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Acerca de Félix V. Díaz

Félix V. Díaz, desde el año 1999, siendo pionero en España como analista cultural orientado a la difusión de las obras artísticas más selectas inspiradas en la mirada más profunda a lo Bello, a lo Sublime, y a lo Siniestro (Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, Shadow's Garden, Ouroboros Webzine y, actualmente, publicando en mi blog cultural y existencial Lux Atenea).

PHILEAS FOGG “ALLESMUSSSEINENDEFINDEN” (SCHÖNE PLATTEN RECORDS, abril 2025) (Reseña / Review #2268).

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Reseña Cultural nº: 2268 // Reseña Musical nº: 1455

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la banda musical alemana Phileas Fogg por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Salz // 2- Vorbei // 3- Augen // 4- Regen // 5- Hafen // 6- Kometengift // 7- Meinerfundenesland // 8- Belegt // 9- Küssen // 10- Häutung
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- Salz // 5- Hafen //6- Kometengift // 7- Meinerfundenesland // 8- Belegt // 9- Küssen

A principios del pasado mes de abril, la banda musical alemana Phileas Fogg presentó oficialmente su nuevo álbum “Allesmussseinendefinden” (“Todo debe llegar a su fin”) a través de su propio sello Schöne Platten Records, estando disponible a través de la propia página oficial en Bandcamp de Phileas Fogg en formato digital, en una edición limitada de 200 unidades en vinilo LP 12”, y en una preciosa edición de 100 unidades en LP 12” en vinilo violeta transparente. Engalanado con esta obscura imagen de portada de trasfondo mortuorio, su plasticidad abstracta es perfecta para reflejar en esta imagen precisamente el dinamismo conceptual de Phileas Fogg en este álbum. Formado por Andreas Mäule (guitarra y voz), Fabian Baumgartner (guitarra), y Nicholas Karidis (bajo), el álbum “Allesmussseinendefinden” es una deslumbrante inmersión en la esencia de la escena post-punk y darkwave alemana cuya vitalidad artística no ha dejado de decaer desde principios de este siglo, cuando la escena alemana marcaba parámetros creativos de primer nivel en la década de los noventa, apoyada en una industrial musical underground que era valorada a nivel mundial por su diversidad y por su apuesta firme por el talento innovador. En 2025, la autoedición es casi obligatoria si un artista o banda musical no desea perder su alma creativa, y el álbum “Allesmussseinendefinden” ha aparecido para marcar nuevas fronteras en la composición a través de temas deslumbrantes por su radiante sangre sonora. Vertebrado por diez extraordinarios temas, presenta una perspectiva conceptual con raíces, con fundamentos sólidos asentados, y con una pasión interpretativa que se transmite claramente desde el primer tema. Como analista musical, hacia muchos años que no disfrutaba un álbum musical alemán actual compuesto con tanto talento, convirtiendo el análisis del álbum “Allesmussseinendefinden” en una experiencia personal muy especial por su obscuro encanto. Por supuesto, recomiendo la adquisición de cualquiera de sus dos magníficas ediciones en vinilo para poder sentir estos temas en su plenitud sonora, porque el vinilo es un formato único.

Iniciamos la audición de este extraordinario álbum sumergiéndonos en la insatisfacción existencial que proyecta el primer tema “Salz”, quedando perfilado a nivel musical con esta entrada para bajo donde su tempo se prolonga en esta composición como un latido vital, entrando la melódica guitarra y la tensión del registro vocal con esa reflexión y esa mirada cargada de intrascendencia. Deseoso de cortar radicalmente con ello, el final abrupto de la canción es perfecto. Como los melómanos lectores de Lux Atenea pueden comprobar, estamos ante la actualización innovadora del post-punk alemán que deslumbró en la década de los noventa, pero llevado a otra dimensión conceptual mucho más avanzada, y que va a brillar con intensidad artística en cada uno de estos temas para convertir su audición en una experiencia musical potente y profunda. Tras el magnífico tema “Salz”, “Vorbei” tendrá ese halo romántico decimonónico del epílogo, del final, de la vela apagándose, encontrando el título de este álbum en su lírica. “Vorbei” es expansivo, es el estallido de luz antes de la Nada, destacando la guitarra en su estructura instrumental acompañada sútilmente con pinceladas electrónicas que ofrecen un aire sonoro más creativo. Desembocando rápidamente en el tema “Augen”, lo pasional se respira desde el primer segundo, siendo todo emociones, sensaciones, deseos, pasión, y leña y fuego para arder en la hoguera en medio de la noche. Sus planos melódicos son clave en la magnífica estructura musical de esta canción, y tan concentrada con un intenso perfume destinado a embriagar desde la primera toma de contacto sensorial, emanando esa búsqueda de complicidad y de ceremonial donde fundirse en el calor más intenso. Y todo con una sola mirada como desencadenante. Lo contrario aparecerá en el tema “Regen” donde todo son sueños, fantasías existenciales, pensamientos en una realidad no asumida por la crisis existencial que conlleva, quedando fielmente recreado a nivel musical con estos planos sonoros electrónicos y estas bases rítmicas de los cuales emana ese alejamiento absoluto del doloroso presente. “Regen” rompe con la dinámica conceptual post-punk para seducirnos con este estilo darkwave del siglo XXI, luminoso en su radiante sonoridad y dinámico en su evolución artística. Con el tema “Hafen” fijándonos mentalmente en lo estático como parada vital, aquí la mirada y la mente quedan concentradas para el desvelo al alejarse de la loca carrera cotidiana de la vida. En este sentido, el tema “Hafen” te fascina al haber sabido reflejar esa atmósfera de quietud y de calma tan necesarias para poder alcanzar esos momentos trascendentes. Con su plano vocal interpretado de forma extraordinaria, toda la estructura instrumental de esta canción es excelsa, fluyendo con una belleza sonora que les seducirá desde lo más profundo de su alma. ¡¡¡“Hafen”, joya musical!!!

El tema “Kometengift” será el reflejo musical de esta Alemania actual completamente desnortada en su presente y en su futuro, e incluiría en esa realidad a más de un país europeo viendo como sus fundamentos como Estado van disolviéndose como una pastilla efervescente en un vaso de agua, mientras la ciudadanía sigue entretenida gastando el dinero comprando y viendo contenidos audiovisuales de todo tipo. La entrada musical electrónica del tema “Kometengift” es perfecta como alarma en un presente que huele a decadencia y a colapso futuro, siendo la lírica interpretada con esta voz sintetizada como la mejor forma de mandar ese mensaje frío y calculador de quienes están interesados en la sombra en provocar este hundimiento. Con un impactante estilo electrodark fundamentando su perspectiva conceptual, “Kometengift” encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a esta escena. Luego, la inmersión en el Idealismo aparecerá en el tema “Meinerfundenesland”, convirtiendo las emociones y los sentimientos en esa llama vital imposible de apagar en el interior hasta el día de la muerte, deseando que el cuerpo quede enterrado en esa tierra tan amada. “Meinerfundenesland” es la canción más pasional de este álbum, y su encanto artístico tiene ese trasfondo que lleva al melómano a conectar con su mensaje con esas emociones conectadas con su inconsciente. La melancólica obscuridad latirá en el tema “Belegt”, y con este melódico plano instrumental para sintetizador que fue una de las marcas sonoras clásicas en la década de los ochenta dentro de la escena gótica, siendo el resto de la estructura musical propia de esta época hasta quedar remarcada esta canción de manera muy especial en este álbum. “Küssen” es la luna, la noche, las nubes, y esos besos sentidos como esencia de vida y viendo ya los ojos de la Dama Muerte sobre nosotros. Esencia de vida, línea melódica instrumental para bajo, y la noche recreada con maestría con estas evanescentes melodías electrónicas, quedando la guitarra como fuego vital aún activo en el presente. El tema “Küssen” es una auténtica delicia, repitiendo su audición varias veces antes de llegar a la clausura con “Häutung”, el tema más potente y contundente para poner el punto y final a este apasionante viaje artístico. “Allesmussseinendefinden”, desde la ciudad de Stuttgart, grandioso álbum musical compuesto por Phileas Fogg para revitalizar la escena alemana a nivel conceptual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SATARAY “EDAX SOLIS” (AUTOEDITADO, abril 2025) (Reseña / Review #2267).

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Reseña Cultural nº: 2267 // Reseña Musical nº: 1454

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la genial artista estadounidense Katrina Ellison (Sataray) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Solar Inviction // 2- Transmissions // 3- Black River Part 1 // 4- The Poisonous Vine // 5- Black River Part 2 // 6- Chrysalis
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Sataray; álbum masterizado por Casey Jones
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena dark ambient y ritual ambient

A finales del pasado mes de abril fue presentado el nuevo álbum “Edax Solis” de la genial artista estadounidense Katrina Ellison, alma mater de Sataray. Publicado en formato digital, el álbum “Edax Solis” se encuentra disponible a través de la página oficial de Sataray en Bandcamp, habiendo sido engalanado por la propia artista con esta siniestra portada. A nivel visual, el título del álbum (“Edax Solis”, “devorador del Sol”) ha quedado fielmente representado con esta tenebrosa y poderosa presencia casi oculta en la obscuridad, y con el Sol débilmente iluminado en la parte superior. Conceptualmente, la artista estadounidense Katrina Ellison vuelve a mostrarnos otra nueva inmersión en la vanguardia dentro de la escena dark ambient y ritual ambient, vertebrando este nuevo álbum con seis impresionantes temas donde el talento en la composición deslumbrará al melómano lector de Lux Atenea deseoso de sentir innovación y virtuosismo musical. Seis temas de fuerte impacto sonoro por su definición artística tan obscura, realzando siniestros planos sonoros que marcan la diferencia, ya que presentan perspectivas conceptuales pioneras en estructuras musicales virtuosamente construidas. Tras haber pasado por el proceso técnico de masterización sonora realizado por Casey Jones, la audición del álbum “Edax Solis” les hará disfrutar de una nueva mirada creativa dentro del estilo dark ambient y ritual ambient que atrae irresistiblemente por su belleza y por su trasfondo siniestro, llevando de nuevo a Sataray hasta la vanguardia musical más relevante. Con la presentación del álbum “Edax Solis”, la genial artista estadounidense Katrina Ellison sigue dando continuidad a su evolución conceptual con un despliegue de talento que les impresionará por su maestría alcanzada a lo largo de todos estos años, desde la aparición de su mítico álbum de debut “Nocturnum” (2018), ya reseñado en Lux Atenea.

Iniciamos la audición de esta magna obra musical adentrándonos en el tema “Solar Inviction” con su solemnidad trágica, y la presencia tenebrosa de esta entidad de amenazante espectro por su trasfondo demoníaco. La aparición de este plano melódico sacro que retumba en el entorno como la omnipresencia de un ser ultraterreno en sus dominios, nos llevará del dark ambient al ritual ambient con una aparición de lo mágico que sobrecoge por su realismo y por este impulso de dominio donde el tiempo no existe, siendo factor de tragedia. Con una fantasmagórica coral proyectando estos aires de lamento en su crudeza espiritual más profunda, “Solar Inviction” llegará a su final con la misma atracción artística del final de un acto en una ópera dramática. Una primera toma de contacto con el álbum “Edax Solis” que provocará que los melómanos lectores de Lux Atenea ya sepan que están ante una grandiosa obra donde la experiencia musical va a ser inolvidable. El tema “Transmissions” surgirá con un siniestro velo sonoro cuyas vibraciones retumban en tan obscuro escenario, y que se volverá espeluznante tras la aparición de este plano vocal procedente de otro mundo. Una entrada espectacular que aumentará su perspectiva creativa innovadora con la entrada de un plano melódico, configurando esta invocación en lenguaje musical donde el ritual ambient es perfecto a nivel conceptual para recrear su trasfondo esotérico. Sobrenatural hasta en su modulación vocal, el tema “Transmissions” evolucionará hacia esa luz mística propia de Oriente Medio cuyo poder adquiere una relevancia espiritual imposible de entender sin el Conocimiento. Una cara obscura del Misticismo que, en esta impresionante composición, se manifiesta en clave sonora con una belleza y una perspectiva innovadora dentro de la escena ritual ambient que les fascinará, repitiendo su audición varias veces más por el embrujo artístico que es capaz de crear. ¡¡¡“Transmissions”, excelso tema!!! Conduciéndonos hasta “Black River Part 1”, la manifestación de lo tenebroso se hará más contundente y dramática hasta convertir su omnipresente vibración en anticipo sonoro de lo trágico. Planos sonoros que se elevan como estandartes de poder que avisan del entorno agreste y peligroso en el cual nos adentramos, y siniestras oleadas sonoras unidas al plano vocal ceremonial creando un conjunto musical espectacular. Con un final del tema que es pura vanguardia conceptual, la esencia pionera en la composición que Sataray nos muestra aquí, convierte a “Black River Part 1” en una siniestra delicatessen para los melómanos más oscuros.

El tema “The Poisonous Vine” aparecerá mucho más solemne y calmado en su inicio que, como una lenta bruma, expandirá lo mágico y ritual a través de la invocación, apareciendo esos poderes ultraterrenos en respuesta a la llamada, a la conexión más allá del tiempo, a esa realidad perfectamente comprendida por el alma y absolutamente velada al pensamiento racional. “The Poisonous Vine” posee esa atmósfera mágica de lo arcano, del Conocimiento legado por entidades en el pasado remoto que el ser humano no ha llegado del todo a comprender en su más amplia influencia y en el trasfondo de sus consecuencias, hasta que ya es demasiado tarde. Una ambientación tenebrosa que tiene esa aura cercana a la eternidad, rompiendo esquemas mentales en lo humano. Posteriormente, en el tema “Black River Part 2” recorreremos otro páramo emocional donde los sentidos son engañados, confundidos, manipulados, por las entidades superiores que crearon ese mundo. Sublime en su magnificencia sonora, y terriblemente siniestro en su configuración musical, el tema “Black River Part 2” sobrecoge por esa frialdad emocional que proyecta, no encontrando calidez alguna en este escenario porque lo humano es un ser extraño en un entorno hostil a su presencia, salvo para su alma. Con la entrada de cromatismos sonoros experimentales en la estructura musical, “Black River Part 2” es una nueva demostración del virtuoso talento en la composición mostrado por la genial artista estadounidense Katrina Ellison, llevando al álbum “Edax Solis” hasta la primera línea de vanguardia dentro de la escena dark ambient y ritual ambient por méritos propios. Una contundente consolidación de su maestría artística y de su pasión por la obra musical a través de la búsqueda de nuevas expresiones sonoras que detallen el mensaje en la composición, invitando a repetir su audición para poder desvelar su esencia musical plena. Clausurando este álbum abriendo los espacios y subiendo la intensidad de luz, el tema “Chrysalis” rompe todos los límites para dar paso a una renovación, a una evolución, a una transformación total, emanando de esta perspectiva esotérica ese poder que provoca la renovación que conduce a un plano de consciencia más elevado. Y cuando se asienta con firmeza, el pasado es visto como algo obsoleto, primitivo, que encadenaba, y lleno de prejuicios y errores existenciales que hacían más densa y pesada al alma. Un ritual ceremonial de liberación que quiebra lo obsoleto para dar paso a lo superior. “Edax Solis”, Sataray consolidando su proyecto musical con esta obra maestra de vanguardia dentro de la escena dark ambient y ritual ambient más actual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
SATARAY «NOCTURNUM» (AUTOEDITADO, octubre 2018) (leer reseña)
“NACIMIENTO Y RENACIMIENTO, el significado de la iniciación en la cultura humana”, MIRCEA ELIADE (leer reseña)
“MITOS, RITOS Y SÍMBOLOS”, JEAN HANI (leer reseña)
ELIPHAS LEVI “LA CLAVE DE LOS MISTERIOS” (leer reseña)
“GURDJIEFF. CAMINO A LA INICIACIÓN”, NORA SABATER (leer reseña)
“ALQUIMIA Y MÍSTICA. EL MUSEO HERMÉTICO”, ALEXANDER ROOB (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

GALLERY SIX “KISETSU – SEASON” (LE MONT ANALOGUE / FONODROOM, marzo 2025) (Reseña / Review #2266).

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Reseña Cultural nº: 2266 // Reseña Musical nº: 1453

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a la prestigiosa distribuidora neerlandesa Fonodroom por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Sousyun // 2- Rissyun // 3- Geshi // 4- Banka // 5- Rissyuu // 6- Zansyuu // 7- Touji // 8- Daikan
Datos técnicos: Álbum producido por el artista japonés Hidekazu Imashige
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandioso Álbum Musical dentro de la escena ambient donde el drone es protagonista sonoro

Desde la ciudad japonesa de Hiroshima, el talentoso artista Hidekazu Imashige, alma mater de Gallery Six, perfila en su nuevo álbum “Kisetsu – Season” una fascinante inmersión musical dentro de la escena ambient perfilada con planos sonoros de armonioso equilibrio. Presentado oficialmente a finales del pasado mes de marzo, el álbum “Kisetsu – Season” ha sido publicado por la prestigiosa distribuidora neerlandesa Fonodroom en formato digital, y a través de su subsello Le Mont Analogue dedicado a la publicación de obras musicales en formato cassette, con una edición limitada de 35 unidades en cassette numeradas a mano con estuche de plástico, y en una preciosa edición limitada numerada a mano de 35 unidades en cassette con caja artesanal de cartón e impresiones en papel kraft vergé. Engalanado con esta elegante portada con la obra “Postmen of the Wilderness” (1921) del pintor canadiense Arthur Heming (1870-1940), mantiene ese equilibrio estético entre lo oriental y lo occidental como tarjeta de presentación visual. Vertebrado por ocho temas musicales que encantarán a los melómanos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma la disfrute de las obras más exquisitas de la escena ambient, el álbum “Kisetsu – Season” rompe la noción temporal de las estaciones a lo largo del año que tenemos los occidentales, para llevarlo a un proceso de cambios más inmediatos y acorde a la perspectiva japonesa. Cada día, un nuevo cambio, porque en la naturaleza no hay nada estático, inmutable, o que necesite periodos de tiempo largos para que se produzcan esos cambios a veces radicales. Todo es un proceso continuo, y donde los matices van marcando el presente y el futuro cambio aún no aparecido pero que, inexorablemente, llegará. Esta perspectiva llevada a la creación musical, ha llevado al genial artista japonés Hidekazu Imashige a componer estas estructuras sonoras haciendo uso de grabaciones de campo, de cromatismos musicales con sintetizadores, y de planos sonoros donde el drone crea bases y trasfondo donde establecer toda la estructura musical. Una mirada creativa dentro de la escena ambient que les causará un profundo impacto por su belleza, y por este sentido de la armonía como solamente los artistas japoneses son capaces de transmitir en sus obras.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta delicatessen musical en clave ambient sumergiéndonos en el tema “Sousyun”, y sentimos cómo todo a nuestro alrededor empieza a adquirir otro significado mientras suena esta composición. Como brumas en el amanecer, los sonidos de la naturaleza al despertar van configurando esta composición a nivel musical, incrementándose si el melómano lector de Lux Atenea cierra sus ojos y comprueba cómo las sensaciones se amplifican al igual que el descubrimiento de muchos de sus matices sonoros. El vibrante drone como trasfondo para estas grabaciones de campo, proyecta una armonía imposible de alcanzar en la urbe al establecer esa conexión con la naturaleza que hunde sus raíces en lo más remoto del pasado, incluso cuando el homo sapiens aún no existía. El tema “Rissyun” dará más luz al entorno mientras lo bucólico se consolida, adquiriendo el drone un dinamismo más intenso y una relevancia sonora más contundente, pero sin perder su grado justo de armonía en la composición. “Rissyun” es un despertar de aquello que estuvo latente pero en espera, abriendo poco a poco su actividad vital en un entorno cada vez más dominado por la calidez. El letargo quedó atrás, y con un espíritu renovado se abre al mundo que ya no es el que era antes, sino otro. Es muy curioso cómo “Rissyun” llega a conectar con la vitalidad del entorno rural mediterráneo por esta coral de cantos de pájaros y por esta calidez que transmite. Posteriormente, el tema “Geshi” nos conducirá a ese momento culmen solar del año, de ahí su intensa luz y su irradiación sonora que todo lo condiciona con su actividad. Un esplendor de la vida matizado en esta composición incluso con el sonido del agua, perfilando un tema musical cargado de vitalidad y de positividad en la mirada al mundo por su elevado plano existencial. Envueltos en la magnificencia de la diversidad del entorno y fascinados con la belleza natural, el tema “Geshi” fluye con una elegancia sonora que te incitará a varias audiciones. ¡¡¡“Geshi”, agua y luminosidad recreadas con maestría a nivel musical!!!

Con el tema “Banka” nos adentraremos en el estío, en la contundente exposición a lo cálido que estimula la vida en su máxima expresión, provocando ese desgaste físico y mental que también conllevará el deseo de descanso. Esa sensación es la que transmite esta composición con una profundidad que sorprende por su precisión emocional, quedando el drone como vibrante trasfondo en continuo mientras la aparición inconfundible de las cigarras nos lleva a identificar claramente esta temporada del año. Mucho más denso que el tema anterior, “Banka” irá preparando mentalmente al melómano lector de Lux Atenea para la nueva demostración de talento en la composición que caracteriza al tema “Rissyuu”, donde la luz va perdiendo intensidad, donde el entorno va iniciando su progresiva ralentización vital, y donde lo solar va perdiendo espacio temporal en su presencia diaria. El tema “Rissyuu” es mucho más sombrío e, incluso, el drone adquiere ese tacto sonoro propio del dark ambient aunque esté acompañado por esta coral de cantos de pájaros. Una composición que va dirigiendo al recogimiento, a la preparación mental de lo que ya va apareciendo en el horizonte y que llevará a la vida hasta su actividad más baja. Con una deriva muy directa hacia lo oscuro, hacia esa pérdida de la vitalidad, hacia ese pensamiento conservador cuando no se ve claro el futuro en cuanto a supervivencia, “Rissyuu” lo hace solemne en su manifestación sonora. El tema “Zansyuu” nos sorprenderá con esta repentina calidez sin perder la solemnidad anterior, volviendo todo a ese pasado donde la naturaleza permanecía en una quietud casi celestial. La energía aquí fluye un tanto pesada, lisérgica, embriagadora pero en su lado obscuro, expandiendo esa mezcla de vida y muerte inquietantemente presente en este entorno que se manifiesta como una ciénaga. “Zansyuu” llega incluso a proyectar ese ambiente que identificamos con la somnolencia, con lo onírico, y con ese estado de calma psicológica que debían tener los lotófagos en el mítico libro de Homero “Odisea”. ¡¡¡“Zansyuu”, lisérgico como el spleen decadentista!!!

En cambio, el tema “Touji” nos sacará de esa ensoñación pero conduciéndonos a un entorno emocionalmente más gélido, más inhóspito, más salvaje e imprevisible en su impacto psíquico, de ahí el impulso expansivo que nos rodea y atenaza. Ni siquiera la presencia del agua suaviza su mensaje oscuro, posesivo, dominante, evolucionando con esa enérgica acción de lo hegemónico deseoso de tenerlo todo. El tema “Touji” también proyecta la mirada del individuo en soledad moviéndose en el entorno con la fuerza de su voluntad, y con su mente deseosa de liberarse de esos condicionantes que lo limitan. Una sensación de libertad que, en “Touji”, adquiere una profundidad psicológica casi mística en su acción salvífica, creando una sensación en el melómano como pocas composiciones son capaces de irradiar de forma tan clara y armoniosa. En “Touji”, el artista japonés Hidekazu Imashige establece un equilibrio perfecto entre la sencillez estructural y la belleza sonora, hasta convertir la audición de este tema en una experiencia sensorial única. ¡¡¡“Touji”, obra maestra dentro de la escena ambient!!! Finalmente, el tema “Daikan” clausurará esta obra musical con una nueva demostración de sensibilidad en la composición a través de esta inmersión conceptual en la vanguardia con raíces artísticas muy sólidas. Música ambient superlativa por la belleza que emana de su estructura sonora, y que nos conduce a ese estado placentero de disfrute del arte musical como solamente la música ambient es capaz de provocarnos. “Daikan” es precioso en su definición sonora, es celestial en su iluminación, es esplendoroso en su equilibrada presencia de la vida, convirtiendo este epílogo musical en un momento muy especial en la audición de esta obra. “Kisetsu – Season”, el talentoso artista japonés Hidekazu Imashige transmitiendo innovación conceptual y pureza en el reflejo sonoro en este álbum espectacular dentro de la escena ambient. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
DEMETRIO CECCHITELLI “JUMP” (FONODROOM / DRONARIVM / LE MONT ANALOGUE, junio 2024) (leer reseña)
BARTOSZ DZIADOSZ “THEME” (FONODROOM / DRONARIVM, febrero 2025) (leer reseña)
CORRADO MARIA DE SANTIS “CITY OF TETHERS” (OWL TOTEM RECORDINGS / FONODROOM, noviembre 2024) (leer reseña)
FAUX TAPES “DIVE – EP” (FONODROOM / DRONARIVM, septiembre 2024) (leer reseña)
CHIHEI HATAKEYAMA “THOUSAND OCEANS” (FONODROOM / DRONARIVM, junio 2024) (leer reseña)
HOMERO “ODISEA” (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

BARBARA DANG & MUZZIX / MICHAEL PISARO-LIU “TOMBSTONES II” (CIRCUM-DISC, mayo 2025) (Reseña / Review #2265).

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Reseña Cultural nº: 2265 // Reseña Musical nº: 1452

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico francés Circum-Disc por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- It doesn’t matter // 2- Like I see // 3- The outside of everything // 4- Very Clear I // 5- Rattle // 6- Time may // 7- Long Time // 8- Very Clear II // 9- Kill that black cat dead // 10- The darkness is falling
Datos técnicos: Temas musicales compuestos por Michael Pisaro-Liu entre los años 2006 y 2010; grabados (octubre de 2024) y mezclados por Peter Orins; álbum masterizado por Michael Pisaro-Liu
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la Música Contemporánea y de la escena minimalista

Los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la apasionante escena de la Música Contemporánea están de enhorabuena ante la próxima presentación oficial del álbum “Tomstones II”, protagonizado artísticamente por Barbara Dang & Muzzix y Michael Pisaro-Liu. Publicado por el prestigioso sello discográfico francés Circum-Disc en formato digital y en una elegante edición en CD, estarán disponibles en su webstore y en su página oficial en Bandcamp a partir del próximo día 30 de mayo. Engalanado con la obra “Le Temps Suspendu” de la pintora francesa Joëlle Possémé, en su magnífica portada ha quedado perfectamente reflejado el trasfondo inspirador de este álbum musical englobado dentro de la Música Contemporánea más minimalista e innovadora. Un claro mensaje visual de la soledad íntimamente unida al individualismo en la sociedad moderna, y teniendo al minimalismo musical como recreación del inevitable nihilismo en su deriva existencial, de la ausencia, y del vacío dejado. Con una configuración artística de primer nivel formada por Barbara Dang (piano, teclados, y vocalista), Yoann Bellefont (bajo), Ivann Cruz (guitarra y vocalista), Raphaël Godeau (guitarra y voz), Peter Orins (percusión, teclados y voz), Maryline Pruvost (flauta, elementos sonoros y voz), y Christian Pruvost (trompeta y susurros), en “Tombstones II”, bajo la dirección de Barbara Dang se complementa el álbum musical “Tombstones” de Michael Pisaro-Liu, ahondando en el detalle artístico y en su perspectiva conceptual de vanguardia para rearmonizar cada uno de los temas. Aquí se proyecta un viaje sonoro intimista y reflexivo donde lo vital queda alejado de lo previsible, del mainstream artístico, y de cualquier atadura conceptual que limite la expresividad en estas composiciones. Vertebrado por diez temas que les sorprenderá por sus aires innovadores dentro de la Música Contemporánea, el álbum “Tombstones II” sumerge al melómano en otro universo sonoro donde la pasión interpretativa se siente en su máxima pureza artística, además de convertir su tempo en algo dinámico al servicio del mensaje, de la concentración mental en la obra, siendo algo dúctil, de gran plasticidad, y bello hasta en sus silencios. El álbum “Tombstones II” cambiará la perspectiva musical de muchos melómanos por su talentosa creatividad, abriendo la mente a perspectivas artísticas directamente unidas a lo psicológico, al pensamiento humano en su particular mirada a este mundo que no llega a desvelar del todo. Con una calidad sonora espectacular tras haber pasado por el proceso técnico de masterización realizado por el propio artista Michael Pisaro-Liu, el álbum “Tombstones II” destaca muy especialmente por su realismo musical y por su dimensión donde el minimalismo configura los espacios.

Iniciamos la audición de esta grandiosa obra adentrándonos en el tema “It doesn’t matter” con esta vibrante entrada tonal, apareciendo el plano vocal como pinceladas de cercana sonoridad en este amplio espacio minimalista únicamente definido por los ecos. Luces cromáticas en la oscuridad que surgen repentinamente para, como flashes de una realidad parcialmente mostrada, provocar en el melómano una inmersión mental en esa quietud más unida a la redención que a la paz espiritual. Una vibración energética baja que tendrá su continuidad en el tema “Like I see”, pero con una mezcla de pequeño desvelo y de deseo de apertura existencial. Con lo selénico presente en planos sonoros como trasfondo, “Like I see” crea expectativa, como abriendo tímidamente una ventana a esa realidad sentida como un tenebroso y engañoso peligro, mientras la oscuridad se niega a desaparecer porque sigue siendo el refugio. Una voluntad despertada para avanzar prudentemente que, en el tema “The outside of everything”, quedará definida musicalmente con una estructura instrumental más dinámica y continua, llevándonos a un estilo experimental dentro de la Música Contemporánea capaz de perfilar espacios y entornos de atrayente belleza, a pesar de su obscuridad. “The outside of everything” alejará al melómano lector de Lux Atenea del claro minimalismo aparecido en los dos primeros temas, incorporando el spoken word como guía en la composición. Con un final de la composición más propio del estilo post-industrial, su plasticidad musical llega a hacerse casi orgánica, conduciéndonos hasta el tema “Very Clear I” donde retornaremos al minimalismo amalgamado con lo melódico en clave decadente. Con el piano surgiendo en este caminar como antorchas en un largo pasillo, la estructura musical del tema “Very Clear I” es impresionante, por lo que fascinará a los melómanos identificados con lo gótico en sus gustos musicales. ¡¡¡“Very Clear I”, magna interpretación artística!!!

Lo solemne seguirá estando presente en el tema “Rattle” y, en esta fase del álbum, empezarán a tomar consciencia de la grandeza conceptual de esta obra, ampliando su sensibilidad emocional según el tema “Rattle” vaya avanzando hasta hacerse casi personal por su profundidad. Conceptualmente englobado dentro de la Música Contemporánea por sus rupturas estructurales tan características, pero sin perder la armonía y el sentido musical, su desarrollo se termina convirtiendo en un estimulante juego mental donde cada pieza del puzzle es mostrada de forma separada, para ser luego parcialmente encajadas ante nosotros en un breve movimiento. Estas intermitencias provocan que lleguemos al siguiente tema “Time may” con una consciencia del tiempo completamente alterada, proyectándose esta composición minimalista con esa esencia musical propia de la electrónica de vanguardia basada en sintetizadores analógicos o en el uso avanzado del drone, configurando sonoramente a “Time may” con iridiscentes matices que lo diferencian claramente de cualquiera de los temas anteriores. Casi mágico en su interpretación, “Time may” fascinará al melómano lector de Lux Atenea por su mirada innovadora dentro de esta escena. El tema “Long Time” nos llevará a un escenario musical inicial más propio del dark ambient, para luego evolucionar hacia eclécticos parámetros sonoros cuyas pinceladas conceptuales abarcan desde el ambient más bucólico a la Música Contemporánea más solemne en su esencia instrumental, incluyendo incluso pinceladas industriales y también propias de la electrónica experimental japonesa, hasta convertirse en el tema de mayor duración de este álbum. Desembocando en “Very Clear II” en clave minimalista, su proyección musical nos devolverá a ambientaciones tenebrosas en su prolongación conceptual donde el piano se hace presente de forma fugaz, y con una contundencia lapidaria a nivel sonoro. Con temas tan fúnebres como “Very Clear II”, se entiende por qué este álbum se titula “Tombstones II”, conduciéndonos hasta “Kill that black cat dead” donde el apartado instrumental crea una amplia base musical donde fluir tímidamente en su estructura. Con el registro vocal formando parte integrada de sus pilares sonoros, aquí la voz complementa al haber perdido su independencia dentro de la composición, al contrario que en los temas anteriores. Llevando lo sonoro al extremo en su epílogo musical, el tema “The darkness is falling” clausurará esta obra maestra con lo majestuoso, con los fugaces destellos que aparecen en lo insondable, y con esa decadente atmósfera del anochecer sentida y observada en soledad como un velatorio. “Tomstones II”, Música Contemporánea y Minimalismo llevados a la vanguardia conceptual más intimista, pasional, y profunda en su interpretación artística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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CARLOS H. VEERHOFF “SYMPHONY nº6 -DESIDERATA- / ALPHA-ZETA / PATER NOSTER” (COL LEGNO / MITTELDEUTSCHER RUNDFUNK, 2002) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

NOSTALGIE ÉTERNELLE “AT THAT TIME” (INFINITE EXPANSE, mayo 2025) (Reseña / Review #2264).

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Reseña Cultural nº: 2264 // Reseña Musical nº: 1451

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al dúo musical alemán Nostalgie Éternelle, y muy especialmente a Dieter Mauson, por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: SIDE A: 1- At That Time // 2- The Evil Sickness // 3- Paranthopus Robustus // 4- Getting Closer // 5- Kick Me Down The Abyss! // 6- A Victory Smile
SIDE B: 7- I’m Sick Of Being Ill // 8- Reprieve // 9- Bois Flattant // 10- Bad Westworld // 11- Another Silent Night // 12- Lullaby
Datos técnicos: Temas musicales grabados por Nostalgie Éternelle, y remasterizados por Mikey Young en el año 2023
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- At That Time // 6- A Victory Smile // 7- I’m Sick Of Being Ill // 9- Bois Flattant // 11- Another Silent Night

El próximo viernes, día 16 de mayo, será presentado oficialmente el álbum recopilatorio “At That Time” de Nostalgie Éternelle. Publicado por el prestigioso sello discográfico británico Infinite Expanse en formato digital y en una preciosa edición en vinilo LP 12”, el álbum “At That Time” ha sido engalanado con este elegante diseño creado por Lily Stroud, haciendo uso para su portada de la fotografía tomada por Monika Mauson en el año 1982 en la estación de tren de Leer (Baja Sajonia, Alemania). Una estética retro cuya imagen underground proyecta esa mezcla emocional de melancolía y pasado que no retornará jamás, y decorada cromáticamente con estos tonos suaves con relieves desgastados al igual que la imagen principal, reflejando el paso inexorable del tiempo. En el álbum “At That Time”, el sello Infinite Expanse ha recopilado estos doce temas publicados originalmente por Nostalgie Éternelle en tres cassettes split a través de su propio sello One Last Dream: “Damned Forever Those Who Listen To This Tape” compartido con la banda musical española Due (1989, temas del álbum “Kick Me Down The Abyss!”, “A Victory Smile”, “I’m Sick Of Being Ill” y “Reprieve”), “Art Is The Tool” compartido con la banda musical británica From Nursery to Misery (1990, temas “At That Time”, “The Evil Sickness”, “Paranthopus Robustus” y “Getting Closer”), y Virtual Reality compartido con PN 4632402 del artista experimental israelí Eli Talgam (1990, temas “Bois Flattant”, “Bad Westworld”, “Another Silent Night” y “Lullaby”). En esta preciosa edición, los melómanos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar estos temas pertenecientes a la primera etapa de Nostalgie Éternelle, donde la brillante creatividad en la composición musical que mostraban los geniales artistas alemanes Stefan Heinze (aka Inox Kapell) y Dieter Mauson, englobaba un marcado eclecticismo que integraba con maestría estilos como el darkwave, coldwave, post-punk, electrónica experimental, industrial… dentro de su mirada vanguardista. Tras haber pasado por un extraordinario proceso técnico de remasterización realizado por Mikey Young en el año 2023, los doce temas musicales que vertebran el álbum “At That Time” presentan una calidad de sonido increíble teniendo en cuenta el registro original en formato cassette grabado a finales de la década de los ochenta. “At That Time” sorprenderá a más de un melómano no solamente por su calidad sonora, sino por la brillantez artística de estos temas musicales a los cuales el paso del tiempo no ha hecho mella alguna en su avanzada perspectiva conceptual.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta joya discográfica comenzando por el tema homónimo del álbum, donde su vibrante entrada melódica presenta un perfilamiento áspero y tenso perfecto para dar esta aura sonora urbana, y con los ecos del registro vocal amplificando esta mezcla de soledad y de mirada al entorno desde el pilar del individualismo. Conceptualmente definido con este estilo coldwave seco y contundente, el tema “At That Time” va adquiriendo una belleza musical que te envuelve, que se hace cómplice de tu perspectiva existencial, de ahí que escuchar esta canción durante el lento amanecer de una ciudad mientras andamos por sus calles, se convierte en ese momento especial de desvelo de una realidad no deseada pero aceptada en su dinámica cotidiana. En el excelso tema “At That Time” no ha pasado el tiempo artístico para el alma moderna que ha visto caer la propia Modernidad, asiste al desmoronamiento de la Posmodernidad en el presente, y se inquieta al comprobar cómo la frialdad emocional del tema “At That Time” encaja perfectamente como piezas de un puzzle con la incipiente Singularidad donde las Inteligencias Artificiales no tienen emociones… por ahora. ¡¡¡“At That Time”, excelente selección como apertura musical para este álbum!!! A continuación, el pulsante tema “The Evil Sickness” nos llevará a un escenario sonoro más nocturno, de club, y con ciertas reminiscencias conceptuales experimentales propias de la década de los sesenta en su estructura musical. Una canción que no parece surgida a finales de los ochenta, sino más bien en otra época anterior donde todavía había una mirada alegre al futuro, pero la decadencia de la Modernidad ya presentaba sus primeros síntomas por su deriva Nihilista e incluso Decadentista en sus destellos hedonistas. Conduciéndonos hasta el tema “Paranthopus Robustus”, aquí la esencia experimental electrónica de Nostalgie Éternelle fluye con una plasticidad sonora y una brillantez conceptual que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea por sus aires de vanguardia. Si este extraordinario tema hubiera aparecido por primera vez en este año 2025, a nadie le sorprendería por su avanzada perspectiva sonora, siendo otra nueva muestra artística de la grandeza conceptual de Nostalgie Éternelle que tanto me apasiona. “Paranthopus Robustus” es un auténtico lujo musical, y una contundente demostración del impresionante trabajo técnico de remasterización realizado por Mikey Young. ¡¡¡Chapeau!!! El tema “Getting Closer” dará continuidad a esta dinámica creativa experimental pero con matices más industriales, y con una estructura sonora más pesada donde la alerta y la sensación de indefensión adquieren ciertos aires siniestros. Obscuro y amenazante, “Getting Closer” les sorprenderá por su dimensión musical tan colosal, desarrollándose con una contundencia aplastante que lo transforma en un granítico rodillo sonoro.

Adentrándonos en el tema “Kick Me Down The Abyss!”, la electrónica experimental se funde inicialmente con bases rítmicas propias de lo tribal para luego evolucionar hacia recreaciones sonoras cosmopolitas de intensa luminosidad, cuyo acelerado dinamismo refleja fielmente el caos y esa corriente que arrastra inexorablemente hacia el precipicio donde se destruye lo vital. Arriesgado en su concepto, “Kick Me Down The Abyss!” posee la actitud desafiante en sus estratos sonoros del estilo industrial primigenio, siendo moderno y decadente sin perder esa luz que ciega, y que induce a seguir adelante sin saber hacia dónde. Luego, “A Victory Smile” presentará esta estructura musical siniestra propia de la escena británica de los ochenta, sobre todo por su plano instrumental para percusión. Una mirada a ese pasado que, a su vez, observaba el presente con mirada perdida y al pasado con cierta nostalgia. El tema “A Victory Smile” irradia la atmósfera de recogimiento emocional de aquella escena post-punk, apartada en sus dark clubs donde poder crear esos universos sonoros modernos underground que no volverán a ser vistos en Occidente nunca más. Y esa atmósfera siniestra imposible de describir con precisión si no se ha vivido, es la que emana de esta auténtica joya musical. ¡¡¡“A Victory Smile”, obscura delicatessen!!! Posteriormente, en el tema “I’m Sick Of Being Ill” retornaremos a escenarios sonoros experimentales de lánguida evolución musical, configurando un estilo darkwave de avanzada perspectiva conceptual. Bordeando lo mortuorio en sus aires melódicos, “I’m Sick Of Being Ill” es un paseo por el cementerio en el atardecer sabiendo que no pasará mucho tiempo para acabar allí, por este motivo, esta canción únicamente será sentida desde los más profundo por los melómanos lectores de Lux Atenea con alma gótica y totalmente fascinados con la belleza siniestra. ¡¡¡“I’m Sick Of Being Ill”, el irresistible encanto de la obscuridad!!! Desembocando en el tema “Reprieve”, sus iridiscencias sonoras cambiarán completamente la dinámica musical de los dos temas anteriores pero conservando cierta obscuridad. Su pulsante deriva psicodélica le da ese regusto sonoro nocturno casi magnético en su atracción mental, mutando lentamente como un sueño hasta su repentino final.

En el tema “Bois Flattant”, la luz se presenta mágica, irreal, ceremonial en su perfilamiento melódico que resalta especialmente por su perfume musical ensoñador. Sin perder su mirada experimental, “Bois Flattant” es lisérgico como un cálido recuerdo capaz de romper la consciencia del tiempo en la mente de la persona, como si hubiera abierto un vórtice temporal en su presente. Como banda sonora de una escena reflexiva en una road movie estadounidense (son auténticos genios dentro de este estilo cinematográfico), el tema “Bois Flattant” lo convertiría en algo inolvidable para el cinéfilo. En cambio, “Bad Westworld” es claramente experimental en su definición conceptual donde se amalgama el darkwave con planos musicales post-punk, presentando esta vibrante definición musical donde sus pilares melódicos alcanzan niveles artísticos de primer nivel en varias fases del tema, reforzando el plano lírico. Con el tema “Another Silent Night” volviendo al perfilamiento instrumental para percusión que caracterizaba al tema “A Victory Smile”, Nostalgie Éternelle nos presenta una interesante fusión conceptual de coldwave, post-punk, y darkwave, configurando una estructura musical obscura con un lado melancólico profundo, y hasta desesperado en algunos momentos. Una deriva emocional que el tiempo va agravando por el aislamiento personal, por el abandono vital, y por esa pérdida de las ganas de luchar por la vida. “Another Silent Night” es sumamente decadente, pasando con resignación y sin miedo alguno por el afilado borde que separa la vida de la muerte. ¡¡¡“Another Silent Night”, perspectiva gótica de la vida!!! El tema “Lullaby” clausurará este impresionante álbum recopilatorio con aires experimentales en clave industrial, pero fusionados con un estilo post-punk muy sutil y discreto en su protagonismo musical. Inquietante por su implacable plano sonoro metálico que cae con la fuerza del impacto del granizo sobre un tejado, sus evanescencias melódicas amplifican esta atmósfera fantasmagórica más propia de una novela gótica decimonónica. “At That Time”, los virtuosos destellos musicales iniciales creados por los geniales artistas alemanes Stefan Heinze (aka Inox Kapell) y Dieter Mauson, y que terminarían convirtiendo al dúo musical de culto Nostalgie Éternelle en legendario dentro de esta apasionante escena europea. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
NOSTALGIE ÉTERNELLE “KRUMMHÖRN” (Industrial Complexx, marzo 2023) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “SANS FIN” (HAFENSCHLAMM REKORDS, 2012) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “NOTRE DÉBUT (RE-ISSUE)” (FINAL MUZIK, 2011) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “TWEE KEERLKES KWAMM VAN LEER / OOSTFREESLAND (1988-1991)” (INFRASTITION, 2012) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “EP” (EE TAPES, 2011) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

OCCULT ODYSSEY & THE BLACK MONOLITH “RITUALS FOR THE ANCIENT MONOLITH” (NOCTIVAGANT, marzo 2025) (Reseña / Review #2263).

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Reseña Cultural nº: 2263 // Reseña Musical nº: 1450

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense Noctivagant por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Occult Odyssey “Astral Invocation in the Desert Temple” // 2- Occult Odyssey “Opening of the Ritual to Choronzon” // 3- Occult Odyssey “Ceremony and Call of God Pazuzu” // 4- Occult Odyssey “Vortices of Insurrection of the Lilus of the Abyss” // 5- Occult Odyssey “The Seeds of Hanbi and Humbaba” // 6- Occult Odyssey “The Eternal Cult of the Lion’s Head and Serpent’s Tail” // 7- The Black Monolith “Veins of Starlight” // 8- The Black Monolith “From the Tombs of Forgotten Suns” // 9- The Black Monolith “The Stygian Key” // 10- The Black Monolith “Bones Cast Into Cosmic Silence” // 11- The Black Monolith “Invocation of the Starless Void”
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena ritual ambient (Occult Odyssey) y dark ambient (The Black Monolith)

Teniendo al Sendero de la Mano Izquierda como fuente de inspiración principal, Occult Odyssey y The Black Monolith presentaron el álbum split “Rituals for the Ancient Monolith” a finales del pasado mes de marzo. Publicado oficialmente a través del prestigioso sello discográfico estadounidense Noctivagant en formato digital y en una edición limitada de 100 unidades en ecopak CD, el álbum “Rituals for the Ancient Monolith” ha sido engalanado con esta impactante imagen de portada diseñada por el artista surcoreano Sang (Vhan Artworks), siendo de marcada relevancia la figura de Pazuzu perteneciente a la mitología mesopotámica, y que hunde sus raíces históricas hasta la Edad del Hierro. Señalado como demonio, sobre todo después de la famosa película “El Exorcista” (1973) basada en la novela del escritor estadounidense William Peter Blatty, Pazuzu fue considerado en sus orígenes como un protector del hogar, teniendo su figura en las casas para evitar a las personas y a las entidades que pudieran perturbar su paz. En Mesopotamia, como demonio del viento, Pazuzu también era temido por su terrible poder que, cuando se desataba, provocaba catástrofes imposibles de parar y cuyas consecuencias eran devastadoras allí donde se manifestaban. Vertebrado por once temas musicales, en el álbum split “Rituals for the Ancient Monolith”, Occult Odyssey nos presenta una avanzada perspectiva artística dentro del estilo ritual ambient donde la recreación sonora presenta un trasfondo esotérico muy bien definido. Desde Grecia, The Black Monolith desarrolla un estilo dark ambient de vanguardia en sus cinco composiciones musicales que resaltan especialmente por su creatividad sonora. El álbum “Rituals for the Ancient Monolith” fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines al arte musical relacionado con la belleza siniestra y con lo esotérico, precisamente por su trasfondo, por este reflejo sonoro relacionado con el individuo apartado de lo colectivo en su perspectiva existencial y en su evolución espiritual dentro del lado obscuro. Un camino místico personal alejado de convencionalismos exotéricos, y que, en “Rituals for the Ancient Monolith”, ha quedado remarcado en el Sendero de la Mano Izquierda como vía de Conocimiento llevado al lenguaje musical, el más poderoso de los lenguajes por sus cualidades inefables ya que va mucho más allá de la Razón y de la Lógica.

Iniciamos la audición de este álbum tan espectacular sumergiéndonos en la mitología sumeria, acadia, y mesopotámica con Occult Odyssey y su primer tema “Astral Invocation in the Desert Temple”, donde su sublime oscuridad cercana a la Nada va a atraernos y a paralizarnos con su inmensidad insondable enlazada al destino del alma. La entrada de pinceladas sonoras tenebrosas, nos llevará a un estilo dark ambient de trasfondo y desangelado espectro hasta convertirse en la antesala musical de su progresiva deriva hacia el ritual ambient, asentado en este plano musical para percusión. Su cadencia y su lejanía en un entorno obscuro, al cual se unirán estos cromatismos sonoros propios del noise, llevará al melómano lector de Lux Atenea a poder disfrutar de una composición cuyo eclecticismo de vanguardia, ya nos anticipa el espíritu creativo desarrollado por Occult Odyssey en esta primera mitad del álbum. Desembocando en el tema “Opening of the Ritual to Choronzon”, la recreación sonora del choque místico absoluto entre el Ego y la voluntad espiritual es admirable, sorprendiendo de forma artística por esta tensión que se respira desde el inicio de la composición, y donde no puede faltar lo mágico como clave ceremonial donde símbolos y mensajes metafóricos actúan con gran poder. De ahí la magnificencia de esta cúpula sonora que caracteriza al tema “Opening of the Ritual to Choronzon”, proyectando un rigor y una atmósfera de concentración mental de fuerte impacto. ¡¡¡“Opening of the Ritual to Choronzon”, joya musical dentro del estilo ritual ambient!!! Lo ceremonial tendrá su continuidad en el tema “Ceremony and Call of God Pazuzu”, con una base estructural completamente distinta donde el plano instrumental para órgano adquiere una importancia muy relevante, entrando el plano vocal como vía lírica de lo mágico en un crescendo reforzado a nivel sonoro con esta percusión con reminiscencias ancestrales. Posteriormente, la aparición de esta coral chamánica de forma espectral que se acerca a lo gutural, provocará unos ecos que elevarán la ambientación esotérica de este entorno. Y, de nuevo, con la aparición de cromatismos sonoros extremos propios del noise, los aires de vanguardia que emanan de “Ceremony and Call of God Pazuzu” dejarán profundamente impactados a los melómanos. ¡¡¡Sobrecogedor!!!

El arte musical de Occult Odyssey seguirá presente en el tema “Vortices of Insurrection of the Lilus of the Abyss”, adentrándonos lentamente en esta atmósfera tensionada cuya repentina expansión quedará amplificada con la aparición de lo siniestro. Lo demoníaco, recreado musicalmente con una perspectiva de vanguardia que huye completamente del uso del susto o del miedo en la composición, evolucionará con este afilado impulso dirigido a nivel lírico para perfilar un entorno fantasmagórico unido a ese otro lado de lo sacro. Escuchado atentamente en la oscuridad de la noche, el tema “Vortices of Insurrection of the Lilus of the Abyss” provocará emociones intensas en el melómano lector de Lux Atenea con esta ambientación, tan bien equilibrada en su estructura sonora multicapa y tan espectacular en su parte final. ¡¡¡“Vortices of Insurrection of the Lilus of the Abyss”, impresionante!!! Con “The Seeds of Hanbi and Humbaba” llevándonos a los cultos mesopotámicos ancestrales, la definición musical resaltará por esta configuración instrumental cercana al chamanismo que es integrada con maestría con planos sonoros expansivos y extremos, siendo la ruptura de la realidad y la entrada de lo sobrenatural los que destacan especialmente en esta extraordinaria composición. Su aceleración y debilitamiento final serán el culmen de esta nueva demostración del arte de vanguardia creado por Occult Odyssey. Cruzando las puertas del tema “The Eternal Cult of the Lion’s Head and Serpent’s Tail”, sus siniestros vientos proyectarán ese poder desatado donde lo humano pierde completamente su egocentrismo ante lo colosal. Aquí, el dark ambient derivará conceptualmente hacia lo industrial y el noise para potenciar su amplio espectro sonoro, consolidando una estructura musical estratificada donde cada cromatismo y cada matiz es esencial en su arquitectura artística. Incluso, la aparición de pinceladas sonoras propias del post-industrial todavía incrementarán aún más su espectacularidad, siendo el tema “The Eternal Cult of the Lion’s Head and Serpent’s Tail” el más contundente de este álbum.

A partir del ecuador musical de este álbum split, será The Black Monolith el protagonista artístico comenzando por el tema “Veins of Starlight”, avanzando de forma imparable con estos pilares sonoros pesados y densos impulsados de forma decidida. Con un estilo dark ambient asentado en su confluencia con el power electronics y el estilo marcial más épico, “Veins of Starlight” presentará una ecléctica esencia musical en su composición que hará las delicias de los melómanos lectores de Lux Atenea deseosos de experimentar emociones intensas. Con el tema “From the Tombs of Forgotten Suns” ampliando los espacios y las dimensiones en un entorno donde la luz está tamizada, irá evolucionando de forma sonora con este ritmo musical unido al estilo industrial, para luego entrar en un escenario donde el desasosiego se respira desde el primer segundo, no abandonando esta composición hasta su final. Luego, el tema “The Stygian Key” oscurecerá considerablemente el entorno, mostrándonos una estructura musical de estilo dark ambient donde lo vibrante y lo mágico refuerzan su irradiación lírica. Invitando a la reflexión, al recogimiento, a lo hierático, el tema “The Stygian Key” fascina por la solemnidad ceremonial desatada en su acción a partir del ecuador del tema. Una acción que quedará anulada tras el desvelo, tras la manifestación, creando esa campana de irrealidad que rompe el presente cotidiano. Posteriormente, “Bones Cast Into Cosmic Silence” seguirá ahondando en lo ritual hasta ampliar el plano de consciencia como si fuera el desvelo existencial de un chamán. Solemne y calmado, lo nebuloso llega incluso a hacerse presente alrededor de su eje, concentrando la energía en su núcleo erigido como axis mundi sagrado. Fluyendo lo celestial y lo ultraterreno desde lo alto, en esta estructura musical destaca la ambientación sobrenatural enlazada a la iluminación mística del individuo. Con el tema “Invocation of the Starless Void” clausurando este impresionante álbum, su epílogo musical nos llevará de nuevo a un perfilamiento sonoro industrial presente en algunos temas anteriores, pero mucho más activo, concentrado, e inestable. Derivando hacia terrenos conceptuales propios del power electronics, el tema “Invocation of the Starless Void” posee ese halo decadente y futurista que despierta el interés artístico, conservando su obscuro encanto sonoro hasta el final del tema. “Rituals for the Ancient Monolith”, grandioso álbum split de imprescindible adquisición para los melómanos afines a la vanguardia musical más siniestra y obscura. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (Reseña / Review #2262).

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Reseña Cultural nº: 2262 // Reseña Musical nº: 1449

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Foxglove // 2- Oleander // 3- Mandrake
Datos técnicos: Álbum producido y masterizado por Zack Kouns y bobb hatt
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena post-industrial más avanzada

Sin duda alguna, el álbum “The Medici Poison Garden” de Crone of the Wildwood se ha convertido en una de las obras musicales que más me ha impactado dentro de la escena post-industrial por su avanzada perspectiva conceptual, y, estoy seguro que los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la vanguardia más relevante que adquieran esta excelsa obra, así reafirmarán mis palabras. Publicado oficialmente a principios del pasado mes de abril a través del prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It en formato digital solo para subscriptores, el álbum “The Medici Poison Garden” ha sido engalanado con este espectacular diseño a cargo del genial artista Ed Wilcox, quedando reflejado en su portada estos desvaríos psicológicos reflejados en los rostros que lo protagonizan, en esa pérdida del norte existencial, en esa amargura vital, en ese sentimiento profundo de soledad llevada al extremo en su caída a los infiernos interiores, proyectando un fuerte impacto visual donde quedan contrastados sus colores suaves y alegres con los gestos siniestros tan marcados en estos personajes. La tenebrosidad mortuoria más terrible no siempre está teñida de negro o con tonos muy oscuros, y la portada del álbum “The Medici Poison Garden” es un claro ejemplo de ello. Por este motivo, cobra sentido que una parte de sus temas musicales hayan sido grabados en el famoso túnel “The Gates of Hell” situado en la ciudad estadounidense de Columbus (Ohio). Formado por los talentosos artistas Zack Kouns (clarinete y harmonio), bobb hatt (saxofón), y Ed Wilcox (percusión), en “The Medici Poison Garden”, Crone of the Wildwood nos presentan un espectacular despliegue de vanguardia conceptual dentro de la escena post-industrial hasta llevarla a un nivel inalcanzable para muchos artistas y bandas musicales. La perspectiva creativa que perfilan y desarrollan, la impresionante interpretación de los tres temas que vertebran esta obra maestra, y la grandeza artística que ha quedado inmortalizada en este álbum, convierten a “The Medici Poison Garden” en una auténtica delicatessen musical para los melómanos amantes de la innovación sonora más avanzada. Con temas masterizados por los propios artistas Zack Kouns y bobb hatt, el pulido sonoro final es espectacular, siendo su audición un auténtico placer para quienes sentimos la esencia de la escena post-industrial desde lo más profundo de nuestra alma. Alma. Alma artística. Esto es lo que transmite el álbum “The Medici Poison Garden” con una pasión envuelta en belleza siniestra que les conmoverá durante su audición de principio a fin. Con estas joyas musicales, es mucho más que una recomendación que se subscriban al sello discográfico No Part Of It porque su catálogo artístico es impresionante.

Iniciamos la audición de esta obra maestra sumergiéndonos en el universo sonoro de Crone of the Wildwood inspirado en tres plantas venenosas (de ahí el título del álbum) con su primer tema “Foxglove”, donde la percusión adquiere esta proyección sonora espectral reforzada musicalmente con lánguidos pasajes instrumentales para saxofón y clarinete, creando este caleidoscopio sonoro de intenso efecto psicológico. Su estructura musical post-industrial llega a situarse en algunas partes de la composición dentro de la música contemporánea, pero su dimensionamiento espacial y su deformación sonora queda dentro de las fronteras conceptuales post-industriales por su esencia decadente y urbana, alcanzando esa libertad interpretativa únicamente logradas en otros estilos como el jazz y el jazz noir, y, llevado al mundo de la música electrónica, en el noise y en el power electronics. Además, a pesar de su aparente desestructuración musical, el tema “Foxglove” mantiene esa armonía y esa dinámica melódica que envolverá al melómano lector de Lux Atenea durante su atenta audición, porque rápidamente hace que concentres la atención sensorial en su escenario sonoro. Con una evolución artística que te causa admiración por su oscura belleza y por su interpretación tan pasional y descarnada, “Foxglove” parece surgido del interior de la tierra, pero no en su trasfondo infernal sino en su tenebrosidad ctónica, de ahí que el haber elegido la sonoridad del túnel para amplificar sus ecos musicales, convierten a esta composición en una auténtica delicia para quienes amamos la vanguardia conceptual más avanzada. Espectacular en su interpretación, sublime en su pulido sonoro final, grandioso por esta perspectiva creativa que irradia y seduce hasta alcanzar esa embriaguez sensorial de la cual no desearíamos salir nunca, el tema “Foxglove” también provocará esa dualidad mental en algunos melómanos donde atrae de forma irresistible, y también provoca esa alerta psicológica interior porque esta composición se adentra en lo siniestro, en lo mortuorio, en ese lado obscuro que también forma parte de lo humano, y que muchas veces a lo largo de la Historia se ha unido a lo maléfico y a lo demoníaco. ¡¡¡“Foxglove”, excelso tema!!!

Posteriormente, en “Oleander”, Crone of the Wildwood ahonda en lo engañoso, en el espejismo, en esa apariencia que oculta lo peligroso y mortal, presentando esta proyección melódica oriental cuyos vapores perfumados tratan de aturdir a la Razón y a la Lógica para caer en la confianza de lo aparentemente obvio y bello. Una belleza que atrapa, que sonríe, que pide que te dejes llevar por sus destellos iridiscentes, y que mata, porque esa es su verdadera esencia: la muerte. Hasta su contacto es letal, hasta sus caricias son lesivas, hasta su perfume parece creado por una cruel hechicera, y, en el tema “Oleander”, han quedado fielmente recreados con una elegancia conceptual que provocará la más profunda admiración en los melómanos lectores de Lux Atenea. Una joya musical para disfrutar, para sentir, para experimentar a nivel mental porque “Oleander” es espectacular por este contraste absoluto entre la calidez y la sombra de la muerte. Mucho más intenso y dinámico que el tema “Foxglove” tan obscuro, aquí la magia interpretativa de Crone of the Wildwood fascina por su experta definición musical donde se funde lo oriental con lo occidental, hasta crear algo completamente nuevo en este crisol sonoro tan creativo y radiante. Conduciéndonos directamente hasta el tema “Mandrake”, de nuevo, el cambio en el escenario musical se hará presente con esta nueva perspectiva artística marcada por lo tenebroso y lo misterioso. “Mandrake” extenderá el telón de clausura de esta obra maestra con un perfilamiento que nos lleva a dimensionamientos instrumentales propios de la música tradicional japonesa, pero llevada al siglo XXI dentro de la escena post-industrial. Para concebir esta composición, lo primero que hay que tener es mucho talento y una gran experiencia en la composición musical de vanguardia, y, posteriormente, una pasión y un virtuosismo en la interpretación instrumental que solamente fluyen con esta autenticidad y profundidad artística cuando emana desde el alma. El tema “Mandrake” es el más contundente y espectacular de este álbum, y el más siniestro con diferencia porque tiene también como trasfondo lo mágico. Ese lado humano tan tenebroso que se pierde en el principio de los tiempos cuando, como especie, comenzó a conocer aquello que existe mucho más allá de lo observable y de lo aparente, encontrando en el entorno aquellas sustancias enteógenas que le permitían ver y sentir esa otra realidad oculta, cambiando completamente su mente y su perspectiva existencial. Es admirable cómo Crone of the Wildwood ha logrado recrear ese trasfondo esotérico en lenguaje musical en este tema, además de su lado mortuorio. “The Medici Poison Garden”, la esencia conceptual post-industrial llevada a su virtuosismo absoluto tanto en su definición estructural y musical, como en su mirada creativa tan adelantada a su tiempo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
“LA PERCEPCIÓN DIVINA. EL SIGNIFICADO RELIGIOSO DE LAS SUBSTANCIAS ENTEÓGENAS”, HUSTON SMITH (leer reseña)
“HISTORIA DE LA MUERTE EN OCCIDENTE”, PHILIPPE ARIÈS (leer reseña)
“LA NATURALEZA Y SUS SÍMBOLOS. Plantas, flores y animales” (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ARSHAN NAJAFI “IMAGINARY CRISIS” (AUTOEDITADO, diciembre 2024) (Reseña / Review #2261).

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Reseña Cultural nº: 2261 // Reseña Musical nº: 1448

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista iraní Arshan Najafi por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Sine-Tom // 2- Breath, Whistle and Wind // 3- Dangling Santour // 4- Visual Soundscapes // 5- Dotted Pink // 6- Strangled Piano // 7- Kamancheh on Noise
Datos técnicos: Temas musicales grabados por Arshan Najafi
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena experimental adelantada a su tiempo

A finales del mes de diciembre del pasado año 2024, el polifacético artista multidisciplinar iraní Arshan Najafi presentó su álbum de debut titulado “Imaginary Crisis”. Publicado en formato digital a través de su propia página oficial en Bandcamp, el álbum “Imaginary Crisis” ha sido engalanado con este elegante diseño creado por Roya Nouri basado en el arte fotográfico de Arshan Najafi. Sobre fondo oscuro, la luz, la armonía, y el equilibrio estético confluyen visualmente en su portada para fascinarnos con su belleza estética. A nivel musical, el joven artista iraní Arshan Najafi proyecta una creatividad sonora muy especial que sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea afín a las corrientes de vanguardia más deslumbrantes. Vertebrado por siete temas impresionantes, durante su audición se siente claramente el amplio espectro artístico desarrollado por Arshan Najafi tanto a nivel de performance, de transgresión conceptual, y de exploración sonora dentro de la música experimental, intuyéndose en estas composiciones hasta su faceta literaria como poeta por la línea de armonía presente en sus estructuras musicales, incluso en las más extremas. Como opera prima, el álbum “Imaginary Crisis” presenta los aires creativos del pionero con talento iluminando la obra con brillantez, e irradiando ese trasfondo artístico donde la exploración sonora dentro de la música concreta es desvelo. Conceptualmente ecléctico, hasta la electroacústica está presente a través de una proyección que sorprende por su experta definición sonora, pero estamos hablando de un artista de veintitrés años. Talento en estado puro, y todo inmortalizado en el álbum “Imaginary Crisis” para engrandecer la escena underground iraní de vanguardia.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta grandiosa obra musical adentrándonos en el tema “Sine-Tom” y esta atmósfera sonora experimental donde la electroacústica fluye, realza, amplía su estructura con una riqueza de matices musicales incomparable. En manos de Arshan Najafi, sumergirnos en el tema “Sine-Tom” es entrar en otra dimensión conceptual cuya complejidad sonora obligará al melómano lector de Lux Atenea a repetir varias veces su audición para poder descubrir sus matices, y este proceso de varias audiciones del tema se mantendrá hasta el final del álbum. Incluso, pinceladas instrumentales aparecerán para lanzar destellos en la composición y fijar nuestra atención, ampliando nuestros sentidos hasta estimular nuestra mente con la vanguardia artística más relevante. ¡¡¡“Sine-Tom”, delicatessen musical!!! A continuación, el tema “Breath, Whistle and Wind” presentará otra perspectiva sonora completamente distinta, acercándose a estructuras conceptuales más cercanas al post-industrial, al minimalismo, y a una avanzada perspectiva dentro de la música ambient que se hace presente en algunos de sus planos sonoros. Derivando hacia escenarios cercanos al dark ambient, el tema “Breath, Whistle and Wind” te envuelve, rompe cualquier perspectiva artística que tuvieras en mente, y esta ruptura llegará de forma radical en la parte final de la composición. Una dimensión espacial cuya inmensidad amplificará la sensibilidad del melómano, sobre todo, si disfruta este álbum en el silencio de la noche. ¡¡¡“Breath, Whistle and Wind”, la irresistible seducción del eclecticismo musical!!! Con el tema “Dangling Santour” consolidando una base sonora minimalista y obscura, sus afilados cromatismos sonoros aparecerán para quebrar, para separar, para marcar lo físico con su acción, dando continuidad a una actividad que trata de proyectarse en un entorno frío y desangelado. Matices sonoros propios del post-industrial aparecerán para romper esquemas artísticos que pudieran intuirse, porque Arshan Najafi sabe cómo sorprender, cómo mantener el equilibrio musical incluso en una estructura experimental donde el santur pierde su alma melódica para adentrarse en terrenos conceptuales más propios del dark ambient y del noise. En una performance, el tema “Dangling Santour” tiene que ser espectacular.

Aparecerá el tema “Visual Soundscapes” con el sonido de las olas llegando a la orilla, estableciendo un cíclico tempo en su estructura sobre la cual irán apareciendo vibrantes pinceladas sonoras, además de planos musicales industriales de tempo secuencial que terminan ahogando el tempo inicial del tema, llevando todo a una tenebrosa obscuridad. Este nuevo tempo sonoro lo resetea, y todo cambiará a nivel conceptual para fascinarnos con este minimalismo de corte experimental que te atrae por el calmado halo que irradia. Incluso, cuando aparezcan frecuencias sonoras propias del noise más depurado y elegante para adueñarse del tema, la sensación en la cual permanecerá el melómano lector de Lux Atenea le provocará esa mezcla de hedonismo individualista ante el nuevo descubrimiento artístico, y esa sensación extraña que eleva la mente para llevarla al ingrávido limbo. ¡¡¡“Visual Soundscapes”, impresionante!!! Conduciéndonos hasta el tema “Dotted Pink”, la inquietud surgirá desde el primer segundo a pesar de su título. Porque “Dotted Pink” hace hincapié en lo vibrante, en sus diferentes manifestaciones sonoras, orquestado Arshan Najafi esta delicada y cristalina composición que, siendo disruptiva a nivel conceptual, muta constantemente sin perder su belleza musical. Una antesala artística espectacular para luego disfrutar el tema “Strangled Piano” con un nivel de sensibilidad mucho más alto. “Strangled Piano” desarrolla una estructura inicial marcada por la pérdida del alma melódica del piano, quedando lo instrumental completamente alejado de la armonía para abrir su espectro dimensional a otra clase de sonidos muy alejados de su raíz. Todo ello integrado posteriormente con planos sonoros experimentales sobre fondo obscuro, convierten a “Strangled Piano” en el más siniestro de este álbum con diferencia. Como banda sonora de una tenebrosa escena en una película de terror, el tema “Strangled Piano” amplificaría su impacto emocional considerablemente hasta llevarlo a lo extremo. ¡¡¡“Strangled Piano”, excelsa composición con un final espectacular!!! El tema “Kamancheh on Noise” clausurará esta obra maestra musical a través de una estructura sonora basada en lo afilado, en lo cortante, en lo hiriente, llevando lo instrumental enfocado en el kamanché a su perfilamiento conceptual noise. Pero “Kamancheh on Noise” oscila entre lo industrial y el noise en un tenso desarrollo musical que llega incluso a presentar un escenario fantasmagórico. Todo en “Kamancheh on Noise” adquiere una obscuridad tan impactante como una terrible psicofonía grabada en una mansión abandonada. “Imaginary Crisis”, esplendoroso álbum de debut del artista Arshan Najafi para llevar a la música experimental iraní hasta la primera línea de vanguardia a nivel internacional. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
VARIOUS ARTISTS “VISIONS OF DARKNESS (IN IRANIAN CONTEMPORARY MUSIC): VOLUME II” (COLD SPRING RECORDS / UNEXPLAINED SOUNDS, julio 2022) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PETER MURPHY “SILVER SHADE” (METROPOLIS RECORDS, mayo 2025) (Reseña / Review #2260).

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Reseña Cultural nº: 2260 // Reseña Musical nº: 1447

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a Gary Levermore por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Swoon // 2- Hot Roy // 3- Sherpa // 4- Silver Shade // 5- The Artroom Wonder // 6- Meaning Of My Life // 7- Xavier New Boy // 8- Cochita Is Lame // 9- Soothsayer // 10 – Time Waits // 11- Sailmakers Charm // 12- Let The Flowers Grow (bonus track)
Datos técnicos: Álbum producido por Youth (aka Martin Glover)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 4- Silver Shade // 6- Meaning Of My Life // 11- Sailmakers Charm

El genial artista británico Peter Murphy es único, al igual que su espectacular voz que, quienes hemos podido disfrutar de sus conciertos en directo tanto con la mítica banda musical Bauhaus como en solitario, podemos reafirmar y remarcar como una de las más impactantes, potentes, e inconfundibles dentro de esta escena. Para Peter Murphy, los años no parecen pasar en relación a sus versátiles e intensos registros de voz, y, el próximo viernes día 9 de mayo será presentado oficialmente su nuevo álbum en solitario titulado “Silver Shade” (el mismo nombre de su propio sello discográfico inaugurado en el año 2023). Publicado a través del prestigioso sello discográfico Metrópolis Records en formato digital, en CD, en una preciosa edición limitada en 2LP 12”, y en una lujosa edición limitada de 500 unidades en 2LP en vinilo plateado, se encuentran ya disponibles en pre-pedido en las páginas oficiales en Bandcamp del sello Metropolis Records y del propio artista. Engalanado con este espectacular diseño de portada donde destaca el Clasicismo por sus claros patrones estéticos, y esa inconfundible aura del Barroco por su trasfondo emocional donde se hace hincapié en la subjetividad dentro de una perspectiva existencial, en esta imagen resalta especialmente su mirada firme y decidida, el color de sus ojos, y este inevitable fondo obscuro donde lo gótico sigue estando presente como siniestra atracción. Habiendo contado con el excelso trabajo de producción de Youth (aka Martin Glover), a nivel musical, Peter Murphy nos presenta unos fuertes contrastes conceptuales en los doce temas que vertebran este nuevo álbum, abriendo considerablemente su abanico artístico sin perder en ningún momento su esencia. Además, en “Silver Shade”, ha podido contar con la colaboración musical de ilustres artistas como Boy George (tema “Let The Flowers Grow” incluido como tema extra en este álbum) y Trent Reznor (tema “Swoon”), configurando un amplio espectro sonoro que refuerza los claroscuros musicales que definen a este nuevo álbum. Como analista cultural, si los melómanos lectores de Lux Atenea desean poder disfrutar del álbum “Silver Shade” en su plenitud sonora, ya saben que siempre recomendaré la edición en vinilo para sentir los temas musicales en su mejor registro y, con más razón aún, cuando hablamos de una de las voces más espectaculares dentro de esta escena. Es admirable cómo cuidas tu voz, ¡¡¡Chapeau, Peter Murphy!!!

Sin más demora, iniciamos la audición de este magnífico álbum con el primer tema “Swoon”, y la inconfundible marca artística de Trent Reznor, auténtico mago musical siempre adelantado a su tiempo. La fusión artística de Peter Murphy con Trent Reznor ha quedado perfectamente amalgamada, alejándose de perspectivas obscuras para proyectar dinamismo, intensidad, luminosidad, y esa deriva cosmopolita sin horizonte definido salvo en el presente perfecto. Con destellos sonoros y estructurales propios de la década de los ochenta y de los noventa, “Swoon” es inconfundiblemente estadounidense en su perspectiva creativa. Como dije en el párrafo anterior, el álbum “Silver Shade” presenta fuertes contrastes. Conduciéndonos hasta el tema “Hot Roy”, el impulso musical anterior permanecerá incorporando este plano instrumental para guitarra que lanza pinceladas melódicas y brillo a su estructura, junto a una remarcada base rítmica. En “Hot Roy”, la potente voz de Peter Murphy va anticipándonos lo que vendrá después en los siguientes temas, siendo la canción “Sherpa” donde la percusión y los teclados se consolidan como pilares de su estructura, y sobre la cual la voz de Peter Murphy se eleva como verdadero protagonista en su definición artística, lo que seguirá dando impulso al álbum. Llegando al tema homónimo del álbum, aquí empieza a oscurecerse un poco, a adquirir ese trasfondo reflexivo y existencial que tanto me gusta en la obra musical de Peter Murphy. Irradiando destellos propios de la escena post-punk británica de finales de la década de los setenta, “Silver Shade” es una auténtica delicia musical. En directo, este tema tiene que sonar espectacular porque está hecho a medida para que la voz de Peter Murphy se despliegue de forma magnética y expansiva. Esencia conceptual británica que tanto se hecha de menos en la escena actual, y que, en “Silver Shade”, hasta incorpora ese lado descarado del spleen de cara a su horizonte vital tormentoso. ¡¡¡“Silver Shade”, primera joya musical de este álbum!!!

En el tema “The Artroom Wonder”, con reminiscencias conceptuales de la década de los ochenta, Peter Murphy sigue profundizando en la subjetividad para decorar esta canción a nivel lírico, abriendo su estructura con planos melódicos muy bellos, e integrados con maestría con repentinas amplitudes dimensionales de su escenario sonoro en clave orquestal que nos llevan al siglo XXI a nivel conceptual. En directo, este tema impresionará a los asistentes a sus conciertos precisamente por estas radiantes sonoridades tan expansivas que lo caracterizan. A continuación, “Meaning Of My Life” aparecerá como la joya de la corona de este álbum. En la canción “Meaning Of My Life”, los melómanos lectores de Lux Atenea encontrarán la voz de Peter Murphy en su esplendor interpretativo como si los años, las décadas, no pasaran para él. Excelso en su poderoso registro vocal, “Meaning Of My Life” es un tema que va a más, empezando dentro de una atmósfera calmada y reflexiva para luego ir tomando impulso, hasta llegar a lo superlativo en cuanto a contundencia interpretativa. Con unos despliegues vocales de Peter Murphy casi sobrehumanos, el final del tema es brutal. Insisto, es impresionante cómo Peter Murphy sigue teniendo estos poderosos registros de voz que modula con una destreza y un sentido de armonía que a mi me impresionan. Por el tema “Meaning Of My Life”, entiendo ese trasfondo barroco presente en la portada del álbum. ¡¡¡“Meaning Of My Life”, Peter Murphy artísticamente colosal!!! “Xavier New Boy” dará continuidad a ese despliegue interpretativo pero más selénico, más underground, y con este melódico plano instrumental para piano que es una auténtica delicia fluyendo junto a su voz. Pero, en el ecuador musical del tema, “Xavier New Boy” da un cambio radical a su perspectiva conceptual, entrando en un preciosismo vocal un tanto exagerado. Desembocando en el tema “Cochita Is Lame”, su atmósfera sonora nos llevará a un escenario musical un tanto retro con reminiscencias a la psicodelia.

“Soothsayer” aparecerá con este potente rock que caracteriza a la escena estadounidense. Intenso, denso, adrenalínico, en “Soothsayer” no hay descanso posible, llevando todo a lo superlativo incluso en sus teclados. “Soothsayer” es un tema ideal para el espectáculo en directo, para llevar al público a una intensidad emocional más elevada sobre todo si se acompaña con un despliegue audiovisual muy impactante, como les gusta a los estadounidenses cuando diseñan el escenario para una gira. Los aires mediterráneos se respiran en el tema “Time Waits”, teniendo en cuenta que Peter Murphy tiene a Turquía como escenario existencial. Una influencia muy clara, sobre todo para quienes vivimos bañados por este mar, pero “Time Waits” no llega a lo embriagador, a ese misticismo de lo antiguo, a esa mirada a la vida que caracteriza a la cultura mediterránea, quedándose todo en pinceladas en su estructura musical. Y, en el excelso tema “Sailmakers Charm”, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados por su magia artística. Aquí, volverán a encontrar a Peter Murphy en todo su esplendor, con un contundente registro de voz, y con un desarrollo musical del tema que nos lleva a disfrutar de varias experiencias sonoras sin perder su sentido, su trasfondo existencial, su mirada. Si te encanta la voz de Peter Murphy, “Sailmakers Charm” te impresionará. Finalmente, la clausura del álbum “Silver Shade” llegará con el tema “Let The Flowers Grow” con Boy George y Peter Murphy como protagonistas. Me gusta la voz de Boy George y muchos de sus temas (tanto en Culture Club como en solitario), y qué decir de la voz de Peter Murphy que me parece excelsa, pero cerrar este álbum con esta canción solamente lo entiendo como tema extra. Creo que hubiera sido mucho mejor clausurar este álbum con el excelso tema “Meaning Of My Life”. En definitiva, “Silver Shade” es un álbum que no tiene los himnos musicales de culto a los que nos tiene acostumbrados Peter Murphy, pero tiene en su interior esas canciones que, en concierto, serán inolvidables. “Silver Shade”, sin duda alguna, la voz de Peter Murphy se encuentra en uno de sus momentos artísticos más especiales y esplendorosos, y, en los temas que vertebran este álbum así podrán comprobarlo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
PETER MURPHY “DEEP” (VICTORIA EDICIONES MUSICALES, S.A. / BEGGARS BANQUET RECORDS LTD, 1990) (leer reseña)
BAUHAUS “BELA LUGOSI´s DEAD (RESURRECTION TOUR – SIGNED EDITION)” (BAUHAUSMUSIK, 1998) (leer reseña)
BAUHAUS “IN THE FLAT FIELD (OMNIBUS EDITION)” (BEGGARS BANQUET, 2009) (leer reseña)
BAUHAUS “MASK (OMNIBUS EDITION)” (BEGGARS BANQUET, 2009) (leer reseña)
BAUHAUS “WENIGER IST MEHR” (leer reseña)
TONES ON TAIL “PERFORMANCE” (BEGGARS BANQUET / GRABACIONES ACCIDENTALES, 1984) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional

ANDREW OSTLER “THE BLIND SUBLIME” (COLD SPRING RECORDS, mayo 2025) (Reseña / Review #2259).

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Reseña Cultural nº: 2259 // Reseña Musical nº: 1446

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Affirmation // 2- Confession // 3- Adoration // 4- Meditation
Datos técnicos: Temas musicales grabados y mezclados por Andrew Ostler; álbum masterizado en StarDelta Audio Mastering, y remasterizado para esta edición en CD por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro del estilo ambient

Publicada por el mítico sello discográfico británico Cold Spring Records, el próximo día 9 de mayo será presentada oficialmente la preciosa edición en digipak CD del álbum “The Blind Sublime” del genial artista escocés Andrew Ostler, estando ya disponible en pre-pedido tanto en la webstore del sello como en su página oficial en Bandcamp. Originalmente publicado a finales del mes de octubre del pasado año 2024 en una edición limitada de 100 unidades en LP 12” en vinilo azul transparente, disponible a través de la página oficial del artista en Bandcamp y de la webstore de su propio sello Expert Sleepers, el álbum “The Blind Sublime” ha sido engalanado con este espectacular diseño donde destaca la belleza de su portada con fotografía a cargo de Carl Glover, proyectando ese mensaje cargado de espiritualidad, de energía, y de equilibrio mental de corte místico. Una integración de las texturas terrosas donde los relieves parecen fotografías orográficas, junto a esta intensidad cromática del azul de amplias tonalidades que irradia armonía. En su definición conceptual, los cuatro temas que vertebran el álbum “The Blind Sublime” están englobados dentro del estilo ambient, pero con una estructura musical donde destacan especialmente los coros y los pasajes sonoros del drone. Una belleza melódica maravillosa que impresionará al melómano lector de Lux Atenea que adquiera esta edición en digipak CD, sobre todo, después de haber pasado por las expertas manos técnicas del maestro Martin Bowes en su remasterización para esta edición discográfica. El álbum “The Blind Sublime” suena espectacular hasta adquirir una sonoridad casi divina, y que el genial artista escocés Andrew Ostler ha sabido estructurar y pulir haciendo un uso instrumental del saxofón y de los sintetizadores modulares de forma magistral. Martin Bowes ha amplificado su esencia artística hasta dar una naturalidad sonora a cada uno de estos temas musicales, que llevarán al melómano a otro estado de consciencia durante su atenta audición. Sin duda alguna, el álbum “The Blind Sublime” será una de las obras que más veces disfrutarán en la inminente temporada estival, precisamente por su gran belleza musical y equilibrio sonoro dentro del estilo ambient.

Iniciamos la audición de esta grandiosa obra adentrándonos en el tema “Affirmation”, ya de entrada con un pequeño anticipo musical de la presencia coral para luego ir avanzando poco a poco en esta composición como la visión de un anochecer, mientras queda apoyado todo en una base orquestal cuya languidez conduce a la calma, a esa parada vital tan necesaria para poder comenzar la reflexión. Una mirada que ya no será la misma que en la dinámica cotidiana, y una perspectiva existencial que se siente iluminando el interior sin saber muy bien a dónde nos conduce, pero la intuición no deja de enviar mensajes positivos a la mente. Un estímulo de la energía del espíritu que está conectado con el alma directamente, y no con lo humano. De ahí, la importancia del pasaje coral en la parte final de esta preciosa composición. ¡¡¡“Affirmation”, aterciopelada magia musical!!! A continuación, el tema “Confession” se presentará con muchas más sombras dentro de un escenario minimalista, y con la entrada coral va a perfilar un entorno profundamente espiritual como liberación de carga para purificar el espíritu y revitalizar el alma. La solemnidad de “Confession” es espectacular, creando esa atmósfera religiosa donde la reflexión es autoanálisis, autocrítica, además de esa mirada al interior para buscar y expulsar lo denso, lo que ata y corrompe, todo aquello que tanto repulsa el alma.

Posteriormente, el tema “Adoration” va a ir adquiriendo un impulso y una dinámica expansiva con la mente concentrada, fijada firmemente en lo místico. Un eje central de carácter espiritual que lleva al ser hacia la trascendencia, y que hace que muchos aspectos de la vida que se consideraban esenciales, inexorables, inmutables, empiecen a perder su importancia, disolviéndose en el tiempo mientras pierden su poder en la mente. En este sentido, el tema “Adoration” fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea con inquietudes místicas o religiosas por su luminoso trasfondo. ¡¡¡“Adoration”, impresionante!!! Desembocando en el tema “Meditation”, la clausura musical de este álbum toma como referencia inspiradora el camino de liberación espiritual a través de la introspección y de la elevación del plano existencial expandido en lo universal. En “Meditation”, lo divino se encuentra tanto en el interior como guía sagrado como en el espacio inconmensurable que rompe todas las ideas, prejuicios, y barreras que limitaban o condicionaban al ser. “Meditation” es el tema de mayor duración del álbum con más de diecinueve minutos, siendo una clausura musical de auténtico lujo, sobre todo por el uso del drone con sumo talento y por sus espectaculares coros. “The Blind Sublime”, quinto álbum del artista escocés Andrew Ostler para ampliar las fronteras del estilo ambient con este uso tan creativo y armonioso de los pasajes corales. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
VARIOUS ARTISTS “Электронная Музыка АНС (ANS ELECTRONIC MUSIC)” (COLD SPRING RECORDS, febrero 2025) (leer reseña)
SATØRI “PILLARS OF SALT” (COLD SPRING RECORDS, febrero 2025) (leer reseña)
IGGOR CAVALERA / SHANE EMBURY “NEON GODS / OWN YOUR DARKNESS” (COLD SPRING RECORDS, marzo 2025) (leer reseña)
THE ANTI GROUP COMMUNICATIONS (T.A.G.C.) “ISO-EROTIC CALIBRATION” (COLD SPRING RECORDS, enero 2025) (leer reseña)
VARIOUS ARTISTS “NOISE FOREST” (COLD SPRING RECORDS, diciembre 2024) (leer reseña)
PITCHSHIFTER “PEEL SESSIONS 1991-93. A BBC recording” (COLD SPRING RECORDS, noviembre 2024) (leer reseña)
BESTIA ASTRUM “FURY 161” (COLD SPRING RECORDS, noviembre 2024) (leer reseña)
400 LONELY THINGS “THE NEW TWILIGHT” (COLD SPRING RECORDS, septiembre 2024) (leer reseña)
LLYN Y CWN “MEGALITHS” (COLD SPRING RECORDS, marzo 2024) (leer reseña)
KHOST “MANY THINGS AFFLICT US FEW THINGS CONSOLE US” (COLD SPRING RECORDS, septiembre 2024) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.