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CADLAG “TENSOR” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, mayo 2025) (Reseña / Review #2273).

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Reseña Cultural nº: 2273 // Reseña Musical nº: 1460

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico esloveno Pharmafabrik Recordings por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Tensor // 2- Matrix // 3- Legionela // 4- Interval // 5- Kompakte // 6- Asbestopluma // 7- Ampula // 8- Spekula // 9- Cavern
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Matrix // 3- Legionela // 6- Asbestopluma

Presentado oficialmente el pasado día 7 de mayo a través del prestigioso sello discográfico esloveno Pharmafabrik Recordings, el álbum “Tensor” de Cadlag ha sido publicado en formato digital, en una preciosa edición en CD, y en una lujosa edición limitada en cinta de audio de 7 pulgadas, estando disponibles en la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con una estética clásica dentro de la escena electrónica experimental, el mensaje visual proyecta en su trasfondo esa búsqueda de nuevas fronteras, de nuevos territorios sonoros, y de nuevas estructuras musicales con la mirada creativa del pionero. En su reciente álbum “Tensor”, el colectivo esloveno Cadlag nos presentan un nuevo despliegue de talento en la definición sonora a través del eclecticismo conceptual, y de su propia visión del arte musical donde los espacios donde se graban estas composiciones forman parte esencial de su perfilamiento sonoro final, integrándose en perfecta armonía con la idea artística aunque el tema llegue a ser extremo en su estructura sonora. En el caso en particular del álbum “Tensor”, esta búsqueda de espacios y entornos donde grabar los nueve temas que vertebran esta magna obra, ha llevado a Cadlag a encontrar diferentes entornos industriales, mineros, religiosos, y cavernas. El fruto sonoro final es espectacular, como así podrán comprobarlo los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta joya musical que, seguro, no tardará mucho en agotar sus ediciones físicas, sobre todo la lujosa edición en cinta de audio de 7 pulgadas. Una auténtica rareza discográfica destinada a los melómanos y a los coleccionistas más selectos.

Sin más demora, iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en su tema homónimo con total contundencia sonora. Así, de entrada, sin filtro alguno ni antesala ambiental. Una amalgama estructural donde estos estratos noise nos cubren a nivel sensorial, mientras sutiles planos electrónicos experimentales fluyen en su trasfondo para ofrecer cromatismos sonoros alejados de esta salvaje cortina noise. Evolucionando hacia parámetros propios del power electronics, el tema “Tensor” marca ciertas diferencias al incorporar matices musicales que, de forma fugaz, se adentran en terrenos industriales para dar otra dimensión a estos espacios tan opresivos. Con la sonoridad de una caverna, cada uno de sus pilares sonoros irán apagándose para dar paso esta fluida manifestación musical cuyos matices se engloban dentro de la electrónica experimental, para luego diluirse hasta desaparecer. Con el tema “Matrix” cambiando completamente el entorno hacia elementos más eléctricos e incandescentes, su impacto musical es tan espectacular como contemplar una torre de Tesla en acción. Pero “Matrix” es distópico en su esencia, de ahí ese fondo melódico tan siniestro como apocalíptico por la crudeza de emociones y sentimientos que se perciben. Si hubiera que poner banda sonora a la representación cinematográfica de una Inteligencia Artificial fuera de control, el tema “Matrix” sería perfecto, ideal, y terriblemente directo en su mensaje. ¡¡¡“Matrix”, colosal!!! Luego, el tema “Legionela” presentará una estructura melódica completamente calmada por su perspectiva conceptual minimal, siendo decorada con luminiscentes pilares sonoros experimentales que le dan esa aura de vanguardia de primer nivel. Incluso sus vibraciones no alteran el equilibrio de su estructura minimalista, presentando una fragilidad casi cristalina en su latencia que fascinará al melómano lector de Lux Atenea por su perspectiva de vanguardia. Hasta cuando lo vibrante derive en la estática y en esta tensión musical electrónica, ampliando el noise su área de influencia, la armonía permanece sorprendentemente inmutable, y hay que tener mucho talento musical para dar continuidad a una estructura sonora de estas características. ¡¡¡“Legionela”, innovación conceptual!!!

El tema “Interval” dará continuidad a lo vibrante prolongando su tempo, y puliéndolo con esta languidez casi sepulcral que irá adentrándose en parámetros sonoros propios del dark ambient. Una estancia donde la proximidad del vacío provoca parálisis, y con la omnipresencia de lo inconmensurable en clave siniestra que nos conduce pausadamente a su inquietante centro, perfilado como una estructura industrial esquematizada en sus pilares sonoros. “Interval” es desasosegante por su atmósfera tan gélida, y hasta en su fase musical más activa no dejan de emanar estas amenazantes brumas propias de la ultratumba. En el fondo, el tema “Interval” es como un terrible Reino de Hades, pero no como paso previo al Cielo, sino al Infierno, siendo su final musical muy impactante y espectacular en su definición sonora. En cambio, “Kompakte” será totalmente radical en su esencia ruidista con este contundente power electronics tan devastador como el paso de un tornado de nivel 5, dejando el escenario musical preparado para que el tema “Asbestopluma” aparezca con un panorama obscuro de amplio horizonte, sumergido en una obscuridad abismal que todo lo atrae a su inhóspita fosa. Con una atmósfera de cierta ingravidez, “Asbestopluma” es una extraordinaria composición que posee la magia sonora del ritual ambient sin serlo, no saliendo de las amplias fronteras musicales del dark ambient y con una gran brillantez en su definición cromática siniestra donde lo tecnológico y lo futurista adquieren ese halo demoníaco. Hasta lo mortuorio termina haciéndose presente perfilado con pasajes sonoros experimentales de dura y rugosa textura, y con esa energía de lo ctónico capaz de alterar lo físico con su acción. Los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena dark ambient disfrutarán de forma muy especial este tema por su perspectiva creativa tan avanzada. ¡¡¡“Asbestopluma”, pura obscuridad en clave musical!!!

Posteriormente, el tema “Ampula” nos conducirá a un entorno completamente distinto sin perder esos aires tenebrosos, teniendo en sus brillantes claroscuros sonoros esa clave pionera en la composición al resplandecer en esta superestructura musical como espectaculares pinceladas experimentales de gran viveza. Una intensidad creciente en su actividad que nos rodeará con su poderosa definición conceptual, y donde Cadlag no duda en hacer uso de parámetros industriales para potenciar su impacto. En constante transformación, que el tema “Ampula” desemboque en este grandioso estilo power electronics es artísticamente lógico si se desea profundizar en su grandiosidad, para luego proyectar esta estructura con una moderación musical que resalte la espectacularidad de estas emanaciones electrónicas extremas y cortantes. “Ampula” es tensión, son esos cortes afilados que la tecnología va dando a la sensibilidad humana para aislar al individuo en su propio Ego, apartando cualquier atisbo de empatía mental con la precisión de un neurocirujano. En un nuevo cambio del escenario musical, el tema “Spekula” tomará al power electronics como eje conceptual para potenciarlo con nuevas oleadas experimentales orquestadas sobre un entorno sosegado. Un contraste absoluto entre lo nebuloso y lo agresivo, entre la calma y la acción violenta, y esta dualidad sonora va perdurando en esta composición con una perspectiva innovadora que sorprende por su apertura artística a nivel creativo. “Spekula” es tan arriesgado a nivel conceptual que su final abrupto es hasta esperado, siendo el camino musical que se termina para que el tema “Cavern” tome el control sonoro como clausura de este álbum. De perspectiva post-industrial en su definición artística, Cadlag va apartando sus planos sonoros de forma sutil para dar paso a un nuevo concepto en clave power electronics que, tímidamente, desde el fondo va a ir abriéndose paso gracias a estas oleadas ruidísticas donde el noise es esencial para rasgar las diferentes capas musicales mostradas en su inicio. Cuando este latente tempo tan marcado vaya sincronizándose con toda la nueva estructura sonora, los pilares musicales del tema “Cavern” van a crear un colosal pasillo con columnas experimentales de primer nivel que dejarán al melómano profundamente impresionado, llegando a su inevitable colapso final. “Tensor”, dentro de la escena experimental más ecléctica, una nueva muestra musical de la impactante alma artística de vanguardia ideada e interpretada con sumo talento por el colectivo esloveno Cadlag. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
PUREH “TETRAGRAM” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, diciembre 2024) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “OSCILLOPSIA” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, septiembre 2014) (leer reseña)
DANIEL BUESS “PITCH” featuring CAL LYALL & KIKUCHI YUKINORI (PHARMAFABRIK RECORDINGS, diciembre 2014) (leer reseña)
VARIOUS ARTISTS “FABRIKSAMPLER V4” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, 2011) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SORRY FOR LAUGHING “SELECTED WORKS (2020-2025)” (NO PART OF IT, marzo 2025) (Reseña / Review #2272).

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Reseña Cultural nº: 2272 // Reseña Musical nº: 1459

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Seen by candlelight // 2- A howl in the park // 3- The necessity of good timing // 4- Milk wood (Polly’s song) // 5- Fate stars // 6- Nothing for everyone // 7- Seven stormy oceans (an Edward Lear dream) // 8- Friends forever // 9- Struck blind // 10- Twist ending – Shelf isolation // 11- Heart of the matter – The three roses // 12- Waterlow ode // 13- The second value moment
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 3- The necessity of good timing // 4- Milk wood (Polly’s song) // 7- Seven stormy oceans (an Edward Lear dream) // 8- Friends forever // 10- Twist ending – Shelf isolation

Presentado oficialmente a principios del pasado mes de marzo, el extraordinario álbum “Selected Works (2020-2025)” está vertebrado por una exquisita selección de temas musicales realizada personalmente por el genial artista estadounidense Gordon H. Whitlow, en exclusiva para el prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It. En mi reseña sobre el álbum “The Medici Poison Garden” de Crone of the Wildwood, ya recomendé a los melómanos lectores de Lux Atenea que se subscribieran a este sello discográfico de vanguardia dirigido por el talentoso artista Arvo Zylo, porque atesora auténticas joyas discográficas en su catálogo. Disponible en formato digital sólo para subscriptores a través de la página oficial del sello en Bandcamp, el álbum “Selected Works (2020-2025)” ha sido engalanado con esta espectacular portada donde su belleza cromática realza ese mensaje de soledad, y de estar constantemente en el filo de la navaja en este mundo mientras lo sublime irradia espiritualmente su esencia siniestra. Para poder ver este mundo desde lo alto, se ha de pagar el precio de la soledad absoluta, de la incomprensión, y del rechazo por ser un alma libre, y en lo más alto solamente se contempla lo sublime, aquello velado a los comunes, a los grises, a los intrascendentes. Como alma mater y líder de la banda musical Sorry For Laughing, el virtuoso artista experimental Gordon H. Whitlow ha ido desarrollando desde la década de los ochenta una vanguardia conceptual pionera cuya fascinación lírica y melódica impresionará a los melómanos. Cuarenta años de experiencia artística desarrollados no solamente en Sorry For Laughing, sino también en el proyecto musical Biota y en el colectivo artístico de vanguardia Mnemonists de la década de los setenta. Pero la banda musical Sorry For Laughing es muy especial, ya que en ella también han participado grandes artistas como Edward Ka-Spel (The Legendary Pink Dots), Martyn Bates (Eyeless in Gaza), el violinista Patrick Q Wright, y la guitarrista Janet Feder. Un magnetismo musical cuyos frutos han sido espectaculares en cuanto a innovación conceptual, en cuanto a creatividad en la composición, y en cuanto a brillantez en su interpretación con pasión. Esta alma musical irradia su belleza artística en el álbum “Selected Works (2020-2025)”, convirtiendo la escritura de esta reseña en uno de esos momentos inolvidables en Lux Atenea que recordaré siempre, hasta que la Dama Muerte me dé su beso en este mundo. ¡¡¡Gordon H. Whitlow, chapeau!!!

Iniciamos la audición de esta joya discográfica con el primer tema “Seen by candlelight” y su intensa apertura musical, apareciendo desde un principio su carácter conceptual donde la electrónica experimental oscila en su frontera con el post-industrial, el noise, y el industrial. Texturas rugosas, cortantes planos musicales, trasfondos sonoros alterados, van configurando esta estructura para llevarnos a una obscuridad en el entorno donde las sombras se mueven, y donde lo siniestro es muy sutil y delicado. Llegando a las puertas del tema “A howl in the park”, su apertura nos desvelará esta delicia melódica para piano acompañando a una lírica interpretada con cierto grado de timidez que le da un gran encanto. Con la misma magia melódica de un carrusel establecida en su estructura musical como trasfondo, “A howl in the park” tiene el punto de inocencia de una historia de misterio y luz, desplegándose con la paciencia de aquello que siempre termina en un inquietante epílogo, de ahí su siniestra parte final. “The necessity of good timing” dará continuidad a esta deriva con claroscuros, presentando una tensa y entrecortada melodía para piano que, con otro plano melódico para piano de largo tempo situado en un segundo nivel, provoca que la lírica quede entre sus dos aguas sonoras. La entrada de siniestros coros llevará al melómano lector de Lux Atenea afín a la escena gótica más experimental, a disfrutar de uno de los temas más excelsos de este álbum. ¡¡¡“The necessity of good timing”, tenebrosa joya musical gótica!!! Tras esta exquisitez obscura, el tema “Milk wood (Polly’s song)” ahondará en ese misterio en el entorno pero con una perspectiva conceptual ecléctica girando alrededor del dark ambient y del ambient, hasta que este último quede en un primer plano como luminoso pilar melódico hasta la aparición de la lírica interpretada con la débil calidez de una noche invernal. “Milk wood (Polly’s song)” es mágico, es casi mitológico en sus raíces musicales con pasado, y con esa mirada de fascinación que se perdió con la llegada de la Modernidad. En constante evolución musical, su espíritu melódico provocará que el melómano incluya este tema en su selección musical más personal y querida. ¡¡¡“Milk wood (Polly’s song)”, maravillosa canción!!!

Cambiando radicalmente de estilo, el tema “Fate stars” nos hará volver a lo experimental dentro de una dimensión mucho más minimal, desarrollándose su interpretación lírica como la historia contada por un trovador mientras la música va recreando cada uno de los escenarios descritos. De una obscuridad perfumada con melancolía, “Fate stars” tiene el encanto de lo vintage pero actualizado gracias a esta estructura sonora de vanguardia completamente alejada de convencionalismos. “Fate stars” es brillante y obscuro, reflejando esos brillos aperlados en tono gris que te alejan del presente, que te sumergen en otra época que nada tiene que ver con las tendencias musicales actuales y, curiosamente, “Fate stars” sigue sonando innovador. Esta es la magia artística de Sorry For Laughing, y “Fate stars” tiene atracción y magnetismo. Luego, el tema “Nothing for everyone” aparecerá con una solemnidad melódica casi ceremonial que derivará hacia terrenos experimentales en su definición instrumental. Con la aparición de un segundo plano melódico encargado de estabilizar su estructura musical, el giro conceptual nos conducirá hacia esta desestructuración controlada situada en el límite de su colapso sonoro hasta el final de la composición. Mantener esta tensión musical sin que todo se venga abajo es otra nueva muestra del espíritu creativo de vanguardia de Sorry For Laughing, teniendo a Gordon H. Whitlow como insustituible director de orquesta. “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” nos llevará directamente a este escenario tormentoso donde lo depresivo y el desasosiego son recreados melódicamente con este plano instrumental para violín. La entrada de la lírica interpretada con esos aires de tragedia asumida por su inexorable realidad, da al tema “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” ese plano artístico bajo donde luego brillar la belleza melódica del violín. Con reminiscencias irlandesas en parte de su definición sonora, “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” también incorpora pinceladas experimentales para evitar que pueda etiquetarse al tema como puramente folk. Su parte final… ¡¡¡una auténtica delicia!!! Posteriormente, “Friends forever” va a mostrarnos con una perspectiva artística donde lo gótico está presente de forma sutil en un principio, amalgamándose con este ambient de etérea esencia cuyas iridiscencias fascinarán a los melómanos que buscan armonía, mirada inocente, y limpieza mental en la definición artística de una composición, proyectando esa belleza ya perdida en la acelerada vida posmoderna actual de insensible piel de elefante. ¡¡¡“Friends forever”, aterciopelado tema!!!

Retornando a lo ceremonial con el tema “Struck blind”, se mantendrán las iridiscencias del tema anterior pero sin su inocencia tan característica, abriendo su estructura musical con una evolución más madura, más pesada, más asentada en lo terrenal y con un trasfondo de resignación, conservando “Twist ending – Shelf isolation” esa base ceremonial pero mucho más tímida. Situada como trasfondo, la quietud de esta composición y su minimalismo serán decorados con maestría con fugaces pinceladas sonoras experimentales, adquiriendo esa solemnidad de apagado espíritu como una asimilada espera. Fluyendo lo melódico como una suave niebla que va cubriendo todo el entorno, “Twist ending – Shelf isolation” termina desembocando en lo decadente a pesar de su vibrante cambio melódico, desarrollándose como si fuera el canto del cisne. Entrando la lírica con intensidad para reactivar toda la estructura, su siniestro halo irá desvelándose con progresiva claridad para encantarnos por su magnífica interpretación lírica e instrumental. ¡¡¡“Twist ending – Shelf isolation”, virtuosismo experimental!!! El tema “Heart of the matter – The three roses” saldrá completamente de esa dinámica musical para llevarnos a un escenario más urbano, acercándose al jazz en su definición instrumental que acompañará a esta lírica declamada, entrando planos sonoros ambient para cambiar absolutamente su estructura. Una transición conceptual rápida, armoniosa, fluida, que también se repetirá cuando pasemos a este estilo propio de las bandas sonoras puntualmente decorado con matices instrumentales metálicos, para luego entrar en un free style. “Heart of the matter – The three roses” es la transformación, la revolución conceptual consolidada con inmediatez sin que suponga en ningún momento un quiebre en su perspectiva musical. Desembocando con suavidad en “Waterlow ode”, esa visión alegre e inquietante del carrusel retornará pero mucho más siniestra que en el tema “A howl in the park”, y es que “Waterlow ode” es tenebroso hasta en sus planos melódicos, volviéndose un tanto diabólico y psicótico en su final. Con el tema “The second value moment” clausurando esta selección musical, el estilo ambient va a abrir los espacios pero dentro de una amplia bruma que desdibuja las formas y tamiza la luz, yendo poco a poco hacia un tenebroso estilo dark ambient casi sepulcral que se encaminará sonoramente a lo fantasmagórico. Con la entrada de la lírica, en su atmósfera musical se fusionará el dark ambient con cromatismos sonoros experimentales, manteniendo la atmósfera gótica con estos aires decimonónicos de ultratumba que, con la entrada del violín, presentará su máxima expresión artística. “Selected Works (2020-2025)”, el amplio y fascinante abanico conceptual desarrollado con sumo talento artístico por Sorry For Laughing a lo largo de todos estos años. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ENS IMPERFECTISSIMUM & VRNA “NECROGNOSIS AND SECRET RITUALS ON THE EDGE OF THE ABYSS” (NOCTIVAGANT, marzo 2025) (Reseña / Review #2271).

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Reseña Cultural nº: 2271 // Reseña Musical nº: 1458

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense Noctivagant por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Ens Imperfectissimum “Ceremonies in the Cemetery under the Blood Moon” // 2- VRNA “Incubazione Rituale al Cimitero Delle Fontanelle”
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena ritual ambient y dark ambient

A finales del pasado mes de marzo fue presentado oficialmente el álbum split “Necrognosis and Secret Rituals on the Edge of the Abyss” firmado artísticamente por Humberto Landa (Ens Imperfectissimum) y Gianluca Martucci (VRNA). Una auténtica joya musical dentro del estilo ritual ambient con trasfondo esotérico. Publicado por el prestigioso sello discográfico estadounidense Noctivagant en formato digital y en una edición limitada de 100 unidades en ecopak CD, el álbum “Necrognosis and Secret Rituals on the Edge of the Abyss” se encuentra disponible a través de la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con este siniestro diseño creado por Sang (Vhan Artworks), su imagen mortuoria es muy directa respecto a la fuente inspiradora principal que fundamenta los dos temas musicales que vertebran este álbum split, destacando su estética barroca en clave escatológica a nivel visual con decoraciones cargadas de simbolismo ceremonial. En su obra “Ceremonies in the Cemetery under the Blood Moon”, Ens Imperfectissimum ha perfilado un estilo ritual ambient con un fundamento ocultista muy sólido, no dudando en hacer uso de psicofonías en la composición obtenidas en grabaciones realizadas en un cementerio. Habiendo contado con la colaboración artística de Venus Oculta aka Josy Durán (Ecuador), este grandioso fruto musical lleva a Humberto Landa hasta la primera línea de vanguardia dentro de la escena ritual ambient actual, como así podrán comprobarlo los melómanos lectores de Lux Atenea. Como alma mater de VRNA, el artista italiano Gianluca Martucci nos presenta en su obra “Incubazione Rituale al Cimitero Delle Fontanelle”, una atmósfera ceremonial y mortuoria muy avanzada dentro del estilo ritual ambient englobado en un eclecticismo creativo muy marcado en esta composición, y en cuya evolución musical se hacen presentes otros estilos como el minimal, dark ambient, e incluso, el industrial, emanando una atmósfera sonora de fuerte magnetismo para el melómano durante su audición. Con algunos planos musicales grabados en el cementerio napolitano delle Fontanelle, su atracción y su definición artística es irresistible. Como analista musical, recomiendo la adquisición del álbum “Necrognosis and Secret Rituals on the Edge of the Abyss” en su edición en ecopak CD porque, aparte de su excelsa calidad musical, su diseño es espectacular. Una auténtica joya discográfica.

Sin más demora, iniciamos la audición de la primera parte musical de este álbum split con la obra de Ens Imperfectissimum “Ceremonies in the Cemetery under the Blood Moon” de treinta minutos de duración. Una superestructura basada en grabaciones de campo superpuestas con pasajes musicales, pinceladas instrumentales, y manipulaciones sonoras en su reproducción. El comienzo del tema “Ceremonies in the Cemetery under the Blood Moon” nos descubre otra definición conceptual del estilo dark ambient hasta crear una atmósfera ocultista impresionante, y sin la necesidad de sobresaltar con la entrada de planos musicales extremos por su obscuridad y por su alto nivel de registro sonoro. La grandeza artística de Ens Imperfectissimum está firmemente consolidada en la configuración de escenarios tenebrosos pulidos finamente, hasta sumergirnos en ese otro lado de la realidad. Como los grandes genios cinematográficos dentro del terror, Ens Imperfectissimum no necesita impactar de forma repentina con escenarios tensos y muy violentos porque su trasfondo artístico está basado con solidez en el esoterismo con fundamento, en ese camino de Conocimiento donde lo obscuro es sinónimo de lo misterioso y de lo velado. Incluso la presencia lírica de Venus Oculta en su registro vocal alterado, amplifica la atmósfera siniestra de esta magna composición en su evolución conceptual del dark ambient al ritual ambient. A partir de esta fase musical, los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta corriente conceptual disfrutarán escuchando con atención cada uno de los matices sonoros que se van a ir presentando. Ens Imperfectissimum llega incluso a recrear con absoluta nitidez esa pérdida del sentido del paso del tiempo que en estos ceremoniales se produce, porque, en esas otras dimensiones, nuestra visión del tiempo y de su impacto en este plano físico dejan de tener sentido. Otra dimensión que será posteriormente perfilada a nivel musical por el genial artista Humberto Landa con una maestría y un nivel de detalle en su estructura que marca la diferencia, hasta llevar al excelso tema “Ceremonies in the Cemetery under the Blood Moon” a su definición conceptual más innovadora. Inmersos en este caleidoscopio místico y esotérico donde el Arte Regio es fundamental, en manos de Ens Imperfectissimum, el ritual ambient alcanza uno de los niveles más extraordinarios en su trasfondo demoníaco y trascendental porque sabe cómo centrar la atención del melómano en el eje principal de la composición, mientras es envuelto con una sucesión de matices musicales impresionantes, de gran realismo, y usando psicofonías en esta composición como pinceladas sonoras. “Ceremonies in the Cemetery under the Blood Moon” es un siniestro diamante dentro de la escena ritual ambient, y que Humberto Landa ha sabido pulir con paciencia y concentrando todos sus sentidos en la obra como un auténtico maestro de orfebrería con amplios conocimientos y experiencia en su labor. Si tienen alguna duda, no tienen más que escuchar “Ceremonies in the Cemetery under the Blood Moon” para comprobar esta grandeza artística incomparable dentro de la escena actual.

La segunda parte de este álbum split está protagonizado por VRNA y su obra “Incubazione Rituale al Cimitero Delle Fontanelle”, también de treinta minutos de duración. Con lo mortuorio como base sobre la cual construir toda la estructura musical, este tema va a ir mutando de un desangelado minimalismo inicial con la lírica situada como fondo en su susurrar, hasta llegar a una apertura sonora dentro de lo obscuro establecido como ritual trascendente, como una bajada al inframundo, y como una inmersión en el inconsciente más profundo donde solamente los símbolos configuran el mensaje metafórico de comprensión de la realidad. Ahondando en un estilo dark ambient absolutamente frío por la ausencia de emociones que alteren el camino místico, como antesala del posterior ritual ambient en su definición ceremonial es espectacular. A partir de aquí, el tema “Incubazione Rituale al Cimitero Delle Fontanelle” proyectará una atmósfera solemne que conducirá inexorablemente al melómano lector de Lux Atenea a lo hierático. Los cantos, los ecos, la inmersión auditiva en esta cúpula sagrada, la campana cuyo sonido rompe la realidad dimensional, todo en esta composición es armoniosamente perfecto dentro de una clara línea esotérica en su trasfondo. Podemos sentir cómo el artista italiano Gianluca Martucci se encontró en un estado de máxima inspiración durante la creación de esta composición, y, cuando lo demoníaco haga su aparición de forma contundente, todas las ideas preconcebidas que tengan sobre el estilo dark ambient quedarán sobradamente superadas con esta siniestra ambientación donde lo salvaje aflora con descarnada brutalidad. Reencauzándose de nuevo en lo ceremonial, “Incubazione Rituale al Cimitero Delle Fontanelle” nos conducirá a otros espacios mucho más abiertos donde el ritual ambient deriva hacia un estilo dark ambient con reminiscencias industriales de vanguardia. Una inteligente fusión conceptual que, en manos de VRNA, termina situada en su encrucijada sonora con el ritual ambient sin perder su armonía y su equilibrio estructural. Una definición artística difícil de establecer y de evolucionar, pero donde el ingenio musical de Gianluca Martucci aflora con brillantez para fascinarnos, para sorprendernos, para atraernos inexorablemente a su siniestro universo sonoro. “Necrognosis and Secret Rituals on the Edge of the Abyss”, Ens Imperfectissimum y VRNA mostrando todo su talento musical en la composición de estos dos excelsos temas, y dando un serio trasfondo esotérico a esta obra maestra dentro del estilo ritual ambient. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
OCCULT ODYSSEY & THE BLACK MONOLITH “RITUALS FOR THE ANCIENT MONOLITH” (NOCTIVAGANT, marzo 2025) (leer reseña)
MARIS ANGUIS “LAMIA” (NOCTIVAGANT, marzo 2025) (leer reseña)
DODENSKALD “BLACK SHIFT – EP” (NOCTIVAGANT, septiembre 2024) (leer reseña)
HIEMIS “NEPHILIM” (NOCTIVAGANT, septiembre 2024) (leer reseña)
FABIO KEINER “SHIVA TRIMURTI” (NOCTIVAGANT, diciembre 2023) (leer reseña)
ELECTRONICDEATHBLACKDOGS “ASTROTHEURGY” (NOCTIVAGANT, marzo 2024) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MELOPHOBIA + OCCUPIED HEAD “PANTA RHEI, SOME ANACHRONISMS” (APHELION EDITIONS, abril 2025) (Reseña / Review #2270).

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Reseña Cultural nº: 2270 // Reseña Musical nº: 1457

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista alemán Dieter Mauson por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Chronotaxis // 2- Ephemeros Kairos // 3- Eikonic Antilogos // 4- Topochronia // 5- Iconoclastikos Mythos // 6- Metachronon / Diachronic // 7- Chronomorph // 8- Polychrome Fantasia
Datos técnicos: Temas musicales grabados, mezclados, y masterizados por Melophobia en la ciudad de Tesalónica (Grecia), y por Occupied Head en la ciudad alemana de Hamburgo durante los meses de verano y otoño del año 2024
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Ephemeros Kairos // 6- Metachronon / Diachronic // 7- Chronomorph // 8- Polychrome Fantasia

Con el tiempo como fuente de inspiración principal que fundamenta este impresionante álbum, Melophobia y Occupied Head han perfilado cada uno de los ocho temas que lo vertebran con un despliegue de talento en la composición absolutamente brillante e innovador. En el álbum “Panta Rhei, Some Anachronisms”, “Todo Fluye, Algunos Anacronismos”, los melómanos podrán disfrutar de un inteligente eclecticismo conceptual con matices sonoros experimentales, ambient, minimal, high-tech ambient, industriales… que dan forma a este mosaico musical de vanguardia. Presentado oficialmente a finales del pasado mes de abril a través del prestigioso sello discográfico británico Aphelion Editions, el álbum “Panta Rhei, Some Anachronisms” ha sido publicado en formato digital, en una edición limitada de 25 unidades numeradas en CD, y en una edición limitada de 25 unidades numeradas en cassette, estando disponibles a través de la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con este atrayente diseño creado por Liam McConaghy con portada a cargo de Dimitris Tsironis (Melophobia) y contraportada de Dieter Mauson (Occupied Head), a nivel visual tiene esa estética retro que caracterizaba a la escena electrónica de vanguardia de la década de los setenta, perfilando el reflejo de lo universal y del futuro en sus formas y en sus combinaciones cromáticas como si fluyeran en un movimiento constante de cambio. Desde hace dos décadas, el artista griego Dimitris Tsironis, alma mater de Melophobia, viene explorando nuevas fronteras dentro de la escena electrónica experimental y, desde el año 2011, el artista alemán Dieter Mauson, alma mater de Occupied Head, está profundizando e incorporando perspectivas de vanguardia dentro de la escena electrónica underground más innovadora, como así lo están comprobando y disfrutando los melómanos lectores de Lux Atenea con la serie de reseñas que estoy publicando sobre sus obras musicales en diferentes proyectos. Excepcional en su definición sonora, extraordinario tras su proceso técnico de masterización, el álbum “Panta Rhei, Some Anachronisms” les impresionará por las diferentes perspectivas creativas que definen a cada uno de estos temas, convirtiendo su audición en una apertura a este universo musical de vanguardia de primer nivel. Y este talento en la composición, y este espíritu pionero en su exploración conceptual, se siente en cada una de estas composiciones.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum sumergiéndonos en la sorprendente atmósfera del primer tema “Chronotaxis”, estableciéndose un contraste absoluto entre lo lírico y este fondo sonoro drone en clave dark ambient que será posteriormente decorado con un melódico plano iridiscente, provocando el alejamiento de toda la estructura musical. Con la fugaz entrada de lo melódico en un segundo plano, la configuración sonora de “Chronotaxis” derivará hacia un entorno algo decadente y melancólico donde la mirada al pasado es omnipresente. Pinceladas musicales experimentales de carácter mecánico complementarán este entorno para trasladarnos a un escenario aún más insensible en su devenir, perdiendo parte de su estructura cuando se proyecten hasta un primer plano mucho más cercano, conservando ese regusto industrial en su desarrollo. Con la lírica convertida en un eco perdido en la profundidad, la disolución de esta composición comenzará hasta su final. Luego, el tema “Ephemeros Kairos” aparecerá más vibrante, con más luz, y con una cercanía sonora mucho más pronunciada, abriendo nuestra mente a un entorno futurista donde el estilo ambient es fusionado con talento con pinceladas musicales experimentales hasta derivar en un estilo high-tech ambient de vanguardia. De espacio mucho más abierto que el primer tema, “Ephemeros Kairos” deslumbra por su belleza al aproximarse constantemente a lo sublime, consolidando un tempo aparentemente lánguido que no llega nunca a caer en lo onírico. Una fantástica recreación de aquello que resplandece y que, a su vez, no dura mucho en el tiempo, quedando solo el recuerdo de su existencia. ¡¡¡“Ephemeros Kairos”, una auténtica delicia!!! Con el tema “Eikonic Antilogos” estimulando de nuevo al melómano lector de Lux Atenea con su nueva propuesta conceptual, aquí lo vanguardista queda fijado en este estilo ambient con reminiscencias electrónicas a la escena alemana de la década de los setenta, pero actualizada con un minimalismo estructural que le da esa fragilidad cristalina y esas vibraciones sonoras que te cautivan por su riqueza en frecuencias de gran belleza. Con lo lírico en un segundo plano, “Eikonic Antilogos” es mucho más lineal en su desarrollo con variaciones puntuales en su configuración melódica y, cuando la lírica pasa a un primer plano, la contemplación de lo desangelado dominará todo lo observable, aumentando su impacto sonoro minimalista hasta llevar a su estructura casi a la parálisis. Con un tempo tan prolongado en el tiempo en cada ciclo, “Eikonic Antilogos” pasará a reconfigurarse a nivel sonoro con pinceladas musicales sin perder su lánguida atmósfera.

El tema “Topochronia” se va a mover entre lo bucólico y lo experimental, oscilando entre el estilo ambient y la electrónica alemana de la década de los setenta, creando un fuerte contraste sonoro como el existente en una ciudad altamente tecnificada rodeada de un impactante esplendor natural en el entorno que lo rodea. Pero todo terminará obscureciéndose al final de la composición. Cuando “Iconoclastikos Mythos” surja con ímpetu conservando lo bucólico del tema anterior, la configuración musical cambiará totalmente para llevarnos a un entorno más dinámico y positivista donde la inercia es la transformación. “Iconoclastikos Mythos” podía ser la banda sonora de la determinación, de la voluntad para llegar a un objetivo, de las sinergías nacidas de la unión y guiadas hacia un punto señalado y nítido en su fijación. Con una estructura sonora experimental donde planos musicales noise e industriales son protagonistas, “Iconoclastikos Mythos” presenta una de las estructuras conceptuales más arriesgadas de Melophobia y Occupied Head en este álbum. ¡¡¡“Iconoclastikos Mythos”, puro talento!!! Luego, el tema “Metachronon / Diachronic” sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea con esta inmersión sonora más opresiva, más siniestra, donde el estilo dark ambient se vuelve más tenso al incorporar planos sonoros afilados propios de la electrónica experimental. Una bajada a las catacumbas donde se termina perdiendo el sentido del paso del tiempo y del espacio, salvo en el escaso entorno que vislumbramos. De noche, en la oscuridad, la audición del tema “Metachronon / Diachronic” alcanza su máxima definición sonora, ya sea por el silencio dominante en el exterior o por la influencia de Selene que predispone a nuestra mente a sentir esa otra realidad existente en lo obscuro, en lo oculto. “Metachronon / Diachronic” es irresistiblemente siniestro y, por mis gustos artísticos como analista cultural, considero a este tema como la joya de la corona de este álbum, con diferencia. ¡¡¡“Metachronon / Diachronic”, excelso!!!

Cambiando completamente de escenario, el tema “Chronomorph” nos llevará a una estructura absolutamente experimental donde confluyen diferentes estilos en cada uno de sus planos musicales, creando estos estratos sonoros con un dinamismo y una riqueza en matices que les poseerá mentalmente como la visión de una civilización avanzada en frenética actividad. Una visión futurista de gran belleza, y con amplios espacios iluminados fugazmente mientras la sensación de vitalidad y de impulso hacia adelante es constante. “Chronomorph” invita a la evasión mental, estimulando la imaginación debido al magnetismo melódico de muchas de sus capas sonoras, y que dan a esta superestructura musical, esa belleza sublime que te absorbe y te lleva a otro estado de consciencia. Cuando parecía que, en “Metachronon / Diachronic”, habíamos llegado a la cima musical de este álbum, el tema “Chronomorph” lleva al melómano lector de Lux Atenea a otro escenario distinto, a otra cima donde la perspectiva creativa es distinta e igualmente brillante. Con el tema “Polychrome Fantasia” extendiendo el telón de clausura de este álbum, aquí Melophobia y Occupied Head configuran una composición marcada conceptualmente por un estilo high-tech ambient de vanguardia. Una composición musical que te envuelve, que te embriaga con estas nebulosas melódicas tan evanescentes y fluidas, y por este entorno casi psicodélico por su luz y por su dinamismo donde todo cambia en sus cromatismos y en su densidad, creando formas y perfiles que no tardarán mucho en desaparecer para dar paso a otra magia sonora aún más atrayente. “Polychrome Fantasia” es una estimulante composición que les dejará con ganas de más, esperando con ansiedad que el próximo trabajo musical de Melophobia y Occupied Head no tarde mucho en aparecer, en vista al fascinante halo artístico aquí inmortalizado a nivel discográfico. “Panta Rhei, Some Anachronisms”, dos virtuosas y prolíficas mentes creativas de vanguardia mostrando sus nuevas fronteras conceptuales dentro de la escena experimental más ecléctica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
OCCUPIED HEAD “HOLOMETABOLOUS” (NOSTALGIE DE LA BOUE, enero 2024) (leer reseña)
OCCUPIED HEAD “STEADY” (WET DREAMS RECORDS, diciembre 2019) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “TEMPS LUMINEUX” (NOSTALGIE DE LA BOUE, marzo 2015) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “OSCILLOPSIA” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, septiembre 2014) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “TREAD” (HAZE NETLABEL, junio 2013) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “NARKOKLANG” (BATENIM NETLABEL, abril 2013) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “AT THAT TIME” (INFINITE EXPANSE, mayo 2025) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “Krummhörn” (INDUSTRIAL COMPLEXX, marzo 2023) (leer reseña)
NOSTALGIE ETERNELLE “SANS FIN” (HAFENSCHLAMM REKORDS, 2012) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “TWEE KEERLKES KWAMM VAN LEER / OOSTFREESLAND (1988-1991)” (INFRASTITION, 2012) (leer reseña)
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NOSTALGIE ÉTERNELLE “NOTRE DÉBUT (RE-ISSUE)” (FINAL MUZIK, 2011) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

DEISON / CRANIOCLAST “COLD STAR: A NOISE INC.” (SILENTES / 13, febrero 2025) (Reseña / Review #2269).

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Reseña Cultural nº: 2269 // Reseña Musical nº: 1456

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista italiano Cristiano Deison por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: ACERBA ANIMI: 1- Sonic Declarations // 2- Disconnect Solaria
MIT BRENNENDER SORGE: 3- Acts candor elision // 4- Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug
RERUM NOVARUM: 5- Acid Necrosis Tonal // 6- Loss Draconic Tenia
– : 7- Nico Closed Sinatra
Datos técnicos: Temas musicales grabados entre el mes de febrero del año 2019 y abril de 2024 por Deison en 1st Floor Studio, y por Soltan Karik con la ayuda virtual de Sankt Klario
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Disconnect Solaria // 3- Acts candor elision // 4- Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug // 5- Acid Necrosis Tonal

A finales del pasado mes de febrero fue presentado oficialmente el álbum “Cold Star: A Noise Inc.” de Deison y Cranioclast. Publicado por el prestigioso sello discográfico italiano Silentes a través de su subsello 13 en formato digital y en una magnífica edición en ecopak CD de seis paneles, el álbum “Cold Star: A Noise Inc.” ha sido engalanado con este impactante trabajo artístico creado por Cristiano Deison, recordándonos su siniestra portada a las fotografías mortuorias decimonónicas que se pusieron de moda en aquella época cuando la fotografía empezó a expandirse en la sociedad occidental, y las familias trataban de inmortalizar a la persona fallecida como si estuviera durmiendo o como si aún estuviera viva, y que, en la actualidad, al contemplarlas provocan un fuerte impacto visual y mental por su halo siniestro. Absolutamente innovador a nivel conceptual, el álbum “Cold Star: A Noise Inc.” impresionará al melómano lector de Lux Atenea por su perspectiva musical de vanguardia desarrollada a lo largo de varios años, y donde el inevitable eclecticismo conceptual abarca desde el estilo dark ambient al experimental, incluyendo matices post-industriales, ambient, industriales, minimal… para llevar a estas composiciones a otra dimensión creativa única. Desde mediados de la década de los noventa, el talentoso artista italiano Cristiano Deison siempre ha estado unido a la vanguardia conceptual dentro de la escena electrónica experimental, y, el dúo musical alemán Cranioclast formado por los geniales artistas Sankt Klario y Soltan Karik, lleva desde mediados de la década de los ochenta revolucionando la escena electrónica underground con una mirada ecléctica que engloba los estilos industrial, experimental, ambient… pero fusionados hasta perfilar su propia marca artística en la composición. Una excepcional suma de talentos artísticos que ha dado como fruto musical, el excelso álbum “Cold Star: A Noise Inc.”. Una inmersión sonora que les cautivará por su capacidad para llevarles a otra dimensión musical, y donde la fascinación artística es constante en cada uno de los siete temas que vertebran este álbum, dividido en cuatro partes.

Iniciamos la audición de este extraordinario álbum adentrándonos en su primera parte “Acerba Animi” a través del tema “Sonic Declarations”, donde esta inteligente fusión conceptual de dark ambient y electrónica experimental provoca tensión sobre todo por este vibrante y afilado plano sonoro, cuyo protagonismo irá en aumento en la composición. Con un tenebroso drone de fondo, su presencia va alejándose y acercándose cada vez más al melómano transmitiendo peligro, esa señal sonora de aviso cuyas raíces mentales se hunden hasta el cerebro reptiliano humano, reaccionando como cuando una ruidosa avispa se aproxima para centrar totalmente nuestra atención en cuanto es detectada. Ese mismo impacto psicológico es el que experimentarán escuchando “Sonic Declarations”. Posteriormente, tras la calma, el tema “Disconnect Solaria” presentará una definición musical absolutamente experimental a nivel conceptual, y con una brillantez dimensional que fascinará al melómano lector de Lux Atenea que busca creatividad y magia en el arte musical de vanguardia. Cristalino, iridiscente, radiante en su manifestación artística, el tema “Disconnect Solaria” sería espectacular como banda sonora de una performance multidisciplinar instalada en el interior de un museo de Arte Moderno. Excelso en su concepción y en sus equilibrados registros sonoros, la sucesión de sutiles cambios no hace más que estimular nuestra mente con la aparición de matices artísticos en este 3D sensorial absolutamente irresistible. ¡¡¡“Disconnect Solaria”, grandiosa composición experimental!!! A continuación, abrirá sus puertas la segunda parte de este álbum titulada “Mit Brennender Sorge”, siendo el tema “Acts candor elision” el que proyecte la perspectiva inicial de este álbum, pero con un estilo dark ambient utilizado como pantalla sonora drone de fondo, ya que la mayor parte de su estructura musical es experimental. Una mirada creativa muy avanzada donde se percibe la influencia del estilo post-industrial en su definición, y en cómo aparecen, adquieren protagonismo, y desaparecen cada uno de estos planos sonoros mayormente obscuros. Derivando hacia un vibrante entorno, la experimentación va volviéndose más fría hasta desembocar en lo urbano, en el ruido sonoro cosmopolita. En el fondo, el tema “Mit Brennender Sorge” es una siniestra danza musical que eleva a Deison y a Cranioclast hasta la primera línea de vanguardia dentro de esta escena en la actualidad. ¡¡¡“Mit Brennender Sorge”, absolutamente innovador!!!

El tema “Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug” dará continuidad a la deriva sonora cosmopolita del tema anterior, disolviéndose musicalmente de forma progresiva en este estilo ambient tensionado por su proximidad con el dark ambient. Elevándose estas columnas chirriantes propias del industrial cercano al noise, la pérdida de luminosidad irá cubriendo de claroscuros este entorno hasta perfilar un escenario donde de los ecos y del movimiento emana vida. Futurista en su definición sonora, el tema “Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug” fascinará al melómano lector de Lux Atenea por su irresistible atracción obscura, como si abriera la ventana de un edificio en una megaurbe dentro de treinta años para contemplar su actividad humana, sus luces incandescentes, sus vehículos en movimiento… “Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug” es espectacular, y si desean conocer la escena musical de vanguardia latente en este año 2025, este tema es de obligada audición. ¡¡¡“Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug”, colosal composición!!! Luego, la tercera parte del álbum titulada “Rerum Novarum” surgirá en cuanto el tema “Acid Necrosis Tonal” aparezca con estos planos sonoros fluidos que quedarán como fondo con la aparición de cromatismos musicales tensos, cuyas frecuencias graves lo dominarán todo. Un ecléctico caleidoscopio conceptual donde lo experimental, el dark ambient, el industrial, y este vaporoso ambient, nos conducen a un estado de consciencia donde nuestros sentidos quedan amplificados a su máxima sensibilidad, detectando cada uno de los matices experimentales que hacen destacar al tema “Acid Necrosis Tonal” como uno de los más relevantes de este álbum a nivel artístico. Le sucede lo mismo que al tema “Disconnect Solaria” porque, como banda sonora de una performance multidisciplinar, sería absolutamente cautivador. Un claro ejemplo del talento artístico de Deison y Cranioclast a la hora de mostrar composiciones muy adelantadas a su tiempo a nivel conceptual, siendo lo ecléctico esencial en su definición musical innovadora. Con el tema “Loss Draconic Tenia” llevándonos a otra dimensión artística donde los espacios son mucho más abiertos, su obscuridad se volverá más tenebrosa hasta llegar a lo fantasmagórico como si procedieran de otra dimensión muy alejada a la nuestra. Una presencia que verá aumentada su aura siniestra con la entrada de planos sonoros orgánicos donde la electrónica experimental muestra su atracción artística más mefistofélica. Todo es casi diabólico, peligroso, pero no dejas de avanzar hacia su interior porque algo atrae de forma magnética a nuestro cerebro, como si el alma señalara el camino sin que podamos comprender por qué. Así de tentador es el tema “Loss Draconic Tenia” a nivel conceptual, y su audición les llevará a sentir una experiencia única. ¡¡¡“Loss Draconic Tenia”, tenebrosa delicatessen!!!

Con el tema “Nico Closed Sinatra” mostrándonos la última parte de este álbum, la clausura vendrá configurada con una estructura post-industrial desarticulada en su despliegue sonoro, pero proyectando una línea musical que sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea. De casi veintiocho minutos, “Nico Closed Sinatra” es el tema de mayor duración de este álbum, desarrollándose inicialmente en un escenario minimal con ecos sonoros propios de una oquedad. Pinceladas musicales post-industriales nos darán esos matices muy especiales donde esta composición se muestra como pura experimentación, evolucionando hacia un estilo dark ambient de poderoso impacto por su densidad y por su tenebrosa amplitud, dando posteriormente paso a estas oleadas sonoras donde lo inconmensurable se siente, se percibe con nitidez, expandiendo nuestra mente cuando derive hacia un minimalismo donde la sensación de vacuidad es muy contundente. Con la llegada de planos sonoros industriales teniendo al dark ambient como telón de fondo, la aparición de iridiscencias sonoras cristalinas darán esos destellos de vida que iluminan débilmente el escenario. Una espiral musical que te impulsa hacia adelante, seduciéndote con estos nuevos cromatismos con texturas propias del sonido de las campanas en una iglesia, con la aspereza del industrial, con la plasticidad de la electrónica experimental… Cuando “Nico Closed Sinatra” vuelva a reestructurarse, el retorno a estructuras propias del post-industrial y de la música contemporánea crearán este encanto obscuro como un escenario mortuorio solemne, que derivará finalmente hacia perfiles sonoros ambient y experimentales cosmopolitas donde es protagonista la declamación lírica de Michael (Kallabris) en su lectura de la obra “Sankt Traumartinszug / Saint Traumartin’s Procession” de Soltan Karik (Cranioclast). “Cold Star: A Noise Inc.”, grandiosa obra musical compuesta con sumo talento por Deison y Cranioclast, y de imprescindible adquisición para engrandecer la colección discográfica de todo melómano entregado en cuerpo y alma a la vanguardia artística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
DEISON “NIGHT SESSIONS” (SILENTES RECORDS, 2011) (leer reseña)
DEISON / MINGLE “WEAK LIFE” (AAGOO RECORDS, febrero 2015) (leer reseña)
DEISON / GALAN “CAYENDO” (LOUD!, abril 2013) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PHILEAS FOGG “ALLESMUSSSEINENDEFINDEN” (SCHÖNE PLATTEN RECORDS, abril 2025) (Reseña / Review #2268).

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Reseña Cultural nº: 2268 // Reseña Musical nº: 1455

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la banda musical alemana Phileas Fogg por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Salz // 2- Vorbei // 3- Augen // 4- Regen // 5- Hafen // 6- Kometengift // 7- Meinerfundenesland // 8- Belegt // 9- Küssen // 10- Häutung
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Salz // 5- Hafen //6- Kometengift // 7- Meinerfundenesland // 8- Belegt // 9- Küssen

A principios del pasado mes de abril, la banda musical alemana Phileas Fogg presentó oficialmente su nuevo álbum “Allesmussseinendefinden” (“Todo debe llegar a su fin”) a través de su propio sello Schöne Platten Records, estando disponible a través de la propia página oficial en Bandcamp de Phileas Fogg en formato digital, en una edición limitada de 200 unidades en vinilo LP 12”, y en una preciosa edición de 100 unidades en LP 12” en vinilo violeta transparente. Engalanado con esta obscura imagen de portada de trasfondo mortuorio, su plasticidad abstracta es perfecta para reflejar en esta imagen precisamente el dinamismo conceptual de Phileas Fogg en este álbum. Formado por Andreas Mäule (guitarra y voz), Fabian Baumgartner (guitarra), y Nicholas Karidis (bajo), el álbum “Allesmussseinendefinden” es una deslumbrante inmersión en la esencia de la escena post-punk y darkwave alemana cuya vitalidad artística no ha dejado de decaer desde principios de este siglo, cuando la escena alemana marcaba parámetros creativos de primer nivel en la década de los noventa, apoyada en una industrial musical underground que era valorada a nivel mundial por su diversidad y por su apuesta firme por el talento innovador. En 2025, la autoedición es casi obligatoria si un artista o banda musical no desea perder su alma creativa, y el álbum “Allesmussseinendefinden” ha aparecido para marcar nuevas fronteras en la composición a través de temas deslumbrantes por su radiante sangre sonora. Vertebrado por diez extraordinarios temas, presenta una perspectiva conceptual con raíces, con fundamentos sólidos asentados, y con una pasión interpretativa que se transmite claramente desde el primer tema. Como analista musical, hacia muchos años que no disfrutaba un álbum musical alemán actual compuesto con tanto talento, convirtiendo el análisis del álbum “Allesmussseinendefinden” en una experiencia personal muy especial por su obscuro encanto. Por supuesto, recomiendo la adquisición de cualquiera de sus dos magníficas ediciones en vinilo para poder sentir estos temas en su plenitud sonora, porque el vinilo es un formato único.

Iniciamos la audición de este extraordinario álbum sumergiéndonos en la insatisfacción existencial que proyecta el primer tema “Salz”, quedando perfilado a nivel musical con esta entrada para bajo donde su tempo se prolonga en esta composición como un latido vital, entrando la melódica guitarra y la tensión del registro vocal con esa reflexión y esa mirada cargada de intrascendencia. Deseoso de cortar radicalmente con ello, el final abrupto de la canción es perfecto. Como los melómanos lectores de Lux Atenea pueden comprobar, estamos ante la actualización innovadora del post-punk alemán que deslumbró en la década de los noventa, pero llevado a otra dimensión conceptual mucho más avanzada, y que va a brillar con intensidad artística en cada uno de estos temas para convertir su audición en una experiencia musical potente y profunda. Tras el magnífico tema “Salz”, “Vorbei” tendrá ese halo romántico decimonónico del epílogo, del final, de la vela apagándose, encontrando el título de este álbum en su lírica. “Vorbei” es expansivo, es el estallido de luz antes de la Nada, destacando la guitarra en su estructura instrumental acompañada sútilmente con pinceladas electrónicas que ofrecen un aire sonoro más creativo. Desembocando rápidamente en el tema “Augen”, lo pasional se respira desde el primer segundo, siendo todo emociones, sensaciones, deseos, pasión, y leña y fuego para arder en la hoguera en medio de la noche. Sus planos melódicos son clave en la magnífica estructura musical de esta canción, y tan concentrada con un intenso perfume destinado a embriagar desde la primera toma de contacto sensorial, emanando esa búsqueda de complicidad y de ceremonial donde fundirse en el calor más intenso. Y todo con una sola mirada como desencadenante. Lo contrario aparecerá en el tema “Regen” donde todo son sueños, fantasías existenciales, pensamientos en una realidad no asumida por la crisis existencial que conlleva, quedando fielmente recreado a nivel musical con estos planos sonoros electrónicos y estas bases rítmicas de los cuales emana ese alejamiento absoluto del doloroso presente. “Regen” rompe con la dinámica conceptual post-punk para seducirnos con este estilo darkwave del siglo XXI, luminoso en su radiante sonoridad y dinámico en su evolución artística. Con el tema “Hafen” fijándonos mentalmente en lo estático como parada vital, aquí la mirada y la mente quedan concentradas para el desvelo al alejarse de la loca carrera cotidiana de la vida. En este sentido, el tema “Hafen” te fascina al haber sabido reflejar esa atmósfera de quietud y de calma tan necesarias para poder alcanzar esos momentos trascendentes. Con su plano vocal interpretado de forma extraordinaria, toda la estructura instrumental de esta canción es excelsa, fluyendo con una belleza sonora que les seducirá desde lo más profundo de su alma. ¡¡¡“Hafen”, joya musical!!!

El tema “Kometengift” será el reflejo musical de esta Alemania actual completamente desnortada en su presente y en su futuro, e incluiría en esa realidad a más de un país europeo viendo como sus fundamentos como Estado van disolviéndose como una pastilla efervescente en un vaso de agua, mientras la ciudadanía sigue entretenida gastando el dinero comprando y viendo contenidos audiovisuales de todo tipo. La entrada musical electrónica del tema “Kometengift” es perfecta como alarma en un presente que huele a decadencia y a colapso futuro, siendo la lírica interpretada con esta voz sintetizada como la mejor forma de mandar ese mensaje frío y calculador de quienes están interesados en la sombra en provocar este hundimiento. Con un impactante estilo electrodark fundamentando su perspectiva conceptual, “Kometengift” encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena. Luego, la inmersión en el Idealismo aparecerá en el tema “Meinerfundenesland”, convirtiendo las emociones y los sentimientos en esa llama vital imposible de apagar en el interior hasta el día de la muerte, deseando que el cuerpo quede enterrado en esa tierra tan amada. “Meinerfundenesland” es la canción más pasional de este álbum, y su encanto artístico tiene ese trasfondo que lleva al melómano a conectar con su mensaje con esas emociones conectadas con su inconsciente. La melancólica obscuridad latirá en el tema “Belegt”, y con este melódico plano instrumental para sintetizador que fue una de las marcas sonoras clásicas en la década de los ochenta dentro de la escena gótica, siendo el resto de la estructura musical propia de esta época hasta quedar remarcada esta canción de manera muy especial en este álbum. “Küssen” es la luna, la noche, las nubes, y esos besos sentidos como esencia de vida y viendo ya los ojos de la Dama Muerte sobre nosotros. Esencia de vida, línea melódica instrumental para bajo, y la noche recreada con maestría con estas evanescentes melodías electrónicas, quedando la guitarra como fuego vital aún activo en el presente. El tema “Küssen” es una auténtica delicia, repitiendo su audición varias veces antes de llegar a la clausura con “Häutung”, el tema más potente y contundente para poner el punto y final a este apasionante viaje artístico. “Allesmussseinendefinden”, desde la ciudad de Stuttgart, grandioso álbum musical compuesto por Phileas Fogg para revitalizar la escena alemana a nivel conceptual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SATARAY “EDAX SOLIS” (AUTOEDITADO, abril 2025) (Reseña / Review #2267).

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Reseña Cultural nº: 2267 // Reseña Musical nº: 1454

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la genial artista estadounidense Katrina Ellison (Sataray) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Solar Inviction // 2- Transmissions // 3- Black River Part 1 // 4- The Poisonous Vine // 5- Black River Part 2 // 6- Chrysalis
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Sataray; álbum masterizado por Casey Jones
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena dark ambient y ritual ambient

A finales del pasado mes de abril fue presentado el nuevo álbum “Edax Solis” de la genial artista estadounidense Katrina Ellison, alma mater de Sataray. Publicado en formato digital, el álbum “Edax Solis” se encuentra disponible a través de la página oficial de Sataray en Bandcamp, habiendo sido engalanado por la propia artista con esta siniestra portada. A nivel visual, el título del álbum (“Edax Solis”, “devorador del Sol”) ha quedado fielmente representado con esta tenebrosa y poderosa presencia casi oculta en la obscuridad, y con el Sol débilmente iluminado en la parte superior. Conceptualmente, la artista estadounidense Katrina Ellison vuelve a mostrarnos otra nueva inmersión en la vanguardia dentro de la escena dark ambient y ritual ambient, vertebrando este nuevo álbum con seis impresionantes temas donde el talento en la composición deslumbrará al melómano lector de Lux Atenea deseoso de sentir innovación y virtuosismo musical. Seis temas de fuerte impacto sonoro por su definición artística tan obscura, realzando siniestros planos sonoros que marcan la diferencia, ya que presentan perspectivas conceptuales pioneras en estructuras musicales virtuosamente construidas. Tras haber pasado por el proceso técnico de masterización sonora realizado por Casey Jones, la audición del álbum “Edax Solis” les hará disfrutar de una nueva mirada creativa dentro del estilo dark ambient y ritual ambient que atrae irresistiblemente por su belleza y por su trasfondo siniestro, llevando de nuevo a Sataray hasta la vanguardia musical más relevante. Con la presentación del álbum “Edax Solis”, la genial artista estadounidense Katrina Ellison sigue dando continuidad a su evolución conceptual con un despliegue de talento que les impresionará por su maestría alcanzada a lo largo de todos estos años, desde la aparición de su mítico álbum de debut “Nocturnum” (2018), ya reseñado en Lux Atenea.

Iniciamos la audición de esta magna obra musical adentrándonos en el tema “Solar Inviction” con su solemnidad trágica, y la presencia tenebrosa de esta entidad de amenazante espectro por su trasfondo demoníaco. La aparición de este plano melódico sacro que retumba en el entorno como la omnipresencia de un ser ultraterreno en sus dominios, nos llevará del dark ambient al ritual ambient con una aparición de lo mágico que sobrecoge por su realismo y por este impulso de dominio donde el tiempo no existe, siendo factor de tragedia. Con una fantasmagórica coral proyectando estos aires de lamento en su crudeza espiritual más profunda, “Solar Inviction” llegará a su final con la misma atracción artística del final de un acto en una ópera dramática. Una primera toma de contacto con el álbum “Edax Solis” que provocará que los melómanos lectores de Lux Atenea ya sepan que están ante una grandiosa obra donde la experiencia musical va a ser inolvidable. El tema “Transmissions” surgirá con un siniestro velo sonoro cuyas vibraciones retumban en tan obscuro escenario, y que se volverá espeluznante tras la aparición de este plano vocal procedente de otro mundo. Una entrada espectacular que aumentará su perspectiva creativa innovadora con la entrada de un plano melódico, configurando esta invocación en lenguaje musical donde el ritual ambient es perfecto a nivel conceptual para recrear su trasfondo esotérico. Sobrenatural hasta en su modulación vocal, el tema “Transmissions” evolucionará hacia esa luz mística propia de Oriente Medio cuyo poder adquiere una relevancia espiritual imposible de entender sin el Conocimiento. Una cara obscura del Misticismo que, en esta impresionante composición, se manifiesta en clave sonora con una belleza y una perspectiva innovadora dentro de la escena ritual ambient que les fascinará, repitiendo su audición varias veces más por el embrujo artístico que es capaz de crear. ¡¡¡“Transmissions”, excelso tema!!! Conduciéndonos hasta “Black River Part 1”, la manifestación de lo tenebroso se hará más contundente y dramática hasta convertir su omnipresente vibración en anticipo sonoro de lo trágico. Planos sonoros que se elevan como estandartes de poder que avisan del entorno agreste y peligroso en el cual nos adentramos, y siniestras oleadas sonoras unidas al plano vocal ceremonial creando un conjunto musical espectacular. Con un final del tema que es pura vanguardia conceptual, la esencia pionera en la composición que Sataray nos muestra aquí, convierte a “Black River Part 1” en una siniestra delicatessen para los melómanos más oscuros.

El tema “The Poisonous Vine” aparecerá mucho más solemne y calmado en su inicio que, como una lenta bruma, expandirá lo mágico y ritual a través de la invocación, apareciendo esos poderes ultraterrenos en respuesta a la llamada, a la conexión más allá del tiempo, a esa realidad perfectamente comprendida por el alma y absolutamente velada al pensamiento racional. “The Poisonous Vine” posee esa atmósfera mágica de lo arcano, del Conocimiento legado por entidades en el pasado remoto que el ser humano no ha llegado del todo a comprender en su más amplia influencia y en el trasfondo de sus consecuencias, hasta que ya es demasiado tarde. Una ambientación tenebrosa que tiene esa aura cercana a la eternidad, rompiendo esquemas mentales en lo humano. Posteriormente, en el tema “Black River Part 2” recorreremos otro páramo emocional donde los sentidos son engañados, confundidos, manipulados, por las entidades superiores que crearon ese mundo. Sublime en su magnificencia sonora, y terriblemente siniestro en su configuración musical, el tema “Black River Part 2” sobrecoge por esa frialdad emocional que proyecta, no encontrando calidez alguna en este escenario porque lo humano es un ser extraño en un entorno hostil a su presencia, salvo para su alma. Con la entrada de cromatismos sonoros experimentales en la estructura musical, “Black River Part 2” es una nueva demostración del virtuoso talento en la composición mostrado por la genial artista estadounidense Katrina Ellison, llevando al álbum “Edax Solis” hasta la primera línea de vanguardia dentro de la escena dark ambient y ritual ambient por méritos propios. Una contundente consolidación de su maestría artística y de su pasión por la obra musical a través de la búsqueda de nuevas expresiones sonoras que detallen el mensaje en la composición, invitando a repetir su audición para poder desvelar su esencia musical plena. Clausurando este álbum abriendo los espacios y subiendo la intensidad de luz, el tema “Chrysalis” rompe todos los límites para dar paso a una renovación, a una evolución, a una transformación total, emanando de esta perspectiva esotérica ese poder que provoca la renovación que conduce a un plano de consciencia más elevado. Y cuando se asienta con firmeza, el pasado es visto como algo obsoleto, primitivo, que encadenaba, y lleno de prejuicios y errores existenciales que hacían más densa y pesada al alma. Un ritual ceremonial de liberación que quiebra lo obsoleto para dar paso a lo superior. “Edax Solis”, Sataray consolidando su proyecto musical con esta obra maestra de vanguardia dentro de la escena dark ambient y ritual ambient más actual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

GALLERY SIX “KISETSU – SEASON” (LE MONT ANALOGUE / FONODROOM, marzo 2025) (Reseña / Review #2266).

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Reseña Cultural nº: 2266 // Reseña Musical nº: 1453

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la prestigiosa distribuidora neerlandesa Fonodroom por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Sousyun // 2- Rissyun // 3- Geshi // 4- Banka // 5- Rissyuu // 6- Zansyuu // 7- Touji // 8- Daikan
Datos técnicos: Álbum producido por el artista japonés Hidekazu Imashige
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandioso Álbum Musical dentro de la escena ambient donde el drone es protagonista sonoro

Desde la ciudad japonesa de Hiroshima, el talentoso artista Hidekazu Imashige, alma mater de Gallery Six, perfila en su nuevo álbum “Kisetsu – Season” una fascinante inmersión musical dentro de la escena ambient perfilada con planos sonoros de armonioso equilibrio. Presentado oficialmente a finales del pasado mes de marzo, el álbum “Kisetsu – Season” ha sido publicado por la prestigiosa distribuidora neerlandesa Fonodroom en formato digital, y a través de su subsello Le Mont Analogue dedicado a la publicación de obras musicales en formato cassette, con una edición limitada de 35 unidades en cassette numeradas a mano con estuche de plástico, y en una preciosa edición limitada numerada a mano de 35 unidades en cassette con caja artesanal de cartón e impresiones en papel kraft vergé. Engalanado con esta elegante portada con la obra “Postmen of the Wilderness” (1921) del pintor canadiense Arthur Heming (1870-1940), mantiene ese equilibrio estético entre lo oriental y lo occidental como tarjeta de presentación visual. Vertebrado por ocho temas musicales que encantarán a los melómanos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma la disfrute de las obras más exquisitas de la escena ambient, el álbum “Kisetsu – Season” rompe la noción temporal de las estaciones a lo largo del año que tenemos los occidentales, para llevarlo a un proceso de cambios más inmediatos y acorde a la perspectiva japonesa. Cada día, un nuevo cambio, porque en la naturaleza no hay nada estático, inmutable, o que necesite periodos de tiempo largos para que se produzcan esos cambios a veces radicales. Todo es un proceso continuo, y donde los matices van marcando el presente y el futuro cambio aún no aparecido pero que, inexorablemente, llegará. Esta perspectiva llevada a la creación musical, ha llevado al genial artista japonés Hidekazu Imashige a componer estas estructuras sonoras haciendo uso de grabaciones de campo, de cromatismos musicales con sintetizadores, y de planos sonoros donde el drone crea bases y trasfondo donde establecer toda la estructura musical. Una mirada creativa dentro de la escena ambient que les causará un profundo impacto por su belleza, y por este sentido de la armonía como solamente los artistas japoneses son capaces de transmitir en sus obras.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta delicatessen musical en clave ambient sumergiéndonos en el tema “Sousyun”, y sentimos cómo todo a nuestro alrededor empieza a adquirir otro significado mientras suena esta composición. Como brumas en el amanecer, los sonidos de la naturaleza al despertar van configurando esta composición a nivel musical, incrementándose si el melómano lector de Lux Atenea cierra sus ojos y comprueba cómo las sensaciones se amplifican al igual que el descubrimiento de muchos de sus matices sonoros. El vibrante drone como trasfondo para estas grabaciones de campo, proyecta una armonía imposible de alcanzar en la urbe al establecer esa conexión con la naturaleza que hunde sus raíces en lo más remoto del pasado, incluso cuando el homo sapiens aún no existía. El tema “Rissyun” dará más luz al entorno mientras lo bucólico se consolida, adquiriendo el drone un dinamismo más intenso y una relevancia sonora más contundente, pero sin perder su grado justo de armonía en la composición. “Rissyun” es un despertar de aquello que estuvo latente pero en espera, abriendo poco a poco su actividad vital en un entorno cada vez más dominado por la calidez. El letargo quedó atrás, y con un espíritu renovado se abre al mundo que ya no es el que era antes, sino otro. Es muy curioso cómo “Rissyun” llega a conectar con la vitalidad del entorno rural mediterráneo por esta coral de cantos de pájaros y por esta calidez que transmite. Posteriormente, el tema “Geshi” nos conducirá a ese momento culmen solar del año, de ahí su intensa luz y su irradiación sonora que todo lo condiciona con su actividad. Un esplendor de la vida matizado en esta composición incluso con el sonido del agua, perfilando un tema musical cargado de vitalidad y de positividad en la mirada al mundo por su elevado plano existencial. Envueltos en la magnificencia de la diversidad del entorno y fascinados con la belleza natural, el tema “Geshi” fluye con una elegancia sonora que te incitará a varias audiciones. ¡¡¡“Geshi”, agua y luminosidad recreadas con maestría a nivel musical!!!

Con el tema “Banka” nos adentraremos en el estío, en la contundente exposición a lo cálido que estimula la vida en su máxima expresión, provocando ese desgaste físico y mental que también conllevará el deseo de descanso. Esa sensación es la que transmite esta composición con una profundidad que sorprende por su precisión emocional, quedando el drone como vibrante trasfondo en continuo mientras la aparición inconfundible de las cigarras nos lleva a identificar claramente esta temporada del año. Mucho más denso que el tema anterior, “Banka” irá preparando mentalmente al melómano lector de Lux Atenea para la nueva demostración de talento en la composición que caracteriza al tema “Rissyuu”, donde la luz va perdiendo intensidad, donde el entorno va iniciando su progresiva ralentización vital, y donde lo solar va perdiendo espacio temporal en su presencia diaria. El tema “Rissyuu” es mucho más sombrío e, incluso, el drone adquiere ese tacto sonoro propio del dark ambient aunque esté acompañado por esta coral de cantos de pájaros. Una composición que va dirigiendo al recogimiento, a la preparación mental de lo que ya va apareciendo en el horizonte y que llevará a la vida hasta su actividad más baja. Con una deriva muy directa hacia lo oscuro, hacia esa pérdida de la vitalidad, hacia ese pensamiento conservador cuando no se ve claro el futuro en cuanto a supervivencia, “Rissyuu” lo hace solemne en su manifestación sonora. El tema “Zansyuu” nos sorprenderá con esta repentina calidez sin perder la solemnidad anterior, volviendo todo a ese pasado donde la naturaleza permanecía en una quietud casi celestial. La energía aquí fluye un tanto pesada, lisérgica, embriagadora pero en su lado obscuro, expandiendo esa mezcla de vida y muerte inquietantemente presente en este entorno que se manifiesta como una ciénaga. “Zansyuu” llega incluso a proyectar ese ambiente que identificamos con la somnolencia, con lo onírico, y con ese estado de calma psicológica que debían tener los lotófagos en el mítico libro de Homero “Odisea”. ¡¡¡“Zansyuu”, lisérgico como el spleen decadentista!!!

En cambio, el tema “Touji” nos sacará de esa ensoñación pero conduciéndonos a un entorno emocionalmente más gélido, más inhóspito, más salvaje e imprevisible en su impacto psíquico, de ahí el impulso expansivo que nos rodea y atenaza. Ni siquiera la presencia del agua suaviza su mensaje oscuro, posesivo, dominante, evolucionando con esa enérgica acción de lo hegemónico deseoso de tenerlo todo. El tema “Touji” también proyecta la mirada del individuo en soledad moviéndose en el entorno con la fuerza de su voluntad, y con su mente deseosa de liberarse de esos condicionantes que lo limitan. Una sensación de libertad que, en “Touji”, adquiere una profundidad psicológica casi mística en su acción salvífica, creando una sensación en el melómano como pocas composiciones son capaces de irradiar de forma tan clara y armoniosa. En “Touji”, el artista japonés Hidekazu Imashige establece un equilibrio perfecto entre la sencillez estructural y la belleza sonora, hasta convertir la audición de este tema en una experiencia sensorial única. ¡¡¡“Touji”, obra maestra dentro de la escena ambient!!! Finalmente, el tema “Daikan” clausurará esta obra musical con una nueva demostración de sensibilidad en la composición a través de esta inmersión conceptual en la vanguardia con raíces artísticas muy sólidas. Música ambient superlativa por la belleza que emana de su estructura sonora, y que nos conduce a ese estado placentero de disfrute del arte musical como solamente la música ambient es capaz de provocarnos. “Daikan” es precioso en su definición sonora, es celestial en su iluminación, es esplendoroso en su equilibrada presencia de la vida, convirtiendo este epílogo musical en un momento muy especial en la audición de esta obra. “Kisetsu – Season”, el talentoso artista japonés Hidekazu Imashige transmitiendo innovación conceptual y pureza en el reflejo sonoro en este álbum espectacular dentro de la escena ambient. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
DEMETRIO CECCHITELLI “JUMP” (FONODROOM / DRONARIVM / LE MONT ANALOGUE, junio 2024) (leer reseña)
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CORRADO MARIA DE SANTIS “CITY OF TETHERS” (OWL TOTEM RECORDINGS / FONODROOM, noviembre 2024) (leer reseña)
FAUX TAPES “DIVE – EP” (FONODROOM / DRONARIVM, septiembre 2024) (leer reseña)
CHIHEI HATAKEYAMA “THOUSAND OCEANS” (FONODROOM / DRONARIVM, junio 2024) (leer reseña)
HOMERO “ODISEA” (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

BARBARA DANG & MUZZIX / MICHAEL PISARO-LIU “TOMBSTONES II” (CIRCUM-DISC, mayo 2025) (Reseña / Review #2265).

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Reseña Cultural nº: 2265 // Reseña Musical nº: 1452

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico francés Circum-Disc por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- It doesn’t matter // 2- Like I see // 3- The outside of everything // 4- Very Clear I // 5- Rattle // 6- Time may // 7- Long Time // 8- Very Clear II // 9- Kill that black cat dead // 10- The darkness is falling
Datos técnicos: Temas musicales compuestos por Michael Pisaro-Liu entre los años 2006 y 2010; grabados (octubre de 2024) y mezclados por Peter Orins; álbum masterizado por Michael Pisaro-Liu
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la Música Contemporánea y de la escena minimalista

Los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la apasionante escena de la Música Contemporánea están de enhorabuena ante la próxima presentación oficial del álbum “Tomstones II”, protagonizado artísticamente por Barbara Dang & Muzzix y Michael Pisaro-Liu. Publicado por el prestigioso sello discográfico francés Circum-Disc en formato digital y en una elegante edición en CD, estarán disponibles en su webstore y en su página oficial en Bandcamp a partir del próximo día 30 de mayo. Engalanado con la obra “Le Temps Suspendu” de la pintora francesa Joëlle Possémé, en su magnífica portada ha quedado perfectamente reflejado el trasfondo inspirador de este álbum musical englobado dentro de la Música Contemporánea más minimalista e innovadora. Un claro mensaje visual de la soledad íntimamente unida al individualismo en la sociedad moderna, y teniendo al minimalismo musical como recreación del inevitable nihilismo en su deriva existencial, de la ausencia, y del vacío dejado. Con una configuración artística de primer nivel formada por Barbara Dang (piano, teclados, y vocalista), Yoann Bellefont (bajo), Ivann Cruz (guitarra y vocalista), Raphaël Godeau (guitarra y voz), Peter Orins (percusión, teclados y voz), Maryline Pruvost (flauta, elementos sonoros y voz), y Christian Pruvost (trompeta y susurros), en “Tombstones II”, bajo la dirección de Barbara Dang se complementa el álbum musical “Tombstones” de Michael Pisaro-Liu, ahondando en el detalle artístico y en su perspectiva conceptual de vanguardia para rearmonizar cada uno de los temas. Aquí se proyecta un viaje sonoro intimista y reflexivo donde lo vital queda alejado de lo previsible, del mainstream artístico, y de cualquier atadura conceptual que limite la expresividad en estas composiciones. Vertebrado por diez temas que les sorprenderá por sus aires innovadores dentro de la Música Contemporánea, el álbum “Tombstones II” sumerge al melómano en otro universo sonoro donde la pasión interpretativa se siente en su máxima pureza artística, además de convertir su tempo en algo dinámico al servicio del mensaje, de la concentración mental en la obra, siendo algo dúctil, de gran plasticidad, y bello hasta en sus silencios. El álbum “Tombstones II” cambiará la perspectiva musical de muchos melómanos por su talentosa creatividad, abriendo la mente a perspectivas artísticas directamente unidas a lo psicológico, al pensamiento humano en su particular mirada a este mundo que no llega a desvelar del todo. Con una calidad sonora espectacular tras haber pasado por el proceso técnico de masterización realizado por el propio artista Michael Pisaro-Liu, el álbum “Tombstones II” destaca muy especialmente por su realismo musical y por su dimensión donde el minimalismo configura los espacios.

Iniciamos la audición de esta grandiosa obra adentrándonos en el tema “It doesn’t matter” con esta vibrante entrada tonal, apareciendo el plano vocal como pinceladas de cercana sonoridad en este amplio espacio minimalista únicamente definido por los ecos. Luces cromáticas en la oscuridad que surgen repentinamente para, como flashes de una realidad parcialmente mostrada, provocar en el melómano una inmersión mental en esa quietud más unida a la redención que a la paz espiritual. Una vibración energética baja que tendrá su continuidad en el tema “Like I see”, pero con una mezcla de pequeño desvelo y de deseo de apertura existencial. Con lo selénico presente en planos sonoros como trasfondo, “Like I see” crea expectativa, como abriendo tímidamente una ventana a esa realidad sentida como un tenebroso y engañoso peligro, mientras la oscuridad se niega a desaparecer porque sigue siendo el refugio. Una voluntad despertada para avanzar prudentemente que, en el tema “The outside of everything”, quedará definida musicalmente con una estructura instrumental más dinámica y continua, llevándonos a un estilo experimental dentro de la Música Contemporánea capaz de perfilar espacios y entornos de atrayente belleza, a pesar de su obscuridad. “The outside of everything” alejará al melómano lector de Lux Atenea del claro minimalismo aparecido en los dos primeros temas, incorporando el spoken word como guía en la composición. Con un final de la composición más propio del estilo post-industrial, su plasticidad musical llega a hacerse casi orgánica, conduciéndonos hasta el tema “Very Clear I” donde retornaremos al minimalismo amalgamado con lo melódico en clave decadente. Con el piano surgiendo en este caminar como antorchas en un largo pasillo, la estructura musical del tema “Very Clear I” es impresionante, por lo que fascinará a los melómanos identificados con lo gótico en sus gustos musicales. ¡¡¡“Very Clear I”, magna interpretación artística!!!

Lo solemne seguirá estando presente en el tema “Rattle” y, en esta fase del álbum, empezarán a tomar consciencia de la grandeza conceptual de esta obra, ampliando su sensibilidad emocional según el tema “Rattle” vaya avanzando hasta hacerse casi personal por su profundidad. Conceptualmente englobado dentro de la Música Contemporánea por sus rupturas estructurales tan características, pero sin perder la armonía y el sentido musical, su desarrollo se termina convirtiendo en un estimulante juego mental donde cada pieza del puzzle es mostrada de forma separada, para ser luego parcialmente encajadas ante nosotros en un breve movimiento. Estas intermitencias provocan que lleguemos al siguiente tema “Time may” con una consciencia del tiempo completamente alterada, proyectándose esta composición minimalista con esa esencia musical propia de la electrónica de vanguardia basada en sintetizadores analógicos o en el uso avanzado del drone, configurando sonoramente a “Time may” con iridiscentes matices que lo diferencian claramente de cualquiera de los temas anteriores. Casi mágico en su interpretación, “Time may” fascinará al melómano lector de Lux Atenea por su mirada innovadora dentro de esta escena. El tema “Long Time” nos llevará a un escenario musical inicial más propio del dark ambient, para luego evolucionar hacia eclécticos parámetros sonoros cuyas pinceladas conceptuales abarcan desde el ambient más bucólico a la Música Contemporánea más solemne en su esencia instrumental, incluyendo incluso pinceladas industriales y también propias de la electrónica experimental japonesa, hasta convertirse en el tema de mayor duración de este álbum. Desembocando en “Very Clear II” en clave minimalista, su proyección musical nos devolverá a ambientaciones tenebrosas en su prolongación conceptual donde el piano se hace presente de forma fugaz, y con una contundencia lapidaria a nivel sonoro. Con temas tan fúnebres como “Very Clear II”, se entiende por qué este álbum se titula “Tombstones II”, conduciéndonos hasta “Kill that black cat dead” donde el apartado instrumental crea una amplia base musical donde fluir tímidamente en su estructura. Con el registro vocal formando parte integrada de sus pilares sonoros, aquí la voz complementa al haber perdido su independencia dentro de la composición, al contrario que en los temas anteriores. Llevando lo sonoro al extremo en su epílogo musical, el tema “The darkness is falling” clausurará esta obra maestra con lo majestuoso, con los fugaces destellos que aparecen en lo insondable, y con esa decadente atmósfera del anochecer sentida y observada en soledad como un velatorio. “Tomstones II”, Música Contemporánea y Minimalismo llevados a la vanguardia conceptual más intimista, pasional, y profunda en su interpretación artística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
OLGA NEUWIRTH “BAHLAMMS FEST” (KAIROS PRODUCTION, 2003) (leer reseña)
CARLOS H. VEERHOFF “SYMPHONY nº6 -DESIDERATA- / ALPHA-ZETA / PATER NOSTER” (COL LEGNO / MITTELDEUTSCHER RUNDFUNK, 2002) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

NOSTALGIE ÉTERNELLE “AT THAT TIME” (INFINITE EXPANSE, mayo 2025) (Reseña / Review #2264).

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Reseña Cultural nº: 2264 // Reseña Musical nº: 1451

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al dúo musical alemán Nostalgie Éternelle, y muy especialmente a Dieter Mauson, por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: SIDE A: 1- At That Time // 2- The Evil Sickness // 3- Paranthopus Robustus // 4- Getting Closer // 5- Kick Me Down The Abyss! // 6- A Victory Smile
SIDE B: 7- I’m Sick Of Being Ill // 8- Reprieve // 9- Bois Flattant // 10- Bad Westworld // 11- Another Silent Night // 12- Lullaby
Datos técnicos: Temas musicales grabados por Nostalgie Éternelle, y remasterizados por Mikey Young en el año 2023
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- At That Time // 6- A Victory Smile // 7- I’m Sick Of Being Ill // 9- Bois Flattant // 11- Another Silent Night

El próximo viernes, día 16 de mayo, será presentado oficialmente el álbum recopilatorio “At That Time” de Nostalgie Éternelle. Publicado por el prestigioso sello discográfico británico Infinite Expanse en formato digital y en una preciosa edición en vinilo LP 12”, el álbum “At That Time” ha sido engalanado con este elegante diseño creado por Lily Stroud, haciendo uso para su portada de la fotografía tomada por Monika Mauson en el año 1982 en la estación de tren de Leer (Baja Sajonia, Alemania). Una estética retro cuya imagen underground proyecta esa mezcla emocional de melancolía y pasado que no retornará jamás, y decorada cromáticamente con estos tonos suaves con relieves desgastados al igual que la imagen principal, reflejando el paso inexorable del tiempo. En el álbum “At That Time”, el sello Infinite Expanse ha recopilado estos doce temas publicados originalmente por Nostalgie Éternelle en tres cassettes split a través de su propio sello One Last Dream: “Damned Forever Those Who Listen To This Tape” compartido con la banda musical española Due (1989, temas del álbum “Kick Me Down The Abyss!”, “A Victory Smile”, “I’m Sick Of Being Ill” y “Reprieve”), “Art Is The Tool” compartido con la banda musical británica From Nursery to Misery (1990, temas “At That Time”, “The Evil Sickness”, “Paranthopus Robustus” y “Getting Closer”), y Virtual Reality compartido con PN 4632402 del artista experimental israelí Eli Talgam (1990, temas “Bois Flattant”, “Bad Westworld”, “Another Silent Night” y “Lullaby”). En esta preciosa edición, los melómanos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar estos temas pertenecientes a la primera etapa de Nostalgie Éternelle, donde la brillante creatividad en la composición musical que mostraban los geniales artistas alemanes Stefan Heinze (aka Inox Kapell) y Dieter Mauson, englobaba un marcado eclecticismo que integraba con maestría estilos como el darkwave, coldwave, post-punk, electrónica experimental, industrial… dentro de su mirada vanguardista. Tras haber pasado por un extraordinario proceso técnico de remasterización realizado por Mikey Young en el año 2023, los doce temas musicales que vertebran el álbum “At That Time” presentan una calidad de sonido increíble teniendo en cuenta el registro original en formato cassette grabado a finales de la década de los ochenta. “At That Time” sorprenderá a más de un melómano no solamente por su calidad sonora, sino por la brillantez artística de estos temas musicales a los cuales el paso del tiempo no ha hecho mella alguna en su avanzada perspectiva conceptual.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta joya discográfica comenzando por el tema homónimo del álbum, donde su vibrante entrada melódica presenta un perfilamiento áspero y tenso perfecto para dar esta aura sonora urbana, y con los ecos del registro vocal amplificando esta mezcla de soledad y de mirada al entorno desde el pilar del individualismo. Conceptualmente definido con este estilo coldwave seco y contundente, el tema “At That Time” va adquiriendo una belleza musical que te envuelve, que se hace cómplice de tu perspectiva existencial, de ahí que escuchar esta canción durante el lento amanecer de una ciudad mientras andamos por sus calles, se convierte en ese momento especial de desvelo de una realidad no deseada pero aceptada en su dinámica cotidiana. En el excelso tema “At That Time” no ha pasado el tiempo artístico para el alma moderna que ha visto caer la propia Modernidad, asiste al desmoronamiento de la Posmodernidad en el presente, y se inquieta al comprobar cómo la frialdad emocional del tema “At That Time” encaja perfectamente como piezas de un puzzle con la incipiente Singularidad donde las Inteligencias Artificiales no tienen emociones… por ahora. ¡¡¡“At That Time”, excelente selección como apertura musical para este álbum!!! A continuación, el pulsante tema “The Evil Sickness” nos llevará a un escenario sonoro más nocturno, de club, y con ciertas reminiscencias conceptuales experimentales propias de la década de los sesenta en su estructura musical. Una canción que no parece surgida a finales de los ochenta, sino más bien en otra época anterior donde todavía había una mirada alegre al futuro, pero la decadencia de la Modernidad ya presentaba sus primeros síntomas por su deriva Nihilista e incluso Decadentista en sus destellos hedonistas. Conduciéndonos hasta el tema “Paranthopus Robustus”, aquí la esencia experimental electrónica de Nostalgie Éternelle fluye con una plasticidad sonora y una brillantez conceptual que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea por sus aires de vanguardia. Si este extraordinario tema hubiera aparecido por primera vez en este año 2025, a nadie le sorprendería por su avanzada perspectiva sonora, siendo otra nueva muestra artística de la grandeza conceptual de Nostalgie Éternelle que tanto me apasiona. “Paranthopus Robustus” es un auténtico lujo musical, y una contundente demostración del impresionante trabajo técnico de remasterización realizado por Mikey Young. ¡¡¡Chapeau!!! El tema “Getting Closer” dará continuidad a esta dinámica creativa experimental pero con matices más industriales, y con una estructura sonora más pesada donde la alerta y la sensación de indefensión adquieren ciertos aires siniestros. Obscuro y amenazante, “Getting Closer” les sorprenderá por su dimensión musical tan colosal, desarrollándose con una contundencia aplastante que lo transforma en un granítico rodillo sonoro.

Adentrándonos en el tema “Kick Me Down The Abyss!”, la electrónica experimental se funde inicialmente con bases rítmicas propias de lo tribal para luego evolucionar hacia recreaciones sonoras cosmopolitas de intensa luminosidad, cuyo acelerado dinamismo refleja fielmente el caos y esa corriente que arrastra inexorablemente hacia el precipicio donde se destruye lo vital. Arriesgado en su concepto, “Kick Me Down The Abyss!” posee la actitud desafiante en sus estratos sonoros del estilo industrial primigenio, siendo moderno y decadente sin perder esa luz que ciega, y que induce a seguir adelante sin saber hacia dónde. Luego, “A Victory Smile” presentará esta estructura musical siniestra propia de la escena británica de los ochenta, sobre todo por su plano instrumental para percusión. Una mirada a ese pasado que, a su vez, observaba el presente con mirada perdida y al pasado con cierta nostalgia. El tema “A Victory Smile” irradia la atmósfera de recogimiento emocional de aquella escena post-punk, apartada en sus dark clubs donde poder crear esos universos sonoros modernos underground que no volverán a ser vistos en Occidente nunca más. Y esa atmósfera siniestra imposible de describir con precisión si no se ha vivido, es la que emana de esta auténtica joya musical. ¡¡¡“A Victory Smile”, obscura delicatessen!!! Posteriormente, en el tema “I’m Sick Of Being Ill” retornaremos a escenarios sonoros experimentales de lánguida evolución musical, configurando un estilo darkwave de avanzada perspectiva conceptual. Bordeando lo mortuorio en sus aires melódicos, “I’m Sick Of Being Ill” es un paseo por el cementerio en el atardecer sabiendo que no pasará mucho tiempo para acabar allí, por este motivo, esta canción únicamente será sentida desde los más profundo por los melómanos lectores de Lux Atenea con alma gótica y totalmente fascinados con la belleza siniestra. ¡¡¡“I’m Sick Of Being Ill”, el irresistible encanto de la obscuridad!!! Desembocando en el tema “Reprieve”, sus iridiscencias sonoras cambiarán completamente la dinámica musical de los dos temas anteriores pero conservando cierta obscuridad. Su pulsante deriva psicodélica le da ese regusto sonoro nocturno casi magnético en su atracción mental, mutando lentamente como un sueño hasta su repentino final.

En el tema “Bois Flattant”, la luz se presenta mágica, irreal, ceremonial en su perfilamiento melódico que resalta especialmente por su perfume musical ensoñador. Sin perder su mirada experimental, “Bois Flattant” es lisérgico como un cálido recuerdo capaz de romper la consciencia del tiempo en la mente de la persona, como si hubiera abierto un vórtice temporal en su presente. Como banda sonora de una escena reflexiva en una road movie estadounidense (son auténticos genios dentro de este estilo cinematográfico), el tema “Bois Flattant” lo convertiría en algo inolvidable para el cinéfilo. En cambio, “Bad Westworld” es claramente experimental en su definición conceptual donde se amalgama el darkwave con planos musicales post-punk, presentando esta vibrante definición musical donde sus pilares melódicos alcanzan niveles artísticos de primer nivel en varias fases del tema, reforzando el plano lírico. Con el tema “Another Silent Night” volviendo al perfilamiento instrumental para percusión que caracterizaba al tema “A Victory Smile”, Nostalgie Éternelle nos presenta una interesante fusión conceptual de coldwave, post-punk, y darkwave, configurando una estructura musical obscura con un lado melancólico profundo, y hasta desesperado en algunos momentos. Una deriva emocional que el tiempo va agravando por el aislamiento personal, por el abandono vital, y por esa pérdida de las ganas de luchar por la vida. “Another Silent Night” es sumamente decadente, pasando con resignación y sin miedo alguno por el afilado borde que separa la vida de la muerte. ¡¡¡“Another Silent Night”, perspectiva gótica de la vida!!! El tema “Lullaby” clausurará este impresionante álbum recopilatorio con aires experimentales en clave industrial, pero fusionados con un estilo post-punk muy sutil y discreto en su protagonismo musical. Inquietante por su implacable plano sonoro metálico que cae con la fuerza del impacto del granizo sobre un tejado, sus evanescencias melódicas amplifican esta atmósfera fantasmagórica más propia de una novela gótica decimonónica. “At That Time”, los virtuosos destellos musicales iniciales creados por los geniales artistas alemanes Stefan Heinze (aka Inox Kapell) y Dieter Mauson, y que terminarían convirtiendo al dúo musical de culto Nostalgie Éternelle en legendario dentro de esta apasionante escena europea. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.