VARIOUS ARTISTS “NOISE FOREST” (COLD SPRING RECORDS, diciembre 2024) (Reseña / Review #2232).

Posted on 12 diciembre, 2024 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2232 // Reseña Musical nº: 1419

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Merzbow “Travelling” // 2- C.C.C.C. “IMR-32” // 3- Solmania “Derrick Master Switchback” // 4- Dislocation “Empty~On The Move” // 5- Monde Bruits “Continuum” // 6- Masonna “Testicles Candy Pt. 1~13” // 7- Violent Onsen Geisha “Death Mothership Connection” // 8- Incapacitants “Automatic Loss Cut”
Datos técnicos: Álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Álbum Musical de Culto dentro de la escena noise

El pasado viernes, dia 6 de diciembre de 2024, fue presentada oficialmente esta esperada re-edición del legendario recopilatorio “Noise Forest”, publicado originalmente en el año 1992 en CD por el sello discográfico japonés de culto Les Disques Du Soleil, ya desaparecido, y que destacó en aquella época por sus obras musicales editadas dentro de la escena noise. Gracias al incansable trabajo cultural que el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records viene desarrollando, los melómanos estamos de enhorabuena con la publicación de esta buscada compilación ya disponible en formato digital, en digipak CD de seis paneles, en vinilo 2LP de 12”, y en una preciosa edición limitada de 250 unidades en vinilo verde 2LP de 12”. Engalanado con este acertado diseño creado por Abby Helasdottir donde destaca especialmente su bella e impactante portada de siniestro trasfondo, al ser el bosque de Aokigahara (el bosque de los suicidas), el álbum recopilatorio “Noise Forest” vuelve a renacer en todo su esplendor en este año 2024. Además, los melómanos lectores de Lux Atenea que lo adquieran podrán disfrutar de una audición perfecta y equilibrada en sus niveles de registro sonoro gracias al meticuloso trabajo de remasterización realizado por el maestro Martin Bowes en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios, a pesar de todas las dificultades sonoras que pueden presentar aquellos master y mucho más si hablamos de temas musicales dentro de aquella escena noise. Esta re-edición de la compilación “Noise Forest” suena espectacular, impecable en su dimensión musical, pudiendo sentir la esencia artística en su definición sonora más perfecta que se haya publicado hasta ahora. Todo un lujo musical que realza el valor artístico de estas obras compuestas e interpretadas por estos artistas y grupos musicales japoneses convertidos ya en ineludible referencia dentro de esta escena. Como analista musical, siempre recomiendo la adquisición en su edición en vinilo, precisamente por la autenticidad que transmite su registro sonoro en este formato discográfico que, en estos años, está volviendo a vivir otra época dorada gracias al apoyo de los amantes de la música que buscan disfrutar del mejor sonido.

Iniciamos la audición de este álbum de culto adentrándonos en el primer tema “Travelling” de Merzbow, y antes de hablar de Merzbow siempre hay que mostrar nuestra más sincera reverencia ante este virtuoso artista que resulta clave en la definición conceptual de la escena noise. El maestro Masami Akita, alma mater de Merzbow, nos presenta esta llanura sonora cuya intensidad llevada al extremo desborda sus límites musicales hasta saturar todos sus planos artísticos, manteniéndose este cíclico tempo industrial que sostiene toda la estructura musical hasta su colapso, dando paso a este torbellino sonoro afilado que todo lo arrasa, que todo lo altera, que todo lo somete a su máxima tensión hasta quebrarlo. En el centro de este ciclón ruidístico, en “Travelling”, Merzbow ya marcaba parámetros artísticos noise muy profundos en su perspectiva y eso que estamos hablando de principios de la década de los noventa. Su deriva conceptual un tanto ecléctica, incluso acerca esta composición al estilo industrial de forma entrecortada, sintiéndose como flashes lanzados sobre la sociedad moderna para desvelar su lado más corrosivo a nivel humano. ¡¡¡Pura vanguardia!!! A continuación, los protagonistas artísticos serán otros dos genios musicales dentro de la escena noise japonesa como son Mayuko Hino e Hiroshi Hasegawa con el tema “IMR-32” de C.C.C.C. (Chaotic Custom Cock Commandos), proyectando este escenario musical con un trasfondo más solemne que sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea por su espíritu creativo innovador que te engancha psicológicamente. Con los focos sonoros mucho más alejados que en el tema anterior, en este caso, el perfilamiento noise se acerca conceptualmente al high-tech ambient en su particularidad sonora electrónica, adentrándose en territorios musicales experimentales donde las tonalidades y la danza de frecuencias van fluyendo hasta convertirse en una ceremonia un tanto siniestra. El tema “IMR-32” no es tan radical en su evolución sonora, presentando incluso planos sonoros fantasmagóricos que expanden su tenebrosa ambientación hasta ser cortada radicalmente en el final de esta composición.

Otro nombre de referencia dentro de esta escena es Solmania con Masahiko Ohno como protagonista, al cual se uniría el artista Katsumi Sugahara en el año 1994. En esta ocasión, su obra seleccionada ha sido “Derrick Master Switchback”, presentando este escenario ruidístico ondulante donde las frecuencias extremas son liberadas de forma violenta, saltando de este denso suelo musical cercano conceptualmente al dark ambient más innovador. Evolucionando a ráfagas debido a su inestabilidad estructural, el tema “Derrick Master Switchback” va moldeando un entorno sonoro cada vez más próximo al sentir urbano moderno de una gran ciudad, donde todo queda desvirtuado y donde el ser humano pierde el contacto con su vínculo ancestral, perdiéndose espiritualmente en esta jungla de asfalto, hormigón, acero, y alta tecnología. Luego, la banda musical japonesa Dislocation nos llevará a otra perspectiva del noise con su tema “Empty~On The Move”, mucho más experimental y transgresor al cercarse conceptualmente a la música contemporánea pero llevada al extremo hasta cruzar su frontera con el noise. De dimensión obscura por su finitud espacial tan concreta, “Empty~On The Move” irá acelerándose como en una cuesta abajo musical cuya fuerza centrífuga va expulsando planos sonoros experimentales e incorporando elementos propios del industrial y del postindustrial. Con una definición artística estrangulada precisamente por llevar al límite lo más extremo, termina entrecortándose porque siempre después de lo más extremo está el vacío, volviendo de nuevo atrás donde el caos exige su tributo conceptual transgresor. Lúgubre, nocturno, angustioso, el tema “Empty~On The Move” no tendrá compasión del melómano lector de Lux Atenea que no sienta atracción por la vanguardia musical más brutal y desconcertante, erigiéndose como un monstruo sonoro perfumado con la esencia moderna más decadente.

Iwasaki Shōhei, alma mater de Monde Bruits, definió musicalmente a su tema “Continuum” a través de una perspectiva artística que, hoy día en el siglo XXI, es absolutamente rupturista y provocadora. Salvaje y posesiva en su audición desde el primer segundo, esta composición no hace prisioneros en su devastadora presencia sonora, impulsándose de forma avasalladora mientras va provocando el colapso y la destrucción de todo lo que le rodea, de todo lo que se le acerca, de todo lo que desea atrapar para ser aniquilado como si fuera la llegada de Shiva a este mundo moderno. “Continuum” son latigazos musicales que descarnan, es el culto al sadismo porque se desea la humillación y la destrucción de todo y hasta de uno mismo, y como un tornado que se va realimentando y adquiriendo cada vez más fuerza y velocidad, su violenta presencia solamente significa una cosa: desolación. Tras el contundente tema “Continuum”, otro de los más talentosos artistas japoneses dentro de esta escena como es Maso Yamazaki (de sobra conocido por los melómanos lectores de Lux Atenea junto a su proyecto musical en solitario Controlled Death), volverá a seducirnos con el tema “Testicles Candy Pt. 1~13” de Masonna. Otra delicatessen sonora noise que no podía faltar en esta compilación, presentando una apertura musical inicialmente calmada que, como no podía ser de otra forma, será radicalmente llevada a su extremo más provocador donde gritos, gemidos de placer, junto a cortantes planos sonoros, perfilan este arrollador tema mientras la voz de Maso Yamazaki aparece de forma compulsiva. Conceptualmente, Masonna es distinto a todo lo demás dentro de esta escena, y su trasfondo es mucho más reflexivo de lo que el melómano llega a ser consciente en su primera audición, desvelándose posteriormente con una terrible nitidez existencial mientras seguimos viviendo en esta sociedad moderna, ahora ya posmoderna, y caminando con paso firme hacia la Singularidad. En cualquiera de estos escenarios, Masonna siempre será vanguardia artística y reflexión vital en cuanto su música se haga presente a nivel personal o público. Esta es la grandeza artística de Maso Yamazaki.

En el tema “Death Mothership Connection” de Violent Onsen Geisha, encontrarán al artista Nakahara Masaya en uno de sus momentos creativos más innovadores dentro de esta escena. Puliendo este estilo noise que destaca por el shock psicológico que provoca en el melómano, en Violent Onsen Geisha es imposible saber qué vamos a encontrar en cada uno de sus temas. Una muestra clara de su mirada transgresora es precisamente “Death Mothership Connection”, con su entrada melódica para guitarra clásica, sus coros femeninos, y su lírica entre lamentos, que entrarán en ebullición sonora repentina a partir del minuto cinco, mutando musicalmente como si fuera un líquido orgánico viscoso cuyo contacto provoca la locura mental. Sufrimientos, gritos salvajes, todo en “Death Mothership Connection” es infernal como si se hubiera recreado la obra de Hideshi Hino (leer reseña) dentro del mundo del manga en clave noise. El final de este tema no podía ser de otra manera viendo de la mano creativa de Nakahara Masaya. Finalmente, el dúo musical Incapacitants clausurará este álbum con su tema “Automatic Loss Cut”. Formado por Toshiji Mikawa y Fumio Kosakai, aquí nos presentan una perspectiva conceptual del noise marcada por la angustia, la sudoración extrema ante el peligro, y el aire sofocante que prácticamente impide la respiración en este entorno. Con puntuales entradas en lo industrial para liberar algo de espacio en su estructura sonora tan compacta, esta acción constante de corte sobre las bases existenciales cuyas chispas vitales llevan a la insatisfacción, el desasosiego, y el nihilismo, adquieren en el tema “Automatic Loss Cut” una definición musical bastante clara en su mirada respecto a lo que llamamos humano, a lo que llamamos civilización, y a lo que llamamos Humanidad. Como cal arrojada sobre la carne, “Automatic Loss Cut” lo degrada todo. “Noise Forest”, este mítico álbum atesora en su interior una selecta muestra de la escena noise japonesa de principios de los noventa, renaciendo por primera vez en vinilo en este año 2024 gracias a la admirable labor cultural que viene realizando el sello discográfico británico Cold Spring Records desde su fundación. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUGOLA “THE TRUTH PENETRATES YOUR MOUTH” (Zoharum, noviembre 2023) (Reseña / Review #2204).

Posted on 17 septiembre, 2024 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2204 // Reseña Musical nº: 1392

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: CD en carpeta, edición promocional no a la venta (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Confront // 2- The Truth Penetrates Your Mouth // 3- Hate Me Like I Hate Myself // 4- How Much Are You Willing To Sacrifice To Remain Fucking Nobody // 5- Decompose // 6- Obscene // 7- You Will Never Be In Control // 8- A Fucking Failure // 9- Bitter Reality
Datos técnicos: Temas musicales grabados en el mes de agosto de 2023 en Antisound Studio (Tarnowskie Gory, Polonia); mezclados y masterizados por Neithan
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena power electronics

Presentado oficialmente en el mes de noviembre del año 2023, “The Truth Penetrates Your Mouth” es el título del nuevo álbum del talentoso artista polaco Neithan (Michal Kielbasa), alma máter de Lugola. Power electronics en estado puro potenciado con estas estructuras musicales de vanguardia, y donde los planos sonoros noise e industriales destacan especialmente por su relevancia en los nueve temas que vertebran esta extraordinaria obra maestra. Publicado a través del prestigioso sello discográfico polaco Zoharum en formato digital y en una preciosa edición limitada de 300 unidades en digipak CD de seis paneles, el álbum “The Truth Penetrates Your Mouth” ha sido engalanado con este impactante diseño creado por Maciej Mehring (Zoharum), donde lo extremo y la estética sado ven potenciado su mensaje en este entorno obscuro, incrementándose lo siniestro al observar a la figura con sus manos inmovilizadas y encadenadas al techo, y al comprobar cómo ambos no tienen ojos, quedando la expresión de sus bocas como reflejo de sus emociones. Luego la estética visual del CD Picture nos lleva a otra manifestación artística extrema donde lo psicológico, lo surrealista, y lo psicótico adquieren ese perfilamiento en el dibujo bajo la influencia del cómic underground más provocador y del manga más delirante y psicodélico mostrado por las mentes artísticas japonesas más relevantes como Hideshi Hino, Suehiro Maruo, Sho-u Tajima, Eiji Otsuka… Tanto portada como CD Picture fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la belleza siniestra en sus diferentes manifestaciones artísticas. A nivel musical, les sorprenderá la excelente labor de masterización realizada por el propio artista polaco Neithan (Michal Kielbasa) donde la dimensión espacial y la configuración del registro sonoro han sido magníficamente definidas en cada uno de estos temas.

Iniciamos la audición de este impactante álbum adentrándonos en el primer tema “Confront”, atravesando esta cortina sonora noise como si fuera ese antes y después que ha de cruzarse antes de lo trascendente. Con el plano lírico y vocal situado a cierta distancia, su conexión con otros planos vocales que irán apareciendo a lo largo del tema irán reforzando su mensaje, presentando un escenario tenso y agresivo que nos llevará directamente hasta el tema homónimo del álbum, donde el noise va a adquirir muchos más matices hasta abrir un poco más este entorno duro y angosto. Y es que el tema “The Truth Penetrates Your Mouth”, aunque aparentemente más calmado en su agresividad respecto a “Confront”, provocará inquietud en el melómano debido al aire mesiánico que se siente como si fuera el discurso de un iluminado que difundiera su mensaje de horror y de salvación de forma fanática. Aquí, Lugola hace una contundente demostración de vanguardia conceptual dentro de la escena power electronics al equilibrar lo siniestro, lo extremo, y lo irracional en esta admirable recreación musical. ¡¡¡“The Truth Penetrates Your Mouth”, impresionante!!! Bajando un nivel la intensidad sonora, el tema “Hate Me Like I Hate Myself” es una cruel dinámica autodestructiva donde la carga psicológica se vuelve infernal en su reflejo musical. Brutal en su configuración, aquí hay que estar muy atentos a los matices que Lugola ha dado a los planos sonoros, volviéndose afiladamente extremo tanto en su mensaje lírico como en su soporte musical absolutamente inmisericorde. ¡¡¡“Hate Me Like I Hate Myself”, excelso tema power electronics!!!

El tema “How Much Are You Willing To Sacrifice To Remain Fucking Nobody” nos llevará a un escenario emocionalmente desolador y degradante, y como continuación del anterior tema tan autodestructivo, “How Much Are You Willing To Sacrifice To Remain Fucking Nobody” es ideal en este proceso de hundimiento interno y externo. Apoyada en una base conceptual industrial, toda la estructura musical es amplia y sentimentalmente gélida, proyectando una sensación de insignificancia existencial que hiela la sangre. Con una lírica lanzada a lo largo del tema como terribles latigazos psíquicos, este tema es una nueva demostración artística del talento de Michal Kielbasa, y este final radical es perfecto para adentrarnos en el tema “Decompose”, mucho más tenebroso en su base conceptual industrial fusionada con dark ambient. La aparición de afilados planos industriales potencian la cortante estructura musical de este tema, quedando lo metálico, lo mecánico, lo industrial, como esencia de “Decompose” en su trasfondo inhumano, destacando especialmente este plano vocal sosegado y aplacado en su impulso e intensidad respecto a los temas anteriores. Con “Obscene” retornando a ese entorno salvaje que presentaban algunos temas anteriores en este álbum, a nivel conceptual, difiere completamente de todo lo escuchado. Esta personalidad sonora única llevará al melómano lector de Lux Atenea al interior de estas arenas movedizas emocionales donde cada intento de huida no hará más que precipitar el dramático final. Con planos sonoros cortantes como sierras mecánicas en acción sobre el metal, todo es arrancado violentamente en “Obscene” hasta quedar completamente expuesto. Y esa acción es su mayor impacto.

Posteriormente, en el tema “You Will Never Be In Control” todo se volverá mucho más caótico en clave noise, poniendo los puntos sobre las íes en su trasfondo existencial. Una bajada al nivel de realidad donde la insignificancia vital y la irrelevancia trascendental es lanzada de forma directa y sin suavidad alguna. Una realidad que quema interiormente y cuya asimilación intoxica al Ego, quebrando al ser hasta hacer que cuestione absolutamente todo. De ahí a llegar a las costas del nihilismo, es solo un paso. Incrementando la potencia sonora noise en esta tormenta musical aparecerá el tema “A Fucking Failure”, donde las altas frecuencias y las distorsiones van adquiriendo ese potente impacto de lo industrial en su acción cíclica, arrasando con todo sin que nada lo pueda impedir. “A Fucking Failure” perfectamente podía haberse incluido como parte de la banda sonora de la película japonesa de culto “Tetsuo I, el hombre de hierro” (leer reseña), precisamente por su base conceptual y como música de vanguardia extrema. Finalmente, la clausura de esta magna obra llegará con el tema “Bitter Reality” y su desvelo existencial, perfilándose una estructura sonora aún más brutal precisamente por la desoladora realidad sacada a la luz. Una realidad corrosiva en cuanto entra en contacto con el mundo basado en una mentira cubierta con otra mentira, y esta a su vez con otra mentira que cuando es descubierta, se vuelve a tapar con otra mentira. “Bitter Reality” es luz intensa derritiendo el hielo más duro y compacto, es un cuchillo de hoja ardiente aplicado sobre la mantequilla, es una poderosa sierra mecánica cortando el tronco de un árbol de ancho tronco. En el fondo, “Bitter Reality” es esa realidad difícil de asumir por la mayoría porque su mundo se vendría abajo. “The Truth Penetrates Your Mouth”, en Polonia, Lugola ha compuesto esta obra maestra dentro de la escena power electronics más avanzada e innovadora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CIRCUIT CORRUPTER “SYNTHESIZING THE ABSENCE OF YOUR SOUL” (PHAGE TAPES, junio 2024) (Reseña / Review #2196).

Posted on 12 julio, 2024 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 2196 // Reseña Musical nº: 1384

Quiero dar las gracias a Brais R.P. (Circuit Corrupter) por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD con libreto de 8 páginas (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Prelude: Judgement and Verdict of the Fallen // 2- The Descent // 3- Lethargy and Vigil // 4- Interlude: Like Children Trapped in Limbo // 5- Willing Obedience // 6- Pale Soul // 7- Your Face Is Fading Away // 8- Irreverent Spirituality // 9- Interlude: Now I Know Your Weakness // 10- Lunatic’s Delight // 11- The Unknown by the Equally Unknown // 12- Inner Self in Flames // 13- Moral Disagreement // 14- Postludium: You Should Have Died
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Brais R.P. (Circuit Corrupter) durante los meses de verano y otoño del año 2023 en Silphidae Studio; álbum masterizado por el prestigioso artista estadounidense Grant Richardson (Gnawed)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena noise

Desde Galicia vuelve a fluir la música noise de vanguardia gracias al fértil talento artístico de Brais R.P., alma mater de Circuit Corrupter y Dead Eye Terrorist (leer reseña), habiendo presentado oficialmente su nuevo álbum “Synthesizing The Absence Of Your Soul” a finales del pasado mes de junio. Publicado a través del magnífico sello discográfico estadounidense Phage Tapes en formato digital y en esta lujosa edición en digipak CD con libreto de ocho páginas, el álbum “Synthesizing The Absence Of Your Soul” ha sido engalanado con este impactante diseño creado por Brais R.P. donde la belleza siniestra, lo gore, y lo animal parecen configurar de forma visual este gabinete de curiosidades un tanto macabro. Y no solamente con esta provocadora portada con una castración impresionará a los melómanos lectores de Lux Atenea, sino también con los diseños escatológicos y enfermos que decoran su obscuro libreto, destacando especialmente en sus páginas un fragmento de la magna obra literaria “El Paraíso Perdido” (leer reseñas) del poeta inglés John Milton (1608-1674), junto a esta dedicatoria del álbum a las personas solitarias en este mundo. A nivel musical, tras su ópera prima “Destructive Maelstrom” (ABHorrent A.D., 2023), el álbum “Synthesizing The Absence Of Your Soul” supone un salto conceptual considerable ya que los catorce temas que vertebran esta obra irradian una profundidad artística mucho mayor. Una pasión por la recreación sonora a través de la vanguardia más innovadora que, en Brais R.P., se ha convertido en su seña de identidad musical dentro de la escena noise actual más relevante. Además, estos temas, tras haber pasado por las expertas manos técnicas del artista estadounidense Grant Richardson (Gnawed -leer reseña-) en su masterización, presentan una dimensión musical nítida y precisa para engrandecer sonoramente cada composición hasta llevar al melómano a envolverse en esta belleza musical siniestra y extrema. Por este motivo, y por el lujoso diseño que presenta esta edición física en digipak CD, adquirir el álbum “Synthesizing The Absence Of Your Soul” es comprar una auténtica joya discográfica destinada a convertirse en mítica dentro de la escena noise nacional e internacional.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta obra maestra con la corrosiva acidez moral y ética del primer tema “Prelude: Judgement and Verdict of the Fallen”, siendo la antesala sonora perfecta para que “The Descent” nos posea con esta potente descarga noise cuyas oleadas ruidísticas cortan la piel y te hunden en lo infernal. Por su estructura musical, el tema “The Descent” son latigazos lanzados con dureza para escarificar, proyectándose con ese vigor demoníaco deseoso de ver el dolor y de humillar. Desembocando en el tema “Lethargy and Vigil” sin dar respiro alguno, aquí la estructura musical se volverá más áspera y cruda, siendo cortada de inmediato para dar paso a estos melódicos planos sonoros iridiscentes de tacto musical irreal, mostrando posteriormente este denso telón que impide ver a través. ¡¡¡“Lethargy and Vigil”, impresionante tema!!! Cuando el fuego noise se aplaque, de “Interlude: Like Children Trapped in Limbo” surgirá esta tenebrosa fantasmagoría donde lo melódico hiela el espíritu solamente con oírlo, rompiendo la realidad para que el tema “Willing Obedience” prepare la acción salvaje, incontestable, y arrogante en su imposible nivel de exigencia a cumplir. “Willing Obedience” perfectamente podía ser la banda sonora de los tiempos actuales donde las sociedades más avanzadas se están devorando a si mismas, carcomiendo sus estructuras mientras miran por encima del hombro al resto de la Humanidad. “Willing Obedience” es un tema impetuoso, caprichoso, y superficial en sus deseos de adoración externa, presentándose el tema “Pale Soul” absolutamente agotado, indiferente, y mortuorio en su mirada al presente. Habiendo perdido el control de su destino, son las corrientes de la vida las que mueven y alteran su realidad existencial sin que pueda hacer nada al respecto. Una pasividad lacerante para su alma porque ha perdido la clave de su sentido vital: la capacidad de elección. “Pale Soul” es una hoja arrastrada por la corriente del río de la vida y llegando a los rápidos donde todo es machacado y triturado.

Cuando el tema “Your Face Is Fading Away” ahonde en la disolución creando este contraste musical entre el tema principal de la mítica película “Love Story” establecido como fondo, y este plano ruidista absolutamente desatado en un primer nivel, todo en esta composición presentará destellos de puro talento de vanguardia. “Your Face Is Fading Away” disuelve, anula cualquier indicio de sensibilidad y de vitalidad, apareciendo inmediatamente el tema “Irreverent Spirituality” para resaltar esa raíz mefistofélica que todo lo arrasa, que todo lo condiciona para llevar a la perdición, y que todo lo corrompe incluso con su luz porque es la luz capaz de cegar y de quemar lo orgánico hasta reducirlo a cenizas. ¡¡¡“Irreverent Spirituality”, potente composición noise de vanguardia!!! Luego, “Interlude: Now I Know Your Weakness” aparecerá con una estructura sonora post-industrial donde el movimiento es caos y la acción es intrascendencia, llevando al melómano lector de Lux Atenea hasta el tema “Lunatic’s Delight”, burbujeante y fluido hasta que una cortina ruidista aparezca para reconducir la estructura musical a nivel conceptual hacia este estilo noise tan cosmopolita y avanzado. Pinceladas electrónicas experimentales darán destellos sonoros innovadores para dirigir estos planos musicales hasta “The Unknown by the Equally Unknown”, donde la potencia del noise es hegemónica y aniquiladora, desbordando los límites con su furia sonora incontenible para abrir la mente del melómano al amplio despliegue artístico que caracteriza al tema “Inner Self in Flames”. Destellos estroboscópicos lanzando señales de peligro, rostros desencajados apareciendo en la mente para dejar sin habla al individuo, pesadillas recurrentes hasta llegar a lo maníaco obsesivo, “Inner Self in Flames” es la joya musical más avanzada y deslumbrante que reluce en este álbum. ¡¡¡“Inner Self in Flames”, excelso!!! Luego, el tema “Moral Disagreement” quebrará cualquier punto de equilibrio para imponer la improvisación aleatoria y el castigo ejemplarizante sin tener en cuenta la culpabilidad o no, llevándonos hasta el tema “Postludium: You Should Have Died” en un escenario de clausura terriblemente dantesco, apareciendo planos sonoros experimentales perfectamente integrados en esta amplia base musical noise. Breve pero contundente, “Postludium: You Should Have Died” es lo siniestro en su reflejo esencial mortuorio que conmueve a las mentes y desafía a la presencia de la vida ante si. Un acantilado existencial inexorable para poder salir definitivamente de ese estado no deseado. “Synthesizing The Absence Of Your Soul”, vanguardia conceptual noise dando profundidad artística y dimensión sonora a esta obra maestra de Circuit Corrupter. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CORRUPTED “FELICIFIC ALGORITHM / MUSHIKERAS” (COLD SPRING RECORDS, enero 2024) (Reseña / Review #2190).

Posted on 30 junio, 2024 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2190 // Reseña Musical nº: 1378

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: Digipak CD de seis paneles (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Felicific Algiorithm // 2- Felicific Aligorithm // 3- Mushikeras
Datos técnicos: Temas musicales “Felicific Algiorithm” y “Felicific Aligorithm” mezclados en LM Studio en el año 2016; tema “Mushikeras” grabado por Koichi Hara en Zico Studio entre los años 2022 y 2023 bajo la dirección de Goro Hattori
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical conceptualmente ecléctica

Presentado oficialmente a finales del pasado mes de enero, el álbum “Felicific Algorithm / Mushikeras” de la banda musical japonesa Corrupted incluye nuevas perspectivas conceptuales de los temas pertenecientes al álbum “Felicific Algorithm” (Cold Spring Records, 2018), editado en el año 2018 solamente en vinilo y cuyos temas sonaban en el giradiscos a 33 y 45 rpm, junto a su nueva obra “Mushikeras” donde la banda musical japonesa Corrupted está formada por Kaz Mike (guitarra y bajo), Rie Lambdoll (bajo y vocalista), Mark Y. (guitarra y bajo), y Chew (batería e instrumento musical de percusión de acero al carbono). El álbum “Felicific Algorithm / Mushikeras” ha sido publicado solamente en esta magnífica edición en digipak CD de seis paneles, habiendo sido engalanado con este precioso diseño haciendo uso del apartado fotográfico realizado por la propia banda musical, y presentando estos tenebrosos collage creados por Hyng Hoian hasta configurar visualmente estos gestos de amabilidad con mefistofélicas intenciones posesivas. Lo humano y lo tenebroso inmortalizados en imágenes para provocar a quien lo visualiza con su aparente inocencia… hasta que se revela su tenebroso trasfondo real. A nivel musical, en el álbum “Felicific Algorithm / Mushikeras”, Corrupted hacen un contundente despliegue de talento en la composición a través de estilos como el dark ambient, industrial, noise, doom metal, minimal, música contemporánea… Tres temas musicales absolutamente eclécticos vertebrando este álbum inigualable e incomparable dentro de esta obscura escena musical. En los temas “Felicific Algiorithm” y “Felicific Aligorithm”, además Corrupted utilizó grabaciones de campo realizadas en varios lugares situados en Amagasaki, Osaka, y Fukushima entre los años 2012 y 2014. En cambio, dentro de su eclecticismo conceptual en la composición, el tema “Mushikeras” es un contundente ejemplo del talento de esta banda japonesa para perfilar temas musicales dentro del estilo doom metal más innovador. Un halo sonoro fúnebre y descarnado en su apartado lírico, donde la fantasmagoría melódica y gótica adquiere esas texturas sonoras sobrenaturales que hará las delicias de los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la belleza siniestra.

Iniciamos la audición de este magnífico álbum sumergiéndonos en la tenebrosa atmósfera del primer tema “Felicific Algiorithm”, donde este colosal escenario sonoro dark ambient vibra y propaga sus ecos musicales hasta ir envolviéndonos con un oscuro minimalismo de inhóspita gelidez. Repentinamente activado, entonces una potente fusión musical de noise e industrial comenzará su despliegue hasta ahogar los espacios y alterarlo todo desde sus cimientos, proyectándose con una energía interior caótica donde sus elipses sonoras fluyen con una potente intensidad que las vuelve inestables y expansivas. Cuando toda la estructura musical colapse, de nuevo el minimalismo y el dark ambient retornarán para recuperar el escenario sonoro inicial pero ahora dentro de un ambiente sepulcral y meditativo que el melómano lector de Lux Atenea interiorizará con rapidez gracias al talento artístico de Corrupted en esta grandiosa composición. ¡¡¡“Felicific Algiorithm”, impresionante!!! Posteriormente, el tema “Felicific Aligorithm” se presentará más iridiscente, más vibrante, y con una esencia conceptual industrial mucho más marcada, llevándonos al núcleo de esta maquinaria eléctrica que, como una turbina en acción, sus campos magnéticos se hacen mucho más presentes cuanto más nos acercamos a ella. Mucho más lineal que el primer tema del álbum, su arquitectura sonora es más densa y compacta, oscilando en un arco musical donde las frecuencias más bajas ven potenciado su protagonismo en esta composición al tener un nivel de registro sonoro más alto. Agudizando el oído durante su atenta audición, en “Felicific Aligorithm” se descubren sutiles planos sonoros acuáticos y burbujeantes que brotan del suelo, y esta presencia musical termina estableciendo este trasfondo orgánico como contraste absoluto con la frialdad metálica del estilo industrial. Su epílogo llegará quedando todo calmado mientras este siniestro minimalismo va desaguando todo, incluso los focos sonoros anteriormente descritos.

El excelso tema “Mushikeras” clausurará el álbum con este tétrico plano musical melódico para piano, cuyo plano lírico pausado y profundo configura este lúgubre testimonio cargado de amargura existencial. El tema “Mushikeras” convierte su perspectiva conceptual dentro de la música contemporánea en una auténtica delicatessen que sorprenderá y fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea, sobre todo si lo disfrutan en mitad de la noche en soledad. Un poso existencial decadente que se verá potenciado cuando este contundente doom metal aparezca y se funda con el plano melódico para piano, haciendo que todo languidezca con una pasión y una intensidad vital absolutamente siniestra por su belleza artística. Una muestra más del talento musical que presenta siempre la banda japonesa Corrupted en cada nueva obra, siendo “Mushikeras” una de las más excelsas con diferencia. Cuando ya toda la estructura musical sea puramente doom metal de vanguardia, lo sepulcral acabará dominando mientras va siendo marcado en su tempo por esta batería de auténtico lujo, desembocando en una tenebrosa fantasmagoría como si fuera la banda sonora de un cuento gótico decimonónico. Con una interpretación lírica magistral por parte de Rie Lambdoll, y con la batería volviendo a marcar el paso en su evolución sonora y estructural, el tema “Mushikeras” evolucionará hacia un escenario sobrecogedor donde los gritos descarnados y las voces cargadas de dolor van a perfilar esta fase musical dentro de una perspectiva artística gótica y sobrenatural. La entrada en este doom metal tan obscuro y deprimente finalmente cerrará el tema con otra nueva demostración de vanguardia conceptual dentro de este apasionante e intenso estilo, arrojándose todo al abismo infernal como sacrificio vital inevitable. “Felicific Algorithm / Mushikeras”, talento en la composición y eclecticismo conceptual de vanguardia mostrados en estos tres temas con un virtuosismo que dejará profundamente impresionados a los melómanos afines a la vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SUTCLIFFE NO MORE “CUTE” (ZOHARUM, mayo 2024) (Reseña / Review #2189).

Posted on 27 junio, 2024 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2189 // Reseña Musical nº: 1377

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: CD en carpeta, edición no a la venta (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Salt // 2- The Truth // 3- Senseless // 4- Mammal // 5- Unholy Poem // 6- Without Trace // 7- Never The Swan // 8- Complient Consumer // 9- Wherewithal // 10- Cute // 11- Overwhelmed By Your Violence
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna Obra Musical dentro de la escena power electronics

Desde el año 1982 hasta 2019, Sutcliffe Jugend ha sido una de las míticas referencias musicales dentro de la escena power electronics. Liderado en solitario por el genial artista inglés Kevin Tomkins en sus inicios, se uniría Paul Taylor en el año 1994 para configurar uno de los dúos musicales más innovadores y vanguardistas dentro de esta escena. Cuando Sutcliffe Jugend llegó a su punto y final artístico con aquel legendario nombre, poco tiempo después reanudaron su actividad musical bajo el nombre de Slaves No More y con un único álbum titulado “The Unravelling” (4iB Records, 2020), dando continuidad posteriormente a su espíritu creativo de vanguardia como Sutcliffe No More desde el año 2021 con varios trabajos musicales ya publicados, siendo su más reciente álbum “Cute” que fue presentado oficialmente a mediados del pasado mes de mayo a través del prestigioso sello discográfico polaco Zoharum. Publicado en formato digital y en una impactante edición limitada de 300 unidades en ecopak CD de seis paneles, ambas se encuentran disponibles a través de la webstore de Zoharum y de su página oficial en Bandcamp. El álbum “Cute” viene engalanado con este diseño a cargo de Maciej Mehring (Zoharum) basándose en el trabajo artístico creado propiamente por Kevin Tomkins, y donde la belleza siniestra se manifiesta a través de las deformaciones físicas, de la alteración orgánica, y de malformaciones estéticamente horribles y monstruosas mientras estos seres mantienen una actitud que los sitúa al margen de la influencia de su entorno. Unos dibujos extremos que atraen y que te llevan a fijar la mirada en los detalles, siendo precisamente éstos los que elevan su valor artístico (recomiendo la lectura del libro de Umberto Eco “Historia de la fealdad” –leer reseña– y la obra “Lo bello y lo siniestro” de Eugenio Trías –leer reseña-). A nivel musical, el álbum “Cute” viene vertebrado por once temas donde Kevin Tomkins y Paul Taylor siguen deslumbrándonos con su virtuosa perspectiva musical de composición, estableciendo estructuras musicales de vanguardia donde los planos sonoros y líricos quedan integrados conceptualmente en estilos como el industrial, electrónica experimental, dark ambient, noise… englobándose en su conjunto final dentro de los parámetros musicales power electronics. Una deslumbrante demostración de maestría en la composición musical donde el power electronics es ARTE en mayúsculas.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en la atmósfera sonora experimental del primer tema “Salt”, donde el drone se establece como columna musical principal de toda esta estructura, añadiéndose progresivamente más y más capas sonoras en cuyo conjunto global se respira esa languidez y poso embriagador narcotizante que caracteriza a los aires orientales. Con la lírica situada en un primer plano y con la importancia testimonial del suceso tenso y violento, el tema “Salt” terminará siendo pulido con esta evanescencia sonora de textura opaca y brumosa en permanente movimiento, mientras lo salvaje cada vez se manifiesta con mayor crudeza e inhumanidad. Una intensa experiencia musical que, en el tema “The Truth”, se volverá pulsante y densa con este power electronics saturando las frecuencias y este plano lírico cuya voz desgarrada y fuera de sí nos arroja a la barbarie. Además, su avanzada estructura industrial incluso terminará condicionando al plano vocal hasta llevarnos al límite de lo emocional por su contundencia artística. “The Truth” es siniestramente adrenalínico, y terminará por absorber mentalmente al melómano lector de Lux Atenea a través de un proceso continuo de posesión mental sin que prácticamente se dé cuenta. Luego, el tema “Senseless” aparecerá con un estilo musical innovador donde los amplios espacios y la luz tamizada nos llevan a un escenario de etéreo carácter, estimulando nuestras percepciones gracias a una atenta audición que ha de repetirse varias veces para poder descubrir todos los matices sonoros que definen a este impresionante tema. Conceptualmente, “Senseless” es todo un lujo musical en los tiempo que vivimos y una joya artística dentro de esta escena como solamente Kevin Tomkins y Paul Taylor son capaces de concebir, mostrando un armonioso equilibrio en su estructura musical digno de un mandala. ¡¡¡“Senseless”, impresionante tema!!! Posteriormente, “Mammal” nos llevará por escenarios sonoros opresivos y decadentes donde todo parece estar a punto de colapsar sobre nosotros. De lírica impositiva, cuando todo se cubra de tinieblas se llevará a este estilo power electronics hasta su frontera conceptual con el dark ambient, aparentando un ceremonial en su interpretación pero aquí lo sacro o lo místico están completamente ausentes, de ahí este caótico y potente final. “Mammal” no es nada espiritual, al igual que el tema “Unholy Poem” que derivará musicalmente hacia la vanguardia experimental y el high-tech ambient, proyectando un escenario futurista tensionado y agresivo. De base secuencial, todo en “Unholy Poem” late como si fuera un organismo vivo, pero es la alta tecnología lo que queda recreada en esta ondulante composición sonora.

El tema “Without Trace” aparecerá mucho más impositivo y extremo, llevándonos hasta la frontera del noise donde difuminará las líneas de separación a través de este perfilamiento sonoro tan desgarrador. Despedazando cada plano sonoro, aquí lo industrial adquiere esa actividad frenética que lo arranca todo, desembocando en el tema “Never The Swan” donde volveremos a escenarios más obscuros y minimalistas. Un tema cuya audición es un impacto lírico constante cargado de ira, de indignación, de rebeldía, de deseos de destrucción y de provocar dolor, detallando un escenario psicológicamente alterado y estresado donde la sensación de estar perdido en la vida es permanente. De forma abrupta, el tema “Complient Consumer” sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea con este estilo noise situado como trasfondo en esta composición, desatándose un impulso compulsivo y posesivo donde el egoísmo y la pasional veneración hacia lo material dominan a las personas. Posteriormente, el tema “Wherewithal” suavizará un poco el ambiente con esta integración musical de industrial con electrónica experimental de vanguardia, proyectando un entorno sonoro retro donde la lírica es pausada para incrementar la angustia que transmite. “Wherewithal” tiene aristas sonoras y posee ese halo musical cargado de desesperación y de agrio final hasta corroer toda su estructura musical en su epílogo, siendo el tema “Cute” el contraste sonoro perfecto para envolvernos con estas iridiscencias melódicas y este ambiente selénico donde siempre se oculta lo trágico, manifestándose con una contundencia cortante e ineludible cuando ya es demasiado tarde para esquivarlo. Una dramática fantasmagoría que, en manos de Sutcliffe No More, se vuelve casi ritual por ese magnetismo que posee lo mesiánico hasta desembocar en lo trágico. Una potente dimensión musical que nos llevará directamente hasta el tema “Overwhelmed By Your Violence”, casi idílico en su comienzo, y que se irá degradando como un metal al cual se le ha aplicado un ácido. Una clausura musical perfecta para cerrar esta magna obra. “Cute”, Sutcliffe No More vuelve a dejarnos profundamente impactados con este virtuoso despliegue musical de vanguardia conceptual dentro de la escena power electronics actual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LARMO “ALARM” (ZOHARUM, mayo 2024) (Reseña / Review #2182).

Posted on 15 junio, 2024 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2182 // Reseña Musical nº: 1370

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: CD en carpeta, edición no a la venta (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Alarm // 2- Grit // 3- N.B x N.N. (feat. Gosia) // 4- HNW x // 5- PL (Stick) // 6- Separator // 7- Komunikat (feat. IHS) // 8- HNW XX // 9- Tech (NIC) // 10- Gnat (feat. Paula) // 11- Flat Breath (feat. Pachu) // 12- Flat Breath (remixed By Monya)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Grit // 3- N.B x N.N. (feat. Gosia) // 6- Separator // 7- Komunikat (feat. IHS) // 9- Tech (NIC) // 10- Gnat (feat. Paula) // 12- Flat Breath (remixed By Monya)

Presentado oficialmente a mediados del pasado mes de mayo, “Alarm” es un impresionante álbum donde el talentoso artista Mirosław Matyasik ha sabido reflejar su maestría en la composición gracias a su amplia experiencia musical y a su amplitud conceptual de miras dentro de la vanguardia. Como alma mater de Larmo, en “Alarm”, Mirosław Matyasik invitará a los melómanos lectores de Lux Atenea a adentrarse en estos espacios obscuros y agresivos donde las atmósferas son densas y casi irrespirables. Publicado oficialmente a través del prestigioso sello discográfico polaco Zoharum en formato digital, en una preciosa edición limitada de 300 unidades en digipak CD de seis paneles, y en una lujosa edición limitada de 200 unidades en vinilo LP 12”, actualmente disponibles en la webstore de Zoharum y en su página oficial en Bandcamp, el álbum “Alarm” viene engalanado con esta impactante portada de estética futurista y cyberpunk al más puro estilo de “Neuromancer”, con sus conexiones cerebrales a la red digital y sus dispositivos visuales de realidad virtual integrados en el cuerpo. Incluso, mirando detenidamente sus detalles, hasta podía ser visto como un avanzado ser transhumanista del futuro donde lo orgánico en lo humano ha pasado a ser algo circunstancial ante la superioridad de la alta tecnología, debido a las funciones y a la fiabilidad que ofrece frente a la fragilidad de lo orgánico. Esta ventana visual al futuro, llevado a la vanguardia conceptual musical de corte ecléctico es lo que nos propone Mirosław Matyasik en los doce temas que vertebran el álbum “Alarm”, habiendo contado además con la colaboración artística de Gosia, IHS, Paula, Pachu, y Monya en algunos de estos temas y composiciones. Una talentosa fusión conceptual de música electrónica, techno, high-tech ambient, industrial, noise, minimal, y post-industrial que, en Larmo, les sorprenderá por la magnífica definición sonora de sus estructuras y por la relevancia pionera que presentan la mayoría de estos temas conceptualmente muy adelantados a nuestro avanzado presente dentro de esta escena musical. Un grandioso álbum que en su lujosa edición en vinilo tiene que sonar espectacular.

Iniciamos la audición de esta magna obra musical sumergiéndonos en la tensa atmósfera sonora del tema homónimo del álbum, adquiriendo poco a poco este tempo post-industrial donde cada capa electrónica va incrementando su densidad como si fuera una grabación de campo en una megalópolis en constante construcción y ampliación estructural. Incluso, con la aparición de este crescendo de frecuencia, esta agresividad en el entorno no hará más que fluir y estresar este escenario hasta convertir a la extraordinaria composición “Alarm” en una mirada distópica al futuro. Posteriormente, el tema “Grit” presentará una contundente base musical industrial oscurecida con maestría gracias a esta impresionante exposición sonora experimental que, como afiladas pinceladas musicales, dejan su marca y su huella en esta composición conceptualmente cercana al high-tech ambient en cuanto a su riqueza sonora de vanguardia. Escuchar “Grit” en mitad de la noche impresiona mientras paseamos por las solitarias calles de una gran ciudad a altas horas de la noche. Una selénica banda sonora de auténtico lujo. Luego, la perspectiva artística de Małgorzata Wójcik aka Gosia en el tema “N.B x N.N. (feat. Gosia)” ofrecerá al melómano lector de Lux Atenea esta potente definición musical llevada al extremo, a la degradación, a la terrible crudeza del hundimiento vital y físico, adquiriendo una crudeza electrónica absolutamente posesiva y siniestra que, desde la década de los noventa, solamente había disfrutado en algunos eclécticos proyectos musicales que fusionaron lo industrial y el EBM. Pero “N.B x N.N. (feat. Gosia)” tiene esta potente piel sonora inconfundiblemente actual e innovadora que perfectamente puede ser incluida en un electro-club por un DJ en su sesión musical para ofrecer vanguardia y transgresión en la pista de baile. ¡¡¡“N.B x N.N. (feat. Gosia)”, impresionante!!!

Afilado e incisivo llegará el tema “HNW x” al más puro estilo japanoise, apareciendo como una imparable radial que todo lo corta y todo lo nivela sin que nada se le oponga. Una brutal antesala del tema “PL (Stick)” cuya siniestra atmósfera nos atrapará y nos inmovilizará, quedando encadenados mentalmente a estas columnas electrónicas absolutamente colosales que provocan esa hierática parálisis ante la contemplación de la majestuosidad, de lo monumental, y de lo que es prácticamente inabarcable. En “PL (Stick)”, los destellos de la alta tecnología y del gigantismo arquitectónico te llevan a la expansión mental porque esta grandiosa composición es una ecléctica demostración de talento y de creatividad en la definición sonora de vanguardia. De por si, “PL (Stick)” parece más un tema musical que pudiéramos haber extraído de la escena electrónica más innovadora de la próxima década tras haber viajado al futuro. “PL (Stick)” es eso mismo, una mirada al futuro artístico. En cambio, “Separator” es una composición más minimalista y experimental, mostrando incluso estas texturas sonoras casi orgánicas que mutan y se transforman ante nuestros ojos. En “Separator”, Mirosław Matyasik parece haber tomado a la película de culto de David Lynch “Eraserhead” (1977) como fuente de inspiración y, con esta admirable composición, llevar aquella atmósfera sonora al siglo XXI. Decadente, sucia, y al borde del colapso, “Separator” es un contundente extracto de las ideas conceptuales de Larmo en este álbum. En “Komunikat (feat. IHS)”, retornaremos a las atmósferas afiladas y cortantes fusionadas con sumo talento con aires sonoros post-industriales y estas voces agónicas potenciadas en su trágico presente por este plano instrumental para acordeón. Sin duda alguna, gracias a Larmo y a Patryk Rzeszutek aka IHS, “Komunikat (feat. IHS)” se ha convertido en una magna obra de arte musical que no dejará indiferentes a los melómanos lectores de Lux Atenea, debido a la avanzada vanguardia conceptual que presenta. ¡¡¡“Komunikat (feat. IHS)”, chapeau!!!

El tema ruidístico “HNW XX” planteará estructuras sonoras muy complejas donde el hundimiento musical de algunas partes dimensionales se terminan recuperando para reimpulsar su frenética actividad, desembocando en “Tech (NIC)” donde la música electrónica adquiere una densidad ciclópea y pesada. Bordeando conceptualmente el techno más siniestro en la actualidad, su tempo más lento nos lleva a un escenario donde las brumas tenebrosas y la debilidad lumínica en tonalidades rojizas parecen la entrada a un infierno psicológico. Posteriormente, Larmo y Paula Pieczonka aka Paula sorprenderán a los melómanos lectores de Lux Atenea con el tema “Gnat (feat. Paula)”, entremezclando lo psicótico y lo industrial elevados a la enésima potencia. Si existiera un sinónimo musical de la palabra brutal, sin duda sería “Gnat (feat. Paula)”, y si a esta atmósfera extrema añadimos esta apertura ambiental absolutamente obscura y sobrecogedora, entonces nos encontramos con una excelsa obra maestra que será tomada como referencia conceptual por otros artistas y bandas musicales dentro de esta escena en los próximos años. ¡¡¡“Gnat (feat. Paula)”, obra maestra!!! Habiendo situado el nivel de calidad artística tan alto, Larmo y Łukasz “Pachu” Pach en el tema “Flat Breath (feat. Pachu)”, aún fusionando las voces graves y guturales del black metal con la música electrónica de vanguardia no llegan a la hipnótica atracción sonora del tema anterior. Personalmente, creo que este tema musical tenía que haber sido organizado antes de “Gnat (feat. Paula)” porque“Flat Breath (feat. Pachu)” es muy bueno, pero escuchado y disfrutado después de “Gnat (feat. Paula)”, le falta algo a su estructura para mantener o superar ese nivel artístico. Finalmente, clausurando este sorprendente álbum musical de vanguardia se encuentra el tema “Flat Breath (remixed By Monya)”, donde Monya redimensiona musicalmente este tema hasta acelerarlo y hacerlo más directo mientras la luz entra en este escenario sonoro lo suficiente como para poder sonar en la pista de baile de un electro-club de primer nivel dentro de esta escena. Y antes de terminar de escribir esta reseña, sigo pensando que este admirable álbum debería haber tenido a la obra maestra “Gnat (feat. Paula)” como cierre de auténtico lujo. Hubiera sido perfecto, colosal, e inigualable. “Alarm”, con estas impresionantes ediciones discográficas, el prestigioso sello discográfico polaco Zoharum no hace más que seguir marcando tendencias musicales de vanguardia dentro de esta escena año tras año, y Mirosław Matyasik con su proyecto Larmo es perfecto por su mirada cultural tan innovadora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MEAT BEAT MANIFESTO & MERZBOW “EXTINCT” (Cold Spring Records, abril 2024) (Reseña / Review #2058).

Posted on 25 febrero, 2024 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2058 // Reseña Musical nº: 1367

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- ¡FLAKKA! // 2- Burner // 3- ¡FLAKKA! (Radio Edit)
Datos técnicos: Temas musicales compuestos y grabados por Meat Beat Manifesto (Jack Dangers) y Merzbow (Masami Akita) entre los meses de noviembre de 2023 y enero de 2024
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Ecléctica Obra Maestra Musical

El próximo día 26 de abril será presentada oficialmente esta auténtica joya musical a través del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records, estando ya disponible en pre-pedido en la página oficial del sello en Bandcamp y en su webstore. El álbum “Extinct” de Meat Beat Manifesto y Merzbow será publicado en formato digital, en digipak CD, en vinilo LP 12”, y en una preciosa edición limitada de 300 unidades en LP 12” en vinilo rojo. Engalanado con este atrayente diseño artístico creado por Abby Helasdottir (Gydja), visualmente, su portada refleja el ecléctico espíritu musical que fundamenta este álbum innovador a través de una bella imagen estética donde se armoniza lo retro con lo actual, incluso hasta en el degradado cromático y en su armoniosa definición geométrica. A nivel sonoro, es impresionante comprobar cómo dos grandes genios musicales como el artista inglés Jack Dangers (Meat Beat Manifesto) y el artista japonés Masami Akita (Merzbow) han armonizado con sumo talento sus estilos musicales donde son auténticas eminencias conceptuales. En el excelso álbum “Extinct”, el melómano lector de Lux Atenea va a poder disfrutar de esta impactante vanguardia sonora en estado puro donde se funden en su base ecléctica, estilos musicales como el breakbeat, noise, e industrial, con pinceladas sonoras experimentales, high-tech ambient, y drum & bass. Todo ello, integrado con maestría en este crisol musical gracias al virtuosismo artístico desarrollado por Jack Dangers y Masami Akita que, durante los meses de noviembre de 2023 y enero de 2024, llevaron sus radiantes ideas conceptuales a su interpretación musical más contundente, precisa, e innovadora. Por este motivo, disfrutar el espectacular álbum “Extinct” es escuchar el futuro musical dentro de esta apasionante escena. Es abrir una puerta espacio-tiempo para sentir lo que en los próximos años va a inspirarse en esta magna obra musical tan avanzada. Como analista cultural y melómano, para mi es todo un honor que el sello discográfico británico Cold Spring Records me haya enviado este promocional para ser reseñado, porque su audición es hedonismo artístico iluminado con esta crème de la crème musical firmada por los ilustres Meat Beat Manifesto (Jack Dangers) y Merzbow (Masami Akita). ¡¡¡Qué lujo discográfico!!! Recomiendo reservar ya mismo la compra de su edición en vinilo en pre-pedido, siendo mucho más inmediato el pre-pedido si hacemos referencia a su exclusiva edición en vinilo rojo.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en el primer tema “¡FLAKKA!” con esta espectacular e intensa base musical, y donde el artista inglés Jack Dangers y el artista japonés Masami Akita directamente impulsan esta ecléctica composición a nivel sonoro sin concesiones. Aquí todo es creatividad y potenciación de su estructura musical de vanguardia, quedando perfectamente armonizados en lenguaje musical algunos estilos como el drum & bass, el breakbeat, y este noise no tan extremo e hiriente en su cortante presencia. Lo que más impresionará al melómano lector de Lux Atenea en su atenta audición es la sensación de fragilidad que tiene esta estructura multicapa, y que constantemente está a punto de quebrarse como si fuera el presagio de su colapso. Una atmósfera musical de vanguardia de donde emana esta acidez cosmopolita underground, como si se hubiera interpretado este tema improvisadamente en un escondido club musical del downtown a altas horas de la noche. Esa misma magia artística y conceptual es la que brilla intensamente en “¡FLAKKA!”, transformándose en un viaje musical donde el talento de Jack Dangers (Meat Beat Manifesto) y Masami Akita (Merzbow) fluye, provoca, sorprende, y abre nuevas perspectivas sonoras profundamente marcadas por el eclecticismo. Explosivamente experimental en su evolución, los veinte minutos de duración del tema “¡FLAKKA!” nos van a conducir de este potente impacto sonoro en su comienzo, que despeja cualquier prejuicio inicial por parte del melómano, a otro escenario donde la estructura entra en crisis con estos pasajes noise e industriales que cortan de forma imparable como si fuera una potente radial aplicada al metal. Posteriormente, el espectro musical se saturará, quedando este nuevo plano sonoro intermitente como alerta previa antes del colapso.

Luego, ese mismo plano sonoro intermitente se transformará en el tempo que definirá su re-estructuración al haber quedado despejados algunos espacios dimensionales, siendo cubiertos con varios perfiles sonoros experimentales en cuyo trasfondo sigue presente este breakbeat en segundo plano. Envolviéndonos posteriormente con un áspero torbellino industrial tan agreste, los perfilamientos sonoros de corte mecánico van a dominar en esta fase de la composición hasta encerrarnos en una salvaje cúpula musical donde se respira este polvoriento aire apocalíptico, tras el cual, la entrada de capas musicales de alta frecuencia y ruidísticas desembocarán en otro escenario futurista propio del transhumanismo. Esta fase creativa de Merzbow y Meat Beat Manifesto es espectacular, y dejará profundamente impactados a los melómanos afines a la vanguardia más transgresora y adelantada a su tiempo. Cuando fugaces perfiles sonoros electrónicos den una destellante luz a esta estructura que se había vuelto muy angosta en su dimensión, de repente, todo volverá a hundirse, e inmediatamente surgirá de este vórtice otra nueva definición conceptual del tema donde planos high-tech ambient adquieren mayor protagonismo. Cubriéndonos con una espiral sonora iridiscente, en esta fase, el tema “¡FLAKKA!” quedará más plano, más monolítico, y más pesado en su desarrollo, y ni la entrada de afiladas capas noise e industriales van a afectar a esta colosal columna en su potente y expansiva estabilidad. Cuando su ecléctica estructura musical haya alcanzado una estabilidad asombrosa en su mutable esencia, el epílogo sonoro de este tema se encontrará ya muy cerca.

A continuación, el tema “Burner” aparecerá con el inconfundible estilo noise de Masami Akita en un primer plano, abarcando y devorándolo todo con una voracidad atroz. El breakbeat definido por Jack Dangers va a quedar como tempo en esta salvaje estructura que arrasa con todo, orquestando esta brutal sinfonía de devastación que hará las delicias de los melómanos afines a las corrientes musicales de corte post-apocalíptico. Como una gigante apisonadora destruyendo y aplanando todo a su paso, “Burner” lanza destellos sonoros experimentales tan espectaculares como los rayos de una tormenta que parecen quebrar el cielo. Aquí, Merzbow vuelve a hacer otra demostración de su liderazgo conceptual dentro de la escena noise, pero “Burner” es más experimental, transmitiendo ese impulso pionero que abre nuevas fronteras conceptuales al incorporar lo ecléctico. Cuando el impulso sonoro llegue a su cenit, poco a poco irá decayendo su energía y su expansión dominante en este entorno, quedando la entrada de esta afilada capa sonora noise como desgarramiento inexorable de la estructura musical que lo debilitará, entrando en decadencia. Tras su explosión, los roles musicales se van a invertir, realzándose el potente breakbeat de Meat Beat Manifesto que avanzará con este pesado caminar sonoro tan siniestramente impactante. Pinceladas sonoras electrónicas recrearán ese tacto musical de la estática flotando en el aire, revelando detalles sonoros en su estructura que fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea más hedonistas. Incluso, en la fase final de esta composición va a quedar recreada la desaparición del voraz fuego con la llegada de esta lluvia sonora como si fueran gotas de agua cayendo. ¡¡¡Impresionante!!! Posteriormente, el tema “¡FLAKKA! (Radio Edit)” clausurará este álbum con una versión del tema original pero de menor duración (cinco minutos respecto a veinte del original). En su definición se ha tratado de condensar la esencia conceptual mientras su desarrollo pierde en definición y detalle, y gana en tensión e impulso. Con colapsos y re-estructuraciones musicales más fluidas, “¡FLAKKA! (Radio Edit)” acelerará su despliegue conceptual sin dejar de destellar su espectaculares definiciones conceptuales de vanguardia, pero si escuchan y disfrutan el tema original, en comparación, esta versión se va a quedar un tanto floja en cuanto al alma experimental que lo fundamenta. “Extinct”, cuando el virtuoso talento musical de Jack Dangers (Meat Beat Manifesto) y Masami Akita (Merzbow) es capaz de crear esta ecléctica obra maestra de vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

HARMONY OF STRUGGLE “BRUTAL AESTHETICS” (ZOHARUM, noviembre 2023) (Reseña / Review #2030).

Posted on 1 febrero, 2024 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 2030 // Reseña Musical nº: 1364

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico polaco Zoharum por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Edición reseñada: CD en carpeta, edición no a la venta (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Your Dreams Won’t Last // 2- An Act Of Revolutionary Suicide // 3- We Found You, Now We Own You // 4- Collateral Damage // 5- Having Fun While Drinking The Kool-Aid In Jonestown // 6- The Spine Above The Surface Rotted And Exposed // 7- Brutal Aesthetics // 8- Meet Us In The Place Where There Is No Darkness // 9- 千刀萬剮 // 10- Nothing Exists Here Except An Endless Present // 11- Failure Drill // 12- Malign Revenants Nourished
Datos técnicos: Temas musicales grabados, mezclados y masterizados en el año 2023 en Antisound Studio (Tarnowskie Góry, Polonia)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- An Act Of Revolutionary Suicide // 3- We Found You, Now We Own You // 5- Having Fun While Drinking The Kool-Aid In Jonestown // 6- The Spine Above The Surface Rotted And Exposed

Presentado oficialmente a principios del mes de noviembre del año 2023, “Brutal Aesthetics” se ha convertido en el segundo álbum del talentoso artista Neithan (Michal Kielbasa), alma máter de Harmony Of Struggle. Publicado por el prestigioso sello discográfico polaco Zoharum en formato digital y en una edición limitada de 300 unidades en digipak CD de seis paneles, “Brutal Aesthetics” ha sido engalanado con este impactante diseño creado por Maciej Mehring (Zoharum), perfilando una portada donde la provocación visual de lo carnal y de lo orgánico viene dado por la sección anatómica, y por este dibujo explicativo donde lo humano solamente es un conjunto de órganos coordinados y dirigidos por el cerebro. A nivel musical, los melómanos lectores de Lux Atenea encontrarán composiciones musicales englobadas conceptualmente dentro del estilo power electronics pero, en estos temas, Neithan también integra planos sonoros propios del noise, industrial, death industrial, aislacionismo, dark ambient… hasta envolver artísticamente los doce temas que vertebran el álbum “Brutal Aesthetics” con esta salvaje aura conceptual de vanguardia. Un contundente despliegue de talento musical que les impresionará profundamente por su transgresora sonoridad tan extrema, tras haber sido fundamentada en las fuentes de inspiración aquí recreadas. El talentoso artista polaco Neithan sabe cómo definir musicalmente una composición como recreación sonora de una idea, de una imagen, de un suceso… teniendo siempre a lo humano como una perversión de lo natural y del propio sentido de la vida. Por este motivo, el álbum “Brutal Aesthetics” impactará con todo su trasfondo emotivo en la mente del melómano sin miramiento alguno. La música de Harmony Of Struggle es así de directa, tan cruelmente directa.

Iniciamos la audición de este álbum musical tan brutal adentrándonos en el primer tema “Your Dreams Won’t Last”. Inmisericorde desde su comienzo como la escucha del dolor emanando del infierno, en “Your Dreams Won’t Last”, los melómanos lectores de Lux Atenea encontrarán este avanzado estilo power electronics donde planos sonoros noise, distorsionadas voces, y trazos sonoros propios de la electrónica experimental crean esta densidad ambiental totalmente saturada. Apocalíptica como un descomunal colapso donde nada quedará en pie, esta composición nos conducirá hasta el tema “An Act Of Revolutionary Suicide”, conteniendo la respiración al ser un escenario musical más extremo pese a su tempo más pausado. Ráfagas sonoras afiladas desgajarán pacientemente este entorno donde lo humano es sometido a una insufrible tensión existencial, abriéndose solamente una puerta de salida cuyo destino es mortal. En “An Act Of Revolutionary Suicide” les impresionará escuchar este plano vocal distorsionado que transmite degeneración distópica, expandiéndose como un mantra letal para ampliar la oscuridad del desasosiego a todo lo humano. Unida en su fuente de inspiración al tema “Having Fun While Drinking The Kool-Aid In Jonestown” que aparecerá más adelante en este álbum, “An Act Of Revolutionary Suicide” es una composición muy psíquica pero en su manifestación más perturbadora y demente. Luego, el tema “We Found You, Now We Own You” traerá consigo este perfilamiento musical industrial donde lo mecánico tiene una presencia demoníaca, quedando este plano vocal dentro del entorno conceptual del death industrial pero en un nivel de registro sonoro bajo. Cíclico en su base estructural industrial, será la entrada de matices sonoros mecánicos junto a la interferencia de secuencias noise los que aumentarán la angustia en este siniestro entorno. A continuación, será en el tema “Collateral Damage” donde la explosión de deshumanización aparezca al adentrarnos en este estilo power electronics con constantes entradas en el noise más cortante. Aquí, Harmony Of Struggle nos sumerge en un agresivo escenario opresivo que paralizará al melómano por su contundencia musical, evolucionando con una demostración de poder arrollador que induce sometimiento.

La terrible masacre de Jonestown ejecutada por los jefes de la secta apocalíptica liderada por el reverendo Jim Jones (Guyana, 18 de noviembre de 1978), ha inspirado a Harmony Of Struggle para componer el tema “Having Fun While Drinking The Kool-Aid In Jonestown”. Extremo en su estructura musical, este tema lleva al power electronics hasta su encrucijada con el dark ambient más terrorífico, el aislacionismo más sobrecogedor, y estas afiladas secuencias noise en un segundo plano. Hasta la presencia de este plano vocal provocará temor en el melómano durante su audición, y todo el conjunto musical aquí armonizado en su proyección sonora más siniestra transmite vanguardia desde el primer segundo hasta el final. ¡¡¡“Having Fun While Drinking The Kool-Aid In Jonestown”, obra maestra!!! Con “The Spine Above The Surface Rotted And Exposed” llevándonos a un entorno sonoro obscuro propio del dark ambient, y con este lento latido presente para alterarlo todo, será el plano vocal lo que quedará realzado como testimonio de la perdición. Más orgánico en su sonoridad, “The Spine Above The Surface Rotted And Exposed” suena a legado del pasado en un presente post-apocalíptico, de ahí la presencia de estos planos musicales nebulosos y de estas secuencias electrónicas que recrean el viento… el paso del tiempo. Desembocando en el tema “Brutal Aesthetics”, la integración de lo industrial y el noise en esta ciclópea columna musical power electronics hará que esta estructura evolucione lenta y pesada, apareciendo como reflejos inconexos de la manifestación humana aplastada por su propio Mal. “Brutal Aesthetics” es desgarrador, ultraterreno en su sonoridad como si fuera una psicofonía, y el paso al tema “Meet Us In The Place Where There Is No Darkness” será extremo al caer de lleno en el centro de este ciclón sonoro noise que todo lo devasta, que todo lo arranca, que todo lo arrasa, quedando un escenario absolutamente desangelado donde solamente la esperanza más idealizada e irreal aporta una débil luz al presente.

La cruel tortura china de los mil cortes será la fuente de inspiración del tema “千刀萬剮”, quedando lo humano completamente desprovisto de justificación para su crónica e incurable maldad cuando su afinado instinto para provocar dolor y sufrimiento llega a hacerse institucional con total impunidad. Este trasfondo de lo humano que trata de cubrirse con el pesado manto de la civilización, es lo que Harmony Of Struggle transmite fielmente en este tema, de ahí la ausencia de sentimientos y de emociones a lo largo de todo el tema. “千刀萬剮” es dolor, pero ese dolor creciente que no tiene fin porque ha sido concebido por una inteligencia demoníaca aplicada al Mal. En “千刀萬剮”, el sufrimiento es mucho más que trágico porque está calculado, porque está estructurado su padecimiento, y porque la muerte ha sido apartada conscientemente hasta el sangriento acto final. Cuando “Nothing Exists Here Except An Endless Present” aparezca como una liberación a pesar de su crudeza en comparación con el tema anterior, la entrada en este escenario mentalmente perturbador hará ver al melómano lector de Lux Atenea que Harmony Of Struggle no concede tregua alguna en este álbum, expandiendo este power electronics demoledor que desmantela y destruye cualquier manifestación contraria al nihilismo. Una sensación de vacío y de intrascendencia vital capaces de tocar al alma con sus afiladas garras para provocar heridas existenciales cuyas cicatrices no desaparecerán nunca. Luego, en clave industrial surgirá el tema “Failure Drill”, permaneciendo en un estado de consciencia alterada mientras la degradación de todo no deja de crecer. Incapaces de cambiar un presente decadente porque hasta el futuro está podrido, “Failure Drill” tiene ese trasfondo de resignación donde se asume la inevitable caída al abismo. Con el tema “Malign Revenants Nourished” extendiendo el telón de clausura en esta magna obra musical, esta composición va a adquirir un mayor dinamismo al acelerarse en su incesante actividad. Pero todo esto ha sido creado por la maldad, y el Mal no crea, sino que destruye lo puro, destroza lo bello, y cuando es hegemónico, se destruye a si mismo porque esa es su naturaleza: tener el placer de destruir hasta su último segundo de existencia. “Brutal Aesthetics”, pura vanguardia conceptual power electronics brillando con su arte más extremo en este segundo álbum de Harmony Of Struggle. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

The Telescopes “Experimental Health” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1990).

Posted on 18 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1990 // Reseña Musical nº: 1358

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Because They Care // 2- The Turns // 3- When I Hear The Sound // 4- Leave Nobody Behind // 5- 45e // 6- Wrong Dimension // 7- Repetitive Brain Injury // 8- The Turns Again // 9- Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix) // 10- 45e (Mosaic Runes Remix)
Datos técnicos: Temas musicales compuestos por Stephen Lawrie entre los meses de enero y mayo del año 2022 en West Yorkshire (Inglaterra, Reino Unido), siendo producidos y mezclados por Stephen Lawrie en The Experimental Health Unit; álbum masterizado por Colin Tucker
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Because They Care // 3- When I Hear The Sound // 7- Repetitive Brain Injury // 9- Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix) // 10- 45e (Mosaic Runes Remix)

A mediados del pasado mes de noviembre fue presentado oficialmente el nuevo álbum “Experimental Health” de la legendaria banda musical inglesa The Telescopes liderada por Stephen Lawrie, convirtiéndose en el décimo cuarto álbum dentro de su dilatada carrera musical iniciada en el año 1987. Publicado a través del prestigioso sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD, el álbum “Experimental Health” ha sido engalanado con este trabajo artístico creado por el propio Stephen Lawrie, transmitiendo ese miedo y esa mirada de desconfianza reflejadas en este diseño de estética abstracta e intensa fuerza visual. En este reciente álbum de The Telescopes, el genial músico Stephen Lawrie nos muestra otra talentosa demostración de arte en la composición haciendo uso de la arriesgada esencia de la música experimental, de la provocadora sonoridad instrumental del estilo postindustrial, de la arrogante intensidad del noise, de la siniestra esencia melódica de la música gótica old-school, de la cíclica y pesada definición sonora del estilo industrial, y de la alucinógena esencia melódica de la psicodelia. Además, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con la calidad sonora alcanzada por Colin Tucker a nivel técnico durante la masterización de este álbum, adquiriendo una nitidez musical y una atmósfera sonora prácticamente tridimensional que convierte su audición en una contundente inmersión sensorial y en un fascinante viaje musical un tanto siniestro por su belleza.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en el primer tema “Because They Care”, cuyas bases sonoras ruidísticas situadas en primer plano ofrecerán una atmósfera tecnológica opresiva que será potenciada en su pesada fuerza dominante por esta voz apesadumbrada, y donde el individuo se deja llevar por la corriente de la vida sin rumbo ni control. De ahí los amplios ciclos melódicos que perfilan la estructura y el tempo lánguido de esta canción, reflejando la asimilación de una realidad no deseada que no es rechazada o combatida. Impresionados con este comienzo musical de vanguardia, a continuación, la experimentación sonora electrónica en clave postindustrial aparecerá en el tema “The Turns” como recreación del alocado carrusel que es la vida humana en este mundo, proyectando musicalmente el pragmatismo del carpe diem y la absurda seriedad de la propia existencia, de ahí que “The Turns” parezca el testamento vital de un clown harto ya de los claroscuros vividos. La expresión “The Turns” (“Las Vueltas”) que da título a este tema, se utiliza en centros hospitalarios para indicar las vueltas que hay que dar a un paciente en cama para evitar que le aparezcan llagas en el cuerpo cuando permanece largo tiempo en una misma posición. Además, a la hora de escribir la lírica de esta canción (“Live while you can, And live all over, When you’re dead, You’ll be dead all over”), Stephen Lawrie se inspiró en la perspectiva existencial de Edward McKenzie, vagabundo que llegó a un acuerdo con el artista inglés Robert Lenkiewicz (1941-2002) para que, tras su muerte, embalsamara su cuerpo. Luego, el tema “When I Hear The Sound” hará hincapié en esa pérdida del sentido de la propia existencia que caracteriza a la ciudadanía en la actualidad, y donde el horizonte futuro no se ve ni se intuye, sintiéndose lo presente como un cruel laberinto sin salida. Mucho más tenso en su ambientación musical, el tema “When I Hear The Sound” impresiona por su sepulcral magnetismo y por esta decadencia vital gótica cercana al Decadentismo, pero sin alcanzarlo al carecer de ese decimonónico carpe diem hedonista. Como analista cultural con gustos musicales profundamente góticos, el excelso tema “When I Hear The Sound” me ha dejado impresionado. ¡¡¡Chapeau!!!

El tema “Leave Nobody Behind” sumergirá al melómano lector de Lux Atenea en este entorno futurista marcado por la presión existencial y por las ansias de liberación de la férrea dinámica marcada, habiendo sido magníficamente recreadas en este plano industrial de cíclico tempo que se desarrolla a lo largo de toda la canción. Una sensación de agobio y de sometimiento que se siente hasta en este tono vocal tan bajo utilizado para declamar su lírica, y de donde emanan las ácidas lágrimas del destino encadenado. Posteriormente, el tema “45e” tomará su título de la clausura de una Ley de Salud Pública de 1984 que libra al individuo de que le apliquen tratamiento médico obligatorio, siendo este derecho del individuo y esta defensa de la libre elección los que fundamentan el mensaje de su lírica. Precisamente por este trasfondo existencial indomable ante la imposición, el tema “45e” adquiere un perfilamiento musical muy contundente en su halo futurista y tecnológico en clave sonora esencialmente experimental, y puntualmente postindustrial en algunos planos instrumentales. Una lánguida cadencia que, en el tema “Wrong Dimension”, desaparecerá en este panorama secuencial recreado en clave sonora electrónica, mostrando la ausencia de integración del individuo outsider en una sociedad donde no se cuestiona nada, donde se acepta todo, y donde la pausa para el análisis racional y lógico por parte del individuo es visto como una disidencia por parte del sistema. Melódicamente lisérgico, proyectar esta alteración mental constante en lenguaje musical eleva el arte en composición por parte de Stephen Lawrie, llevándonos hasta ese estado psicodélico donde todo está alterado y deformado.

Lo mental también estará presente en el tema “Repetitive Brain Injury”, pero a través de la perturbación y del rechazo, y su lírica repetida casi como un mantra no hará más que incrementar esta pérdida del equilibrio psicológico reflejado en esta canción. Apoyándose conceptualmente en la música experimental y en el estilo industrial más denso y transgresor, por su siniestra obscuridad, el tema “Repetitive Brain Injury” llega incluso a adentrarse en terrenos artísticos góticos hasta envolvernos totalmente con estos planos melódicos sepulcrales. ¡¡¡“Repetitive Brain Injury”, impresionante!!! En cambio, el tema “The Turns Again” romperá todos los esquemas sonoros y todas las ideas artísticas preconcebidas por parte del melómano al ser el fruto accidental del anterior tema “The Turns”, siendo su lírica reproducida al revés. A continuación, serán los remixes los que nos ofrecerán otra perspectiva artística de estos dos temas, siendo la banda musical londinense Black Market Karma la que presente esta extraordinaria reinterpretación rockera del tema “Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix)” en clave shoegaze, fascinándome por su brillante perspectiva musical donde la interpretación lírica es obscuramente magnética. ¡¡¡“Leave Nobody Behind (Black Market Karma Remix)”, grandioso tema!!! Clausurando este apasionante álbum, Mosaic Runes nos presentará esta fantasmagórica visión musical del tema “45e (Mosaic Runes Remix)”, fusionando lo psicodélico y lo experimental hasta abrir otra dimensión espacio-tiempo que alterará lo mental y alejará la gravitatoria fuerza de lo físico y terrenal. “Experimental Health”, solamente la experiencia musical de Stephen Lawrie (The Telescopes) a lo largo de más de tres décadas, y su incansable espíritu creativo, hacen posible la aparición de álbumes musicales de esta calidad artística tan ecléctica e innovadora. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Merzbow “Cafe OTO” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1987).

Posted on 4 diciembre, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1987 // Reseña Musical nº: 1355

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (recibido como promocional)
Tracklist: 1- Untitled Knife I // 2- Untitled Knife II
Datos técnicos: Composiciones musicales grabadas en directo el día 1 de octubre del año 2016 en Cafe OTO (Londres) por Shaun Crook, habiendo sido mezcladas y masterizadas por James Dunn; álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Ambos CD’s. Excelso álbum musical en directo imprescindible dentro de la escena noise

En este blog cultural y existencial vuelve a ser protagonista el genial artista japones de vanguardia musical noise Masami Akita, alma máter de Merzbow, tras la reciente publicación de su álbum en directo “Cafe OTO”. Los melómanos lectores de Lux Atenea ya conocen el impactante estilo sonoro de Merzbow tras la publicación de mis análisis musicales (reseña del álbum “Animal Liberation”, reseña del álbum “((Vibra)) MMVII”, reseña del álbum “No Closure”, reseña del álbum “Partikel III”, reseña del álbum “A Perfect Pain”), siendo de nuevo la autenticidad de su contundente directo sonoro lo que enriquece su prolífica obra musical. Publicado oficialmente a mediados del pasado mes de noviembre a través del mítico sello discográfico británico Cold Spring Records en formato digital y en una elegante edición en ecopak 2CD, el álbum en directo “Cafe OTO” viene engalanado con este magnífico trabajo artístico creado por Abby Helasdottir donde la fotografía de portada, tomada por el propio artista japonés Masami Akita, refleja la complejidad técnica del equipo musical virtuosamente utilizado en su actuación en vivo. La magia artística de Merzbow simbólicamente inmortalizada en una sola imagen, que lo dirá todo para el melómano lector de Lux Atenea que lo observe con sumo detalle.

Dos CD’s atesorando este brillante y potente espectáculo musical en directo grabado por Shaun Crook el día 1 de octubre del año 2016 en Cafe OTO (Londres), y tras haber sido mezclado y masterizado por James Dunn. Pero es con la perfecta remasterización realizada por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), donde el álbum “Cafe OTO” despliega todo su poder sonoro sin concesiones, ofreciendo una nitidez musical ideal al melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta joya discográfica, además de unos niveles de registro sonoro perfectos y una dimensión espacial que transforma la audición de este álbum en una experiencia única y arrolladora. Música noise en estado puro gracias a la maestría musical de Merzbow, y a la maestría de Martin Bowes como el mayor experto sonoro a nivel técnico que existe dentro de esta escena en la actualidad. Precisamente en remasterizaciones tan complejas y difíciles como “Cafe OTO” es donde un maestro en labores técnicas demuestra su trabajo sonoro más perfeccionista y equilibrado. ¡¡¡Qué grandioso espectáculo musical en directo de Merzbow para ser disfrutado con absoluta autenticidad!!!

Iniciamos esta inmersión en el universo sonoro noise de Merzbow adentrándonos en el primer CD “Untitled Knife I”, donde este brumoso plano ruidístico va a ir adquiriendo sutiles tonalidades noise desde el fondo hacia su primer plano, para luego integrarse en una nueva dimensión. Cuando otros planos sonoros noise surjan de repente para incrementar el espectro musical, todo el entorno irá perdiendo su amplitud dimensional para saturar el ambiente hasta llevarnos a escenarios conceptuales de vanguardia donde el nihilismo posmoderno aflora en su trágica angustia. Llegando a esta fase musical, con la pérdida de la noción del tiempo por parte del melómano lector de Lux Atenea, la distorsión del norte existencial verá truncada su visión ante una cortante realidad que condicionará progresivamente este espectro sonoro, primero de forma puntual, y luego de forma mucho más extrema y desafiante cuando estos afilados pasajes sonoros lo dominen todo. Un presente cortante y sangrante cargado de sadismo que ahoga, que disfruta respirando la densa adrenalina emanada del miedo, mientras la degradación ambiental no deja de arrancar cualquier rastro de belleza. Sumergidos en la tormenta de la existencia, a partir de aquí, Masami Akita vuelve a hacer otra contundente demostración artística de su maestría dentro de la escena noise, configurando diversos planos sonoros que aparecen, se solapan, se amortiguan, y se funden en otro plano final de lo más arrollador. Incluso, con la entrada de este latente tempo industrial como el latido de una maquinaria en incesante actividad, la sensación de desasosiego irá incrementándose hasta ahogar física y mentalmente, condicionando emociones bajo estas emanaciones musicales extremas que van revelando su distorsionada alma.

Un despliegue de frecuencias y distorsiones terminarán sincronizándose para abrir este espectáculo de deshumanización, proyectado a un futuro lacerante y posesivo en su trasfondo psicológico. Sin vía de escape posible y con la inadaptación ya asumida, cada segundo es una tortura existencial, y cada latido es una nueva herida en el Ego maltratado. Elevando el foco de observación, todo el entorno es un inmenso sistema destructivo que se manifiesta desde lo más grande a lo más pequeño e insignificante, y el espectáculo de esta incansable acción mecánica es desolador. Un aliento frío se materializa, una piel acartonada de abre debido a la desesperanza, y una mano toca el muro para ser seccionada al instante. Aquí todo es cruel, pero al ser todo cruel en lo absoluto, la pérdida de la noción de lo bueno y de lo malo se consigue para eliminar ese baremo existencial definitivamente, cambiando radicalmente el escenario sonoro desarrollado por Merzbow con la entrada de múltiples focos sonoros vibrantes, distorsionados, y modularmente alterados en su tempo. Con la difuminación del Mal omnipresente y dominante en un entorno donde todo es obscuridad, donde no hay contraste, en ese preciso instante será cuando comience su declive, su decadencia, su automutilación, y el canibalismo del propio sistema hacia sí mismo, derivando a un abismo sistémico donde no hay salvación posible porque no hay opciones. Sólo un presente perfecto despótico que se autodestruye, y que ha sido admirablemente recreado en este acelerado latido y en estos planos ruidísticos extremos que asfixian. Todo irá alterándose, todo perderá su sincronización apareciendo las malfunciones, pero el sistema cree que sigue siendo perfecto. Con el ocaso ya inevitable, el tiempo solamente estará presente como testigo de su caída final y del consiguiente vacío.

En el segundo CD “Untitled Knife II”, el cambio creativo en su espíritu sonoro vendrá definido por los matices, empezando de nuevo con esta nebulosa noise que será desgastada tan implacablemente como si fuera una pieza metálica cortada por una radial. Poco tiempo después, comenzará la saturación dimensional con la entrada de nuevos planos sonoros ruidístas que irán cubriendo cualquier espacio libre hasta hacerse hegemónicos. Con los espacios ya restringidos y el aire completamente congestionado con frecuencias áridas y armónicos descontrolados, aquí el sonido de Merzbow alcanza ese clímax artístico que expandirá la mente del melómano lector de Lux Atenea afín a la vanguardia más transgresora e innovadora. Permaneciendo Masami Akita absolutamente concentrado en la definición musical, el pulido de esta estructura multicapa presenta características especiales en su progresión sonora que desvela puro talento en la concepción artística en directo. Arte de vanguardia fluyendo para romper límites y barreras, mientras este vórtice sonoro va abriéndose al margen de la sociedad y de la dinámica cotidiana existente en el exterior de este evento artístico. Como en el cráter de un volcán, situados en su interior parecerá que hemos quedado apartados del reloj universal que marca el paso del resto del mundo, estando cubiertos ahora con capas sonoras noise que desvelan hundimiento y tragedia. Todo se hará opaco a lo humano, todo irá agrietándose, y todo perderá su densidad amenazando con desmoronarse. Ante este ruinoso espectáculo, la belleza sublime aparecerá en la contemplación del implacable paso del tiempo como hacedor de polvo y sombras.

Mientras Masami Akita continúa destilando esta esencia noise hasta purificarla en grado máximo, su concentración irá aumentando para saturar los sentidos y llevar al melómano a ese estado de ruptura mental. Aquí la música noise desvela y filtra lo poco que queda de armonía para apartarlo de la estructura artística, quedando únicamente estas columnas noise que se erigen desafiantes en este espacio musical extremo. Lo tecnológico y lo artístico llevado al plano musical en sus límites periféricos más excesivos. Cuando Merzbow logra configurar lo supremo, entonces este crisol sonoro noise se quiebra para expandirse y desgastarlo todo, calmándose en la latencia y en el tempo pausado que será de nuevo alterado para crepitar, reanimándose en una nueva estructura sonora ácida que provoca ansiedad. Y a cada cambio, una nueva opresión del espacio cada vez más angustioso. Agobiados, aquí hasta cuesta respirar, quedando lo orgánico fuera de lugar en este entorno sobresaturado y excesivamente rígido, de ahí esta creciente tensión que acabará quebrando, hundiéndose, y reactivándose en una sucesión de fases hasta desaparecer repentinamente. Indiscutiblemente, quienes tuvieron la oportunidad de asistir en el año 2016 a este directo musical en la ciudad de Londres, vivieron una experiencia única donde Merzbow se manifestó como innovación y transgresión artística en estado puro. “Cafe OTO”, el talentoso artista japonés Masami Akita realizando otra contundente demostración sonora en vivo de su creatividad musical de vanguardia dentro de la escena noise. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la etiqueta: Noise

VARIOUS ARTISTS “NOISE FOREST” (COLD SPRING RECORDS, diciembre 2024) (Reseña / Review #2232).

LUGOLA “THE TRUTH PENETRATES YOUR MOUTH” (Zoharum, noviembre 2023) (Reseña / Review #2204).

CIRCUIT CORRUPTER “SYNTHESIZING THE ABSENCE OF YOUR SOUL” (PHAGE TAPES, junio 2024) (Reseña / Review #2196).

CORRUPTED “FELICIFIC ALGORITHM / MUSHIKERAS” (COLD SPRING RECORDS, enero 2024) (Reseña / Review #2190).

SUTCLIFFE NO MORE “CUTE” (ZOHARUM, mayo 2024) (Reseña / Review #2189).

LARMO “ALARM” (ZOHARUM, mayo 2024) (Reseña / Review #2182).

MEAT BEAT MANIFESTO & MERZBOW “EXTINCT” (Cold Spring Records, abril 2024) (Reseña / Review #2058).

HARMONY OF STRUGGLE “BRUTAL AESTHETICS” (ZOHARUM, noviembre 2023) (Reseña / Review #2030).

The Telescopes “Experimental Health” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1990).

Merzbow “Cafe OTO” (Cold Spring Records, noviembre 2023) (Reseña / Review #1987).