo sorprender, cómo mantener el equilibrio musical incluso en una estructura experimental donde el santur pierde su alma melódica para adentrarse en terrenos conceptuales más propios del dark ambient y del noise. En una performance, el tema “Dangling Santour” tiene que ser espectacular.

Aparecerá el tema “Visual Soundscapes” con el sonido de las olas llegando a la orilla, estableciendo un cíclico tempo en su estructura sobre la cual irán apareciendo vibrantes pinceladas sonoras, además de planos musicales industriales de tempo secuencial que terminan ahogando el tempo inicial del tema, llevando todo a una tenebrosa obscuridad. Este nuevo tempo sonoro lo resetea, y todo cambiará a nivel conceptual para fascinarnos con este minimalismo de corte experimental que te atrae por el calmado halo que irradia. Incluso, cuando aparezcan frecuencias sonoras propias del noise más depurado y elegante para adueñarse del tema, la sensación en la cual permanecerá el melómano lector de Lux Atenea le provocará esa mezcla de hedonismo individualista ante el nuevo descubrimiento artístico, y esa sensación extraña que eleva la mente para llevarla al ingrávido limbo. ¡¡¡“Visual Soundscapes”, impresionante!!! Conduciéndonos hasta el tema “Dotted Pink”, la inquietud surgirá desde el primer segundo a pesar de su título. Porque “Dotted Pink” hace hincapié en lo vibrante, en sus diferentes manifestaciones sonoras, orquestado Arshan Najafi esta delicada y cristalina composición que, siendo disruptiva a nivel conceptual, muta constantemente sin perder su belleza musical. Una antesala artística espectacular para luego disfrutar el tema “Strangled Piano” con un nivel de sensibilidad mucho más alto. “Strangled Piano” desarrolla una estructura inicial marcada por la pérdida del alma melódica del piano, quedando lo instrumental completamente alejado de la armonía para abrir su espectro dimensional a otra clase de sonidos muy alejados de su raíz. Todo ello integrado posteriormente con planos sonoros experimentales sobre fondo obscuro, convierten a “Strangled Piano” en el más siniestro de este álbum con diferencia. Como banda sonora de una tenebrosa escena en una película de terror, el tema “Strangled Piano” amplificaría su impacto emocional considerablemente hasta llevarlo a lo extremo. ¡¡¡“Strangled Piano”, excelsa composición con un final espectacular!!! El tema “Kamancheh on Noise” clausurará esta obra maestra musical a través de una estructura sonora basada en lo afilado, en lo cortante, en lo hiriente, llevando lo instrumental enfocado en el kamanché a su perfilamiento conceptual noise. Pero “Kamancheh on Noise” oscila entre lo industrial y el noise en un tenso desarrollo musical que llega incluso a presentar un escenario fantasmagórico. Todo en “Kamancheh on Noise” adquiere una obscuridad tan impactante como una terrible psicofonía grabada en una mansión abandonada. “Imaginary Crisis”, esplendoroso álbum de debut del artista Arshan Najafi para llevar a la música experimental iraní hasta la primera línea de vanguardia a nivel internacional. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
VARIOUS ARTISTS “VISIONS OF DARKNESS (IN IRANIAN CONTEMPORARY MUSIC): VOLUME II” (COLD SPRING RECORDS / UNEXPLAINED SOUNDS, julio 2022) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SUTEKH HEXEN “CONSTELLATION RITUALISTIC ALTARS : DEMO(N)S” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, marzo 2025) (Reseña / Review #2256).

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Reseña Cultural nº: 2256 // Reseña Musical nº: 1443

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense Sentient Ruin Laboratories por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- The Calling // 2- The Blessing // 3- Cursed Burial // 4- Equinox // 5- Order of Nine // 6- Forest Witch // 7- Obsidian Dawn
Datos técnicos: Álbum remasterizado por Grant Richardson (Gnawed) en el año 2024
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena noise

A principios del pasado mes de marzo, el prestigioso sello estadounidense Sentient Ruin Laboratories presentó oficialmente esta joya discográfica titulada “Constellation Ritualistic Altars : Demo(N)S”, y que atesora en su interior los temas musicales pertenecientes a las tres primeras demos de los legendarios Sutekh Hexen: “Constellation” con los temas “The Calling” y “The Blessing” (sello discográfico alemán Fragment Factory, edición limitada de 50 unidades en cassette, 2010), “Ritualistic” con los temas “Cursed Burial” y “Equinox” (Fragment Factory, edición limitada de 50 unidades en cassette, 2010), y “Altars” con los temas “Forest Witch” y “Obsidian Dawn” (sello discográfico neerlandés Zeitgeists, edición limitada de 50 unidades en cassette, 2010). Además, este álbum también incluye el tema “Order of Nine” perteneciente al single homónimo. Publicado en formato digital y, por primera vez, en ecopak CD de seis paneles, y en LP 12” en el clásico vinilo negro y en vinilo púrpura (edición limitada de 100 unidades), el álbum “Constellation Ritualistic Altars : Demo(N)S” ha sido engalanado con este siniestro diseño creado por el propio artista Kevin Gan Yuen, cuya obscura portada adquiere estas tonalidades y estas texturas degradadas como cuando el celuloide es sometido a altas temperaturas. Pero observando esta portada a distancia, es cuando aparece nítidamente la presencia de una calavera en la imagen. A nivel artístico, como pioneros del estilo black noise, la banda musical estadounidense Sutekh Hexen aparecieron para romper esquemas sonoros, límites conceptuales, y definiciones estructurales en sus composiciones marcadas por lo extremo y por esta belleza siniestra tan urbana, tan decadente, tan tensionada a nivel existencial por su trasfondo esotérico. En estas primeras demos, Sutekh Hexen componen con esa libertad artística que da no estar atado a condicionantes comerciales o a dar continuidad al éxito musical previo. Por este motivo, la pureza sonora siniestra que podrán disfrutar los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena noise y al metal más extremo, es incomparable, y con una calidad sonora espectacular gracias a la labor técnica de remasterizacion realizada de forma excelsa por el maestro Grant Richardson (Gnawed) en cuanto a la calidad de su registro sonoro. Contundente y mentalmente arrollador, el álbum “Constellation Ritualistic Altars : Demo(N)S” es todo un lujo artístico que, gracias a la labor cultural desarrollada por el sello estadounidense Sentient Ruin Laboratories, podemos escuchar en su plenitud sonora en este año 2025.

Iniciamos la audición de este álbum musical espectacular adentrándonos en los dos primeros temas pertenecientes a la demo “Constellation”, presentándose “The Calling” como una rugiente nebulosa de carácter tormentoso como antesala del cambio radical, de ese estado decadente cuyas grietas ampliará hasta la ruptura para dar paso a ese renacer donde todo será completamente distinto a lo anterior. Descargas sonoras afiladas, densidad ambiental que ahoga, movimientos cortantes que despedazan todo a su paso, el tema “The Calling” es inmisericorde porque en su trasfondo se encuentra la muerte no como final, sino como inicio de transformación a algo completamente imposible de imaginar. Posteriormente, el tema “The Blessing” es un paso más en ese proceso de cambio, ahondando en esas turbulencias sonoras noise donde las pinceladas melódicas en un segundo plano adquieren esas texturas ultraterrenas porque son de otro mundo, de ahí su alejamiento del melómano lector de Lux Atenea durante su audición. El tema “The Calling” era siniestro por su vinculación con la muerte, y “The Blessing” presenta su obscuridad pero con esa luz al final del túnel que sirve de guía para no dudar en dejar todo atrás. ¡¡¡“The Blessing”, impresionante tema!!! A continuación, nos sumergiremos en la grandeza artística de la demo “Ritualistic”, empezando con el tema “Cursed Burial”, de impulso constante en su proyección sonora, para luego presentar una estructura musical más propia del metal antes de fundirse con este estilo noise de auténtico lujo. La presencia de este irritante plano sonoro expandiéndose como el sonido de una chicharra en un verano sofocante, adquiere un significado simbólico muy especial en esta composición como elemento unido a lo eterno, siendo “Cursed Burial” el ceremonial previo a ese aspecto existencial marcado por lo obscuro, por la perdición, por lo tenebroso como telón que oculta lo post mortem. Luego, el tema “Equinox” va a adquirir un dimensionamiento sonoro completamente distinto al adentrarse completamente en el estilo noise más saturado. Una explosión musical extrema donde los armónicos danzan en este aquelarre de afiladas garras. Mucho más lineal en su estructura que los tres temas anteriores, “Equinox” posee esa atracción de lo maldito, ese embrujo irresistible de lo siniestro a pesar de sus señales de peligro, proyectando un estilo noise sumamente denso que hará las delicias de los melómanos afines al japanoise.

El tema “Order of Nine” perteneciente al single homónimo surgirá con esta brutal descarga noise de una violencia sonora superlativa, girando como una colosal centrifugadora que lo atrae y lo destruye todo. “Order of Nine” es energía desatada y descontrolada en su colosal impulso, y que se mueve dentro de un eje cuyo poder está más unido a lo divino que a lo terrenal y físico. Aquí, el estilo black noise que caracteriza a Sutekh Hexen presenta una de sus definiciones conceptuales más transgresoras y espectaculares, desarrollándose en el tiempo con matices muy sutiles en su trasfondo que obligarán al melómano lector de Lux Atenea a varias audiciones para poder descubrir toda su esencia artística. Con la demo “Altars” clausurando este impresionante álbum, el tema “Forest Witch” nos llevará al interior de este terrorífico escenario donde las fuerzas ocultas se manifiestan con ese poder tenebroso que hiela la sangre al neófito. Una recreación musical de la visión que quiebra la mente, que rompe esquemas sobre la existencia y sobre el sentido de la vida, y este lado obscuro ha sido configurado a nivel musical con admirable nitidez. La entrada de estos oscilantes planos electrónicos es perfecta para dar forma sonora a lo mágico, a aquello capaz de embrujar, y siempre actuando detrás de la cortina, de ahí la presencia de esta potente columna noise en un primer plano. El tema “Obsidian Dawn” podrá el punto y final a esta impactante audición proyectando a nivel sonoro, la esencia y el fundamento del sacrificio dentro de una visión solar del espíritu. Completamente distinto a cualquiera de los anteriores temas, “Obsidian Dawn” presenta la evolución conceptual más profunda de Sutekh Hexen en esta etapa creativa, apareciendo el metal como antesala de esta inmersión en el noise más descarnado que hayan compuesto. “Obsidian Dawn” es dolor, “Obsidian Dawn” es trágico, “Obsidian Dawn” genera ese éxtasis que nubla la mente hasta someterla a su impacto psicológico más desgarrador a nivel emocional, sobreestimulando sus sensaciones hasta perder completamente el sentido de la realidad. Una crudeza musical que paraliza por su ataque directo al pensamiento propio del individuo. “Constellation Ritualistic Altars : Demo(N)S”, excelsa edición discográfica más que necesaria dentro de la escena noise para poder sentir la grandeza conceptual de la mítica banda musical estadounidense Sutekh Hexen en sus primeras obras como pioneros del black noise. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
SUTEKH HEXEN “PRIMEVAL” (CYCLIC LAW / BREATH SUN BONE BLOOD, enero 2025) (leer reseña)
SUTEKH HEXEN / 夢遊病者 (aka SLEEPWALKER) “SPLIT” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, mayo 2019) (leer reseña)
CLAN DOS MORTOS CICATRIZ “TÉCNICAS DE MORTE” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, marzo 2025) (leer reseña)
6th CIRCLE “PACIFIED / CONJURING” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, mayo 2020) (leer reseña)
KUROI JUKAI (黒い樹海) “KUROI JUKAI” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, febrero 2020) (leer reseña)
ABSTRACTER “WOUND EMPIRE” (SENTIENT RUIN LABORATORIES, febrero 2015) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

AGDISTIZ “ORPHACLOPHUS” (NEW ROMANIAN WEIRD, noviembre 2024) (Reseña / Review #2248).

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Reseña Cultural nº: 2248 // Reseña Musical nº: 1435

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al talentoso artista rumano Benjamin (AGDISTIZ) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Ecou Mortuar // 2- Balastrualb // 3- Sapa // 4- Sicriat // 5- Fleurs et Couronnes // 6- Eductor de Fluide Corporale // 7- Maturarepede // 8- Colmatare Diluviană // 9- Noroisare // 10- Permaimanent
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna Obra Musical dentro de la escena underground más experimental y ecléctica

Desde Rumanía, AGDISTIZ, cuyo nombre está inspirado en la diosa frigia Agdistis de carácter andrógino y heredera del culto ancestral a la Gran Diosa Madre, nos presenta una visión ecléctica e innovadora dentro de la escena noise, post-industrial, experimental, ambient, high-tech ambient, y minimal a través de una virtuosa creatividad musical en cuyos temas hace uso de sintetizadores modulares, drones, grabaciones de campo, y elementos electrónicos de procesamiento de sonido, perfilando composiciones de vanguardia que fascinarán al melómano lector de Lux Atenea que busca innovación y virtuosismo en las obras musicales. Con varios extraordinarios álbumes brillando en su carrera artística, AGDISTIZ presentó en el mes de noviembre del pasado año 2024 su nuevo trabajo musical titulado “Orphaclophus”. Publicado oficialmente a través del magnífico sello discográfico rumano New Romanian Weird en formato digital, se encuentra disponible en su página oficial en Bandcamp. El álbum “Orphaclophus” ha sido engalanado con esta atrayente imagen de portada donde lo religioso, lo mortuorio, y la ultratumba tienen un trasfondo más profundo unido al inframundo, y con Orfeo como psicopompo tomado como figura mitológica que inspira a AGDISTIZ en esta obra musical. Con el cíclope también presente como mirada letal del rayo de la muerte, da sentido al título de este álbum “Orphaclophus” (Orfeo Cíclope) vertebrado por diez composiciones cuya audición es una siniestra delicia musical, y un auténtico lujo artístico dentro de la escena actual. Manteniendo su característico eclecticismo conceptual de vanguardia, AGDISTIZ es innovación, es la apertura artística del pionero, y el álbum “Orphaclophus” son sus nuevas fronteras musicales exploradas.

Sin más demora, iniciamos la audición de este álbum musical tan revelador adentrándonos en el primer tema “Ecou Mortuar”, donde el estilo ambient presenta destellos sonoros post-industriales hasta crear un escenario musical de carácter experimental que irá derivando hasta lo siniestro. De inspiración mortuoria, en su evolución sonora van a ir surgiendo fragmentos propios de la electrónica experimental de vanguardia y del noise que, perfectamente, el melómano lector de Lux Atenea puede llegar a enlazar en su fundamento conceptual con el noise japonés más avanzado. Pero estamos hablando de la escena musical underground latente actualmente en Rumanía, y ¡¡¡¡esto es pura vanguardia!!! Profundamente sorprendido ante tal demostración de talento en la composición, su elevado nivel artístico se verá reforzado en cuanto el tema “Balastrualb” aparezca con esta armoniosa definición conceptual donde el post-industrial adquiere esta dimensión sonora única. Una avanzada perspectiva conceptual que, tomando como base el minimal, va desplegando y configurando un obscuro escenario que transmite esa inquietud unida a los misterios arcanos cuando se revelan. Una atracción y repulsión a su vez ante lo desconocido, ante aquello que toca la mente profundamente y estimula al alma con lo simbólico, que convierte al tema “Balastrualb” en toda una experiencia musical. ¡¡¡“Balastrualb”, impresionante!!! Sumergiéndonos en esa vía ancestral unida a lo mortuorio y al inframundo, el tema “Sapa” recreará con sumo talento el inicio de ese paso a otra dimensión, a otro mundo donde el cuerpo y lo físico dejan de tener sentido. Con la electrónica experimental basada en sintetizadores analógicos, aquí las texturas son brillantemente orquestadas a lo largo de toda la composición, transmitiendo esa mezcla de misterio y temor que se verá potenciado con este trasfondo industrial absolutamente sobrecogedor.

La muerte, lo físico cubierto para ser enterrado, y el propio contenedor termina convirtiéndose en la última morada del cuerpo en el tema “Sicriat”, recreando ese escenario obscuramente barroco en su esencia espiritual, pero perfilado musicalmente en esta espectacular definición conceptual basada inicialmente en un afilado estilo noise. El melómano lector de Lux Atenea se encontrará al margen durante su audición, contemplando de forma hierática la manifestación simbólica de lo mortuorio a través de la electrónica experimental, haciendo el símil de la degradación de la energía vital ocultada en su nuevo y limitado espacio en el ataúd. Siendo complementado en su representación metafórica con el tema “Fleurs et Couronnes” dentro de una estructura musical que destella iridiscencias ambient, luego nos conducirá a un escenario sonoro mucho más tenebroso, con lo industrial como cíclico fondo y con la sublime esencia mental del minimal distanciando las fuentes sonoras donde no pueden faltar los fugaces trazos noise que tomarán mayor protagonismo en su estructura, para luego dejar todo el peso musical en lo post-industrial. En cambio, el tema “Eductor de Fluide Corporale” desarrollará una perspectiva conceptual donde la electrónica experimental basada en sintetizadores modulares analógicos resalta por su riqueza en armónicos. Entremezclándose posteriormente con la aspereza del noise, la recreación de lo fluido y lo degradado lleva a AGDISTIZ a incorporar lo industrial por su tempo cíclico como acto mecánico de expulsión en esta ceremonia propia de los actos de embalsamamiento en una funeraria. La parte final con la estática como cierre sonoro es perfecta. ¡¡¡“Eductor de Fluide Corporale”, espectacular recreación musical!!! Luego, con el tema “Maturarepede” volviendo a sorprendernos con otro nuevo despliegue de talento innovador a través de un estilo industrial muy depurado, fundido con maestría con pinceladas high-tech ambient, su densidad musical irá in crescendo mientras los espacios van cerrándose y la atmósfera se va cargando más y más hasta casi ahogar. Pero el tema “Maturarepede” va mucho más allá al integrar elementos sonoros orgánicos y acuosos que fluyen en este escenario mecanizado tan gélido, paralizándonos con su halo psicológico tan absorbente a nivel mental. “Maturarepede” te envuelve, y te asfixia a su vez.

Cuando el tema “Colmatare Diluviană” aparezca, todo cambiará para estimular nuestras ansias de nuevas sorpresas musicales con esta estructura sonora experimental de vanguardia. Estallidos, caídas, trazos orgánicos, afilados planos industriales en acción, hostigamiento sensorial… “Colmatare Diluviană” es un tema que avasalla con su poderosa superestructura sonora, no dando en ningún momento descanso para destensar mentalmente al melómano lector de Lux Atenea, salvo en los casi tres minutos finales en silencio. “Noroisare” surgirá lentamente con el incontenible impulso de lo catastrófico, y cuyo sonido en la lejanía ya nos anticipa el colapso, la destrucción… y el horror. Elevándose poco a poco como una densa ola, toda la estructura musical experimental que define al tema “Noroisare” va a ir incorporando pinceladas sonoras pero seccionadas, distorsionadas, degradadas, como recreación de lo destruido que retroalimenta la avalancha que ha de llegar. Una audición sobrecogedora por su asfixiante atmósfera cada vez más menguada hasta la llegada de lo inexorable: la ola mortal. Con el tema “Permaimanent” poniendo el punto y final a este álbum, la recreación de lo intemporal haciendo uso del estilo post-industrial fundido con pasajes ambient es de lo más sorprendente por su radiante mensaje sonoro. Hasta lo vibrante transmite esa sensación de estar al otro lado de este mundo, sin que se pierda con ello la visión de que algo sigue vivo en ese otro lado. La incorporación de nuevos planos musicales reforzará esa base inspiradora, hasta concluir en un escenario intermitentemente industrial estructurado con sumo talento. “Orphaclophus”, desde Rumanía, una nueva mirada conceptual de vanguardia dentro de la escena post-industrial amalgamada con cromatismos sonoros noise, industriales, y experimentales. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

IGGOR CAVALERA / SHANE EMBURY “NEON GODS / OWN YOUR DARKNESS” (COLD SPRING RECORDS, marzo 2025) (Reseña / Review #2243).

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Reseña Cultural nº: 2243 // Reseña Musical nº: 1430

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Iggor Cavalera “Neon Gods” // 2- Shane Embury “Own Your Darkness”
Datos técnicos: Álbum masterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandioso álbum dentro de la escena experimental más ecléctica

El día 21 del próximo mes de marzo será presentada oficialmente esta nueva joya musical publicada por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records. “Neon Gods / Own Your Darkness” es el título de este álbum split compartido entre dos grandes artistas de relevancia dentro de la escena metal como son Iggor Cavalera (Sepultura / Petbrick) y Shane Embury (Napalm Death / Dark Sky Burial), presentando en sus obras musicales otra dimensión conceptual. El álbum split “Neon Gods / Own Your Darkness” será publicado en formato digital, en digipak CD, en una preciosa edición en vinilo LP 12”, y en una lujosa edición limitada de 300 unidades en LP 12” en vinilo blanco, estando ya disponibles en pre-pedido tanto en la webstore del sello como en la página oficial de Cold Spring Records en Bandcamp. Habiendo sido engalanado por Abby Helasdottir, en su imagen de portada destaca esta arquitectura brutalista como reflejo visual de la tensión y de la densidad que emanan de estas obras musicales caracterizadas por sus complejos estratos sonoros. A nivel artístico, en el tema “Neon Gods”, Iggor Cavalera nos presenta una virtuosa demostración de composición conceptualmente ecléctica bajo la influencia de estilos como el dark ambient, noise, industrial, electrónica experimental, power electronics, minimal… hasta convertir al tema “Neon Gods” en una auténtica obra maestra. Una composición musical que dejará profundamente impactados a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a las corrientes sonoras más vanguardistas y extremas. Lo pionero se siente en “Neon Gods” desde el primer minuto, aumentando aún más el prestigio artístico de Iggor Cavalera en los tiempos actuales. En cambio, en su tema “Own Your Darkness”, Shane Embury proyecta una dimensión conceptual englobada mayormente dentro de dark ambient con pasajes sonoros power electronics, ya que hace un magnífico e interesante uso del sintetizador Solar 42 especialmente orientado a la creación de planos sonoros analógicos microtonales. En “Own Your Darkness”, Shane Embury ha podido contar con la ayuda de Russ Russell, perfilando una composición musical que destaca por los amplios espacios dimensionales que recrea y por la vibrante potencia de muchos de sus planos sonoros. Además, tras haber pasado por las expertas manos técnicas del maestro Martin Bowes (Attrition) en su masterización, el álbum “Neon Gods / Own Your Darkness” suena espectacular a pesar de la complejidad sonora que presentan estos dos temas (sobre todo “Neon Gods”), quedando todo equilibrado con una nitidez y un registro sonoro absolutamente perfecto que encantará a los melómanos más exigentes, destacando aún más en cualquiera de las dos ediciones en vinilo durante su reproducción.

Sin más demora, iniciamos la audición de este grandioso álbum split sumergiéndonos en la fantasmagoría del tema “Neon Gods”, de casi veinte minutos de duración, donde Iggor Cavalera muestra un talentoso despliegue dimensional con focos sonoros proyectando esta inquietante obscuridad. Un entorno donde hasta lo tétrico se presenta con ese halo que hiela la sangre al empequeñecer a lo humano hasta su mínima expresión, evolucionando esta estructura musical hacia un vibrante dark ambient fusionado con planos sonoros industriales llevados a su registro más afilado. Adentrándonos posteriormente en esta nebulosa gótica donde la electrónica experimental adquiere ciertos matices de las bandas sonoras cinematográficas underground de la década de los setenta, el hundimiento en este océano musical noise será el siguiente paso para re-estructurar toda la composición orientada a este industrial férrico en su sonoridad. Cortante como una radial en acción, a partir de aquí los matices sonoros van a ser los protagonistas principales en esta aventura pionera de corte experimental, fascinando a los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran este álbum debido a los aires de vanguardia que se respiran. Derivando hacia parámetros conceptuales power electronics, su decadente latencia será la antesala de esta inmersión sonora propia del minimal donde la obscuridad es perfecta para destacar cada foco musical, acentuando sus matices en contraste absoluto con esta cercanía a la Nada. Proyectando una solemnidad que paraliza, el tema “Neon Gods” volverá a mostrar su alma pionera con este vibrante reflejo musical del dark ambient más desolador, mientras un nuevo foco sonoro definido con maestría dentro de la electrónica experimental queda integrado en esta estructura para llevarnos a otro estado mental. Hierático en su visión, solamente esta vibración traerá consigo algo de calidez a este entorno lanzado de lleno a lo infernal a través de este noise puro fundido con samples de voz distorsionadas que todo lo devorará a su paso. Tras la colosal explosión de la estructura musical, la estática aparecerá como polvo de estrellas sonoro en esta composición en su parte final.

Conceptualmente, los más de trece minutos del tema “Own Your Darkness” nos llevan a otra perspectiva musical gracias a las expertas manos creativas de Shane Embury. Habiendo hecho uso del sintetizador de ambient experimental Solar 42 que destaca especialmente como drone microtonal analógico, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con la audición de “Own Your Darkness”. Un viaje sonoro que se iniciará con esta potente apertura dimensional en clave ambient de amplio horizonte, sumergiéndonos en un escenario que, poco a poco, irá presentando su lado más siniestro a través de una evolución musical marcada por la electrónica experimental analógica. Una vibrante belleza que les impactará profundamente durante su audición según va modulándose, transformándose, y redefiniéndose. La entrada de potentes planos sonoros de impulso mucho más avasalladores y expansivos incrementarán la intensidad de esta composición hasta llevarnos hasta lo inconmensurable, quedando sus planos drone como único soporte sonoro en una estructura marcada por su infinita amplitud espacial. Derivando conceptualmente hacia el dark ambient con la aparición de nuevos cromatismos sonoros tremendamente obscuros, y que se terminan perdiendo en este universo musical como si fueran cometas surcando el espacio, la sensación de ingravidez que proyecta este tema es impresionante. Posteriormente, focos musicales propios del power electronics se elevarán en el horizonte para consolidarse como trasfondo, como si fuera un siniestro faro de cíclico destello, dando paso a estos tenebrosos drones cuya presencia provoca esa sensación cercana al pánico por la alarma interior que activan, conduciéndonos hasta su fase sonora final que se irá desvaneciendo progresivamente hasta apagarse. “Neon Gods / Own Your Darkness”, Iggor Cavalera y Shane Embury demostrando que están a otro nivel artístico y conceptual dentro de esta escena. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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THE ANTI GROUP COMMUNICATIONS (T.A.G.C.) “ISO-EROTIC CALIBRATION” (COLD SPRING RECORDS, enero 2025) (leer reseña)
VARIOUS ARTISTS “NOISE FOREST” (COLD SPRING RECORDS, diciembre 2024) (leer reseña)
PITCHSHIFTER “PEEL SESSIONS 1991-93. A BBC recording” (COLD SPRING RECORDS, noviembre 2024) (leer reseña)
BESTIA ASTRUM “FURY 161” (COLD SPRING RECORDS, noviembre 2024) (leer reseña)
400 LONELY THINGS “THE NEW TWILIGHT” (COLD SPRING RECORDS, septiembre 2024) (leer reseña)
LLYN Y CWN “MEGALITHS” (COLD SPRING RECORDS, marzo 2024) (leer reseña)
TREPANERINGSRITUALEN “THE TOTALITY OF DEATH (Α ALPHA)” (COLD SPRING RECORDS, junio 2024) (leer reseña)
TREPANERINGSRITUALEN “THE TOTALITY OF DEATH (Ω OMEGA)” (COLD SPRING RECORDS, junio 2024) (leer reseña)
CORRUPTED “FELICIFIC ALGORITHM / MUSHIKERAS” (COLD SPRING RECORDS, enero 2024) (leer reseña)
TENHORNEDBEAST “CAPRA HIRCUS” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2024) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

VARIOUS ARTISTS “NOISE FOREST” (COLD SPRING RECORDS, diciembre 2024) (Reseña / Review #2232).

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Reseña Cultural nº: 2232 // Reseña Musical nº: 1419

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Merzbow “Travelling” // 2- C.C.C.C. “IMR-32” // 3- Solmania “Derrick Master Switchback” // 4- Dislocation “Empty~On The Move” // 5- Monde Bruits “Continuum” // 6- Masonna “Testicles Candy Pt. 1~13” // 7- Violent Onsen Geisha “Death Mothership Connection” // 8- Incapacitants “Automatic Loss Cut”
Datos técnicos: Álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Álbum Musical de Culto dentro de la escena noise

El pasado viernes, dia 6 de diciembre de 2024, fue presentada oficialmente esta esperada re-edición del legendario recopilatorio “Noise Forest”, publicado originalmente en el año 1992 en CD por el sello discográfico japonés de culto Les Disques Du Soleil, ya desaparecido, y que destacó en aquella época por sus obras musicales editadas dentro de la escena noise. Gracias al incansable trabajo cultural que el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records viene desarrollando, los melómanos estamos de enhorabuena con la publicación de esta buscada compilación ya disponible en formato digital, en digipak CD de seis paneles, en vinilo 2LP de 12”, y en una preciosa edición limitada de 250 unidades en vinilo verde 2LP de 12”. Engalanado con este acertado diseño creado por Abby Helasdottir donde destaca especialmente su bella e impactante portada de siniestro trasfondo, al ser el bosque de Aokigahara (el bosque de los suicidas), el álbum recopilatorio “Noise Forest” vuelve a renacer en todo su esplendor en este año 2024. Además, los melómanos lectores de Lux Atenea que lo adquieran podrán disfrutar de una audición perfecta y equilibrada en sus niveles de registro sonoro gracias al meticuloso trabajo de remasterización realizado por el maestro Martin Bowes en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios, a pesar de todas las dificultades sonoras que pueden presentar aquellos master y mucho más si hablamos de temas musicales dentro de aquella escena noise. Esta re-edición de la compilación “Noise Forest” suena espectacular, impecable en su dimensión musical, pudiendo sentir la esencia artística en su definición sonora más perfecta que se haya publicado hasta ahora. Todo un lujo musical que realza el valor artístico de estas obras compuestas e interpretadas por estos artistas y grupos musicales japoneses convertidos ya en ineludible referencia dentro de esta escena. Como analista musical, siempre recomiendo la adquisición en su edición en vinilo, precisamente por la autenticidad que transmite su registro sonoro en este formato discográfico que, en estos años, está volviendo a vivir otra época dorada gracias al apoyo de los amantes de la música que buscan disfrutar del mejor sonido.

Iniciamos la audición de este álbum de culto adentrándonos en el primer tema “Travelling” de Merzbow, y antes de hablar de Merzbow siempre hay que mostrar nuestra más sincera reverencia ante este virtuoso artista que resulta clave en la definición conceptual de la escena noise. El maestro Masami Akita, alma mater de Merzbow, nos presenta esta llanura sonora cuya intensidad llevada al extremo desborda sus límites musicales hasta saturar todos sus planos artísticos, manteniéndose este cíclico tempo industrial que sostiene toda la estructura musical hasta su colapso, dando paso a este torbellino sonoro afilado que todo lo arrasa, que todo lo altera, que todo lo somete a su máxima tensión hasta quebrarlo. En el centro de este ciclón ruidístico, en “Travelling”, Merzbow ya marcaba parámetros artísticos noise muy profundos en su perspectiva y eso que estamos hablando de principios de la década de los noventa. Su deriva conceptual un tanto ecléctica, incluso acerca esta composición al estilo industrial de forma entrecortada, sintiéndose como flashes lanzados sobre la sociedad moderna para desvelar su lado más corrosivo a nivel humano. ¡¡¡Pura vanguardia!!! A continuación, los protagonistas artísticos serán otros dos genios musicales dentro de la escena noise japonesa como son Mayuko Hino e Hiroshi Hasegawa con el tema “IMR-32” de C.C.C.C. (Chaotic Custom Cock Commandos), proyectando este escenario musical con un trasfondo más solemne que sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea por su espíritu creativo innovador que te engancha psicológicamente. Con los focos sonoros mucho más alejados que en el tema anterior, en este caso, el perfilamiento noise se acerca conceptualmente al high-tech ambient en su particularidad sonora electrónica, adentrándose en territorios musicales experimentales donde las tonalidades y la danza de frecuencias van fluyendo hasta convertirse en una ceremonia un tanto siniestra. El tema “IMR-32” no es tan radical en su evolución sonora, presentando incluso planos sonoros fantasmagóricos que expanden su tenebrosa ambientación hasta ser cortada radicalmente en el final de esta composición.

Otro nombre de referencia dentro de esta escena es Solmania con Masahiko Ohno como protagonista, al cual se uniría el artista Katsumi Sugahara en el año 1994. En esta ocasión, su obra seleccionada ha sido “Derrick Master Switchback”, presentando este escenario ruidístico ondulante donde las frecuencias extremas son liberadas de forma violenta, saltando de este denso suelo musical cercano conceptualmente al dark ambient más innovador. Evolucionando a ráfagas debido a su inestabilidad estructural, el tema “Derrick Master Switchback” va moldeando un entorno sonoro cada vez más próximo al sentir urbano moderno de una gran ciudad, donde todo queda desvirtuado y donde el ser humano pierde el contacto con su vínculo ancestral, perdiéndose espiritualmente en esta jungla de asfalto, hormigón, acero, y alta tecnología. Luego, la banda musical japonesa Dislocation nos llevará a otra perspectiva del noise con su tema “Empty~On The Move”, mucho más experimental y transgresor al cercarse conceptualmente a la música contemporánea pero llevada al extremo hasta cruzar su frontera con el noise. De dimensión obscura por su finitud espacial tan concreta, “Empty~On The Move” irá acelerándose como en una cuesta abajo musical cuya fuerza centrífuga va expulsando planos sonoros experimentales e incorporando elementos propios del industrial y del postindustrial. Con una definición artística estrangulada precisamente por llevar al límite lo más extremo, termina entrecortándose porque siempre después de lo más extremo está el vacío, volviendo de nuevo atrás donde el caos exige su tributo conceptual transgresor. Lúgubre, nocturno, angustioso, el tema “Empty~On The Move” no tendrá compasión del melómano lector de Lux Atenea que no sienta atracción por la vanguardia musical más brutal y desconcertante, erigiéndose como un monstruo sonoro perfumado con la esencia moderna más decadente.

Iwasaki Shōhei, alma mater de Monde Bruits, definió musicalmente a su tema “Continuum” a través de una perspectiva artística que, hoy día en el siglo XXI, es absolutamente rupturista y provocadora. Salvaje y posesiva en su audición desde el primer segundo, esta composición no hace prisioneros en su devastadora presencia sonora, impulsándose de forma avasalladora mientras va provocando el colapso y la destrucción de todo lo que le rodea, de todo lo que se le acerca, de todo lo que desea atrapar para ser aniquilado como si fuera la llegada de Shiva a este mundo moderno. “Continuum” son latigazos musicales que descarnan, es el culto al sadismo porque se desea la humillación y la destrucción de todo y hasta de uno mismo, y como un tornado que se va realimentando y adquiriendo cada vez más fuerza y velocidad, su violenta presencia solamente significa una cosa: desolación. Tras el contundente tema “Continuum”, otro de los más talentosos artistas japoneses dentro de esta escena como es Maso Yamazaki (de sobra conocido por los melómanos lectores de Lux Atenea junto a su proyecto musical en solitario Controlled Death), volverá a seducirnos con el tema “Testicles Candy Pt. 1~13” de Masonna. Otra delicatessen sonora noise que no podía faltar en esta compilación, presentando una apertura musical inicialmente calmada que, como no podía ser de otra forma, será radicalmente llevada a su extremo más provocador donde gritos, gemidos de placer, junto a cortantes planos sonoros, perfilan este arrollador tema mientras la voz de Maso Yamazaki aparece de forma compulsiva. Conceptualmente, Masonna es distinto a todo lo demás dentro de esta escena, y su trasfondo es mucho más reflexivo de lo que el melómano llega a ser consciente en su primera audición, desvelándose posteriormente con una terrible nitidez existencial mientras seguimos viviendo en esta sociedad moderna, ahora ya posmoderna, y caminando con paso firme hacia la Singularidad. En cualquiera de estos escenarios, Masonna siempre será vanguardia artística y reflexión vital en cuanto su música se haga presente a nivel personal o público. Esta es la grandeza artística de Maso Yamazaki.

En el tema “Death Mothership Connection” de Violent Onsen Geisha, encontrarán al artista Nakahara Masaya en uno de sus momentos creativos más innovadores dentro de esta escena. Puliendo este estilo noise que destaca por el shock psicológico que provoca en el melómano, en Violent Onsen Geisha es imposible saber qué vamos a encontrar en cada uno de sus temas. Una muestra clara de su mirada transgresora es precisamente “Death Mothership Connection”, con su entrada melódica para guitarra clásica, sus coros femeninos, y su lírica entre lamentos, que entrarán en ebullición sonora repentina a partir del minuto cinco, mutando musicalmente como si fuera un líquido orgánico viscoso cuyo contacto provoca la locura mental. Sufrimientos, gritos salvajes, todo en “Death Mothership Connection” es infernal como si se hubiera recreado la obra de Hideshi Hino (leer reseña) dentro del mundo del manga en clave noise. El final de este tema no podía ser de otra manera viendo de la mano creativa de Nakahara Masaya. Finalmente, el dúo musical Incapacitants clausurará este álbum con su tema “Automatic Loss Cut”. Formado por Toshiji Mikawa y Fumio Kosakai, aquí nos presentan una perspectiva conceptual del noise marcada por la angustia, la sudoración extrema ante el peligro, y el aire sofocante que prácticamente impide la respiración en este entorno. Con puntuales entradas en lo industrial para liberar algo de espacio en su estructura sonora tan compacta, esta acción constante de corte sobre las bases existenciales cuyas chispas vitales llevan a la insatisfacción, el desasosiego, y el nihilismo, adquieren en el tema “Automatic Loss Cut” una definición musical bastante clara en su mirada respecto a lo que llamamos humano, a lo que llamamos civilización, y a lo que llamamos Humanidad. Como cal arrojada sobre la carne, “Automatic Loss Cut” lo degrada todo. “Noise Forest”, este mítico álbum atesora en su interior una selecta muestra de la escena noise japonesa de principios de los noventa, renaciendo por primera vez en vinilo en este año 2024 gracias a la admirable labor cultural que viene realizando el sello discográfico británico Cold Spring Records desde su fundación. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
MERZBOW “((VIBRA)) MMVII” (GH RECORDS, abril 2019) (leer reseña)
MERZBOW “ANIMAL LIBERATION – UNTIL EVERY CAGE IS EMPTY” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2022) (leer reseña)
MERZBOW “CAFE OTO” (COLD SPRING RECORDS, noviembre 2023) (leer reseña)
MERZBOW / GENESIS BREYER P-ORRIDGE “A PERFECT PAIN” (COLD SPRING RECORDS, octubre 2018) (leer reseña)
MERZBOW Vs NORDVARGR “PARTIKEL III” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2013) (leer reseña)
MEAT BEAT MANIFESTO & MERZBOW “EXTINCT” (COLD SPRING RECORDS, abril 2024) (leer reseña)
SCOTT MILLER / LEE CAMFIELD / MERZBOW “NO CLOSURE” (COLD SPRING RECORDS, septiembre 2013) (leer reseña)
MAYUKO HINO “LUNISOLAR” (COLD SPRING RECORDS, abril 2018) (leer reseña)
CONTROLLED DEATH / MAYUKO HINO “DEVIL’s SACRIFICE / METAPHYSIS – BONE MEMORY” (COLD SPRING RECORDS, marzo 2021) (leer reseña)
MASONNA “FREQUENCY L.S.D.” (COLD SPRING RECORDS, 2021) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUGOLA “THE TRUTH PENETRATES YOUR MOUTH” (Zoharum, noviembre 2023) (Reseña / Review #2204).

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Reseña Cultural nº: 2204 // Reseña Musical nº: 1392

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: CD en carpeta, edición promocional no a la venta (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Confront // 2- The Truth Penetrates Your Mouth // 3- Hate Me Like I Hate Myself // 4- How Much Are You Willing To Sacrifice To Remain Fucking Nobody // 5- Decompose // 6- Obscene // 7- You Will Never Be In Control // 8- A Fucking Failure // 9- Bitter Reality
Datos técnicos: Temas musicales grabados en el mes de agosto de 2023 en Antisound Studio (Tarnowskie Gory, Polonia); mezclados y masterizados por Neithan
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena power electronics

Presentado oficialmente en el mes de noviembre del año 2023, “The Truth Penetrates Your Mouth” es el título del nuevo álbum del talentoso artista polaco Neithan (Michal Kielbasa), alma máter de Lugola. Power electronics en estado puro potenciado con estas estructuras musicales de vanguardia, y donde los planos sonoros noise e industriales destacan especialmente por su relevancia en los nueve temas que vertebran esta extraordinaria obra maestra. Publicado a través del prestigioso sello discográfico polaco Zoharum en formato digital y en una preciosa edición limitada de 300 unidades en digipak CD de seis paneles, el álbum “The Truth Penetrates Your Mouth” ha sido engalanado con este impactante diseño creado por Maciej Mehring (Zoharum), donde lo extremo y la estética sado ven potenciado su mensaje en este entorno obscuro, incrementándose lo siniestro al observar a la figura con sus manos inmovilizadas y encadenadas al techo, y al comprobar cómo ambos no tienen ojos, quedando la expresión de sus bocas como reflejo de sus emociones. Luego la estética visual del CD Picture nos lleva a otra manifestación artística extrema donde lo psicológico, lo surrealista, y lo psicótico adquieren ese perfilamiento en el dibujo bajo la influencia del cómic underground más provocador y del manga más delirante y psicodélico mostrado por las mentes artísticas japonesas más relevantes como Hideshi Hino, Suehiro Maruo, Sho-u Tajima, Eiji Otsuka… Tanto portada como CD Picture fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la belleza siniestra en sus diferentes manifestaciones artísticas. A nivel musical, les sorprenderá la excelente labor de masterización realizada por el propio artista polaco Neithan (Michal Kielbasa) donde la dimensión espacial y la configuración del registro sonoro han sido magníficamente definidas en cada uno de estos temas.

Iniciamos la audición de este impactante álbum adentrándonos en el primer tema “Confront”, atravesando esta cortina sonora noise como si fuera ese antes y después que ha de cruzarse antes de lo trascendente. Con el plano lírico y vocal situado a cierta distancia, su conexión con otros planos vocales que irán apareciendo a lo largo del tema irán reforzando su mensaje, presentando un escenario tenso y agresivo que nos llevará directamente hasta el tema homónimo del álbum, donde el noise va a adquirir muchos más matices hasta abrir un poco más este entorno duro y angosto. Y es que el tema “The Truth Penetrates Your Mouth”, aunque aparentemente más calmado en su agresividad respecto a “Confront”, provocará inquietud en el melómano debido al aire mesiánico que se siente como si fuera el discurso de un iluminado que difundiera su mensaje de horror y de salvación de forma fanática. Aquí, Lugola hace una contundente demostración de vanguardia conceptual dentro de la escena power electronics al equilibrar lo siniestro, lo extremo, y lo irracional en esta admirable recreación musical. ¡¡¡“The Truth Penetrates Your Mouth”, impresionante!!! Bajando un nivel la intensidad sonora, el tema “Hate Me Like I Hate Myself” es una cruel dinámica autodestructiva donde la carga psicológica se vuelve infernal en su reflejo musical. Brutal en su configuración, aquí hay que estar muy atentos a los matices que Lugola ha dado a los planos sonoros, volviéndose afiladamente extremo tanto en su mensaje lírico como en su soporte musical absolutamente inmisericorde. ¡¡¡“Hate Me Like I Hate Myself”, excelso tema power electronics!!!

El tema “How Much Are You Willing To Sacrifice To Remain Fucking Nobody” nos llevará a un escenario emocionalmente desolador y degradante, y como continuación del anterior tema tan autodestructivo, “How Much Are You Willing To Sacrifice To Remain Fucking Nobody” es ideal en este proceso de hundimiento interno y externo. Apoyada en una base conceptual industrial, toda la estructura musical es amplia y sentimentalmente gélida, proyectando una sensación de insignificancia existencial que hiela la sangre. Con una lírica lanzada a lo largo del tema como terribles latigazos psíquicos, este tema es una nueva demostración artística del talento de Michal Kielbasa, y este final radical es perfecto para adentrarnos en el tema “Decompose”, mucho más tenebroso en su base conceptual industrial fusionada con dark ambient. La aparición de afilados planos industriales potencian la cortante estructura musical de este tema, quedando lo metálico, lo mecánico, lo industrial, como esencia de “Decompose” en su trasfondo inhumano, destacando especialmente este plano vocal sosegado y aplacado en su impulso e intensidad respecto a los temas anteriores. Con “Obscene” retornando a ese entorno salvaje que presentaban algunos temas anteriores en este álbum, a nivel conceptual, difiere completamente de todo lo escuchado. Esta personalidad sonora única llevará al melómano lector de Lux Atenea al interior de estas arenas movedizas emocionales donde cada intento de huida no hará más que precipitar el dramático final. Con planos sonoros cortantes como sierras mecánicas en acción sobre el metal, todo es arrancado violentamente en “Obscene” hasta quedar completamente expuesto. Y esa acción es su mayor impacto.

Posteriormente, en el tema “You Will Never Be In Control” todo se volverá mucho más caótico en clave noise, poniendo los puntos sobre las íes en su trasfondo existencial. Una bajada al nivel de realidad donde la insignificancia vital y la irrelevancia trascendental es lanzada de forma directa y sin suavidad alguna. Una realidad que quema interiormente y cuya asimilación intoxica al Ego, quebrando al ser hasta hacer que cuestione absolutamente todo. De ahí a llegar a las costas del nihilismo, es solo un paso. Incrementando la potencia sonora noise en esta tormenta musical aparecerá el tema “A Fucking Failure”, donde las altas frecuencias y las distorsiones van adquiriendo ese potente impacto de lo industrial en su acción cíclica, arrasando con todo sin que nada lo pueda impedir. “A Fucking Failure” perfectamente podía haberse incluido como parte de la banda sonora de la película japonesa de culto “Tetsuo I, el hombre de hierro” (leer reseña), precisamente por su base conceptual y como música de vanguardia extrema. Finalmente, la clausura de esta magna obra llegará con el tema “Bitter Reality” y su desvelo existencial, perfilándose una estructura sonora aún más brutal precisamente por la desoladora realidad sacada a la luz. Una realidad corrosiva en cuanto entra en contacto con el mundo basado en una mentira cubierta con otra mentira, y esta a su vez con otra mentira que cuando es descubierta, se vuelve a tapar con otra mentira. “Bitter Reality” es luz intensa derritiendo el hielo más duro y compacto, es un cuchillo de hoja ardiente aplicado sobre la mantequilla, es una poderosa sierra mecánica cortando el tronco de un árbol de ancho tronco. En el fondo, “Bitter Reality” es esa realidad difícil de asumir por la mayoría porque su mundo se vendría abajo. “The Truth Penetrates Your Mouth”, en Polonia, Lugola ha compuesto esta obra maestra dentro de la escena power electronics más avanzada e innovadora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.