“EL HOMBRE QUE RIE (the man who laughs)”, 1928, PAUL LENI (Reseña / Review #1690).

Posted on 29 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 1690 // Reseña Media nº: 43
Reseña actualizada. Publicada el 11 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

DIRECTOR: PAUL LENI
ACTORES PRINCIPALES: MARY PHILBIN, OLGA BACLANOVA, CONRAD VEIDT, CESARE GRAVINA, BRANDON HURST
AÑO: 1928 DURACIÓN APROX.: 110 minutos
PUBLICADO POR: TRIBANDA PICTURES, S.L.
AÑO: 2010 FORMATO: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Rodada en los Estados Unidos de América en el año 1927, “El Hombre que Ríe” es una película muda de culto del prestigioso director de cine germano Paul Leni (1885-1929), auténtico maestro del Expresionismo alemán más vanguardista e innovador en su época. Este mítico largometraje es una adaptación cinematográfica de la obra dramática homónima escrita por el genio decimonónico de la literatura francesa Victor Hugo (1802-1885). Años después de su estreno oficial ante el gran público (año 1928), muchos de los impactantes fotogramas que se aquí se filmaron pertenecientes a su personaje principal Gwynplaine, acabarían inspirando a los míticos dibujantes de cómic Jerry Robinson y Bob Kane para la creación del rostro del irreconciliable enemigo de Batman: el maléfico y sarcástico Joker. Un dato de sobra conocido por los fieles seguidores de esta exitosa saga de atmósfera gótica, y donde la imagen de Gwynplaine en la película “El Hombre que Ríe” se vincula directamente al personaje del Joker. Actualmente se ha vuelto a dar un renovado protagonismo a este siniestro largometraje en el siglo XXI con la publicación de esta lujosa edición en DVD. Una visualización que despertará su interés a la hora de conocer en mayor profundidad este universo cinematográfico siempre tan sorprendente como provocador. En “El Hombre que Ríe”, los cinéfilos lectores de Lux Atenea apreciarán muy claramente su esplendorosa calidad artística nada corriente en muchas otras películas de éxito rodadas en aquella década, gracias a una generosa financiación que permitió ser incluida dentro de las míticas superproducciones de la compañía estadounidense Universal Studios, invirtiendo más de un millón de dólares en ella. Una obra cinematográfica que, tras el prematuro fallecimiento de su director al año siguiente de su estreno, acabaría convirtiéndose en su penúltima película.

“El Hombre que Ríe” es un drama de corte sentimental cuya trama se desarrolla en el siglo XVII en Inglaterra. Cuando el padre de Gwynplaine cae en desgracia durante el reinado de Jacobo II, es condenado a morir dentro de la terrorífica y macabra Dama de Hierro. Pero el rey Jacobo II también buscará aplacar su venganza en su hijo, ordenando que su rostro sea modificado físicamente para que la sonrisa quede permanentemente reflejada en su cara. Después de ser vendido y abandonado, Gwynplaine salvará a un bebé de morir congelado (la dulce Dea) y, tras ser recogidos por unos feriantes, su vida quedará inexorablemente unida al triste destino de un monstruo de feria cuyo éxito entre el público acabará llamando la atención de la realeza. Gwynplaine regresa a la Corte que provocó su desgracia y, a partir de entonces, el destino de su vida cambiará radicalmente. Por encima de todo, la película “El Hombre que Ríe” es un siniestro y dramático recorrido por la vida de un ser condicionado por su físico. Una visión de la vida de su protagonista que, de forma magistral, el director Paul Leni refleja visualmente a través de un inteligente juego de luces y sombras que darán sentido a estas atmósferas barrocas y obscuras muy bien logradas mediante el uso de tenebrosos e impactantes decorados. Una película que ofrece al espectador escenas imborrables de indiscutible belleza, y que gracias a la admirable labor interpretativa realizada por grandes actores como Mary Philbin (Dea), Olga Baclanova (Duquesa Josiana), Conrad Veidt (Gwynplaine), Cesare Gravina (Ursus), Brandon Hurst (Bakilphedro, el consejero real)… convierten esta obra de arte en una garantía absoluta del gran espectáculo que sólo el Séptimo Arte es capaz de ofrecernos.

Pero no hay que olvidar que la trágica grandeza visual de “El Hombre que ríe” hace que en el espectador fluyan emociones durante la contemplación de esta historia tan terrible. Se ha provocado la desfiguración del rostro de una persona para que quede condenada a sonreír permanentemente, incluso cuando esté pasando por momentos profundamente tristes en su vida. Es imposible no conmoverse al contemplar los terribles e irreparables efectos que provocan los diabólicos pensamientos concebidos en el lado más obscuro de la mente humana, teniendo como consecuencia en el cuerpo de otro ser humano que termine condenado a sufrir de por vida. Por este motivo, los actos protagonizados por Gwynplaine en esta historia solamente pueden ser juzgados desde la toma de consciencia previa del trágico pasado que ha padecido. Un poso trágico que siempre reaparece en su presente por culpa del desfigurado rostro. Desde un espejo hasta la reacción de sorpresa, diversión, o miedo que su cara provoca en aquellos que le ven, convierten su vida en un constante sufrimiento que no puede nunca evitar porque su destino ha quedado ya escrito y condicionado. Por este motivo, Gwynplaine nunca se sentirá libre y, en cambio, sí se sentirá encadenado a una imagen pública que no puede cambiar ni eliminar.

En el caso de Dea, que salvó de morir de frío cuando era muy pequeña, el amor que Gwynplaine siente por ella está también condicionado por la ceguera que ella padece, transmitiendo una imagen simbólica e idílica del Amor donde lo visual nunca es valorado por encima de la bondad interior. Conceptos absolutamente opuestos a lo socialmente entendido y apreciado como Amor porque, desde el punto de vista social, ese valor está irremediablemente invertido en lo que se entiende como normalidad y como símbolo de belleza. La ceguera de Dea también permite que no sufra constantemente al ver cómo las personas tratan a la persona amada sin tener en cuenta su bondad interior, amparándose en su imagen deforme como justificación de sus repudiables reacciones. Belleza interior e imagen siniestra, dos elementos que, en personas que sienten dentro de sí el espíritu nacido en el Romanticismo, son tomados como algo normal y bello si están unidos. Para el resto, en cambio, lo siniestro siempre se ha etiquetado directamente como reflejo claro de lo monstruoso y maléfico. ¿Quiénes poseen verdaderamente la pureza espiritual en su interior, el deformado Gwynplaine y la ciega Dea, o la supuesta normalidad social que caracteriza al resto de las personas que les rodean? ¿Está siendo justa la sociedad con las personas cuando no tienen una imagen que se considere ‘normal’? ¿Quiénes se comportan realmente en sus vidas como verdaderos adoradores del Mal por sus actos, los estigmatizados por su deformidad o por su imagen no convencional, o aquellos que están integrados dentro de la estética y de la normalidad social? “El Hombre que Ríe”, de nuevo, una película de culto vuelve a ser protagonista en Lux Atenea para formar parte de esta exquisita selección cinematográfica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“KAGEMUSHA, LA SOMBRA DEL GUERRERO (影武者)”, 1980 (Reseña / Review #1689).

Posted on 29 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1689 // Reseña Media nº: 42
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 23 de noviembre del año 2010 conmemorando el centenario del nacimiento del genial director de cine japonés AKIRA KUROSAWA (1910-1998), y los 30 años de la presentación oficial de esta sublime película (1980).

Director: AKIRA KUROSAWA
Guión: AKIRA KUROSAWA y MASATO IDE
Año: 1980 Duración aprox.: 152 minutos
Publicado en España por: TWENTIETH CENTURY FOX HOME ENTERTAINMENT ESPAÑA, S.A. Año: 2007
Formato: 2 DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Galardonada con la Palma de Oro en el Festival de Cannes del año 1980, y con el César a la Mejor Película Extranjera otorgado por la Academia de las Artes y Técnicas del Cine de Francia en 1981, “Kagemusha, la Sombra del Guerrero” es una película que la crítica especializada ha valorado como una auténtica obra maestra dentro del universo cinematográfico. De la mano del genial director de cine japonés Akira Kurosawa, a quien admiro profundamente por la calidad artística que siempre ha presentado en cada una de las maravillosas obras que ha rodado, el cinéfilo lector de Lux Atenea que decida asistir a este gran espectáculo visual de la imagen concebida como una obra artística, comprobará con sus propios ojos cómo el color, el movimiento, la coordinación, las tomas, los encuadres… acaban convirtiéndose en la radiante alma de esta película que le dejará fascinado por su sublime belleza. Situada en Japón durante el periodo feudal, su trama está basada en la búsqueda de un doble que pueda hacerse pasar por un poderoso señor feudal ante su inminente muerte, evitando con ello la pérdida de sus dominios. Finalmente encuentran como doble a una persona con un pasado poco honorable, reconduciendo su vida como respetado señor de la guerra. Un ladrón que, de la noche a la mañana, se le presenta una oportunidad única en la vida para renacer y para cambiar su aciago y triste destino a través de una nueva existencia que le otorga sentido vital y orgullo. Pero la vida cotidiana de un poderoso señor feudal también está llena de compromisos, de decisiones importantes que ha de tomar como gobernante, y de inevitables peligros que ha de esquivar, y que le llevarán a replantearse muy seriamente si continúa protagonizando este teatro de la realidad.

Cuando en España empezó la expansión del formato de vídeo doméstico VHS y de los videoclubs, aparte de alquilar las películas más interesantes del momento, también me aficioné a alquilar películas japonesas debido al fascinante mundo cinematográfico que me mostraban. Unos largometrajes que me cautivaron artísticamente por el cuidado de la imagen y del color como parte plástica fundamental que da sentido a la obra. Con personajes interpretados magníficamente por actores que, viniendo de una esencia artística puramente teatral, daban vida y alma a sus personajes utilizando gestos y expresiones nada comunes en el resto de películas occidentales. Ese estilo tan característico en muchas películas japonesas de la época te obliga a fijar la mirada atentamente en sus personajes, mientras la escena nos ofrece ese ambiente único y bello como solamente los grandes directores japoneses son capaces de inmortalizar dentro del Séptimo Arte. Sobre todo, en tomas exteriores donde la naturaleza, el ser humano, y lo urbano, son considerados como una belleza fugaz que es grabada en fotogramas tras una paciente espera. Y es que no hay nada mejor que la belleza circunstancial y efímera que nos rodea para dar realismo y credibilidad a una trama, independientemente del escenario donde se desarrolle. Como analista cultural, así veo y siento la grandeza del cine japonés a la hora de convertir el escenario y el personaje en el diario de la existencia humana, ya sea en su carácter externo o en su universo personal interior. Uno de estos directores con ese virtuoso don artístico para poder reflejar la belleza en imágenes fue Akira Kurosawa, y en este año 2010 que en Lux Atenea estoy conmemorando el centenario de su nacimiento, es todo un honor y un placer escribir esta reseña sobre una de sus mejores películas: “Kagemusha, la Sombra del Guerrero”. Los tiempos han cambiado radicalmente desde los tiempos del VHS, con todos esos mágicos momentos que me llevaban a buscar una película japonesa en el videoclub y alquilarla sin saber qué te ibas a encontrar luego. Regresando a la actualidad, en esta preciosa edición en doble DVD podrán no solamente admirar esta grandiosa película, sino también conocer un poco más sobre la carrera cinematográfica de este genial director gracias a los extras aquí incluidos (entrevistas con George Lucas, Francis Ford Coppola, y Kurosawa; Akira Kurosawa: es maravilloso crear; Imágenes: la continuidad de Kurosawa…). “Kagemusha, la Sombra del Guerrero”, el color, el movimiento, y los gestos interpretativos convierten a este largometraje en una película de culto dentro del cine japonés más selecto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA DIOSA. CREACIÓN, FERTILIDAD, Y ABUNDANCIA. MITOS Y ARQUETIPOS FEMENINOS”, SHAHRUK HUSAIN (Reseña #1688).

Posted on 28 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1688 // Reseña Literaria: 287
Reseña actualizada. Publicada el 29 de marzo del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: EVERGREEN / TASCHEN GmbH.
ISBN: 3-8228-1348-6
Edición: 2001 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 184

Dentro del mundo académico actual, nadie duda de la importancia que adquirieron los cultos y ritos religiosos relacionados con diosas dentro del mundo primitivo y antiguo en la Historia de la Humanidad. Más allá de límites orográficos, de culturas separadas por océanos y mares, el culto a las diosas se extendió alrededor de todo el planeta hace miles de años y, en la mayoría de los territorios poblados, el culto a la diosa terminaría por representarse a través de diferentes manifestaciones donde la diosa era adorada como fuente de vida. Partiendo de esta visión global de su culto religioso en cuyo centro estaba situada la omnipresente diosa, esta amplia y detallada obra permitirá a los bibliófilos lectores de Lux Atenea interesados en esta temática, poder conocer el origen y los fundamentos que consolidaron a los diferentes cultos religiosos relacionados con las diosas. Con esta publicación, la prestigiosa editorial Taschen ha vuelto a sorprendernos con una magnífica obra impecablemente presentada, ofreciéndonos un amplio contenido informativo apoyado en esta serie de imágenes cuya belleza y significado les asombrará. Es verdad que una imagen vale más que mil palabras, y mucho más si abordamos esta interesante temática relacionada con la religión, con la mitología, y con los arquetipos.

La relevancia informativa del libro “La Diosa” viene dada por su carácter global dentro de esta organizada fuente de datos, y marcada por la visión detallada de los diferentes conjuntos temáticos que los definen. De esta forma, en esta obra, el culto a las diosas termina siendo organizado en grupos religiosos de carácter simbólico como “La recuperación de la diosa” (el Paleolítico, el Neolítico y la aparición del culto a la Gran Diosa Madre), “Conflicto y supervivencia” (la expansión del culto a la diosa en todo el mundo), “La Diosa y el cosmos” (el universo, la naturaleza, las estaciones, y los alimentos integrados en el ciclo de la vida creado y dirigido por la diosa), “La fertilidad y la pareja divina” (el inframundo como clave de la fertilidad y de la vida), “La vida sexual de la diosa” (la polifacética esencia de la diosa en relación con la sexualidad y con la trascendencia existencial), “La virgen, la madre, y la vieja” (la diosa bajo el influjo patriarcal), “Guerreras y guardianas” (la diosa como poderosa y violenta fuerza destinada a alcanzar la victoria en el conflicto, y para asegurar la futura paz), y “La liberación de la diosa” (el resurgir del culto a la diosa en la actualidad). En resumen, el magnífico libro “La Diosa” no entra a analizar en profundidad cada uno de los cultos a la diosa aparecidos a lo largo de toda la Historia de la Humanidad, pero sí les permitirá conocer el origen, expansión, consolidación, declive, y renacimiento de su culto hasta nuestros días. Una visión global muy bien documentada y muy bien estructurada para facilitar su comprensión y análisis. “La Diosa”, una de las mejores obras que se hayan publicado sobre esta interesante y reflexiva temática religiosa. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“En la Edad del Bronce, el Alto Egipto estuvo representado por una diosa con forma de halcón llamada Nejbet, mientras que el Bajo Egipto y el delta del Nilo lo estuvo por la diosa-serpiente Utcho. En el origen, Isis era la deidad protectora de una pequeña ciudad del delta llamada Per-Utcho o Buto. Fue asimilada por Utcho y, una vez unidos los reinos del Alto y Bajo Egipto, también asumió la identidad de Nejbet.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

HERÓDOTO / DIODORO DE SICILIA “LA BATALLA DE LAS TERMÓPILAS” (Reseña #1687).

Posted on 28 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1687 // Reseña Literaria: 286
Reseña actualizada. Publicada el 8 de septiembre del año 2012 en Lux Atenea.

Publicado por: RBA LIBROS, S.A.
ISBN: 84-9867-579-54
Edición: 2009 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 172

En esta extraordinaria edición del libro, a través de dos fuentes históricas de la Antigüedad escritas por el padre de la historiografía Heródoto (484-425 antes de Cristo) y por Diodoro de Sicilia, historiador del siglo I antes de Cristo, los cultos lectores de Lux Atenea podrán conocer la gesta de los guerreros lacedemonios al mando del rey Leónidas de Esparta frente a las colosales fuerzas persas del rey Jerjes en la Batalla de las Termópilas (año 480 a.C.). Un acontecimiento histórico grabado en la memoria universal gracias a aquella muestra de heroísmo, de valor, y de determinación en el combate mostrado por los soldados espartanos (hoplitas) ante tan aplastante inferioridad numérica. La moral de estos hoplitas y su determinación fueron clave para poder frenar temporalmente a las potentes y numerosas fuerzas militares persas del rey Jerjes en el paso de las Termópilas, enclave estratégico cuyo dominio permitía el poder invadir el sur de la península helénica usando fuerzas militares terrestres provenientes del norte. La Batalla de las Termópilas se ha convertido en el conflicto armado por excelencia en Europa, el más nombrado, mencionado, y recordado de la Segunda Guerra Médica a pesar de la derrota sufrida por los espartanos, quienes han dejado su huella en la Historia como auténticos héroes. Este acto de heroísmo aparece de distintas formas reflejado en estas fuentes históricas antiguas según quien sea el autor de los escritos. Un contraste y una perspectiva distinta de ese memorable conflicto armado reflejado en el análisis y en la maestría literaria de estas dos grandes obras históricas escritas por Heródoto y Diodoro de Sicilia.

En Lux Atenea, hace años publiqué la reseña de la extensa obra “Historia de la Guerra del Peloponeso” del maestro Tucídides, y donde analizaba su excelencia descriptiva y narrativa frente al estilo literario utilizado por Jenofonte a la hora de finalizar aquella obra colosal debido a la muerte del gran maestro. En el caso de la descripción historiográfica de la Batalla de las Termópilas, un caso muy parecido sucede con Heródoto y Diodoro de Sicilia. Como no podía ser de otra forma, Heródoto sigue convirtiendo la lectura informativa de este enfrentamiento bélico incluido en su monumental obra de nueve libros “Historia”, en todo un placer gracias al interés que despierta en el lector a través de la belleza y de la sencillez en el estilo literario. En cambio, en referencia a esta batalla, el texto de Diodoro de Sicilia se presenta más complejo, menos asequible, más barroco, y menos adaptado a la imaginación y a las exigencias del lector moderno. Pero esto no significa que podamos dejar a un lado su obra, ya que aporta una perspectiva y un enfoque muy interesante que cautivará al culto lector de Lux Atenea por su estructura y por su tono épico donde se respira humanidad y heroísmo en su más pura esencia. Dos formas distintas de abordar y de registrar para la posteridad este acontecimiento militar, y desde la perspectiva marcada por estas dos mentalidades y culturas distanciadas en casi cuatro siglos en el tiempo, permitiendo que nos hagamos una idea bastante clara sobre la evolución de los intereses culturales y de la formación intelectual que condicionaron la época en la cuales vivieron estas dos mentes privilegiadas del Mundo Antiguo. Este debe ser el principal atractivo literario en el cual hay que adentrarse para poder comprender cómo evolucionó la cultura en Occidente desde el siglo V hasta el siglo I antes de Cristo, y cómo cada generación ve cambiados sus valores intelectuales a pesar de tener una base y una raíz cultural común. “La Batalla de las Termópilas”, la fascinación de la literatura clásica sigue viva en este siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LOS PERSAS. LA CONSTRUCCIÓN DE UN IMPERIO” (Reseña / Review #1686).

Posted on 28 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1686 // Reseña Media nº: 41
Reseña actualizada. Publicada el 18 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

País: EE.UU Año: 2006
Productora: KPI-KRALYEVICH Productions
Duración aprox.: 44 minutos
Publicado en España: DIVISA Home Vídeo
Año: 2010 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

CONTENIDO: Documental “Los Persas. La construcción de un imperio”

“Los Persas. La construcción de un imperio” es uno de los mejores documentales sobre el imperio persa que podrán ver y analizar los cultos lectores de Lux Atenea. Persia, cuyos extensos dominios continentales abarcaron desde África hasta Asia, creó el imperio más grande y poderoso de la época. Una civilización que ha dejado su huella en la historia de la Humanidad por su cultura, por sus victorias militares, y por sus colosales construcciones arquitectónicas entre las cuales destacan sus lujosos y monumentales palacios, sus carreteras convertidas en pilares del poder político y económico persa al conectar entre sí los distintos territorios que formaban parte de su imperio, y sus canales como obras colosales debido a las dificultades orográficas que debieron superar. Unos canales que, gracias a sus avanzados estudios topográficos, hacen destacar especialmente al canal de Darío como primer intento de facilitar el transporte marítimo entre el mar Rojo y el mar Mediterráneo muchos siglos antes de la construcción del canal de Suez. Todo comienza aproximadamente en el año 4.000 a.C. cuando tribus nómadas deciden establecerse en una meseta situada geográficamente en el actual Irán, teniendo como vecinos en el norte a los medos. Como se dedican principalmente al cultivo pero en la zona no abundan los recursos hídricos, empiezan a buscarlos para llevar el agua hasta sus pueblos y campos. En una admirable obra de ingeniería, construyen canales subterráneos de irrigación llamados canats desde las fuentes de agua hasta los lugares donde era necesaria, haciendo que el agua fluyera a través de una estudiada pendiente del canal que aprovecha la fuerza de la gravedad para hacerla circular. Ciro II, el Grande (580 a.C. – 530 a.C.), será quien expanda sus fronteras incorporando grandes extensiones de territorio hasta convertirlo en un imperio: el imperio persa aqueménida. Considerado un humanista, tras llegar al poder en el año 559 a.C., una de las claves de su éxito como gobernante sería la tolerancia religiosa que gustaba practicar, eliminando tensiones internas entre la población dentro de sus fronteras por cuestiones de creencias, siendo histórica su orden de liberación de los judíos de Babilonia en el año 537 a.C. para que regresaran a sus tierras, después del cautiverio decretado en el año 586 a.C por el rey babilonio Nabucodonosor II (630 a.C. – 562 a.C.) tras la conquista del Reino de Judá y de la ciudad de Jerusalén. Como apunte histórico y cultural, Nabucodonosor II fue el rey que ordenó la construcción de los míticos Jardines Colgantes de Babilonia, una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo.

Pasargadas se convertirá en la primera capital del imperio persa aqueménida y, sin duda alguna, el legado cultural y arquitectónico de Ciro II, el Grande, es considerado como uno de los más importantes de la Historia. Tras su muerte, será Darío I, el Grande (550 a.C. – 486 a.C.), quien dirija el imperio a partir del año 522 a.C., rehabilitando la ciudad de Susa y engrandeciendo su belleza arquitectónica hasta ser considerada como referencia indiscutible del lujo y del esplendor por las culturas más importantes de aquella época. Darío I, el Grande, aumentará considerablemente la extensión del imperio pero dejará su indeleble sello personal en la Historia tras la colosal construcción de la ciudad de Persépolis, magna obra arquitectónica de una complejidad y belleza sin precedentes hasta entonces. Durante su reinado se inicia la construcción de la red de carreteras de piedra creada para fortalecer y consolidar el poder del imperio, y también entrará en funcionamiento el canal de Darío destinado a unir el mar Rojo con el mar Mediterráneo, naciendo con ello una nueva ruta comercial entre el mar Rojo y el Nilo. La entrada en Grecia del potente y numeroso ejército de Darío I sería el inicio de las célebres Guerras Médicas (los griegos llamaban medos a los persas), y que acabarían en un completo desastre militar para los persas tras la batalla de Maratón (septiembre del año 490 a.C.). Tras la muerte de Darío I, su hijo Jerjes I (519 a.C. – 465 a.C.) le sucede en el trono y toma como objetivo principal de su mandato la conquista del territorio griego que su padre no había logrado alcanzar. La Segunda Guerra Médica estalla y, tras las victorias iniciales persas y la quema de la ciudad de Atenas, a pesar de su considerable superioridad numérica y material también terminarán siendo derrotados por los griegos en Salamina (septiembre de 480 a.C.) y en la batalla de Platea (27 agosto de 479 a.C.). El hijo de Jerjes I, Artajerjes I (465 a.C. – 424 a.C.), heredará el imperio tratando de llevarlo a una nueva era de esplendor, empezando por la finalización de la construcción de la ciudad de Persépolis que verá incrementada considerablemente su belleza. Pero la decadencia de Persia como imperio había comenzado, y con Darío III y Alejandro Magno como protagonistas, tras la victoria de este último, el ocaso del imperio persa había llegado. Alejandro Magno destruiría su capital, Persépolis, en el mes de mayo de 330 a.C. hasta no dejar más que ruinas, devastación, y el recuerdo de su época de esplendor. “Los Persas. La construcción de un imperio”, grandiosa cultura y civilización cuyo estudio y análisis es clave para poder comprender la Historia de la Humanidad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

KHALIL GIBRAN “EL PROFETA” (Reseña #1685).

Posted on 28 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1685 // Reseña Literaria: 285
Reseña actualizada. Publicada el 16 de octubre del año 2009 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a EDICIONES OBELISCO por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Publicado por: EDICIONES OBELISCO, S.L.
ISBN: 84-9777-543-4
Edición: 2009 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)

Esta magna obra es, sobre todo, un libro que hará pensar a los cultos lectores de Lux Atenea sobre su interior y sobre su relación con lo exterior. Teniendo a la trascendencia como brillante base a través de la cual iluminar la existencia de la persona con inquietudes espirituales, el poeta libanés Khalil Gibran (1883-1931) convierte sus palabras en una lección de filosofía y de poesía con trasfondo místico. En la actualidad estamos viviendo en una sociedad moderna donde lo espiritual ha pasado a un segundo o tercer plano en la vida de los ciudadanos, pero sumergidos en una deriva existencial la mayoría de ellos, no parecen hallar soluciones a los graves problemas existenciales que padecen aunque lleguen a disponer de un nivel económico elevado, o tengan todo a su disposición. La realidad materialista y, sobre todo, el excesivo valor que se le da a los bienes que posee una persona en esta sociedad está llevando a gran parte de la ciudadanía al culto fanático al dinero, convirtiendo la vida cotidiana dentro de las grandes ciudades en toda una odisea humana de tintes trágicos. La base económica no parece estar llevando a la población a ese paraíso vendido como progreso y felicidad, y frente a tanta confusión y desánimo generalizado, ilustres obras como “El Profeta” van cobrando mayor importancia existencial de la que ha venido atesorando desde hace décadas. “El Profeta” no tiene muchas páginas y es de pequeño formato en esta lujosa edición publicada por Ediciones Obelisco, pero su verdadera grandeza realmente se encuentra en la esencia espiritual de su mensaje a través de palabras claras, directas, y sencillas de entender por cualquier persona independientemente de su estatus económico o de su nivel cultural. Esta obra está dirigida a todo aquel individuo que desee cambiar su vida hacia una mayor armonía con su Yo, con su espíritu, y lo que es más difícil, con su alma. Con el sacrificio y el esfuerzo como condición indispensable para poder integrar el inexorable cambio, las frases de Khalil Gibran se muestran cortas en su longitud, pero infinitas en su profundidad, convirtiendo lo complicado y difuso en algo visible y claro. Solamente es necesaria la inexcusable voluntad para poder llevar a la práctica estos clarificadores mensajes que armonizan la vida con lo material, el Yo con el resto de los seres, y el alma con el universo que le vio nacer. “El Profeta”, una obra indispensable para poder elevar el plano existencial hacia lo sensible, hacia lo universal, y hacia lo supraterrenal omnipresente en este mundo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“DEAD SPACE: PERDICIÓN (dead space: downfall)”, 2008 (Reseña / Review #1684).

Posted on 28 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1684 // Reseña Media nº: 40
Reseña actualizada. Publicada el 29 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Director: CHUCK PATTON
País: EE.UU Año: 2008
Productora: FILM ROMAN / ELECTRONIC ARTS / STARZ MEDIA
Duración aprox.: 74 minutos
Publicado en España por: SONY PICTURES
Año: 2008 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Suspense, Terror, y Ciencia-Ficción. Tres palabras que definen perfectamente esta película de animación, y cuyas brutales escenas gore garantizan este impactante espectáculo visual en la pantalla para impresionar al cinéfilo lector de Lux Atenea afín a la vanguardia. Con una trama que, básicamente, sigue los parámetros ya establecidos en la mítica película “Alien”, “Dead Space: Perdición” adquiere un mayor interés artístico al ser la precuela del shooter de terror homónimo publicado por la mítica compañía estadounidense Electronics Arts. Su visualización previa adquiere una gran importancia antes de empezar a jugar a este videojuego, ya que el final de esta película de animación se ha enlazado con su inicio. Por lo tanto, a los cultos lectores de Lux Atenea que juegan a “Dead Space” y no entienden del todo su trama, u otras de las características y particularidades que definen y perfilan esta intrigante historia, seguro que esta película resolverá muchas de sus dudas al respecto. “Dead Space: Perdición” es una película de animación cuya trama de ciencia-ficción nos sitúa en el descubrimiento de una gigantesca estructura extraterrestre en la superficie de un planeta, originando un serio conflicto religioso debido al fanatismo que presenta una corriente religiosa cuyos seguidores se autodenominan como unitologistas. Tras este interesante y enigmático hallazgo, extraños sucesos empiezan a encadenarse en la base instalada en las cercanías de esa misteriosa construcción, junto a una serie de asesinatos y de actos violentos como nunca se hayan visto en aquel lugar. Vertebrado por terroríficas sorpresas apareciendo constantemente en pantalla a lo largo de toda la película, debido a las especiales características alienígenas que aquí se presentan, la magnífica combinación de alta tecnología con angustiosos ambientes donde la oscuridad y la sangre están siempre presentes convierten estos escenarios en auténticos cementerios high-tech en el espacio.

Como analista cultural, creo que conviene subrayar que “Dead Space: Perdición” es una extraordinaria película de animación destinada a un público adulto debido a sus impactantes y sangrientas escenas. Presentando dibujos influenciados por este inconfundible estilo de ilustración para diseñar personajes que es característico en el panorama cinematográfico occidental a la hora de crear películas y series de animación, en este largometraje se han combinado imágenes de gran calidad con dibujos muy esquematizados y sin prácticamente tonalidades cromáticas. Un contraste absoluto unido a fascinantes detalles tecnológicos que engrandecen esta película como la sierra de luz, el indicador luminoso de vida que llevan a la espalda los humanos, o el sistema utilizado para sacar el monolito extraterrestre del planeta, nos ofrecen una realidad tecnológica futurista que atraerá a los fieles seguidores de este estilo cinematográfico. Una atmósfera obscura y tétrica donde el misterio y el suspense están presentes esta historia en la mayor parte de su desarrollo. “Dead Space: Perdición” destaca por sus impactantes escenas sangrientas donde la estética gore hace acto de presencia con todo tipo de mutilaciones, desmembramientos, cuerpos que revientan desde dentro, escenarios salpicados con sangre hasta el último rincón, brutales cortes e impactos en los cuerpos… haciéndonos recordar de nuevo que esta película de animación no está hecha para ser visualizada por el público infantil. Después de este necesario apunte artístico, una vez vista y analizada, por su calidad creo que este largometraje debería haber tenido un poco más de promoción en los medios de información para dar a conocer esta impactante obra al gran público, ya que creo que existe un gran número de espectadores interesados en este género cinematográfico en todo el mundo. “Dead Space: Perdición”, una película de animación brutal y terrorífica que será muy apreciada por los incondicionales seguidores de la temática “Alien” dentro de la ciencia-ficción. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“BATTLE ROYALE”, 2000 (Reseña / Review #1683).

Posted on 28 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1683 // Reseña Media nº: 39
Reseña actualizada. Publicada el 19 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Dirigida por: Kinji Fukasaku
Actores principales: Takeshi Kitano (Profesor Kitano), Ko Shibasaki (Mitsuko)
Año : 2000 Duración aprox.: 114 minutos
Publicado por: MANGA FILMS, S.L.
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Al inicio del milenio, la nación sufrió una profunda crisis. Con un quince por ciento de desempleo, diez millones de personas quedaron en paro. Ochocientos mil estudiantes boicotearon los institutos. Los adultos dejaron de confiar en la juventud y empezaron a temerla. Finalmente, se aprobó la ley de la reforma educativa del milenio, también conocida como ley B.R”. Con este prólogo comienza la película “Battle Royale”. Frente a una situación cercana a la anarquía en el sistema educativo, se ha aprobado la ley B.R. Los alumnos que son sometidos a la ley Battle Royale, son reunidos en un grupo del cual solamente sobrevivirá uno y la clase B de un instituto ha sido seleccionada. Cuarenta alumnos a los que se les unirá dos incorporaciones sorpresa. Desorientados por esa amarga sorpresa y bajo control militar, son tratados como animales y soltados en un medio hostil cuya ley es la ley de la jungla, la ley del más fuerte. ¿O del más listo? ¿O del que tiene más suerte? ¿O del psicópata más insensible? Ya se verá. Este grupo ha sido trasladado a una isla y cada alumno tiene un collar explosivo en el cuello que se activará cuando las normas se incumplan, teniendo avisos cada seis horas que les informan sobre las zonas peligrosas en la isla. Unos lugares que, una vez activados, estar allí supone la muerte segura. En aquella isla permanecerán durante tres días, pero en ese periodo de tiempo solamente se puede salvar uno de ellos, y si sobreviven más de uno, todos los collares explotan. A cada uno de ellos se les ha dado una mochila de supervivencia que incluye, aparte de comida y objetos para el aseo, un arma aleatoria que puede ser un subfusil, una pistola automática, un revolver, una escopeta, una espada, una ballesta, una navaja… Y en la isla, todo vale, no hay reglas salvo la supervivencia de una única persona. La confusión, la tensión, y el miedo a perder la vida serán los tres factores principales para desencadenar los actos más salvajes y violentos. En un escenario así, ¿confiarías en tu mejor amigo? ¿y en una persona con una actitud inocente? ¿y en palabras que hablan de paz y amor? Además, ¿crees que la unión, la fraternidad, y el amor triunfarían en un entorno tan salvaje? ¿Cuál es la verdadera cara del ser humano? ¿Triunfarán el instinto de supervivencia y los pensamientos más egoístas? ¿Es el débil, una presa fácil?

El actor japonés Takeshi Kitano en el papel del profesor Kitano, se presenta frío, estricto, firme, y con una pesada mochila a la espalda llena de cargas emocionales, destacando sobre todo su mirada y su impasibilidad. Pero Takeshi Kitano comparte protagonismo con otra magnífica actriz como Ko Shibasaki en el papel de una de las alumnas llamada Mitsuko. Una dulce joven que, guadaña en la mano, ve cambiadas sus prioridades en la vida radicalmente. La imagen de Mitsuko impactará al cinéfilo lector de Lux Atenea y, en algunas escenas, llega incluso a cruzar los límites del cine de acción para pasar por unos instantes al cine de terror. Ko Shibasaki tiene grandes cualidades artísticas para destacar como actriz ideal a la hora de dar vida a personajes cargados de intensidad y emotividad porque, en el reino de los gestos, los japoneses son auténticos genios hasta convertir los movimientos y las expresiones corporales en puro arte. Mediante el uso de esta técnica, los gestos de los personajes transmiten al espectador la tensión en la acción que transcurre en cada escena, haciendo que lo viva mucho más intensamente. A nivel sonoro, la Música Clásica que se ha utilizado como banda sonora de la película se revela como un contrapunto necesario para dar ese contraste que realce los actos de violencia. Su paralelismo con la película “La naranja mecánica” (1971) es inmediato, destacando también en su época por su brutal violencia. Música Clásica y violencia, la sensibilidad y lo salvaje configurando dos caras de una misma moneda para exaltar la barbarie.

Dirigida por Kinji Fukasaku, en el momento de rodar esta película tenía setenta años de edad y “Battle Royale” es su película número sesenta. Un artista admirable al cual la edad no le impide seguir desarrollando su creatividad audiovisual, y es digno de elogio verle con estas ganas en el ‘making of’ incluido en los extras del DVD, sorprendiéndonos con este derroche de energía y vitalidad que más quisieran poseer algunos artistas mucho más jóvenes. En su labor como director, tras muchos años de experiencia de rodaje a sus espaldas se ha convertido en todo un maestro del cine de acción con dosis altas de violencia y, en esta obra cinematográfica, la sangre es utilizada sin tener que hacerla correr como auténticos ríos, como así acostumbran a usarla normalmente en muchas otras películas orientales dentro de esta temática. Esto hace que “Battle Royale” sea una película violenta, pero sin llegar a saturar por su exceso de sangre gratuita hasta llegar al gore. En este atrayente largometraje distópico destacan escenas como cuando aparece la cara de una ganadora de la prueba al inicio de la película, la escena del autobús donde todos los alumnos se quedan dormidos menos uno, la escena donde rueda una cabeza con casco y una bonita dentadura, y, sobre todo, destacan las escenas en donde aparece la imagen del video explicativo de Battle Royale y la isla donde van a ser confinados, siendo un guiño al mundo freaky. ¿Alguien se atreve a cuchichear? Como apunte final, comentar que su final sigue la misma línea de las últimas creaciones cinematográficas japonesas incluyendo, como no, esta rayada. Así es la impredecible creatividad del país del Sol Naciente, siempre sorprendente. “Battle Royale”, el juego ha comenzado en esta distopía futurista llena de acción, violencia, y muertes, muchas muertes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PROMESAS DEL ESTE (eastern promises)”, 2007 (Reseña / Review #1682).

Posted on 27 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1682 // Reseña Media nº: 38
Reseña actualizada. Publicada el 16 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

DIRECTOR: DAVID CRONENBERG
ACTORES PRINCIPALES: NAOMI WATTS, VIGGO MORTENSEN, VINCENT CASSEL, ARMIN MUELLER-STAHL
AÑO: 2007 DURACIÓN APROX.: 100 minutos
PUBLICADO POR: UNIVERSAL PICTURES IBERIA, S.L.C AÑO: 2010
FORMATO: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Promesas del Este” es una coproducción británica y estadounidense basada en el guión escrito por Steven Knight, y dirigida por uno de los directores cinematográficos cuyo talento artístico nos viene deslumbrando desde finales del siglo XX hasta la actualidad: David Cronenberg. Este legendario director canadiense, tomando la ciudad de Londres como escenario para ser mostrada a través de su plano social mafioso y corrupto, en esta extraordinaria película nos ofrece esta cruda visión de la sociedad occidental del siglo XXI caracterizada por su creciente inhumanidad, convirtiendo cada una de sus grandes ciudades en auténticas junglas de cristal, hormigón, y asfalto donde la violencia está latente cada día. Partiendo de una escena inicial donde el cinéfilo lector de Lux Atenea observará a una chica rusa desamparada y moribunda que termina muriendo en el hospital tras su embarazo prematuro, será su diario el origen principal de toda esta violenta trama mostrada a través de contrastes psicológicos continuos. Cuando Anna Khitrova (Naomi Watts) que trabaja en ese hospital de comadrona, coge el diario, debido a que está escrito en ruso y no entiende ese idioma, acaba llevándolo al dueño de un restaurante para que lo traduzca. A partir de ese momento, todo se complicará en su vida debido a los datos tan comprometedores que ese diario tiene en sus páginas sobre un importante jefe mafioso ruso. Pero, por encima de esta intrigante y violenta trama, “Promesas del Este” es una película muy tensa que juega con los sentimientos y con la sensibilidad del espectador para generarle fuertes emociones. Unas emociones que el cine actual parece haber dejado en manos de los efectos especiales, y no basadas en la trama y en los diálogos protagonizados por los actores tras ser realzados en sus interpretaciones. Precisamente por estas admirables interpretaciones, sobre todo la del actor Viggo Mortensen como Nikolai Luzhin, esta película fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea deseosos de poder disfrutar de una buena película.

La actriz británica Naomi Watts interpreta con absoluta credibilidad a Anna Khitrova, un personaje que se mueve emocionalmente a lo largo de toda la película entre la insensibilidad de su tío ruso y el lastre psicológico de su reciente embarazo malogrado. El magnífico actor alemán Armin Mueller-Stahl encarna a Semyon, el dueño del restaurante Trans-Siberian, y con esta mirada imborrable en la gran pantalla destaca especialmente por su inteligencia, su pragmatismo, y su instinto maquiavélico disfrazado de sincera hospitalidad. El extraordinario actor francés Vincent Cassel hace otro excelente papel al dar vida a Kirill, hijo único de Semyon y capitán de Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen) dentro de la organización mafiosa, dando realismo al carácter alocado, visceral, inmaduro, caprichoso, y muy violento de este difícil personaje. Pero es el actor Viggo Mortensen quien más destaca en este largometraje tras su genial interpretación de Nikolai Luzhin, chofer de Semyon (dueño del restaurante) y al servicio de su hijo Kirill, que se comporta de forma muy profesional, fría, y eficaz a la hora de tratar asuntos delicados de la familia para que no dejen rastro. Su peculiar humor negro y su carácter analítico, calculador, misterioso, crea una imagen de indomabilidad y de insondable personalidad que atraerá con toda seguridad la atención del espectador. Como analista cultural, sin duda alguna, valoro su interpretación de Nikolai Luzhin poniéndole cuerpo y alma como una de las mejores de toda su carrera cinematográfica.

En “Promesas del Este”, los personajes principales de esta película son vistos por el espectador en un ambiente plagado de contrastes como el existente entre la hospitalidad y el lujo extremo mostrado por los mafiosos rusos y sus implacables métodos, entre la macabra forma de actuar de Nikolai Luzhin (Viggo Mortensen) y sus destellos de generosidad y piedad, entre las órdenes oficiales de las fuerzas policiales y el interés del topo para detener al jefe de la organización mafiosa. Todo ello, mostrado siempre con el aura siniestra y peligrosa de este ambiente interno de la mafia rusa mostrado por David Cronenberg en esta película, y que domina e impregna cada fotograma. “Promesas del Este” es una película brutal y salvaje donde las muertes, las venganzas, los asesinatos, la ferviente religiosidad, los negocios sucios que proporcionan grandes márgenes de beneficio, el secretismo siempre latente, los rituales mafiosos, las traiciones… fascinarán al público. Una atracción generada por el simbolismo de los tatuajes dentro de las organizaciones mafiosas rusas, por sus contundentes procedimientos, su impenetrabilidad a la hora de dificultar considerablemente la posible entrada de topos en la organización, por el choque violento entre dos organizaciones mafiosas (en este caso, entre la mafia chechena y la rusa)… Todo ello se convierte en características propias de un impactante largometraje sobre la Mafia, y que han sido potenciadas gracias a la excelsa perspectiva artística de uno de los grandes maestros de la dirección cinematográfica. Impactantes e imborrables escenas a las que nos tiene acostumbrados David Cronenberg a lo largo de toda su dilatada carrera. Concepto, imagen, y mensaje han sido siempre su principal tarjeta de presentación, y los frutos de su visionario talento creativo siguen ofreciéndonos estos largometrajes tan obscuros y sublimes. “Promesas del Este”, todo fiel seguidor de la obra de David Cronenberg no debe perderse esta película rodada por este director de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“BATMAN: ARKHAM ASYLUM” (Reseña / Review #1681).

Posted on 26 septiembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1681 // Reseña Cómic: 28
Reseña actualizada. Publicada el 22 de marzo del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: Planeta DeAgostini
ISBN: 84-674-4452-0
Edición: 2007 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 288

Hace años, en la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD publiqué una reseña sobre “Arkham Asylum” analizando una edición anterior no tan completa como esta re-edición, girando aquella reseña en torno a los impactantes personajes que en este cómic aparecen junto al Joker. El tiempo ha pasado y, en la actualidad, en cuanto el culto lector de Lux Atenea tenga en sus manos un ejemplar de esta lujosa re-edición de “Arkham Asylum”, seguro que caerá irremediablemente rendido ante la espectacularidad de este siniestro arte llevado al cómic y cuya belleza atrapará su atención sin que pueda oponerse a su tenebroso influjo. Un trasfondo psicológico vertebrando su guión que, desde un principio, comenzará a originar preguntas en la mente del lector y de evasiva respuesta racional. “Arkham Asylum” es una obra maestra espectacular dentro del irresistible universo artístico del cómic, y una maravillosa representación del talento aplicado al dibujo por su excelencia, además de una muestra clara de lo que el genio literario aplicado al guión de un cómic puede revelarnos dentro del apasionante cómic estadounidense. Su esencia y su encanto a nivel popular se ha convertido ya en parte del trasfondo mitológico llevado al espíritu cultural posmoderno y postindustrial que, en estos primeros años del siglo XXI, se encuentra en expansión al conquistar la mente de los ciudadanos pertenecientes a las sociedades más avanzadas del mundo.

Por la exquisita calidad que presenta este ejemplar, es todo un placer tener esta edición de auténtico lujo y poder disfrutar la magna obra “Arkham Asylum” en este gran formato, presentándose las viñetas ante los ojos con esta espectacularidad. Un formato perfecto para deleitar nuestra mirada en la contemplación de todos los detalles que han encumbrado a este cómic, elevando aún más su posición privilegiada dentro de la Historia del Cómic a lo largo de los años gracias a la excelente opinión de los lectores tras haberse adentrado en esta obra maestra inigualable. “Arkham Asylum” es una obra de arte en mayúsculas, y una apasionante y obscura trama destinada a ser catalogada como obra de referencia sin ningún género de duda. Un cómic inquietante, inconfundiblemente gótico y perturbador, y capaz de dejar tocada la mente del lector que pasee por estas siniestras páginas debido al poso psicológico que define este guión aterrador y psicótico. Esta es la grandeza del arte estadounidense a la hora de perfilar personajes, escenarios, y tramas donde el cómic logra elevarse hasta las más altas cumbres artísticas, haciendo que a día de hoy no se haya publicado nada parecido dentro del universo del cómic. Ni siquiera creo que en las próximas décadas pueda llegar a aparecer alguna obra que se pueda acercar siquiera a “Arkham Asylum”, y con este impactante espíritu innovador.

“Arkham Asylum” ha logrado situar al mundo del cómic a un nivel emocional y artístico tan elevado que, en comparación con otras creaciones artísticas valoradas públicamente como indiscutibles representantes de otras vertientes del Arte, es fácil que “Arkham Asylum” pudiera llegar incluso a ser considerada como embajadora oficial del universo creativo llevado al dibujo y a los guiones que dan cuerpo y sentido a un cómic. Considero que “Arkham Asylum” es una obra destinada únicamente a adultos por su contenido extremo, porque exige al lector un alto grado de inteligencia y de formación mental debido a su profundidad psicológica, y cuya penetrante carga emocional está destinada a romper conceptos y bases existenciales que forman parte de la estructura que sostiene la personalidad de un individuo. Sin esta madurez mental del lector a la hora de adentrarse en este ilustre cómic, es muy fácil que el mensaje contenido en este aterrador guión pueda llegar a parecer caótico y sin sentido, o incomprensiblemente simbólico y falto de sentimiento alguno, sobre todo, a través de estos expresivos e impactantes dibujos. Hay que tener muy clara la visión del ser humano, y cómo el intelecto de una persona está relacionado directamente con su alma, y si hay algo que tiene “Arkham Asylum” sin ningún género de duda es espíritu artístico. Un espíritu muy siniestro, eso sí, pero con esa inteligencia, esa lucidez, y esa profundidad mental que deslumbra. Además, por la impresionante calidad de esta edición Absolute con la cual han presentado la obra “Arkham Asylum”, chapeau a la editorial Planeta DeAgostini, y creo que esta sublime calidad de impresión y de selección de materiales utilizados en esta lujosa publicación es un merecido reconocimiento a la obra artística de dos grandes genios como Grant Morrison (guionista) y Dave McKean (dibujante). Además, completando esta magnífica re-edición han incluido en las últimas páginas de este glorioso tomo, el guión completo y las notas originales de la obra escritas por Grant Morrison como inigualable guinda en esta delicatessen llevada al mundo del cómic. “Arkham Asylum”, en cuanto abran un ejemplar de esta edición y se sumerjan en sus páginas, sabrán que hay un antes y un después de “Arkham Asylum” para poder etiquetar un cómic como obra maestra. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Esa noche sueño que la gente de los espejos ha escapado del cristal para darme caza.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo por meses: septiembre 2022

“EL HOMBRE QUE RIE (the man who laughs)”, 1928, PAUL LENI (Reseña / Review #1690).

“KAGEMUSHA, LA SOMBRA DEL GUERRERO (影武者)”, 1980 (Reseña / Review #1689).

“LA DIOSA. CREACIÓN, FERTILIDAD, Y ABUNDANCIA. MITOS Y ARQUETIPOS FEMENINOS”, SHAHRUK HUSAIN (Reseña #1688).

HERÓDOTO / DIODORO DE SICILIA “LA BATALLA DE LAS TERMÓPILAS” (Reseña #1687).

“LOS PERSAS. LA CONSTRUCCIÓN DE UN IMPERIO” (Reseña / Review #1686).

KHALIL GIBRAN “EL PROFETA” (Reseña #1685).

“DEAD SPACE: PERDICIÓN (dead space: downfall)”, 2008 (Reseña / Review #1684).

“BATTLE ROYALE”, 2000 (Reseña / Review #1683).

“PROMESAS DEL ESTE (eastern promises)”, 2007 (Reseña / Review #1682).

“BATMAN: ARKHAM ASYLUM” (Reseña / Review #1681).