THE CURE «PORNOGRAPHY» (POLYDOR, 1982) (Reseña / Review #11).

Reseña Cultural nº: 11 // Reseña Musical nº: 4
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 11 de abril del año 2012 conmemorando el 30º Aniversario de la publicación del mítico álbum «PORNOGRAPHY» de la banda musical británica THE CURE.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

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THE CURE “PORNOGRAPHY”.
Publicado por: POLYDOR, (23 83 639), 1982
Edición comentada: LP vinilo 12” (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: SIDE ONE: 1- One Hundred Years // 2- A Short Term Effect // 3- The Hanging Garden // 4- Siamese Twins
SIDE TWO: 5- The Figurehead // 6- A Strange Day // 7- Cold // 8- Pornography

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THE CURE “PORNOGRAPHY”.
Publicado por: FICTION RECORDS, (827 688-2), 1986
Edición comentada: CD con libreto desplegable (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: Mismo listado de canciones de la edición en vinilo

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Publicado por el sello discográfico Fiction Records en el año 1982, desde entonces se han editado cuarenta y siete ediciones de este álbum en todo el mundo hasta este momento, siendo comentadas en esta reseña las ediciones originales correspondientes al vinilo publicado en España por el sello Polydor el mismo año de la presentación de este álbum, y la edición posterior en formato CD editada por Fiction Records en el año 1986. Retornando a la época cuando este grupo musical presenta tan impresionante trabajo, The Cure estaba formado por el alma mater del grupo Robert Smith (guitarra, teclados y voz) junto a Laurence Tolhurst (batería y teclados), y por el siempre admirado Simon Gallup (bajo y teclados). Además, para el fantasmagórico e inconfundible diseño de su portada pudieron contar con el magnífico trabajo artístico realizado por Ben Kelly para esta ocasión. Considerado como su obra maestra por excelencia por una gran parte de los fieles seguidores del grupo The Cure, porcentaje en el cual me incluyo, el excelso álbum “Pornography” cumple su trigésimo aniversario en este año 2012 y, como no podía ser de otra forma, en Lux Atenea le rindo este merecido homenaje a tan incomparable e irrepetible trabajo musical que llegó a marcar una época, y un estilo a la hora de componer canciones de siniestra belleza y tenebroso trasfondo psicológico. En “Pornography”, quinto álbum en su dilatada carrera musical que permanece aún latente en este siglo XXI, The Cure ahonda en el sufrimiento y el dolor del individuo atrapado entre la espada de su desesperanza interior y la pared de la incomprensión del mundo que le rodea, y es precisamente esa atmósfera oscura y decadente que permanece siempre a nuestro alrededor durante su audición como si fuera una tenebrosa niebla, la que logró que me identificara con este gótico influjo sonoro y lírico desde la primera vez que lo escuché. Desde entonces, y a pesar de las décadas transcurridas, el álbum “Pornography” sigue identificándome plenamente con sentimientos personales muy profundos que forman parte de mi perspectiva existencial a través de la cual veo y siento la vida. Aunque indiscutiblemente he evolucionado mental e intelectualmente desde entonces, este inconmensurable trabajo musical continua en perfecta armonía con mi alma tanto en su dimensión sonora como en su crudeza lírica. Si además unimos a esta calidad musical, el incomparable y rico sonido del vinilo en su audición durante el análisis cultural para esta reseña, el resultado final no puede ser otro que sentir las obras musicales compuestas e interpretadas por este mítico grupo en su registro sonoro más puro. Ocho magníficos temas vertebrando este álbum donde la contundencia del sonido en vinilo marca la diferencia en cuanto a calidad y a autenticidad en trabajos artísticos tan relevantes, especiales y profundos.

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Cuando la cara A del disco comienza a girar y la aguja empieza a recorrer el surco de este vinilo tan amado por los melómanos afines a The Cure, el potente tema “One Hundred Years” nos llevará a sentir esa áspera soledad que, en personas muy sensibles, se transforma en un plano existencial difícilmente soportable en su día a día. Una realidad cotidiana tenebrosa y amarga como la esencia de hiel, y que está constante e ineludiblemente presente en cada minuto de su vida como el acto de respirar. A continuación, ese funesto panorama existencial tendrá en la excelsa canción “A Short Term Effect” su siniestra recreación sonora a través de la crudeza vital más decadente, quedando reflejada en esta mirada al abismo desde el límite existencial del individuo cuyo fondo le atrae, le llama, e incluso le incita a lanzarse al insondable vacío sin saber muy bien por qué. ¡¡¡“A Short Term Effect”, innovación musical de inspiración gótica!!! Dando un giro conceptual muy rotundo al estilo musical hasta ahora disfrutado, la mítica canción “The Hanging Garden” se presentará para provocar en nuestra mente el recuerdo de otra época, de otras salas góticas ya desaparecidas, de otra generación y de otra forma de sentir la música gótica llamada entonces siniestra. Pero será con el tema “Siamese Twins” donde el desasosiego espiritual vuelva a aflorar en nuestras sensaciones a través de una estructura instrumental donde el talento musical de The Cure a la hora de componer, consigue sumergirnos en pasajes lóbregos y oscuros donde la luz interior de la persona termina siempre ensuciándose, corroyéndose y, finalmente, apagándose.

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Tras subir la aguja y apoyarla a un lado en su soporte del giradiscos, damos la vuelta al disco de vinilo y volvemos a depositar la aguja suavemente para que esta obra maestra de la música gótica llamada “The Figurehead” hable directamente a nuestra alma. La vida, la corrupta e insensible sociedad humana, la muerte del ideal en el individuo solitario, se transfiguran en este tema como una melancolía mortal extendiéndose con irremediable desesperanza. “The Figurehead”, aún sigo emocionándome cada vez que la escucho a pesar de los cientos de veces que habré disfrutado ya este tema. Dando continuidad a este viaje musical, seguiremos disfrutando de la maestría artística de The Cure contenida en este álbum con el siguiente tema: “A Strange Day”. Una simbólica visión de la insignificancia del individuo ante todo lo que corrompe sus sentidos y todo lo que entierra sus emociones en este mundo, llevándonos a sentir esta obra tan magistral con suma intensidad. ¡¡¡“A Strange Day”, contundencia musical gótica!!! Posteriormente, los vibrantes trasfondos sonoros de la canción “Cold” tomarán posesión de nuestras emociones para que luego sus potentes graves se yergan como colosos ante nosotros. En el tema “Cold”, lo sublime ha sido creado y concebido para lograr teñir de color negro cada una de las lógicas procedentes del Ego en una fantasía gótica final de tenebroso y sobrecogedor horizonte. “Cold” es, sin duda alguna, una de las mejores y más lúgubres canciones compuestas por The Cure. Finalmente, con el tema homónimo del álbum, llegaremos a este grandioso punto y final donde, de nuevo, el ingenio musical de The Cure se presenta en una de sus vertientes creativas más innovadoras y vanguardistas de esta época. Lujo musical sombrío y decadente para poner sonido ambiente al final de la última esperanza puesta en esta vida. “Pornography”, si quieres sentir la belleza musical más siniestra creada por The Cure, ésta será la referencia discográfica más recomendada. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CHARLES BUKOWSKI «LO MÁS IMPORTANTE ES SABER ATRAVESAR EL FUEGO» (LA POESÍA SEÑOR HIDALGO, 2002) (Reseña / Review #10).

Reseña Cultural nº: 10 // Reseña Literaria nº: 4
Reseña actualizada. Publicada el 12 de octubre del año 2006 en Lux Atenea.

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Publicado por : La Poesía, señor hidalgo
ISBN : 84-95976-04-8
Edición : 2002 (EDICIÓN COMPRADA)

CHARLES BUKOWSKI LO MAS IMPORTANTE ES SABER ATRAVESAR EL FUEGO la poesia señor hidalgo

El impresionante libro “Lo más importante es saber atravesar el fuego” es una contundente muestra de los instintos autodestructivos que definieron la vida del maestro de la literatura estadounidense del siglo XX Charles Bukowski (1920 – 1994), tras ser esculpidos, cincelados y pulidos artísticamente con todo lujo de detalles por este poeta inmortal en su máquina de escribir. Así de intenso y vital fue el día a día para Bukowski. Marcado por la sensibilidad, su perspectiva existencial encuentra siempre a la realidad cotidiana propia de la modernidad harto dura y cruel para su ser, y lo siente como un entorno hostil que lo somete constantemente a una presión injusta y desproporcionada. Con estas malas cartas en su mano servidas para ser jugadas en el póker de la vida, vicios como el alcohol y el sexo fueron los que finalmente le permitieron seguir adelante con un plus de energía vital que diera continuidad a su vida a la espera del momento ineludible. Incluso su afición por las apuestas en las carreras de caballos, para él siempre fue un riesgo controlado que le proporcionó sorpresas de lo más sustanciosas en lo económico. Charles Bukowski fue un incansable rebelde en la defensa de su propia causa, pero su causa es la causa del marginado, del inadaptado, del solitario, del perdedor, del individualista, del vividor, del existencialista, del filósofo, del observador, del analista… en definitiva, del individuo no domesticado por la sociedad moderna. Un poeta muy especial para los outsiders, para las personas situadas fuera de los muros de la modernidad. Poseedor de una personalidad indomable desde muy joven, ni la violencia que mostraba su padre contra él pudo sofocar su rebeldía, como tampoco las palabras lapidarias de su familia pudieron hacer mella alguna en su firme determinación, ni la enfermedad o la debilidad física llegaron a ponerle de rodillas. Las traiciones o el despecho no hicieron que bajara su firme mirada al horizonte, ni las dificultades económicas o la pobreza lograron apagar su llama vital y su esperanza en un futuro mejor para él y, lo que es más importante: el contacto directo con el éxito literario y sus dulces frutos económicos no llegaron a contaminar su alma con los terribles venenos psicológicos de la vanidad y de la arrogancia. La propia vida no lo encadenó ni lo sedujo con la atrayente fuerza mental de lo obvio y de lo palpable, y ni tampoco la incertidumbre que anuncia la llegada de la muerte mermó lo más mínimo sus ganas de abandonar el barco en este océano de la vida en el que nunca se sintió feliz, o seguro, o comprendido. Una empatía hacia la vida cotidiana socialmente establecida que estuvo total y absolutamente ausente en su interior porque ese no era ni su entorno ni su mundo.

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Paradójicamente, el alcohol enseñó a Bukowski cómo debía moverse en la vida, dándole esa energía y ese valor tan necesarios para no quedarse paralizado. El placer carnal le dio a probar esa fruta prohibida cuyo dulzor hacía que este mundo cruel y desalmado dejara de existir temporalmente. La soledad le permitió respirar profundamente en un mundo moderno obscuro y contaminado que oprime y angustia al espíritu. Hasta las apuestas hípicas le enseñaron que, en esta vida, la Rueda de la Fortuna rueda y rueda dejándonos unas veces arriba y otras abajo, unas veces nos atrae y otra nos repele, unas veces somos guías y otras los guiados, unas veces somos reyes, y otras, esclavos. Como analista cultural non-mainstream, invito a los cultos lectores de Lux Atenea a experimentar y sentir la visión urbana de este poeta leyendo “La luna llena”. Deja que tu mente se pierda con su “La danza de la vida”, y sé selecto, sé duro, sé drástico mientras laten en tu cerebro las intensas palabras de “Sigue la disputa”. Observa el fondo real del espíritu humano en las palabras de Bukowski que dan forma a “¡Victoria!”, y disfruta de la fragancia que emana de la Música Clásica en “Unas notas sobre Bach y Haydn”. Comprende que todo en esta vida es fugaz leyendo “El perro blanco”, aprende los roles sociales en “Gatito”, y quémate con la cruda realidad de “Un voto a favor de la cálida luz”. Siente el mordisco de la vida en tus carnes en “Un desperdicio”, y mira cuál es tu destino en clave poética en “Dejarse llevar”. Mira el ocaso en el horizonte con “El cigarrillo del Sol” y déjate seducir con “Demencia”, para luego comerte la realidad a mordiscos leyendo “Manual de combate”. Gira tu cabeza hacia arriba mientras “La crisis (2)” se disuelve en el aire con el viento, dejando salir tu sonrisa más auténtica durante la lectura de “Nadie sabe los líos que he tenido”, dejando tu experiencia vital a flor de piel en “Las señoras peligrosas”. O aprende a comportarte en “El capitán Goodwine”, abriendo las ventanas al inconfundible olor urbano de “Ahora mismo en esta ciudad” para luego, situarte al borde del abismo para escuchar el eco de “Tira los dados” mientras lo recitas. Una última apuesta literaria: un sueño llamado “Mariposas”. Sin ningún género de duda, con sus más de ochocientas páginas, “Lo más importante es saber atravesar el fuego” es uno de los libros más completos y fascinantes que se haya publicado sobre la ilustre obra poética de Charles Bukowski. Como interesante apunte, esta edición es bilingüe, y se agradece enormemente si el idioma inglés no ofrece problemática alguna a quien lo lee ya que te permite sentir y entender el estilo y el mensaje de Charles Bukowski con total autenticidad. “Lo más importante es saber atravesar el fuego”, una edición de auténtico lujo que engrandece culturalmente a una buena biblioteca. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THE CURE “FAITH” (FICTION RECORDS, 1981) (Reseña / Review #9).

Reseña Cultural nº: 9 // Reseña Musical nº: 3

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 21 de noviembre del año 2011 conmemorando el 30º Aniversario de la publicación del mítico álbum «FAITH» del grupo musical británico THE CURE.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: FICTION RECORDS, (23 83 605), 1981
Edición comentada: LP Vinilo (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: SIDE A: 1- The Holy Hour // 2- Primary // 3- Other Voices // 4- All Cats Are Grey
SIDE B: 5- The Funeral Party // 6- Doubt // 7- The Drowning Man // 8- Faith

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Tres décadas han pasado ya desde la presentación oficial de esta joya discográfica de la música gótica. Publicado en el año 1981, la calidad musical que atesora el álbum “Faith” en su interior fascinará a todos los melómanos lectores de Lux Atenea que buscan entrega artística en cuerpo y alma en una obra musical destinada a estimular el espíritu, aunque sea a través de la visión de esa belleza oscura perfectamente identificable con la enigmática esencia humana. Para analizar y escribir esta reseña he seleccionado la edición original del álbum “Faith” publicada en el incomparable e insustituible vinilo, siempre tan fetichista, puro y cargado de autenticidad en relación al registro sonoro de las canciones. Una reseña perfilada emotiva y sentimentalmente como tributo personal al grupo The Cure, convirtiéndose en uno de los momentos más especiales que he tenido en esta página web cultural analizando y disfrutando un álbum musical. “Faith” es un impresionante trabajo artístico de calidad lírica incomparable y siniestra belleza sonora cuya canción homónima, con el paso del tiempo, ha terminado convirtiéndose en el inolvidable testimonio sonoro de otra época dentro de la historia de la escena gótica española, ya extinta en la actualidad en voluntad creativa, espíritu, y cultura: la escena gótica española de la segunda mitad de la década de los ochenta y de los noventa. En la actualidad, veo demasiado culto a la imagen y falta alma en esta escena.

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Con una portada del álbum marcada por el espíritu decimonónico del Romanticismo al contemplar la abadía de Bolton apenas perceptible en medio de la niebla, en el año 1981, “Faith” se presentó como el tercer álbum de esta banda musical publicado por el mítico sello Fiction Records, cuyo nombre está indisolublemente unido al grupo The Cure. Liderado por Robert Smith (teclados, guitarra y voz) acompañado por Laurence Tolhurst a la batería, y con el siempre admirado Simon Gallup inequívocamente unido al bajo, en este nuevo trabajo musical presentaron ante su público ocho nuevas canciones auténticamente oscuras y sentimentalmente siniestras, marcadas profundamente por el decaimiento espiritual y muy decadentes en su visión terrenal de lo humano. Con la sonrisa del amante de la soledad siempre presente en el trasfondo de cada uno de estos temas, este álbum representa la actitud existencial del indomable ante las adversidades que siempre nos trae el destino durante nuestra existencia en este mundo gris y sin alma alguna. Pero el álbum “Faith” también tiene ese perfil depresivo que tanto atrae a quienes sufren en soledad, y a quienes encuentran siempre la incomprensión como respuesta tras sus muestras de afecto hacia los demás. “Faith” es un álbum emocionalmente duro e inhóspito pero… ¡¡¡qué oscura belleza se presenta en cada uno de estos temas cuando los escuchas!!! “Faith” es la cruda soledad del individuo aunque esté rodeado de gente, aunque esté en pareja o en familia, porque su esencia conceptual es profundamente reflexiva, y este tipo de reflexiones solamente dan su fruto al individuo cuando lo busca en el fondo del abismo situado en las profundidades de su interior donde habita el alma.

BOOKLET OFICIAL THE CURE THE PRAYER TOUR

Iniciamos la audición de esta joya discográfica con treinta años de historia depositando suavemente el vinilo en el plato del giradiscos. La aguja comienza su viaje por el surco de vinilo y, cuando el tema “The Holy Hour” empieza a sonar para adueñarse de nuestro espíritu con su siniestro influjo, el gélido resoplo invernal del álbum “Faith” toma fuerza hasta hacer de la canción “The Holy Hour” ese retorno a la sacralidad primigenia del ser humano. Una esencia gótica que intensificará su pulsante sonoridad en una de las joyas musicales incluidas en este álbum: “Primary”. Una de las canciones de obligada presencia en los locales góticos madrileños de la época anteriormente descrita, y que más viveza y emociones solía despertar entre el público asistente. ¡¡¡“Primary”, no me cansaré nunca de disfrutar este tema!!! Con el tema “Other Voices” sonando a continuación, el retorno a lo lúgubre y fantasmagórico a través del inconfundible estilo musical de The Cure se convertirá en uno de los momentos más íntimamente reflexivos de esta obra maestra. Una textura sonora que es una auténtica delicia escucharla mientras caminas por las calles de una ciudad cubierta por el cielo gris y con la lluvia cayendo en sus calles. Un paseo en solitario mientras observas a tu alrededor tratando de entender qué sentido tiene la propia existencia en una sociedad tan distinta a uno, tanto en sus valores como en su sentido de la realidad. Posteriormente, cuando aparezca otra de las joyas musicales de este álbum titulada “All Cats Are Grey”, la mirada a través de la ventana de una casa, a través de la ventana de un autobús urbano, a través de la ventana de un tren que nos lleva a nuestro destino, se transformará en uno de los momentos musicales más intensos de este álbum y con la voz de Robert Smith como lírico telón de fondo de auténtico lujo. El plano instrumental para piano al final de de este tema… ¡¡¡una siniestra delicatessen!!!

invitacion brujas madrid

Damos la vuelta al disco y, en su cara B, la excelsa canción “The Funeral Party” me vuelve a traer recuerdos invernales de la ciudad de Madrid cuando iba en transporte público acompañado de mi indispensable walkman camino de la sala Brujas. El tema “The Funeral Party” es una de las canciones que más identifico en mi mente con el ambiente del mítico Brujas, tal vez, porque su lento y oscuro tempo define perfectamente la atmósfera y el latir del público en este local. ¡¡¡“The Funeral Party”, una exquisitez musical entre las gloriosas joyas góticas que vertebran este álbum!!! Con el sentimiento a flor de piel, la contundente canción “Doubt” romperá ese equilibrio mental en el que nos habíamos sumergido para ofrecernos potente energía vital muy concentrada. Música marcada por el inconformismo existencial afterpunk dominante en esa época, y por la rabia interior de quien no está dispuesto a rendirse ante las adversidades que le puedan llegar en el futuro. En cambio, el tema “The Drowning Man” se presentará mucho más idealista, y con el anhelo de quien desea alcanzar aquello que considera supremo y fundamental en el plano existencial que le ha tocado vivir. Un esfuerzo constante tratando de elevar su realidad hacia planos existenciales más propios de lo divino, y que convierte a la soledad en el mayor reto al que deberá enfrentarse para alcanzar el éxito de su voluntad. Y como su peor enemigo está dentro de él mismo atenazando su alma, cualquier caída en la desesperación mental y en la depresión psicológica encontrará en el siniestro influjo musical de la canción “Faith”, esos sonidos y esas cadencias rítmicas que logran transmitir con nitidez el estado interior en el que se encuentra la persona. Pocas canciones góticas he escuchado que hayan conseguido transmitir el decadente espíritu gótico de forma tan magistral y emotiva. Incluso, tal vez sea un tema tan excelso como “Faith” el que mejor ha definido el espíritu artístico del grupo The Cure a lo largo de toda su carrera, porque “Faith” es el himno musical por excelencia del individualismo y de la soledad del gótico en este mundo. El ocaso final de la canción “Faith”, sin duda alguna el mejor cierre musical de un álbum de The Cure e imposible de superar. ¿Se puede pedir mayor calidad a un álbum de The Cure? Sencillamente no.

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Al grupo musical The Cure lo he visto en concierto en varias de sus giras, pero uno de los momentos inolvidables que viví fue la sublime interpretación del tema “Faith” en el concierto ofrecido en el año 1989 en la plaza de toros de Las Ventas (Madrid). Un glorioso evento perteneciente a su gira “Prayer Tour”, como pueden comprobar en la imagen de la entrada al concierto incluida en esta reseña. La canción “Faith” se convirtió en el cierre final de su tercer y último bis en este concierto tras haber terminado de interpretar el impresionante tema “Untitle”. El tema “Faith” sonó eterno en tan selénico ambiente veraniego, mientras la fantasmagórica y siniestra voz de Robert Smith iba decayendo poco a poco siguiendo el tempo marcado por Simon Gallup al bajo. Un final apoteósico para un concierto irrepetible. Una canción que, con solo escucharla y cerrar los ojos, parece que estoy de nuevo allí en mitad de la noche. En otro escenario musical completamente distinto, la canción “Faith” siempre me hará recordar a la sala gótica por excelencia de la escena madrileña: la mítica sala Brujas. Pero el Brujas no era únicamente una sala gótica entrañable, sino el lugar de reunión de un grupo de personas tan amantes de la individualidad como apasionados por la música gótica, o siniestra, tal y como entonces se la denominaba. Dentro de ese espíritu social inquieto y abierto a lo auténtico, cuando escucho varias de las canciones que componen este excelso álbum de The Cure, no puedo evitar que mi mente me vuelva a trasladar a ese mágico ambiente en el cual los góticos salían a divertirse, no a que los diviertan como sucede actualmente. Una época en donde las personas intercambiaban sus conocimientos (sobre todo musicales), sus inquietudes, sus opiniones, sus experiencias, sus sueños, sin que las suspicacias, las envidias o los malos rollos se desataran. Todo lo contrario de lo que sucede en la actualidad. Una época donde las personas que asistíamos a los conciertos pudimos vivir momentos irrepetibles porque vivimos ese presente único de manera intensa. Lo gótico, para nosotros, no era una moda o una pose, sino una perspectiva existencial para sentir la vida que queríamos disfrutar y experimentar. Tal vez el tema “Faith” sea la crónica sonora del final de esa época o, al menos, así me lo llega a parecer algunas veces cuando lo escucho. En la actualidad, es una pena que la escena gótica se muestre tan tensa con lo cultural, tan tensa con quienes amamos la Cultura Gótica, y más en estos últimos años ya que estamos viviendo una era artística tan rica y variada. Es una pena que los egos y las envidias lo estén enturbiando todo.

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En definitiva, cuando vuelvo a escuchar este evocador álbum con todas las emociones y sensaciones que estas canciones me provocan, compruebo fielmente que, a pesar de estas tres décadas transcurridas, y de los vasos de hiel que la experiencia en esta vida te exige beber, mi alma no ha cambiado nada en mi verdadera esencia y prueba de ello es poder dedicar este tributo al excelso álbum “Faith” en esta página web cultural.. ¡¡¡treinta años después!!! Hay personas que vieron lo gótico como una moda y ahora, seguramente, incluso rechazarían esa época vivida. En cambio, para mí sigue siendo una época muy especial donde aprendí mucho, donde disfruté mucho, y donde estuve allí donde la Cultura Gótica latía con fuerza en la ciudad de Madrid. Tiempo después, en esa misma época mostrarían estas raíces conceptuales la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, la innovadora página cultural digital Shadow´s Garden, y, a partir del año 2006, es Lux Atenea la heredera de todo el legado de tan magna época gótica en España. “Faith”, uno de los tres álbumes más gloriosos y oscuros dentro de la larga carrera discográfica del grupo musical The Cure. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CHARLES BUKOWSKI “EL INFIERNO ES UN LUGAR SOLITARIO” (TXALAPARTA, 2002) (Reseña / Review #8).

Reseña Cultural nº: 8 // Reseña Literaria nº: 3
Reseña actualizada. Publicada el 12 de octubre del año 2006 en Lux Atenea.

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Publicado por : Editorial Txalaparta
ISBN : 84-8136-077-5
Edición : 2002 (EDICIÓN COMPRADA)

Bukowski el infierno es un lugar solitario Txalaparta

Sería muy sencillo empezar estas reseñas dedicadas al maestro de la literatura del siglo XX Charles Bukowski (1920 – 1994) resumiendo su vida en una serie de fechas y lugares, pero la relevancia de este poeta estadounidense fue mucho más allá, quedando en un segundo plano el conocer esos datos que, aunque importantes, son ensombrecidos por la vanguardia y la honestidad mostrada de su grandiosa obra literaria. Como analista cultural non-mainstream, creo que lo que verdaderamente motivará a los bibliófilos lectores de Lux Atenea a adentrarse en sus poemas perfumados con la realidad humana en la modernidad urbana y cosmopolita es invitarles a descubrirlo, a sentirlo, a comprenderlo, y, para conseguir este propósito nada mejor que sumergirse en su arte poético tan particular y único. En el extraordinario libro “El Infierno es un Lugar Solitario” encontrarán una inteligente vertebración de sus versos ordenados por el pilar conceptual más claro y directo para su autor: la jungla urbana y humana. Porque si cogemos sus poemas urbanos tal cual están y los destilamos, el amargo licor que de ellos obtendremos olerá a eso mismo: olerá a asfalto, a suciedad, a pobreza, a rincones oscuros, a humo… y, sobre todo, a desesperanzada modernidad. Así de contundente en sus versos descriptivos se presenta el ilustre poeta Bukowski en estas páginas porque leer y sentir los versos escritos por Charles Bukowski, es escuchar el ruido del motor de un viejo coche mientras lo conducimos por las calles de la ciudad, es ver brillar el pelo de una mujer en una habitación a la cual ni siquiera conocemos, es el paseo por las calles de nuestra ciudad buscando algo que no vemos ni tenemos la certeza de que exista, es tomarse un café en solitario en una cafetería solitaria en una noche solitaria, es el culto al placer carnal por el placer carnal porque solamente con el placer carnal abandonamos por unos instantes este mundo tan aborreciblemente asexuado como un eunuco. Leer a Bukowski es burlar el dominio del tiempo sobre nuestra vida bebiendo unas copas cuyo alcohol convertirá nuestra inminente rendición existencial en una befa a ese mismo destino.

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Versos transformados en una serie de pasajes inconfundiblemente urbanos y cosmopolitas que Bukowski describe poéticamente, desvelándonos nuestro crudo abandono en la vida moderna porque para este ilustre escritor de realidades, no dejamos nunca de sentir ese abandono desde que nacemos. Por este motivo, sus geniales versos resplandecen obscuramente como los versos del individuo desamparado en la jungla urbana y humana, y cuyos vicios no son otra cosa que desconexiones de una realidad en la que no encaja, ni encajará jamás. El individuo urbano y moderno bebe alcohol para resistir, se sumerge en el placer carnal para resistir, le apasiona la lectura para resistir, incluso escribe para resistir, pero, ¿para resistir el qué? Para resistir la propia vida. Pero, y el infierno, ¿dónde está el infierno? Aquí, alrededor nuestro porque vivimos en él. Y la soledad, ¿dónde está la soledad? Cobijándose en nuestro interior. Y el placer, ¿dónde está el placer? El placer está sólo en el lugar donde no se ve la vida moderna, donde no se ven los rostros en sociedad, y donde no se escuchan las palabras de otros. Allí donde no se escucha a nadie, y donde todo huele a sexo y alcohol embriagándolo todo. Y Bukowski, ¿quién fue Charles Bukowski? Bukowski eres TÚ en la jungla urbana de una ciudad moderna porque “La pelirroja”, “Elogio al infierno de una dama”, “Conduciendo a través del infierno”, “Nirvana”… son versos que no son versos: son experiencias. Son los numerosos tragos amargos y escasos tragos dulces que todos hemos de beber durante la vida. Si a todo ello le unimos el factor visual a través de las fotografías incluidas en las páginas de este libro, es verdad que son escasas, pero son profundamente impactantes por su cotidianidad al igual que las cartas que aquí encontrarán, tan claras y dominantes como el frío que emana del hielo. Fotografías y cartas, imágenes que han quedado como testigos de la huella artística y humana de este poeta intemporal, además de las huellas dejadas en el suave tacto del cristal de una botella de whisky. Y no te molestes en buscar la técnica en sus versos… ni Bukowski lo intentó buscar. “El Infierno es un Lugar Solitario”, tan solo déjate llevar por emociones, impresiones y sentimientos durante su apasionante lectura. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LO BELLO Y LO SINIESTRO”, EUGENIO TRÍAS (ARIEL, 2001) (Reseña / Review #7).

Reseña Cultural nº: 7 // Reseña Literaria nº: 2
Reseña actualizada. Publicada el 25 de abril del año 2006 en Lux Atenea.

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Publicado por: EDITORIAL ARIEL, S.A.
ISBN: 84-344-1219-5
Edición: 2001 (EDICIÓN COMPRADA)

EUGENIO TRIAS LO BELLO Y LO SINIESTRO

De nuevo he vuelto a releer este extraordinario libro que resulta imprescindible para poder reconocer con claridad y en todas sus variantes, la Belleza contenida en cualquier manifestación artística. Publicada originalmente en 1982, este ejemplar del libro pertenece a la edición del año 2001, habiendo sido publicado en varias ediciones debido a la relevancia de este detallado estudio sobre la Belleza, y sobre cómo es interpretada por la persona que la observa. Sin duda alguna, el libro “Lo Bello y lo Siniestro” se ha convertido en la referencia literaria de obligada lectura para cualquier persona interesada en analizar la Belleza dentro del Mundo del Arte, como así podrán comprobarlo fielmente los cultos lectores de Lux Atenea. Su autor, el filósofo español Eugenio Trías (1942 – 2013), profesor de Filosofía en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, tiene la difícil y elogiosa habilidad de explicar lo complicado con palabras sencillas, y de transformar lo complejo y conceptualmente escurridizo en algo perfectamente entendible y sencillo. Dividido en cinco grandes apartados (lo bello y lo siniestro, el cuadro que nunca fue pintado, el abismo que sube y se desborda, Freud y la tragedia griega, y, escenificación del infinito-interpretación del barroco-), en este libro, el ilustre catedrático Eugenio Trías sabe muy bien cómo despertar el interés del lector con habilidad, y sabe cómo estimular constantemente su curiosidad de forma didáctica hasta la última página. Partiendo de la base de que la Belleza es un concepto subjetivo íntimamente ligado a la moral social reinante, independientemente de los cánones de belleza establecidos por la sociedad, independientemente de la cultura o de la sociedad donde ésta se manifiesta, siempre tendremos tres categorías o niveles con los cuales poder clasificar a la Belleza: lo bello, lo sublime y lo siniestro. Indiscutiblemente, esta clasificación y esta valoración de la misma podrá ser tomada en este mismo orden, o en orden inverso, dependiendo de los valores morales y estéticos de la sociedad. Por este motivo, es conveniente diferenciar cada una de estas categorías o niveles definidos por el efecto que provoca la Belleza en el individuo que la observa:

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1- Lo bello será cuando una obra de Arte contenga lo infinito en su finitud. Cuando contenga ese halo divino palpable, asequible, y consiga hacer del ideal algo físico. Con lo bello, uno cree que lo ideal es físicamente posible y ese es el punto de ruptura de lo bello respecto a lo común, a lo cotidiano, y a lo normal. Lo bello será la primera etapa y el inicio del camino iniciático del ser humano hacia lo divino.

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2- Lo sublime será aquello que traspase los límites de lo bello y, por lo tanto, al estar más allá de lo bello provocará en la persona sentimientos de inferioridad. El individuo se encuentra frente a sus propios límites y, por este motivo, lo sublime hará que la Belleza le muestre una cara dolorosa al atacar su ego humano porque lo sublime hace bajar del pedestal al endiosado y soberbio ser humano. Al contrario que lo bello, lo sublime será aquel ideal físico intocable. Con lo sublime, ese límite obvio de lo bello queda eliminado y claramente se rompe el mapa del camino iniciático del ser humano hacia lo divino. El camino marcado desaparece y, frente a él, se pierden las pistas y las señales que le guiaban, irguiéndose ante él lo colosal, lo grandioso, lo etéreo, lo innabarcable… en resumidas cuentas, todo aquello que hace que la persona se vea en esta vida con la importancia y con la trascendencia de un grano de arena en mitad de un desierto. Por este motivo, la característica principal de lo sublime es el derribo del excesiva cualidad anti-natural que define al ser humano, ya que el ser humano está siempre intentando situarse al margen de las leyes de la Madre Naturaleza en su realidad existencial.

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3- Lo siniestro será aquello que está más allá de lo sublime. Lo siniestro será la condición límite de una forma estética o de una representación artística. Lo siniestro será tanto la intensa luz cegadora como la oscura sombra que algo oculta, siendo aquello que no se observa claramente pero se siente su presencia. Lo siniestro como límite de Belleza siempre se moverá en esa frontera que separa la máxima Belleza y el abandono del simbolismo representativo. La ruptura del idealismo estético a través de la visión cruda de la Belleza es otra de las características que definen lo siniestro y, por este motivo, habrá quienes nunca contemplen lo siniestro como límite de Belleza, sino como lo que está fuera de la Belleza, o lo que no es Belleza. Este es el riesgo que se corre cuando alguien se mueve en estos límites artísticos: podrá ser acusado de estar fuera de esos límites. Una de las características principales de lo siniestro es la reacción de rechazo que provoca cuando se manifiesta sutílmente en las cosas o en los entornos familiares, íntimos, sospechosamente apacibles, o en esas sensaciones propias de la infancia que permanecen aún vivas de forma oculta en el presente consciente de la persona. Además, lo siniestro es condición de lo místico, manifestándose en la doble lectura, en la lectura entre líneas, en la fantasía del deseo que se teme y que se convierte en realidad como vía de aprendizaje y de comprensión de nuestro Yo, resumiéndolo todo a su esencia fundamental que bajo la influencia de lo siniestro, esa misma Belleza produce un acercamiento a nuestra incomprensible alma y al obscuro universo de nuestro inconsciente. De ahí la atracción y la repulsión que a su vez provoca la mirada a lo siniestro.

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Lo bello es para el ser humano el inicio del camino hacia el sufrimiento, lo sublime es su subyugación psicológica, y lo siniestro es la materialización de sus temores y de sus miedos que, aunque presentidos, hasta ese momento permanecían ocultos. Nunca olviden los bibliófilos lectores de Lux Atenea que el Arte conduce a la Verdad, y no a la realidad que percibimos con nuestros sentidos porque el Arte confronta la Verdad con esa realidad. Una de las condiciones para que una obra sea Bella es su capacidad de revelación, y de ocultación (factor siniestro), porque el Arte tiene dos caras: es ilusión y, a su vez, es revelador. “Lo Bello y lo Siniestro”, cuando tener un ejemplar de este libro en su biblioteca personal y privada es un claro signo del profundo interés y de la eterna pasión por el Arte y por la Filosofía. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

REVISTA CULTURAL GÓTICA ATIS&NYD (1999-2002) (y Tercera Parte) (Reseña / Review #6).

Reseña Cultural nº: 6 // Reseña Magazine nº: 3

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 29 de octubre del año 2009 en Lux Atenea conmemorando el 10º ANIVERSARIO del NACIMIENTO de la REVISTA CULTURAL GÓTICA ATIS&NYD (1999 – 2002, 12 números publicados).

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La Cultura seguía demostrando con la rotundidad de los hechos que estaba por encima de todo dentro de la escena gótica nacional e internacional. Lo único que estaba fallando hasta entonces en la escena gótica española respecto a sus publicaciones, era la marginación informativa que mantenían la mayoría de las otras revistas hacia todo lo relacionado con la cultura gótica no-musical y, en cambio, muchos artistas musicales nacionales e internacionales se sentían completamente identificados con esa otra cultura gótica no-musical. Mis contactos culturales provocaron una apertura internacional de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD que facilitaría su distribución y venta con sorprendente éxito en países como Francia, Portugal, Reino Unido, Alemania, Bélgica, Italia, Dinamarca, EE.UU, Holanda,… llegándose a vender algunos ejemplares incluso en Rusia. Y la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD estaba escrita en español, salvo algunos artículos en exclusiva escritos por artistas internacionales que fueron publicados en inglés. Pero la mayor sorpresa que llegué a vivir fue con unos lectores holandeses que se encontraban de turismo en Madrid, coincidiendo esos días con el día de la presentación oficial de una nueva edición de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD en la sala Dark Hole, donde, por cierto, Jose (Dark Hole) tuvo una elegante demostración de cortesía y de amabilidad hacia ellos. En relación a la difusión internacional de la revista, fue una pena el no poder vender la revista en Hispanoamérica debido a que el cambio en la moneda encarecía mucho su precio, convirtiendo su venta en algo completamente inviable. Aun así, en varias ediciones llegué a enviar ejemplares de promoción a algunos medios de información y grupos musicales de países hispanoamericanos como muestra de apoyo a su labor informativa y artística. Actualmente, gracias a las virtudes de la era digital, Internet ha permitido romper esas barreras económicas que impedían la difusión en el continente hispanoamericano de los medios de información cultural publicados en España, y que veíamos imposibilitada nuestra expansión en esta área geográfica hispanohablante por cuestiones de cambio monetario. Esta ruptura de las distancias y este abaratamiento económico en la difusión informativa internacional son algunas de las grandes ventajas que nos ofrece Internet en el siglo XXI.

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En relación a la distribución y venta de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD en España, sería la prestigiosa librería madrileña Casa del Libro quien siempre mostró su interés y su predisposición para vender la revista, convirtiéndose en el faro cultural perfecto para este proyecto. Ver ejemplares de la revista ATIS&NYD expuestos en la Casa del Libro situada en la Gran Vía madrileña, se ha convertido en una de las imágenes que permanecen imborrables en mi memoria cuando hecho la vista atrás y pienso en esta apasionante aventura editorial y cultural. Con la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, por fin la escena gótica española tenía un medio de información cultural impreso en papel que era expuesto en las estanterías de este templo de la literatura llamado Casa del Libro. Cuando luego importantes medios de comunicación en España contactaron conmigo para que les diera mi opinión sobre temas relacionados con lo gótico, o para informarse con más detalle sobre esta iniciativa editorial que les había sorprendido por la profundidad y por la seriedad intelectual en el análisis de las temáticas culturales, o para opinar en directo en un programa de radio sobre algunos hechos trágicos que fueron mezclados informativamente con lo gótico en los medios de información de masas, y que ya habían sido analizados en artículos de opinión dentro de la revista ATIS&NYD, finalmente corroborarían que, pese a que una parte del público perteneciente a la escena gótica tenían comportamientos, bases éticas, y un trasfondo moral absolutamente rechazables, el otro porcentaje de personas identificadas con lo gótico a través de la Cultura perfectamente podían relacionarse con la mayoría de los medios de comunicación de este país sin caer en lo grotesco, o en justificar y reforzar con sus actos, aquella imagen pública y aquellos prejuicios con los que se ha venido etiquetado socialmente a lo gótico en España. La Revista Cultural Gótica ATIS&NYD siempre fue acogida con admiración y respeto por parte de estos poderosos medios de información nacionales, y creo firmemente que éste es el camino que se debería seguir para poder acabar con muchos de los prejuicios existentes en la sociedad en relación a lo gótico y a su escena. Respecto a todo lo demás que gira en torno a la escena gótica española alejada de lo cultural, creo que muchos comportamientos que se observan públicamente en ese sector de los góticos no son más que bufonadas de mal gusto que no hacen más que alejar de la escena gótica española a las personas cultas de más valía.

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La Revista Cultural Gótica ATIS&NYD jamás recibió ni una peseta ni un euro de subvención pública o privada. Personalmente, desde un principio siempre tuve muy claro que la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD tenía que ser capaz de generar sus propios recursos económicos para poder seguir editando nuevos números. Por este motivo, si algo puedo decir con absoluta rotundidad es que la revista ATIS&NYD demostró con hechos que una revista cultural bien ideada y vertebrada con un selecto contenido cultural, era capaz de vender ejemplares hasta agotar cada una de sus ediciones publicadas. De por sí, actualmente en casa no me quedan ni cuarenta ejemplares si sumara el sobrante de todas las ediciones, pero éstos nunca estuvieron a la venta porque forman parte de mi reserva personal. Mientras la revista ATIS&NYD estuvo en activo, en la presentación de cada nueva edición publicada hubo personas que llegaron al stand para comentarme que querían un ejemplar de determinada edición, y cuando les decía que estaba agotada, muchos no se lo creían. Lo mismo sucedió con nuevos pedidos solicitados por Músicas de Regimen, Casa del Libro, Diskpol… pero la respuesta siempre fue la misma: la edición está agotada. Han pasado diez años desde entonces y el mundo ha cambiado totalmente tanto en España como en el resto del mundo, sobre todo en relación a los medios que dispone hoy día una persona que desee crear y dearrollar un proyecto cultural. Desde luego, sin la experiencia que me dio la revista ATIS&NYD, Lux Atenea no sería tal y como lo ven ahora. Y sin la revista ATIS&NYD, tampoco hubiera nacido la innovadora página cultural digital Shadow´s Garden en Internet, una página web que, en su esencia temática y cultural, fue luego copiada por otros medios españoles en la Red pero cambiando su estética de presentación. Es lo que tiene el haber estado siempre dentro de la vanguardia cultural como pionero en esta escena. Copiar siempre es muchísimo más fácil que crear algo excepcional partiendo desde cero, y esto mismo sigue pasando con Lux Atenea en la actualidad con la forma y el estilo tan particular de analizar y de escribir reseñas culturales (por copiar, incluso han llegado a copiar el uso de la palabra “disfrútenlo” que incluyo al final de cada reseña, a la que, en algunos casos, le llegan a quitar alguna letra al final de la palabra para disimular un poco). La originalidad y la vanguardia es lo que tienen: cuando la idea es excelente y tiene éxito, no duden un segundo que le van a copiar seguro. Nadie copia lo malo, nadie copia el fracaso. Se copia lo extraordinario, se copia lo brillante, lo que tiene éxito. Pero lo más importante que uno recibe cuando trabaja duramente en la sala de máquinas que mueve estos proyectos es la inolvidable experiencia cultural que se vive durante su publicación. A todas las personas que compraron un ejemplar de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, de todo corazón les doy las gracias de nuevo porque fueron ellos quienes verdaderamente dieron el impulso más importante a este proyecto cultural. Y si leyendo esta reseña, vuelven a pasearse por las páginas de la edición de la revista que compraron, les invito a un nuevo… ¡¡¡disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

REVISTA CULTURAL GÓTICA ATIS&NYD (1999-2002) (Segunda Parte) (Reseña / Review #5).

Reseña Cultural nº: 5 // Reseña Magazine nº: 2

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 29 de octubre del año 2009 en Lux Atenea conmemorando el 10º ANIVERSARIO del NACIMIENTO de la REVISTA CULTURAL GÓTICA ATIS&NYD (1999 – 2002, 12 números publicados).

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La etiqueta cultural ideada en la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD para definirla, y el término inventado por esta revista para definir al colectivo de lectores góticos de ATIS&NYD apasionado con la Cultura se le denominó como “Movimiento Cultural Gótico”. Un término, una etiqueta que jamás había sido utilizada en la escena gótica española o internacional antes de la publicación de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, llegando a extenderse rápidamente dentro de la propia escena de forma muy apreciable a partir de entonces, a partir de la publicación de esta revista cultural. En los años anteriores, dentro de esta escena, la etiqueta más común para definirla era ‘siniestra’ y las personas que participaban en ella eran ‘siniestros’. Luego, de la etiqueta ‘siniestro’ se pasó a la etiqueta ‘gótico’; igual que de denominarla como ‘tribu urbana’ pasó a ser nombrada mayormente por las revistas de la época como ‘subcultura gótica’ con el paso del tiempo. Pero, para la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, sus lectores góticos quedaban al margen de esas denominaciones porque se caracterizaban por tener una visión existencial indisolublemente unida a lo Cultural, pero desde una perspectiva Gótica que seguía bien viva y en Movimiento. De esta forma, con la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD nacía el Movimiento Cultural Gótico, como denominación nítida y clara de este porcentaje de público gótico perteneciente a la escena que mostraban estas inquietudes culturales profundas, convirtiéndose esta revisa en su medio oficial de información. Con el paso del tiempo, la expansión de la denominación Movimiento Cultural Gótico dentro de esta escena fue constante.

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En esta reseña también quiero destacar el apoyo total y absoluto mostrado por dos personas que fueron fundamentales para la difusión de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD desde sus inicios: Artur (Músicas de Regimen, Manresa) y Jose (sala Dark Hole, Madrid). Artur, por su total predisposición para vender la revista a través de Músicas de Regimen; y Jose, que ofreció la sala Dark Hole para la presentación oficial de cada una de las doce ediciones publicadas, convirtiendo su apoyo y su compromiso con esta revista cultural en una fidelidad férrea e inamovible hasta la última edición. Sin Artur y sin Jose, la progresión y evolución de esta revista hubiera sido mucho más lenta y su inconmensurable ayuda hay que resaltarla, ya que el futuro de esta revista cultural dependía totalmente del volumen de ventas para poder seguir adelante. En cada nuevo número de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD reinvertí todos los beneficios obtenidos en la anterior edición para ofrecer una mayor calidad de impresión en las próximas ediciones, como pueden comprobar los cultos lectores de Lux Atenea en la imágenes de las portadas incluidas en esta reseña.

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Para la revista, en sus primeras encuadernaciones hice uso de un sistema artesanal basado en el lacrado, pero finalmente tuve que abandonarlo en la octava edición debido al incremento de la tirada que estaba experimentado la revista en cada nuevo número. Me dio mucha pena abandonar ese sistema de encuadernación que resultaba visualmente tan característico e incomparable de cara al público. El lacrado fue durante un tiempo la seña de identidad de la revista. Lo veía como una elegante e interesante carta de presentación de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD de cara a sus lectores, a sus cultos lectores, pero los tiempos de encuadernación fueron dilatándose hasta tal punto que podían llegar a provocar la irremediable demora en la presentación de nuevas ediciones cada tres meses, si se seguía creciendo a ese ritmo. Un compromiso con los lectores que no estaba dispuesto a romper por nada del mundo porque, en cada edición publicada, el lector de la revista podía informarse en sus páginas interiores sobre la fecha de presentación del siguiente número. Una garantía de continuidad, de seriedad, y de rigor que únicamente se rompería en la edición nº13 al no publicarse debido a motivos profesionales no relacionados con la solvencia económica de esta revista. Como apunte personal, no creo en la mala suerte del número 13 pese a esta coincidencia, y no creo en las coincidencias, como muchos lectores de Lux Atenea ya conocen.

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Edición tras edición, la revista cultural ATIS&NYD fue creciendo. La tirada de cada una de ellas fue incrementándose según se iban vendiendo cada una de las ediciones publicadas. Los ejemplares de las primeras ediciones empezaron a agotarse en tan solo un mes, quedando ese plazo reducido a tan sólo dos o tres semanas en los últimos números. En referencia a las portadas de la revista, edición tras edición fueron evolucionando hacia diseños cada vez más complejos y de mayor calidad según la economía interna pudo ir financiándolos, llegándose a la cúspide de su diseño gracias a las impresionantes e impactantes portadas creadas por Dr. Macabre (Eduardo) para la novena y décima edición de la revista ATIS&NYD. En vista al trabajo visual y estético tan detallado realizado por Dr. Macabre en ambas portadas, nuestros lectores pudieron comprobar con sumo detalle hasta qué punto se autoexigía Dr. Macabre en la creación de diseños de excelsa calidad. Con un trabajo profesional impecable encima de la mesa, no pude hacer otra cosa que poner el mejor material de impresión disponible para estas portadas, buscando el soporte físico ideal para dar mayor brillo y relevancia a su excelsa obra. De por sí, las ganancias acumuladas en la revista ATIS&NYD hasta entonces las gasté íntegramente en esas dos ediciones que finalmente resultaron económicamente deficitarias debido a su elevado coste, y mantuve mi palabra de no subir el precio de la revista en estas dos ediciones con las portadas más lujosas. Personalmente, creo que todos esos esfuerzos económicos merecieron la pena cuando los dos impresionantes diseños creados por Dr. Macabre, se vieron recompensados con la impresionante calidad de imagen en la impresión que elegí para estas dos ediciones, erigiéndose ambas en el símbolo gráfico por excelencia del espíritu cultural de la revista ATIS&NYD.

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Retornando a la escena existente en aquella época, dentro del público afín a lo gótico se encontraba una mayoría que siempre consideró lo cultural como algo residual y anecdótico, ya que, para la mayoría de ellos, lo que verdaderamente les definía como ‘góticos’ era la estética y la música por encima de todo. Para la mayoría de ellos, lo gótico estaba relacionado única y exclusivamente con la imagen y la música, y nada más. Una visión un tanto pobre y limitado de lo gótico que caracterizaría mayormente a las personas que trataron de ignorar a la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD dentro de esta escena, llevando incluso a algunos de ellos a tratar de impedir su creciente difusión entre el público mediante una campaña de opinión creada para contrariar nuestras raíces culturales. Pero, el aumento constante en las ventas de ejemplares, unido al impacto cultural experimentado dentro de la escena gótica internacional, acabarían demostrando muy claramente que la calidad informativa atesorada en las páginas de ATIS&NYD estaba situando a España dentro de la vanguardia cultural gótica de la época por méritos propios.

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Innovación, vanguardia, y espíritu pionero que empezarían a demostrar con rotundidad y contundencia la increíble aceptación que la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD estaba experimentando dentro del mundo artístico nacional e internacional, y que daría comienzo en la segunda edición de la revista con la publicación del magnífico artículo escrito por Jesús Peña sobre la obra “Vampyria”, perteneciente a la compañía teatral Corsario y que recientemente habían estrenado. Un interés en escribir para la revista ATIS&NYD mostrado por los artistas en aquella época, y que mostraría a nuestros fieles lectores esa riqueza cultural íntimamente relacionada con la escena gótica, iniciándose una dinámica creativa e informativa que sería luego seguida por otros grandes artistas a partir de la publicación de este segundo número. A partir de entonces, también escribirían en exclusiva para la Revista Cultural Gótica Atis&Nyd los siguientes artistas:

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-Edición nº4: Tilo Wolf y Anne Nurmi (grupo musical Lacrimosa)
-Edición nº5: Gunnar Eysel (grupo musical Love Like Blood) y Dan Bronnel (grupo musical Evergrey)
-Edición nº6: Sandra Schleret (grupo musical Dreams of Sanity), Arianna y Diego Merletto (grupo musical Static Movement), y Summer Bowman (grupo musical The Machine in the Garden)
-Edición nº7: Meethos (diseñadora y dibujante rusa), Joe (grupo musical Gory Blister)
-Edición nº8: Gary Levermore (grupo musical Attrition)
-Edición nº11: Hermes-Cherni-Shamira-Electra-Zeh (grupo musical Silesia)
-Edición nº12: Javier Carpintero (pintor).

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Una relevancia cultural y editorial sin precedentes dentro de la escena gótica española que, hasta entonces, nunca se había visto en una revista gótica nacional a la hora de motivar a tantos músicos y artistas de reconocido prestigio a escribir en exclusiva para ella. Además, también, en ATIS&NYD vieron publicados sus artículos personas tan comprometidas con lo cultural como Bastet (edición nº3), Los Cuervos (edición nº6), Rafael Boró como miembro de Alternativa para la Liberación Animal (edición nº9), Dr. Macabre (edición nº10) y F.F. Torrecilla (nº10). “ATIS&NYD (1999-2002) (Segunda Parte)”, la expansión nacional e internacional de esta revista cultural española. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

REVISTA CULTURAL GÓTICA ATIS&NYD (1999-2002) (Primera Parte) (Reseña / Review #4).

Reseña Cultural nº: 4 // Reseña Magazine nº: 1

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 30 de octubre del año 2009 en Lux Atenea conmemorando el 10º ANIVERSARIO del NACIMIENTO de la REVISTA CULTURAL GÓTICA ATIS&NYD (1999 – 2002, 12 números publicados).

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Una reveladora frase del ilustre filósofo y poeta alemán Friedrich Nietzsche (1844 – 1900) encabezaba el editorial en cada una de las publicaciones de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, a partir de la cual los lectores daban inicio a su atenta lectura. Esa inolvidable y esclarecedora frase era un mensaje claro y directo sobre cuál era el espíritu cultural que había dado vida y forma a esta publicación. Retrocedamos diez años y situémonos en la ciudad de Madrid. En aquel entonces, en la escena gótica española se publicaban varias revistas donde las imágenes, la estética y la música se habían convertido en el eje temático principal sobre el cual se apoyaban cada una de ellas para atraer al público gótico. Los medios económicos que disponían algunas de estas publicaciones incluso les permitían imprimir un considerable número de ejemplares en cada una de sus ediciones, aunque luego esas grandes tiradas no solían ser vendidas en su totalidad (salvo en contadas ediciones), tal y como me comentó una persona muy involucrada en una de esas revistas de gran tirada y poca venta. Literalmente me dijo: “Teníamos ejemplares para poder empapelar toda una casa y aún sobrarían unos cuantos ejemplares”. Y es que la falta de interés del público gótico en comprar revistas informativas, provocó que muchas de esas publicaciones llegaran a sacar al mercado ediciones con largos periodos de espera de casi un año entre una edición y la siguiente, lo que provocaba que algunas de sus reseñas publicadas no estuvieran del todo actualizadas y perdieran un alto porcentaje de su interés público. Este era el panorama informativo que había en España antes de la aparición de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD.

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Estas revistas basadas en la imagen y en la música vivían inmersas en una complicada espiral comercial marcada por ediciones costosas en su impresión, ventas que no cubrían costes, un largo tiempo de espera para la publicación de nuevas ediciones, una política informativa marcada por el escaso criterio en la selección de calidad de quienes escribían para esos medios donde primaban la cantidad frente a la calidad (se llegaron a publicar reseñas musicales cuyo análisis luego no se correspondía con la realidad del álbum cuando lo escuchabas), y, sobre todo, fomentaron una estrategia informativa y comercial orientada a tirar por tierra a los nuevos proyectos musicales (sobre todo si eran grupos musicales españoles), escudándose en una crítica “constructiva” totalmente negativa y destructiva. Todo ello me llevó a tratar de demostrar, a través de los hechos, que el compromiso y el interés del público gótico más culto con los medios de comunicación escritos era mucho mayor si se le ofrecía una revista informativa de calidad. Así nació esta nueva revista, ATIS&NYD, donde la diversidad cultural gótica fuera tratada con profundidad, con seriedad y con rigor, sobre todo en relación al rico y atrayente universo literario gótico sobradamente ninguneado por el resto de revistas de esta época. Y es que, en la inmensa mayoría estas otras revistas, el 80-90 por ciento del contenido informativo que publicaban en cada edición estaba dedicada en exclusiva a lo musical, dejando otras temáticas culturales góticas absolutamente marginadas. Y eso que algunos de esos medios se consideraban una “élite cultural” dentro de la escena gótica madrileña y nacional.

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Cuando comenté este proyecto editorial en mi círculo de amistades, diciéndoles que iba a crear una revista en donde lo cultural gótico no-musical tuviera el mismo peso que lo musical, que quería que apareciera una nueva edición cada tres meses de forma regular, que por su diseño no fuera una revista que se comprara por sus fotos e imágenes interiores, que fuera un medio de información que tratara en sus reseñas a los grupos musicales españoles con la misma admiración que a los internacionales, y, que además, costara menos de 500 pesetas (3 euros), la mayoría de ellos me dijo con total sinceridad que esa idea era una locura editorial condenada a la ruina y al más absoluto fracaso. Cuando ya tenía todo listo para ser lanzado editorialmente, circunstancias de la vida hicieron que conociera a Mario (Atis) en el mismo autobús en el que viajaba rumbo a Barcelona para ver a Bauhaus en concierto. Durante la conversación que tuvimos, tras comentarle mi proyecto editorial, decidió unirse a esta iniciativa debido a que coincidía también con sus inquietudes intelectuales y con su profundo interés cultural. Una vez comenzó a editarse la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, a partir de la cuarta edición, Mario tuvo que dejar de colaborar por motivos profesionales, el mismo motivo por el cual tuve que cerrar definitivamente la Revista ATIS&NYD en el año 2002, cuando la edición nº13 estaba casi a punto de ser impresa para ser presentada en el mes de septiembre (en la tercera y última reseña de este especial, nuestros cultos lectores podrán ver la imagen de portada de esta decimotercera edición y el contenido cultural principal que había seleccionado).

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Como pueden comprobar en estas imágenes de las primeras portadas oficiales de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, se empezó con mucha modestia, pero con una entrega y una pasión cultural absoluta orientadas muy especialmente a ese porcentaje de personas dentro de la escena gótica española a la que verdaderamente le interesaba la Cultura. ATIS&NYD no era una revista para mayorías, ya que a la mayoría de personas que participaban en esta escena les importaba mucho más la estética y la música gótica, que las raíces conceptuales, la latente vanguardia artística, o el trasfondo de este movimiento cultural. Poco a poco, ATIS&NYD fue atrayendo la atención de ese porcentaje de personas que sentían lo gótico y lo cultural como un todo englobado dentro de una perspectiva a través de la cual veían y sentían la vida. Por supuesto, quienes cogían un ejemplar de esta revista esperando ver una bonita colección de fotografías, ante la ausencia de imágenes en su interior no la compraban. Fueron momentos que viví directamente en el stand de presentación de cada nueva edición, y siempre lo consideré como algo normal y lógico debido a que esta revista cultural no era publicada para ser comprada (o leída) por ellos. El tipo de revistas que ellos demandaban ya estaba siendo excelentemente cubierto por otros medios de información en ediciones a todo color y con más páginas. ATIS&NYD nunca llegó a las setenta páginas, y nunca tuvo fotografías en color en sus páginas interiores, quedando las imágenes en color reservadas para las portadas de algunas ediciones, y para una doble página central sobre Arte incluida en la duodécima edición, la que sería final e inesperadamente la última. Desde mi punto de vista, cada revista que formaba parte del abanico informativo de la época estaba orientada a un público en concreto dentro de esta escena gótica española. Pero, por encima de todo, en lo que no nunca iba a entrar y nunca entré, fue en la guerra de descalificaciones en la que se habían enzarzado algunos de esos medios entre sí para conseguir el favor del público, dando un espectáculo lamentable dentro de esta escena gótica que, aunque provocaciones hacia la revista ATIS&NYD las hubo, simplemente pasé de ellas. “ATIS&NYD (1999-2002) (Primera Parte)”, cómo fue el nacimiento de esta revista cultural gótica a finales de la década de los noventa en España. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“GOTHIC ROCK”, MICK MERCER (Pegasus Publishing Limited, 1991) (Reseña / Review #3).

Reseña Cultural nº: 3 // Reseña Literaria nº: 1
Reseña actualizada. Publicada el 12 de noviembre del año 2006 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por : Pegasus Publishing Limited
ISBN : 1 873892 01 2
Edición : 1991 (EDICIÓN COMPRADA)

GOTHIC ROCK MICK MERCER

Han pasado ya muchos años desde que la década de los ochenta llegó a su fin, pero su recuerdo en la escena musical gótica sigue estando viva y latente en el presente como nunca antes. Los ochenta, una década incomparable e irrepetible que viene siendo venerada a través del constante recuerdo en sesiones musicales y de la permanente presencia de algunos de estos grupos musicales en conciertos, porque marcaron y definieron una época. Un estilo musical único cuya vigente etiqueta ‘old-school’ lo dice todo al melómano lector de Lux Atenea. Por este motivo, un ilustre y grandioso libro como “Gothic Rock” ha de tener una destacada presencia en esta págica personal digital dedicada a la Cultura Non-Mainstream ya que, con el paso de los años, este documento escrito se ha convertido en la obra literaria de referencia por excelencia, además de ser de obligada lectura para quienes seguimos adorando esos años que vivimos en tan apasionante escena. Para aquellos lectores de Lux Atenea que, por su edad, no tuvieron ocasión de poder disfrutar a estos grupos musicales en esta Edad Dorada de la Música Gótica, y a estos artistas en su mayor despliegue de creatividad e innovación, como analista musical non-mainstream siempre recomendaré el libro “Gothic Rock” e invitaré a recorrer estas ilustres y reveladoras páginas para que puedan hacerse una idea aproximada y veraz de lo que fueron esos años irrepetibles.

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Escrito por Mick Mercer, el ilustre maestro por excelencia para todos los analistas musicales que hemos vivido a partir de entonces con la esperanza y con la ilusión de ser algún día uno de sus discípulos conceptuales como melómanos, su grandioso libro “Gothic Rock” se ha convertido en la Biblia de la Música Gótica por excelencia, marcando indeleblemente a nuestra generación. El arte y la sensibilidad de Mick Mercer a la hora de concebir, de vertebrar, y de dar siniestra belleza lírica y visual a esta escena obscura acabó perfilando y puliendo con maestría esta obra literaria donde se condensa lo que fue esa época, lo que se movió musicalmente en esta escena, lo que se sintió intensamente en este ambiente cultural transgresor y de vanguardia, dejando constancia en estas páginas sobre todo aquello que se valoró y se endiosó artísticamente en esta era de auténtico esplendor musical. Dentro de la escena musical gótica, de la escena musical siniestra como se llamaba entonces en España, en esta década de los ochenta quienes nos movíamos dentro de esta escena adorábamos a estos grupos musicales, se idolatraba a sus músicos, se valoraba y se sentía cada una de sus obras con pasión. Aquellos artistas nos fascinaron con sus obras musicales de vanguardia, nos hipnotizaron con esta música absolutamente distinta a la escena musical mainstream reinante entonces en la sociedad. Además, con la obscura y siniestra estética que les caracterizaron visualmente, crearon cánones de belleza y de estilo a la hora de vestir en sus fieles seguidores. Pero, sobre todo, estos artistas hablaron directamente a nuestra alma a través del mensaje contenido en las letras de sus temas musicales donde la lírica dejaba constancia de lo que clara e íntimamente éramos nosotros, de lo que pensábamos, de lo que amábamos, y de lo que aborrecíamos y rechazábamos. En sus obras musicales, que venimos adorando desde entonces en cada nueva audición, estos grupos y artistas musicales no cantaban e interpretan melodías ya eternas, sino que nos hablaban con absoluta complicidad sobre ese ideal que teníamos en propiedad en nuestro interior, en nuestra soledad. Porque la persona gótica siempre estará unida a la soledad, a la incomprensión por parte de una sociedad que estaba a un lado, y nosotros, al otro en cualquier aspecto de la vida, ya fuera ética, moral, familiar, profesional, o incluso, en relación con aquellas aspiraciones personales que cada uno tenemos. Dentro de la escena gótica de aquella época, de aquella década de los ochenta, estábamos allí todos unidos alrededor de una misma perspectiva, alrededor de una misma visión del mundo en el que vivíamos, pero cada uno con su propia particularidad personal porque la persona gótica es individualista. Un todo existencial, diferencial, y único. Y, a la hora de describir este entorno musical y cultural, Mick Mercer en un auténtico maestro que sabe cómo sumergirte en esos ambientes de intensa carga emocional y sentimental.

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En aquella época en España, nosotros no éramos góticos sino siniestros, y nadie cuestionaba en la escena si éramos góticos o no. La escena gótica era una hermandad multiforme en cuanto a gustos y a estética, pero unida por esta atracción irresistible a la belleza siniestra reflejada en música, estética, y, en un porcentaje menor de personas, hacia esta cultura con la cual nos sentíamos (y sentimos) identificados. Un reconocimiento artístico en cuanto al sentido de nuestras vidas. Cada grupo de personas dentro de esta escena quería aportar su granito de arena en mayor o menor medida, y potenciar este mundo musical que era, al fin al cabo, nuestro amado mundo musical. Y es que, en los ochenta, no se discutía sobre si éramos góticos (siniestros) o no. En aquellos años se discutía dentro de la escena gótica española sobre si la electrónica era o no gótica. En aquella década discutían los amantes del rock gótico con los amantes del dark-electro y el tecno, y a quienes nos apasionaban todos estos estilos musicales también conversábamos para hacer comprender que estos estilos bien podían incluirse dentro de la escena músical gótica. Pero también es verdad que, en aquellos años, nos movíamos todos a una porque éramos un colectivo donde cada uno aportaba su propia perspectiva sin dejar de formar parte del grupo. En el fondo, éramos muchas individualidades unidas por una misma perspectiva global de lo gótico a través de la cual ver la vida. Se hacía piña frente a los problemas, aunque luego entre diferentes grupos de personas hubiera sus tiranteces. Y lo que más diferenciaba a las personas que formábamos parte de esta escena gótica respecto a la escena actual gótica es que, en esos años, cada uno de nosotros íbamos a los locales y a las salas musicales para divertirnos, para vivir una noche única y especial, y no a que nos divirtieran. Parece lo mismo, pero créame el melómano lector de Lux Atenea que no es lo mismo. Ese no limits nocturno dentro de los ambientes góticos también ha quedado reflejado en este libro tan espectacular y visualmente atrayente. Y ese espíritu colectivo no se ha vuelto a repetir desde entonces, a pesar de las décadas que han pasado ya.

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Otra de las características que marcan totalmente la diferencia entre la escena gótica de la década de los ochenta respecto a otras escenas góticas posteriores, es la posición de auténtico privilegio que tenía la mujer gótica dentro de esta escena. En aquella época, era respetada, admirada, y, en algunos casos, hasta idolatrada, porque la individualidad y la personalidad de la mujer gótica marcaba las diferencias. Música y gestos, diversión y seriedad, se combinaban para hacer del instante, un momento especial, y era todo un placer el poder ver a estas mujeres góticas deslumbrando con su estética, ya fueran vestidas de damas medievales, con negros encajes mientras transmitían esa magia tan especial en locales y conciertos, o con los irresistibles cardados de pelo que desafiaban a la gravedad (y sus consiguientes retoques con sprays de laca en los servicios de los locales y de las salas musicales). Sin duda alguna, esa imagen era seductoramente encantadora. Imágenes imborrables para quienes hemos vivido aquella época que ya forma parte del pasado de esta escena gótica, teniendo también su espacio en esta ilustre obra escrita por Mick Mercer en relación a la escena gótica británica. Ahora todo es distinto. Sobre todo, como analista cultural y musical, me sigue sorprendiendo en la actualidad que la gente dentro de esta escena se cuestione si se es gótico o no. Creo que uno debe de tener muy claro lo que es. Aunque tiene cierta lógica ese cuestionamiento, sabiendo que la escena gótica española se ha poblado de intrusos (estéticamente muy góticos ellos) que se dedican a manipularla y distorsionarla, a promocionar y a transmitir una imagen pública de lo gótico que no se corresponde con la realidad. Pero bueno, éste sería otro tema a tratar al margen del análisis de este libro. Escrito íntegramente en inglés, “Gothic Rock” es un libro que me encanta por su subjetividad. Cuando lean apasionadamente estas páginas, comprobarán la visión tan particular de esa escena gótica que tiene Mick Mercer, y esta subjetividad nos ofrece una perspectiva muy interesante que te ilustra y te informa con honestidad. Un auténtico tesoro cultural generacional. Un espectacular archivo documental del espíritu gótico donde la fascinante colección de imágenes integrada en sus páginas tiene un valor incalculable para quienes amamos esta escena musical, y para quienes lo pudimos vivir en vivo. “Gothic Rock”, para toda alma gótica, la adquisición de esta obra literaria es indiscutiblemente imprescindible. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“gothic rock”, mick mercer.

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SHINKIRO “ARCHIVE: Volumes I – III” (OLD CAPTAIN, junio 2018) (Reseña / Review #2).

Reseña Cultural nº: 2 // Reseña Musical nº: 2

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 26 de junio del año 2018 en la 27ª Semana Musical Non-Mainstream.

Quiero dar las gracias al genial artista japonés MANABU HIRAMOTO (SHINKIRO) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Junio 2018
Sello discográfico: OLD CAPTAIN
Código de referencia: OCCD42
Tracklist: CD 1 “ARCHIVE: VOLUMES I – II”: 1- I.A.D. – Day 1 // 2- I.A.D. – Day 2 // 3- I.A.D. – Day 3 // 4- I.A.D. – Day 4 // 5- I.A.D. – Day 5 // 6- I.A.D. – Day 6 // 7- I.A.D. – Day 7 // 8- I.A.D. – Day 8 // 9- I.A.D. – Day 9 // 10- Reflections Of Her Deepest Fears – First Stage // 11- Reflections Of Her Deepest Fears – Second Stage // 12- Reflections Of Her Deepest Fears – Third Stage // 13- Reflections Of Her Deepest Fears – Fourth Stage // 14- Reflections Of Her Deepest Fears – Fifth Stage
CD 2 “ARCHIVE: VOLUMES II – III”: 1- Reflections Of Her Deepest Fears – Sixth Stage // 2- Reflections Of Her Deepest Fears – Seventh Stage // 3- Reflections Of Her Deepest Fears – Final Stage // 4- One – Part I // 5- One – Part II // 6- One – Part III // 7- One – Part IV // 8- One – Part V // 9- One – Part VI
Artistas: Manabu Hiramoto
Trabajo musical: Shinkiro
Trabajo artístico: Mauro Berchi (diseño)
Datos técnicos: El álbum inédito “I.A.D.” fue grabado en directo el 26 de mayo de 2004 en Club Water Osaka en el evento “CALAMITOUS DAY” organizado por Chaos9 (Endless Dismal Moan)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: CD 1: 2- I.A.D. – Day 2 // 3- I.A.D. – Day 3 // 6- I.A.D. – Day 6 // 8- I.A.D. – Day 8 // 10- Reflections Of Her Deepest Fears – First Stage // 14- Reflections Of Her Deepest Fears – Fifth Stage
CD 2: 1- Reflections Of Her Deepest Fears – Sixth Stage // 3- Reflections Of Her Deepest Fears – Final Stage // “One – Part II” // “One – Part III” // “One – Part V”

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El pasado 15 de junio fue presentado oficialmente el grandioso álbum “Archive Volumes I – III” del genial artista japonés Manabu Hiramoto, alma máter de Shinkiro. Una espectacular obra musical publicada a través del prestigioso sello discográfico ucraniano Old Captain en formato digital y en una edición limitada de 250 unidades en digipak 2CD de cuatro paneles, engalanada con un impactante diseño de portada creado por el polifacético artista italiano Mauro Berchi (Eibon Records), presentando una inconfundible estética gótica donde el color de la imagen en blanco y negro es ideal para reflejar esta tenebrosa atmósfera visual decimonónica de corte fantasmagórico. A nivel musical, los tres álbumes inéditos que vertebran esta lujosa edición discográfica por primera vez ven la luz tras haber sido reunidos en esta publicación. Con temas compuestos originalmente entre los años 2003 y 2007, los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta joya discográfica podrán disfrutar del innovador y ecléctico estilo musical electrónico propuesto artísticamente por Shinkiro, pudiendo sentir incluso sus raíces conceptuales previas en los temas que vertebran el álbum “I.A.D.”, compuestos antes de que Manabu Hiramoto creara Shinkiro. Una irresistible y fascinante inmersión en los estilos dark-ambient, industrial, ambient, minimal y experimental donde la música electrónica adquiere ese espíritu de vanguardia que tanto nos deslumbra y embruja en la era posmoderna que estamos viviendo actualmente. Por este motivo, la adquisición de esta joya discográfica en formato físico resulta esencial e ineludible para poder sentir y para poder comprender la relevancia musical del artista japonés Manabu Hiramoto dentro de la versátil y transgresora escena electrónica non-mainstream.

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Con la audición del primer CD “Archive Volumes I – II” dará comienzo esta anhelada inmersión en el pasado conceptual pre-Shinkiro, a través de los nueve temas que vertebran el álbum inédito “I.A.D.” y que fueron grabados en directo el 26 de mayo del año 2004. La música electrónica experimental dará esta iridiscencia sonora de textura futurista al tema “I.A.D. – Day 1”, llevándonos a atmósferas complejas donde se funde el Sci-fi con el minimalismo en su trasfondo musical utilizado como contraste absoluto del plano lírico, quedando todo alterado en el vibrante tema “I.A.D. – Day 2” donde el estilo ambient presenta cromatismos sonoros hi-tech de armoniosa belleza, quedando el plano lírico fugazmente presente hasta que toda la estructura colapse ante la llegada de elementos sonoros industriales rotundamente radicales. ¡¡¡“I.A.D. – Day 2”, impresionante!!! En cambio, “I.A.D. – Day 3” adquiere una personalidad musical afilada y punzante, definida por su carácter experimental mientras se eleva el registro sonoro de sus altas frecuencias y la lírica queda convertida en los ecos de una presencia fantasmagórica trágica e impredecible. Nihilismo y soledad que, en “I.A.D. – Day 4”, dan impulso a la vacuidad y al desasosiego a través de una mortuoria melodía que presagia la desesperanza mientras todo va derivando hacia el estilo ambient, llevándonos directamente al tema “I.A.D. – Day 5”, mucho más salvaje, drástico, violento y descarnado donde lo trágico adquiere ese tono dramático extremo. Sin salirnos de esta atmósfera tenebrosa, el tema “I.A.D. – Day 6” presentará características sonoras propias del dark-ambient donde destaca su tétrico plano melódico para piano en un crescendo fantasmagórico hasta el final de la composición, manteniendo la composición “I.A.D. – Day 7” la preeminencia del plano instrumental para piano, pero con una escala tonal más sencilla y un tempo más acelerado. Su fusión con bases rítmicas lentas nos llevará a un precipitado final, desde el cual surgirá el tema “I.A.D. – Day 8” con una sublime intensidad sonora dark-ambient sin llegar a una tenebrosidad absoluta, quedando todo convertido en una impresionante demostración de claroscuros sonoros en diferentes planos melódicos de hipnótica belleza. ¡¡¡“I.A.D. – Day 8”, excelsa belleza musical!!! Con “I.A.D. – Day 9” convertido en la apoteosis musical del álbum “I.A.D.”, su alma experimental se transformará en este rúbeo ocaso musical electrónico que es ideal para sumergirnos en los cinco temas siguientes pertenecientes al álbum “Reflections Of Her Deepest Fears”, recopilando ocho temas antiguos (año 2003 al 2007) musicalmente inspirados en sus reflexiones sobre lo traumático.

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Un impactante halo psíquico se expandirá enérgicamente en el tema “Reflections Of Her Deepest Fears – First Stage” a través de texturas sonoras orgánicas, hundiéndonos en esta ciénaga dark-ambient donde la incertidumbre es constante, evolucionando posteriormente del dark-ambient al industrial pero sin su metálica personalidad. A continuación, la actividad oculta en la composición “Reflections Of Her Deepest Fears – Second Stage” latirá poderosamente para descubrirnos esa fugaz mirada al misterio, cuya razón de ser queda velada entre planos musicales superpuestos tras haber sido englobados conceptualmente dentro del estilo industrial y post-industrial, creando esta talentosa integración sonora de trasfondo tribal. Una inteligente recreación musical de miedos y temores que, en “Reflections Of Her Deepest Fears – Third Stage”, se volverá más siniestra sin perder su alma electrónica de vanguardia, apareciendo impetuosamente el tema “Reflections Of Her Deepest Fears – Fourth Stage” con una personalidad musical marcada por sus sampler, y que oscilando evanescencias melódicas de sugestivo magnetismo alrededor de su estructura, provocarán durante su audición ese estado de alteración de la consciencia que conduce al decaimiento espiritual. Posteriormente, la extraordinaria composición “Reflections Of Her Deepest Fears – Fifth Stage” les sorprenderá por su brillante estructura melódica decorada con espeluznantes pasajes sonoros como si fuera un collage gótico, llegando al final de este primer CD, pero no del álbum “Reflections Of Her Deepest Fears”, cuyos tres temas incluidos en el segundo CD “Archive: Volumes II – III” comenzarán con la composición “Reflections Of Her Deepest Fears – Sixth Stage”. Arrojándonos a las gélidas aguas de la Razón, desbordada existencialmente por lo desconocido, retornaremos artísticamente al estilo dark-ambient de amplio espectro dimensional y tenebrosa presencia melódica, proyectándose su aciaga sombra en “Reflections Of Her Deepest Fears – Seventh Stage” con el sonido del piano en escala tonal que provocará ese terror incontenible proveniente del inconsciente, re-estructurándose el mosaico dark-ambient hacia espacios industriales que irán poseyéndolo. Como sublime colofón, el tema “Reflections Of Her Deepest Fears – Final Stage” nos poseerá con esta sutil y despiadada descarga musical siniestra de espectral esencia, transformando su audición en esta contemplación de almas en pena imposibles de consolar en su sufrimiento eterno.

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Con la audición de los seis temas que vertebran el grandioso álbum “One”, entraremos en estados mentales introspectivos e intimistas, habiendo quedado estas composiciones musicalmente perfiladas con una ecléctica fusión de dark-ambient y electrónica experimental de esencia atmosférica. Pura vanguardia musical compuesta por Shinkiro cuya radiante definición sonora descubriremos a partir del primer tema “One – Part I”, caminando por espacios colosales en movimiento fielmente recreados en este potente dinamismo capaz de traspasar el espíritu del observador. Con el eje central alejándose del foco de actividad según vamos progresando en esta composición, el entorno se irá volviendo más y más obscuro mientras se puebla con samples vocales difusos sin línea de comunicación aparente, despejándose esta negatividad ambiental con el incremento de los pasajes electrónicos hi-tech, experimentales e industriales. Pulsante y luminoso aparecerá el tema “One – Part II” dentro de un estilo ambient de inspiración etérea (New Age de principios de este siglo XXI dirían algunos), equilibrándolo todo con una armonía y una sensibilidad melódica que transformará este entorno en un plácido remanso de paz. Pero el impulso industrial en “One – Part III” tensará ese frágil dinamismo a pesar de que el plano melódico ambient sigue presente, apareciendo el trasfondo tribal para convertir a esta composición en la más ecléctica de todo el álbum. Incluso, futuristas pinceladas dark-wave encontrarán su espacio en este ciclón sonoro de vanguardia que nos conducirá hasta las puertas del tema “One – Part IV”, donde el dark-ambient vuelve a reclamar su protagonismo musical. De acelerado tempo, la audición de “One – Part IV” provoca inquietud y desequilibrio como si nos adentráramos en una cueva sensorial demoníaca, quedando la excelsa composición “One – Part V” convertida en un páramo inerte dentro del espectáculo lúgubre que terminará revelándose en este impresionante mosaico sonoro de siniestra belleza dark-ambient, y cuya melódica pieza instrumental final les fascinará. Clausurando este impresionante álbum, el tema “One – Part VI” nos presentará una talentosa amalgama musical que, aunque obscura e inconmensurable, les atraerá por su equilibrada configuración sonora tocada por el nihilismo aquí recreado. “Archive Volumes I – III”, excelsa y relevante joya discográfica para descubrir el prístino talento musical del genial artista japonés Manabu Hiramoto (Shinkiro). ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.