“HISTORIA MUERTA”, 2011 (Reseña / Review #1726).

Posted on 12 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1726 // Reseña Media nº: 79

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 3 de septiembre del año 2011 en Lux Atenea.
Quiero dar las gracias al director de cine español FRAN MATEU por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Director: FRAN MATEU
Guión: FRAN MATEU
Actores principales: FRAN PALACIOS, MAITE MATEO, JESÚS DÍAZ
País: ESPAÑA Año: 2011 Productora: SOTOFILMS Duración aprox.: 15 minutos
Formato: DVD (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)

Estrenado el pasado día 3 de abril en CCCE L´Escorxador de Elche, y galardonado con el premio “Ciudad de Elche” a la Mejor Producción Local (premio que le permite entrar en el próximo Festival Internacional de Cine Independiente de Elche), “Historia Muerta” es el título del cortometraje rodado por el magnífico director y guionista Fran Mateu donde el terror y lo sobrenatural han ambientado esta trama con trasfondo social a través de la crítica. En “Historia Muerta”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de un cortometraje donde apreciar cómo las influencias del pensamiento que caracterizaron al Romanticismo y al Decadentismo del siglo XIX, adquieren una importante presencia audiovisual en esta obra con la doble dimensión temporal unida por lo vampírico. Ecos del pasado enlazados con la volatilidad moral y el acelerado dinamismo que están marcando las pautas de la sociedad del siglo XXI y, todo ello, integrado en una terrorífica trama donde lo gótico tiene acto de presencia en su esencia conceptual a través del amor imposible. Un ideal romántico que se identifica fácilmente en esta obra, al quedar representado en el anhelo de Samuel (interpretado por el actor Fran Palacios) hacia la figura de Isabel (obscuro personaje sobrenatural interpretado por Maite Mateo). Con la voz en off del actor Fele Pastor como hilo narrativo de la historia, y con una banda sonora compuesta por Jorge A. Montesinos, tras su visualización y análisis, en este cortometraje se puede apreciar la escasez de medios y el escaso tiempo que tuvo disponible Fran Mateu para su rodaje, ya que hubo de ser filmado en tan solo tres días. Un interesante contrapunto artístico en relación a la definición de una idea, y que dio como fruto esta siniestra trama donde la muerte es vista como una irreparable pérdida de la vida por un lado, o como una liberación por otro. En definitiva, un cortometraje donde la sangre hace acto de presencia como seguro de una vida inmortal, y donde la ausencia del amor acaba convirtiendo todo en un suplicio casi eterno. “Historia Muerta”, cuando la escasez de medios materiales disponibles no impide rodar una buena obra cinematográfica dentro del género de terror en este país. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“MARS ATTACKS!”, 1996 (Reseña / Review #1725).

Posted on 12 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1725 // Reseña Media nº: 78
Reseña actualizada. Publicada el 28 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Director: TIM BURTON
Guión: JONATHAN GEMS
Actores principales: JACK NICHOLSON (presidente James Dale / Art Land), GLENN CLOSE (Primer Dama Marsha Dale), ANNETTE BENING (Barbara Land), PIERCE BROSNAN (profesor Donald Kessler), DANNY DEVITO (apostador), SARAH JESSICA PARKER (Nathalie Lake), MARTIN SHORT (secretario de prensa Jerry Ross), MICHAEL J. FOX (Jason Stone), NATALIE PORTMAN (Taffy Dale), ROD STEIGER (general Decker), JACK BLACK (Billy Glenn Norris), TOM JONES, JIM BROWN (Byron Williams), SYLVIA SIDNEY (abuela Florence Norris)
País: EE.UU Año: 1996 Productora: WARNER BROS. PICTURES
Duración aprox.: 102 minutos
Publicado en España por: WARNER HOME VIDEO ESPAÑOLA, S.A.
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

No sé cuántas veces habré visto la película “Mars Attacks!” a día de hoy, y cada vez que vuelvo a visualizarla me sigue encantando como la primera vez que la vi en una sala de cine en Madrid, días después de su estreno. Una película de culto donde reina el humor negro. En esta obra cinematográfica, el genial director de cine estadounidense Tim Burton logró convertir esta película de ciencia-ficción en una ácida y sarcástica comedia donde la siniestra esencia del ser humano queda al descubierto, tras haber sido incorporada a las actitudes y pensamientos de estos marcianos decididos a invadir el planeta Tierra. A través de la música de Danny Elfman, que con solo escucharla unos instantes ya sabes que vas a ver un largometraje de Tim Burton, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán sumergirse en este espectacular despliegue audiovisual donde las escenas de acción y el intenso discurrir de su trama les hará disfrutar esta obra durante más de hora y media. En “Mars Attacks!”, el maestro Tim Burton realiza este homenaje cinematográfico a la colección de cromos del mismo nombre aparecido en el año 1962, alejándose de las ambientaciones predominantemente siniestras y oscuras que venían siendo características en las películas que había rodado hasta entonces. Aquí nos ofrece una atmósfera mucho más luminosa y alegre, pero sin perder totalmente ese acercamiento al horror que tanto le atrae. Colores intensos, plasticidad en las imágenes con diseños muy cuidados tanto en escenarios como en los vestuarios, encuadres perfectos, admirables movimientos de cámara, preeminencia de los gestos de los personajes en cada escena… dan esta esencia audiovisual que solamente el Séptimo Arte puede configurar. Pero, por encima de todo, son los impresionantes diseños que contemplamos en “Mars Attacks!” los que, en manos del talento creativo de Tim Burton, terminan convirtiéndose rápidamente en iconos de esta obra, y que recordamos inmediatamente en cuanto escuchamos cualquier mención a su título. Además, detalles como el anillo-ojo, la máquina utilizada por los marcianos para uniformar a sus soldados, el robot gigante, el vestido de la espía, incluso sus andares, se convierten en claros ejemplos de sus genialidades cinematográficas mientras jeeps, utilitarios, tractores, sillas de ruedas… con esqueletos humanos carbonizados van desfilando ante nuestros ojos.

Indudablemente, hay escenas en “Mars Attacks!” que te marcan por su mensaje humorístico y sarcástico como en la escena donde el perrito se lleva la mano humana separada del cuerpo, cuando vemos al líder de los marcianos mirando el póster central de la revista Playboy, cuando el salón Kennedy de la Casa Blanca pasa del mito a la realidad de la pantalla, cuando los hijos del exboxeador se toman el ataque contra los marcianos como si estuvieran jugando a un videojuego, cuando las vacas ardiendo en estampida se presentan ante nuestros atentos ojos al principio de la película, cuando en el bunker somos testigos del discurso político ofrecido por el Presidente de los EE.UU ante el líder de los marcianos para poder alcanzar la paz… y, sobre todo, es la impactante escena de los marcianos en el Congreso lo que marcará ese punto de no retorno que acabará desembocando en el satírico final de la película. En “Mars Attacks!”, parece que la historia y la hegemonía de lo humano se han acabado en este planeta tras la llegada de estos extraterrestres, cuya alta tecnología convierte a nuestros avances científicos más avanzados en algo que raya lo ridículo. Un sentimiento de inferioridad ante tales demostraciones de poder tecnológico que incitará a los líderes de los gobiernos en el mundo a una Política de Apaciguamiento con los invasores a cualquier precio, y pese a que la agresividad, la violencia, y la crueldad mostradas por los marcianos son constantes. Actos brutales e inmisericordes que son interesadamente interpretados por los líderes políticos como errores o malentendidos en su falsa esperanza de poder alcanzar la paz con ellos para, de esta forma, poder llegar a tener acceso a su tecnología.

La escena de la paloma es una muestra clara de la actitud belicista de estos marcianos en la Tierra, y que se hará presente y notorio en los salvajes juegos de los marcianos divirtiéndose con los monumentos más representativos de la Humanidad. La malvada ironía y el despiadado humor negro del líder de los marcianos, su visceral rechazo a la presencia de las aves volando libremente a su alrededor, el uso de su alta tecnología para jugar con los seres sin importarles en absoluto sus sentimientos y emociones, o cómo con sus avances científicos se burlan de la vida a su antojo. ¿Les suena de algo esa actitud? ¿Cuántos pueblos y civilizaciones recibieron con muestras de paz y concordia a otras culturas más avanzadas, y fueron posteriormente ultrajados, explotados y/o aniquilados? Observo en “Mars Attacks!” esa crítica a lo humano en particular, y a la máxima por la cual una civilización con mayor poder y tecnología siempre termina sometiendo a otras culturas y pueblos no tan avanzados en la gran mayoría de los casos a través de la utilización de la fuerza, pasando luego al abuso una vez dominados. Además, el uso de la fuerza combinada con el engaño siempre se convierte en una unión letal, como así se puede comprobar en esta película con la manipulación que los marcianos hacen de la televisión, utilizada como medio de propaganda para tapar sus verdaderas y violentas intenciones.

Me encanta contemplar el espíritu psicológico y analítico con el cual Tim Burton lleva a la gran pantalla el pensamiento humano en sus diferentes manifestaciones y personificaciones. Una variedad de perspectivas humanas relacionadas con la realidad y que, independientemente de la época histórica o la cultura que seleccionemos, siempre llegaremos a encontrar en individuos con un enfoque científico pacifista de la vida (Pierce Brosnan / profesor Donald Kessler), otros con una visión mucho más alarmista y belicista ante lo desconocido (Rod Steiger / general Decker), personas con actitudes caprichosas motivadas por su privilegiada posición social (Glenn Close / Primera Dama Marsha Dale) y que afectan a su propia familia (Natalie Portman / Taffy Dale), otras en cambio aprovechan esa ventajosa posición dentro del círculo del poder para darse a la buena vida (Martin Short / secretario de prensa Jerry Ross), personas cursis y extravagantes en su imagen pública tan artificial (Sarah Jessica Parker / Nathalie Lake) mientras otros oportunistas buscan su momento (Michael J. Fox / Jason Stone), apasionados del juego donde la vida únicamente existe en el casino (Danny DeVito / apostador), personas acomodadas con mentalidades inmaduras claramente identificadas con los postulados new age (Annette Bening / Barbara Land), ancianos que parecen que están en su mundo pero en cambio se enteran de todo (Sylvia Sidney / abuela Florence Norris)… en definitiva, un amplio abanico de las diversas perspectivas a través de las cuales los seres humanos perciben y sienten este mundo, y que, en esta película, al ser observados desde la distancia parecen darnos una imagen un tanto ridícula y sin sentido. A nivel artístico, quisiera destacar los excelentes papeles interpretados por el grandioso actor Jack Nicholson, ya sea como presidente de los EE.UU (presidente James Dale) o como avaricioso capitalista al que solamente le importa una cosa, el dinero (Art Land). Completando este arco artístico, los cinéfilos lectores de Lux Atenea también podrán disfrutar la magnífica interpretación realizada por el actor secundario Jim Brown, en el papel de este exboxeador empleado en un casino para poder sacar adelante a su familia, o en este toque musical surrealista protagonizado por Tom Jones y que terminó convirtiéndose en la inconfundible canción de esta película. “Mars Attacks!”, la magia artística de Tim Burton en esta invasión extraterrestre que expone el lado más obscuro del ser humano ante el espejo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“BULLET BALLET”, 1998 (Reseña / Review #1724).

Posted on 12 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1724 // Reseña Media nº: 77
Reseña actualizada. Publicada el 8 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: SHINYA TSUKAMOTO
Guión: SHINYA TSUKAMOTO
Actores principales: SHINYA TSUKAMOTO (Goda), KIRINA MANO (Chisato), TAKAHIRO MURASE (Goto), TATSUYA NAKAMURA (Idei), KYÔKA SUZUKI (Kiriko), HISASHI IGAWA (Kudo)
País: JAPÓN Año: 1998 Productora: KANGJEGYU FILMS
Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VÍDEO Año: 2003
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “Bullet Ballet”
EXTRAS: Ficha técnica y artística // Filmografía del director // Trailer

Rodada en blanco y negro como todo buen thriller que desee proyectar en sus imágenes un dramático ambiente de suspense, la extraordinaria película “Bullet Ballet” es una muestra clara del cine japonés underground donde la siniestra estética fotográfica queda inmortalizada en la modernidad cosmopolita, decadente, y sucia que refleja. Un drama posmoderno protagonizado por el individuo sobrepasado por la realidad, y fascinado a su vez ante la contemplación de esta sublime belleza urbana en movimiento donde él queda siempre empequeñecido tras la aceptación de su intrascendente existencia. Dirigido por el talentoso maestro japonés Shinya Tsukamoto, director de la película de culto “Tetsuo” (ya reseñada en Lux Atenea), en esta trágica historia poblada por personajes con vidas llevadas al límite también interpreta a su personaje principal, Goda. Con un tempo lento en su desarrollo que es perfecto para que el espectador no caiga en un histriónico estado de tensión y angustia ante tal avalancha de intensos estímulos, si a ello le unimos una espectacular banda sonora con música ambient e industrial compuesta por Chu Ishikawa, todo encuentra su más perfecto equilibrio en esta egocéntrica posmodernidad basada en la tecnología y en el materialismo para su perduración como sistema social. “Bullet Ballet” se presentará ante el cinéfilo lector de Lux Atenea como una colosal película de imprescindible visualización, y donde el cine japonés underground encuentra en esta segunda década del siglo XXI envuelta en la crisis, el entorno y el escenario ideal para su correcta valoración artística. Los amantes del Séptimo Arte descubrirán en “Bullet Ballet”, ese cine de autor situado al margen del mainstream como máxima garantía de independencia y de creatividad artística en su definición conceptual y en su producción.

Esta lúgubre historia comienza con Goda, trabajador con una existencia cotidiana normal cuya vida gira alrededor de su novia Kiriko, llevando diez años juntos. Un día, regresando a casa tras haber terminado su trabajo, verá cambiado su destino al encontrarse con la desagradable e inasumible sorpresa del suicidio de Kiriko tras haberse disparado con una pistola. En ese momento, todo su mundo se vendrá abajo, creciendo la tensión y la desesperación en su interior hasta caer poseído por una irresistible pasión por las armas que le llevará a entrar en un alocado y salvaje caos existencial. En las calles de Tokio se encuentra con una joven, Chisato, la cual vive en otro ambiente completamente distinto al suyo. Esa forma de vida violenta y extrema que late de forma oculta en las grandes ciudades, y que estimulará aún más la rabia y la ira interior de Goda en cuanto sea mínimamente provocado. Una agitada tensión interior que verá aumentará su desesperación cuando Goda descubra la auténtica realidad que provocó la muerte de Kiriko. En “Bullet Ballet”, el director Shinya Tsukamoto hace una excelente y convincente interpretación de este personaje en la película, ya que Goda achaca el origen de su difícil situación interior señalando siempre hacia fuera, hacia los demás. Goda no reflexiona. Únicamente actúa de forma violenta tratando de eliminar todo aquello que le perturba o molesta, y sin cambio o transformación interna, por lo que sus propios miedos y temores no hacen más que crecer, metiéndole de lleno en una violenta espiral de obscura y dramática salida. Como analista cultural, disfruto viendo la magna obra artística de Shinya Tsukamoto porque es todo un maestro a la hora de reflejar en imágenes, esa actitud de indiferencia posmoderna que muestran los ciudadanos ante los dramáticos acontecimientos que suceden a su alrededor… hasta que ellos resultan ser los afectados. Así se representará ante el espectador cuando observe la imperturbable actitud de Goda al llegar al portal de su casa, instantes antes de conocer la dramática desgracia que cambiará su vida. La imagen casi constante de las calles de Tokio con la suciedad, la degradación, y la inmundicia dominando estos escenarios tan decadentes, unido a la lucha sin cuartel entre bandas urbanas, configuran esta talentosa fusión artística de lo industrial con lo ultraviolento a través de escenas tensas, amargas, adrenalínicamente ácidas. También hay que destacar la magnífica interpretación que hace la actriz Kirina Mano en el papel de Chisato. La frialdad emocional que muestra siempre la andrógina Chisato, junto a la sádica e irresistible atracción que siente hacia todo lo que represente dolor, sufrimiento, o muerte, son una muestra clara de la profunda soledad interior en la que vive, aunque Chisato viva el día a día cubierta por esa máscara de indiferencia, de estar por encima del Bien y del Mal, y de mostrar ese valor extremo ante las personas. La actriz Kirina Mano ha logrado convertir a Chisato en uno de los personajes principales de este largometraje, gracias a esta extraordinaria interpretación de hermética y enigmática personalidad.

El cine japonés underground es, sobre todo, trasfondo conceptual y existencial a través del adorado culto artístico a la imagen, a la estética, y al equilibrio incluso cuando se muestra extremo y transgresor. Así podrán comprobarlo y disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea en “Bullet Ballet” con esta visión cosmopolita bellamente reflejada en imágenes en blanco y negro, en el shock y en el bloqueo emocional que sufre Goda tras conocer la trágica noticia, cómo la paliza que recibe Goda a manos de la banda de Chisato le hace romper los límites del autocontrol, impulsándole a una nueva vida marcada por lo extremo y lo violento. Cautiva observar la inocencia inicial de Goda para moverse dentro de los bajos fondos y cómo el ser engañado y estafado le hace aprender, cómo Internet acaba convirtiéndose en la fuente principal donde Goda parece hallar el camino para conseguir el arma que tanto desea, o las contundentes imágenes donde se entremezclan secuencias bélicas y de la pistola como reflejo simbólico de los pensamientos de Goda. Es espectacular la escena del siniestro y decadente local underground caracterizada por estos giros de cámara, la impactante escena donde los instintos suicidas de Chisato hacen que Goda se enfrente con sus más terribles miedos y temores, la impresionante secuencia donde contemplamos el juego suicida que a Chisato le gusta practicar en los andenes de metro, y cómo ante la desesperación que tiene Goda para hacerse con un arma, aparece una oportunidad para conseguirla en el momento y de la forma más inesperada. Pero “Bullet Ballet” es extremo, como la brutal escena donde Goda convierte su entrada en lo violento en un salvaje ritual iniciático donde el valor es el antídoto para sus miedos, con la siniestra belleza que destila la escena del parque de atracciones, con la secuencia de Goda y Chisato en la azotea como imagen clara de las personas inmovilizadas por ese impasse existencial tras verse superadas por las circunstancias, con la imagen de Goda y Chisato en la escalera donde se refleja su situación al margen de esa sociedad alienante donde tratan de vivir y que también rechazan, o la terrible escena final como sangrienta apoteosis protagonizada por el tirador en una clausura propia del cine negro. “Bullet Ballet”, cuando el Séptimo Arte japonés es transgresor y completamente alejado del mainstream. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“INSEPARABLES (dead ringers)”, 1988 – DAVID CRONENBERG (Reseña / Review #1723).

Posted on 12 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1723 // Reseña Media nº: 76
Reseña actualizada. Publicada el 16 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

Director: DAVID CRONENBERG
Guión: DAVID CRONENBERG y NORMAN SNIDER
Actores principales: JEREMY IRONS (Beverly Mantle / Elliot Mantle), GENEVIÈVE BUJOLD (actriz Claire Niveau), HEIDI von PALLESKE (Cary), BARBARA GORDON (Danuta), SHIRLEY DOUGLAS (Laura), STEPHEN LACK (Anders Wolleck)
País: CANADÁ Año: 1988 Productora: THE RANK ORGANISATION
Duración aprox.: 111 minutos
Publicado en España por: FILMAX Año: 2012
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD INSEPARABLES dead ringers 1988 DAVID CRONENBERG

Por su trasfondo conceptual, como analista cultural me fascina y me apasiona la obra cinematográfica del virtuoso director canadiense David Cronenberg, porque en sus películas se atreve a explorar esos trasfondos psicológicos de fuerte contraste que terminan por convertirse en el siniestro halo de inquietud que exhalan artísticamente sus largometrajes. En esta película de culto del año 1988, resulta interesante su descripción oficial al ser presentada como “dos mentes, dos cuerpos, una sola alma”, cuando la realidad que muestra “Inseparables” no se ajusta realmente a esa definición tan categórica. Más bien son dos almas y dos cuerpos con dos mentes independientes y complementarias. Lo más curioso que tiene este largometraje es que el maestro David Cronenberg encontró inspiración para crear esta magna obra cinematográfica en la novela “Gemelos (twins)” escrita por Bari Wood y Jack Geasland, basada a su vez en la historia real de los gemelos Marcus encontrados muertos por la policía en el año 1975 y que se dedicaban profesionalmente a los tratamientos de fertilidad como ginecólogos. Como suele pasar siempre, la vida real acostumbra a mostrarse más extrema y sorprendente que el cine de ficción más fantasioso e increíble. Teniendo esto muy en cuenta, “Inseparables” es una siniestra obra maestra por los obscuros contrastes humanos que definen y dan carácter a su trama. Horror cruzando la frontera de lo mentalmente enfermo en una historia perversa y tenebrosa, y que sabe tocar la fibra sensible del espectador por la aparente normalidad y cotidianidad con la cual David Cronenberg nos lo presenta a pesar de su crudeza. Así podrán sentirlo y disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta magnífica edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Filmax en el año 2012.

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Esta trágica historia comienza en el año 1954 en la ciudad canadiense de Toronto con los jóvenes gemelos Elliot y Beverly Mantle, y su temprana atracción por la anatomía humana y la medicina. A continuación, en un salto en el tiempo llegaremos al año 1967 donde siendo estudiantes ya destacarían por su trabajo en la etapa universitaria en la ciudad de Cambridge (Massachusetts), retornando posteriormente a Toronto. Con Elliot y Beverly ya con su propia clínica ginecológica especializada en fertilidad femenina (ambos personajes interpretados magistralmente por el actor Jeremy Irons), y gracias a la cual disfrutan de un buen nivel económico, allí acudirá Claire Niveau (interpretado por Geneviève Bujold), una conocida actriz con problemas profesionales y que quiere ser madre. Pero Elliot descubre que tiene un problema físico grave para que la fecundación pueda llegar a buen término, comentándole ese delicado asunto a su hermano, y éste lo aprovechará para empezar a salir con ella. Como acostumbran, los gemelos Elliot y Beverly no dudan en hacerse pasar el uno por el otro y con esta actriz no harán una excepción. Pero en esta ocasión uno de ellos no tomará esa relación como cualquier otra anterior, creando una tensión entre él y su hermano que tendrá catastróficas consecuencias en su convivencia y en su futuro profesional, sobre todo cuando Claire Niveau descubra que son gemelos idénticos y aparezcan las dudas sobre cuál de ellos es el que está teniendo relaciones con ella. Un intenso y trágico drama psicológico en el cual podrán ver y analizar el extraño y frágil modo de vida de estos dos hermanos. Cada gemelo tiene su propia personalidad, importante factor que se muestra claramente hasta en su labor profesional, al ser Beverly quien está centrado en el tema médico y Elliot el que dirige y gestiona la clínica, o incluso en el plano personal y privado al ser Elliot quien conquista a las mujeres por tener un carácter más extrovertido y desinhibido, siendo Beverly más cohibido e introvertido aunque de común acuerdo se haga pasar por su hermano para poder intimar con ellas. Personalidades distintas pero complementarias al cubrir uno las deficiencias del otro, y juntos forman un todo completo. Un equilibrio que se romperá cuando uno de ellos prefiera tomar un rumbo mucho más independiente y autónomo, agravándose el problema al ser Beverly mucho más débil que Elliot, y al entrar las drogas en este perturbado e irracional ambiente para alterarlo y desquiciarlo todo aún más.

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Todo ello con imágenes y escenas impresionantes como los impactantes dibujos de anatomía y de instrumental médico que aparecen al inicio de la película incluyendo a unos gemelos en el vientre materno, la escena un tanto sado con Elliot y la actriz Claire Niveau atada al pie de la cama con material médico, o la siniestra visión de la operación con los médicos y las enfermeras vestidos de rojo, al igual que la sábana que cubre al paciente o el tapete sobre el cual está ordenado el material quirúrgico, mientras Elliot explica los pasos de la intervención médica a un grupo según se va retransmitiendo en tiempo real en una pantalla. “Inseparables” también tiene escenas inolvidables como la secuencia de la cita de Claire Niveau con los dos hermanos en el restaurante, la simbólica escena de la pesadilla donde se ve a los dos gemelos unidos y a Claire diciendo que los va a separar mientras muerde esa unión, la significativa secuencia de Elliot con las dos gemelas y el diálogo que mantiene con ellas, o la interesante escena en la cual Beverly contacta con el artista Anders Wolleck para que pueda construir el instrumental ginecológico que ha diseñado para trabajar en acero quirúrgico. Quedarán impresionados con la extraordinaria escena en la cual Beverly es vestido con el atuendo rojo para operar como si fuera un ritual sagrado, para luego pasar a la presentación de su nuevo instrumental médico con la sorpresa que ello ocasiona en sus ayudantes debido a las extrañas y siniestras formas que tienen, o con la clara y concluyente visión del estado en el que se encuentra el apartamento de los gemelos como claro reflejo visual del deterioro psicológico que están padeciendo, además de la dramática, perturbada, y macabra apoteosis protagonizada por los gemelos. Como apunte final, y en vista al título original de esta película, “Dead Ringers”, es inevitable que haga referencia a la reseña que publiqué sobre el largometraje “Su Propia Víctima (dead ringer)” estrenado en el año 1964, y protagonizado por la mítica actriz estadounidense Bette Davis. Una trama dramática basada también en la historia de dos hermanas gemelas. En definitiva, “Inseparables” es una película visualmente provocadora que incita al espectador a pensar en su trasfondo psicológico más profundo, y esa es la gran virtud de David Cronenberg como talentoso pionero dentro del Séptimo Arte. “Inseparables”, película de culto, y una de las más impactantes obras cinematográficas rodadas por este director canadiense convertido ya en legenda artística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

INSEPARABLES dead ringers 1988 - DAVID CRONENBERG

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“MEPHISTO”, 1981 (Reseña / Review #1722).

Posted on 12 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1722 // Reseña Media nº: 75
Reseña actualizada. Publicada el 11 de noviembre del año 2012 en Lux Atenea.

Director: ISTVÁN SZABÓ
Guión: ISTVÁN SZABÓ
Actores principales: KLAUS MARIA BRANDAUER (Hendrik Höfgen), ILDIKÓ BÁNSÁGI (Nicoletta von Niebuhr), ROLF HOPPE (Tábornagy), KRYSTYNA JANDA (Barbara Bruckner), PETER ANDORAI (Otto Ulrichs), GYÖRGY CSERHALMI (Hans Miklas)
País: HUNGRÍA-ALEMANIA Año: 1981 Productora: OBJEKTIB STUDIO / MAFILM
Duración aprox.: 144 minutos (versión original íntegra en alemán) / 126 minutos (versión en español estrenada en salas)
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: 3DVD “ISTVÁN SZABÓ” (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “Mephisto”
EXTRAS: Trailer “The Naked Face” // Conversaciones con István Szabó y Klaus M. Brandauer // Ficha artística // Ficha técnica // Filmografías destacadas

“Mephisto” es el título de la película que inicia la trilogía creada por el director húngaro István Szabó sobre la ascensión y caída del Imperio Austro-húngaro. Una coproducción germanohúngara que llegó a ser premiada con prestigiosos galardones cinematográficos en el año 1981 como el premio al Mejor Guión en el Festival de Cannes y el Óscar a la Mejor Película Extranjera. Su extraordinario guión está basado en la novela homónima del escritor alemán Klaus Mann (1906-1949), obra literaria basada a su vez en la controvertida vida artística del actor y director de teatro alemán Gustaf Gründgens (1899-1963), y el ilustre director húngaro István Szabó supo reflejar con total fidelidad e intensidad emocional en la película “Mephisto”, el tenso y alterado ambiente que se pudo respirar en el mundo artístico y social a principios de la década de los treinta en Alemania. Un mensaje muy claro y directo sobre la supeditación del Arte en sus distintas vertientes al poder político cuando todo en el país ha de ser orientado al esplendor y al orgullo nacional. La evolución personal y artística de su protagonista principal, el actor Hendrik Höfgen (interpretado por el mítico actor austriaco Klaus Maria Brandauer), se transforma en la vía perfecta para mostrar esos choques frontales entre el éxito y la ética personal, entre los intereses profesionales y la conciencia interior, triunfando siempre las primeras opciones ante la irresistible atracción que ofrece el éxito al amparo del poder para un artista. Centrando la atención en esta magnífica edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Cameo Media en el año 2005, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que tengan en sus manos esta edición podrán disfrutar de la versión íntegra de este largometraje con casi veinte minutos extra que son esenciales para poder comprender su trama. No entiendo cómo pudieron cortar estas escenas en la versión oficial estrenada en las salas de cine españolas, porque su importancia es clave para que el espectador pueda entender el trasfondo y la evolución de esta historia. Como analista cultural, en muchos aspectos estas secuencias eliminadas me han recordado a otra excelsa película como “Apocalypse Now” (1979), donde la visualización de la versión Redux es fundamental respecto a la primera versión oficial que se llevó a la gran pantalla (recomiendo la lectura de la reseña que publiqué sobre el libro “Apocalypse Now, Odisea en los Territorios del Horror” de Iván Reguera).

Iniciamos esta inolvidable aventura cinematográfica situándonos en la ciudad alemana de Hamburgo. Allí, el artista de teatro Hendrik Höfgen, actor de segundo nivel, se presenta ante el espectador como una persona cuyo ego desea engordar enormemente a través del elogio y de la fama, aunque para ello tenga que pagar un alto precio en cuanto a honestidad y sinceridad consigo mismo. Por este motivo, desde el principio de la película aparecerá como un ser desdichado y un fracasado a nivel privado, autotorturándose ante su delicada situación profesional y su precariedad económica. Hendrik Höfgen es un actor de teatro que necesita que le reafirmen con adulaciones, aunque de cara al público presente una imagen bien distinta. Sus miradas constantes ante el espejo, su clara y rotunda egolatría, ese pensar solamente en él y para él, su inseguridad que le lleva a avergonzarse de sí mismo, su narcisismo… en realidad no son más que muestras de sus pensamientos internos basados en un mundo irreal, imaginario, e idílico donde todos han de estar pendientes de él. Sus conversaciones consigo mismo frente al espejo no son más que exteriorizaciones de ese mundo interior en conflicto permanente con la realidad que le rodea. Pero Hendrik Höfgen es un inquieto apasionado del Arte, motivo por el cual dirige una compañía de teatro, recibe clases de danza que elevan sus ilusiones y estimulan sus sueños, tiene un socio a su lado en sus proyectos llamado Otto Ulrichs (actor Peter Andorai), pero con la llegada de Nicoletta von Niebuhr a la compañía de teatro (actriz Ildikó Bánsagi), su vida dará un primer giro importante. El éxito entre el público le sonríe, se enamora y se casa, pero esos aparentes días de vino y rosas terminarán cuando Hendrik Höfgen choque frontalmente con Hans Miklas (actor György Cserhalmi) por sus ideas nacionalsocialistas, con las cuales no está de acuerdo. Por ese motivo, no parará hasta echarlo de la compañía. Y también chocará con la familia burguesa de su mujer debido a que le incomoda su privilegiado estatus económico, ya que le hace sentir inferior.

Tras ser recomendado por su suegro y por la actriz Dora Martin, Hendrik Höfgen recibe una oferta para interpretar un papel en el Teatro Estatal de Berlín y, una vez allí, empezará con un trabajo sencillo y humilde en el escenario que le permitirá poco a poco ir creciendo profesionalmente, e ir moviéndose en círculos mucho más influyentes donde la presencia de personas poderosas afines al nacionalsocialismo será inevitable. En el Teatro Estatal de Berlín va aumentando su éxito y su protagonismo dentro de las obras que interpreta, fama que le abrirá las puertas del mundo del cine como actor haciendo papeles de soldado. Pero Hans Miklas también ha ido escalando posiciones dentro del partido dirigiendo a las juventudes nacionalsocialistas, y cuando finalmente Adolf Hitler llega al poder en Alemania, a partir de ese momento empezará un nuevo ciclo en la vida de Hendrik Höfgen que cambiará su destino radicalmente, siendo la descripción audiovisual más realista de su nueva situación el choque de opiniones y de pareceres entre él y su mujer. Ante el giro de los acontecimientos que suceden alrededor suyo, Hendrik Höfgen decide mantenerse al margen de todo. Su mujer se marcha a París con su familia, y él, que se encuentra rodando una película en la ciudad de Budapest, duda si volver a Alemania. Pero tras recibir halagos desde Berlín por parte de un Ministro/General del ejército alemán para relanzar el Teatro Nacional (papel interpretado con maestría por el actor alemán Rolf Hoppe), Hendrik Höfgen regresará al Teatro Estatal de Berlín. Con el exitoso retorno de la obra “Fausto” al teatro, entrará en el exclusivo círculo de las altas esferas de la cultura gracias a su impresionante interpretación de Mefistófeles, papel con el cual ha conquistado al Ministro/General ya que le identifica plenamente con su visión del Arte y de la Cultura alemanas. A partir de ese momento de gloria, Hendrik Höfgen no hará más que aumentar su voluble e insegura personalidad en pro de la fama, del éxito, y de la notoriedad pública que el poder político le ofrece a cambio de su arte orientado a los intereses nacionales. Y este poder político en manos del Ministro/General, no admite un ‘no’ como respuesta a sus proyectos y deseos.

Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados con esta escenificación tan natural y creíble que Klaus Maria Brandauer nos ofrece en su extraordinaria interpretación del actor Hendrik Höfgen, dando credibilidad absoluta a este difícil personaje que es clave dentro de la trama de la película. Klaus Maria Brandauer se presenta como un actor colosal capaz de transmitir emociones con sus gestos, con su mirada, convirtiéndose en ese ser camaleónico que se transforma exteriormente en función de los acontecimientos y del carácter de las personas que le rodean. Hendrik Höfgen, confiando ciegamente en su capacidad de adaptación, cree que sus dotes de actor le sacarán siempre de cualquier situación por difícil que sea, pero la realidad siempre le acaba desbordando por no analizar en profundidad el trasfondo de la situaciones en las cuales está implicado. Además, la brillante luz del éxito que le ofrece el poder es demasiado tentadora para su ego. Un poder en manos del Ministro/General alemán cuya excelsa interpretación, a cargo del actor Rolf Hoppe, dejará profundamente impactados a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. En su magna interpretación del Ministro/General sabe cómo transmitir en la pantalla ese halo apolíneo de quien posee todo el poder, y quiere hacer realidad el ideal del Arte dirigido al pueblo alemán como sea. Por este motivo, la obra “Fausto” y la sublime interpretación de Mefistófeles a cargo de Hendrik Höfgen, terminan siendo observados por el Ministro/General como un símbolo perfecto de la nueva Alemania, del nuevo espíritu alemán, quedando tan impactado ante esa escenificación que el propio Ministro/General empezará a llamar con el nombre de Mefistófeles a Hendrik Höfgen. Pero esa fascinación y esa devoción por sus cualidades interpretativas también tendrán otra cara más obscura en la vida de Hendrik Höfgen, ya que el Ministro/General le irá marcando cada uno de los límites dentro de los cuales se podrá mover, conociendo cada detalle de su vida privada para manipularle, y orientándolo en pro de sus intereses. Una dinámica y una evolución de Hendrik Höfgen a lo largo de la película que se convierte en uno de los mayores trasfondos psicológicos que esta magna obra nos ofrece.

En la película “Mephisto”, el arte cinematográfico del director húngaro István Szabó se presenta en uno de sus largometrajes de culto más aclamados. Hablar de István Szabó en “Mephisto” es hablar de impactantes escenas que se quedarán indeleblemente grabadas en la mente del cinéfilo. Extraordinarias escenas como cuando Hendrik Höfgen está bailando libremente mientras suena la música de can-can, cuando la marcha de la actriz Dora Martin a EE.UU lleva a un diálogo que permite al espectador comprender cómo piensa una persona pragmática y otra fantasiosa que está en su propio mundo de luces y éxito, o la escena donde podemos contemplar la camaleónica capacidad de transformación de Hendrik Höfgen en una magnífica secuencia de imágenes con personajes teatrales de todo tipo. Les impresionará ver la escena de las juventudes indicando el oficio de sus padres como reflejo del creciente éxito social del nacionalsocialismo entre el pueblo alemán, la impactante fuerza visual de la escena donde Hendrik Höfgen interpreta a Mefistófeles en la obra “Fausto” y el gesto de complicidad del guiño que le lanza al actor que interpreta a Fausto ante el clamor y la ovación desatadas entre el público, o la escena en la cual Hendrik Höfgen es llamado por el Ministro/General a su palco y el tenso cruce de miradas que se establece entre ellos, incluyendo la sorprendente imagen del palco desde la perspectiva del público asistente al teatro.

La belleza artística del cine también se presenta en la esplendorosa ambientación de la escena del discurso de Hendrik Höfgen presentando y comentando la estatua, en la simbólica escena de Hendrik Höfgen reunido en el despacho del Ministro donde el General está situado por encima de él como contundente imagen visual para indicar quién manda y quién obedece, o la inolvidable escena con Hendrik Höfgen en el estadio olímpico de Berlín iluminado por los focos. En definitiva, excelentes ambientaciones que combinan con maestría la intensidad cinematográfica con la fuerza de la interpretación teatral. Además, en esta magnífica edición en formato DVD, también podrán ver el interesante y reflexivo reportaje titulado “The Naked Face” (2001) donde el propio director István Szabó comenta cómo se interesó por el mundo del cine, y qué corrientes cinematográficas europeas como la Nouvelle Vague francesa o el cine italiano le atrajeron y le indicaron el camino a seguir, o cómo la política y la historia llegaron a condicionar su vida y su obra cinematográfica. Sus ideas y opiniones sobre el cine, sobre los actores, sobre las películas a nivel del espectador… pero desde un punto de vista psicológico, completan el interés informativo de este reportaje junto a las palabras de Klaus Maria Brandauer describiendo su pasado dentro del mundo del teatro en su etapa artística anterior a la película “Mephisto”, además de comentar su fugaz y desesperanzador paso por el mundo del cine cuya desilusión fue aún más profunda debido a las grandes diferencias que existen entre los actores de teatro y los actores de cine. En definitiva, estamos ante la edición más completa que se haya publicado hasta el momento de la grandiosa película “Mephisto”. “Mephisto”, cine europeo de culto firmado por uno de los directores con más talento en el siglo XX. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL SILENCIO DE LOS CORDEROS (the silence of the lambs)”, 1991 (Reseña / Review #1721).

Posted on 11 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1721 // Reseña Media nº: 74
Reseña actualizada. Publicada el 21 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea conmemorando el 20º aniversario de la mítica película “EL SILENCIO DE LOS CORDEROS” (1991).

Director: JONATHAN DEMME
Guión: TED TALLY
Actores principales: JODIE FOSTER (Clarice Starling), ANTHONY HOPKINS (Dr. Hannibal Lecter), TED LEVINE (Buffalo Bill), SCOTT GLENN (Jack Crawford)
País: EE.UU Año: 1991 Productora: ORION PICTURES
Duración aprox.: 114 minutos
Publicado en España por: METRO GOLDWYN MAYER HOME ENTERTAINMENT Año: 2006
Formato: 2DVD edición definitiva (EDICIÓN COMPRADA)

Galardonada con importantes premios cinematográficos entre los que destacan sus cinco Óscar (mejor película, mejor guión adaptado, mejor director, y mejor actor y actriz) y el Globo de Oro a la mejor actriz, la extraordinaria película “El Silencio de los Corderos” ha cumplido su vigésimo aniversario en este año 2011. Una película de culto dentro del cine de suspense que se presenta como un sobrecogedor thriller de atractivo guión, basado en la famosa novela homónima del escritor estadounidense Thomas Harris. Una película sombría, triste, decadente, tal vez por esta ambientación gris donde el Sol siempre está cubierto por las nubes, o cuando aparece con su luz en el cielo siempre es en el amanecer o en el anochecer. Su protagonista principal, Clarise Starling, es una agente del FBI deseosa de trabajar en el departamento de Ciencias del Comportamiento y que se encarga de esclarecer el dramático y sangriento caso de Buffalo Bill, un psicópata dedicado a asesinar mujeres de una talla muy concreta para luego arrancarles la piel. En ese mismo caso, la agente Clarise también tendrá que tratar con otro psicópata llamado Hannibal Lecter, un psiquiatra conocido con el apodo de Hannibal el caníbal, que se ha convertido en la pieza clave de esa investigación para poder descubrir la verdadera identidad de Buffalo Bill. La película “El Silencio de los Corderos” destacó en aquella época por haber sabido reflejar con precisión y detalle en la gran pantalla, toda la lógica científica y la metodología seguidas por el FBI en la investigación de los casos de asesinato, teniendo siempre en cuenta los avances técnicos y científicos disponibles en aquella época. A lo largo de toda esta intrigante trama, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán ir descubriendo poco a poco las pistas que van apareciendo para poder resolver este caso definitivamente, pero, desde mi punto de vista, la fuerza psicológica que tiene “El Silencio de los Corderos” es haber conseguido que el espectador se identificara con la cotidianidad que envuelve a la vida de estas víctimas, y la sensación de indefensión social que le queda al término de la película ante los actos cometidos por estos crueles asesinos a través de sus estudiadas argucias, sus inteligentes manipulaciones, y sus violentas acciones (algunas veces impunes) para cometer sus asesinatos. Impresionan algunas escenas como cuando Clarice entra en el lúgubre e infernal pasillo de seguridad en el cual se vigilan las celdas de los psicópatas, el metódico y frío examen forense del cadáver de una de las víctimas en la funeraria Grieg, o incluso la incómoda sensación que tiene la agente Clarice cuando está rodeada y siendo observada por altos y corpulentos agentes en el Hall de la funeraria.

La hipnótica mirada del inteligente y depravado Hannibal Lecter, excelsamente interpretado por el actor Anthony Hopkins, es una de las imágenes imborrables que se quedan en la memoria cuando visualizas esta película, sobre todo si tienen oportunidad de ver esta película en su versión original. Y es que Anthony Hopkins supo meterse en el difícil papel de este psicópata, sabiendo interpretar con suma maestría y credibilidad cada una de las particularidades psicológicas de Hannibal Lecter. Detalles como su delicado olfato capaz de distinguir sutiles matices y aromas, su mefistofélica capacidad para realizar el psicoanálisis de las personas a las que observa, sus inquietantes gestos, su prepotencia y sus constantes aires de superioridad respecto al resto de los mortales, su plano mental situado más allá de Bien y del Mal, sus despiadados y sangrientos actos ejecutados fríamente, su sarcástico y ácido humor… son algunos de los muchos matices en la personalidad de Hannibal Lecter que el actor Anthony Hopkins supo transmitir con su virtuoso talento interpretativo. La idea que se queda en la mente del espectador sobre la pragmática, paciente, y sutil inteligencia de Hannibal Lecter con las cuales es capaz de realizar acciones aparentemente imposibles, dadas las limitadas capacidades de movimiento que han tomado las autoridades para controlarlo, elevan aún más la valoración del arte interpretativo mostrado por este actor en la gran pantalla. Una terrorífica imagen de Hannibal Lecter que ve aumentado su impacto visual y psicológico con la contemplación de las espectaculares medidas de seguridad adoptadas tanto en prisión como en su traslado, dada su peligrosidad extrema. La imagen del guardián colgado con los brazos abiertos en los barrotes de la celda de Hannibal Lecter como si fuera la macabra figura de un ángel, el siniestro coche fúnebre guardado en el almacén contratado por Hannibal Lecter, o su sutil caricia al dedo de la agente Clarice cuando le entrega los papeles del informe… son escenas que visualmente nos atraen y a su vez nos infunden rechazo.

Pero si el personaje interpretado por Anthony Hopkins nos parece excepcional y totalmente creíble, tampoco se queda atrás la contundente interpretación realizada por el magnífico actor Ted Levine en el papel del asesino en serie Buffalo Bill. Una interpretación magistral hasta en las burlas que Buffalo Bill muestra hacia sus víctimas tras sus falsos gestos de sensibilidad y clemencia, o en la impactante escena de Buffalo Bill maquillándose y transformarse mientras la mítica canción “Goodbye Horses” de Q Lazzarus suena como música de fondo. Además, su inquietante y descuidada casa es el fiel reflejo de la ambigüedad mental que domina a Buffalo Bill mientras las polillas vuelan en esta degenerada y siniestra decoración, y a cuyo siniestro sótano lleva a sus víctimas para ser arrojadas a un agujero en el suelo donde las mantiene vivas y sin posibilidad de escape hasta el momento de su asesinato. Un terrorífico hoyo mortal de sangrientas paredes con uñas clavadas que reflejan la desesperación de las víctimas por escapar de su trágico destino. El sedoso caniche blanco que Buffalo Bill tiene como mascota además aumenta su protagonismo simbólico como contrapunto emocional y sentimental de este brutal psicópata. Una siniestra atmósfera que también quedará fielmente reflejada en la angustia y el miedo que nos muestra Clarice cuando se adentra en el sótano de la casa de Buffalo Bill, acrecentada visualmente con la simbología nacionalsocialista repartida por la casa (la colcha, el póster…), o el juego en la oscuridad que Buffalo Bill practica con Clarice usando unas gafas de visión nocturna. Como apunte a destacar en esta reseña de la película, quisiera subrayar la corta y sorprendente presencia del cantante Chris Isaak en el reparto de esta película, interpretando el papel del agente del comando SWAT desplegado en la sala de espera del ascensor del edificio donde retienen a Hannibal Lecter. Además, la adquisición de esta completa edición se vuelve indispensable al haber incluido en el segundo DVD estos interesantes extras de imprescindible visualización: “En el laberinto: cómo se hizo -El Silencio de los Corderos-”, “Detrás de las cámaras, Original”, “Escenas eliminadas”, “Trailer de cine”, “Anuncio de TV”, “El contestador de Anthony Hopkins”, “Escenas inéditas”, y “Trailer de -Hannibal-”. “El Silencio de los Corderos”, película de culto y uno de los thriller psicológicos más impactantes que podrán ver. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA TARÁNTULA DE VIENTRE NEGRO (la tarantola dal ventre nero)”, 1971 (Reseña / Review #1720).

Posted on 11 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1720 // Reseña Media nº: 73
Reseña actualizada. Publicada el 19 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: PAOLO CAVARA
Guión: MARCELLO DANON, LUCILE LAKS
Actores principales: GIANCARLO GIANNINI (inspector Tellini), CLAUDINE AUGER (Laura), STEFANIA SANDRELLI (Anna Tellini), BARBARA BOUCHET (Maria Zani), BARBARA BACH (Jenny), ROSSELLA FALK (Franca Valentino), SILVANO TRANQUILLI (Paolo Zani), ANNABELLA INCONTRERA (Mirta Ricci), EZIO MARANO (masajista ciego), GIANCARLO PRETE (Mario), ETTORE MATTIA (detective privado)
País: ITALIA Año: 1971 Productora: DA. MA. PRODUZIONE Roma / P. A. C. Parigi
Duración aprox.: 94 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2012
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

La película “La Tarántula De Vientre Negro” es cine giallo de lo más selecto. Dirigida por el director italiano Paolo Cavara (1926-1982), este extraordinario largometraje destaca artísticamente por la magnífica labor realizada en el apartado de fotografía por Marcello Gatti, y por esta banda sonora de auténtico lujo tras haber sido compuesta por el genial maestro Ennio Morricone. Una brillante amalgama creativa para convertir el cine giallo en una experiencia inolvidable para los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta lujosa edición en formato DVD, publicada por Regia Films en el año 2012, habiendo incluido las escenas eliminadas en la versión oficial comercializada en España. Como es obvio, existe un paralelismo entre la forma de actuación que tienen las avispas de alas color salmón para paralizar a las tarántulas y así poder depositar sus huevos en el abdomen de su presa, y los salvajes métodos utilizados por este psicópata en su sangrienta e imparable acción al paralizar siempre a su víctima antes de asesinarla. El horror, omnipresente en este universo del cine giallo siempre poblado por psicópatas sedientos de sangre, por bellas jóvenes que serán sus víctimas, y por sagaces investigadores dedicados a desvelar quién es el asesino en tan esquivo y complejo caso. Una atrayente temática que hunde sus raíces conceptuales en la literatura extrema italiana nacida en la década de los treinta, y cuyo color de sus portadas dan nombre a este género cinematográfico (giallo, ‘amarillo’ en italiano). Pero la película “La Tarántula De Vientre Negro” también destaca por incorporar algunos elementos innovadores dentro de esta corriente artística al incluir como protagonista a un investigador, el inspector Tellini (actor Giancarlo Giannini), caracterizado por su ligera apatía y desdén inicial que irá cambiando hacia una actitud de mayor implicación en este caso según va afectando también a su círculo familiar más cercano. Un factor que resulta clave en la creciente empatía del espectador con quien ha de desenmascarar a este cruel asesino. Además, la entrada en escena de famosas actrices en aquella época como Stefania Sandrelli (interpretando a Anna Tellini), Barbara Bach (en el papel de Jenny), Barbara Bouchet (dando vida al personaje de Maria Zani) o Claudine Auger (Laura en esta película), eleva su valor cinematográfico con esta atractiva puesta en escena. Artísticamente, solamente la década de los setenta fue capaz de crear este incomparable y seductor encanto. La Muerte y la belleza femenina en esta siniestra danza como solamente pudo orquestar el director italiano Paolo Cavara dentro del cine giallo.

Cuando una mujer llamada Maria Zani (actriz Barbara Bouchet) es encontrada muerta en horribles circunstancias, el inspector encargado de su investigación no se ve del todo preparado para llevar a cabo este difícil trabajo. Pero su marido Paolo Zani (actor Silvano Tranquilli) no está muy conforme con la línea oficial de investigación que parece señalarle como culpable, y decide contratar a un detective privado (actor Ettore Mattia) para ayudarle a desvelar la verdad que resuelva de una vez por todas quién cometió ese acto brutal. Cuando otra mujer llamada Mirta Ricci es asesinada en su tienda (actriz Annabella Incontrera), es encontrada con signos de violencia muy parecidos al anterior caso, y el inspector Tellini comprueba que en estos asesinatos se está siguiendo un macabro ritual donde a la víctima se la paraliza con una punzada antes de ser apuñalada en el abdomen hasta la muerte. Cuando el inspector además comprueba cómo el asesino ha empezado a espiar a su esposa Anna, el crescendo en el suspense de esta intrigante historia irá a más hasta su sorprendente colofón final. Un largometraje extraordinario con imágenes y secuencias imborrables en la mente del cinéfilo afín a esta fértil creatividad italiana dentro del Séptimo Arte, como la estética barroca reinante en los primeros planos, la sensación de asepsia emocional que transmite la visión de las manos del asesino enfundadas en látex, la sorprendente entrada de Jenny en la casa del asesino, y es muy inquietante la visión de los maniquíes con su rostro indiferente, mostrándose incluso visualmente amenazantes y sarcásticos con sus sonrisas en algunas tomas como en el ataque del psicópata a Mirta Ricci. Impresiona la estética urbana moderna que presenta la toma cinematográfica de los edificios a nivel de suelo, pudiendo ver a Paolo Zani y a Mario (actor Giancarlo Prete) corriendo por la azotea, o el brutal ataque contra el inspector Tellini utilizando el camión de carga, mientras lo simbólico se materializa observando al gato rechazando la caricia del psicópata. “La Tarántula De Vientre Negro”, cuando la muerte se transforma en un sádico y terrorífico ritual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PHANTASMA (phantasm)”, 1979 (Reseña / Review #1719).

Posted on 11 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1719 // Reseña Media nº: 72
Reseña actualizada. Publicada el 1 de septiembre del año 2012 en Lux Atenea.

Director: DON COSCARELLI
Guión: DON COSCARELLI
Actores principales: MICHAEL BALDWIN (Mike), BILL THORNBURY (Jody), ANGUS SCRIMM (El Hombre Alto, The Tall Man)
País: EE.UU Año: 1979 Productora: NEW BREED PRODUCTIONS
Duración aprox.: 88 minutos
Publicado en España por: MANGA FILMS Año: 2002
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Phantasma” es una película de culto dentro del mejor cine fantástico y de terror, y cuyos cuidadosos encuadres de cámara dejarán muy sorprendidos a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. A pesar de que su director, el mítico Don Coscarelli, dispuso de un ajustado presupuesto para este largometraje, su impresionante calidad cinematográfica les hará comprender por qué “Phantasma” sigue teniendo tantos seguidores dentro del cine de serie B, venerándola como a una de las más brillantes obras. Mitad cine de terror, mitad cine de ciencia-ficción, de lo que no cabe la menor duda es que el talento artístico de Don Coscarelli nos ofrece escenas, personajes icónicos, y elementos inolvidables en este largometraje que aparecerían posteriormente en películas realizadas por otros directores. Desde la caja del miedo de la abuela vidente donde ha de introducirse la mano, y que luego se vería también en la película “Dune” (1984) de David Lynch, hasta las repentinas desapariciones de personas tras ser agarradas por seres que aparecen desde detrás los espejos, rompiéndolos para llevarse a la víctima, y que también se verá en películas de terror como “Pesadilla en Elm Street” (1984) de Wes Craven, entre otras. Además, en “Phantasma”, uno de los aspectos visuales que más me gusta de Don Coscarelli es cómo nos muestra esta sugerente estética siniestra donde no es necesario abusar de la oscuridad, sino que hace uso de la claridad para lograr inquietar al espectador como, por ejemplo, con los luminosos y amenazadores pasillos blancos de la funeraria con nichos a ambos lados. Todo esto unido a una buena banda sonora compuesta por Fred Myrow y Malcolm Seagrave para este largometraje, sumergirá mentalmente al cinéfilo lector de Lux Atenea en el ambiente y en los escenarios que aparecen en esta espeluznante historia de terror.

La película “Phantasma” comienza con la imagen de una funeraria en la oscuridad de la noche, y el encuentro de una pareja en el cementerio de Morningside que, como no podía ser de otra forma en un largometraje de este género cinematográfico, terminará en un asesinato. Con la llegada del día y la comunicación a Jody (uno de los protagonistas principales en esta trama) de la muerte de Tommy, víctima de ese encuentro nocturno, todos terminan creyendo que se ha suicidado. Pero ya solamente con contemplar la siniestra belleza de los pasillos de la funeraria, el espectador empieza a darse cuenta que esta película de serie B va a ofrecerle imágenes imborrables en su memoria. Una funeraria en color blanco inmaculado en el exterior y con un misterioso interior lleno de pasillos normalmente vacíos y decorados sobriamente, que se presenta como un lujoso mausoleo con estatuas sobre columnas y cortinas vino burdeos recogidas a cada lado. Una imagen estética en esta piedra blanca tan perturbadora donde sus vetas son las que verdaderamente nos hacen tomar consciencia de que son de piedra. Detalle importante porque no le hubiera ocurrido lo mismo al espectador al ver esos mismos pasillos con un color blanco crudo y uniforme. Retornando al protagonismo de Jody en esta historia, escuchará extraños sonidos en esos pasillos estando solo allí, y será la insistencia de su hermano Michael sobre que allí suceden cosas extrañas tras haber ido de incógnito al entierro de Tommy, lo que le llevará a iniciar una investigación. Es muy curiosa la disparidad de caracteres existente entre los dos hermanos, ya que Michael es mucho más extrovertido, impulsivo, decidido en pro de la acción, y todo lo fúnebre le provoca una irresistible atracción a pesar de lo impresionable que es. Todo lo contrario que su hermano Jody, mucho más serio, reservado, y analítico. Debido al inexplicable comportamiento del hombre de la funeraria (nombrado en esta película como El Hombre Alto) por los actos que protagoniza fuera de toda lógica, a partir de aquí, la trama se irá desarrollando con un suspense y un ambiente misterioso donde las sorpresas son constantes hasta llegar a su inolvidable final.

En este largometraje de terror hay elementos que son clave en el desarrollo de su trama, y que encantarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. Desde motos corriendo entre las tumbas del cementerio que sufren incomprensibles fallos en su motor que impide volver a ponerlos en marcha, hasta figuras extrañas que solamente se perciben con la mirada periférica, pasando por las terroríficas bolas voladoras que vigilan los pasillos de la funeraria, o con la visión de la tenebrosa caja de la anciana que provoca sobrecogedoras y angustiosas experiencias psicológicas en la persona que introduce en ella su mano. En “Phantasma”, son sus personajes los que te cautivan y te enganchan a su historia como la misteriosa abuela vidente a la cual consulta Michael, su nieta con la estrella de cinco puntas en su mejilla, la bella joven que coquetea con algunos hombres en el bar para luego llevarlos al cementerio para asesinarlos sobre una lápida, el siniestro empleado mudo, los enanos encapuchados que poseen una fuerza fuera de lo normal… todo en esta película es inquietante. Pero, por encima de todos ellos sobresale la icónica y tenebrosa figura de El Hombre Alto (The Tall Man), papel magistralmente interpretado por el mítico actor Angus Scrimm. El Hombre Alto se convierte en el maléfico e inolvidable personaje de esta película que, con solamente verle el rostro, ya te sobrecoge. Un ser con tremendos poderes, y cuya anatomía sigue estando viva aunque sea seccionada. Y si hablamos de escenas impactantes en esta película, quisiera destacar la secuencia de Michael perseguido por El Hombre Alto, la escena de la caja con el dedo, la secuencia donde se llevan una gran sorpresa cuando desenmascaran a uno de los enanos encapuchados, la fantasmagórica tienda de Sally, la imagen de El Hombre Alto en la puerta de la casa de Michael con ese fondo azul tan aterrador, y, sobre todo, uno de los mejores momentos de la película sucede cuando Jody hace una visita nocturna al interior de la funeraria. En definitiva, cuando vean la película “Phantasma”, seguro que la recomendarán a sus amigos y familiares como opción si desean disfrutar contemplando películas de serie B, películas de culto, películas de terror, o sorprendentes películas de ciencia-ficción. “Phantasma”, algo siniestro e inimaginable se oculta tras las puertas de la funeraria del cementerio de Morningside. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA MÁSCARA DEL DEMONIO (la maschera del demonio)”, 1960 (Reseña / Review #1718).

Posted on 11 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1718 // Reseña Media nº: 71
Reseña actualizada. Publicada el 24 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: MARIO BAVA
Guión: MARIO BAVA, ENNIO DE CONCINI y MARIO SERANDREI
Actores principales: BARBARA STEELE (princesa Katia Vajda / princesa Asa Vajda), JOHN RICHARDSON (Dr. Andrei Gorobec), ANDREA CHECCHI (Dr. Thomas Kruvajan), IVO GARRANI (príncipe Griabby Vajda / el príncipe, padre de Katia), ARTURO DOMINICI (príncipe Igor Javutich), ENRICO OLIVIERI (príncipe Constantine Vajda), ANTONIO PIERFEDERICI (sacerdote), TINO BIANCHI (Iván), RENATO TERRA (Boris)
País: ITALIA Año: 1960 Productora: GALATEA / JOLLY FILM
Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2009
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Cuando la literatura y el cine se integran perfectamente en la creación de una obra artística, en algunas ocasiones surgen películas de culto como “La Máscara Del Demonio” cuya mítica y tenebrosa aura aún perdura en esta segunda década del siglo XXI. Considerada como una de las obras cinematográficas más destacadas del género de horror, brilla con mayor intensidad iluminando la historia más prestigiosa del cine italiano. A través de esa expresividad tan característica que ofrece el celuloide en blanco y negro, lo que engrandece todavía más su magnífico guión son los personajes y el entorno donde se desarrolla la acción. Basada en el relato de terror “El Viyi” (1835) del maestro de la literatura decimonónica rusa Nikolái Gogol (1809-1852), la película “La Máscara Del Demonio” es cine de horror gótico dirigido por el mítico maestro italiano Mario Bava (1914-1980), quedando su talento y su pasión por el detalle visual perfectamente representados a través del simbolismo ritual de la máscara del demonio.

Rodeado por el tupido velo de la superstición, y bajo la protección del halo diabólico intemporal que sigue latente a lo largo del tiempo, solamente podrá liberarse rompiendo el sello nigromántico como mágico elemento resucitador tras la retirada de estas máscaras de los cuerpos y de la sangre. Aunque Mario Bava ya había trabajado anteriormente en otras películas, “La Máscara Del Demonio” se convertirá en el primer largometraje bajo la única dirección de este ilustre maestro, siendo el comienzo de una espectacular carrera dentro del Séptimo Arte que terminaría grabando su nombre con letras de oro en el altar del cine underground. “La Máscara Del Demonio” es una película de terror que disfrutarán intensamente los cinéfilos lectores de Lux Atenea, porque este mítico largometraje es perfecto para convertir una velada cinematográfica nocturna en un evento artístico de primer orden. Un obscuro espectáculo de imágenes góticas a cual más siniestramente bella e hipnótica, pero lo que más destacaría de esta obra maestra son los elementos simbólicos que encontrarán a lo largo de su visualización. Característicos de la escatología barroca marcada por la vida y el sufrimiento, la luz y la muerte, la esperanza y la presencia diabólica, ofrecen ese trasfondo sobrenatural más allá del alcance del ser humano ante las poderosas fuerzas del Mal a las cuales ha de enfrentarse. Una irresistible seducción a través de su tenebrosa armonía estética que hipnotizará a aquellos que adquieran esta magnífica edición en formato DVD publicada por Regia Films en el año 2009, habiendo sido engalanada su portada con el poster original con el cual se presentó la película en Italia.

Esta historia de terror situada en tierras rusas nos traslada al siglo XVII donde la princesa Asa Vajda (interpretada por la mítica actriz inglesa Barbara Steele) y el príncipe Igor Javutich (actor Arturo Dominici) son juzgados por unos inquisidores tras acusarlos de ser brujos y de adorar al Satanás. Ambos son condenados a una muerte horrible donde primero su piel será marcada con el ardiente símbolo de un hierro candente, para luego clavar en el rostro una máscara del demonio hecha de bronce. La princesa Asa Vajda antes de morir, lanza una maldición al gran inquisidor que se transformará en un maléfico espíritu de venganza que seguirá aún latente pasadas las centurias. Además, en el momento en el cual van a encender la pira para quemarlos, una terrible tormenta cae sobre ellos evitando que las llamas les consuman, provocando el miedo en los hombres del lugar. Posteriormente, en el siglo XIX, los doctores Thomas Kruvajan (actor Andrea Checchi) y Andrei Gorobec (John Richardson) camino a Moscú para la inauguración de un congreso, tras sufrir un pequeño accidente descubren una iglesia abandonada y la tumba de la princesa Asa en su interior. Retirando la máscara de su cuerpo sin vida, pero incorrupto como si el tiempo no hubiera pasado para ella, a partir de ese preciso instante, la maldición de la princesa Asa Vajda empezará a hacerse realidad. Este hecho pondrá en alerta a la princesa Katia Vajda y a su padre cuando observan el cambio producido en un cuadro antiguo donde se retrató a la princesa Asa. Cuando resucita a su amado príncipe Javutich, la Muerte empezará a hacer acto de presencia en este lugar con la aristocrática familia Vajda como objetivo principal de su venganza. Si a tan atrayente trama le unimos esta extraordinaria banda sonora compuesta por Roberto Nicolosi, e interpretada magistralmente por la orquesta dirigida por Pierluigi Urbini, la grandeza artística que adquiere esta película de horror no puede ser más contundente y persuasiva.

“La Máscara Del Demonio” es un largometraje que refleja una maléfica obscuridad y un inquietante suspense, y del cual resaltaría escenas e imágenes inolvidables como la impactante, agobiante, y terrible secuencia inicial de la película con la tenebrosa imagen de los inquisidores portando antorchas en mitad de la noche con niebla, la princesa Asa siendo marcada por tan siniestros verdugos, la penetrante mirada de odio y desesperación que ella lanza a los inquisidores, el lapidario discurso del príncipe Griabby Vajda (actor Ivo Garrani), gran inquisidor y hermano de la princesa, la horrible imagen del verdugo acercándose a la princesa mientras sujeta la máscara del demonio de afilados pinchos en su interior (¡¡¡aterrador!!!), y la escalofriante visión del verdugo con la maza dispuesta a clavar la terrible máscara en el rostro de la princesa. Un comienzo visualmente brutal por el horror de sus imágenes, y que será el inicio de una sucesión de escenas tan espectaculares como el fantasmagórico enterramiento del ataúd de Javutich en el cementerio de los asesinos y la sepultura del cuerpo de la princesa Asa en la cripta (¡¡¡impresionante!!!), el lúgubre magnetismo del coche de caballos cruzando el bosque a través de la densa niebla, la siniestra belleza de la cripta abandonada, el órgano en ruinas cuyos tubos emiten estos sonidos del inframundo gracias a la fuerza del viento, o la grandeza cinematográfica en la escena cuando los doctores entran en el mausoleo donde se encuentra el sepulcro de la princesa Asa, y donde el osario, los arcos, los pilares, los enrejados metálicos, la decoración arquitectónica… son extraordinariamente tenebrosos.

Impresiona ver la imagen infernal de la máscara de bronce cubierta de polvo y telarañas tras el paso de los siglos, la simbólica presencia de los escorpiones que aparecen en el rostro de la princesa cuando el doctor Kruvajan le quita la máscara, la visión de la princesa Katia con sus dos perros en la entrada a la cripta, el tenebroso diseño de la chimenea del palacio Vajda, y la decadente atmósfera que se respira en ese salón con la princesa Katia tocando el piano mientras su padre observa el fuego con la mirada perdida. Hay otras escenas a disfrutar como la impresionante secuencia cuando el padre de Katia ve la máscara del demonio en la copa que le ha traído su sirviente Iván (actor Tino Bianchi), la escalofriante secuencia cuando Asa reencarnada llama al príncipe Javutich para que resurja de su tumba, la impactante imagen de su resurrección al ser una de las más expresivas en esta película, la fantasmagórica imagen del coche de caballos observado por la joven aldeana y del cual me impresionó su lujosa y siniestra decoración. Todo en “La Máscara Del Demonio” es terror gótico. Las manos, el rostro, los gestos, la mirada, y el chirriar de uñas de la princesa Asa cuando se libera de su sepulcro delante del doctor Kruvajan, dan intensidad artística a una de las escenas más pavorosas e inolvidables, o la sacra belleza de la iglesia ortodoxa, la misteriosa atracción que siempre provocan los pasadizos secretos, o esta extraordinaria escena final con sorpresa incluida. En definitiva, una película convertida en el ejemplo más claro del cine de terror gótico, y con la brujería como telón de fondo para el disfrute de imágenes y escenas de gran belleza dentro del canon estético más siniestro. “La Máscara Del Demonio”, el talento artístico italiano dentro del cine de horror más excelso e inmortal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ÚLTIMO SAMURÁI (the last samurai)”, 2003 (Reseña / Review #1717).

Posted on 11 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1717 // Reseña Media nº: 70
Reseña actualizada. Publicada el 3 de abril del año 2013 en Lux Atenea.

Director: EDWARD ZWICK
Guión: JOHN LOGAN, MARSHALL HERSKOVITZ, EDWARD ZWICK
Actores principales: Tom Cruise (capitán Nathan Algren), Ken Watanabe (samurái Katsumoto), Tony Goldwyn (coronel Bagley), Timothy Spall (Simon Graham), Koyuki (Taka), Nakamura Shichinosuke (emperador Meiji), Masato Harada (Omura), Billy Connolly (sargento Zebulon Gant), Togo Igawa (general Hasegawa)
País: EE.UU Año: 2003 Productora: WARNER BROS. PICTURES
Duración aprox.: 148 minutos
Publicado en España por: WARNER HOME VIDEO, S.A.
Año: 2004 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “El Último Samurái” // Comentario del director Edward Zwick

La extraordinaria película “El Último Samurái” es cine épico de acción ambientado en el Japón del siglo XIX. Un próspero país en profunda transformación social, económica, y política situado en la encrucijada entre el tradicionalismo feudal representado por la figura del samurái y su código de honor, y la modernidad representada por el tremendo poder tecnológico e industrial que ésta desarrolla. Dos visiones sociales absolutamente incompatibles que terminarán en un enfrentamiento militar, originando una lucha desigual ante el gran desequilibrio existente entre el poder destructivo de uno y otro en el campo de batalla, quedando la balanza desnivelada de forma aplastante a favor de la modernidad industrial. Lo moral y lo ético son valores en decadencia dentro de una sociedad moderna unida al progreso tecnológico y científico inmerso en un mundo dominado por la Razón. La ética, la moral, la lealtad que en el mundo samurái lo es todo junto al honor, son valores sociales y personales profundamente enraizados en la vida tradicional, y es precisamente la visión realista del choque entre estos dos modelos de sociedad diametralmente opuestos donde el director estadounidense Edward Zwick alcanza su mayor profundidad conceptual en esta magnífica película. “El Último Samurái” es un largometraje que enamorará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea amantes del cine ambientado en Japón, y muy especialmente en todo lo relacionado con el fascinante y atrayente mundo de los samuráis. Eso sí, me ha resultado curioso comprobar cómo algunos críticos de cine consideran a Omura como un consejero un tanto negativo cuando, en realidad, lo que quiere es convertir a Japón en una poderosa nación que gracias a la Modernidad pueda tener independencia y no estar sometida a otras naciones extranjeras ya modernas. Reconozco que es muy atrayente dejarse arrastrar por el sentimentalismo romántico en referencia al tradicionalismo samurái, pero siendo realistas con la política internacional existente en la segunda mitad del siglo XIX, o una nación era moderna, poderosa, y tenía colonias a su servicio para explotar sus materias primas; o sencillamente pasabas a ser colonia o protectorado de otra nación, a ser condicionada y sometida por los intereses económicos y políticos de las naciones más modernas e industrializadas, y obligado a dejar anclado a tu sociedad tradicional en un nivel de vida mucho más bajo de lo que la Modernidad puede ofrecer, con las tensiones internas que ello puede generar en la ciudadanía a lo largo del tiempo. Porque la Modernidad no solamente trae consigo el acceso a poderosas armas, sino también una industrialización, una manufacturación, una mecanización, una electrificación, unos avances científicos y tecnológicos… que ninguna nación desea dejar a un lado cuando otras disfrutan de ese nuevo estatus tan poderoso. Y en política internacional, a las naciones débiles jamás se las respeta, convirtiéndose en peones de otras o desapareciendo absorbidas por naciones más fuertes.

La épica historia de “El Último Samurái” comienza con la imagen del samurái Katsumoto (actor Ken Watanabe) teniendo un sueño premonitorio unido simbólica y metafóricamente a un tigre. Tras esta impactante secuencia, viajaremos a la ciudad estadounidense de San Francisco, año 1876, abriéndose ante los ojos del espectador la alcohólica, decadente, y triste vida del capitán Nathan Algren (actor Tom Cruise), héroe nacional condecorado con la Medalla del Honor por su participación en la batalla de Gettysburg (1863) y por haber formado parte del legendario Séptimo de Caballería en la lucha contra los indios nativos. Una acción contra los pieles rojas de la cual no se siente nada orgulloso, pesando como una losa sobre su conciencia. Autotorturándose física y mentalmente, Nathan Algren ha terminado convirtiéndose en promotor de ventas al servicio de la famosa empresa fabricante de armas Winchester. Tras ser despedido, el sargento Zebulon Gant (actor Billy Connolly) le propone un trabajo bien remunerado acorde a su gran experiencia como militar, y en el que está en juego un fructífero negocio donde los Estados Unidos de América puede convertirse en el único proveedor de armas de Japón, a cambio de ayudar al emperador a llevar a cabo con éxito sus planes de reforma y modernización del país aplastando militarmente a aquellos que se le opongan. Nathan Algren y Zebulon Gant se reúnen con influyentes militares estadounidenses y diplomáticos japoneses entre los cuales destaca Omura (actor Masato Harada), consejero del emperador Meiji (actor Nakamura Shichinosuke), y el impasible coronel Bagley (actor Tony Goldwyn), oficial del Séptimo de Caballería que Nathan Algren ya tuvo como superior. El trabajo de Nathan Algren será ayudar al general Hasegawa (actor Togo Igawa) a adiestrar a sus tropas en el manejo de las nuevas armas. Una vez llega a Japón, allí se encuentra con un traductor y antiguo diplomático inglés llamado Simon Graham (actor Timothy Spall), el cual le pone al corriente de la vida y costumbres del país, sobre los grandes cambios que está experimentando la nación, cómo los samuráis se están oponiendo a esa modernización, y cómo ha de desenvolverse con las autoridades para poder cumplir su trabajo con eficacia.

Liderados por Katsumoto Moritsugu, prestigioso samurái que también fue maestro del emperador, los samuráis se han rebelado contra el emperador por traicionar la tradición ancestral en pro de la modernidad, negándose a aceptar los radicales cambios que quiere instaurar en toda la nación. Pero la autoridad del emperador Meiji está en cuestión ante los ataques de Katsumoto a todo lo que representa lo moderno, y sin esperar a que las tropas hayan terminado de ser entrenadas, se ordena al general Hasegawa que aplaste ese levantamiento. Envalentonados por la superioridad de fuego de las nuevas armas y por el mayor número de tropas que llevan a la zona de conflicto, las consecuencias de ese grave error de cálculo y de menosprecio del poder del enemigo no se harán esperar, siendo derrotados en el campo de batalla. Tras ser vencido, el general Hasegawa practicará el ritual del seppuku para no cargar con la deshonra de la derrota, y en ese mismo enfrentamiento militar Nathan comprobará la tremenda astucia y valor que los samuráis despliegan en la acción, siendo rodeado, herido, y hecho prisionero por orden de Katsumoto tras comprobar su gran valor en combate cuando estaba a punto de ser ejecutado por uno de sus samuráis. Katsumoto se lo lleva al campamento donde pasará el invierno, encargándose de su cura la propia hermana de Katsumoto llamada Taka (actriz Koyuki). Nathan era un hombre perdido interiormente y atormentado existencialmente pero, una vez recuperado, entre los samuráis recuperará su norte anímico y espiritual según vaya asimilando las costumbres y tradiciones de los samuráis (bushido) en una armonía interior tan intensa y vital como jamás hubiera experimentado antes en su vida. En el otro extremo, en el bando del emperador se ha comprendido que solamente con fusiles no podrán aplastar a los samuráis, y autorizando la compra de armas más poderosas entre las que se incluyen piezas de artillería howitzer y ametralladoras tipo gatling, despliegan una terrorífica e incontenible superioridad de fuego imposible de parar o derrotar usando armas tradicionales. “El Último Samurái” es un épico largometraje de acción, pero la épica solamente alcanza su estado más puro en su trasfondo heroico si la tragedia y el drama están presentes en la vida de los elegidos.

Los cinéfilos lectores de Lux Atenea se sorprenderán al comprobar que el rodaje en exteriores fue realizado en Nueva Zelanda, porque la ambientación ha sido lograda de forma impecable. También se han utilizado imágenes creadas por ordenador, haciendo que la mente del espectador se adentre rápidamente en la trama y en los escenarios donde se desarrolla esta historia, identificándose fácilmente con sus protagonistas y con las acciones en las cuales están involucrados gracias a este admirable realismo visual. Además, la intensidad emocional en la cual poco a poco nos vamos sumergiendo, convierten a “El Último Samurái” en toda una experiencia cinematográfica durante más de dos horas que dura esta película, Quedarán indeleblemente grabadas en la memoria algunas de estas bellas y extraordinarias imágenes y secuencias como, por ejemplo, la escena donde Nathan de nuevo se pone el uniforme e instantáneamente vuelve a revivir las carnicerías contra los nativos en las cuales participó, impresiona la excelente y meticulosa ambientación de la vida cotidiana de los ciudadanos japoneses en una ciudad de aquella época en rápida transformación, o la colosal batalla que se desencadena en el bosque cubierto por brumas entre las tropas del emperador y los sublevados con una carga de caballería samurái impresionante. Les cautivará la contemplación de la belleza que transmiten las armaduras de los samuráis, el sigiloso y letal ataque de los ninja al poblado ocultos en la oscuridad de la noche, o la épica batalla final donde el heroísmo y la valentía quedan perfumadas con la defensa de lo íntegro hasta la muerte. “El Último Samurái”, uno de los mejores papeles interpretados por el actor Tom Cruise, y con la espectacularidad y la magia cinematográfica ambientada en el Japón del siglo XIX. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

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Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la etiqueta: Cine

“HISTORIA MUERTA”, 2011 (Reseña / Review #1726).

“MARS ATTACKS!”, 1996 (Reseña / Review #1725).

“BULLET BALLET”, 1998 (Reseña / Review #1724).

“INSEPARABLES (dead ringers)”, 1988 – DAVID CRONENBERG (Reseña / Review #1723).

“MEPHISTO”, 1981 (Reseña / Review #1722).

“EL SILENCIO DE LOS CORDEROS (the silence of the lambs)”, 1991 (Reseña / Review #1721).

“LA TARÁNTULA DE VIENTRE NEGRO (la tarantola dal ventre nero)”, 1971 (Reseña / Review #1720).

“PHANTASMA (phantasm)”, 1979 (Reseña / Review #1719).

“LA MÁSCARA DEL DEMONIO (la maschera del demonio)”, 1960 (Reseña / Review #1718).

“EL ÚLTIMO SAMURÁI (the last samurai)”, 2003 (Reseña / Review #1717).