“HÄXAN, LA BRUJERÍA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS”, 1922 (Reseña / Review #1714).

Reseña Cultural nº: 1714 // Reseña Media nº: 67
Reseña actualizada. Publicada el 19 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: BENJAMIN CHRISTENSEN
Guión: BENJAMIN CHRISTENSEN
Actores principales: BENJAMIN CHRISTENSEN (El Diablo), ELLA LA COUR (Karna, la bruja), OSCAR STRIBOLT (Monje), HERR WESTERMANN (Rasmus, el verdugo)
País: DINAMARCA / SUECIA Año: 1922 Productora: ALJHOSA PRODUCTION COMPANY / SVENSK FILMINDUSTRI
Duración aprox.: 105 y 76 minutos
Publicado en España por: VERSUS ENTERTAINMENT Año: 2008
Formato: Caja de 2DVD y dos libretos (EDICIÓN COMPRADA)

DVD HAXAN LA BRUJERIA A TRAVES DE LOS TIEMPOS 1922

El Diablo y las brujas, auténtico leitmotiv que vertebra este largometraje como arquetipo universal en Occidente desde tiempos inmemoriales. Pero “Häxan, La Brujería a través de los Tiempos” es una película que, desde su estreno en el año 1922 en importantes ciudades europeas, ya provocó una oleada de protestas cuyo impacto social llevaría a las autoridades a prohibir tajantemente su exhibición pública. Una tenebrosa temática tratada en este largometraje en siete capítulos como si de una serie documental se tratara, y que lo convertiría en una película maldita hasta que, en el año 1968, el genial escritor estadounidense William Burroughs la recuperara de la memoria cinematográfica en un renacimiento público que ha tenido su merecido reconocimiento por su excepcional calidad artística. “Häxan”, “La Bruja”, es una película muda nacida en la transgresora década de los veinte y que acabaría convirtiéndose en la obra maestra del director danés Benjamin Christensen (1879-1959), considerado por muchos expertos como pionero en el cine de autor, por lo que es inevitable que se le considere un director de culto al igual que todas sus películas. Con un estilo nada convencional para la época, en este largometraje en blanco y negro, Benjamin Christensen se presentará ante los cinéfilos lectores de Lux Atenea como un visionario cuyas ideas vanguardistas fueron inexorablemente etiquetadas como provocadoras en aquella época, debido a su carga moral influenciada por el pensamiento científico y racional, y frente a la debilidad intelectual propia de un pueblo más dado a los actos irracionales y salvajes que tratan de justificar a través de estas supersticiones y creencias en el Maligno y en sus fieles adoradores. Brutales represiones, intolerancia, y cultura popular cargada de supersticiones, dan este trasfondo a la película “Häxan” mientras la lógica científica se encarga de racionalizar actos, sucesos, y hechos que, desde antiguo, han sido tomados como paranormales o misteriosos.

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Hay críticos que han catalogado a esta impresionante obra cinematográfica como un largometraje pesimista. Como analista cultural, más bien catalogaría a la película “Häxan” como un largometraje inconfundiblemente misántropo al mostrar en sus imágenes con suma crudeza, esa realidad del espíritu humano destructor y corrupto que desde siempre ha caracterizado a nuestra especie. Una sinrazón humana de mefistofélica atracción en la cual innumerables personas han ido cayendo desde tiempos inmemoriales, y que tantas muertes y sufrimientos ha originado. Brujería, inquisición, magia, ocultismo, maldiciones, leyendas, mitos, ritos satánicos… vertebran este largometraje a través de imágenes barrocas hasta en su lado macabro, mientras lo gótico impregna su esencia espiritual. Con todo lujo de detalles, los cinéfilos lectores de Lux Atenea presenciarán los luciferinos escenarios donde se realizaban sacrificios humanos como ofrenda a los poderes del Mal, el satánico Sabbat donde las brujas preparaban comidas antropófagas, la persecución de estas brujas y sus prácticas por parte de la Iglesia y cómo en las confesiones de las brujas capturadas se entremezclaban las leyendas populares con las venganzas personales, cuáles eran los brutales métodos inquisitoriales usados para descubrir quién era una bruja, cómo eran las cámaras de tortura de la época y cómo se utilizaban cada uno de los dolorosos y brutales instrumentos usados para que el acusado confesara, cuál era el ritual del plomo para saber si una persona había sido hechizada o embrujada… en definitiva, tentaciones irresistibles, vicios y depravaciones, tortura y dolor, que fueron justificadas por estas creencias a través de imágenes de una belleza artística indiscutible donde el horroroso imaginario popular es explicado por el propio director.

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En la película “Häxan”, Benjamin Christensen les mostrará cómo estas creencias han perdurado hasta el siglo XX y cómo la Ciencia ha logrado desenmascarar muchos de estos temas relacionados con lo supersticioso, la hechicería, y lo maléfico. Ese otro lado tenebroso e infernal que es presentado a través de planos con cámara fija donde la oscuridad predomina en la escena, salvo en las partes iluminadas que son las que han de concentrar la atención del espectador. Una calidad visual admirable, sobre todo, teniendo en cuenta los medios técnicos disponibles en aquella época, y donde la fuerza expresiva de los actores, auténtica piedra angular de las películas mudas, se muestra de forma siniestra y bella. Con una banda sonora exquisitamente sobrecogedora y tétrica que impresionará a los espectadores no familiarizados con estilos musicales como el ritual, ethereal, neoclasicismo, dark ambient… es muy fácil que queden impactados al presenciar escenas como la dantesca animación de los demonios, la fantasmagórica escena de las brujas sobrevolando ciudades y parajes durante la noche dirigiéndose al aquelarre, con la mágica escena de las monedas, o, incluso, con la escena donde hasta los propios inquisidores dan credibilidad a la creencia en el Mal de Ojo como algo real ante lo que deben ser muy precavidos en sus juicios contra los adoradores del Mal.

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Benjamin Christensen fue un director que, desde su primera película rodada en el año 1913 hasta el momento en que abandona su carrera cinematográfica en 1942, nunca deja de crear obras muy personales sin perder un ápice de su espíritu provocador y transgresor. Pese a la incomprensión pública y social que siempre le acompañó, y a los sinsabores que estas innovadoras películas le trajeron consigo, siempre se entregó en cuerpo y alma a su particular visión de lo que es el Séptimo Arte en esencia: belleza en imágenes, ilusiones ensoñadoras, y vanguardia cultural. Sin lugar a menor duda, Benjamin Christensen es uno de los directores con mas talento que nos ha ofrecido el cine danés y europeo en toda su historia, y toda obra firmada por Benjamin Christensen es muy claramente cine de autor por su excelencia. Gracias a empresas como Versus Entertainment, los cultos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar visualizando esta completa edición en formato DVD, y donde se han incluido tanto la versión original de la película como la versión más corta del año 1968, junto a un libreto de diez páginas escrito por todo un experto cinematográfico como Jesús Palacios, un libreto de diez páginas del Instituto Sueco de Cinematografía, y una entrevista a Jesús Palacios de carácter informativo donde nos comenta esta excepcional película. “Häxan, La Brujería a través de los Tiempos”, cuando el arte cinematográfico es capaz de configurar y de definir la belleza visual más siniestra a través de impactantes imágenes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

HAXAN LA BRUJERIA A TRAVES DE LOS TIEMPOS 1922

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (invasion of the body snatchers)”, 1956 (Reseña / Review #1713).

Reseña Cultural nº: 1713 // Reseña Media nº: 66
Reseña actualizada. Publicada el 19 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Director: DON SIEGEL
Guión: DANIEL MAINWARING
Actores principales: KEVIN McCARTHY (Doctor Miles J. Bennell), DANA WYNTER (Becky Driscoll), LARRY GATES (Doctor Dan Kauffman)
País: EE.UU Año: 1956 Productora: ALLIED ARTISTS
Duración aprox.: 76 minutos
Publicado en España por: SUEVIA FILMS / EL CORTE INGLÉS
Año: 2009 Formato: DVD edición coleccionista con libreto de 32 páginas (EDICIÓN COMPRADA)

DVD LA INVASION DE LOS LADRONES DE CUERPOS invasion of the body snatchers

Perteneciente a la colección “Selección Clásicos de Oro”, El Corte Inglés y Suevia Films han publicado esta magnífica edición en formato DVD de la película de culto “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos”, incluyendo un precioso libreto de treinta y dos páginas con interesante información sobre este mítico largometraje e imágenes de algunas de sus escenas más inolvidables. Rodada en blanco y negro, perfecto para aumentar la atmósfera de misterio en las películas de terror y suspense, esta fascinante obra cinematográfica está basada en la novela escrita por Jack Fenney cuya trama comienza en la pequeña ciudad californiana de Santa Mira, cuando sus habitantes poco a poco empiezan a mostrar signos y comportamientos extraños ante sus familiares, vecinos, autoridades… En medio de esta extraña plaga que parece afectar a un número creciente de personas en esta ciudad, el doctor Bennell (actor Kevin McCarthy) empezará a investigar el origen de esta dolencia tan anormal que parece afectar a la personalidad de sus pacientes en extraños casos médicos y que, de la noche a la mañana, sin explicación alguna vuelven a la normalidad. Una película de terror y suspense con una intensidad que provoca un agobio emocional creciente, y donde el nerviosismo irá apoderándose de los cinéfilos lectores de Lux Atenea que disfruten de esta impresionante película en esta lujosa edición. Como analista cultural, “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos” es una película de culto que me dejó fascinado desde la primera vez que la vi en televisión (en la 2 de Televisión Española) hace ya algunas décadas, no dudando un segundo en comprarla en cuanto supe que la empresa Suevia Films había publicado esta edición tan completa.

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Las vainas y la aparente normalidad con la cual esta plaga se va extendiendo en una sociedad moderna que únicamente se fija en lo físico y en la imagen por encima de cualquier otra consideración, las personas que dejan su verdadera personalidad atrás tras ser copiados en cuerpo y mente… configuran y dan sentido al trasfondo conceptual y existencial que emana de “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos». La frialdad emocional que transmiten estos seres humanos que han dejado de serlo al quedar carentes de sentimiento alguno, la pérdida de humanidad que se refleja incluso físicamente en los individuos copiados con el borrado de sus huellas dactilares, dan esa fuerza al horror en este mítico largometraje cuya trama está inspirada en el peligro que puede significar para la Humanidad el poder ser colonizados por entes extraterrestres deseosos de conquistar nuestro planeta a través del exterminio de nuestra especie mediante el copiado corporal. En este legendario largometraje, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de inolvidables escenas como, por ejemplo, cuando el doctor Bennell abre el arcón en casa de Becky (actriz Dana Wynter), cuando el perro cruza la calle delante del doctor Bennell y Becky, la amenazante llegada al centro de la ciudad de los camiones cargados de vainas, el peligroso regalo que les deja el personal de la gasolinera en el coche, o la impactante escena donde las vainas van abriéndose en el interior del invernadero. En definitiva, una película de culto donde sus opresivos ambientes les harán pasar momentos angustiosos debido a la hipnótica atracción que provoca su trama. Además, tan grande ha sido el éxito de esta historia de ficción entre el público que, a día de hoy, la industria del cine ha realizado ya tres remakes, siendo su versión más reciente el largometraje “Invasión (The Invasion)” protagonizado por los actores Daniel Craig y Nicole Kidman, y que se estrenó en el año 2007. “La Invasión de los Ladrones de Cuerpos”, una de las mejores películas de Terror y de Ciencia-Ficción en la Historia del Séptimo Arte.¡¡¡Disfrútenlo!!!

LA INVASION DE LOS LADRONES DE CUERPOS invasion of the body snatchers 1956

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PIEL DE SERPIENTE (the fugitive kind)”, 1960 (Reseña / Review #1712).

Reseña Cultural nº: 1712 // Reseña Media nº: 65
Reseña actualizada. Publicada el 30 de agosto del año 2012 en Lux Atenea.

Director: SIDNEY LUMET
Guión: TENNESSEE WILLIAMS y MEADE ROBERTS
Actores principales: MARLON BRANDO (Valentine Xavier “Piel de Serpiente -Snakeskin-”), ANNA MAGNANI (Señora Torrance), JOANNE WOODWARD (Carol Cutrere), MAUREEN STAPLETON (Señora Talbot), VICTOR JORY (Jabe Torrance), R. G. ARMSTRONG (Sheriff Talbot), EMORY RICHARDSON (Tío Pleasant), MADAME SPIVY (Ruby Lightfoot), SALLY GRACIE (Dolly Hamma), LUCILLE BENSON (Beulah Binnings)
País: EE.UU Año: 1960 Productora: UNITED ARTISTS
Duración aprox.: 116 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A.
Año: 2010 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “Piel de Serpiente”
EXTRAS: Ficha Técnica // Ficha Artística // Galería Fotográfica

DVD PIEL DE SERPIENTE the fugitive kind

Basada en la obra del talentoso escritor estadounidense Tennessee Williams “La caída de Orfeo (Orpheus Descending)”, la película “Piel de Serpiente” es un drama psicológicamente impactante donde queda reflejada con total claridad la terrible hipocresía dominante en la sociedad tradicional y, más concretamente, en las ciudades del sur de los Estados Unidos de América de la década de los cincuenta con su inflexible y anquilosado sistema, con sus ilógicas supersticiones cargadas de racismo y xenofobia, y con su sociedad de clases donde los prejuicios, los abusos de poder, y la corrupción dominan y condicionan la vida cotidiana. Rodada bajo la dirección de Sidney Lumet, “Piel de Serpiente” tiene el encanto de las películas en blanco y negro donde la magna calidad artística de sus imágenes no hacen más que ensalzar la impresionante interpretación de sus actores, sobre todo, de estas dos grandes estrellas cinematográficas como son Anna Magnani y el grandioso e incomparable Marlon Brando. Actores perfectos para encarnar a estos difíciles personajes que se caracterizan por la pérdida del sentido de sus vidas en este mundo, y por ese crítico descontrol interior en referencia a su destino vital. La fuerza irresistible de lo pasional (que suele traer consigo falsas esperanzas) y la desilusión (que transforma el amor en odio con instintos de venganza) llevarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea a disfrutar esta extraordinaria película donde su mayor grandeza artística se llama guión+interpretación, y sin que sea necesaria la presencia de los efectos especiales tan en boga actualmente para garantizar el éxito de un largometraje. “Piel de Serpiente” es la historia de tres personajes, Valentine (Marlon Brando), Carol (Joanne Woodward), y la señora Torrance (Anna Magnani), donde Carol representa el pasado de frivolidad, juerga, desenfreno, y aparente sensación de libertad en el cual ha vivido Valentine mientras vivió en la ciudad de Nueva Orleans, y la señora Torrance se presenta casi como el futuro de seguridad económica y de cambio radical en su vida que Valentine desea alcanzar. Pero Valentine también es visto como la última tabla de salvación de esas dos mujeres en este mundo, y en esa complicada situación, qué forma de vida creen que será la que termine condicionando el destino de Valentine. Todo ello unido a la importancia del suceso que provocó el incendio del merendero regentado por el padre de la señora Torrance, no hará más que aumentar la intriga de este extraordinario y atrayente drama con un final en su horizonte que difícilmente es percibido hasta la última escena.

Lux Atenea 4 - 6

En este magnífico y reflexivo guión donde la maestría lírica de Tennessee Williams se respira en cada frase, desde la primera escena quedarán cautivados por la magnética imagen de Valentine Xavier, alias “piel de serpiente (snakeskin)”, interpretado por el colosal actor Marlon Brando. Presentado ante un tribunal para ser juzgado por haber causado daños en un local de Nueva Orleans llamado Club Rendezvous, Valentine es músico, animador de locales nocturnos, y está fuertemente unido a su inseparable guitarra, instrumento que le fue regalado por el músico de jazz Leadbelly al que venera. Y tal es su pasión por la música que poco a poco ha ido cubriéndola con las firmas de grandes músicos de jazz como si fuera su Templo de Euterpe personal. Tras ser puesto en libertad por el juez con la promesa de no volver a cometer los mismos actos nunca más, Valentine abandona la ciudad en su automóvil pero, en una noche tormentosa bajo la lluvia torrencial, se acercará a una casa de la pequeña localidad sureña de Two Rivers para que le permitan dormir en un lugar seco durante esa noche. Pero la casa a la que acude resulta ser el hogar del sheriff de la localidad. Admitido por la amable y compasiva mujer del sheriff, la señora Talbot, para darle un lecho donde poder descansar, terminará confesándole que trata de dar un cambio radical a su vida, motivo por el cual ella tratará de conseguirle un empleo en su localidad ya que en la tienda del señor Jabe Torrance andan buscando a un dependiente debido a la grave enfermedad que padece. Cuando acude a la tienda para poder conseguir el empleo conoce a la señora Torrance (Anna Magnani), y aunque ésta se muestra inicialmente muy fría con él, poco a poco irá tomando más y más confianza hasta confesarle algunas particularidades existentes en esa localidad aparentemente tranquila. Además, Valentine “piel de serpiente” (llamado así por la chaqueta de piel de serpiente que acostumbra a llevar siempre puesta) también conocerá a Carol Cutrere (Joanne Woodward), y los motivos que llevaron al sheriff de la localidad a echarla del pueblo tras acusarla de ser una degenerada. Carol es una mujer extravagante, frívola, de moral muy ligera (por lo que provoca conflictos y tensiones constantes en una comunidad tan conservadora), indiscreta, se toma la vida como si fuera una fiesta constante, piensa que puede hacer lo que le dé la gana en este mundo… en definitiva, una joven que es todo lo contrario a la señora Torrance. La actitud de Carol se ve agravada por su pasado religioso, y espiritualmente hablando acabó completamente defraudada con esa forma de vida aparentemente piadosa cuando descubrió cómo justificaba el racismo imperante en su localidad. El corazón de Carol cae rendido ante la presencia de Valentine, y cuando rompe voluntariamente con su exilio y retorna al pueblo, el choque de personalidades entre la señora Torrance y Carol será inevitable. Una incompatibilidad que no evitará que se establezca un peligroso e inestable triángulo de relaciones entre Valentine y la señora Torrance, y Valentine con Carol, que incrementará su intensidad emocional y sentimental según se vaya enredando más y más ante la imposibilidad real de su consolidación, y ante el frágil futuro que se les presenta.

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En esta seductora trama, la tragedia, el drama, la ironía, y ciertos toques de sarcasmo en el humor, fascinarán al culto lector de Lux Atenea a través de este magnífico guión que irremediablemente atraerá su atención a la pantalla. Un detallado perfilamiento psicológico de los personajes que, en manos de estos excelentes actores, hacen destacar a la película “Piel de Serpiente” dentro de su género porque tener en esta película a un actor como Marlon Brando en uno de sus mejores momentos profesionales, es todo un lujo y se nota. Su firmeza, su expresividad, su convicción transformada en gestos faciales, su mirada propia de un ser que está por encima de todo a pesar de su precaria situación económica en la vida, su capacidad para transmitirnos esos sueños de inmortalidad que todo buen músico y artista posee, su fuerza en los ojos como pocos actores han tenido como don artístico en toda la Historia del Cine… en definitiva, Marlon Brando es uno de los pocos actores cuya sola presencia llena la gran pantalla con sólo verlo actuar. En el complicado papel de Carol Cutrere, también la actriz Joanne Woodward logra transmitirnos la difícil personalidad de esta joven rebelde cuya mentalidad no admite ni falsas creencias, ni esa forma de vivir cargada de hipocresía que define a la vida tradicional y cotidiana en su localidad. Una joven que le encanta provocar y que sabe cómo jugar con Valentine, porque en el fondo ella sabe que le importa. Pero, por encima de todo, la actriz que logra equilibrar la calidad interpretativa mostrada por Marlon Brando en esta película es, sin duda alguna, la genial Anna Magnani haciendo el papel de la señora Torrance. Una mujer atormentada en su interior que contrasta totalmente con su apariencia de carácter fuerte en el trato (casi siempre con los brazos cruzados), siendo un personaje perfecto para que Anna Magnani pueda lucirse junto al colosal Marlon Brando. La señora Torrance comentará sus sueños a Valentine ante su aparente sinceridad porque, en el fondo, necesita sentirse protegida y querida ya que se siente muy sola, y el origen de ese vacío existencial es la absoluta falta de entendimiento entre el señor y la señora Torrance que, muy claramente, se hará presente en la escena cuando el señor Torrance regresa a la tienda tras recibir el alta del hospital de Memphis donde fue ingresado. Tras su hospitalización, la señora Torrance ha de cuidar a su marido y llevar también la tienda, y a pesar de contar con la ayuda de Valentine, esa estresante situación le acabará desbordando porque el señor Torrance es un hombre despótico, egoísta, y arrogante con el cual no se puede razonar. La excelente interpretación que el actor Victor Jory hace del autoritario señor Torrance es sencillamente magistral. Los cinéfilos quedarán muy impresionados al contemplar al actor Victor Jory dando intensidad a su personaje con esa actitud con la cual mira a su mujer, y a la que constantemente está mandándole el mensaje de que puede hacer con su vida lo que le venga en gana. En el caso de Valentine, el señor Torrance también le deja muy claro que, a la primera oportunidad que tenga, no dudará un segundo en acabar con él, presentando actitudes agresivas que no hacen más que incrementar la tensión dramática de cada escena en la que participa. Una interpretación muy impactante, y en sintonía con el magnífico trabajo realizado por otros actores y actrices como Maureen Stapleton en el papel de la señora Talbot (personaje que vive en su propio mundo a espaldas de la realidad), o en la fuerza vital que despliega Madame Spivy en cada gesto al interpretar el papel de la dueña del local Ruby´s Bar.

Lux Atenea 4 - 1

La película “Piel de Serpiente” es, sobre todo, un largometraje vertebrado por escenas inolvidables como la imagen del particular cuadro que ha pintado la señora Talbot (la mujer del sheriff), en la tensión que se respira en la escena del tío Pleasant cuando entra en la tienda y donde quedan perfectamente reflejados los prejuicios dominantes en aquella sociedad tradicional, cuando Carol provoca con sus piernas a Valentine dentro del coche, cuando la dueña del Ruby´s Bar le dice discretamente a Valentine que se lleve a Carol a otro lado porque no la quiere allí, en la genial escena donde Carol explica a los clientes del Ruby´s Bar qué significa para ella “ir de antros” (sus caras y sus reacciones lo dicen todo), o en la impactante secuencia del cementerio donde Valentine descubre que Carol es una persona mucho más sensible y frágil, con miedos, inseguridades, y con un profundo vacío existencial. A los cinéfilos les atraerá la impresionante escena de Valentine con la señora Torrance en las escaleras de la tienda, la cruda escena de la confesión de la señora Torrance al hermano de Carol en la tienda, la fuerza visual y simbólica de la imagen donde aparece el pregonero informando sobre la inauguración de la confitería de la Sra. Torrance en el pueblo, y, sobre todo, es en la escena de la cerilla donde Valentine muestra su lado indomable, desplegando Marlon Brando todo su virtuosismo interpretativo a la hora de dar cuerpo y alma a la personalidad individualista en personajes cinematográficos tan indómitos. Papeles donde siempre se mostró colosal, superlativo, e insuperable a nivel artístico. Una escena que será clave en el desarrollo de esta inteligente y elaborada trama, y donde el talento lírico del escritor Tennessee Williams queda potenciado en cada gesto y mirada de Marlon Brando. Finalmente, un apoteósico crescendo emocional en los últimos quince minutos de película con constantes sorpresas, dan más empuje y energía emocional a la trama, y los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán ir descubriendo poco a poco todo lo que se oculta tras el férreo orden de la ley que parece imperar en este pueblo para salvaguardar la aparente vida tranquila y sosegada de sus ciudadanos. “Piel de Serpiente”, magnífica película en blanco y negro con Anna Magnani y Marlon Brando insuperables. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

PIEL DE SERPIENTE the fugitive kind 1960

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“WHITE NOISE: MÁS ALLÁ (white noise)”, 2005 (Reseña / Review #1711).

Reseña Cultural nº: 1711 // Reseña Media nº: 64
Reseña actualizada. Publicada el 30 de marzo del año 2013 en Lux Atenea.

Director: GEOFFREY SAX
Guión: NIAL JOHNSON
Actores principales: Michael Keaton (Jonathan Rivers), Deborah Kara Unger (Sarah Tate), Chandra West (Anna Rivers), Ian McNeice (Raymond Price), Sarah Strange (Jane), Nicholas Elia (Mike Rivers), Mike Dopud (detective Smits)
País: CANADÁ – REINO UNIDO Año: 2005 Productora: UNIVERSAL PICTURES / GOLD CIRCLE FILMS / WHITE NOISE UK / BRIGHTLIGHT PICTURES / ENDGAME ENTERTAINMENT Duración aprox.: 101 minutos
Publicado en España por: DEAPLANETA Año: 2005
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “White Noise: Más Allá”
EXTRAS: Ficha técnica // Ficha Artística // Ficha del Doblaje // Trailer // Filmografía

DVD WHITE NOISE 2005

A pesar de que haya habido críticos cinematográficos que hayan considerado a “White Noise: Más Allá” como cine de terror, personalmente creo que no es una película que cause miedo o que tenga escenas que puedan provocar sustos en el espectador, salvo en aquellas personas que el mero hecho de hablar de psicofonías ya les suponga un estado de inquietud mental o de miedo en sí. Como analista cultural, a “White Noise: Más Allá” preferiría etiquetarla como una película de misterio e intriga con un nivel equilibrado de suspense, y que resultará muy interesante a los cinéfilos lectores de Lux Atenea que aún no conozcan este largometraje al tener como eje temático a los extraños fenómenos de voz electrónica (EVP, Electronic Voice Phenomenon) o psicofonías, los cuales se ha comprobado científicamente que a través del ruido blanco (white noise) se facilita su grabación con una mayor definición e intensidad. Es como si el ruido blanco se convirtiera en la vía más adecuada para que se establezca esta inquietante comunicación. En esta reseña no voy a entrar en el tema que si son originados por las almas de los muertos (temática principal de esta película), por emisiones inconscientes del propio cerebro, o que provienen de seres de otras dimensiones o universos paralelos. Lo que si es descartable es la posibilidad de que sean registros del pasado, o interferencias radioeléctricas, o su inaceptable e ilógico origen en seres de otro planeta, ya que se ha demostrado que hay una interactuación inteligente con esas voces. Además es muy interesante comprobar cómo este director ha sabido transmitir la inmersión un tanto obsesiva en la cual entran muchas de las personas amateur e investigadores que se adentran en este misterioso mundo paranormal según van descubriendo nuevas revelaciones a través de sus grabaciones, siendo un ejemplo claro de esa perturbadora e inquietante dinámica los personajes de Raymond Price y Jonathan Rivers viviendo completamente al margen de la vida social y cotidiana. Todo ello unido a sus particulares interpretaciones de esas experiencias paranormales, propias de quien enlaza hechos y actos sin tener un conocimiento profundo sobre el tema, se convierten en todo un acierto cuando se trata de dar mayor credibilidad cinematográfica a esta historia de ficción.

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Estrenada oficialmente en los cines en el año 2005 como un thriller de trasfondo sobrenatural, “White Noise: Más Allá” es una película magníficamente rodada por el director británico Geoffrey Sax, y con este inconfundible estilo estadounidense a la hora de desarrollar una trama a través de imágenes con un realismo y una calidad que atrae irremediablemente nuestra atenta mirada a la pantalla. Unido a esta excelente banda sonora con música compuesta por Claude Foisy, “White Noise: Más Allá” es una película que te entretiene y te engancha hasta el final, y el cine, por encima de todo, es entretenimiento y placer a la hora de ver un buen largometraje. Una misteriosa historia donde la admirable interpretación realizada por estos actores en sus respectivos personajes, ofrece ese realismo y esa credibilidad tan esenciales cuando se aborda el rodaje de una película con esta difícil temática, y desde un punto de vista tan serio como en el caso de Michael Keaton en el papel del arquitecto Jonathan Rivers, personaje marcado por la Razón y la lógica científica. Destaca también la actriz Deborah Kara en el papel de Sarah Tate, la introvertida colaboradora de Raymond Price que ha acudido a él en busca de respuestas tras la muerte de su novio, o la extraordinaria labor de interpretación realizada por el actor Ian McNeice en el difícil papel del investigador Raymond Price, un personaje que transmite absoluta credibilidad a pesar de su dedicación y de sus estudios un tanto controvertidos.

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Iniciamos esta interesante entrada en la película leyendo las palabras del genial inventor estadounidense Thomas Edison que, en el año 1928, ya daba su opinión sobre temas relacionados con el misterio y lo sobrenatural debido a las inquietudes y ansias de conocimiento que esos asuntos despertaban en su mente, y cuyas investigaciones en este campo no voy a describir en esta reseña, invitándoles a su búsqueda y estudio. Dentro del inexplicable mundo de los fenómenos paranormales relacionados con las psicofonías, el director de esta película ya nos informa sobre la orientación que este largometraje va a tomar en relación a la comunicación con las personas ya fallecidas a través de este método. La historia comienza con una luminosa y soleada mañana en el hogar de un reconocido arquitecto llamado Jonathan Rivers (Michael Keaton), el cual recibe la alegre noticia de su mujer, la escritora Anna Rivers (actriz Chandra West), de que está embarazada. Nunca más volverá a verla con vida, conociendo su desaparición a través de los medios de información tras una larga espera en su casa. Pero las autoridades solamente han encontrado el coche y no su cuerpo, por lo que se especula con un posible secuestro. A partir de aquí, todo se complicará en esta trama con la entrada en escena de Raymond Price (actor Ian McNeice), investigador de fenómenos paranormales, cuando le comenta que ha recibido mensajes de su mujer desde el más allá, pero Jonathan Rivers se niega a aceptarlo porque ello supondría que su mujer está muerta, acabando con su última esperanza de verla con vida. Poco tiempo después, las autoridades le informan que han encontrado su cadáver, cambiando totalmente su opinión e interés hacia todo aquello que Raymond Price trataba de decirle. El suspense en esta intrigante trama aparecerá cuando las autoridades cierren el caso dando una explicación puramente accidental a su muerte, él reciba una misteriosa llamada de su mujer al móvil, y a través de las psicofonías se revele que su muerte oculta un misterio, motivo por el cual Jonathan Rivers pasará de una actitud absolutamente escéptica en todo lo relativo al mundo de las psicofonías, a otra mucho más activa que le llevará a involucrarse de lleno ante las progresivas revelaciones donde se señala a un psicópata asesino.

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Como analista cultural, quisiera destacar la impecable e inteligente labor desarrollada por el director de esta película desde sus primeras secuencias, ya que Geoffrey Sax va preparando muy sutilmente a la mente del espectador a través de la audición de ruidos y canales desintonizados cuando Jonathan Rivers espera a su mujer y tiene problemas al seleccionar una emisora de radio. Una acción que centra la atención en este radiocassette portátil que va a tener un especial protagonismo en el largometraje, sobre todo, tras activarse solo el equipo incomprensiblemente. Además es muy curioso el detalle del título del nuevo libro de su mujer, “The Eternal Wait” (la eterna espera), con un mensaje claro y directo cuando Jonathan Rivers ve la portada mientras espera su llegada. Otras misteriosas secuencias llegarán cuando él recibe una llamada de su mujer en su móvil mientras tiene en sus manos el móvil de ella apagado, cuando en una llamada al teléfono fijo queda grabada la voz de su mujer en el contestador, con la contemplación de las impactantes escenas que Jonathan Rivers va a ir viendo en las pantallas de televisión, en la maléfica presencia de tres siniestras sombras, en la funesta escena en la cual Sarah Tate se ve a sí misma en esas imágenes, o en la fantasmagórica escena del edificio cuando Jonathan Rivers ve a su mujer y… Otras simbólicas imágenes que también resaltan en este largometraje son la visión de Raymond Price y su pragmático coche que refleja una personalidad firme y segura, sorprende comprobar la falta de intimidad que tiene la nueva casa de Jonathan Rivers al no tener cortinas y quedar siempre expuesto a la mirada de la gente desde el exterior (como si se mandara un metafórico mensaje al espectador de que no tiene nada que ocultar), en la presencia del agua circulando y cayendo bajo su nuevo hogar, y que se repite también en el edificio del muelle con el trasfondo esotérico que ello conlleva en cuanto a la actividad paranormal, o en la obscuridad predominante en las escenas donde aparece Raymond Price en su sobrecargado despacho, y que aumenta la atención y la concentración del espectador en lo que está ocurriendo allí. “White Noise: Más Allá”, intrigante película cuya trama está basada en los fenómenos paranormales relacionados con las psicofonías. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

WHITE NOISE 2005

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“A MERCED DEL ODIO (the nanny)”, 1965 (Reseña / Review #1710).

Reseña Cultural nº: 1710 // Reseña Media nº: 63
Reseña actualizada. Publicada el 8 de febrero del año 2015 en Lux Atenea conmemorando el 50º aniversario de la mítica película “A MERCED DEL ODIO (the nanny)” (1965).

Director: SETH HOLT
Guión: JIMMY SANGSTER
Actores principales: BETTE DAVIS (niñera), WENDY CRAIG (Virginia ‘Virgie’ Fane), WILLIAM DIX (Joey Fane), PAMELA FRANKLIN (Bobbie Medman), JAMES VILLIERS (Bill Fane), JILL BENNETT (tía Pen)
País: REINO UNIDO Año: 1965 Productora: SEVEN ARTS / HAMMER FILM PRODUCTION
Duración aprox.: 89 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A.
Año: 2006 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “A Merced Del Odio”
EXTRAS: Trailer

DVD A MERCED DEL ODIO the nanny 1965

Cine en blanco y negro, suspense, la mítica productora británica Hammer… excelsa amalgama artística dentro del Séptimo Arte para hacer relucir a la legendaria actriz Bette Davis en esta película de culto. Un claro ejemplo de fusión creativa representada en la gran pantalla en “A Merced Del Odio”, una película rodada con maestría por el director británico Seth Holt para poder definir y estructurar este excelso thriller de gran impacto psicológico en el espectador. Comprobarán cómo en su trama late la duda permanente sobre si el joven Joey es la víctima, o es el inmisericorde verdugo causante de este horrible drama. Unas veces se presentará como un ángel, en otras ocasiones como un auténtico demonio, pero, durante su visualización, la tensión psicológica no dejará de aumentar hasta el final porque esta trama es muy turbia e inquietante, dándonos pistas poco a poco sobre quién posee esa diabólica alma en su interior. ¿Será en realidad la niñera, impecablemente interpretada por la actriz de culto Bette Davis? En este largometraje podrán disfrutar de su maestría en la interpretación realizada en la era dorada que viviría en la década de los sesenta dentro del cine de suspense, recomendando a los cinéfilos lectores interesados en aquella gloriosa etapa que visualicen también “¿Qué Fue De Baby Jane?” (1962), película de culto ya reseñada en Lux Atenea. Aunque Bette Davis empezaba a percibir en el horizonte el declive de su exitosa carrera profesional, gracias al magnífico guion basado en la novela homónima escrita por Evelyn Piper (1964), en “A Merced Del Odio” brilla solemnemente en la gran pantalla interpretando a este personaje obscuro y fascinante. Un escenario marcado profundamente por los sentimientos de culpa, por la verdad que no sale a la luz, y por la tensión existencial resultante tras el cínico enmascaramiento de la muerte. Como analista cultural me encantan las películas que protagonizó Bette Davis en aquella época, a la cual considero inigualable e incomparable en su prolongada y prestigiosa carrera debido a su augusta grandeza interpretativa reflejada en escena al dar vida a personajes profundamente siniestros que, personificados en el rostro y en los gestos de Bette Davis, adquieren esas características tan tenebrosas que los vuelven apasionadamente atrayentes, y repulsivos a su vez. Sus ojos penetrantes, su gélida mirada, sus expresiones situadas al límite de la cordura, su cínico servilismo, su insensibilidad ante el dolor y el sufrimiento… extreman aún más la personalidad y el protagonismo del personaje interpretado hasta convertirlo en un ser absolutamente creíble a pesar de los fuertes contrastes que aparecen en su comportamiento. En “A Merced Del Odio”, el Mal ha vuelto para trastornar la vida cotidiana de una familia acomodada tras haber vivido un sangriento suceso en el pasado, motivo por el cual su hijo Joey fue acusado de matar a su hermana Susy. Después de un largo periodo de tiempo ingresado en un centro psiquiátrico, su retorno al hogar no va a ser precisamente un camino de rosas al seguir la niñera de la familia al servicio de sus padres. Una niñera a la cual Joey señaló como la verdadera causante de la muerte de su hermana Susy. A partir de ese momento, las muertes volverán a presentarse en el terrible destino de esta familia acomodada y desestructurada.

Lux Atenea 4 - 6

Pero, en este largometraje, la extraordinaria interpretación de Bette Davis en el papel de la niñera no solamente lo convierte en mítico. Hay otros actores y actrices situados en otro gran nivel artístico cuyo valor cualitativo dentro de esta obra cinematográfica es el que permite acentuar aún más el glorioso despliegue interpretativo de Bette Davis, haciéndola absolutamente creíble de cara al público. En estas películas resulta crucial que la calidad en la interpretación mostrada por los actores de segundo nivel sea relevante para poder sostener toda la historia, y fascinar así al espectador a través de las emociones que despiertan durante su visualización. En este caso, emociones tensas, viscerales, al observar cómo el engaño y las falsas apariencias van tapando y distrayendo la atención sobre la persona causante de estas muertes. Un fascinante abanico de personajes donde resaltan magníficos actores como William Dix, dando vida al joven niño de diez años llamado Joey Fane que desprecia totalmente a la niñera, y en la que no confía. Con un perfil psicológico marcado por la retorcida intencionalidad de sus actos, el retorno de Joey a la casa será el renacer de la conflictividad en el seno del hogar. Sin duda alguna, las personalidades más fuertes en esta historia son la niñera y Joey, todo lo contrario respecto a la inestabilidad emocional que presentan otros personajes como su madre, Virginia Fane (actriz Wendy Craig), una persona mentalmente débil cuyas acciones y comportamientos terminan desesperándote por su falta de carácter, su padre Bill Fane (actor James Villiers), una persona amargada que elude sus responsabilidades en el hogar amparándose en las exigencias de su trabajo al servicio de la Casa Real inglesa, o haciendo excesivo uso de la autoridad para dominar las situaciones que no controla, la tía Pen (actriz Jill Bennett), una mujer de salud muy delicada por sus problemas de corazón y de estabilidad muy quebradiza que caracteriza a su personalidad, o la joven vecina Bobbie Medman (actriz Pamela Franklin), que se convierte en la persona de confianza de Joey, aunque presenta ciertas pérdidas de la noción de la realidad motivadas por una vida personal donde no se están cumpliendo sus sueños y los cambia por la fantasía. Como pueden comprobar, esta película lo tiene todo para dar cuerpo e intensidad a un buen drama dentro esta obscura atmósfera de suspense.

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“A Merced Del Odio” es una película que marca, que impresiona, que fascina por la terrible crudeza con la cual se presentan en escena los actos más horribles. “A Merced Del Odio” atesora imágenes y escenas en su celuloide que quedarán indeleblemente grabadas en la mente del espectador como, por ejemplo, la estoica entrada de la niñera en la casa a pesar de las muestras de sufrimiento de Virginia Fane ante el retorno de su hijo Joey, el contraste emocional existente en la escena de la cocina donde la sonriente niñera saca la tarta que ha comprado para dar la bienvenida a Joey (mientras se escucha a los padres discutir en otra estancia), la cara de profunda tristeza y de terrible desamparo interior que transmite el rostro de Virginia Fane cuando sale del cuarto y cómo los recuerdos de su hija Susy y su muerte le siguen atormentando, la macabra broma que Joey le gasta a la señora Griggs (actriz Nora Gordon), la ausencia de cualquier muestra de cariño en Bill Fane en el hospital psiquiátrico cuando llega su hijo, los dibujos pintados por los niños expuestos en una de las paredes del hall del hospital, la mirada de rechazo y de desprecio que Joey muestra nada más ver a la niñera, o la impactante imagen de Virginia ante el espejo y el reflejo de la entrada sonriente de Joey en la habitación, una de las mejores escenas en esta película. Lo retorcidamente siniestro está presente cuando Joey guarda la soga debajo de la almohada, cuando Virginia y su hermana Pen charlan y sale a la luz el accidente tras el cual la niñera se hizo cargo de Virginia, la tensión que se respira cuando la niñera le advierte muy seriamente a Joey después de la peligrosa broma al lechero, cuando Joey le gasta a la niñera una broma muy cruel para impresionar a su vecina Bobbie utilizando su muñeca en la bañera, las serias amenazas de Joey a su madre, o la impactante escena en la cual la niñera trata a Virginia como si fuera una niña pequeña para que se coma la cena. ¡¡¡Unas imágenes que lo dicen todo!!! Impresiona observar la indiferencia emocional de Joey tras el envenenamiento de su madre, o tras haber acusado a la niñera de tratar de ahogarlo, o la escena en la cual Joey le cuenta la muerte de su hermana a Bobbie, u otras tan inolvidables como la inquietante imagen de tía Pen durmiendo con los latidos de su corazón como sonido de fondo, la siniestra secuencia cuando tía Pen sufre un ataque al corazón en la cocina y trata de llegar como puede a la habitación para tomar su medicina, la reacción que tiene la niñera en esta situación de emergencia y sus revelaciones a tía Pen, o la entrada de la niñera en la habitación de Joey y la posterior escena de la bañera. ¡¡¡Arte interpretativo por excelencia!!! En definitiva, esta película es una exquisita muestra del mejor cine de la década de los sesenta, y con la magia y la inquietud que provocan en el espectador las imágenes rodadas en blanco y negro. “A Merced Del Odio”, película de culto dentro del cine de horror y suspense. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

A MERCED DEL ODIO the nanny 1965

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA TIENDA DE LOS HORRORES (the little shop of horrors)”, 1960 (Reseña / Review #1709).

Reseña Cultural nº: 1709 // Reseña Media nº: 62
Reseña actualizada. Publicada el 28 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Director: ROGER CORMAN
Guión: CHARLES B. GRIFFITH
Actores principales: JOHATHAN HAZE (Seymour Krelboyne), JACKIE JOSEPH (Audrey Fulquard), MEL WELLES (Gravis Mushnick), JACK NICHOLSON (Wilbur Force)
País: EE.UU Año: 1960 Productora: THE FILMGROUP Inc.
Duración aprox.: 83 minutos
Publicado en España por: TEMA Año: 2007
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD LA TIENDA DE LOS HORRORES the little shop of horrors 1960

Cada vez que visualizo esta edición íntegra de la película “La Tienda de los Horrores”, como analista cultural disfruto de estos momentos cinematográficos absolutamente mágicos y obscuros. Rodada en blanco y negro por el genial director estadounidense Roger Corman en el año 1960, con el paso de los años, este largometraje se ha convertido en una de las películas de culto más aclamadas dentro de las producciones de serie B. En “La Tienda de los Horrores”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de una entrañable comedia donde el humor negro tiene como base, la mezcla de la inocencia con la intencionalidad y el interés que en algunas personas termina despertándose en cuanto aflora el dinero. Una trama basada en la historia narrada por el sargento Joe Fink sobre el caso investigado en la Floristería Mushnick´s situada en la ciudad de Los Ángeles, y cuyo abanico de personajes, a cual más surrealista e histriónico, dan ese toque irrealmente divertido y fantásticamente creíble. Personajes como el señor Gravis Mushnick (avaro e interesado dueño de la tienda), Seymour Krelboyne (empleado torpe de la tienda que se dedica a investigar dentro del mundo de la horticultura), Audrey Fulquard (empleada de la tienda y novia de Seymour que vive en su mundo maravilloso), Leonora Clayd (la prostituta), la señora Krelboyne (la hipocondríaca y alcohólica madre de Seymour), el doctor Phoebus Farb (dentista sádico), Burson Fouch (cliente de la tienda y comedor de flores), Wilbur Force (cliente masoquista que va a la consulta del dentista para sufrir con todo gusto, y que es interpretado por este jovencísimo Jack Nicholson)… Pero la verdadera protagonista en esta historia no es otra que la planta carnívora creada por Seymour Krelboyne tras haber realizado un siniestro injerto entre dos especies botánicas, llamando a su nueva planta con el nombre de Audrey junior.

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Audrey junior es una monstruosa planta carnívora que puede hablar y que todas las tardes, al crepúsculo, pide ser alimentada. En un principio, Seymour Krelboyne llega incluso a alimentarla con su propia sangre, pero cuando la planta se convierte en la estrella de la tienda al atraer a más y más clientes, su gran crecimiento y su constante reclamación de más y más comida se acaba convirtiendo en un gran problema. “La Tienda de los Horrores” es una película que los cinéfilos lectores de Lux Atenea han de visualizar atentamente para poder descubrir sutiles detalles humorísticos como la revista “Pain” en la sala de espera de la consulta del dentista, el rostro de todas las personas devoradas grabadas en la planta, la imagen de la planta escupiendo la pistola del ladrón, la cabeza de Seymour saliendo de la tapa del wáter al abrirse… mientras la planta se va adueñando poco a poco de la voluntad de Seymour para que le traiga más comida. Todo ello, mientras contemplamos extraordinarias escenas rodadas por Roger Corman como la cena de Seymour con Audrey, la persecución en el vertedero sobre los neumáticos de grandes dimensiones, la escena donde Seymour lleva un saco con los restos del hombre arrollado por el tren para ofrecérselo como alimento a la planta… o momentos muy divertidos como la conversación de Seymour con Leonora Clayd, mientras la película “La Tienda de los Horrores” empieza a cobrar cuerpo artístico como tributo a los ingeniosos gags heredados del legendario cine mudo como, por ejemplo, en la escena del semáforo y los ojos de Seymour. “La Tienda de los Horrores”, estas películas dentro del cine B hacen brillar al Séptimo Arte. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

LA TIENDA DE LOS HORRORES the little shop of horrors 1960

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SIETE NOTAS EN NEGRO (sette note in nero)”, 1977 (Reseña / Review #1708).

Reseña Cultural nº: 1708 // Reseña Media nº: 61
Reseña actualizada. Publicada el 20 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

Director: LUCIO FULCI
Guión: LUCIO FULCI
Actores principales: JENNIFER O’NEILL (Virginia Ducci), GABRIELE FERZETTI (Emilio Rospini), MARC POREL (Luca Fattori), GIANNI GARKO (Francesco Ducci), IDA GALLI (Gloria Ducci), JENNY TAMBURI (Bruna), FABRIZIO JOVINE (comisario D’Elia), RICCARDO PARISIO PERROTTI (abogado de Francesco Ducci), LOREDANA SAVELLI (Giovanna Rospini, director de la galería de arte), FAUSTA AVELLI (Virginia de niña)
País: ITALIA Año: 1977 Productora: CINECOMPANY / RIZZOLI FILM
Duración aprox.: 93 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2013
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD SIETE NOTAS EN NEGRO sette note in nero 1977

Una de las características artísticas más importantes y destacadas de la película “Siete Notas En Negro” ha sido la incorporación del elemento sobrenatural en una trama clásica dentro del cine giallo, ‘amarillo’ en italiano, y etiqueta artística basada en el color de las portadas con las cuales se encuadernaba la exitosa literatura de terror y suspense publicada en la década de los treinta. Con guión y dirección a cargo del emblemático director italiano Lucio Fulci (1927-1996), reverenciado dentro del universo de terror surgido en la cinematografía underground, este mítico largometraje fue su última obra dentro del cine giallo antes de lanzarse de lleno a la temática gore que tanta fama le ha dado. En “Siete Notas En Negro” consigue alcanzar una hipnótica plasticidad visual para poder cautivar al espectador gracias a este don tan especial que posee para sumergirte mentalmente en escenarios dominados por el suspense, mientras la intriga en su trama no deja de sorprendernos escena tras escena. “Siete Notas En Negro” es una joya artística del mejor cine giallo, y que los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar adquiriendo esta magnífica edición en formato DVD publicada por Regia Films en el año 2013. Podrán comprobar fielmente cómo “Siete Notas En Negro” es obscuro y trágico suspense por excelencia, mientras la angustia no para de crecer hasta hacernos partícipes directos de la acción a través de la profunda carga emocional que son capaces de provocar sus escenas. Además, ve aumentada esta tensión por el influjo obsesivo que despierta lo parapsicológico dentro de este clima de desasosiego, y que emana de forma lenta y densa en esta trama de horror. Con las visiones como elemento sobrenatural clave en esta historia, su embrujo cinematográfico ha sido potenciado a nivel musical gracias a esta magnífica banda sonora compuesta por Franco Bixio, Vince Tempera, y Fabio Frizzi, siendo precisamente Fabio Frizzi el elegido por el grandioso director de cine estadounidense Quentin Tarantino para componer el famoso tema de su película “Kill Bill Vol.1”. Como podrán comprobar, todo ha sido artísticamente cuidado en “Siete Notas En Negro” hasta erigirse como una de las obras más destacadas del cine giallo.

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Esta historia comienza el día 12 de octubre del año 1959 cuando en unos acantilados ingleses, una joven (actriz Elizabeth Turner) se arroja al vacío. Simultáneamente, en la ciudad italiana de Florencia, su hija (actriz Fausta Avelli) rompe a llorar al presenciar ese suicidio a través de una visión. Dieciocho años después, vemos a su hija Virginia Ducci (personaje interpretado por la famosa actriz Jennifer O’Neill) felizmente casada con Francesco Ducci (actor Gianni Garko) y disfrutando de una privilegiada posición económica. Virginia tiene otra trágica e impactante visión donde ve a una mujer siendo emparedada por un hombre con cojera, y decide consultar a su amigo Luca Fattori (actor Marc Porel) al ser un experto en parapsicología que está siempre interesado en conocer y estudiar hechos paranormales. Pero sus explicaciones no dejan a Virginia muy convencida debido a que piensa que esas visiones son un mensaje de un hecho ocurrido en el pasado, y no una alucinación como Luca dice. Cuando Virginia visita un viejo palacio propiedad de su marido para reformarlo, descubre la misma estancia donde ocurrieron los sucesos que observó en la visión de la mujer emparedada. Cuando decide picar la pared descubre un cadáver. Con este caso en manos de la policía, el primer sospechoso acaba siendo su marido al ser el dueño del palacio, por lo que es interrogado junto a su abogado (actor Riccardo Parisio Perrotti). Siendo Francesco detenido y encarcelado, Virginia decide investigar para demostrar su inocencia contando con la colaboración de su amigo Luca y de su ayudante Bruna (actriz Jenny Tamburi). Poco a poco, los mensajes en su visión irán encajando, pero el destino le aguarda una gran sorpresa.

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En esta película destacan especialmente imágenes y escenas de gran fuerza visual como la secuencia del suicidio de la madre de Virginia en el acantilado, el simbolismo místico del túnel obscuro donde Virginia tiene de nuevo una visión (un trasfondo metafórico que tiene relación directa con las grutas y con las cuevas sagradas donde se practicaban las mancias en la Antigüedad por su conexión con la Gran Diosa Madre y con los poderes del inframundo), con la tensión que se respira en el cara a cara en la puerta entre Virginia y Emilio Rospini (actor Gabriele Ferzetti), o la intrigante atmósfera existente cuando Virginia descubre que la habitación roja existe en realidad. Impresiona observar la tenebrosa imagen de la mujer en el jardín, la inquietante y atrayente habitación roja de siniestra estética gótica y sobrecargada decoración propia del lujo burgués, la inoportuna (y también salvadora) melodía del reloj de pulsera. la belleza plástica del cigarrillo amarillo en el cenicero azul mientras se consume, la presencia ineludible del color rojo en la lámpara y que hace ser consciente a Virginia del trasfondo real de su visión, o la siniestra decoración de la habitación del palacio con las aves disecadas como símbolo de la presencia de la muerte. En definitiva, horror, intriga, y suspense unidos al misterio de lo sobrenatural. “Siete Notas En Negro”, cuando el genio y el talento artístico dan como fruto cinematográfico esta impresionante película de horror. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

SIETE NOTAS EN NEGRO sette note in nero 1977

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.