“ENTIERRO A MEDIANOCHE (Bowery at midnight)”, 1942 (Reseña / Review #1757).

Posted on 25 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1757 // Reseña Media nº: 110
Reseña actualizada. Publicada el 10 de febrero del año 2013 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a empresa TEMA DISTRIBUCIONES por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Director: WALLACE FOX
Guión: GERALD SCHNITZER
Actores principales: BELA LUGOSI (profesor Frederick Brenner / Karl Wagner), WHEELER OAKMAN (Stratton), LEW KELLY (Doc Brooks), DAVE O´BRIEN (Pete Crawford), TOM NEAL (Frankie Mills), JOHN ARCHER (Richard Dennison), WANDA McKAY (Judy Malvern), JOHN BERKES (Fingers Dolan), ANNA HOPE (Mrs. Brenner)
País: EE.UU Año: 1942 Productora: BANNER PRODUCTIONS / MONOGRAM PICTURES Duración aprox.: 61minutos
Publicado en España por: TEMA DISTRIBUCIONES Año: 2009
Formato: Digipak 2DVD de seis paneles “The Bela Lugosi Collection” (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)

DVD: Entierro A Medianoche // Asesinato Por Television // Bela Lugosi Contra El Gorila // Los Ojos Misteriosos De Londres
EXTRAS: Trailers de Bela Lugosi // Selecciones de Drácula // Bela Lugosi en You Asked For It // Biofilmografía de Bela Lugosi // Galería de fotos

“Entierro A Medianoche” es una hipnótica película donde el protagonismo de la mítica figura artística de Bela Lugosi atraerá a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. Incluida en versión original subtitulada dentro de la lujosa edición en digipak 2DVD “The Bela Lugosi Collection” publicada por la compañía Tema Distribuciones, “Entierro A Medianoche” es un thriller donde el cine fantástico y de terror se funde en esta misteriosa trama con un notable ritmo de asesinatos a lo largo del largometraje, y donde nada es lo que parece. Teniendo como escenario principal a la famosa calle neoyorquina Bowery situada en Manhattan, esta historia comienza con Fingers Dolan fugándose de la prisión, un delincuente apodado ‘manitas de oro’ que es muy bien interpretado por el actor John Berkes. Tras robar un vehículo para escapar, huyendo de la policía terminará hallando cobijo en una casa de beneficencia dirigida por el señor Karl Wanger, inquietante personaje protagonizado por el mítico actor Bela Lugosi. Este lugar de refugio situado en la calle Bowery no es más que la tapadera desde la cual Karl Wanger dirige las operaciones criminales de su banda, y cuando éste reconoce a Fingers Dolan como reputado experto en abrir cajas fuertes, no duda en ofrecerle un trabajo para que, junto a su socio Stratton, roben a un joyero. Tras el éxito de la operación, el señor Wanger ordenará a su socio Stratton que mate a Fingers Dolan para no dejar rastro, obedeciendo inmediatamente su orden. Pero Karl Wanger (Bela Lugosi) tiene una doble vida. Por un lado es el jefe de esta banda criminal y, por otro, vive sin ningún tipo de sospecha como psicólogo y profesor de reconocido prestigio llamado Frederick Brenner. Una doble vida que nadie conoce, ni siquiera su solitaria esposa (actriz Anna Hope). Delincuentes de todo tipo seguirán llegando a su casa de beneficencia, así como la ejecución de nuevos asaltos y robos que provocarán la alarma entre los ciudadanos por la espectacularidad de estas acciones y por la sucesión de muertes que conllevan, llevando al sargento de la policía Pete Crawford (actor Dave O´Brien) a investigar este turbio asunto. Todo se complicará aún más con la llegada de otro delincuente a la casa de beneficencia, Frankie Mills (actor Tom Neal), la ejecución con éxito de un nuevo robo planeado por Karl Wanger, y el sorprendente asesinato a sangre fría de su socio Stratton a manos de Frankie Mills. Con la aparición en la casa de beneficencia de Richard Dennison (actor John Archer), novio de Jude (ayudante de Karl Wagner que lo tiene idealizado y cuyo papel ha sido muy bien interpretado por la actriz Wanda McKay), debido a los estudios que éste está llevando a cabo para su tesis todo se acelerará en esta intrigante trama.

“Entierro A Medianoche” es una película que encantará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por varios motivos. Tiene una trama muy bien vertebrada, una evolución de la misma donde el misterio sigue latente hasta el final, un magnífico rodaje dirigido con inteligencia y maestría por Wallace Fox, unos escenarios que cautivan al espectador y donde destaca especialmente la casa de beneficencia con sus múltiples puertas y pasadizos secretos, y, sobre todo, por estos dos extraordinarios personajes interpretados por los actores Lew Kelly y el mítico Bela Lugosi. Lew Kelly, en el papel del doctor Brooks y enigmático ayudante de Karl Wagner, es uno de esos personajes que te cautivan nada más verlo en escena. De comportamiento extraño y un tanto esquizofrénico, el actor Lew Kelly supo reflejar con fidelidad y credibilidad absoluta a este ser asustadizo y misterioso que, durante la película, no hace más que quedarse con los cuerpos de las personas que han sido asesinadas en la casa de beneficencia. Cuando luego descubrimos qué es lo que hace con ellos, se convierte en esa dimensión mitad terror mitad científica, que al final siempre acabas recordando de esta película. Respecto al mítico y reverenciado actor Bela Lugosi, tanto en el papel del profesor Frederick Brenner como siendo el frío y calculador líder de la banda, siempre nos da la sensación de tenerlo todo bajo control y de estar siempre un nivel por encima de las circunstancias. Su presencia seria y analítica a través de la cual consigue manipular a su antojo a quienes le rodean, en cambio, presenta una cara más débil y humana al aparecer en escena sufriendo pesadillas que le atormentan. El implacable peso de la conciencia. Así de grandiosa se presentará la película “Entierro A Medianoche” ante los ojos del cinéfilo con momentos tan especiales como la escena del vagabundo yendo a comprar medicinas por orden de Jude y decidiendo cambiar ese dinero por otras medicinas más espirituosas, con la escena en la cual Frankie Mills hace de ciego para disimular antes de cometer el robo en una joyería, con la lúgubre escena del cementerio de delincuentes que Karl Wagner esconde en los subterráneos de la casa de beneficencia, o en la espectacular fuerza visual de la escena protagonizada por Richard Dennison donde Wagner le presenta a Frankie Mills, respirándose una tensión que ve incrementada su intensidad con el inteligente diálogo que aquí se desarrolla. “Entierro A Medianoche”, sublime cine de culto que sigue realzando el arte cinematográfico de Bela Lugosi en este siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ENIGMA… DE OTRO MUNDO (the thing from another world)”, 1951 (Reseña / Review #1756).

Posted on 25 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1756 // Reseña Media nº: 109
Reseña actualizada. Publicada el 9 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: CHRISTIAN NYBY, HOWARD HAWKS
Guión: CHARLES LEDERER
Actores principales: KENNETH TOBEY (Capitán Patrick Hendry), ROBERT CORNTHWAITE (Dr. Arthur Carrington), JAMES ARNESS (La Cosa), DOUGLAS SPENCER (Scotty, periodista), MARGARET SHERIDAN (Nikki Nicholson)
País: EE.UU Año: 1951 Productora: RKO RADIO PICTURE / WINCHESTER PICTURES CORP.
Duración aprox.: 83 minutos
Publicado en España por: CREATIVEWORLD PROMOTIONS
Año: 2012 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Llega la noche, y ver una película de terror y ciencia-ficción de los años cincuenta con la luz apagada es todo un placer para el cinéfilo al desplegar el arte cinematográfico en blanco y negro toda su magia. En esta ocasión, el largometraje elegido no es otro que “El Enigma… De Otro Mundo”, una película mítica que, tras el largo tiempo pasado desde su estreno oficial en el año 1951, no ha hecho más que aumentar su prestigio artístico hasta llegar a convertirse en una película de culto. Considerada como el primer largometraje de ciencia-ficción de estilo moderno, en este siglo XXI es todo un lujo el poder disfrutar esta obra del Séptimo Arte a través de la magnífica edición en formato DVD publicada por la compañía Creativeworld Promotions en 2012. Con un guión basado en el relato “Who Goes There?” del genial escritor de ciencia-ficción estadounidense John W. Campbell Jr., la película “El Enigma… De Otro Mundo” fue dirigida por Christian Nyby bajo asesoramiento del talentoso director estadounidense Howard Hawks (1896-1977), que también era su productor. Una experiencia técnica que los cinéfilos lectores de Lux Atenea comprobarán en cuanto observen sus secuencias a través del estilo, de la iluminación, y de las posiciones de cámara utilizadas en su rodaje. Una atmósfera de misterio y suspense acrecentada aún más por el uso de celuloide en blanco y negro, transmitiendo en imágenes, este ambiente de horror que también ha sido recreado musicalmente con maestría en su banda sonora por Dimitri Tiomkin. “El Enigma… De Otro Mundo” es un viaje a lo desconocido donde una temible criatura del espacio busca la sangre de los seres vivos para alimentarse, como si fuera un vampiro interestelar llegado al planeta Tierra. Con el inhóspito Polo Norte como escenario de esta trama y con una base científica como lugar de acción, un grupo de soldados y de científicos verán sus destinos dramáticamente cambiados tras la caída de esta nave extraterrestre que, tras estrellarse, ha quedado hundida en el hielo. Localizada su posición, durante el intento de recuperación de la nave descubren el cuerpo congelado de un extraño ser, llevándolo a la base para su estudio. Una acción de interés científico que, en muy poco tiempo, acabará convirtiéndose en el principal detonante de esta trágica historia de terror cuando en un irresponsable acto de subida de temperatura en el almacén donde depositaron el cuerpo del alienígena, provoque su descongelación. Retornando sorprendente e inexplicablemente a la vida, la más seria amenaza para los seres humanos acaba de abrir sus ojos, y este ser alienígena sabrá cómo utilizar su poder para provocar el desconcierto en la base. Las muertes empiezan a sucederse, y militares y científicos tratarán de evitar que este peligro latente logre escapar rumbo a la civilización donde sería incontrolable.

De la película “El Enigma… De Otro Mundo”, una de sus cualidades que más me ha llamado la atención ha sido el choque frontal que se produce entre la actitud militar y científica, de cara a afrontar el difícil reto de eliminar o anular a este peligroso y escurridizo ser extraterrestre. Mientras el capitán Patrick Hendry (actor Kenneth Tobey) trata de hacer todo lo posible para matarlo, el prestigioso doctor Arthur Carrington (actor Robert Cornthwaite), ganador de un premio Nobel, trata de atraparlo y controlarlo para su estudio científico con todos los problemas que conlleva esa perspectiva para abordar este peligro mortal. Aunque al doctor Arthur Carrington se le notan actitudes y gestos muy soberbios, sabe siempre cómo maquillarlos con la retórica de la lógica científica que, en el mundo moderno, es ley inmutable. Pero más allá del análisis subjetivo de sus protagonistas, en este largometraje, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de escenas e imágenes imposibles de olvidar como la impresionante belleza del avión aterrizando en el hielo gracias a los esquíes en las ruedas, la graciosa escena de Patrick Hendry tomando una copa con Nikki Nicholson (actriz Margaret Sheridan) mientras permanece sentado en una silla con las manos atadas a la espalda, la imagen de la Cosa (actor James Arness) atacando a los perros en medio de la ventisca, o cuando descubren el brazo de la Cosa que uno de los perros le ha arrancado antes de morir y, al analizarlo, comprueban que está formado por un tejido que no tiene ni sangre ni terminaciones nerviosas. Impresiona ver sus caras de estupefacción cuando observan que el brazo ha cobrado vida, al igual que observar la monstruosa garra de la Cosa atrapada con la puerta. Otras secuencias inolvidables son cuando el doctor Arthur Carrington muestra a su equipo cómo afecta a las características de esta especie extraterrestre la alimentación con sangre según la procedencia de la misma, la violenta escena de la entrada de la Cosa en la estancia de los soldados, el detalle del vaho al hablar cuando en la base empieza a bajar la temperatura, o la espectacular escena final con la Cosa atacándoles frente a frente. Como apunte final, en el año 1982, el mítico director de cine John Carpenter hizo una adaptación de esta película titulada “La Cosa”, pero con una trama más literal respecto a la obra literaria original, presentándose en el año 2011 su precuela dirigida por el director Matthijs van Heijningen Jr. y sin éxito entre el público. Pero ninguna de ellas es comparable a la magia y al encanto cinematográfico de esta primera versión. “El Enigma… De Otro Mundo”, cine de los años cincuenta para sumergirnos en atrayentes atmósferas de ciencia-ficción, terror, misterio… ¿qué más se puede pedir a una película de culto? ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ASCENSOR (de lift)”, 1983 (Reseña / Review #1755).

Posted on 25 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1755 // Reseña Media nº: 108
Reseña actualizada. Publicada el 14 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: DICK MAAS
Guión: DICK MAAS
Actores principales: HUUB STAPEL (Felix Adelaar, técnico de mantenimiento), WILLEKE van AMMELROOY (Mieke de Beer), JOSINE van DALSUM (Saskia Adelaar, periodista), PIETER LUTZ (gerente del edificio)
País: Países Bajos Año: 1983
Productora: FIRST FLOOR FEATURES / SIGMA FILM PRODUCTIONS
Duración aprox.: 94 minutos
Publicado en España por: INVERSIONES DERECHOS AUDIOVISUALES, S.L.
Año: 2011 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Cuando el universo creativo dentro del Séptimo Arte lleva el terror a máquinas y objetos que forman parte de nuestra vida cotidiana en la sociedad moderna, el efecto es demoledor en la mente de muchos espectadores. Darles vida y una maléfica intencionalidad en sus acciones contra el ser humano mientras se camuflan tras una apariencia inerte, pasiva, y programada, no hace más que aumentar el terrorífico efecto de sus actos con dramáticas consecuencias. Como analista cultural, una de las películas que considero míticas dentro de esta atrayente temática de terror y de ciencia-ficción es “El Ascensor”, cuya visualización ha provocado más de una fobia temporal a los ascensores en algunos cinéfilos que han disfrutado este inolvidable largometraje. Con música, guión, y dirección a cargo del artista neerlandés Dick Maas, la tenebrosa historia de suspense que da sentido a la trama de “El Ascensor” está basada en este intrigante y sangriento suceso ocurrido en un edificio de oficinas situado en la ciudad alemana de Hamburgo donde, tras haber recibido el impacto directo de un rayo en una noche tormentosa, uno de sus ascensores deja de funcionar bien, provocando que cuatro personas queden atrapadas en la cabina hasta casi perder la vida. Aparentemente, el ascensor no funciona bien y deciden llamar al servicio de mantenimiento para que un técnico lo arregle. Una vez allí, el técnico comprueba que todo parece estar correcto, pero este ascensor ha cobrado vida con una consciencia asesina destinada a matar a las personas. Esta máquina aparentemente inocente, inofensiva, y predecible como es el ascensor, ha empezado a comportarse de modo extraño y con intenciones maléficas para quienes se acerquen a él. Por este motivo, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que deseen tener una película que les deje con el miedo y la intranquilidad en el cuerpo, les recomiendo que adquieran esta magnífica edición en formato DVD publicada por la compañía Inversiones Derechos Audiovisuales en el año 2011. Un largometraje para amantes del cine de terror y de ciencia-ficción siniestramente teñido de modernidad.

Teniendo como protagonista principal de esta intrigante historia al técnico de mantenimiento de ascensores Felix Adelaar (actor Huub Stapel), “El Ascensor” proyecta la atmósfera urbana de normalidad que consideramos propia de la vida cotidiana de un ciudadano común en la sociedad moderna, y que es perfectamente recreada en este mítico largometraje de terror para sumergir al espectador en un entorno aparentemente seguro. Además, junto a algunas pinceladas ocasionales de humor, una de las cualidades artísticas más importantes que tiene esta película son las imágenes y las escenas inolvidables que presenta, entre las cuales destacaría la brutal y sorprendente secuencia del ahorcado, o el lúgubre graznido de los cuervos en el exterior del edificio como simbólico sonido de la presencia de la muerte y de lo diabólico en aquel lugar. Impresiona observar cómo esta máquina juega con la vida de las personas, observándose muy claramente su sádico comportamiento en la escena del vigilante con su cabeza atrapada por las puertas del ascensor, o provocando la tensión que se respira en la escena del ciego, o en el angustioso suspense latente en la escena del técnico de mantenimiento subido encima de la cabina mientras revisa detalladamente el hueco del ascensor (y con el angustioso sonido de los latidos como fondo), o en la impactante escena de la niña con su muñeca frente a las puertas del ascensor, y cómo éste juega con ella para tratar de matarla en uno de los momentos más tensos e inquietantes de este largometraje. En definitiva, la vida cotidiana de cualquier persona que viva o trabaje en un edificio con ascensor convertida en una impactante historia de terror. “El Ascensor”, una vez vista esta película, te lo pensarás dos veces antes de subir a uno. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA SOMBRA DEL VAMPIRO (shadow of the vampire)”, 2000 (Reseña / Review #1754).

Posted on 24 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1754 // Reseña Media nº: 107
Reseña actualizada. Publicada el 4 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: E. ELIAS MERHIGE
Guión: STEVEN KATZ
Actores principales: JOHN MALKOVITCH (Friedrich Wilhelm Murnau), WILLEM DAFOE (Max Schreck), CATHERINE McCORMACK (Greta Schröder), UDO KIER (Albin Grau), EDDIE IZZARD (Gustav von Wangenhein), CARY ELWES (Fritz Arno Wagner), ADEN GILLET (Henrik Galeen), RONAN VIBERT (Wolfgang Müller)
País: EE.UU – REINO UNIDO – LUXEMBURGO Año: 2000
Productora: LIONS GATE FILMS – SATURN FILMS – BBC FILMS – DELUX PRODUCTIONS – LUXEMBURG FILM FUND
Duración aprox.: 88 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VIDEO
Año: 2001 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “La Sombra Del Vampiro”
EXTRAS: Biofilmografías de directores y actores // Trailer // Spot // Making of

Años veinte, era dorada de la cinematografía germana con el Expresionismo alemán brillando en su máximo esplendor. Friedrich Wilhelm Murnau (1888-1931), uno de sus míticos directores, será el protagonista principal de esta historia de terror perfilada con grandes claroscuros donde lo sarcástico y lo cómico sirven de contraste con lo tétrico y lo siniestro, resaltando aún más como geniales pinceladas artísticas. En esta historia de ficción, el director de cine Murnau (actor John Malkovitch), tras no poder conseguir los derechos de la obra de Bram Stoker “Drácula” para llevarla al cine debido a la negativa de la viuda del autor, decide rodar otra historia protagonizada por un vampiro y contratar al misterioso actor Max Schreck (actor Willem Dafoe) para que dé vida a su personaje principal, el conde Orlock. Debido a la leyenda que arrastraba en su época este actor en relación a su naturaleza vampírica, la maléfica realidad irá manifestándose a lo largo del rodaje. Murnau quiere rodar su obra “Nosferatu, el vampiro” (1922) con el máximo realismo posible, y no duda en convertirse en un interesado e insensible Mefistófeles del Séptimo Arte tras haber negociado con el tenebroso actor Max Schreck que podrá vampirizar a la bella actriz Greta Schröder (actriz Catherine McCormack), una vez haya terminado el rodaje. Cuando este vampiro llega desde Checoslovaquia para empezar trabajar en la película, sus incontenibles ansias de sangre empezarán a hacer estragos entre los miembros del rodaje hasta provocar el pánico entre ellos. El miedo se extenderá entre todos los participantes en este siniestro largometraje, pero el egoísmo de Murnau le llevará a resolver todo tipo de situaciones, por difíciles que sean, a base de una mezcla de cinismo y de falsa comprensión donde el arte interpretativo del actor John Malkovitch resalta especialmente por su credibilidad en pantalla. El ingenio que tiene a la hora de manipular a los asustados miembros de su equipo de rodaje en beneficio propio, provocará más de una mirada de sorpresa en el cinéfilo lector de Lux Atenea durante su visualización.

En esta extraordinaria película, el director neoyorkino E. Elias Merhige aprovecha la leyenda cinematográfica real aún vigente sobre la naturaleza vampírica del actor alemán Max Schreck (1879-1936), famoso por su inolvidable interpretación del personaje de Nosferatu en la obra maestra homónima de Murnau, para moverse en esa delgada línea que separa lo ficticio y lo real, y para dar más fuerza e incertidumbre a la trama de esta tenebrosa historia. Con el cinismo convertido en acto hilarante para el espectador, “La Sombra Del Vampiro” también presenta características de una película dramática que fascinarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. El extraordinario trabajo realizado en vestuario, maquillaje, escenarios, fotografía, y en su impresionante banda sonora compuesta por Dan Jones, con el paso de los años han convertido a “La Sombra Del Vampiro” en una película de culto por esta obscura y atrayente temática reflejada en imágenes bajo la dirección de Elias Merhige. El arte interpretativo mostrado por estos magníficos actores llevaría incluso a Willem Dafoe a ser nominado al Oscar al Mejor Actor Secundario, tras la sobrecogedora interpretación del malévolo e intrigante actor Max Schreck potenciado visualmente con este impresionante trabajo de caracterización y de maquillaje hasta transformarlo en un auténtico vampiro. Por este motivo, “La Sombra Del Vampiro” sería también nominada al Oscar al Mejor Maquillaje. En definitiva, estamos ante la reencarnación de Nosferatu en pantalla a las puertas del siglo XXI.

Como analista cultural, para que una película me encante, me fascine, y me lleve a comprala en su edición original en formato DVD, previamente tiene que haberme impactado con escenas únicas e irrepetibles que rápidamente se quedan grabadas en la mente, y que identifico inmediatamente con ese largometraje a lo largo de los años. En el caso de “La Sombra Del Vampiro”, esta sucesión de escenas sigue siendo uno de los principales motivos que me llevan a volver a disfrutarla porque, en cada visualización, siempre descubro algo nuevo, algo que me sorprende y que había pasado desapercibido hasta entonces. De todas estas escenas, quisiera destacar la secuencia cuando los miembros del rodaje pasan la primera noche en ese siniestro hospedaje, la inolvidable y sarcástica secuencia en la cual Murnau y Max Schreck negocian para que deje a su equipo de rodaje en paz, o cuando Greta entra en pánico durante el rodaje al darse cuenta que Max Schreck no se refleja en el espejo. Lo gótico, lo vampírico, y lo siniestro están presentes en “La Sombra Del Vampiro” con la primera visión del actor Max Schreck cuando le llevan la jaula con su alimento para que coma, cuando Max Schreck atrapa un murciélago y le chupa la sangre delante del guionista Henrik Galeen (actor Aden Gillet) y del productor de la película Albin Grau (actor Udo Kier), en la lúgubre imagen de Max Schreck cuando le llevan el frasco con sangre, cuando durante el rodaje de una escena el director asusta a Gustav para que se corte con un cuchillo delante de Max Schreck y de esta manera provocar su reacción delante de la cámara, o cómo el tenebroso Max Schreck asusta al actor Gustav von Wangenhein (actor Eddie Izzard) en la escena del contrato que interpretan juntos. ¡Su cara de estupefacción es absoluta! Las sombras, el reflejo del ambiente de trabajo dentro del mundo del cine en aquella época, las imágenes en blanco y negro con las cuales el director Elias Merhige trata de recrear el estilo característico del cine mudo en esta película, el avión con el cual se trasladan a la isla de Heligoland… todo en este largometraje es un viaje cinematográfico a otra época y con la presencia del vampiro permanentemente acechando. “La Sombra Del Vampiro”, drama, terror, y humor negro fundidos en el crisol artístico del Séptimo Arte. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LAS TRES CARAS DEL MIEDO (I tre volti della paura / black sabbath)”, 1963 (Reseña / Review #1753).

Posted on 24 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1753 // Reseña Media nº: 106
Reseña actualizada. Publicada el 6 de marzo del año 2015 en Lux Atenea.

Director: MARIO BAVA
Guión: MARIO BAVA, ALBERTO BEVILACQUA y MARCELLO FONDATO, basado en las historias escritas por Chéjov, Tolstoi, y Guy de Maupassant
Actores principales: BORIS KARLOFF (Gorka), SUSY ANDERSEN (Sdenka), MARK DAMON (Vladimir d’Urfé), LYDIA ALFONSI (Mary), MICHELE MERCIER (Rosy), JACQUELINE PIERREUX (Helen Chester)
País: ITALIA / REINO UNIDO / FRANCIA Año: 1963
Productora: EMMEPI CINEMATOGRAFICA / LYRE CINEMATOGRAPHIQUE / GALATEA S.p.A.
Duración aprox.: 89 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS
Año: 2013 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

En el año 1969, previamente a saltar a la fama mundial, una banda británica decide cambiar su nombre (Earth) por el de Black Sabbath tras el cambio experimentado en su estilo musical. A parte del mayor impacto entre el público que traía consigo su nuevo nombre respecto al anterior, y como orientación de su nuevo estilo, la fuente de inspiración que originó su nuevo nombre fue el título homónimo de una película de terror rodada por el genial director italiano Mario Bava (1914-1980). “Black Sabbath” fue el título de ese largometraje en Reino Unido y en los Estados Unidos de América, pero su título original en Italia fue “I Tre Volti Della Paura” y en España acabó siendo “Las Tres Caras Del Terror”. Rodada de forma magistral por el director de culto Mario Bava, esta tenebrosa película fue presentada oficialmente en las salas de cine en el año 1963, provocando un gran impacto en la opinión pública debido a la maestría artística desplegada por este genio cinematográfico. El arte fotográfico mostrado en sus imágenes y la utilización del intenso cromatismo que ofrece el pathécolor para dar mayor espectacularidad y realismo a sus escenas, han convertido a algunas de ellas en secuencias de culto dentro del cine de terror y suspense más selecto para muchos cinéfilos. El largometraje “Las Tres Caras del Miedo” tiene un excelso guión escrito por el propio Mario Bava, junto a Alberto Bevilacqua y Marcello Fondato, dando vida y magia cinematográfica a estas tres historias basadas en los relatos firmados por grandes maestros de la literatura como Guy de Maupassant (1850-1893) para la trama de “El Teléfono”, el conde Alekséi Tolstói (1817-1875) para vampírica historia de “Los Wurdalak”, y Antón Chéjov (1860-1904) para el terror psicológico mostrado en “La Gota De Agua”. Su magnífica banda sonora de corte clásico compuesta por Roberto Nicolosi, aumenta la sensibilidad que transmiten sus escenas hasta sumergirnos completamente en estas tres tramas completamente independientes. Con una carátula reversible, esta magnífica edición en formato DVD publicada por Regia Films en el año 2013, se convertirá en una destacada referencia dentro de la videoteca de los cinéfilos lectores de Lux Atenea que consigan esta gótica joya dentro del Séptimo Arte.

La magia del terror cinematográfico comienza con el mítico actor Boris Karloff como tenebroso maestro de ceremonias para presentar estas tres historias de terror donde lo sobrenatural, lo demoníaco, y lo misterioso adquieren esta irresistible dimensión audiovisual para provocar sensaciones sobrecogedoras en el espectador, sobre todo con esta excelsa calidad de imagen. “El Teléfono” será la primera historia que disfrutaremos mientras el teléfono no para de sonar en el interior de una casa elegantemente decorada, dejando de sonar justo antes de que su dueña, Rosy (actriz Michèle Mercier), entre en la casa. Pero las llamadas seguirán sucediéndose sin que nadie conteste al otro lado del aparato, por lo que esa situación empieza a molestarla. En una de esas insistentes llamadas, una voz amenaza a Rosy con matarla antes del alba por venganza, dejándola inquieta e intrigada respecto a quién puede ser esa persona, pasando a un estado de profundo temor ante la seriedad de las amenazas. Su desesperación irá en aumento con el paso del tiempo, por lo que decide llamar a su amiga Mary (actriz Lydia Alfonsi) para que le ayude, quedando en ir para hacerla compañía. Con Mary ya en su casa, las llamadas amenazantes desaparecen, llegará el alba, y en esa casa habrá dos muertes. ¿Seguirá viva Rosy? ¿Quién era la persona que amenazaba a Rosy? Estas respuestas quedan en manos de los cinéfilos lectores de Lux Atenea que deseen visualizar el sangriento final de esta magnífica historia de suspense. A continuación, en “Los Wurdalak”, esta gótica historia de vampiros será protagonizada por el conde Vladimir d’Urfé (actor Mark Damon) cruzando a caballo tierras inhóspitas donde acecha la muerte, al tratar de llegar a la localidad de Gersy. De camino, encuentra una casa y decide hacer una parada para poder pasar la noche bajo techo. Pero las personas que lo habitan, aunque hospitalarias, se comportan de un modo un tanto extraño, advirtiéndole sobre la amenaza que supone su padre Gorka (actor Boris Karloff) para su vida. Le aconsejan que se marche por su bien, pero el conde no hará caso a sus palabras y decide quedarse, ya que se siente profundamente atraído por una de las mujeres de la casa llamada Sdenka (actriz Susy Andersen). Ella se mantiene distante y un tanto temerosa ante el serio peligro que supone que su padre se haya convertido en un wurdalak. El conde cree que eso no son más que leyendas, pero la creciente inquietud va apoderándose poco a poco de los moradores de la casa ya que la realidad más terrible no tardará mucho en presentarse ante sus ojos.

Finalmente, en “La Gota De Agua”, será la posesión de un anillo lo que llevará a la perdición a quienes lo tengan en su poder, llevándonos a principios del siglo XX cuando la enfermera Helen Chester (actriz Jacqueline Pierreux) es requerida en una mansión para que vista a la dueña de la casa recién fallecida. En esa atmósfera mortuoria y fantasmagórica, a escondidas, Helen robará el anillo que llevaba puesto la mujer en una de las manos, ejecutando este acto que cambiará completamente su destino. El lado más oscuro del espiritismo empezará a envolverla para atraparla inexorablemente, siendo torturada por entes de otro mundo con intenciones infernales que convertirán su vida en un constante temor y sobresalto. Tres fascinantes historias vertebrando la película “Las Tres Caras Del Miedo”, y atesorando escenas de gran belleza artística como, por ejemplo, el temor y el miedo que se respira cuando Rosy abre el cajón del mueble para coger el dinero y las joyas mientras tiene a esta siniestra estatua como testigo, la visión de los ojos amenazantes detrás de la persiana, o la tenebrosa imagen de Rosy junto al querubín que decora una de las ventanas, mientras es presa de la desesperación. Boris Karloff es espectacular interpretando a Gorka con sus andares pesados cuando llega a la casa, ver sus ojos y sus expresiones en la escena cuando le llevan un plato de comida, u observar la impactante imagen de su cara al otro lado de la ventana. La estética gótica está presente en la película “Las Tres Caras Del Miedo” a través de la belleza siniestra, por ejemplo, en la tenebrosa atmósfera que se respira en las ruinas del antiguo convento, en el primer plano de los ojos de Sdenka tras haber retornado a la casa, con la tétrica imagen de la lámpara de techo y las lúgubres estancias de la mansión llena de gatos, con el maléfico simbolismo de la mesa con las cartas y la visión de las muñecas tiradas en el suelo, en la diabólica imagen de la señora de la mansión postrada en la cama y con esa mano que parece una garra, con el simbolismo demoníaco de la mosca posándose en la mano de la muerta, o en la espeluznante figura de decoración de los dos niños colocada encima de la mesilla de noche. Una película que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por la hipnótica visión de la casa de Helen iluminada tan solo por las luces de los relámpagos que entran a través de la ventana ovalada, con el sonido martilleante de las gotas de agua al caer, o con la siniestra figura de la muerta acercándose a Helen. La verdad es que el pathécolor ofrece una calidad en las imágenes que te impresiona por su nitidez y por su contraste, dando una gran intensidad a los colores hasta convertir este largometraje en una brillante obra artística. Sobre todo, en manos de un director como Mario Bava con este talento y esta maestría que vuelve a ser protagonista en este blog cultural, y espero que el retorno a su prestigiosa obra cinematográfica no se demore mucho en el tiempo con la publicación de nuevas reseñas sobre su legado artístico. “Las Tres Caras Del Miedo”, siniestra delicatessen dentro del mejor cine de terror y de suspense rodado en la década de los sesenta. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SILLA ELÉCTRICA PARA OCHO HOMBRES (the last mile)”, 1959 (Reseña / Review #1752).

Posted on 23 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1752 // Reseña Media nº: 105
Reseña actualizada. Publicada el 11 de febrero del año 2015 en Lux Atenea.

Director: HOWARD W. KOCH
Guión: MILTON SUBOTSKY y SETON I. MILLER
Actores principales: MICKEY ROONEY (John “Killer” Mears), FRANK OVERTON (padre O’Connors), MICHAEL CONSTANTINE (Eddie “Ed” Werner), JOHN VARI (Jimmy “Jim” Martin), DONALD BARRY (Drake), CLIFFORD DAVID (Richard Walters)
País: EE.UU Año: 1959 Productora: VANGUARD PRODUCTIONS
Duración aprox.: 81 minutos
Publicado en España por: BANG BANG MOVIES
Año: 2013 Formato: DVD con libreto de 12 páginas (EDICIÓN COMPRADA)

En esta joya del cine de suspense, ver al mítico actor Mickey Rooney interpretando a este asesino sentenciado a la pena capital que termina provocando una rebelión en el corredor de la muerte de la prisión donde cumple condena, no tiene precio. La grandeza artística atesorada en “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” (1959), me ha llevado a elegir esta película para ser incluida en la selección cinematográfica que estoy reseñando en Lux Atenea. Esta lujosa edición en formato DVD fue publicada en España por la compañía Bang Bang Movies en el año 2006, y fue engalanada con esta carátula reversible y este interesante libreto de doce páginas. Una edición perfecta para disfrutar “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, al ser ese mítico largometraje que encantará a los cinéfilos que se apasionan disfrutando de los mejores thrillers que ha creado el cine de suspense a lo largo de toda su historia. Un drama espectacular y angustioso rodado en blanco y negro con absoluta maestría por el director estadounidense Howard W. Koch para dar alma a este guion, basado en la obra de teatro “The Last Mile” escrita por John Wexley tras los hechos reales ocurridos en una prisión del suroeste de los Estados Unidos de América. Concebido como remake de la película dirigida por Samuel Bischoff y presentada al público en el año 1932, dentro del cine negro, “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” eleva el nivel de tensión y de desesperación en esta asfixiante atmósfera carcelaria protagonizada por presos condenados a muerte que esperan angustiosamente su ejecución en tan lúgubre corredor. Aunque este largometraje proyecta un claro mensaje de rechazo a ese sistema, por supuesto, no exento de controversia como todo lo relacionado con esta temática social, la espectacularidad artística que presenta “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” convierte a esta película en una siniestra bajada a los infiernos con rebelión incluida. Presos y guardianes quedan situados en un limbo moral donde es difícil establecer una línea ética de separación, en vista a los comportamientos aquí reflejados en impactantes escenas. En un entorno tan horrible, nunca hay que olvidar que estos presos son asesinos a pesar de la sensibilidad que se puede despertar en el espectador al contemplar la terrible incertidumbre que les aplasta día a día. Una angustiosa y desesperada espera en las celdas del corredor de la muerte. Con imágenes de sufrimiento aumentado en secuencias de gran fuerza simbólica como, por ejemplo, la tortura psicológica que supone a los presos observar la mortuoria bajada en la intensidad de la iluminación del corredor cuando están haciendo pruebas en la silla eléctrica, o cuando están ejecutando a un preso en ella. Si además le añadimos esta extraordinaria banda sonora compuesta por Van Alexander, y el embrujo interpretativo de este dramático thriller en versión original subtitulada al no haber sido doblada al idioma español, el disfrute de su visualización no ha de esperar más para materializarse en la pantalla con Michey Rooney como principal protagonista.

En “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, el director Howard W. Koch supo cómo tocar la fibra sensible del espectador a través de las imágenes en esta película. El actor Mickey Rooney, interpretando el papel del despiadado preso John “Killer” Mears, logra crear esa empatía propia del anti-héroe pese a sus actitudes violentas y radicales que le arrastran a un aciago destino. John Mears es un asesino, personifica al Mal, pero cuando se observa en pantalla al guardián llamado Drake sonriendo con malicia a estos presos, esa línea del Bien y del Mal queda completamente difuminada. La interpretación de este personaje a cargo del actor Donald Barry es sublime, extendiendo sus malévolos e intencionados gestos de desprecio hacia los condenados con un amplio abanico de acciones orientadas siempre a hacerles padecer aún más su terrible castigo dictado por la justicia. Otros grandes contrastes que imprimen una gran intensidad emocional al contemplar esta obra, están protagonizados por personajes inolvidables como el padre O’Connors interpretado por el actor Frank Overton, cuya figura estoica aparenta aportar un poco de luz espiritual a este entorno carcelario tan tenebroso, pero su presencia siempre acaba siendo sinónimo de una ejecución inminente para el preso visitado. El preso Jimmy “Jim” Martin interpretado por el actor John Vari, refleja en pantalla la resignación absoluta camino a la silla eléctrica, junto a la irremediable demencia y pérdida de la cordura que muestra el preso Eddie “Ed” Werner (actor Michael Constantine) mientras espera a la muerte en su celda, o el desesperado ruego del preso Richard Walters (actor Clifford David) a John Mears cuando es herido gravemente, esperando una rápida llegada de la Muerte con esa suplicante petición. Un amplio espectro psicológico vertebrando esta atrayente historia de forma magistral, y creando con ello la sólida base artística que siempre ha sostenido ese halo artístico que ha dado prestigio internacional al cine de Hollywood hasta nuestros días. “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” es grandeza, la obscura y mefistofélica grandeza cinematográfica tocada por la inexorable perdición. Grandeza artística inmortal a fin de cuentas.

Tragedia, drama, y desesperación en esta terrible encrucijada llamada “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, siendo la Muerte quien tiene todo bajo control. Los hilos del destino están controlados por ella, y nadie puede escapar a sus designios a pesar de que un grupo de presos condenados a muerte traten de encontrar una salida a su situación límite, llevando a cabo un motín provocado por John Mears. Una vez iniciada la rebelión, todos serán engullidos por este caótico escenario donde todo es extremo, irracional, violento, visceral… pero, a pesar de todo, la cárcel continúa cumpliendo su función como prisión: estos presos siguen estando encerrados en su interior. ¿Qué salida podrán hallar en esa situación tan desesperada? La respuesta la dejo en manos del cinéfilo lector de Lux Atenea dispuestos a disfrutarla. En esta película encontrarán imágenes y escenas inolvidables como la sublime y terrible secuencia cuando el padre O’Connors reza el Padrenuestro en la celda de Jimmy y la atmósfera desoladora que se respira en el corredor con sus palabras, el aciago momento del afeitado antes de la ejecución, o los sueños y los recuerdos que aparecen en la mente de cada preso ante el horizonte inexorable de su muerte. “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres” es el arte de la interpretación reflejada en las duras e implacables expresiones que John Mears muestra en los planos cortos, los gestos horribles y desencajados de Jimmy cuando vienen los guardias de la prisión para llevárselo a la silla eléctrica, en las agrias miradas de desprecio de John Mears a Drake, el gesto del guardia al echar whisky en el café incluido en la cena que lleva a Richard Walters, o en la violenta escena cuando John Mears coge por el cuello al guardia con su cara gesticulando de forma tan visceral e impactante. Impresiona contemplar la interesante charla entre el Padre O’Connors y John Mears en una conversación que se mueve entre la fe religiosa y la incredulidad espiritual de la Razón, observar el cambio radical en la actitud de Drake cuando ha perdido todo su poder y se encuentra ante la muerte, con el endiablado sonido de los subfusiles Thompson y la ametralladora Vickers al disparar sus ráfagas, la creciente tensión que transmite esta sangrienta espiral en la cual todo va derivando hacia la escena final protagonizada por John Mears, o viendo la obligada inflexibilidad del alcaide de la prisión en cumplimiento de su deber ante John Mears, a pesar de que amenaza con matar a su cuñado que tiene como rehén. “Silla Eléctrica Para Ocho Hombres”, el mítico actor Mickey Rooney dando vida a uno de los personajes más extremos que haya protagonizado en su larga y exitosa carrera cinematográfica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“HEAT”, 1995 (Reseña / Review #1751).

Posted on 23 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1751 // Reseña Media nº: 104
Reseña actualizada. Publicada el 15 de febrero del año 2013 en Lux Atenea.

Director: MICHAEL MANN
Guión: MICHAEL MANN
Actores principales: ROBERT DE NIRO (Neil McCauley), AL PACINO (Vincent Hanna), VAL KILMER (Chris Shiherlis), JON VOIGHT (Nate), TOM SIZEMORE (Michael Cheritto), WILLIAM FICHTNER (Roger Van Zant), DENNIS HAYSBERT (Donald Breedan), KEVIN GAGE (Waingro), NATALIE PORTMAN (Lauren Gustafson)
País: EE.UU Año: 1995 Productora: WARNER BROS / REGENCY ENTERPRISES
Duración aprox.: 164 minutos
Publicado en España por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A.
Año: 2005 Formato: 2DVD edición especial (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1: Película “HEAT” // Comentario del escritor/productor/director Michael Mann // 3 trailers cinematográficos
DVD 2: 11 escenas suprimidas // Documental “La realización de Heat” // Documental “Regreso a la escena del crimen”, visita a los exteriores reales del rodaje en Los Ángeles 10 años después // Documental “Al Pacino y Robert De Niro”, anatomía del enfrentamiento

Una de las obras maestras dentro del cine policiaco de acción e intriga es “Heat”. Un thriller del año 1995 donde lo dramático y lo extremo fue concebido y rodado en bellas e inolvidables imágenes por uno de los mayores talentos artísticos del cine moderno: el director estadounidense Michael Mann. “Heat” es un largometraje espectacular donde no solamente es magnífico su guión, sino también la fascinación que provocan sus tomas rodadas, encumbrando el excelente trabajo de Dante Spinotti como director de fotografía que queda resaltado también en algunos apartados como las secuencias en exteriores o la iluminación. Si a toda esta grandeza artística añadimos este selecto reparto con actores de primer nivel, es lógico e inevitable que surgiera esta magia audiovisual en la gran pantalla llamada “Heat” tras quedar orquestados por la inspirada perspectiva cinematográfica del director Michael Mann. A los cinéfilos lectores de Lux Atenea les resultará difícil encontrar un reparto de este nivel en una sola película, integrándose todos de forma fluída y creíble en este largometraje de acción. En “Heat” también disfrutarán contemplando el arte interpretativo de otros actores de renombre, ya sea con la jovencísima actriz Natalie Portman en el papel de Lauren Gustafson, con el actor William Fichtner interpretando al turbio hombre de negocios Roger Van Zant, o con la impactante y salvaje presencia de dos carismáticos actores como Kevin Gage personificando al sádico asesino Waingro y al actor Danny Trejo en el papel del delincuente común también llamado Trejo. A ellos se une el mítico y siempre convincente actor Jon Voight en el papel de Nate (personaje encargado de realizar trabajos de información y contactos dentro del oscuro mundo de la delincuencia), el actor secundario Tom Sizemore que es todo un lujo como atracador de vida aparentemente familiar llamado Michael Cheritto, o con el actor Val Kilmer en una de sus mejores interpretaciones cinematográficas haciendo el papel del atracador profesional Chris Shiherlis, un ludópata que todo lo que gana con los atracos se lo gasta en apuestas, motivo por lo cual la relación con su mujer está en un punto límite. Pero, en “Heat”, ver el espectacular porte que presenta el actor Val Kilmer en esta película, trajeado, con su pelo rubio recogido atrás con una coleta, con las manos enfundadas en guantes negros mientras corre y dispara su fusil de asalto detrás de los vehículos en uno de los atracos, son imágenes que se quedarán grabadas en la mente del cinéfilo. Sin duda, una de las mejores interpretaciones en la carrera artística de Val Kilmer, y esta escena es un claro ejemplo del virtuosismo y del estilo inconfundible del Michael Mann como director. ¡¡¡Grandioso!!!

La mítica película “Heat” destaca, sobre todo, por la deslumbrante reunión de los actores Al Pacino y Robert De Niro como auténticos colosos dentro del Séptimo Arte. Al Pacino interpreta con maestría al detective Vincent Hanna, un policía con la mentalidad de un paciente cazador siempre alerta. Antiguo marine que terminó trabajando para el Departamento de Narcóticos, como teniente especializado en robos y homicidios destaca por ser un inteligente analista. Incansable y muy efectivo en su trabajo, sus éxitos profesionales es la otra cara de su desastrosa vida personal tras haberse divorciado en dos ocasiones. En cambio, Robert De Niro en el papel de Neil McCauley, experto atracador y líder de la banda, es todo lo contrario. Sin vida personal más allá de fugaces escarceos, el solitario Neil McCauley es un exconvicto al que le gusta planear atracos con sumo detalle para que su efectividad sea casi absoluta. Muy directo en sus planteamientos y firme en sus decisiones, Neil McCauley es un atracador frío, calculador, duro, meticuloso, muy profesional, y al cual no le gusta correr ningún riesgo. El destino terminará cruzando la vida de estos dos personajes en un espectacular enfrentamiento como si de una partida de ajedrez se tratara. Neil McCauley organiza una banda de atracadores moderna, profesional, bien armada, y muy bien preparada que se vale de inteligentes acciones y artimañas para escapar de la policía. Tras el éxito del atraco al furgón al comienzo de la película (1.600.000 dólares en títulos), cuando intentan liquidar a uno de la banda (Waingro) por haber usado su arma con demasiada ligereza e irresponsabilidad, éste logra escapar. Intentando vender esos títulos a su antiguo propietario, el empresario Roger Van Zant (actor William Fichtner) toma la decisión de eliminarlos por cuestión de prestigio y de respeto. Pero también la policía ha empezado a investigar a otro miembro de la banda, Michael Cheritto (actor Tom Sizemore), y todo el grupo empieza a estar bajo vigilancia sin que la policía sepa realmente el trasfondo de todo lo que se traen entre manos. Cuando Waingro y el empresario Roger Van Zant se alían, esta trama se empezará a complicar. Uno de los mayores atractivos que tiene esta película es ver cómo se entremezclan las vidas y las pasiones personales de cada uno de sus personajes en relación a sus trabajos, presentando unas vidas privadas complejas, difíciles, insatisfactorias, y muy complicadas.

“Tengo que aferrarme a mi angustia. La conservo porque la necesito. Me mantiene fuerte, alerta.”

El cine, por encima de todo, es Belleza y Arte representadas en imágenes y en escenas, y, como analista cultural, el arte de Michael Mann me encanta precisamente por su talento en la selección de planos, de escenarios, y por el admirable uso de filtros en el objetivo de la cámara. Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con estas tomas nocturnas porque son impresionantes. Contemplarán la belleza en imágenes cuando Neil McCauley pasa al lado de la estatua iluminada en medio de la noche oscura, en la escena del helicóptero sobrevolando la urbe en plena noche con las luces de la ciudad como fondo, o también con la escena final localizada en la pista de aterrizaje del aeropuerto de Los Ángeles donde la tensión que transmite la pantalla te hipnotiza. “Heat” no solamente te apasiona por tener un extraordinario guión y unos excelentes actores, sino también al presentar otras espectaculares secuencias como el impactante asalto al furgón blindado al inicio de la película con los atracadores con sus caras cubiertas con máscaras de hockey, y cuando estallan las ventanas de los coches por la onda expansiva provocada con el estallido de los explosivos. Una película con escenas marcadas por la astucia y la inteligencia en la acción como en el puerto cuando Neil McCauley logra engañar al inspector Vincent Hanna para saber quiénes le están investigando, con la tensión latente en el intercambio acordado con Roger Van Zant, en la escena del asalto a la empresa de metales preciosos como imagen muy clara de las precauciones extremas que toma Neil McCauley en sus atracos, y para ver cómo la policía les espía sin que tengan consciencia de ello. Me encanta visualizar la memorable escena de la conversación que mantienen Neil McCauley y Vincent Hanna cara a cara en una mesa del Kate Mantelini´s, y, sobre todo, el atraco al banco Far East National Bank a plena luz del día. Escena mítica en la Historia del Cine de Acción, y que lo tiene todo. Persecución en las calles de Los Ángeles, el eco del sonido de los disparos de las armas automáticas rebotando en los edificios como si de una guerra en Los Ángeles se tratara, observar la sincronizada técnica militar con la cual los miembros de la banda van cubriéndose y protegiéndose de los disparos de la policía mientras huyen, ver a estos dos mitos cinematográficos como Robert De Niro y Al Pacino frente a frente sumando intensidad a la acción, visualizar este salvaje tiroteo en el parking del supermercado, el inolvidable momento cuando el detective Vincent Hanna dispara al atracador Michael Cheritto… En definitiva, una colosal batalla en una ciudad moderna como escenario de este duelo a muerte. Tomas espectaculares, escenas impresionantes, intensidad en la acción, y ¡¡¡pura adrenalina en imágenes!!!

Conmemorando los diez años de su estreno en la gran pantalla, esta edición especial presentada en el año 2005 por Warner Home Video es la más completa que se haya publicado hasta el momento. Una lujosa edición que incluye once escenas suprimidas como parte de los extras en el segundo DVD, además del documental “La realización de Heat (The making of Heat)” donde podemos conocer la historia real de Neil McCauley, personaje en el cual está inspirado este largometraje, junto a interesantes análisis de los personajes de la película, impresiones y comentarios del director y de los propios actores, y, sobre todo, descubrir cómo Michael Mann consiguió alcanzar estos niveles de realismo durante el rodaje. El documental “Regreso a la escena del crimen (Return To The Scene Of The Crime)” es una visita a los exteriores reales donde se hizo este rodaje en Los Ángeles diez años después, y se desvela cómo localizaron los exteriores que quería Michael Mann para esta película, qué magia artística encontró en esos lugares, cuáles fueron las particularidades y dificultades del rodaje en el aeropuerto de Los Ángeles… Y el documental “Al Pacino y Robert De Niro: anatomía del enfrentamiento (Pacino and De Niro: Conversation)” será de imprescindible visualización para los fieles seguidores de estos dos míticos actores, de estos dos auténticos genios convertidos en los protagonistas principales de esta magna obra. “Heat”, una de las películas más espectaculares e impactantes en la Historia del Cine Neo-noir. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“INFERNO”, 1980 – DARIO ARGENTO (Reseña / Review #1750).

Posted on 22 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1750 // Reseña Media nº: 103
Reseña actualizada. Publicada el 28 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: DARIO ARGENTO
Guión: DARIO ARGENTO
Actores principales: LEIGH McCLOSKEY (Mark Elliot), IRENE ELLIOT (Rose Elliot), ELEONORA GIORGI (Sara), DARIA NICOLODI (Elise Stallone Van Adler), SACHA PITOËFF (Kazanian)), ALIDA VALLI (Carol, portera del edificio), VERONICA LAZAR (enfermera), GABRIELE LAVIA (Carlo), FEODOR CHALIAPIN, Jr (profesor Giorgio Arnold / Dr. Varelli), ANIA PIERONI (estudiante de música), LEOPOLDO MASTELLONI (John, mayordomo)
País: ITALIA Año: 1980 Productora: PRODUZIONI INTERSOUND
Duración aprox.: 103 minutos
Publicado en España por: MEMORY SCREEN
Año: 2014 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Inferno” es, sin ningún género de duda, la película más compleja, provocadora, mística, y siniestra que haya rodado el director italiano Dario Argento en su prestigiosa carrera dentro del Séptimo Arte más underground. Perteneciente a la Trilogía de las Tres Madres como segunda entrega tras el mítico largometraje “Suspiria” (1977), en “Inferno”, Dario Argento profundiza aún más en el uso de la simbología, de las enseñanzas místicas alquímicas, y bajo la influencia psicológica del ilustre maestro Carl Gustav Jung (1875-1961) en la creación y definición de escenarios hasta lograr sumergir al cinéfilo afín a su obra en este otro mundo sobrenatural donde el terror adquiere proporciones demoníacas épicas. Con indiscutibles influencias literarias enraizadas en la obra del decimonónico escritor británico del Romanticismo Thomas de Quincey (1785-1859), de su libro “Suspiria de Profundis” (1845) toma la idea de las tres figuras femeninas, dando título a esta saga cinematográfica de Las Tres Madres protagonizadas por tres siniestras brujas enlazadas con la Muerte: Mater Suspiriorum (bruja con mayores conocimientos) aparece en la película “Suspiria”, Mater Tenebrarum (bruja terrible y sádica) se manifiesta en “Inferno”, y Mater Lachrymarum (bruja poderosa unida al inframundo) muestra su poder en “La Madre del Mal” (2007). Tres entidades infernales cuyas tenebrosas manos influyen en el destino de las personas, controlando nuestro mundo. Una presencia mucho más obvia en “Inferno” y “La Madre del Mal” que en el largometraje “Suspiria” de cara a los fieles seguidores de Dario Argento, motivo por el cual, es muy probable que la película “Inferno” les resulte un tanto desconcertante y caótica a los espectadores profanos. “Inferno” también es la entrega más tétrica, hermética, mágica, y violenta de la trilogía de las Tres Madres, conservando la estética siniestra de “Suspiria” en su vertiente gótica pero aquí es llevada a una atmósfera más demoníaca, irracional, y perversa. El Mal en su máxima expresión visual como maléfico arquetipo universal, omnipresente e inmutable a la acción humana. Tanto es así, que el propio Dario Argento valora personal y artísticamente a “Inferno” como su película más compleja y excelsa.

Esta tenebrosa historia comienza en el mes de abril en la ciudad de Nueva York, mientras vemos a Rose Elliot (actriz Irene Miracle) en su apartamento hojeando un libro recién comprado a un anticuario llamado Kazanian (Sacha Pitoeff), y cuyo título es “Las Tres Madres”. Una enigmática obra escrita por el arquitecto E. Varelli en cuyas páginas, en clave ocultista, describe la construcción de tres edificios por él diseñados que están directamente relacionados con estas Tres Madres: el edificio construido en la ciudad alemana de Friburgo está dedicado a Mater Suspiriorum (Madre de los Suspiros, la tristeza), en Roma está dedicado a Mater Lachrymarum (Madre de las Lágrimas, el sufrimiento y el dolor), y en la ciudad de Nueva York está dedicado a Mater Tenebrarum (Madre de las Tinieblas, la maldad). Tras escribir una carta a su hermano Mark (actor Leigh McCloskey), Rose Elliot como residente en el edificio mencionado en el libro, decide consultar sobre esa extraña obra a Kazanian, dueño de la tienda de antigüedades situada al lado del edificio, para saber si su contenido es real o ficticio ya que quiere entrar en el sótano en busca de la clave descrita en sus páginas. Una vez dentro, descubrirá un estanque donde se caerán sus llaves y al sumergirse en él para recuperarlas, comprobará que ese lugar bajo el agua está ricamente decorado con figuras y elementos simbólicos destinados a utilizarse en un ritual presidido por el cuadro de Mater Tenebrarum. Posteriormente, en la ciudad de Roma, cuando su hermano Mark se encuentra en un Aula de Música recibiendo clases, mientras escucha la maravillosa composición “Va pensiero…” (perteneciente a la ópera “Nabucco” de Giuseppe Verdi) decide abrir la carta de Rose, siendo testigo de un asombroso suceso que ocurrirá en ese mismo lugar teniendo como protagonista a una misteriosa estudiante con su gato que le mirará fijamente (interpretada por la carismática actriz Ania Pieroni). Su compañera de estudios llamada Sara (actriz Eleonora Giorgi) se da cuenta que Mark ha dejado olvidada la carta en su mesa y cuando quiere avisarle, éste ya se ha marchado. Decide devolverle la carta pero tras leer su contenido, cambia de idea y se presenta ante el edificio que alberga la biblioteca filosófica de la fundación Abertny en busca de un ejemplar del libro de Las Tres Madres. Mark, tras haber hablado con Rose por teléfono, viaja a Nueva York para reunirse con su hermana pero una vez allí, se encuentra que ha desaparecido sin dejar rastro, motivo por el cual, empieza a investigar para tratar de descubrir qué ha pasado con su hermana y desvelar el misterio que se oculta en ese extraño edificio.

Como ya comenté en mi reseña publicada en Lux Atenea sobre la película “Seis Mujeres Para El Asesino” (1964) dirigida por el maestro Mario Bava, los colores rojo y azul adquieren un protagonismo muy especial en el apartado fotográfico y de iluminación en su estilo cinematográfico, y, en “Inferno”, esta influencia cromática también está presente debido a la participación del propio director Mario Bava en el rodaje de algunas de estas escenas tras la baja por enfermedad de Dario Argento. Es de sobra conocido que Dario Argento fue el alumno aventajado del genial maestro Mario Bava, tomando estos colores como base fundamental para la creación y para la definición de escenarios con atrayentes elementos simbólicos en sus largometrajes. Por este motivo, “Inferno” garantiza la visión y el disfrute de inolvidables imágenes y escenas en esta lujosa edición en formato DVD publicada por Memory Screen, como la secuencia inicial de Rose Elliot mientras hojea el libro “Las Tres Madres” y con el acto simbólico de separación de dos hojas unidas utilizando un cuchillo como si estuviera cortando un sello prohibido, con la tenebrosa imagen del edificio en plena noche y el color rojo iluminando la parte baja como si el mismísimo infierno estuviera allí presente, con la inquietante visión de la tienda de antigüedades Kazanian y admirando la obscura belleza que presenta su decoración interior, con la imborrable imagen de las sombras de Rose y Kazanian mientras hablan detrás de la puerta, o con la tétrica visión de Kazanian observando tras el escaparate. Todo en “Inferno” es hipnótico y obscuro como la mágica presencia de la Luna situada arriba en la escalera que conduce al sótano, en la sensación de abandono y de decrepitud que se respira en ese sótano tan sombrío potenciado además con el efecto lumínico de los tonos azules y rojos, con el protagonismo simbólico del agua pero no como elemento salvífico sino como encubridor y protector de lo maléfico frente la intrusión humana, o con la inolvidable escena de la inmersión en este espectacular escenario sumergido donde el agua se convierte en el elemento principal para poder contemplar este extraño y mágico entorno con sorpresa incluida. Imágenes, símbolos, y significados esotéricos mostrándose en la siniestra y fascinante secuencia de la bella estudiante de música con su gato (y que no es otra que Mater Lachrymarum), o en el número 49 como clave hermética que une simbólicamente a estos edificios. Impresiona observar tras la cortina roja, esta espectacular visión de la biblioteca diseñada como si fuera una iglesia, y con ese encanto tan especial que refleja el saber antiguo documentado, Solamente faltaría que pudiéramos percibir también el incomparable olor a libros que desprendería ese mágico lugar, para caer irremediablemente en su embrujo. Destacan también la rúbea iluminación en la zona de estanterías donde está localizado el libro “Las Tres Madres” en la biblioteca, el infernal laboratorio del alquimista y su monstruosa mano demoníaca, el distorsionado reflejo del asesino en el trozo de pomo roto de la puerta, o la presencia del Mal que se intuye en cada sombrío pasillo como si de una pesadilla real se tratara.

“Este edificio se ha convertido en mi cuerpo. Sus ladrillos son mis células, sus pasillos son mis venas. Y su horror, mi propia vida.”

El edificio y su simbolismo. “Inferno” es una excelsa obra de culto y sus imágenes van apareciendo con tanta información como si fueran las páginas de un libro. Es fascinante observar la ambientación gótica del interior del edificio con una estética siniestra donde se entremezcla lo lúgubre con lo decadente, la curiosa y sorprendente placa colocada en la entrada del edificio indicando que en el año 1924 allí residió George Gurdjieff, interesante referencia mística y esotérica incluida por Dario Argento en este largometraje, además del atrayente diseño industrial antiguo de la estancia a la cual se accede bajando por la escalera de servicio, o el impresionante diseño del friso del edificio con monstruos y criaturas de significado esotérico, al igual que la barandilla negra. Provoca inquietud la lujosa decoración del hogar del profesor Giorgio Arnold y la tensión que provoca verle hablar a través del dispositivo electrónico, o la desconfianza que nos transmite Carol, la portera del edificio interpretada por la actriz Alida Valli, sobre todo por su falsa amabilidad mostrada en la escena del ascensor junto a la enfermera (actriz Veronica Lazar) y el profesor Giorgio Arnold (actor Feodor Chaliapin Jr.), que es en realidad el arquitecto Varelli. Lo siniestro está presente en esta magna obra hasta con el diseño en este tono rojo tan intensamente demoníaco con el cual se ha decorado la planta donde vive Rose, o la sospecha que despierta el mayordomo John (actor Leopoldo Mastelloni) en el irracional comportamiento de la vecina de Rose, la condesa Elise Stallone Van Adler, interpretada por la actriz Daria Nicolodi y que también participó en el reparto de las películas de Dario Argento “Rojo Oscuro”, “Tenebre”, y “La Madre Del Mal”. Pero Dario Argento es puro virtuosismo cinematográfico a la hora de configurar secuencias inolvidables como la brutal escena de Kazanian y el saco con los gatos en el estanque de Central Park, el ataque de las ratas que tiene lugar a continuación en el eclipse de Luna, la cara de sorpresa que tendrá el cinéfilo lector de Lux Atenea cuando vea cómo el vendedor de perritos calientes camina sobre el agua, la siniestra belleza que adquiere la escena en la sala gótica donde se presenta Mater Tenebrarum ante Mark, y la espectacular aparición de la Muerte ante él como clave fundamental de Las Tres Madres. ¡¡¡Impresionante!!! En definitiva, la película “Inferno” es el culto a la imagen, a la magnética e irresistible atracción hacia el Séptimo Arte dentro del horror sobrenatural bajo la terrible influencia del esoterismo más obscuro. “Inferno”, película de culto y destacada joya cinematográfica iluminando este siniestro universo artístico creado por Dario Argento. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL HOTEL DEL HORROR (horror hotel / the city of the dead)”, 1960 (Reseña / Review #1749).

Posted on 21 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1749 // Reseña Media nº: 102
Reseña actualizada. Publicada el 21 de enero del año 2015 en Lux Atenea.

Director: JOHN MOXEY
Guión: GEORGE BAXT y MILTON SUBOTSKY
Actores principales: CHRISTOPHER LEE (Alan Driscoll), DENNIS LOTIS (Richard Barlow), PATRICIA JESSEL (Elizabeth Selwyn / Mrs. Newless), TOM NAYLOR (Bill Maitland), BETTA ST. JOHN (Patricia Russell), VENETIA STEVENSON (Nan Barlow), VALENTINE DYALL (Jethrow Keane), ANN BEACH (Lottie), NORMAN MACOWAN (reverendo Russell)
País: REINO UNIDO Año: 1960 Productora: VULCAN FILMS PRODUCTION
Duración aprox.: 78 minutos
Publicado en España por: PAYCOM MULTIMEDIA
Año: 2009 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Las obras rodadas en blanco y negro tienen un encanto muy especial dentro del cine de terror, y el largometraje “El Hotel Del Horror” es una película de serie B que algunos consideramos muy seriamente como cine de culto por su calidad artística, y por la maestría del director a la hora de provocar miedo y suspense en el espectador haciendo uso de lo bello y de lo siniestro en su rodaje, y sin recurrir a técnicas facilonas para sobresaltar al público como subir el volumen del sonido de forma repentina, con gritos desmedidos y exagerados, con la aparición de una imagen horrible sincronizada con los elementos anteriores… Lo único que no entiendo, ni entenderé, es el diseño del cartel de la película porque creo que puede despistar un poco a los cinéfilos lectores de Lux Atenea sobre la temática de este largometraje. “El Hotel Del Horror” puede llegar a parecer una película de zombis que tan de moda están ahora, pero realmente estamos hablando de una historia de corte gótico donde la brujería y lo demoníaco son protagonistas en su trama. En esta admirable labor artística para dar alma y sentido a su guion, el nivel de calidad alcanzado por George Baxt y Milton Subotsky es extraordinario dentro de este género cinematográfico. Con un desarrollo de la trama elegante, la experta mano del director John Moxey es capaz de embrujarnos a través de imágenes y secuencias de gran belleza visual para que no apartemos nuestra mirada de la pantalla. Su gran talento para crear atmósferas fantasmagóricas y solemnes escenarios cargados de tensión, de terror, y suspense, junto a su banda sonora de estilo clásico compuesta por Douglas Gamley, suponen además un plus artístico al estimular la sensibilidad emocional del espectador en entornos mortuorios de trasfondo satánico y fuerte impacto visual. Una grandeza creativa que, en la década de los sesenta, dentro del cine de terror de serie B destacarían las productoras británicas con un estilo y una espectacularidad en pantalla únicas a través de películas emblemáticas que sobrecogieron al público en aquella era irrepetible dentro de este género. “El Hotel Del Horror” es una de esas películas remarcada por el protagonismo interpretativo del mítico actor inglés Christopher Lee en esta tétrica historia. Su magia artística tan carismática y seductora dentro del cine de terror, siempre es garantía de éxito y de atracción para el público. En este largometraje, su labor resulta aún más fascinante ante la siniestra obscuridad que rodea a su personaje de forma permanente: el profesor Alan Driscoll. El genial actor Christopher Lee nos sumerge en esta trama donde aparece la brujería, una secta satánica, muertes y asesinatos, pasadizos secretos, maléficos grimorios, sacrificios nigrománticos… en un pueblo al margen de la civilización donde la niebla es permanente. Si el cinefilo lector se considera amante del mejor cine de terror, la película “El Hotel Del Horror” le cautivará seguro.

Día 3 de marzo del año 1692, Whitewood (Massachusetts, Nueva Inglaterra). Esta gótica historia de terror comienza con la condena a la hoguera de Elizabeth Selwyn (brillantemente interpretada por la actriz Patricia Jessel) por la muerte de Abigail Addams. Esta impactante escena de la quema de una bruja me ha recordado al inicio de la película de culto del maestro Mario Bava “La Máscara del Demonio” (ya reseñada en Lux Atenea), y que curiosamente también fue presentada al público en el año 1960. A partir de aquí, en un repentino salto en el tiempo hasta la segunda mitad del siglo XX, esta historia continuará con el profesor Alan Driscoll impartiendo una de sus clases sobre la brujería en el siglo XVII en Nueva Inglaterra, destacando la joven Nan Barlow (actriz Venetia Stevenson) entre sus alumnos. Nan Barlow tiene interés en profundizar en esa atrayente temática porque quiere realizar un estudio de campo para su tesis, y de esta forma poder conseguir más información directamente en el lugar donde ocurrió aquella quema de brujas, aconsejándole el profesor Alan Driscoll que se dirija a Whitewood. Nan Barlow coge su coche y viaja hasta ese pueblo, alojándose por recomendación de su profesor en la Posada del Cuervo regentada por Mrs. Newless. En este papel, la actriz Patricia Jessel se muestra excelsa y colosal, flemática y emocionalmente fría, altiva e insensible… y con ese halo inquietante que la sitúa por encima del Bien y del Mal. En Whitewood se oculta algo maléfico, las personas que lo pueblan observan fijamente con escalofriantes miradas… hasta que finalmente Nan Barlow termina desapareciendo en la noche del Sabbat de Candlemas. Pasado el tiempo, al no tener noticias de ella, su hermano el profesor Richard Barlow (actor Dennis Lotis) junto a Bill Maitland (actor Tom Naylor) se ponen en contacto con las autoridades porque no pueden localizarla, iniciándose una investigación oficial. Se acabará cerrando el caso al no encontrar ninguna pista que pueda aclarar su paradero, por lo que Richard Barlow y Bill Maitland deciden iniciar su búsqueda en persona siguiendo sus pasos. Una investigación que les llevará hasta Whitewood para descubrir aquello que jamás se hubieran imaginado. “El Hotel Del Horror” les abrirá su mundo mortuorio, y su más terrible y demoníaco secreto donde la vida y la sangre no son más que monedas de cambio para alcanzar ese poder que desean tener algunos seres humanos. Una película donde soplan los siniestros vientos del weird tale dentro del pulp más suave, y sobre el cual aconsejaría a los bibliófilos lectores la inmersión literaria a través de la magnífica obra “Los Hombres Topo Quieren Tus Ojos”, ya reseñada en Lux Atenea.

Esta obra cinematográfica es una película de culto, y una tenebrosa delicatessen audiovisual donde da gusto contemplar la siniestra belleza que muestran sus inolvidables imágenes y escenas, entre las cuales destacaría por su brillantez artística a la figura del encapuchado sin rostro como la muerte y manos con uñas afiladas, la aparición de la bruja Elizabeth Selwyn siseando como una serpiente (¡¡¡pura genialidad!!!), el tiempo parece pararse un segundo al igual que el sonido ambiental cuando Elizabeth Selwyn fija su mirada en la antorcha que han encendido para prender la leña bajo sus pies, o las gélidas miradas que lanza el profesor Alan Driscoll al alumno Bill Maitland por sus faltas de respeto. “El Hotel Del Horror” es tremendamente gótico por las terroríficas máscaras que decoran una de las paredes de la estancia donde el profesor Alan Driscoll imparte sus clases, por la presencia de la niebla ya en la gasolinera situada en la carretera que lleva al pueblo, con la espectral aparición de Jethrow Keane a un lado de la carretera solicitando que le lleven a Whitewood, en la inexplicable e inquietante desaparición de Jethrow Keane (actor Valentine Dyall) en el coche de Nan Barlow, observando la decoración de época de la habitación de Nan Barlow en la Posada del Cuervo, o por la fantasmagórica imagen nocturna del cementerio de Whitewood. ¡¡¡Impresionante!!! Un largometraje que fascinará al cinéfilo con el descubrimiento fortuito de la trampilla, por la siniestra belleza presente cuando el reverendo Russell (actor Norman Macowan) va desapareciendo poco a poco en el interior de su iglesia mientras advierte a Nan Barlow, con el encanto de la tienda de antigüedades de Patricia Russell (actriz Betta St. John), en la tenebrosa procesión que Nan Barlow observa desde la ventana que da al cementerio, o en la bajada del cuchillo de sacrificio en manos de Mrs. Newless y el corte de la tarta. “El Hotel Del Horror” es muy tenebroso por la diabólica visión de Elizabeth Selwyn que Bill Maitland tiene conduciendo su coche, por la angustia permanente reflejada en el rostro de Lottie (actriz Ann Beach) y su cruel destino, en la risa malévola de Mrs. Newless propia de quien juega con la vida y la muerte de los demás a su gusto y capricho, por el secreto de Alan Driscoll escrito en la lápida del cementerio de Whitewood, y por el inquieto suspense que uno siente en la última escena donde Richard Barlow empieza a recorrer los pasillos subterráneos donde se realizan los sangrientos sacrificios, y que nos llevará directamente a este tenso e inesperado final. Como último apunte, recomiendo a los cinéfilos lectores de Lux Atenea que disfruten este largometraje en una noche invernal, y que apaguen la luz para sumergirse en la irresistible atracción del arte cinematográfico en blanco y negro. Toda una experiencia. “El Hotel Del Horror”, como analista cultural es un honor el poder rescatar del olvido a esta película de culto dentro del cine de terror. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ESTRANGULADOR DE BOSTON (the Boston strangler)”, 1968 (Reseña / Review #1748).

Posted on 21 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1748 // Reseña Media nº: 101
Reseña actualizada. Publicada el 28 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Director: RICHARD FLEISCHER
Guión: EDWARD ANHALT
Actores principales: TONY CURTIS (Albert DeSalvo), HENRY FONDA (John S. Bottomly), GEORGE KENNEDY (detective Phil DiNatale)
País: EE.UU Año: 1968 Productora: 20th CENTURY FOX
Duración aprox.: 111 minutos
Publicado en España por: 20th CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. Año: 2006 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“El Estrangulador de Boston” es un impactante thriller cinematográfico cuya trama está basada en la investigación policial que acabaría identificando a Albert DeSalvo como autor de los crímenes cometidos por el estrangulador de Boston, siendo hallado culpable y condenado a cadena perpetua tras el asesinato de trece mujeres entre los años 1962 y 1964. El caso policial relacionado con este asesino en serie es uno de los más estudiados y analizados debido a la complejidad de la patología psiquiátrica de Albert DeSalvo, porque la amnesia y el Trastorno de Identidad Disociativo en su psicótica personalidad complicaron durante mucho tiempo esta investigación llevada a cabo por las fuerzas de orden para la resolución de este caso criminal de gran impacto en la opinión pública. Rodada en color, esta película destaca sobre todo por la forma a través de la cual el extraordinario director de cine estadounidense Richard Fleischer terminó reflejando la psicología de este despiadado asesino. El uso de varias imágenes en pantalla en algunas secuencias, y que, en algunos momentos, llega a haber hasta siete simultáneas ofreciendo cada una de ellas una perspectiva distinta del mismo escenario, nos permite observar y analizar cada instante o suceso importante en la trama. Una sorprendente técnica audiovisual que, en manos de este genial director, logra engrandecer el arte cinematográfico como muy pocos creadores son capaces de configurar. Por este motivo, la película “El Estrangulador de Boston” garantizará a los cultos lectores de Lux Atenea la visualización de un excelso largometraje de intriga y misterio donde podrán sentir con sumo realismo, el tremendo pánico ciudadano que todos estos crímenes provocaron en la ciudad de Boston durante aquellos años.

Aunque inicialmente parecía que las mujeres mayores eran el objetivo principal del estrangulador de Boston, y todo apuntaba a un médico como supuesto culpable de esos crímenes debido al uso del doble nudo cuadrado utilizado normalmente por parte de ese maníaco, la desorientación y los prejuicios propios de aquella época empezaron a salir a la luz durante las investigaciones. Cuando la policía comienza la búsqueda de este asesino en serie, fetichistas, gays, voyeurs, hombres con perversiones únicamente confesables a prostitutas, lectores de cierto tipo de literatura… terminan convirtiéndose en los primeros perfiles de sospechosos a investigar. Pero el número de mujeres asesinadas continúa, las investigaciones siguen sin aportar ninguna pista fiable sobre el asesino, y la policía en su desesperada búsqueda del homicida llega incluso a solicitar la colaboración de un médium que, supuestamente, terminó llevándoles a la detención del posible asesino. Todo ello cambiará radicalmente a partir de la séptima víctima, una joven negra, al quedar este crimen completamente diferenciado de los asesinatos anteriores, ancianas blancas. Esta atmósfera de misterio que empezó al comienzo de la película y donde permanecía oculto el rostro del asesino, no será hasta el ecuador de este largometraje cuando el espectador pueda empezar a ver cómo es el modus operandi del estrangulador de Boston a la hora de poder entrar en las casas de sus víctimas pese a la alarma social.

En esta obra, el director Richard Fleischer sabe cómo reflejar en imágenes ese choque existente entre la visión policial, jurídica, y médica a la hora de resolver este caso. Por este motivo, los espectadores concentrados en la intensidad de los acontecimientos, durante la evolución de su trama pasarán de un thriller a una película de trasfondo mental y análisis psicológico profundo sin prácticamente darse cuenta de ello. Un cambio sutil en el sentido conceptual de la película, favorecido por la excelente interpretación de sus personajes por parte de estos grandes actores, destacando especialmente el difícil papel de Albert DeSalvo interpretado por el mítico actor Tony Curtis. Dentro de la misteriosa complejidad de este asesino en serie con la máscara permanentemente puesta sobre su rostro para complicar su identificación, la naturalidad con la cual Tony Curtis presenta la frialdad emocional de este personaje, el oportunismo caótico con el que solía elegir a veces a sus víctimas, el desquiciado temperamento que lo caracterizaba, el solapamiento mental de sus recuerdos perfectamente reflejados en sus gestos y expresiones… engrandecen artísticamente a este actor estadounidense. En “El Estrangulador de Boston” encontrarán a este escalofriante Tony Curtis interpretando escenas cinematográficas brutales y sobrecogedoras que se quedarán grabadas en su memoria.

También el legendario actor Henry Fonda adquiere relevancia en esta película al interpretar el papel de John S. Bottomly, un analítico e inteligente funcionario público que, por orden del Fiscal General, es designado como coordinador de la investigación por parte del Estado para poder capturar a este esquivo homicida que tanta repercusión empezaba a tener en los medios de comunicación. Otro gran actor secundario como George Kennedy, en su papel del investigador Phil DiNatale, fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea interpretando a este detective absolutamente desbordado por la difícil situación que ha de afrontar. Si desean tener una muestra clara de la magnífica obra artística de George Kennedy, recomiendo la lectura de la reseña que publiqué sobre la impactante película “El Caso de Lucy Harbin” (1964). “El Estrangulador de Boston” presenta impactantes escenas como la secuencia del estrangulador de Boston frente al espejo, cuando conversa con su mujer tras ir a visitarle al hospital para hablar con él, la tensa escena del interrogatorio de John S. Bottomly (Henry Fonda) a Albert DeSalvo (Tony Curtiss) y la readaptación mental que éste hace de los hechos ocurridos en uno de sus ataques, la siniestra imagen de una de sus víctimas andando al lado de los maniquíes, la imagen con profunda carga psicológica en la visión de Albert DeSalvo cuando ve a su mujer en perspectiva y a lo lejos… Como apunte final en esta edición íntegra del largometraje publicada en formato DVD por 20th Century Fox en el año 2006, quisiera subrayar que algunas secuencias permanecen en su idioma original porque no fueron dobladas en aquella época tras haber sido censuradas por su controvertido mensaje. “El Estrangulador de Boston”, la película del asesino en serie estadounidense cuya psicopatía llegó a contraponer en aquella época a las leyes judiciales con la lógica científica y médica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la etiqueta: Cine

“ENTIERRO A MEDIANOCHE (Bowery at midnight)”, 1942 (Reseña / Review #1757).

“EL ENIGMA… DE OTRO MUNDO (the thing from another world)”, 1951 (Reseña / Review #1756).

“EL ASCENSOR (de lift)”, 1983 (Reseña / Review #1755).

“LA SOMBRA DEL VAMPIRO (shadow of the vampire)”, 2000 (Reseña / Review #1754).

“LAS TRES CARAS DEL MIEDO (I tre volti della paura / black sabbath)”, 1963 (Reseña / Review #1753).

“SILLA ELÉCTRICA PARA OCHO HOMBRES (the last mile)”, 1959 (Reseña / Review #1752).

“HEAT”, 1995 (Reseña / Review #1751).

“INFERNO”, 1980 – DARIO ARGENTO (Reseña / Review #1750).

“EL HOTEL DEL HORROR (horror hotel / the city of the dead)”, 1960 (Reseña / Review #1749).

“EL ESTRANGULADOR DE BOSTON (the Boston strangler)”, 1968 (Reseña / Review #1748).