Reseña Cultural nº: 2305 // Reseña Musical nº: 1492
Información Muy Importante / Very Important Information : Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing
Quiero dar las gracias a Anemos Promotions por su cortesía al enviarme este promocional.
Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional) Tracklist: 1- Ointment // 2- The Sun is Dying // 3- La Revolution // 4- Ella Cinder III (Adult) // 5- Up // 6- Summers Gone // 7- Fist // 8- Disturbance // 9- We Know Their Names Datos técnicos: Temas musicales grabados, mezclados, y masterizados por Flemming Rasmussen (Metallica) Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Ointment // 3- La Revolution // 5- Up // 6- Summers Gone // 7- Fist
El pasado viernes, día 26 de septiembre, fue presentado oficialmente el segundo álbum de la banda musical danesa HalfCutLemon titulado “This Ain’t Real”. Publicado a través del prestigioso sello discográfico alemán Aenaos Records en formato digital y en una magnífica edición en vinilo LP 12”, ambos se encuentran disponibles a través del sello y de la propia banda musical en sus páginas oficiales en Bandcamp. Engalanado con este inconfundible diseño de estética indie, siempre provocador y atrayente a nivel visual, en esta imagen se refleja el dinamismo conceptual que caracteriza a HalfCutLemon. Formado por Jesper Christiansen (teclados y vocalista), Jacob Birck Laustsen (batería), Flemming Steen Andersen (bajo), y Sigurd (Sigi) Kramer Hansen (guitarra), en su segundo álbum, esta talentosa banda musical siguen profundizando en su eclecticismo conceptual llevado a la vanguardia, abriendo el arco musical desde el indie rock hasta el post-punk. “This Ain’t Real” se ha convertido en una contundente muestra de genialidad en la composición, y de entrega pasional en la interpretación de los nueve temas que vertebran esta grandiosa obra, habiendo contado además con la colaboración profesional de extraordinarios artistas como Peter Peter y Persille Ingerslev. A nivel sonoro, el álbum “This Ain’t Real” surge con una intensidad y una atmósfera musical impresionante gracias al admirable trabajo de masterización realizado por Flemming Rasmussen (Metallica), y su audición fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena, porque HalfCutLemon presenta este brillante eclecticismo conceptual que le permite componer temas sin estar condicionado por parámetros musicales ya establecidos, y esta libertad absoluta en la creación artística se percibe desde la primera canción hasta la última. Un potente álbum para disfrutar, y con temas emblemáticos que repetirán su audición a lo largo de los próximos años porque tienen esa magia del rock tan especial que marca la diferencia.
Sin más demora, iniciamos la audición de este potente álbum sumergiéndonos en el primer tema “Ointment”, donde HalfCutLemon ya comienza a deslumbrarnos con esta vibrante entrada interpretada con el descaro del punk y con la intensidad instrumental del rock urbano, nocturno, irreverente. Hasta los coros son equilibrados, entrando para realzar esas fases musicales donde el plano lírico puede quedar entrecortado, revitalizando todo tema. Pero esta banda musical danesa es inconformista, conceptualmente inconformista, y, en el ecuador de esta canción, la entrada en un precioso valle melódico cambiará completamente su estructura musical, siendo el contraste perfecto para reforzar el retorno sonoro punk latente hasta el final. “The Sun is Dying” traerá otra perspectiva artística en clave melódica mucho más oscura y reflexiva, manteniendo el alma introspectiva como clave de su mirada al exterior hasta hacer que fluyan los pensamientos con la quietud de lo decadente. Un contraste absoluto con la potencia sonora de “Ointment”, y embelleciéndose cada vez más en su iridiscencia melódica. Pero el tema “La Revolution” lo cambiará todo, enfocando su esencia musical hacia propuestas más experimentales dentro de este post-punk sucio, provocador, y afilado, como si el mismísimo Joker lo hubiera compuesto e interpretado líricamente. Y es que el estilo interpretativo de Jesper Christiansen es espectacular en su apasionamiento, transformando su amplio registro vocal en un espectáculo lírico que dejará profundamente impactado al melómano lector de Lux Atenea. Ver a la banda musical danesa HalfCutLemon interpretando este tema sobre un escenario, debe ser uno de esos momentos inolvidables que todo melómano busca vivir y sentir en un concierto. ¡¡¡“La Revolution”, absolutamente desgarrador!!! Con “Ella Cinder III (Adult)” volviendo a la esencia del indie rock con influencias conceptuales alemanas en su arquitectura instrumental y lírica, los cambios serán constantes en su estructura y en sus pinceladas conceptuales hasta sumergirnos en este psicótico caleidoscopio musical, que no dejará de sorprendernos a nivel musical hasta con pinceladas instrumentales propias de la década de los sesenta. Pura vanguardia concentrada hasta su máxima expresión.
El tema “Up” nos sorprenderá con esta talentosa amalgama de punk e indie rock británico donde no hay límites interpretativos en su lírica, y con libertad absoluta en su alma instrumental para llevarnos a uno de los momentos más superlativos de HalfCutLemon en este álbum. ¡¡¡“Up”, qué auténtico lujo musical en estos tiempos que estamos viviendo en Europa!! Me sirvo una copa (brandy), vuelvo a repetir varias veces la audición del excelso tema “Up”, y aparece “Summers Gone” para embellecer la atmósfera con su embrujo melódico y lírico. ¡¡¡Qué grandes son estos artistas daneses!!! ¡¡¡Qué delicia disfrutar este tema en mitad de la noche!!! Y es que “Summers Gone” tiene ese halo musical especial que solamente los grandes artistas son capaces de inmortalizar en sus composiciones, y en sus apasionadas interpretaciones sentidas desde el alma. Un tema destinado a acompañarme en mis paseos nocturnos por las calles de esta preciosa ciudad (Valencia). Posteriormente, “Fist” volverá a sorprendernos con esta tenebrosa ambientación instrumental de pausado tempo, gótica oscuridad e interpretación lírica, transformando este estilo post-punk en una avanzada perspectiva conceptual que poseerá a los melómanos góticos amantes del old-school actualizado y llevado a la vanguardia en este siglo XXI. Para componer estas obras musicales hay que tener mucho talento, y estar bajo la influencia directa de las musas. Una delicatessen absolutamente rupturista, y con raíces conceptuales muy profundas. Radical y repentino, el tema “Disturbance” aparecerá con esta inquieta energía donde el rock ruge para luego adentrarse en caminos conceptuales más experimentales y eclécticos, desembocando en “We Know Their Names”, canción que clausurará este admirable álbum musical con un pausado tempo melódico con cierto trasfondo pop de la década de los ochenta fácilmente reconocible, manteniéndose hasta el final del tema con puntuales pinceladas melódicas para teclado. “This Ain’t Real”, HalfCutLemon elevando su creatividad musical en este segundo álbum espectacular destinado a consolidar su proyecto artístico dentro de esta difícil y saturada escena. ¡¡¡Disfrútenlo!!!
Félix V. Díaz En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.
Reseña Cultural nº: 2277 // Reseña Musical nº: 1464
Información Muy Importante / Very Important Information : Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing
Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.
Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional) Tracklist: 1- My Former Self // 2- Your Aura // 3- The Animal In You // 4- Black Heart // 5- Narcissus // 6- Gloomy Sunday // 7- Vision // 8- In My Room // 9- The Bulls // 10- Près Des Remparts De Séville // 11- Catch A Fallen Star // 12- Your Love Is A Lesion // 13- Torment // 14- Empty Eyes // 15- Untitled // 16- Angels // 17- Caroline Says // 18- First Time // 19- Jacky Datos técnicos: Álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido) Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Your Aura // 6- Gloomy Sunday // 8- In My Room // 13- Torment // 16- Angels
Gracias a la extraordinaria labor cultural que viene desarrollando el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records, el próximo día 8 de agosto será publicado oficialmente esta re-edición del álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” de la legendaria y breve banda musical británica Marc And The Mambas, presentándose por primera vez en vinilo en tres preciosas ediciones ya en pre-pedido que incluyen una copia del programa oficial de dieciséis páginas de los tres conciertos ofrecidos en el año 1983: 2LP 12” en vinilo negro, una lujosa edición limitada de 350 unidades en 2LP 12” en vinilo rojo, y una impactante edición limitada splatter de 150 unidades en 2LP 12” en vinilo rojo y negro, únicamente disponible directamente a través de la webstore del sello y de su página oficial en Bandcamp. El álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” ha sido engalanado con una magnífica maquetación a cargo de Abby Helasdottir, con arte fotográfico realizado por Peter Ashworth e ilustraciones ideadas por Huw Feather, destacando especialmente su portada en exclusiva para esta re-edición, y donde ha quedado resaltada la impactante atracción visual que provoca la obra “Arise 2” (2022) creada por la artista multidisciplinar inglesa Val Denham. Vertebrado por diecinueve temas musicales, el álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” atesora en su interior las canciones interpretadas por Marc And The Mambas en los tres conciertos ofrecidos en el año 1983 en el Teatro Duke Of York (Londres, Reino Unido), y que fueron grabados en cinta de vídeo VHS por el legendario artista Peter “Sleazy” Christopherson (Throbbing Gristle, Coil). Años después, en 2012, el propio artista británico Marc Almond publicó este álbum en CD con diecisiete temas + DVD a través de su sello discográfico Strike Force Entertainment, quedando ampliado en esta re-edición en vinilo a 19 temas (“Près Des Ramparts De Séville” y “Jacky” pertenecientes al DVD). Como analista musical, quisiera destacar el impecable y minucioso trabajo técnico de remasterización realizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), porque el resultado final es excelso en cuanto a calidad sonora. Hay que ser conscientes de que la grabación original fue realizada en cinta de vídeo VHS en 1983, posteriormente fue publicado en CD+DVD con la tecnología existente en el año 2012, e, increíblemente, tras haber pasado por sus expertas manos técnicas, el álbum “Three Black Nights Of Little Black Bites” presenta esta calidad sonora impresionante. Como apunte musical antes del análisis de esta obra musical, esta es la formación artística que presentaba Marc and the Mambas junto a The Venomettes. Marc and the Mambas lo formaban: Marc Almond (vocalista), Annie Hogan (piano, órgano Farfisa, y vox), Lee Jenkinson (guitarra y vocalista), Steve Sherlock (saxofón y flauta), y Peter Ashworth (percusión). Y The Venomettes lo formaban: Anne Stephenson (violín), Gini Hewes (violín), Martin McCarrick (chelo), Bill McGee (contrabajo arqueado), además de contar con la colaboración de Audrey Riley (chelo). Magníficas formaciones musicales, como podrán comprobar disfrutando estos temas en directo.
Iniciamos la audición de esta joya discográfica adentrándonos en el primer tema “My Former Self”, y con su melodioso piano perfecto para acompañar instrumentalmente a esta lírica decadente. Quebrándose en su evolución musical como el espíritu de su protagonista, hasta la sutil presencia del violín no hace más que ahondar en su tortuoso presente, quedando la pasional interpretación de Marc Almond como testimonio de esa degradación en cuerpo y alma. Un tenebroso directo con esos ecos irrepetibles de las grabaciones antiguas, envolviendo al artista en su mirada melancólica a ese pasado donde era mucho más fácil tocar lo celestial. Más intenso se presentará el tema “Your Aura”, con el piano cambiando completamente su espíritu melódico mientras Marc Almond desvela la difícil relación amorosa entre dos personas donde una de ellas desea el vínculo emocional y sentimental, y la otra está enfocada a lograr el éxito artístico, no siendo consciente de los sentimientos del otro. La vida es dura, es cruel, y mucho más cuando las expectativas artísticas no se cumplen, y “Your Aura” es eso mismo, quedando sólo la imaginación como escenario de victoria tras el fracaso, y con la otra persona pensando en lo que pudo ser y nunca se hizo realidad. Además, con Steve Sherlock creando esta magia melódica con el saxofón, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con el final del tema porque es un auténtico lujo. ¡¡¡“Your Aura”, preciosa canción e interpretación!!! Dando continuidad a las relaciones tortuosas, el tema “The Animal In You” tendrá la intensidad y la violencia de una batida de caza disparando de forma inmisericorde, apareciendo la canción “Black Heart” para exponer con crudeza esas relaciones amorosas donde una de las partes de dedica a hundir, a menospreciar, y a romper los sueños y las esperanzas del otro sin motivo alguno, solamente por el mero placer de convertir la vida de su pareja en un infierno, y contemplar su declive y terrible desasosiego existencial. Por este motivo, el tema “Black Heart” establece una base melódica con esta ambientación donde las luces son afiladas, los colores alegres son una burla de maléfico gesto, y la vida se presenta como una danza macabra señalando con el dedo y riendo. Sin duda alguna, si la crueldad tuviera banda sonora, “Black Heart” sería la canción ideal.
Con esos aires instrumentales tan propios de la escena británica en las décadas de los setenta y de los ochenta, el genial artista Steve Sherlock con el saxofón dará el cuerpo instrumental y melódico al tema “Narcissus”, creando este escenario que huele a soledad, a barreras sentimentales infranqueables, y a mirada al espejo buscando calidez donde ya la pasión está muerta. Conduciendo al melómano lector de Lux Atenea a uno de los temas malditos dentro de la Historia de la Música como es “Gloomy Sunday”, la guitarra acompaña a esta lírica dramática y obscura donde lo siniestro se presenta como realidad presente. Desesperanza, vitalidad perdida, mirada cansada, desamor, años que pesan como una gran lápida de mármol depositada sobre la espalda, en “Gloomy Sunday”, la muerte deja de ser temida, evitada, para mirarla con la esperanza de acabar con el sufrimiento terrenal que se padece. Gótico en su ambientación, por estas interpretaciones entenderán por qué a Marc Almond y a sus proyectos musicales se les llegó a incluir en aquella época dentro del new wave con influencias conceptuales del post-punk. Sin intervalos entraremos en el tema “Vision” donde la melancolía desdibuja la realidad, entremezclándose los recuerdos, las emociones, y los sentimientos en un presente que no se siente como tal. Oscuro en su estructura musical, adquiere el mismo espíritu sonoro que en “Black Heart”, pero más sacro en su línea melódica hasta hacerse espiritual. “Vision” es esa luz en la oscuridad donde se observan iridiscencias propias de otro mundo que no es este, y esa observación atenta encandila y permite soportar ese vivir cotidiano donde no se comprende el sentido de la propia existencia. Con “In My Room” presentando la soledad en su profundidad existencial más devastadora al sentir la ausencia del otro, la interpretación lírica de Marc Almond adquiere esta sensibilidad artística tan necesaria para proyectar esa situación personal. Acompañado de nuevo por un piano tenso llevado al extremo en su vibrante espíritu melódico, estas notas musicales al aire se hunden en el abismo interior del solitario, encontrando en “In My Room” a Marc Almond en una de sus interpretaciones más excelsas. ¡¡¡“In My Room”, soledad y dolor imposible de calmar!!!
“The Bulls” y la tauromaquia como fuente metafórica sobre el baile de máscaras que es la sociedad y sobre la hipocresía reinante en la ciudadanía, perfila una realidad donde la sangre corriendo es un sacrificio inútil en una explosión de lo humano cargada de histrionismo, narcisismo, y crueldad. Luego, la ópera “Carmen” del famoso compositor francés Georges Bizet (1875-1875) se presentará en una de sus composiciones, “Près Des Remparts De Séville”, con Gini Hewes (The Venomettes) como protagonista artística principal. Posteriormente, en el tema “Catch A Fallen Star”, su fuente de inspiración estará basada en la atmósfera que se respira en los antros donde individuos de toda clase van dando tumbos existenciales en su dejarse arrastrar por la corriente más salvaje y kitsch de la vida. Ambientes sobrecargados por el fracaso que se respira, ilusiones para escapar de una jaula indeseada pero defendida, personas ancladas a un pasado donde creyeron que eran alguien y en el presente son patéticos, y el dinero siempre presente en su adoración más ruin y decadente. Este es el alto nivel de crudeza lírica que los melómanos lectores de Lux Atenea encontrarán en “Catch A Fallen Star”, y solamente tienen que salir esta misma noche y entrar en ciertos locales de su ciudad para ver cada una de las escenas descritas en esta canción. ¡¡¡“Catch A Fallen Star”, sonrisas, mentiras, y olor a putrefacción de lo vital!!! Ahondando en lo extremo, el tema “Your Love Is A Lesion” es el sadomasoquismo físico y psicológico llevado a las relaciones amorosas, y que siempre deja profundas cicatrices en el corazón y en la mente. Disfrazado de pasión, el dolor es omnipresente en cada acto endulzado con emociones y sentimientos que son mentiras interpretadas intencionadamente, siendo su impacto absolutamente devastador. Por este motivo, “Your Love Is A Lesion” se presentará así de contundente y con la resignación sobrevolando este trágico escenario decorado con tormentosas descargas instrumentales. Y hablando de tensiones emocionales, el tema “Torment” será lo amoroso perdiendo cualquier clase de contención, de respeto a sí mismo, de decencia moral y ética, y de reciprocidad. Uno despreciando e incansable a la hora de provocar dolor, y otro deseando ser el centro de su atención aunque sea para ser atormentado, sintiendo que merece la pena el sufrimiento si en esos momentos están juntos. En el fondo, “Torment” destila ese amor llevado a su esencia más amarga y venenosa, convirtiendo la relación en un dantesco infierno donde una de las partes no tiene empatía y la otra cree que es importante porque le dedica atención… aunque sea para torturarlo. Excelso en su interpretación, en el tema “Torment” si que está presente la influencia conceptual del post-punk de forma muy clara, convirtiéndose en una de las mejores canciones de este álbum.
Cuando lo extrovertido se basa en mentiras, aparecen temas musicales como “Empty Eyes” que, llevado a las relaciones personales más íntimas, siempre desembocan en esa sensación de vacío al contemplar los ojos de la otra persona. Miradas que ya han perdido el fuego, gestos que hieren como espinas de rosas clavándose en la piel cuando es tocada, y mientras, todo es visto con esa extraña calidez que tiene observar la progresiva decadencia de una persona que se cree alguien, que cree que puede seguir manipulando a placer, mientras se va hundiendo apoyándose en un suelo que son arenas movedizas. De tempo más acelerado, en “Empty Eyes” se siente gran parte del estilo interpretativo de Marc Almond en Soft Cell, y este factor artístico da un encanto especial a esta canción. Enfocado en el ser solitario por naturaleza, el tema “Untitled” encantará al melómano lector de Lux Atenea por su lírica y por esta magnífica interpretación, apareciendo la magia musical de Marc and the Mambas con esos aires artísticos tan característicos de la década de los ochenta. Con una interpretación vocal en dueto que podía haber quedado mucho más pulida con unos ensayos previos, todo en “Untitled” termina provocando pensamientos sobre qué gran libertad tenían los artistas en aquella época tanto en sus composiciones, como en sus interpretaciones en concierto. Luego, el tema “Angels” será un caleidoscopio melódico donde sus planos instrumentales crean reflejos cromáticos de sorprendente belleza plástica. Una auténtica joya musical atesorada en este álbum, porque “Angels” posee toda la esencia mágica de la década de los ochenta que caracterizaba a la escena británica, y que revolucionó el mundo musical a nivel mundial con sus parámetros conceptuales. Posteriormente, la visión emocional y sentimental femenina se hará presente en el tema “Caroline Says”, a través de una lírica muy clara y directa basada en esa visión femenina de su pareja masculina cuando ya no tiene su respeto. Esa frialdad emocional y esa actitud femenina completamente alejada de lo sentimental, aflora en la voz de Marc Almond acompañado instrumentalmente por el piano. El tema “First Time” dará continuidad a esa situación, pero con lo masculino no entendiendo con su lógica racional qué ha pasado para que la pasión se haya muerto. Recordando el pasado, los momentos únicos vividos y compartidos, experimentados con la sonrisa de la inocencia más benigna, no termina de encontrar ese punto crítico cuando ella dejó de amar, dejó de sentir, dejó de ser importante para ella. Finalmente, el tema “Jacky” clausurará este álbum con estos aires artísticos propios de los escenarios teatrales, y en los cuales Marc Almond va a profundizar muchos años después en su carrera en solitario. No necesitando más que un piano, su interpretación lírica se transformará en la descripción de historias, sueños, pensamientos, ilusiones, éxitos, y fracasos. “Three Black Nights Of Little Black Bites”, joya discográfica de imprescindible adquisición para los fieles seguidores de Marc Almond, y para todos aquellos melómanos que deseen sentir la atmósfera creativa latente en la escena británica a principios de la década de los ochenta. ¡¡¡Disfrútenlo!!!
Otras reseñas recomendadas: MARC ALMOND “VARIETÉ (LIMITED EDITION)” (STRIKE FORCE ENTERTAINMENT, 2010) (leer reseña) ANDREW OSTLER “THE BLIND SUBLIME” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2025) (leer reseña) VARIOUS ARTISTS “Электронная Музыка АНС (ANS ELECTRONIC MUSIC)” (COLD SPRING RECORDS, febrero 2025) (leer reseña) SATØRI “PILLARS OF SALT” (COLD SPRING RECORDS, febrero 2025) (leer reseña) IGGOR CAVALERA / SHANE EMBURY “NEON GODS / OWN YOUR DARKNESS” (COLD SPRING RECORDS, marzo 2025) (leer reseña) THE ANTI GROUP COMMUNICATIONS (T.A.G.C.) “ISO-EROTIC CALIBRATION” (COLD SPRING RECORDS, enero 2025) (leer reseña) VARIOUS ARTISTS “NOISE FOREST” (COLD SPRING RECORDS, diciembre 2024) (leer reseña) PITCHSHIFTER “PEEL SESSIONS 1991-93. A BBC recording” (COLD SPRING RECORDS, noviembre 2024) (leer reseña) BESTIA ASTRUM “FURY 161” (COLD SPRING RECORDS, noviembre 2024) (leer reseña) 400 LONELY THINGS “THE NEW TWILIGHT” (COLD SPRING RECORDS, septiembre 2024) (leer reseña)
Félix V. Díaz En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.
Reseña Cultural nº: 2268 // Reseña Musical nº: 1455
Información Muy Importante / Very Important Information : Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing
Quiero dar las gracias a la banda musical alemana Phileas Fogg por su cortesía al enviarme este promocional.
A principios del pasado mes de abril, la banda musical alemana Phileas Fogg presentó oficialmente su nuevo álbum “Allesmussseinendefinden” (“Todo debe llegar a su fin”) a través de su propio sello Schöne Platten Records, estando disponible a través de la propia página oficial en Bandcamp de Phileas Fogg en formato digital, en una edición limitada de 200 unidades en vinilo LP 12”, y en una preciosa edición de 100 unidades en LP 12” en vinilo violeta transparente. Engalanado con esta obscura imagen de portada de trasfondo mortuorio, su plasticidad abstracta es perfecta para reflejar en esta imagen precisamente el dinamismo conceptual de Phileas Fogg en este álbum. Formado por Andreas Mäule (guitarra y voz), Fabian Baumgartner (guitarra), y Nicholas Karidis (bajo), el álbum “Allesmussseinendefinden” es una deslumbrante inmersión en la esencia de la escena post-punk y darkwave alemana cuya vitalidad artística no ha dejado de decaer desde principios de este siglo, cuando la escena alemana marcaba parámetros creativos de primer nivel en la década de los noventa, apoyada en una industrial musical underground que era valorada a nivel mundial por su diversidad y por su apuesta firme por el talento innovador. En 2025, la autoedición es casi obligatoria si un artista o banda musical no desea perder su alma creativa, y el álbum “Allesmussseinendefinden” ha aparecido para marcar nuevas fronteras en la composición a través de temas deslumbrantes por su radiante sangre sonora. Vertebrado por diez extraordinarios temas, presenta una perspectiva conceptual con raíces, con fundamentos sólidos asentados, y con una pasión interpretativa que se transmite claramente desde el primer tema. Como analista musical, hacia muchos años que no disfrutaba un álbum musical alemán actual compuesto con tanto talento, convirtiendo el análisis del álbum “Allesmussseinendefinden” en una experiencia personal muy especial por su obscuro encanto. Por supuesto, recomiendo la adquisición de cualquiera de sus dos magníficas ediciones en vinilo para poder sentir estos temas en su plenitud sonora, porque el vinilo es un formato único.
Iniciamos la audición de este extraordinario álbum sumergiéndonos en la insatisfacción existencial que proyecta el primer tema “Salz”, quedando perfilado a nivel musical con esta entrada para bajo donde su tempo se prolonga en esta composición como un latido vital, entrando la melódica guitarra y la tensión del registro vocal con esa reflexión y esa mirada cargada de intrascendencia. Deseoso de cortar radicalmente con ello, el final abrupto de la canción es perfecto. Como los melómanos lectores de Lux Atenea pueden comprobar, estamos ante la actualización innovadora del post-punk alemán que deslumbró en la década de los noventa, pero llevado a otra dimensión conceptual mucho más avanzada, y que va a brillar con intensidad artística en cada uno de estos temas para convertir su audición en una experiencia musical potente y profunda. Tras el magnífico tema “Salz”, “Vorbei” tendrá ese halo romántico decimonónico del epílogo, del final, de la vela apagándose, encontrando el título de este álbum en su lírica. “Vorbei” es expansivo, es el estallido de luz antes de la Nada, destacando la guitarra en su estructura instrumental acompañada sútilmente con pinceladas electrónicas que ofrecen un aire sonoro más creativo. Desembocando rápidamente en el tema “Augen”, lo pasional se respira desde el primer segundo, siendo todo emociones, sensaciones, deseos, pasión, y leña y fuego para arder en la hoguera en medio de la noche. Sus planos melódicos son clave en la magnífica estructura musical de esta canción, y tan concentrada con un intenso perfume destinado a embriagar desde la primera toma de contacto sensorial, emanando esa búsqueda de complicidad y de ceremonial donde fundirse en el calor más intenso. Y todo con una sola mirada como desencadenante. Lo contrario aparecerá en el tema “Regen” donde todo son sueños, fantasías existenciales, pensamientos en una realidad no asumida por la crisis existencial que conlleva, quedando fielmente recreado a nivel musical con estos planos sonoros electrónicos y estas bases rítmicas de los cuales emana ese alejamiento absoluto del doloroso presente. “Regen” rompe con la dinámica conceptual post-punk para seducirnos con este estilo darkwave del siglo XXI, luminoso en su radiante sonoridad y dinámico en su evolución artística. Con el tema “Hafen” fijándonos mentalmente en lo estático como parada vital, aquí la mirada y la mente quedan concentradas para el desvelo al alejarse de la loca carrera cotidiana de la vida. En este sentido, el tema “Hafen” te fascina al haber sabido reflejar esa atmósfera de quietud y de calma tan necesarias para poder alcanzar esos momentos trascendentes. Con su plano vocal interpretado de forma extraordinaria, toda la estructura instrumental de esta canción es excelsa, fluyendo con una belleza sonora que les seducirá desde lo más profundo de su alma. ¡¡¡“Hafen”, joya musical!!!
El tema “Kometengift” será el reflejo musical de esta Alemania actual completamente desnortada en su presente y en su futuro, e incluiría en esa realidad a más de un país europeo viendo como sus fundamentos como Estado van disolviéndose como una pastilla efervescente en un vaso de agua, mientras la ciudadanía sigue entretenida gastando el dinero comprando y viendo contenidos audiovisuales de todo tipo. La entrada musical electrónica del tema “Kometengift” es perfecta como alarma en un presente que huele a decadencia y a colapso futuro, siendo la lírica interpretada con esta voz sintetizada como la mejor forma de mandar ese mensaje frío y calculador de quienes están interesados en la sombra en provocar este hundimiento. Con un impactante estilo electrodark fundamentando su perspectiva conceptual, “Kometengift” encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena. Luego, la inmersión en el Idealismo aparecerá en el tema “Meinerfundenesland”, convirtiendo las emociones y los sentimientos en esa llama vital imposible de apagar en el interior hasta el día de la muerte, deseando que el cuerpo quede enterrado en esa tierra tan amada. “Meinerfundenesland” es la canción más pasional de este álbum, y su encanto artístico tiene ese trasfondo que lleva al melómano a conectar con su mensaje con esas emociones conectadas con su inconsciente. La melancólica obscuridad latirá en el tema “Belegt”, y con este melódico plano instrumental para sintetizador que fue una de las marcas sonoras clásicas en la década de los ochenta dentro de la escena gótica, siendo el resto de la estructura musical propia de esta época hasta quedar remarcada esta canción de manera muy especial en este álbum. “Küssen” es la luna, la noche, las nubes, y esos besos sentidos como esencia de vida y viendo ya los ojos de la Dama Muerte sobre nosotros. Esencia de vida, línea melódica instrumental para bajo, y la noche recreada con maestría con estas evanescentes melodías electrónicas, quedando la guitarra como fuego vital aún activo en el presente. El tema “Küssen” es una auténtica delicia, repitiendo su audición varias veces antes de llegar a la clausura con “Häutung”, el tema más potente y contundente para poner el punto y final a este apasionante viaje artístico. “Allesmussseinendefinden”, desde la ciudad de Stuttgart, grandioso álbum musical compuesto por Phileas Fogg para revitalizar la escena alemana a nivel conceptual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!
Félix V. Díaz En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.
Reseña Cultural nº: 2264 // Reseña Musical nº: 1451
Información Muy Importante / Very Important Information : Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing
Quiero dar las gracias al dúo musical alemán Nostalgie Éternelle, y muy especialmente a Dieter Mauson, por su cortesía al enviarme este promocional.
Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional) Tracklist: SIDE A: 1- At That Time // 2- The Evil Sickness // 3- Paranthopus Robustus // 4- Getting Closer // 5- Kick Me Down The Abyss! // 6- A Victory Smile SIDE B: 7- I’m Sick Of Being Ill // 8- Reprieve // 9- Bois Flattant // 10- Bad Westworld // 11- Another Silent Night // 12- Lullaby Datos técnicos: Temas musicales grabados por Nostalgie Éternelle, y remasterizados por Mikey Young en el año 2023 Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- At That Time // 6- A Victory Smile // 7- I’m Sick Of Being Ill // 9- Bois Flattant // 11- Another Silent Night
El próximo viernes, día 16 de mayo, será presentado oficialmente el álbum recopilatorio “At That Time” de Nostalgie Éternelle. Publicado por el prestigioso sello discográfico británico Infinite Expanse en formato digital y en una preciosa edición en vinilo LP 12”, el álbum “At That Time” ha sido engalanado con este elegante diseño creado por Lily Stroud, haciendo uso para su portada de la fotografía tomada por Monika Mauson en el año 1982 en la estación de tren de Leer (Baja Sajonia, Alemania). Una estética retro cuya imagen underground proyecta esa mezcla emocional de melancolía y pasado que no retornará jamás, y decorada cromáticamente con estos tonos suaves con relieves desgastados al igual que la imagen principal, reflejando el paso inexorable del tiempo. En el álbum “At That Time”, el sello Infinite Expanse ha recopilado estos doce temas publicados originalmente por Nostalgie Éternelle en tres cassettes split a través de su propio sello One Last Dream: “Damned Forever Those Who Listen To This Tape” compartido con la banda musical española Due (1989, temas del álbum “Kick Me Down The Abyss!”, “A Victory Smile”, “I’m Sick Of Being Ill” y “Reprieve”), “Art Is The Tool” compartido con la banda musical británica From Nursery to Misery (1990, temas “At That Time”, “The Evil Sickness”, “Paranthopus Robustus” y “Getting Closer”), y Virtual Reality compartido con PN 4632402 del artista experimental israelí Eli Talgam (1990, temas “Bois Flattant”, “Bad Westworld”, “Another Silent Night” y “Lullaby”). En esta preciosa edición, los melómanos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar estos temas pertenecientes a la primera etapa de Nostalgie Éternelle, donde la brillante creatividad en la composición musical que mostraban los geniales artistas alemanes Stefan Heinze (aka Inox Kapell) y Dieter Mauson, englobaba un marcado eclecticismo que integraba con maestría estilos como el darkwave, coldwave, post-punk, electrónica experimental, industrial… dentro de su mirada vanguardista. Tras haber pasado por un extraordinario proceso técnico de remasterización realizado por Mikey Young en el año 2023, los doce temas musicales que vertebran el álbum “At That Time” presentan una calidad de sonido increíble teniendo en cuenta el registro original en formato cassette grabado a finales de la década de los ochenta. “At That Time” sorprenderá a más de un melómano no solamente por su calidad sonora, sino por la brillantez artística de estos temas musicales a los cuales el paso del tiempo no ha hecho mella alguna en su avanzada perspectiva conceptual.
Sin más demora, iniciamos la audición de esta joya discográfica comenzando por el tema homónimo del álbum, donde su vibrante entrada melódica presenta un perfilamiento áspero y tenso perfecto para dar esta aura sonora urbana, y con los ecos del registro vocal amplificando esta mezcla de soledad y de mirada al entorno desde el pilar del individualismo. Conceptualmente definido con este estilo coldwave seco y contundente, el tema “At That Time” va adquiriendo una belleza musical que te envuelve, que se hace cómplice de tu perspectiva existencial, de ahí que escuchar esta canción durante el lento amanecer de una ciudad mientras andamos por sus calles, se convierte en ese momento especial de desvelo de una realidad no deseada pero aceptada en su dinámica cotidiana. En el excelso tema “At That Time” no ha pasado el tiempo artístico para el alma moderna que ha visto caer la propia Modernidad, asiste al desmoronamiento de la Posmodernidad en el presente, y se inquieta al comprobar cómo la frialdad emocional del tema “At That Time” encaja perfectamente como piezas de un puzzle con la incipiente Singularidad donde las Inteligencias Artificiales no tienen emociones… por ahora. ¡¡¡“At That Time”, excelente selección como apertura musical para este álbum!!! A continuación, el pulsante tema “The Evil Sickness” nos llevará a un escenario sonoro más nocturno, de club, y con ciertas reminiscencias conceptuales experimentales propias de la década de los sesenta en su estructura musical. Una canción que no parece surgida a finales de los ochenta, sino más bien en otra época anterior donde todavía había una mirada alegre al futuro, pero la decadencia de la Modernidad ya presentaba sus primeros síntomas por su deriva Nihilista e incluso Decadentista en sus destellos hedonistas. Conduciéndonos hasta el tema “Paranthopus Robustus”, aquí la esencia experimental electrónica de Nostalgie Éternelle fluye con una plasticidad sonora y una brillantez conceptual que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea por sus aires de vanguardia. Si este extraordinario tema hubiera aparecido por primera vez en este año 2025, a nadie le sorprendería por su avanzada perspectiva sonora, siendo otra nueva muestra artística de la grandeza conceptual de Nostalgie Éternelle que tanto me apasiona. “Paranthopus Robustus” es un auténtico lujo musical, y una contundente demostración del impresionante trabajo técnico de remasterización realizado por Mikey Young. ¡¡¡Chapeau!!! El tema “Getting Closer” dará continuidad a esta dinámica creativa experimental pero con matices más industriales, y con una estructura sonora más pesada donde la alerta y la sensación de indefensión adquieren ciertos aires siniestros. Obscuro y amenazante, “Getting Closer” les sorprenderá por su dimensión musical tan colosal, desarrollándose con una contundencia aplastante que lo transforma en un granítico rodillo sonoro.
Adentrándonos en el tema “Kick Me Down The Abyss!”, la electrónica experimental se funde inicialmente con bases rítmicas propias de lo tribal para luego evolucionar hacia recreaciones sonoras cosmopolitas de intensa luminosidad, cuyo acelerado dinamismo refleja fielmente el caos y esa corriente que arrastra inexorablemente hacia el precipicio donde se destruye lo vital. Arriesgado en su concepto, “Kick Me Down The Abyss!” posee la actitud desafiante en sus estratos sonoros del estilo industrial primigenio, siendo moderno y decadente sin perder esa luz que ciega, y que induce a seguir adelante sin saber hacia dónde. Luego, “A Victory Smile” presentará esta estructura musical siniestra propia de la escena británica de los ochenta, sobre todo por su plano instrumental para percusión. Una mirada a ese pasado que, a su vez, observaba el presente con mirada perdida y al pasado con cierta nostalgia. El tema “A Victory Smile” irradia la atmósfera de recogimiento emocional de aquella escena post-punk, apartada en sus dark clubs donde poder crear esos universos sonoros modernos underground que no volverán a ser vistos en Occidente nunca más. Y esa atmósfera siniestra imposible de describir con precisión si no se ha vivido, es la que emana de esta auténtica joya musical. ¡¡¡“A Victory Smile”, obscura delicatessen!!! Posteriormente, en el tema “I’m Sick Of Being Ill” retornaremos a escenarios sonoros experimentales de lánguida evolución musical, configurando un estilo darkwave de avanzada perspectiva conceptual. Bordeando lo mortuorio en sus aires melódicos, “I’m Sick Of Being Ill” es un paseo por el cementerio en el atardecer sabiendo que no pasará mucho tiempo para acabar allí, por este motivo, esta canción únicamente será sentida desde los más profundo por los melómanos lectores de Lux Atenea con alma gótica y totalmente fascinados con la belleza siniestra. ¡¡¡“I’m Sick Of Being Ill”, el irresistible encanto de la obscuridad!!! Desembocando en el tema “Reprieve”, sus iridiscencias sonoras cambiarán completamente la dinámica musical de los dos temas anteriores pero conservando cierta obscuridad. Su pulsante deriva psicodélica le da ese regusto sonoro nocturno casi magnético en su atracción mental, mutando lentamente como un sueño hasta su repentino final.
En el tema “Bois Flattant”, la luz se presenta mágica, irreal, ceremonial en su perfilamiento melódico que resalta especialmente por su perfume musical ensoñador. Sin perder su mirada experimental, “Bois Flattant” es lisérgico como un cálido recuerdo capaz de romper la consciencia del tiempo en la mente de la persona, como si hubiera abierto un vórtice temporal en su presente. Como banda sonora de una escena reflexiva en una road movie estadounidense (son auténticos genios dentro de este estilo cinematográfico), el tema “Bois Flattant” lo convertiría en algo inolvidable para el cinéfilo. En cambio, “Bad Westworld” es claramente experimental en su definición conceptual donde se amalgama el darkwave con planos musicales post-punk, presentando esta vibrante definición musical donde sus pilares melódicos alcanzan niveles artísticos de primer nivel en varias fases del tema, reforzando el plano lírico. Con el tema “Another Silent Night” volviendo al perfilamiento instrumental para percusión que caracterizaba al tema “A Victory Smile”, Nostalgie Éternelle nos presenta una interesante fusión conceptual de coldwave, post-punk, y darkwave, configurando una estructura musical obscura con un lado melancólico profundo, y hasta desesperado en algunos momentos. Una deriva emocional que el tiempo va agravando por el aislamiento personal, por el abandono vital, y por esa pérdida de las ganas de luchar por la vida. “Another Silent Night” es sumamente decadente, pasando con resignación y sin miedo alguno por el afilado borde que separa la vida de la muerte. ¡¡¡“Another Silent Night”, perspectiva gótica de la vida!!! El tema “Lullaby” clausurará este impresionante álbum recopilatorio con aires experimentales en clave industrial, pero fusionados con un estilo post-punk muy sutil y discreto en su protagonismo musical. Inquietante por su implacable plano sonoro metálico que cae con la fuerza del impacto del granizo sobre un tejado, sus evanescencias melódicas amplifican esta atmósfera fantasmagórica más propia de una novela gótica decimonónica. “At That Time”, los virtuosos destellos musicales iniciales creados por los geniales artistas alemanes Stefan Heinze (aka Inox Kapell) y Dieter Mauson, y que terminarían convirtiendo al dúo musical de culto Nostalgie Éternelle en legendario dentro de esta apasionante escena europea. ¡¡¡Disfrútenlo!!!
Reseña Cultural nº: 2260 // Reseña Musical nº: 1447
Información Muy Importante / Very Important Information : Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing
Quiero dar las gracias a Gary Levermore por su cortesía al enviarme este promocional.
Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional) Tracklist: 1- Swoon // 2- Hot Roy // 3- Sherpa // 4- Silver Shade // 5- The Artroom Wonder // 6- Meaning Of My Life // 7- Xavier New Boy // 8- Cochita Is Lame // 9- Soothsayer // 10 – Time Waits // 11- Sailmakers Charm // 12- Let The Flowers Grow (bonus track) Datos técnicos: Álbum producido por Youth (aka Martin Glover) Composiciones musicales que escucharás mil veces: 4- Silver Shade // 6- Meaning Of My Life // 11- Sailmakers Charm
El genial artista británico Peter Murphy es único, al igual que su espectacular voz que, quienes hemos podido disfrutar de sus conciertos en directo tanto con la mítica banda musical Bauhaus como en solitario, podemos reafirmar y remarcar como una de las más impactantes, potentes, e inconfundibles dentro de esta escena. Para Peter Murphy, los años no parecen pasar en relación a sus versátiles e intensos registros de voz, y, el próximo viernes día 9 de mayo será presentado oficialmente su nuevo álbum en solitario titulado “Silver Shade” (el mismo nombre de su propio sello discográfico inaugurado en el año 2023). Publicado a través del prestigioso sello discográfico Metrópolis Records en formato digital, en CD, en una preciosa edición limitada en 2LP 12”, y en una lujosa edición limitada de 500 unidades en 2LP en vinilo plateado, se encuentran ya disponibles en pre-pedido en las páginas oficiales en Bandcamp del sello Metropolis Records y del propio artista. Engalanado con este espectacular diseño de portada donde destaca el Clasicismo por sus claros patrones estéticos, y esa inconfundible aura del Barroco por su trasfondo emocional donde se hace hincapié en la subjetividad dentro de una perspectiva existencial, en esta imagen resalta especialmente su mirada firme y decidida, el color de sus ojos, y este inevitable fondo obscuro donde lo gótico sigue estando presente como siniestra atracción. Habiendo contado con el excelso trabajo de producción de Youth (aka Martin Glover), a nivel musical, Peter Murphy nos presenta unos fuertes contrastes conceptuales en los doce temas que vertebran este nuevo álbum, abriendo considerablemente su abanico artístico sin perder en ningún momento su esencia. Además, en “Silver Shade”, ha podido contar con la colaboración musical de ilustres artistas como Boy George (tema “Let The Flowers Grow” incluido como tema extra en este álbum) y Trent Reznor (tema “Swoon”), configurando un amplio espectro sonoro que refuerza los claroscuros musicales que definen a este nuevo álbum. Como analista cultural, si los melómanos lectores de Lux Atenea desean poder disfrutar del álbum “Silver Shade” en su plenitud sonora, ya saben que siempre recomendaré la edición en vinilo para sentir los temas musicales en su mejor registro y, con más razón aún, cuando hablamos de una de las voces más espectaculares dentro de esta escena. Es admirable cómo cuidas tu voz, ¡¡¡Chapeau, Peter Murphy!!!
Sin más demora, iniciamos la audición de este magnífico álbum con el primer tema “Swoon”, y la inconfundible marca artística de Trent Reznor, auténtico mago musical siempre adelantado a su tiempo. La fusión artística de Peter Murphy con Trent Reznor ha quedado perfectamente amalgamada, alejándose de perspectivas obscuras para proyectar dinamismo, intensidad, luminosidad, y esa deriva cosmopolita sin horizonte definido salvo en el presente perfecto. Con destellos sonoros y estructurales propios de la década de los ochenta y de los noventa, “Swoon” es inconfundiblemente estadounidense en su perspectiva creativa. Como dije en el párrafo anterior, el álbum “Silver Shade” presenta fuertes contrastes. Conduciéndonos hasta el tema “Hot Roy”, el impulso musical anterior permanecerá incorporando este plano instrumental para guitarra que lanza pinceladas melódicas y brillo a su estructura, junto a una remarcada base rítmica. En “Hot Roy”, la potente voz de Peter Murphy va anticipándonos lo que vendrá después en los siguientes temas, siendo la canción “Sherpa” donde la percusión y los teclados se consolidan como pilares de su estructura, y sobre la cual la voz de Peter Murphy se eleva como verdadero protagonista en su definición artística, lo que seguirá dando impulso al álbum. Llegando al tema homónimo del álbum, aquí empieza a oscurecerse un poco, a adquirir ese trasfondo reflexivo y existencial que tanto me gusta en la obra musical de Peter Murphy. Irradiando destellos propios de la escena post-punk británica de finales de la década de los setenta, “Silver Shade” es una auténtica delicia musical. En directo, este tema tiene que sonar espectacular porque está hecho a medida para que la voz de Peter Murphy se despliegue de forma magnética y expansiva. Esencia conceptual británica que tanto se hecha de menos en la escena actual, y que, en “Silver Shade”, hasta incorpora ese lado descarado del spleen de cara a su horizonte vital tormentoso. ¡¡¡“Silver Shade”, primera joya musical de este álbum!!!
En el tema “The Artroom Wonder”, con reminiscencias conceptuales de la década de los ochenta, Peter Murphy sigue profundizando en la subjetividad para decorar esta canción a nivel lírico, abriendo su estructura con planos melódicos muy bellos, e integrados con maestría con repentinas amplitudes dimensionales de su escenario sonoro en clave orquestal que nos llevan al siglo XXI a nivel conceptual. En directo, este tema impresionará a los asistentes a sus conciertos precisamente por estas radiantes sonoridades tan expansivas que lo caracterizan. A continuación, “Meaning Of My Life” aparecerá como la joya de la corona de este álbum. En la canción “Meaning Of My Life”, los melómanos lectores de Lux Atenea encontrarán la voz de Peter Murphy en su esplendor interpretativo como si los años, las décadas, no pasaran para él. Excelso en su poderoso registro vocal, “Meaning Of My Life” es un tema que va a más, empezando dentro de una atmósfera calmada y reflexiva para luego ir tomando impulso, hasta llegar a lo superlativo en cuanto a contundencia interpretativa. Con unos despliegues vocales de Peter Murphy casi sobrehumanos, el final del tema es brutal. Insisto, es impresionante cómo Peter Murphy sigue teniendo estos poderosos registros de voz que modula con una destreza y un sentido de armonía que a mi me impresionan. Por el tema “Meaning Of My Life”, entiendo ese trasfondo barroco presente en la portada del álbum. ¡¡¡“Meaning Of My Life”, Peter Murphy artísticamente colosal!!! “Xavier New Boy” dará continuidad a ese despliegue interpretativo pero más selénico, más underground, y con este melódico plano instrumental para piano que es una auténtica delicia fluyendo junto a su voz. Pero, en el ecuador musical del tema, “Xavier New Boy” da un cambio radical a su perspectiva conceptual, entrando en un preciosismo vocal un tanto exagerado. Desembocando en el tema “Cochita Is Lame”, su atmósfera sonora nos llevará a un escenario musical un tanto retro con reminiscencias a la psicodelia.
“Soothsayer” aparecerá con este potente rock que caracteriza a la escena estadounidense. Intenso, denso, adrenalínico, en “Soothsayer” no hay descanso posible, llevando todo a lo superlativo incluso en sus teclados. “Soothsayer” es un tema ideal para el espectáculo en directo, para llevar al público a una intensidad emocional más elevada sobre todo si se acompaña con un despliegue audiovisual muy impactante, como les gusta a los estadounidenses cuando diseñan el escenario para una gira. Los aires mediterráneos se respiran en el tema “Time Waits”, teniendo en cuenta que Peter Murphy tiene a Turquía como escenario existencial. Una influencia muy clara, sobre todo para quienes vivimos bañados por este mar, pero “Time Waits” no llega a lo embriagador, a ese misticismo de lo antiguo, a esa mirada a la vida que caracteriza a la cultura mediterránea, quedándose todo en pinceladas en su estructura musical. Y, en el excelso tema “Sailmakers Charm”, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados por su magia artística. Aquí, volverán a encontrar a Peter Murphy en todo su esplendor, con un contundente registro de voz, y con un desarrollo musical del tema que nos lleva a disfrutar de varias experiencias sonoras sin perder su sentido, su trasfondo existencial, su mirada. Si te encanta la voz de Peter Murphy, “Sailmakers Charm” te impresionará. Finalmente, la clausura del álbum “Silver Shade” llegará con el tema “Let The Flowers Grow” con Boy George y Peter Murphy como protagonistas. Me gusta la voz de Boy George y muchos de sus temas (tanto en Culture Club como en solitario), y qué decir de la voz de Peter Murphy que me parece excelsa, pero cerrar este álbum con esta canción solamente lo entiendo como tema extra. Creo que hubiera sido mucho mejor clausurar este álbum con el excelso tema “Meaning Of My Life”. En definitiva, “Silver Shade” es un álbum que no tiene los himnos musicales de culto a los que nos tiene acostumbrados Peter Murphy, pero tiene en su interior esas canciones que, en concierto, serán inolvidables. “Silver Shade”, sin duda alguna, la voz de Peter Murphy se encuentra en uno de sus momentos artísticos más especiales y esplendorosos, y, en los temas que vertebran este álbum así podrán comprobarlo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!
Otras reseñas recomendadas: PETER MURPHY “DEEP” (VICTORIA EDICIONES MUSICALES, S.A. / BEGGARS BANQUET RECORDS LTD, 1990) (leer reseña) BAUHAUS “BELA LUGOSI´s DEAD (RESURRECTION TOUR – SIGNED EDITION)” (BAUHAUSMUSIK, 1998) (leer reseña) BAUHAUS “IN THE FLAT FIELD (OMNIBUS EDITION)” (BEGGARS BANQUET, 2009) (leer reseña) BAUHAUS “MASK (OMNIBUS EDITION)” (BEGGARS BANQUET, 2009) (leer reseña) BAUHAUS “WENIGER IST MEHR” (leer reseña) TONES ON TAIL “PERFORMANCE” (BEGGARS BANQUET / GRABACIONES ACCIDENTALES, 1984) (leer reseña)
Félix V. Díaz En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional
Reseña Cultural nº: 2245 // Reseña Musical nº: 1432
Información Muy Importante / Very Important Information : Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing
Quiero dar las gracias a Gary Levermore por su cortesía al enviarme este promocional.
Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional) Tracklist: SIDE A: 1- Make Me Feel // 2- Take Me 2 The Crib // 3- Cross My Heart // 4- Soñar // 5- Vida (feat. Vick Vapors) // 6- Try Means Fail SIDE B: 7- Cuando Andas // 8- Sharing Skin // 9- Hace Tiempo // 10- Turn N Burn // 11- JayBee // 12- I Never Get What I Wanted (feat. Philadonna) Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Make Me Feel // 2- Take Me 2 The Crib // 4- Soñar // 6- Try Means Fail
El día 7 del próximo mes de marzo será presentado oficialmente el álbum debut homónimo de Night Ritualz a través del prestigioso sello discográfico Metropolis Records. Publicado en formato digital y en una edición limitada de 300 unidades en vinilo LP 12”, el álbum “Night Ritualz” presenta en su portada la imagen del artista estadounidense Vincent Guerrero IV, alma mater de Night Ritualz, sobre fondo obscuro como reflejo visual de las sombras existenciales que definen el trasfondo lírico y sonoro de esta extraordinaria obra. A nivel musical, en su ópera prima homónima, Night Ritualz proyecta una gran creatividad en su composición sonora influido por los estilos dark electro y postpunk, pero llevados a otra dimensión musical debido a su mirada pionera absolutamente libre de límites conceptuales. A través de la lírica donde no duda en hacer uso tanto del idioma inglés como del español, su esencia existencial está basada en experiencias vividas por el propio artista llevadas al mundo musical con una honestidad, una crudeza, y un trasfondo mental y emocional que fascinarán al melómano lector de Lux Atenea que adquiera este álbum, sobre todo en su edición en vinilo. Una perspectiva artística más propia del outsider en esta sociedad posmoderna, y donde lo oscuro, los deseos, las pasiones, y los fracasos, perfilan tanto su música como su lírica con un sentido creativo innovador que seduce por su belleza… por su belleza siniestra en clave existencial. Unos temas musicales que formarán parte de su selección musical personal, y que no dejarán de escuchar y disfrutar a lo largo de los próximos años, identificándose con su mensaje profundo unido a pensamientos, vivencias, y reflexiones mucho más amargas que dulces, quedando todo embellecido con cuidadas melodías que convierten la audición de este álbum en todo un placer.
Sin más demora, iniciamos la audición de este extraordinario trabajo musical sumergiéndonos en la magia de los sentidos recreada en el primer tema “Make Me Feel”, con este marcado tempo donde lo intenso y lo melódico fluyen para impulsar su lírica con la calidez de las emociones. Anhelos, deseos, e imaginación dando base y trasfondo a esta lírica directa que, en su mensaje entre líneas, llega incluso a destilar el oscuro poso que siempre tiene la fragilidad del deseo no satisfecho, de la pasión no llevada a la realidad, y de la mirada no correspondida. La moneda del amor y de la atracción lanzada al aire, y que nadie sabe qué cara quedará boca arriba hasta que el presente sea inexorable. Una magnífica entrada musical cuyo encanto artístico tendrá su continuidad en el tema “Take Me 2 The Crib”, mucho más potente y directo en su lírica donde la pasión y el deseo arden en la hoguera de lo sexual. Con Night Ritualz mostrándonos una perspectiva creativa deslumbrante con este estilo dark electro tan seductor, tan atrayente, convierte a la canción “Take Me 2 The Crib” en un tema de imprescindible presencia en la sesión musical de todo DJ que desee impactar al público con su más exquisita selección de actualidad. “Take Me 2 The Crib” potencia el dinamismo conceptual del anterior tema “Make Me Feel” al llevarnos de lo reflexivo a lo real, a la acción. Siguiendo esta senda existencial llegaremos hasta el tema “Cross My Heart”, con la dualidad amor-muerte presentándose envuelta con los miedos, el fracaso, el vacío interior, y la frialdad emocional que nos aleja de la vida. En “Cross My Heart”, Night Ritualz eleva aún más la potencia musical, ahora dentro de este decadente dark electro amalgamado con cold wave, y con esta lírica profunda de desgarradora interpretación en clave gótica. Una impresionante composición musical que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea que buscan nuevos perfiles creativos dentro de la escena dark, siendo “Cross My Heart”, un tema de corta duración pero tremendamente intenso como los buenos extractos de perfumes.
Dentro de un estilo postpunk melódico, el tema “Soñar” aparecerá con este contraste absoluto entre su vaporoso trasfondo electrónico y la enérgica interpretación lírica de Night Ritualz, proyectando esta sedosa atmósfera un tanto bohemia en su horizonte existencial y en su desconexión del presente cotidiano imposible de asumir por su esencia vital gris que no satisface. “Soñar” es una extraordinaria evolución de la magia musical creada a finales de la década de los ochenta y principios de los noventa dentro de la escena gótica, pero actualizada al siglo XXI con absoluta maestría en su definición sonora y lírica. Un tema que los melómanos lectores de Lux Atenea volverán a disfrutar varias veces antes de adentrarse en el tema “Vida (feat. Vick Vapors)”, con lírica en español. Retornando al dark electro, su tensión existencial fluye con un mensaje claro de la urgencia vital ahogándose en un presente difícil de soportar. El choque absoluto entre lo cotidiano y las aspiraciones personales que mueven al individuo para seguir adelante en este mundo, conducen al individualismo, al aislamiento, y al nacimiento del outsider que decide contemplar este mundo al comprender la imposibilidad de formar parte de algo que le haría ser completamente distinto a su naturaleza interior. Crudo en su mensaje, en su trasfondo, en su esencia, la lírica de “Vida (feat. Vick Vapors)” complementa la configuración existencial de quienes sienten el tema “Soñar” como parte de uno mismo, uno en un plano onírico y otro en un plano vital perteneciente a la inevitable vigilia. En este sentido, además en el siguiente tema “Try Means Fail” aparecerá la frustración como aspecto importante en las relaciones cuando, para la otra persona, el peso de los fracasos es mayor que los éxitos alcanzados y disfrutados. Sin riesgo no hay victoria y sin fracasos no hay experiencia en esta vida, pero no todas las personas piensan lo mismo en un mundo actual dominado por gente irresponsable e inmadura que solamente quieren lo seguro, aunque sea una cloaca existencial gris que degrada y devora la vida de las personas. Esta dualidad ha quedado fielmente reflejada en esta magnífica composición musical, reforzando el mensaje de su lírica con esa amargura de la desconexión sentimental. Los valles melódicos del sintetizador… ¡¡¡impresionantes!!! hasta convertir a este tema en una auténtica delicatessen musical destinada a almas sensibles cuya inteligencia les aleja de este mundo. ¡¡¡“Try Means Fail”, chapeau!!!
En la edición en vinilo de este álbum, comenzaríamos la cara B del disco retornando a la lírica en español con el tema “Cuando Andas”, apareciendo este estilo postpunk con una extraña luz iluminando lo dramático y la inesperada marcha, y con este plano instrumental para bajo como recreación del latido acelerado del corazón abandonado. Con un final lírico marcado por el anhelo y tapado por la intrascendencia del pasado reciente, la crudeza de la realidad imposible de comprender termina paralizando y hundiendo a la persona en su abismo interior. Tras la tensión, la calma surgirá en el tema “Sharing Skin” con esa atmósfera cargada de embriaguez vital y fluyendo libremente con esa evanescencia que relativiza el presente. Tras la ensoñación placentera, el despertar en un presente donde no hay nada sólido donde apoyarse, donde comprender lo sentido, donde elevar ese deseo de futuro que uno aspira que sea dorado, pero la sombra existencial de Charles Bukowski siempre conduce a nuestra realidad cotidiana. Y no hay más. En “Hace Tiempo”, la atmósfera musical se acelerará en este tema melancólico con la mirada al pasado, con la mente anclada al pasado, y con el pasado tomado como tabla de salvación de un presente obscuro y triste, pero el pasado es pasado y ya está todo escrito de forma inmutable, y cuando algo se estanca en el presente, se termina pudriendo. Desembocando en el tema “Turn N Burn”, aquí el dark electro presenta influencias conceptuales propias del dark techno en su definición sonora obscura y minimalista, evolucionando musicalmente con una creatividad que les sorprenderá por su avanzada perspectiva artística. Una dualidad existencial que siempre desemboca en la rabia y en la insatisfacción, ocurra lo que ocurra porque la saturación mental provocada por los deseos mezclándose con la crudeza existencial del individuo, al final deja ese amargor de la pasión que sabe a hiel. Volviendo al estilo postpunk en el tema “JayBee”, forma un todo con el tema “Soñar”, llevándonos hasta “I Never Get What I Wanted (feat. Philadonna)” para clausurar este extraordinario álbum como resumen existencial basado en la imposibilidad de alcanzar la plenitud en esta realidad. “Night Ritualz”, talento, creatividad, y eclecticismo conceptual llevando a la escena dark electro y postpunk a nuevas fronteras musicales en este siglo XXI de la mano de Night Ritualz. ¡¡¡Disfrútenlo!!!
Otras reseñas recomendadas: CHARLES BUKOWSKI “ARDER EN EL AGUA, AHOGARSE EN EL FUEGO” (LA POESÍA SEÑOR HIDALGO, 2005) (leer reseña) CHARLES BUKOWSKI «PELEANDO A LA CONTRA» (ANAGRAMA, 2002) (leer reseña) CHARLES BUKOWSKI «LO MÁS IMPORTANTE ES SABER ATRAVESAR EL FUEGO» (LA POESÍA SEÑOR HIDALGO, 2002) (leer reseña) CHARLES BUKOWSKI “EL INFIERNO ES UN LUGAR SOLITARIO” (TXALAPARTA, 2002) (leer reseña)
Félix V. Díaz En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.
Reseña Cultural nº: 2238 // Reseña Musical nº: 1425
Información Muy Importante / Very Important Information : Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing
Quiero dar las gracias al genial artista belga Frederic (The Ultimate Dreamers) por su cortesía al enviarme este promocional.
Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional) Tracklist: 1- Digging // 2- Spiritchaser // 3- Into The Fog // 4- Energene // 5- Kids Alone // 6- Looking For // 7- Deafness // 8- Traum // 9- The Knife // 10- Far Away // 11- Envoler // 12- Replicant // 13- Awakening Datos técnicos: Álbum producido por el mítico Len Lemeire (Implant, Anne Clark…) Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Digging // 3- Into The Fog // 4- Energene // 6- Looking For // 7- Deafness // 9- The Knife // 11- Envoler
El próximo día 7 de febrero será presentado oficialmente el nuevo álbum de la banda musical belga The Ultimate Dreamers titulado “Paradoxical Sleep”. Será publicado en formato digital, en una preciosa edición en digipak CD que incluye dos temas extras, y en dos lujosas ediciones limitadas de 150 unidades cada una en LP 12” en vinilo rojo y en vinilo violeta transparente, estando estas ediciones disponibles en las páginas oficiales en Bandcamp del prestigioso sello discográfico Alfa Matrix, de su subsello Spleen+, y en la propia página oficial de la banda musical de The Ultimate Dreamers. Engalanado con esta siniestra portada, en su imagen emanan destellos conceptuales del legendario escultor suizo Alberto Giacometti (1901-1966) en el perfilamiento artístico de estas figuras oscuras que parecen estar en movimiento. Dedicado a la memoria de Philippe Pascal (Marqués de Sade, Marc Seberg), el álbum “Paradoxical Sleep” ha sido vertebrado con trece magníficos temas musicales donde su arco conceptual abarca desde el estilo post-punk al synthpop, pasando por el coldwave más intimista. Además, la banda musical belga The Ultimate Dreamers ha podido contar con la colaboración profesional de artistas de prestigio como Simona Ferrucci (Winter Severity Index) en el tema “Into the Fog”, June Dune (Dead Crush) en el tema “The Knife”, y de Sandrine en planos instrumentales para violonchelo incluidos en varios temas. Una definición musical y una interpretación extraordinaria para dar alma sonora a cada uno de estos temas, destacando muy especialmente el espíritu creativo e innovador que aflora en muchas de estas composiciones. Sin duda alguna, la audición del álbum “Paradoxical Sleep” encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea con gustos más góticos, precisamente por los preciosos aires melódicos que embellecen estos temas, mientras la lírica fluye con esa armonía que seduce y te invita a repetir su audición, convirtiéndose en ese momento emocional y sentimental muy personal y hedonista. Como analista musical, siempre aconsejaré la edición en vinilo si desean disfrutar de su audición con el registro sonoro más fidedigno, siendo la elección más acertada debido a la plenitud musical que transmite.
Sin más demora, iniciamos la audición de este extraordinario álbum sumergiéndonos en la melódica entrada musical del tema “Digging”, abruptamente rota con este potente plano sonoro para guitarra que marca puntos de ruptura estructurales a partir de los cuales todo queda reconfigurado, manteniéndose siempre este nebuloso plano sonoro del sintetizador incluso cuando la canción toma su enérgico cuerpo musical y lírico. Un magnífico comienzo musical del álbum que nos conducirá hasta las puertas del tema “Spiritchaser”, donde su pulsante inercia sonora se mantendrá constante para realzar su lírica decorada con pinceladas electrónicas metalizadas que marcan la diferencia en este synthpop revitalizado, siendo el tema “Into The Fog” el que vuelva a sorprender a los melómanos lectores de Lux Atenea con un nuevo despliegue de talento musical en su ecléctico perfilamiento sonoro, evolucionando con una riqueza armónica de elegante mirada gótica en sus matices instrumentales hasta crear este irresistible encanto musical. ¡¡¡“Into The Fog”, precioso tema!!! Las ambientaciones obscuras del tema “Energene” mantendrán la belleza siniestra de la anterior canción pero dentro de un plano mental más melancólico, aunque la composición instrumental en algunos momentos parezca que va a tomar mayor impulso y luminosidad. Absolutamente selénico, “Energene” es una canción perfecta para incluir en una sesión musical gótica como valle sonoro de transición sin que la pista de baile decaiga. ¡¡¡“Energene”, old-school rejuvenecido conceptualmente!!! Con el tema “Kids Alone” llevándonos de nuevo al estilo synthpop, su acelerado tempo no empujará su estructura musical a un escenario sonoro más vitalista, desembocando en el tema “Looking For” donde lo reflexivo y lo bohemio han quedado fielmente reflejados en su plano instrumental para violonchelo de la mano de Sandrine, surgiendo este post-punk destellante cuya lírica ha sido equilibrada con maestría con sus planos melódicos hasta irradiarnos con este spleen gótico propio del siglo XXI. ¡¡¡“Looking For”, melancólicamente obscuro!!!
En el tema “Deafness”, lo delicado aparecerá como contraste absoluto con su extraordinaria estructura instrumental de gótica esencia, llevándonos a sentir esa sensación de soledad en un mundo donde todo es pétreo, insensible, y con ese desasosiego gris que hunde la luz de lo vital bajo el fango. ¡¡¡“Deafness”, uno de los mejores temas de este álbum!!! Tras repetir varias veces la audición del anterior tema por puro placer, “Traum” cambiará completamente ese escenario sonoro manteniendo su plano existencial bajo, y proyecta esa pesadumbre vital que invita a abandonarlo todo. Melódicamente lánguido, “Traum” es ambientalmente denso como un cielo nublado, llevándonos hasta el tema “The Knife” donde lo trágico es recreado con una sensibilidad artística que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena gótica de la década de los ochenta. Pero “The Knife”, va mucho más allá. Post-punk de auténtico lujo en este año 2025 para ser disfrutado pausadamente, y con June Dune (Dead Crush) en sus coros como broche de oro musical. ¡¡¡“The Knife”, grandioso tema!!! Después del embrujo artístico del tema “The Knife”, “Far Away” aparecerá con otro escenario sonoro mucho más abierto y luminoso, quedando todo el peso de la composición en su lírica. Elevando la intensidad ambiental sonora, el tema “Envoler” basará su esencia conceptual en un coldwave melódicamente decorado con ese sedoso movimiento sinuoso que te seduce por su halo hedonista, y donde el tiempo va desvaneciéndose. ¡¡¡“Envoler”, celestial y embriagador!!! De nuevo, escuchar varias veces seguidas un tema musical como “Envoler” vuelve a convertirse en un irresistible ritual, y cuando “Replicant” surja con estos planos sonoros afilados y estas bases rítmicas aceleradas, The Ultimate Dreamers nos demostrará que también es capaz de componer temas musicales potentes, contundentes, y con esa radiante belleza musical que siempre trae consigo vitalidad en este mundo posmoderno tan aburrido y plano. Junto a “Replicant”, “Awakening” es el segundo tema extra incluido en este álbum, clausurándolo con un entorno musical más experimental donde la belleza siniestra siempre es potenciada por Sandrine en su magnífica interpretación instrumental para violonchelo. “Paradoxical Sleep”, ecléctica maestría artística en la composición de temas musicales de perfilamiento existencial obscuro, y avanzada esencia conceptual en su embellecimiento sonoro y lírico. ¡¡¡Disfrútenlo!!!
Félix V. Díaz En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.
Reseña Cultural nº: 2160 // Reseña Musical nº: 1369
Información Muy Importante / Very Important Information: Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing
Quiero dar las gracias al genial artista canadiense Kevin Thorne (We Be Echo) por su cortesía al enviarme este promocional.
Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional) Tracklist: 1- Lift // 2- Shattered // 3- Inside // 4- Time Wins // 5- Conversation // 6- You’ll Never Dance // 7- Invisible Bond // 8- Possibly 23 // 9- This Is Me // 10- Phase Shift // 11- Butler’s Wharf // 12- Will You Ever Believe (What I Tell You) // 13- All Over Me Bonus Tracks: 14- I’m Nowhere // 15- Rainy Season Datos técnicos: Temas musicales compuestos y grabados en Thee Werkhaus Studio por Kevin Thorne entre los meses de febrero y mayo de 2024 Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Ecléctica Obra Maestra Musical de vanguardia
Los fieles seguidores de We Be Echo estamos de enhorabuena tras la reciente presentación de su nuevo trabajo musical “Empty”, octavo álbum desde el año 2020. Publicado en este mes de mayo en formato digital a través de su página oficial en Bandcamp (incluye el tema “Butler’s Wharf” en exclusiva), y en CD a través de su propia webstore en SoundOV (incluye los temas “I’m Nowhere” y “Rainy Season” como bonus), el excelso álbum “Empty” ha sido engalanado visualmente por el prolífico artista canadiense Kevin Thorne con esta atrayente portada, reflejando en esta imagen ese viaje personal trascendente en medio de este mundo tan desolado emocional y sentimentalmente. Los quince temas musicales que vertebran el álbum “Empty” presentan esa transformación interior a través de cada fase de cambio, de cada revelación, y de cada evolución interior donde el individuo se va separando de lo mundano para recorrer ese inhóspito camino místico donde la incertidumbre será constante hasta el comienzo de la revelación espiritual. Conceptualmente, Kevin Thorne ha vuelto a demostrar que se encuentra en un momento muy fructífero en cuanto a su espíritu vanguardista de composición, presentando temas musicales donde el post-punk, el rock underground, la psicodelia, y la experimentación sonora se funden en su crisol musical a la hora de componer. Temas musicales que proyectan perspectivas trascendentes, perspectivas del individuo en proceso de cambio y de trasformación interior, perspectivas de desconexión del resto del mundo… hasta convertir la audición del álbum “Empty” en un viaje musical con un trasfondo inequívocamente místico. Estructuras instrumentales y definiciones líricas que, en manos de We Be Echo, presentan evolucionados perfilamientos artísticos de vanguardia que amplían el arco conceptual de estos estilos musicales. Una belleza y una esencia artística elevándose del plano material para provocar en el melómano lector de Lux Atenea esa apertura mental que lleve a la reflexión y a la elevación del plano existencial, porque esta es la base principal que fundamenta el arte de We Be Echo en su nueva obra maestra “Empty”, creada entre los meses de febrero y mayo de este año 2024. Sin duda alguna, un contundente despliegue de talento musical.
Iniciamos la audición de esta obra maestra sumergiéndonos en los aires melódicos del primer tema “Lift”, proyectando esta luminosidad sonora con reminiscencias a la psicodelia de la década de los setenta fundida con la vanguardia musical más innovadora dentro de la escena underground. Tres fases sonoras mutando en sus valles sonoros como recreación de los cambios, de la evolución, de la liberación existencial desarrollada en el tiempo. Impulsados por esta esencia metafísica, en el tema “Shattered” todo se quebrará en cuanto pasemos de lo personal a lo externo, de lo íntimo a lo colectivo, de ahí el plano sonoro más lento y pesado que define musicalmente a este tema. Selénico, urbano, decadente, en “Shattered” todo es dramático y obscuro, presentando esta avanzada perspectiva post-punk que llevará al melómano lector de Lux Atenea a adentrarse en un caleidoscopio existencial tan angustioso y lánguido como un mal viaje mental provocado por un psicotrópico. ¡¡¡“Shattered”, brillante mirada actual al decadente spleen!!! Posteriormente, el tema “Inside” va a adquirir esta vibrante intensidad sonora propia del rock underground sin perder gran parte de la languidez anterior. Pero, en “Inside”, la mirada ya no es al suelo, sino al frente observando ese gélido reflejo de lo desangelado que hiela emocionalmente al corazón para poder sobrevivir en este entorno tan insensible, tan sentimentalmente pétreo, tan inconfundiblemente terrenal. El excelso tema “Inside” les incitará a varias audiciones más antes de que “Time Wins” les fascine con esta contundente demostración de talento en la composición, perfilando Kevin Thorne esta delicatessen instrumental como solamente los genios artísticos son capaces de dar alma musical. “Time Wins” es la sonrisa de Hermes con un whisky en la mano, lanzando esa mirada profunda capaz de desvelar lo oculto y de descifrar la danza de la vida en su manifestación trascendente, de ahí la fuerza sonora que emana de esta magna canción. “Time Wins” es el culto a la música de We Be Echo mientras un nuevo plano existencial nos eleva por encima del devenir porque ya no es temido, sino aceptado como inexorables vientos de ese presente asomándose tímidamente en el horizonte. ¡¡¡“Time Wins”, espectacular tema!!!
Cuando “Conversation” fluya en los oídos, nuestra mente quedará poseída por esta magia instrumental y este ritual interpretativo y lírico que unimos inequívocamente a los conciertos. Quienes disfrutan la música en vivo saben a qué me refiero. Además, el tema “Conversation” tiene esa aura musical de la década de los setenta que radiaba inocencia, mente abierta, y alejamiento absoluto de los convencionalismos sociales, centrándose todo en el individuo, en su transformación interior, y en la iluminación de su universo inconsciente buscando trascendencia. Luego, el tema “You’ll Never Dance” potenciará este influjo musical hasta envolvernos con una sedosa psicodelia puntualmente decorada con este estilo gótico tan estadounidense y californiano, perfumándonos con fragantes melodías que poco a poco nos irán embriagando y acariciando con la sutileza y la sensualidad de las sábanas de terciopelo. “You’ll Never Dance” es seda granate sobre nuestro cuerpo desnudo mientras quedamos seducidos por la magia, por la energía vital, y por los guiños táctiles que conducen a ese estado cercano a la muerte donde el tiempo parece haber desaparecido en nuestro presente, en nuestra mente, en nuestros pulmones… hasta que la primera inspiración profunda rompa ese estado existencial y nos devuelva al plano material. ¡¡¡“You’ll Never Dance”, puro hedonismo musical!!! Con el tema “Invisible Bond” ahondando en lo reflexivo, su personalidad sonora en tonos graves nos presentará esta avanzada perspectiva post-punk que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma al disfrute de las corrientes sonoras más góticas. “Invisible Bond” es siniestramente exquisito, vanguardista, y posesivo en su belleza obscura, agarrando tu mente con sus afiladas garras cargadas de realidad existencial y de verdad no siempre aceptada, no siempre asumida, pero que estará ahí esperando a que lo asimiles aunque no te guste. ¡¡¡“Invisible Bond”, el canto vital del alma gótica!!!
El tema “Possibly 23” nos sacará de ese tenebroso estado personal con sus selénicos destellos de luz, pero sin perder su esencia individualista porque sigue resaltando lo contemplativo, lo reflexivo, y la inadaptación. “Possibly 23” es caminar en solitario esperando la conexión, es observar sentado mientras esta canción se armoniza con los pensamientos interiores, acompañándonos en esta vida con la misma firmeza de quien ha de avanzar en la jungla abriéndose camino en la salvaje maleza. Desembocando en el tema “This Is Me”, el estilo musical cambiará radicalmente con este free-style tan ecléctico y que se siente emocionalmente tan cercano como un reencuentro. Una vuelta al origen, a lo primigenio, a la raíz del sentido del centro y de todo lo que lo rodea. Lisérgico en su dimensión sonora, “This Is Me” revela porque es fundamentalmente trascendente y permite observarnos en ese espejo místico que muestra verdaderamente lo que somos, no lo que aparentamos exteriormente o lo que pensamos que somos. Y en toda revelación hay cambio si se asimila, si se integra, si forma ya parte de, y el tema “Phase Shift” recrea fielmente ese estado sobre todo con este vibrante plano instrumental latente en un segundo nivel dentro de esta estructura musical. “Phase Shift” calma como una caricia y una sonrisa que muestra aprobación, y estos pasajes musicales proyectan la energía propia del nuevo plano existencial más elevado que cambiará el destino del individuo. Aquí, el arte interpretativo de Kevin Thorne se presenta sublime en su declamación lírica y en sus detalles al vocalizar las palabras, las frases, haciendo hincapié en lo profundo y en lo místico. En el fondo, “Phase Shift” es una muestra contundente del estilo artístico tan personal de Kevin Thorne a la hora de componer y de interpretar la lírica como vocalista.
Incluido solamente en la edición digital del álbum “Empty” disponible en la página oficial de We Be Echo en Bandcamp, el tema “Butler’s Wharf” nos presenta una composición musical absolutamente experimental que rompe completamente con la dinámica sonora que veníamos disfrutando, cubriéndonos con esta densidad musical tan posesiva como la entrada en una angosta cueva energéticamente cargada. “Butler’s Wharf” se irá convirtiendo poco a poco en un ritual sonoro, en una representación de lo ceremonial hasta paralizarnos con su belleza que invita al hieratismo, quedando transformados en núcleo alrededor del cual se mueve este tema musical como si fuera una danza sacra. Cuando “Will You Ever Believe (What I Tell You)” nos haga retornar de nuevo a la dinámica musical que vertebra este álbum, su belleza melódica se mostrará con la misma luz tamizada del amanecer en un cielo nublado, permaneciendo dentro de su halo de luminosidad pero sin recibir su luz directa, conduciéndonos hasta las puertas del extraordinario tema “All Over Me”, cuya estructura instrumental volverá a sorprendernos con esta talentosa definición estructural y con esta emotiva interpretación donde el equilibrio interior y su lírica han quedado perfectamente armonizadas. “All Over Me” es misticismo, es paz espiritual, es esa sensibilidad incrementada tras el desvelo trascendente y que mira al futuro sin miedos ni condicionantes externos. Además, en la edición en CD del álbum “Empty” se han incluido dos temas como extras, siendo “I’m Nowhere” una auténtica exquisitez musical donde We Be Echo refleja su experimentado talento interpretativo con maestría. “I’m Nowhere” es una inteligente integración conceptual del obscuro post-punk estadounidense con la densidad del rock más crooner. En cambio, el tema “Rainy Season” es más impetuoso y dinámico, impulsándonos a la actividad y al movimiento gracias a este sublime plano instrumental para bajo que es una auténtica delicia escuchar. “Rainy Season” son los latidos de la vida, el constante fluir de la sangre en el cuerpo, la visión del agua como representación simbólica de la pureza espiritual, y esta esencia musical será lo que extienda el telón de clausura de este admirable trabajo artístico. “Empty”, el álbum más profundamente ecléctico, underground, y vanguardista que haya presentado el talentoso artista canadiense Kevin Thorne en toda su carrera musical como We Be Echo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!
Félix V. Díaz En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.
Reseña Cultural nº: 1948 // Reseña Musical nº: 1347
Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing
Quiero dar las gracias a Ximo Noguera (Industrial Complexx) por haber contado conmigo como analista musical en el libro incluido en esta preciosa edición y por su cortesía al enviarme este promocional físico.
Edición reseñada: CD + Libro (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- New Orchestra // 2- Sample World // 3- Alles ist zurück // 4- United Splinters // 5- Ein Wort von dir // 6- Wow Feeling // 7- Echter Fortschritt // 8- I’m Nothing // 9- Violet Jessop // 10- Fragezeichen // 11- Arty People
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- New Orchestra // 2- Sample World // 3- Alles ist zurück // 8- I’m Nothing // 9- Violet Jessop
Como analista musical ha sido un honor y un auténtico placer haber escrito sobre el talentoso dúo musical alemán Nostalgie Éternelle en el libro incluido en esta preciosa edición de su álbum “Krummhörn”, y todo gracias a Ximo Noguera, alma máter del prestigioso sello musical valenciano Industrial Complexx, al haber contado conmigo como colaborador cultural en esta lujosa edición. Además, para mí es un inimaginable y relevante honor cultural estar en este libro junto al genial y polifacético artista alemán Stefan Knappe aka Baraka[H], alma máter de Maeror Tri, Troum, y propietario del prestigioso sello discográfico Drone Records. Ximo Noguera, Stefan Knappe, y yo hemos vertebrado con nuestros artículos este atrayente libro dedicado a la obra del mítico dúo musical Nostalgie Éternelle, y que hará las delicias de los melómanos por su profundidad, por su precisión, y por su detalle en la descripción, incluyendo datos e información que sorprenderán a los seguidores de esta escena musical. Una lujosa edición que fue presentada oficialmente a finales del pasado mes de marzo a través del prestigioso sello discográfico valenciano Industrial Complexx, habiendo sido publicada en formato digital, en una edición limitada de 20 unidades en cassette, en una edición limitada de 50 unidades en CD, además de sus correspondientes ediciones en cassette+libro y CD+libro. El álbum “Krummhörn” ha sido engalanado con un magnífico diseño artístico de portada creado por Mimusa y realizado a nivel gráfico por Iván Galíndez, presentando esta imagen visual estéticamente tenebrosa y con reminiscencias a un pasado aún latente en el presente como si fuera un antiguo recuerdo renaciendo en la mente. Un diseño retro, obscuro, y con ese reflejo propio de la vanguardia musical underground de carácter cosmopolita, y de denso poso conceptual y existencial.
A nivel musical, en el álbum “Krummhörn”, el dúo germano Nostalgie Éternelle formado por Inox Kapell (Stefan Heinze) y Dieter Mauson presenta un eclecticismo conceptual muy marcado en cada uno de los once temas que vertebran esta obra, abriendo el arco musical desde el estilo dark electro y la electrónica experimental hasta lo industrial, la Escuela de Berlín, y el post-punk, además de presentar pinceladas y cromatismos sonoros propios del minimal, del noise, del ambient… El álbum “Krummhörn” es un auténtico lujo musical de primer nivel presentado en esta edición discográfica tan selecta, como no podía ser de otra forma para poder reverenciar su arte musical. El resplandeciente talento musical mostrado por Nostalgie Éternelle en sus álbumes, así como en los diferentes proyectos artísticos protagonizados por Dieter Mauson, y al igual que las obras musicales concebidas por Stefan Knappe aka Baraka[H] (Maeror Tri, Troum), se han convertido ya en sólidos pilares culturales en Lux Atenea a lo largo de todos estos años, como así han podido comprobarlo los melómanos lectores de este blog absolutamente pasional, subjetivo, y muy personal. Vientos musicales que no pierden su esencia con el paso de los años, incrementando su belleza según el tiempo va resaltando su trasfondo y su fundamento artístico.
Sin más demora, iniciamos esta inmersión en el universo sonoro de Nostalgie Éternelle adentrándonos en el ambiente cosmopolita del primer tema “New Orchestra”, apareciendo texturas sonoras experimentales que son perfectas para recrear la soledad del individuo, la ciudad sentida como una agresiva urbe, el nihilismo reflejado en los ojos mientras miran el entorno de maldad latente como si fuera un mundo diabólico, y que sólo encuentran pureza al observar cómo cae la lluvia. Luego, en “Sample World”, lo decadente se vuelve melodioso metamorfoseándose en esta excelsa canción de base dark electro y perfilamiento metálico secuencial indiscutiblemente industrial. Insatisfacción, inadaptación, soledad del outsider, todo en “Sample World” huele a inhumanidad moderna, a acidez existencial que corroe el espíritu. Regresando a pasajes sonoros experimentales, el tema “Alles ist zurück” fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea con estas texturas y secuencias electrónicas que caracterizan a la vanguardia musical alemana, fundiendo lo futurista con la frialdad emocional hasta congelar la belleza, apareciendo la breve composición “United Splinters” con esta fascinante estructura sonora electrónica bajo la influencia conceptual de la Escuela de Berlín, siendo la antesala ideal para resaltar el tema “Ein Wort von dir” donde Nostalgie Éternelle convierte el eclecticismo conceptual en un destellante resplandor en un entorno sentimentalmente desolado. Un sincretismo musical que convierte a “Ein Wort von dir” en un tema agreste, volátil, y muy afilado.
Volveremos a la esencia conceptual de la Escuela de Berlín en “Wow Feeling”, pero de forma innovadora y experimental en su definición, siendo el tema “Echter Fortschritt” el que rompa esa atmósfera sonora con el incontenible ímpetu industrial llevado hasta la frontera con el punk en su descaro contra lo moderno y mainstream, y todo ello teniendo como base a estos planos sonoros propios del noise más comedido y menos brutal. La belleza cristalina que presenta esta fusión del ambient con lo minimal realzará la brillantez musical de “I’m Nothing”, resaltándolo como uno de los temas más sorprendentes del álbum “Krummhörn”. Una delicatessen artística que solamente puede tener como origen creativo al dúo musical alemán Nostalgie Éternelle. ¡¡¡“I’m Nothing”, impresionante!!! Hipnotizados melódicamente, la entrada en “Violet Jessop” nos cambiará radicalmente la atmósfera sonora con esta delicia post-punk con ese retrogusto old-school de la década de los ochenta, sobre todo en su tempo lánguido, pausado, y embriagador. Una preciosa pincelada conceptual de trasfondo gótico y atrayente nebulosa melódica que invita a adentrarse en ella para desaparecer en su psicodélica iridiscencia. Después de disfrutar varias veces el tema “Violet Jessop”, la vuelta al escenario sonoro industrial presente en este álbum aparecerá en “Fragezeichen” para oscurecerlo todo, empequeñecer las dimensiones, y volver al aire casi irrespirable por su densidad. Finalmente, será el tema “Arty People” el que extienda el telón de clausura a través de la experimentación electrónica más pura y desenfadada, abriendo los espacios a la luz para mostrar lo desangelado donde las entidades esféricas no interactúan entre ellas, moviéndose cada una con un impulso propio, aislado, y decidido. “Krummhörn”, magna obra musical de Nostalgie Éternelle destinada a convertirse en los próximos años en una buscada edición discográfica de coleccionista. ¡¡¡Disfrútenlo!!!
Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.
Reseña Cultural nº: 1943 // Reseña Musical nº: 1342
Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing
Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico francés Anywave Records por su cortesía al enviarme este promocional digital.
Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Anguish Knot // 2- Forget Me // 3- Look Around // 4- The Secret // 5- Ghost // 6- All That’s Left
Datos técnicos: Temas grabados, mezclados y masterizados por Christophe Gitton
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 3- Look Around // 5- Ghost // 6- All That’s Left
Los fieles seguidores del mítico dúo musical francés Déficit Budgétaire ya conocemos la personalidad creativa de Christophe Gitton que, junto a Bertrand Genevi, revolucionaron la escena coldwave y post-punk en la segunda década de este siglo XXI. En este proyecto en solitario llamado Saurien, la obra musical de Christophe Gitton se ha vuelto mucho más tensa, innovadora, arriesgada, y pasional, perfilando unas composiciones profundamente marcadas por el eclecticismo cuyo arco conceptual nos lleva desde el post-punk hasta el noise rock, pasando por los desolados parajes post-industriales y los tenebrosos planos sonoros del dark ambient en su álbum de debut titulado “And Still the Lungs Won’t Fill”. Presentado oficialmente el pasado mes de mayo a través del prestigioso sello discográfico francés Anywave Records en formato digital y en una preciosa edición limitada en cassette (yo no demoraría mucho su adquisición), el álbum “And Still the Lungs Won’t Fill” ha sido engalanado visualmente con este psicodélico diseño creado por Myriam Barchechat, destacando especialmente en su portada esta imagen distorsionada donde la vida se percibe con la sensación inquietante de lo opaco, perdiendo definición y ganando en intriga y misterio. Una atrayente portada que incitará a los melómanos lectores de Lux Atenea a observarla con los ojos entreabiertos en busca del desvelo. Retornando al plano musical, ya en el año 2016, Saurien nos sorprendió con la publicación de cuatro temas en su página oficial en Bandcamp, pero es en este grandioso álbum donde Christophe Gitton transforma las guitarras, la caja de ritmos, y su voz en siniestros destellos de vanguardia musical. Vertebrado por seis magníficos temas, el álbum “And Still the Lungs Won’t Fill” es una inmersión en la definición estructural obscura donde el magnetismo artístico va mutando en cada composición hasta poseernos. Comprobarán fielmente cómo Saurien es sinónimo de alma non-mainstream dentro de esta escena, y este álbum espero que sea el primer capítulo artístico de muchos otros más que resplandezcan en su virtuosa carrera musical en solitario.
Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra adentrándonos en la potente intensidad sonora del primer tema “Anguish Knot”. Con un arranque sonoro más propio de un tema musical de thrash metal, rápidamente irá derivando hacia siniestras estructuras post-industriales donde el terror terminará lanzando sus chillidos apocalípticos como presagio de lo aciago. Todo en “Anguish Knot” provoca ansiedad y esa falta de oxígeno en la mente que aturde y distorsiona el pensamiento, sumergiéndonos en una espiral de horror donde hasta la luz quema al contacto con la piel. Sobrecogidos, a continuación, el tema “Forget Me” dará continuidad al perfilamiento sonoro post-industrial pero dentro de un espacio mucho más abierto. Contundente y solemne como el sonido de un metrónomo, aquí la grandeza conceptual de Saurien proyecta esta integración perfecta de lo vocal y lo instrumental en este tempo tan cortante. “Forget Me” son latigazos lanzados directamente a la esperanza existencialista más alejada de la realidad, siendo el dolor el que despierte de ese falso ensueño cargado realmente de desesperanza y de desarraigo. Luego, el excelso tema “Look Around” se presentará con una contundencia musical espectacular, posesiva, y embriagadora como la entrada a una cueva trascendente en cuya atmósfera flota el humo del incienso vital. “Look Around” incita a la observación y a la experimentación, al hedonismo de corte oriental, a ese misticismo donde la acidia y el espíritu inexplicablemente se funden para brillar intensamente, emanando esta belleza melódica siniestra potenciada con planos sonoros distorsionados que lo elevan hasta ese Cielo sagrado en llamas. ¡¡¡“Look Around”, impresionante tema!!!
Con el tema “The Secret” cubriendo todo de obscuridad, aquí el minimalismo sonoro domina inicialmente en esta composición bajo la influencia conceptual del dark ambient, envolviéndonos con esta bruma tenebrosa donde la luz es evasiva, presentándose siempre para invitarnos a adentrarnos más y más en el interior de esta dimensión no humana. “The Secret” fascina porque tiene esos destellos sacros que llevan a la ruptura de lo cotidiano, de lo mundano, y aunque obscuro, este tema envuelve pero dejando amplios espacios poco iluminados donde la tenue luz guía… o atrapa sin vuelta atrás. Posteriormente, el estilo post-punk aparecerá en el tema “Ghost”, adquiriendo este siniestro perfil sonoro tan cortante que altera al espíritu con estas chirriantes frecuencias inconfundiblemente góticas dentro del old-school primigenio. Pero Saurien va un paso más allá en el tema “Ghost”, perfilando planos instrumentales de vanguardia en esta vidriera sonora donde lo más obscuro muta hacia lo bello, hacia lo siniestramente bello. Finalmente, el tema “All That’s Left” clausurará este impresionante álbum con pasajes sonoros experimentales tensionados en su dilatado tempo, añadiéndose más y más planos instrumentales en esta obscura pagoda sonora erigida como magna superestructura. Su transformación en una terrible rueda que todo lo arrasa a su paso nos llevará a este rock arrogante donde hasta lo cristalino corta. Una parte final del tema que es espectacular, y es un auténtico lujo poder disfrutarlo en todo su esplendor. ¡¡¡Extraordinaria clausura musical para esta obra tan admirable!!! “And Still the Lungs Won’t Fill”, el álbum de debut en solitario del mítico artista francés Christophe Gitton donde pasión, sensibilidad, y ruptura conceptual te dejan esencia sonora de vanguardia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!
Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.
LUX ATENEA 