“AMERICAN PSYCHO”, 2000 (Reseña / Review #1671).

Reseña Cultural nº: 1671 // Reseña Media nº: 35
Reseña actualizada. Publicada el 16 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Dirigida por: Mary Harron
Actores principales: Willem Dafoe (Inspector Donald), Christian Bale (Patrick Bateman)
Año: 2000 Duración aprox.: 98 minutos
Publicado por: COLUMBIA TRISTAR Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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Basada en la novela homónima escrita por Bret Easton Ellis, todo un best seller, la directora de cine canadiense Mary Harron se atrevió a llevarla a la gran pantalla de forma bastante arriesgada dada la complejidad existente tanto en su trama como en su personaje principal, Patrick Bateman. En toda adaptación cinematográfica de un libro, siempre hay partes del mismo que no quedan reflejadas en imágenes pero, en este caso en particular, ese aspecto artístico no ensombrece para nada el magnífico trabajo realizado. El culto a las apariencias existente en ciertos círculos de alto poder adquisitivo queda muy bien reflejado en esta película, y dentro de ese juego hipócrita para aparentar ser lo que no se es, y en un mundo en el cual se adora el maquiavélico lema de “el fin justifica los medios”, qué pueden esperar encontrar en esos ambientes y en esos círculos económicos tan competitivos. Inmersos en una dinámica existencial tan extrema, la película “American Psycho” presenta otro estilo, un estilo acorde con la jungla de asfalto donde se desarrolla su siniestra trama porque Patrick Bateman personifica la cara obscura del ser humano. Estéril en su reino esterilizado, siempre impoluto, con compostura y con una pulcritud convertida en la imagen del éxito, detrás de su sonrisa y de su cuidado corporal, detrás de este yuppie con una fortuna en su cuenta bancaria se encuentra una demoníaca sombra: la sombra del éxito profesional a cualquier precio. Patrick Bateman es un esclavo del cuerpo, un yuppie materialista y envidioso, y un adicto al dinero que hará lo que sea para que sus deseos se hagan realidad. Con una inteligencia tan afilada como una cuchilla, calculador y ordenado hasta la obsesión, cree que el mundo es su territorio, su coto privado. Ese lugar donde puede hacer y deshacer lo qué desee, cuándo lo desee, y cómo lo desee. Y si algo o alguien entorpeciera sus designios o sus caprichos, su interior sufrirá una brusca transformación que le hará pasar de la serenidad más absoluta a la violencia más salvaje porque Bateman es un individuo que no sabe controlar sus impulsos. Y no solamente no los controla, sino que le dominan. Los cinéfilos lectores de Lux Ateena comprobarán cómo la agresividad sale por cada poro de su piel cuando algo no sale como el quiere, o como el desea, y todo ello le lleva a cometer los actos más atroces con aquellos que osan ponerse por delante de él, o que simplemente le molestan en ese momento.

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Pero no se confundan, en Patrick Bateman no existe el sentimiento de culpabilidad porque su conciencia está muerta y su ataúd está enterrado bajo su piel. La indiferencia ante sus crímenes es absoluta y, es más, sus asesinatos son casi rituales. Sádico, narcisista hasta el extremo de romper los espejos con solo mirarlos, Patrick Bateman es un ser que ofrece caricias muy peligrosas. Un ser egoísta al cual los sentimientos de los demás le traen sin cuidado, y si hablamos de su sadismo, sus dibujos hablan por si mismos: su dietario se ha terminado convirtiendo en un siniestro manual de anatomía. Poco más se puede decir. Tras esta descripción de Patrick Bateman, el cinéfilo lector de Lux Atenea intuirá que el extraordinario actor Christian Bale se ha vaciado artísticamente interpretando a este difícil personaje, bordándolo en todos sus aspectos. Otro genial artista dentro de este reparto es el mítico actor Willem Dafoe en su papel como inspector, pero no tiene muchas oportunidades para explotar su personaje, quedando entre dos aguas a lo largo de toda la película. De su interpretación me quedo con esas sonrisas que no sabemos muy bien si están escondiendo un as en la manga, o son pura cortesía. Como en todo buen thriller que se precie, las escenas que verán les dejarán impresionados tanto por su intensidad como por su impacto visual, destacando escenas como la persecución por los pasillos de la planta del edificio que dejarán un poco alterado al espectador. En “American Psycho”, otras escenas que les atraerán son Patrick Bateman y su novia en el taxi con él escuchando lo último de Robert Palmer y ella organizando asuntos, cuando Patrick Bateman llama al restaurante y recibe una respuesta muy peculiar por parte de quien le atiende, la mítica escena de las tarjetas de presentación con una atmósfera de envidia y vanidad que casi asfixia, o escenas con cierto toque de humor como cuando Patrick Bateman va al cuarto de baño a saludar a uno de sus compañeros y… Por lo tanto, el espectador se preguntará si Patrick Bateman mata para ver muerto aquello que tiene en su interior y no quiere ver, mata para no ver a aquellos que piensa que están por encima de él, o mata porque se siente más allá del Bien y el Mal. Con frases como “Quiero que los demás sientan mi dolor” saliendo de su boca, habrá quien piense que Patrick Bateman es una víctima según la doctrina actual ‘políticamente correcta’, y le comprenderán y le verán más como una víctima de la sociedad en vez de como un brutal psicópata y un verdugo. “American Psycho”, ¿será todo fruto de su imaginación? ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LOS RÍOS DE COLOR PÚRPURA (les revières pourpres)”, 2000 (Reseña / Review #1668).

Reseña Cultural nº: 1668 // Reseña Media nº: 34
Reseña actualizada. Publicada el 18 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

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Dirigida por: Mathieu Kassovitz
Actores principales: Jean Reno (Comisario Pierre Niemans), Vincent Cassel (Max Kerkerian)
Año: 2000 Duración aprox.: 101 minutos
Publicado por: COLUMBIA TRISTAR Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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Sin ojos y sin manos, es encontrado el torturado cuerpo de un bibliotecario universitario colgado en la pared de un acantilado. Lejos de allí, en una pequeña ciudad se ha producido la profanación de una tumba en un cementerio y un robo en el archivo de un colegio. A estos dos hechos les une un hilo común, un nombre: Judith Hérault. Así comienza esta atrayente película, este thriller ambientado en un medio natural agreste como es la alta montaña donde los paisajes sublimes menguan considerablemente ese poder autoatribuido por el propio ser humano. Además, el asesino se presenta como una persona metódica que deja a sus víctimas exactamente como quiere que los descubran, y en un juego de pistas que permite al asesino ir situando a los investigadores en los lugares por él determinados, ahí y en ese momento, porque las reglas son sus reglas. Como punto central de este enigma se encuentra la Universidad de Guernon, una antigua institución caracterizada por su especial y cuidada selección a la hora de escoger su personal y alumnos, teniendo una gran influencia en esa zona. Dirigiéndola se encuentra un rector cuyas razones dadas en esta investigación abierta, ni convencen ni facilitan en algo la posible resolución de este escurridizo caso. A cargo de la investigación se encuentra el comisario Neumans, papel interpretado por el conocido actor francés Jean Reno, siempre permanentemente atento y concentrado en todo lo que le rodea porque no quiere que ningún detalle se le escape. En su investigación se cruzará el teniente Max, interpretado por el actor Vincent Cassel, que como un perro de presa persigue y persigue constantemente su objetivo siguiendo su rastro. Incansable, se guía fundamentalmente de su instinto y de su fino olfato investigador.

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A nivel artístico, estos dos actores dan verosimilitud a sus papeles como investigadores, y con ese realismo y minuciosidad que provocará que el cinéfilo lector de Lux Atenea se sumerja en esta intrigante trama. Como analista cultural, me parece una pena que las dos buenas interpretaciones que realizan Jean Reno y Vincent Cassel en esta película, se vean un poco ensombrecidas por las figuras de los dos policías que acompañan al teniente Max en unas escenas que quieren parecer humorísticas, y no hacen ninguna gracia. Por ejemplo, escenas como la de estos dos policías jugando con las novicias quita mucha seriedad a la película, o la patética escena protagonizada por unos skins un tanto surrealistas es muy poco creíble. En estos casos, el director de la película Mathieu Kassovitz no ha estado para nada acertado, todo lo contrario a su gran estilo y talento a la hora de grabar esas tomas artísticas que nos hacen amar al cine. Unas tomas cercanas que aproximan estos personajes al espectador y que, aunque no son visualmente espectaculares, cuidando siempre la incertidumbre te mantienen con una intriga constante hasta el final. En “Los ríos de color púrpura” podrán disfrutar de una buena película cuyos paisajes montañosos rodeando valles aislados imprimen una mayor fuerza e intensidad a esta historia. Disfrutarán viendo escenas sorprendentes como la del teniente colocando una banqueta en un local, o con la escena del hombre de los ojos vidriosos, o con escenas más tensas como la carrera del comisario por la escalera, o cuando el teniente corre por la pista de atletismo, además de escenas inquietantes como la bajada por la grieta del glaciar y la entrada en la gruta formada bajo el mismo. “Los ríos de color púrpura”, un buen thriller para ver repetidas veces con atención en busca de detalles ocultos. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SU PROPIA VÍCTIMA (dead ringer)”, 1964 (Reseña / Review #1663).

Reseña Cultural nº: 1663 // Reseña Media nº: 33
Reseña actualizada. Publicada el 24 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

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Director: PAUL HENREID Guión: ALBERT BEICH y OSCAR MILLARD
Actores principales: BETTE DAVIS, KARL MALDEN, PETER LAWFORD
País: EE.UU Año: 1964 Productora: WARNER BROS. PICTURES Duración aprox.: 111 minutos
Publicado en España por: IMPULSO RECORDS, S.L. Año: 2009 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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“Su Propia Víctima” es una magnífica película que Bette Davis rodaría tras el inesperado gran éxito del largometraje “¿Qué fue de Baby Jane?” (1962), reseñado recientemente en Lux Atenea. Un thriller dramático cuya admirable remasterización realizada para esta edición en DVD nos permite disfrutar en toda su riqueza visual, esta trágica historia protagonizada por dos hermanas gemelas: Edith (tosca, seca, y cuyas graves dificultades económicas están a punto de dejarla en la calle por no tener dinero para seguir pagando el alquiler de su casa) y Margaret (elegante, educada, una rica viuda sin hijos y muy poco afectada por el reciente fallecimiento de su marido, a cuyo entierro asiste Edith al comienzo de la película). Tiempo atrás, Margaret le quitó su amor a Edith, casándose posteriormente tras haberlo engañado diciéndole que estaba embarazada de él. El descubrimiento de ese engaño tras el fallecimiento del marido de Margaret se convertirá en el desencadenante de una venganza personal de Edith contra Margaret que la llevará a cometer un horrible crimen. Tras sustituir a su hermana y pasar a disfrutar de su confortable vida, la aparición de un policía (Karl Malden) unido a Edith y, sobre todo, del amante secreto de su hermana Margaret (Peter Lawford), acabarán complicando esa nueva vida de privilegiado status económico. La genial interpretación que Bette Davis realiza en estos dos personajes tan iguales físicamente y, a su vez, tan diferentes en su esencia tras haber sido moldeados de forma tan distinta por lo económico, termina ofreciéndonos absoluta credibilidad a esta dramática historia propia del mejor cine negro. Una trama muy bien construida y desarrollada donde la tensión y el suspense te llevan a no levantarte del asiento hasta su apoteósico final.

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Detalles como la contraseña de la caja fuerte en la casa de su hermana Margaret, la simpatía/rechazo del perro hacia sus dueños como eficaz indicador de la auténtica realidad que permanece oculta a la mirada de los seres humanos, la estética obscura y siniestra de muchos de los escenarios aquí mostrados (llegando a adentrarse en el terreno de lo tétrico y de lo macabro en algunas ocasiones), la mirada analítica de Karl Malden como pocos actores pueden ofrecernos en la representación de un agente de la ley, el uso de la máscara como clave de las relaciones humanas en sociedad (e incluso, en la intimidad), las dificultades que se presentan a Edith a la hora de adaptarse a su nuevo rol… convierten a esta película en una auténtica joya del Séptimo Arte para ser disfrutada en múltiples veladas, porque qué sería de la magia del cine si no lo pudiéramos disfrutar en la oscuridad de la noche. En el largometraje “Su Propia Víctima”, la venganza toma sentido en una persona que ha sufrido grandes carencias en su vida cotidiana tras haber sido engañada. Amor y riqueza que se alejaron de sus manos tras los maquiavélicos planes tramados por una hermana más interesada en estar rodeada de lujo y prosperidad económica, que de estar al lado de la persona a la que ama. Esta justificación al crimen cometido, que se percibe claramente en la primera parte de esta historia, es la que da al espectador esa dualidad moral entre lo socialmente condenable y la justicia tomada por la mano de una persona que no ha visto su vida realizada por culpa de un cruel engaño. Además, las difíciles situaciones a las cuales se enfrentará Edith en su papel de Margaret, llegarán a afectarla psicológicamente tanto en su personalidad como en relación a la nueva perspectiva con la cual ha de ver ahora el mundo. Un entorno al que debe engañar con eficacia para que no descubran su verdadera identidad. Además, “Su Propia Víctima” destaca cinematográficamente por las excelentes escenas y tomas rodadas, todo ello a través de la magia y de ese ambiente artístico que sólo las películas filmadas en blanco y negro pueden ofrecer al cinéfilo lector de Lux Atenea. Cine en blanco y negro que, por cierto, parece estar reviviendo una segunda época de esplendor como forma de expresión audiovisual en este inicio del siglo XXI. Algo deben tener las obras cinematográficas rodadas en blanco y negro para seguir despertando emociones entre los espectadores más cultos. “Su Propia Víctima”, excelsa película para dejarse hechizar por el hipnótico embrujo interpretativo de Bette Davis. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ÚLTIMO ESCALÓN (stir of echoes)”, 1999 (Reseña / Review #1661).

Reseña Cultural nº: 1661 // Reseña Media nº: 32
Reseña actualizada. Publicada el 15 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

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Dirigida por: David Koepp
Actores principales: Kevin Bacon (Tom Witzky), Illeana Douglas (Lisa), Kathryn Erbe (Maggie Witzky), Zachary David Cope (Jake)
Año : 1999 Duración aprox.: 95 minutos
Publicado por: LAUREN FILM, S.A. Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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Tom Witzky y su esposa Maggie asisten a una fiesta junto a un grupo de amigos, y al final de la velada empiezan a hablar sobre el poder de la hipnosis. En este grupo se encuentra Lisa, hermana de Maggie, una persona de creencias profundas en las Ciencias Paranormales y en el Más Allá. Todo lo contrario a Tom Witzky, una persona muy escéptica en esos temas. En defensa de su incredulidad y en apoyo a sus ideas, Tom decide someterse a una sesión de hipnotismo de la mano de Lisa para dejarla en evidencia. Tras esta sesión, la vida de Tom no volverá a ser la misma. Comenzará a sentirse un poco raro, y empezará a ver imágenes aparentemente aleatorias y sin conexión con la realidad de su presente. ¿Estará Tom padeciendo una sugestión post-hipnótica? ¿O tal vez tenga un estado alterado de consciencia, habiendo quedado una puerta mental abierta a todo lo que realmente hay a su alrededor? “El último escalón” es una película escrita y dirigida por David Koepp, y que podemos catalogar como de terror y suspense. Su banda sonora a cargo del mítico James Newton Howard (compositor que ya he comentado anteriormente en la reseña que publiqué sobre la película “Pactar con el Diablo”), es sugerente y se sincroniza musicalmente a la perfección con el desarrollo y con la evolución de la interesante y siniestra trama. Talento en la composición que es toda una garantía de originalidad y de sentido artístico a la hora de transmitir la esencia de un largometraje a través de su banda sonora para dar credibilidad a la acción, al momento cinematográfico, junto a otros aspectos artísticos fundamentales como son la interpretación (que analizaré más adelante), la imagen, los escenarios… Pero hay uno que, desde mi punto de vista como analista cultural, es clave, y no es otro que los pequeños detalles. Detalles como el frío que emite el fantasma y cómo afecta a todo lo que se encuentra cerca de él, la alteración del tiempo cuando se produce una aparición, la ingesta exagerada de líquidos que realiza Tom, la sucesión y la intensidad de las visiones que sufre, e, incluso, hasta la acertada relación que el director David Koepp llega a establecer entre el sexo y los estados de trance. Flashes hacia lo inexplicable, y saltos al otro lado de lo comprensible. En resumidas cuentas, detalles que acercan la ficción de esta película a la realidad del espectador para poder atrapar su interés y atraer su atención para condicionar sus emociones.

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En esta magnífica película, el actor estadounidense Kevin Bacon realiza una interpretación extraordinaria de este personaje bastante complejo por las circunstancias que ha de vivir, y padecer. Tom Witzky es un hombre con ese aire de fracasado, una persona decepcionada cuya vida familiar se ve bruscamente desequilibrada tras esa sesión de hipnotismo. En la interpretación de su papel destacaría especialmente el mensaje emocional que transmite su mirada, la rotundidad de sus gestos, y la tensión en su rostro que habla por sí solo. Si hablamos de su esposa Maggie, interpretada por la actriz Kathryn Erbe, la obsesión que empieza a observar en el comportamiento de su marido terminará convirtiéndose en una situación cada vez más difícil de llevar para una persona que no posee ni entiende ese poder. Su comprensión se limita a la Razón, pero cuando algo ha superado los límites de esa misma Razón, esa comprensión resulta una ardua tarea y, mucho más, cuando ese estado alterado de consciencia lleva a Tom a momentos de gran excitación nerviosa y a estallidos de agresividad. Complementando este selecto apartado interpretativo, el joven actor Zachary David Cope en la piel de Jake, hijo de Tom y Maggie, da un perfil perfecto para esta obscura trama haciéndola más profunda y luminosa. Además, en una película de terror y suspense no pueden faltar esas escenas que nos impacten que, en el caso de “El último escalón”, ya la primera escena dejará impresionados a los cinéfilos lectores de Lux Atenea que lo visualicen. Luego, quedarán cautivados con otras escenas inquietantes como la de Tom Witzky frente al espejo y el diente, la escena del sueño premonitorio, e incluso hay escenas con cierta gracia como la de Jake, Tom, y la guitarra, u otras escenas angustiosas como la de Maggie cuando se toma un baño, convirtiendo a esta película en una seria candidata para ser mencionada en tertulias sobre cine. Sin duda, “El último escalón” es una película cuya complejidad les llevará a descubrir nuevos detalles cada vez que vuelvan a visionarla. Por cierto, una pregunta: ¿cuántas veces necesitó repetir Kevin Bacon la escena del cubo y la ventana? “El último escalón”, abrir una puerta supraterrenal muchas veces puede resultar bastante complicado, pero lo más fácil es que volver a cerrarla pueda resultar imposible. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PACTAR CON EL DIABLO (the devil´s advocate)”, 1997 (Reseña / Review #1657).

Reseña Cultural nº: 1657 // Reseña Media nº: 31
Reseña actualizada. Publicada el 13 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

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Dirigida por : Taylor Hackford
Actores principales: Al Pacino (John Milton), Keanu Reeves (Kevin Lomax), Charlize Theron (Mary Ann Lomax), Jeffrey Jones (Eddie Barzoon), Craig T. Nelson (Alexander Cullen)
Año : 1997 Duración aprox.: 138 minutos
Publicado por: WARNER BROS. Formato : DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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Ser una persona imbatible en el trabajo debe ser una sensación muy poderosa, y si encima se recompensa ese éxito profesional siendo considerado un elegido dentro de la empresa, entonces el afortunado debe sentirse el rey del mundo. Sobre esta base existencial y humana gira “Pactar con el Diablo”, una película cuyo guión está basado en la novela homónima escrita por Andrew Neiderman. En el fondo, “Pactar con el Diablo” es un largometraje que nos habla sobre la esencia del ser humano, o mejor dicho, sobre ese Ego permanentemente insatisfecho de todo, aunque lo tenga todo. Éxito, prestigio, victorias, fama… no son otra cosa que leña en la hoguera insaciable del Ego, pero esos excesos no son gratuitos. Al final, siempre pasan factura porque el ser humano que juega a ser Dios acaba cayendo en su propio Infierno. Si hablamos de poseer bienes, de acumular cosas materiales, entonces el ser humano es capaz de cualquier cosa con tal de poder adquirirlos. Por lo tanto, el resumen de este análisis no es otro que cada ser humano no hace más por su Ego no porque no pueda, sino porque no tiene oportunidad para hacerlo. Si este ansiado bien material es el dinero, su tiempo en esta vida se irá evaporando en pro del dinero y, además, siempre las cantidades de dinero que lleguen nunca serán suficientes. Y a más dinero, menos vida compartida con quienes le quieren de verdad, y con más gente interesada acercándose.

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Los deseos, la ilusiones, la popularidad… juegan con los sueños más íntimos del ser humano en una lucha entre lo material y lo espiritual. Si quienes le quieren protestan por su ausencia en sus vidas, siempre creerá que con comprarles una jaula de oro, todo estará resuelto. Como muy bien comenta una de las protagonistas en la película, para poder ver a su marido “tiene que concertar una cita”. Pero, ¿qué sucede si todo se empieza a torcer? Siempre quedarán los vicios para tapar esos agujeros existenciales que empiezan a aparecer en su vida. Alcohol, drogas, sexo… el desenfreno absoluto para tapar la mala conciencia porque la conciencia no se deja vender, ni atontar, ni engañar por los bienes materiales ni por el éxito. De esta forma, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que visualicen esta película podrán comprobar como Kevin Lomax y su mujer Mary Ann pasan del beso continuo al beso en la cara y, de ahí, a la ausencia de contacto según Kevin va escalando más y más puestos según va ganando más y más dinero, y según Kevin va creyéndose más y más invencible satisfaciendo a su Ego. Respecto a la crítica que se observa en la película sobre el poder del sistema judicial en la sociedad moderna, sencillamente es real y omnipresente. El poder judicial es el rey de nuestra sociedad, y aquellos que forman parte de su estructura están situados por encima del ciudadano común. Todos conocemos su inmenso poder, y por algo se le llama el Poder Judicial. Las palabras hablan por sí mismas.

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Concluyendo estos análisis sobre las temáticas tratadas en esta excelsa película, otro de sus pilares principales se sustenta en los poderes ocultos que existen sobre la tierra, poderes supraterrenales que cuentan con la ventaja de la incredulidad sobre su existencia por parte de un porcentaje creciente de la población. En un mundo capitalista, materialista, donde lo material lo es todo y el dinero es el más poderoso Dios que adorar, actualmente hablar de la existencia de esos poderes que viven, se desarrollan, influyen, y marcan nuestra vida como especie es menos creíble socialmente que hablar sobre la identidad política de Caperucita Roja, o decir que el Lobo Feroz era en realidad un activista de Greenpeace. En las sociedades más avanzadas, lo espiritual está en claro retroceso y el culto a lo material disfruta de una época de gloria y de máximo esplendor en cuanto a creyentes materialistas se refiere. Entrando también en detalles técnicos y artísticos que engrandecen a esta película, destacan tanto la iluminación como los efectos especiales, realzando considerablemente cada uno de los escenarios en los cuales se mueven los personajes. Los decorados son impactantes, especialmente en la guarida de Philip Moyés y en la acuática azotea del rascacielos de John Milton. Esto, unido a una banda sonora original compuesta por James Newton Howard que ha sido armoniosamente integrada en el desarrollo de su trama, convierten a “Pactar con el Diablo” en una magna película muy bien vertebrada artísticamente. Y si hablamos de escenas impactantes, hay imágenes que se quedarán en la mente del espectador como, por ejemplo, la escena donde Kevin entra en la iglesia donde se ha refugiado su esposa, la escena donde Kevin se encuentra andando por una avenida de Manhattan desierta, o con la escena donde las estatuas de la escultura que tiene John Milton en su despacho cobran vida. Algunas escenas memorables que quedan sin mencionar, pero no conviene desvelarlo todo en una película tan excelsa y atrayente. Una curiosidad: en el trailer cinematográfico incluido en los extras de esta edición en DVD aparecen escenas que no salen en la película. Incluso se puede observar en una de las tomas la sombra de uno de los cámaras grabando la escena sobre la plataforma de una grúa (Atenea dixit). Pero una importante pregunta sigue en el aire: ¿quién es el personaje principal de esta película? Indudablemente, John Milton (Al Pacino). Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con el arte interpretativo de Al Pacino en esta película. Al Pacino da vida a John Milton no solamente con sus actos y con sus palabras, sino con el lenguaje de los gestos. Por este motivo, su sonrisa, su risa, su mirada… se convierten en detalles fundamentales a la hora de dar realismo y credibilidad a su demoníaca personalidad. Y todo ello, unido a unos escenarios absolutamente sobrecogedores (como el salto de agua de la azotea con la ciudad a sus pies) llevan a Al Pacino a convertir este largometraje en una grandiosa y tenebrosa película. Una experiencia alcanzada dentro del arte de la interpretación que está únicamente reservada a los grandes actores y actrices. Si verdaderamente aman el Séptimo Arte, no duden un segundo en ver esta película en su versión original, e inclínense ante el despliegue interpretativo y artístico que Al Pacino nos ofrece, surgiendo de su boca maravillosas frases aquí traducidas al idioma español:

Lux Atenea 4 - 1

– “Si el diablo te comenta que te cortes el pelo, ve eligiendo peluquero”
– “… (en referencia al cuello) una tierra sin dueño donde luchan la mente y el cuerpo”
– “Narcisismo, la droga más natural”
– “La culpabilidad es un pesado saco de piedras. Tienes que librarte de él lo antes posible”
– “La virtud del diablo está siempre oculta”
– “La vanidad es sin duda, mi pecado favorito”
– “Es tan bella que te deja helado”
– “La presión, la presión lo cambia todo. Algunas personas al límite, responden. Otras, fallan”.
– “Yo soy la sorpresa”

Lux Atenea 4 - 6

Como punto y final en esta reseña, he seleccionado este diálogo en la película donde John Milton realiza una cuidada y precisa radiografía existencial del ser humano en la sociedad actual. “Pactar con el Diablo”, una de mis diez películas favoritas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Coge y acerba el apetito humano hasta que puedas romper los átomos con su enorme ansia. Levanta egos del tamaño de catedrales, y con fibra óptica conecta el mundo con sus egocéntricos impulsos. Adorna las atribuciones más osadas con oropel, dólares y fantasías hasta que todo ser humano sea aspirante a emperador, sea su propio Dios, y Eddie será el resultado. Mientras buscamos nuestro propio beneficio, ¿quién cuida del planeta? El aire es más plomizo, el agua más ácida, hasta la miel tiene cierto regusto metálico gracias a la radioactividad. El mundo se acaba… No hay tiempo para pensar, para prepararse, han hipotecado el futuro, a corto plazo, pero no hay futuro. Estamos sobre un caballo desbocado. Quieras o no, el mañana está en manos de un millón de Eddies Barzoon. Un montón de capullos dispuestos a dar por el culo a este planeta de Dios, y luego lavarse las manos como si no hubiera pasado nada, para volver cuanto antes a los ordenadores para acumular sus putas horas extra, y volver luego a casa. Eres responsable de tus propios actos, Eddie. En este juego, uno no puede plantarse.”

PACTAR CON EL DIABLO

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“HELLRAISER: BLOODLINE”, 1996 (Reseña / Review #1652).

Reseña Cultural nº: 1652 // Reseña Media nº: 29
Reseña actualizada. Publicada el 12 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

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Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Dirigida por: Alan Smithee
Actores principales: Bruce Ramsay (Saga Marchant), Doug Bradley (Pinhead), Valentina Vargas (Angelique), Mickey Cottrell (Duc De L´Isle)
Año: 1996 Duración aprox.: 83 minutos
Publicado por: FILMAX Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

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La película “Hellraiser: Bloodline” es la cuarta entrega cinematográfica basada en la saga Hellraiser creada por el mítico escritor británico Clive Barker. En esta ocasión, nos encontramos en el año 2127 en el interior de la nave espacial diseñada por el doctor Merchant. El doctor ha secuestrado esta nave espacial, su obra maestra, ha dejado marchar a su tripulación y en solitario se dispone a manipular un objeto muy especial mediante un robot. El detalle de la utilización de la realidad virtual para la manipulación a distancia de objetos es una idea tecnológica que me ha llamado la atención, ya que creo que será de uso cotidiano en la exploración espacial futura. Estas escenas iniciales conseguirán que el cinéfilo lector de Lux Atenea quede enganchado a la trama de esta película desde los primeros minutos. Bloodline, linaje, y un juego que lleva siglos existiendo, Aquí el flash-back se convertirá en el método esencial en esta película para poder comprender esta historia de terror donde el doctor Merchant nos narrará la historia de este cubo mortal desde su construcción. Una obra concebida en el siglo XVIII por su antepasado Phillip L´Merchant (maestro en la construcción de juguetes) tras haber sido encargada por el señor Duc De L´Isle, siendo un guiño muy sutil al ilustre escritor decimonónico francés Villiers De L´Isle-Adam (conocido literariamente por su impactante libro “Cuentos crueles”). Las manecillas del reloj han retrocedido hasta situarnos en el siglo XVIII, el Siglo de las Luces, el Siglo de la Razón en el cual se negaría la existencia del Cielo y, por consiguiente, del Infierno. Más adelante, conoceremos el nacimiento de la demoníaca femme fatal llamada Angelique, mujer con un ansia insaciable de sangre y de poder gracias a su enérgico aliado, el tiempo. A partir de aquí, el disfrute de esta grandiosa película de terror queda en manos de los cinéfilos lectores de Lux Atenea.

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“Hellraiser: Bloodline” es una excelsa película que considero más de horror que de terror. Es posible que haya personas jóvenes que, tras haber tenido ocasión de ver esta película, les haya provocado terror, pero a un público más adulto creo que esta película les atrae más por la estética del horror que observan que por el terror que pueda provocarles. Existen excepciones, por supuesto, pero creo que esta película no destaca por sus sobresaltos o por el miedo, sino más bien por su impacto visual y, siendo más concreto, creo que para una persona gótica o para una persona atraída por lo gótico, disfruta más esta película visualizando su inquietante atmósfera y su fascinante estética tenebrosa que por los hechos que acontecen. “Hellraiser: Bloodline” es una película donde se pueden observar excelsas ambientaciones obscuras en esta atmósfera extraña pero verosímil, y cuyos decorados se convierten en un grandioso espectáculo dentro del cine de horror. Las sombras, las figuras representadas en los cuadros, las cadenas que parecen caer desde el umbral de los muertos, el material médico, los relojes, las velas, los candelabros, las cabezas de los querubines que decoran los más diversos objetos, los ganchos, las calaveras, las cabezas de animales disecadas, los plásticos manchados de sangre, los restos de carne esparcidos por el suelo, los ingenios de metal dignos de un sofisticado laboratorio de investigación especializado en tortura… todo en “Hellraiser: Bloodline” es de lo más impactante. Pero, sobre todo, destacan los siniestros pasillos que caracterizan a esta saga para describirnos el dolor y el sufrimiento con absoluta crudeza.

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Pero no todo es tan claramente obscuro en esta película. Por ejemplo, el palacio de De L´Isle es una exquisitez aristocrática digna de estos personajes cuya elegancia y caballerosidad no se encuentra para nada reñida con la intriga y la obscuridad. Un siniestro juego donde nada es lo que ven los ojos, y donde la magia ofrece su más tenebroso rostro. Duc De L´Isle nos dice que “quien invoca la magia, manda sobre la magia”, pero en la letra pequeña nos informa que el precio que se paga por su uso se llama alma. En este asunto, me gustaría destacar el extraordinario uso de la luz en esta invocación. ¿Por qué el Mal siempre ha de ser obscuridad? Por cierto, me dejaba un tema delicado que marca simbólicamente a estas películas: el uso de la sangre. En la saga Hellraiser, la sangre se hace imprescindible pero sin llegar a los usos absurdos y extremos del cine gore. Aquí la sangre se integra en comunión con el metal, otra marca fundamental de esta saga para captar la atención del espectador. Un metal que hace sangrar en su creación y que vuelve a hacer sangrar durante su uso. El metal esclaviza al hombre, lo ata, lo inmoviliza, lo hace sufrir… y el metal hace sangrar a los espíritus libres. Haciendo hincapié en los irresistibles diseños que parecen en la película, estos rozan la genialidad. Los cenobitas han sido creados para entrar en el salón de los seres de terror destinados al culto cinematográfico, y respecto al cubo, se ha convertido en un fetiche inconfundible nada más verlo. El cubo, la relación entre lo material y lo espiritual, entre lo inerte y la vida, y el Mal mostrado como un peligroso juego, siendo el cubo la máquina que no solo altera la materia sino que también interactúa con las fuerzas sobrenaturales. Y si hacemos foco en el dulce perrito de Pinhead y en el sonido de sus mandíbulas, este gesto está muy bien definido para poner nerviosa incluso a la persona más calmada en cuanto lo escuche.

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En referencia al vestuario diseñado para esta película es irresistible, quedando lo sensual mostrado en su justa dosis. El desarrollo de la trama es ligera pero creíble, quedando el suspense muy bien llevado y sin llegar a saturar al espectador. Las escenas consiguen quedarse grabadas en la mente del espectador como las marcas de estos ganchos sobre la piel, destacando especialmente algunas secuencias como la de los dos guardias de seguridad cuando descubren la puerta que no está en el plano del edificio, la escena en la cual podemos ver las lágrimas de Angelique frente al espejo y la posterior imagen de Pinhead reflejada en los otros espejos que la rodean, o el encuentro de Pinhead con los gemelos donde las palabras de Pinhead son aterciopeladamente crueles. En esta magna obra dentro del cine de horror también quedan resaltadas algunas escenas donde el diálogo es un inteligente juego de palabras que hacen que, al hablar de la película “Hellraiser”, hablemos en realidad de su personaje principal: Pinhead. Como analista cultural, un consejo: para poder sentir toda la fuerza y la tenebrosa profundidad de su voz es imprescindible escucharla en su versión original. Ya sabemos que, en el doblaje al idioma español, siempre se pierde parte de la magia en la entonación lírica de las frases, siendo una merma inevitable de su mensaje. Por su belleza lírica, a continuación muestro algunos ejemplos del trasfondo siniestro contenido en las ingeniosas frases pronunciadas por Pinhead, y traducidas al español como es obvio:

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– “Esto no es una habitación. Esto es un holocausto que está esperando su despertar.”
– “La aquiescencia humana se consigue tan fácilmente por el terror como por la tentación.”
– “¿Todavía hambriento? ¿Quizá de algo que grita mucho?”
– “Lastima que el espejo no muestre tu verdadera belleza, princesa. Quizá tu admirador humano no la perciba, pero yo si puedo oler el exquisito hedor de lo que eres en realidad.”
– “¿Daño? ¿cómo se atreve a usar esa palabra? Lo que ustedes consideran daño, sólo es una sombra. El daño tiene una cara, y se la voy a enseñar ahora mismo, caballeros. Yo soy el mismísimo daño.”
– “- La tentación es una ilusión, pero la hora de los trucos ha pasado. En este juego, nos mostramos como somos en realidad.”
– “(Angelique): ¿Qué es eso?
(Pinhead): La belleza del sufrimiento.”
– “¡Qué bella eres cuando sufres! Pero he venido a trabajar, no a divertirme.”
– “El sabor de la victoria, te aseguro que es un sabor agridulce.”
– “El jardín del Edén. Un jardín de carne.”
– “Estoy exquisitamente vacío.”
“(Dr. Merchant): Por el amor de Dios.
(Pinhead): ¿Te parece que soy alguien a quien le importa lo que piense Dios?”

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Si piensas que el placer es dolor, nadie mejor que Pinhead para comprenderte, y si no crees en el Infierno, él estará esperándote para explicártelo con detalle. Por cierto, Angelique quiere jugar contigo. Cierra los ojos, confía en ella, y responde a esta pregunta: ¿las uñas de una mujer son tu fetiche? “Hellraiser: Bloodline”, la irresistible atracción de la belleza siniestra, la irresistible fascinación que provoca el terror, y la irresistible pasión estética del cine de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“CIELO SOBRE BERLÍN (der himmel über Berlin)”, 1987 (Reseña / Review #1651).

Reseña Cultural nº: 1651 // Reseña Media nº: 28
Reseña actualizada. Publicada el 20 de enero del año 2008 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Dirigida por : Wim Wenders
Actores principales: Bruno Ganz (Damiel), Otto Sander (Cassiel), Solveig Dommartin (Marion), Peter Falk (Peter Falk), Curt Bois (el anciano)
Año : 1987 Duración aprox.: 128 minutos Publicado por: FILMAX
Formato : DVD edición coleccionista (EDICIÓN COMPRADA)

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Berlín después de la guerra. Como en las ciudades que forman parte de la sociedad occidental moderna, cada persona es un Estado dentro de otro Estado con sus ilusiones, sus problemas, sus inquietudes, sus pasiones, sus ambiciones, y sus crisis. En clave “Cielo sobre Berlín”, también en cada una de estas ciudades existen ángeles que conviven con sus habitantes, aunque no sean vistos. Son ángeles que ven, que observan directamente a la gente sin intervenir, y solamente los niños son capaces de descubrir su presencia. Cassiel y Damiel son dos de estos ángeles vestidos con largas gabardinas negras, y los ángeles han convertido la biblioteca de la ciudad de Berlín en su centro de reunión. Un lugar marcado por la quietud y la reflexión, y porque allí encuentran al ser humano recorriendo el camino más benéfico y provechoso para su existencia, para su esencia, para su interés, para encontrar esa razón de ser que no es otra que el Conocimiento. “Cielo sobre Berlín” es una película de culto perfilada artísticamente con pequeños y profundos detalles. Una película de sensaciones, de sensibilidades, de humanidad, y de desesperanza. En relación a la vida de los seres humanos, y a sus sentimientos y pensamientos, los ángeles anotan en sus diarios las características y las reacciones que más les llama la atención en relación con las personas que van encontrando, o con las que se cruzan. Por ejemplo, anotan los pensamientos de la gente en un vagón de metro, la tristeza de un niño apoyado en un muro porque otros niños no quieren jugar con él y le han dado de lado, la dura visión de un suicidio, los razonamientos de un anciano en las escaleras de una biblioteca, los recuerdos de este mismo anciano sobre una plaza que ya no existe en este presente tras la guerra salvo en su memoria… una serie de secretos e intimidades que quedan al descubierto para estos ángeles cuya vida espiritual ha quedado al margen de la cruda existencia carnal humana. En “Cielo sobre Berlín”, lo cotidiano se desvela con total nitidez a estos seres celestiales que miran, apuntan, pero no actúan. Uno de los elementos clave de la película es el circo Alekan que, instalado en un descampado de la ciudad, ofrece sus actuaciones a un público cada vez más escaso. Con una recaudación en taquilla cada vez más escasa, la desesperanza empieza a apoderarse de toda la compañía hasta llevarles finalmente a representar una actuación que será la última. Uno de los personajes principales dentro de ese espectáculo es Marion, una trapecista cuya vida artística se ve truncada con la desaparición del circo. Ante su última actuación sobre el trapecio, la escena de Marion llorando frente al espejo se convertirá en una de las escenas más emotivas de toda la película para el cinéfilo lector de Lux Atenea, y el maestro cinematográfico Wim Wenders ha sabido reflejar con sumo talento en estas imágenes la tensión existente en ese momento de esplendor previo a la gran debacle.

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Wim Wenders trabajó junto a Peter Handke en el guión de “Cielo sobre Berlín” y, a la hora de rodar, una de sus ideas más acertadas fue grabar las escenas donde se muestra el punto de vista de los ángeles usando cinta cinematográfica en blanco y negro. Por el contrario, en todo lo relacionado con los seres humanos usó la cinta cinematográfica en color. Este perfilamiento artístico unido a la grabación en distintas tomas para mostrarnos escenas con ángeles y sin ellos en tiempo casi real, hará que el cinéfilo lector de Lux Atenea se quite el sombrero ante tales muestras de ingenio. Wim Wenders es todo un experto a la hora de configurar estas imágenes rodadas para que se expresen con ese lenguaje universal que ha llevado al cine a convertirse en el Séptimo Arte. A nivel interpretativo, destaca la presencia del actor Peter Falks, famoso por haber dado vida al teniente Colombo en la exitosa serie de televisión Colombo. En “Cielo sobre Berlín” se interpreta a sí mismo, ya que Peter Falks es un actor que llega a Berlín para protagonizar una película ambientada en el recién caído régimen nacionalsocialista. Otros relevantes actores con Bruno Ganz y Otto Sander en el papel de los ángeles Damiel y Cassiel, demostrando una solvencia artística y una seriedad a la hora de dar alma a estos complicados personajes hasta conseguir que el espectador los vea con esta aura tan brillante y necesaria para darles verosimilitud. Sus gestos, sus movimientos, y, sobre todo, su pausado caminar, son toda una delicia visual para los amantes del arte en la interpretación. Otro de los personajes principales es Marion, protagonizada por la actriz Solveig Dommartin en una de las interpretaciones más difíciles por su distanciamiento y, a su vez, por su batalla mental interior, quedando muy bien reflejadas en escenas de alta intensidad sentimental. Además, como personaje fugaz pero entrañable, encontramos al anciano interpretado por el actor Curt Bois. Una persona cuya mirada nos habla por si sola sin necesidad de palabras.

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La música para esta película ha sido compuesta por el artista Jürgen Knieper, pero “Cielo sobre Berlín” depara grandes sorpresas para los melómanos lectores de Lux Atenea amantes de la música gótica. La presencia de míticos grupos musicales como Tuxedomoon (con su canción “Some guys”), Crime and the city solution (con su canción “Six bells chime”) o Nick Cave and the bad seeds (con sus canciones “The carny” y “From her to eternity”), harán las delicias de los fieles seguidores de la obscuridad en su perspectiva existencial cuando visualicen esta joya cinematográfica. Las escenas con actuaciones en directo de los grupos musicales Crime and the city solution y Nick Cave and the bad seeeds son todo un lujo visual y artístico, y fascinarán a los melómanos con gustos góticos. Los carteles que anuncian la actuación de Nick Cave and the bad seeds y que aparecen pegados en estas calles, tienen un poder fetichista tan directo que uno desearía poder entrar en esta película para disfrutar estos conciertos en vivo en ese local tan siniestro. Una de las imágenes de la película que no se me olvidará nunca es la actuación de Crime and the city solution cuando aparece Marion vestida de negro, y bailando junto a la columna. Como el anciano en esta película recordando el pasado que ha vivido, viendo esta escena no he podido evitar evadirme mentalmente por unos instantes, y ver delante de mis ojos momentos vividos en la sala Strong de Madrid cuando hace años abrió como local gótico (¡¡¡gracias Fran por esas sesiones musicales que trasgredieron con todo en aquellos años!!!). En el Strong, algunos góticos reservaban su espacio al lado de la famosa columna metálica, quedando esta delimitación bien acotada con sus pertenencias en el suelo. De allí no se movían en toda la noche como no fuera para ir a la barra a por una copa, bailando sin alejarse dos pasos de aquella columna. Hubo momentos únicos y un tanto surrealistas al ver a seis o siete góticos, y sobre todo góticas, bailando de cara a la mencionada columna. Momentos muy especiales para gente aún más especial.

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Uno de los grandes avances que ha tenido la llegada del formato DVD ha sido la incorporación de los extras en las ediciones cinematográficas. En el caso de esta preciosa publicación de la película, esta sección de extras adquiere una gran importancia al permitirnos ver esas tomas que, finalmente, fueron eliminadas de la cinta definitiva. Escenas curiosas y atrayentes como la escena del conductor contando chistes a su acompañante, la preciosa escena de la niña mirando al ángel a través del parabrisas trasero de un Volkswagen, las escenas del ángel Cassiel imitando a la gente que se paraba delante del concesionario, las pruebas de invisibilidad de los ángeles realizadas por el director, o escenas tan graciosas como la de las tartas, serían inimaginables en otras ediciones en formato de cinta de video. Y todo esto con la comodidad en el acceso a las diferentes secciones de forma rápida, y de fácil manejo a la hora de poder visualizar estas mismas escenas las veces que se quiera. Podemos ver la silueta de un ángel sentado en el asiento de un autobús, o podemos ver a ese ángel observando la ciudad subido a un monumento al lado de una estatua convertida en la síntesis del espíritu humano. Una vida, una búsqueda, y la vida humana triste y opaca es iluminada por un rayo de luz. “Cielo sobre Berlín”, la magia del cine representada en su máximo esplendor artístico por esta película de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“HOLLYWOOD Y LA MAFIA”, TIM ADLER (Reseña #1593).

Reseña Cultural: 1593 // Reseña Literaria: 257
Reseña actualizada. Publicada el 24 de marzo del año 2009 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: EDICIONES ROBINBOOK, S.L.
ISBN: 84-96924-34-5
Edición: 2008 (EDICIÓN COMPRADA)

HOLLYWOOD Y LA MAFIA TIM ADLER

Al igual que a muchos lectores de Lux Atenea amantes del buen cine, las películas de mafiosos ocupan una posición de privilegio dentro de mis preferencias cinematográficas por temáticas. Es una irresistible atracción por un estilo de cine visualmente intenso, enérgico, y duro, a la vez que elitista, glamouroso, y selecto. En una de mis visitas a las magníficas librerías que conozco en la ciudad de Valencia, encontré este libro que, en su título “Hollywood y la Mafia”, combinaba aparentemente estas dos formas opuestas de hacer negocios y de obtener grandes beneficios económicos. Como pude comprobar posteriormente leyendo estas páginas, parece que no existieron esas barreras que separaban esas dos diferentes formas de hacer dinero, y parecer ser que tampoco existen en la actualidad. Difícilmente la Mafia se ha mantenido al margen de este gran negocio cinematográfico siempre deseoso de dinero para producir películas y, como no, de ganar montañas de dinero obtenidas en un plazo de tiempo muy corto en comparación con otros negocios. Las grandes productoras dentro de la industria cinematográfica de Hollywood aparecieron a principios del siglo XX bajo la dirección de presidentes que venían en su mayor parte del mundo del espectáculo. Un mundo plagado de embusteros, farsantes, embaucadores, gente de dudosa reputación… aparte, como no, de los grandes y pequeños artistas que daban vida a ese negocio. El paso del mundo del espectáculo en vivo al espectáculo visual en cines, y más adelante del espectáculo audiovisual gracias al nacimiento del cine sonoro, no fue para nada traumático para estos grandes magnates del cine. Su estilo de dirección y gobierno, al más puro estilo feudal, convirtieron a sus respectivas empresas en unas fábricas de hacer dinero rápido y en grandes cantidades, regidas por la ley del soborno, del chantaje, de la manipulación informativa, y de la impunidad ante la ley. Y todo esto, mucho antes que los ojos de la Mafia se fijaran en esta rica y esplendorosa industria.

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Convertir grandes cantidades de dinero en auténticas montañas de dinero era el pan nuestro de cada día dentro del mundo empresarial cinematográfico. Gracias a una financiación que nunca faltaba debido a los grandes beneficios que prometía, gracias a unos actores y actrices que se convirtieron de la noche a la mañana en grandes estrellas veneradas y admiradas por el público, gracias a una red de distribución amplia y eficaz que estaba controlada completamente por las propias productoras, y, sobre todo, gracias a una auténtica explosión de aperturas de salas de cine (controladas también por las productoras) con las cuales satisfacían la creciente demanda de ciudadanos dispuestos a pagar una entrada para ver a sus venerados ídolos en la gran pantalla, acabaron convirtiendo a la industria del cine en uno de los negocios ideales para la Mafia. Podían blanquear ingentes cantidades de dinero negro procedente de sus negocios ilícitos sin levantar sospecha (pocos casos ha habido de enjuiciamientos por financiación ilegal en la historia del cine norteamericano), podían sacar un dinero extra con la extorsión a presidentes, directores, actores y actrices… con vidas un tanto turbias, y además controlando ciertos canales dentro de la producción y de la distribución, también podían hacer negocios muy lucrativos gracias a las posibilidades de actuación y sabotaje legal que ofrecían sus propios sindicatos (otra tapadera de la Mafia, y con una imagen bastante más humana y justa de cara a la sociedad). Con unas perspectivas de negocio tan elevadas, y con grandes beneficios apareciendo en campos tan amplios y diversos dentro de esta industria, la presencia de la Mafia dentro del mundo cinematográfico de Hollywood no se demoró mucho tiempo a partir de los años veinte.

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Presidentes de grandes compañías chantajeados con la paralización de proyectos, actores sobornados para que sus oscuras apetencias no salieran a la luz, trabajadores obligados a formar parte de un sindicato si querían seguir conservando su puesto, salas de cine obligadas a tener una doble contabilidad para poder ‘retirar’ un buen pellizco de las ganancias sin levantar sospecha alguna al fisco… serán relaciones que se establecerían a partir de entonces entre dos mundos que hablaban el mismo lenguaje, por lo que estaban condenados a entenderse y, como no, a odiarse. Como los cultos lectores de Lux Atenea podrán comprobar en estas páginas, en esta relación no todo fue el desvío de grandes sumas de dinero entregadas a las manos de la Mafia. Nada en esta vida es tan sencillo y lineal. Hollywood les dio glamour a los mafiosos con sus exitosas películas, y la Mafia les sirvió en bandeja una garantía de éxito entre el público que todavía se sigue manteniendo pero que muy viva. Con el tiempo, los mafiosos aprendieron a comportarse como tales gracias a Hollywood, y Hollywood aprendió cómo conseguir grandes éxitos de taquilla con las películas de mafiosos aprovechándose del mito del mundo de la Mafia extendido entre la población. “Hollywood y la Mafia”, si quieren conocer muchos más detalles sobre esta relación de amor/odio, recomiendo la lectura de esta extraordinaria obra escrita por Tim Adler. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

HOLLYWOOD Y LA MAFIA - TIM ADLER

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“DE PIXAR AL CIELO. Mis Años Con Steve Jobs y Cómo Reinventamos La Industria Del Cine”, LAWRENCE LEVY (Reseña #1585).

Reseña Cultural: 1585 // Reseña Literaria: 253
Reseña actualizada. Publicada el 5 de marzo del año 2018 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias a EDICIONES DEUSTO (GRUPO PLANETA) por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Publicado por: EDICIONES DEUSTO
ISBN: 978-84-234-2905-9
Edición: Enero 2018 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 272

de pixar al cielo lawrence levy DEUSTO

PIXAR. Sí, en mayúsculas: PIXAR. Para quienes amamos el arte con alma dentro del cine de animación por ordenador, hablar de Pixar Animation Studios es hablar del equipo creativo cuyo talento ha cambiado completamente el fascinante e irresistible universo cinematográfico de la animación. Con el genial John Lasseter a la cabeza, ya desde la década de los ochenta con el mítico y oscarizado cortometraje “Luxo Jr” (1986) nos hechizó dando vida a una lámpara de escritorio como nunca antes se hubiera hecho. No es de extrañar que esa misma lámpara animada se convirtiera en el icono por excelencia de Pixar porque, con ella, comenzó este resplandeciente Big-Bang para iluminar y reavivar conceptualmente el mundo del cine de animación a partir de ese momento. Años después, con el exitoso largometraje “Toy Story” (1995), producido por Walt Disney Pictures y Pixar, una nueva era cinematográfica nacía con excelsos frutos artísticos que no han dejado de sorprendernos y de enamorarnos a través de personajes icónicos en la actualidad, protagonizando historias fantásticas e increíbles como “Bichos (A Bug’s Life)”(1998), “Toy Story 2” (1999), “Monsters Inc” (2001), “Buscando a Nemo (Finding Nemo)” (2003), “Los Increíbles (The Incredibles)” (2004), “Cars” (2006), “Ratatouille” (2007), “WALL-E” (2008), “Up” (2009), “Toy Story 3” (2010), “Cars 2” (2011), “Brave” (2012), “Monsters University” (2013), “Inside Out” (2015), “The Good Dinosaur” (2015), “Buscando a Dory (Finding Dory)” (2016), “Cars 3” (2017) y “Coco” (2017) en una serie de éxitos de recaudación jamás conocida anteriormente en la Historia del Séptimo Arte dentro de la temática de animación. Los cultos lectores de Lux Atenea han visto y disfrutado muchas de estas películas, incluso algunas varias veces, admirando el genial talento artístico mostrado en cada uno de estos largometrajes mientras la inagotable creatividad de Pixar no deja de dar vida a nuevos personajes en escenarios y tramas inimaginables. Pero una cosa es quedar cautivado por magnas obras artísticas creadas por una productora cinematográfica que ha logrado convertir su marca en sinónimo de prestigio y de innovación dentro del competitivo mundo de la animación, y otra es ese otro lado oculto a la mirada de la ciudadanía cuya labor es esencial para que una empresa obtenga beneficios, o sea, para que garantice el presente y el futuro económico de ese equipo creativo y artístico que tantas alabanzas recibe por parte del público y de los medios de información. Y es que, sin beneficios y sin inversión, una empresa, sea la que sea, se dedique al sector que se dedique, o tenga el mayor y más dorado prestigio en su sector, está condenada a la desaparición si no consigue precisamente ese beneficio, ese resultado positivo en sus cuentas que garantice su existencia dentro del mercado, sobre todo, en un medio empresarial y artístico tan competitivo e impredecible como es el cine. Por este motivo, cuando en el mes de noviembre del año 1994, un genio tan revolucionario e irrepetible como Steve Jobs (1955-2011) llama al autor de este libro para que se encargue del departamento financiero de Pixar, debido a los problemas que esta empresa económicamente deficitaria e insostenible le estaba suponiendo de cara al futuro, el destino de Pixar dará un giro de 180 grados hasta llegar a ser lo que conocemos actualmente: la productora estadounidense de referencia dentro del cine de animación por ordenador.

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Cuando en el año 1971, el talentoso director de cine George Lucas crea la productora Lucasfilm Limited, no solamente nacerá el terreno artístico donde surgirán las míticas sagas cinematográficas de Indiana Jones y Star Wars, sino que este innovador director se adelantará a su tiempo al tomar consciencia de la importancia que van a tener los efectos especiales creados por ordenador en las futuras películas que producirá la industria del cine y del entretenimiento. Por este motivo, en Lucasfilm, en el año 1979 se crea el departamento de computadoras llamado The Graphics Group para crear y trabajar con tecnología avanzada dentro del campo de la animación y de los efectos especiales por ordenador, convirtiéndose en la semilla de lo que será Pixar. Algunos años después, en 1986, Steve Jobs comprará The Graphics Group a Lucasfilm por 5 millones de dólares para transformarse en Pixar, una empresa dedicada a la animación por ordenador y a la comercialización de su propio programa de software RenderMan para la creación de imágenes en 3D, junto a aplicaciones dedicadas para crear efectos (plugins). Además, el equipo técnico y creativo de Pixar Animation Studios también quería producir el primer largometraje de animación por ordenador en la Historia del Cine, un sueño que se acabará convirtiendo en realidad en el año 1995 con la futura película “Toy Story”. Pero antes, retrocedamos al año 1994, al mes de noviembre cuando Steve Jobs llama a Lawrence Levy para que se haga cargo del departamento financiero de Pixar Animation Studios. Con una carrera profesional dedicada al Derecho y al mundo financiero, el complejo y velado mundo de los negocios dentro del ecosistema empresarial de Hollywood era un terreno absolutamente desconocido para Lawrence Levy. Pero sus dudas profesionales quedarán dejadas a un lado cuando visita la sede de Pixar, tomando consciencia del arte de vanguardia que se está creando allí. La verdad es que me sorprendió mucho comprobar en los primeros capítulos del libro cómo el autor, con un perfil claramente tradicionalista y racionalista, cae inexorablemente seducido por lo emocional y por lo sentimental en cuanto la magia de la animación Pixar toca su fibra sensible. Una característica psicológica de su personalidad que, en los dos últimos capítulos del libro, queda nítida y cristalinamente aclarada en vista a las inquietudes espirituales y existenciales que predominan en Lawrence Levy. Su parte racional le hace ser consciente del delicado estado económico en el cual se va a mover debido a que Pixar es económicamente deficitaria. Tanto es así que el departamento financiero, del cual se va a hacer cargo el autor de este libro, su responsable cada mes ha de pedirle a Steve Jobs que le firme un cheque con una cantidad de dinero para poder pagar las nóminas y los gastos de la empresa de ese mes. La experiencia empresarial y la lógica financiera le dice a Lawrence Levy que esta situación convierte a Pixar en una empresa financieramente inviable, sobre todo cuando además llega a conocer el contrato firmado por Pixar con Disney cuyas claúsulas y condiciones imposibilitan una salida financiera en positivo en el corto, medio, y largo plazo. Si a ello le sumamos que el departamento de Pixar dedicado al avanzado programa RenderMan consume un elevado porcentaje de recursos humanos y financieros en su venta a clientes y, sobre todo, en darles soporte técnico post-venta, todo se pone racional y empresarialmente en contra de Lawrence Levy para aceptar este nuevo trabajo de responsabilidad. Pero, insisto, la magia Pixar ha poseído su espíritu desde el primer instante que pudo ver las primeras secuencias de animación de la futura película “Toy Story”, las cuales le enseñaron en su primera visita a la sede. Lawrence Levy ha visto talento artístico, ha sentido en su interior la esencia del cine como Arte, y, sobre todo, Lawrence Levy ha visto con sus propios ojos cómo el cine de animación por ordenador va a fascinar al público en un futuro no tan lejano si se da estabilidad financiera a Pixar. Y quiere formar parte de este equipo, de esta empresa dedicada a crear sueños hechos realidad en la gran pantalla.

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A partir de aquí, el libro “De PIXAR al Cielo” entra en una dimensión menos artística en cuanto a la descripción técnica y creativa, quedando todo enfocado a las fases de reestructuración financiera y empresarial que Lawrence Levy tuvo que organizar y llevar a cabo para convertir a esta productora cinematográfica en quiebra económica, en una empresa próspera y financieramente solvente en los siguientes años. Con la financiación como eje principal de su política empresarial, la delicada situación de Lawrence Levy entre el dueño de la empresa (Steve Jobs) y los trabajadores de Pixar (enfadados con Steve Jobs por no haber cumplido con las promesas que les hizo después de haber comprado la empresa), convirtió la inestabilidad diaria en el medio cotidiano dentro del cual tuvo que moverse hasta ir enderezando poco a poco la nefasta situación económica en una línea empresarial estructural y financieramente solvente. Paso a paso, Lawrence Levy irá eliminando todo aquello que era económicamente inviable en Pixar para concentrar recursos y personas en aquello que verdaderamente va a transformar a esta productora en una empresa económicamente independiente. Por este motivo, y viviendo actualmente en este nuevo mundo post-moderno con reglas empresariales y financieras nuevas en constante cambio donde los emprendedores y las empresas emergentes (start-ups) están adquiriendo mayor importancia en la economía mundial, y en el tejido empresarial y comercial de las naciones, el libro “De PIXAR al Cielo” se convierte en una guía empresarial de referencia en temas directamente unidos a la creciente influencia de estas nuevas startups en el ecosistema comercial dominado por las grandes corporaciones, y cómo sobrevivir en ese entorno negociando con ellas. “De PIXAR al Cielo” también servirá de gran ayuda a aquellos profesionales dedicados al departamento financiero de una empresa en crisis, ya que en sus páginas podrán encontrar una excelente guía para convertir a su empresa en una compañía comercial financieramente rentable y próspera. La impecable, arriesgada, y decidida re-estructuración financiera llevada a cabo por Lawrence Levy en Pixar fue espectacular, llevando incluso a esta productora a poder capitalizarse y a formar parte del Nasdaq, convirtiendo las acciones de Pixar en uno de los valores más rentables a partir de ese momento. Finalmente, la compra de Pixar por Disney por 7.400 millones de dólares en enero de 2006 (en el año 2012, Disney también compraría Lucasfilm por 4.050 millones de dólares), no solamente garantizó el futuro financiero y empresarial de Pixar y convirtió a Steve Jobs en multimillonario al ser el mayor accionista de la empresa, sino que ha creado una sinergía Pixar-Disney que si sus directivos saben gestionar, estableciendo planes estratégicos de futuro que garanticen la solvencia de la empresa y la inversión en tecnología y talento que dé continuidad a la creatividad artística, las películas de Pixar van a seguir protagonizando la cartelera de cine durante muchas décadas.

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Pero hay un elemento ineludiblemente unido a esta interesante obra que, adentrándonos en terrenos empresariales relacionados con la pérdida de estímulo en la vida a pesar del éxito profesional conseguido, el libro “De PIXAR al Cielo” también servirá a aquellas personas cuyo vacío interior no deja de crecer pese al éxito de su carrera profesional. En los últimos capítulos de esta interesante obra, Lawrence Levy parte de ese laberinto existencial interior que tanta insatisfacción le produce hacia una nueva perspectiva existencial donde lo espiritual adquiere una importancia clave en su mirada al mundo, en el sentido de su existencia, y en la trascendencia de nuestras acciones y pensamientos dentro de un orden espiritual más humano y, a su vez, más universal en su plano existencial más elevado. Y es que la temática de esta obra es simbólicamente un círculo trascendente y vital que, partiendo de lo racional, material, y profesional, desemboca en lo místico y espiritual para, una vez asimilados ambos, fusionar su esencia existencial en una nueva luz interior donde los dos crean un Todo. Ese Todo es la Vía del Medio, un camino espiritual practicado por Lawrence Levy y su esposa, y que divulgan actualmente en el Centro de Meditación Juniper (Estados Unidos de América). “De PIXAR al Cielo”, el fascinante universo artístico, la magia del cine de animación, el inmisericorde mundo financiero, el éxito comercial y bursátil más esplendoroso, y la espiritualidad del budismo tibetano vertebrando esta magna obra empresarial de imprescindible lectura y análisis en esta segunda década del siglo XXI. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

DE PIXAR AL CIELO LAWRENCE LEVY

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PELÍCULA / FILM “CARRETERA PERDIDA (lost highway)”, 1996 (Reseña / Review #35).

Reseña Cultural nº: 35 // Reseña Media nº: 3
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 25 de noviembre del año 2010.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

david lynch carretera perdida lost highway DVD

Director: DAVID LYNCH Guión: DAVID LYNCH y BARRY GIFFORD
Actores principales: PATRICIA ARQUETTE (Renee Madison / Alice Wakefield), BILL PULLMAN (Fred Madison), BALTHAZAR GETTY (Pete Dayton), ROBERT BLAKE (hombre misterioso), ROBERT LOGGIA (Mr. Eddy / Dick Laurent), MICHAEL MASSEE (Andy), JACK NANCE (Phil), RICHARD PRYOR (Arnie), GARY BUSEY (Bill Dayton), NATASHA GREGSON (Sheila)
País: EE.UU Año: 1996 Productora: LOST HIGWAY PRODUCTIONS. INC. Duración aprox.: 123 minutos
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. AÑO: 2006 Formato: CAJA 2 DVD´s EDICIÓN LIMITADA (EDICIÓN COMPRADA)

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Lo primero que me gustaría decir al culto lector de Lux Atenea antes de que siga leyendo esta reseña cinematográfica es que, personalmente, considero y valoro a la película “Carretera Perdida (Lost Highway)” como la película más extraordinaria y excelsa que haya disfrutado nunca entre todas las grandiosas obras del Séptimo Arte que he visualizado hasta el momento. Una mirada subjetiva que, indiscutiblemente, condicionará este análisis artístico debido al estado de absoluta fascinación que esta película me provoca cada vez que la vuelvo a disfrutar. “Carretera Perdida (Lost Highway)” ha sido la única película que, a día de hoy, he ido a verla en cinco ocasiones a una sala de cine desde su estreno, y no dejaría pasar la oportunidad de repetir esta experiencia si en España hubiera salas de cine que proyectaran películas clásicas y de culto, e incluyera este largometraje en cartelera. Y es que la virtuosa genialidad artística que el director estadounidense David Lynch nos muestra en cada una de sus obras cinematográficas, eleva aún más la grandeza del cine non-mainstream a través de escenas únicas que quedan grabadas en el inconsciente de todo espectador que las presencia. Esta es la magia del Séptimo Arte aplicada a la imagen, a la trama, a la estética propia de un estilo único a través del cual David Lynch nos hace ver el mundo con los ojos de ese ser humano real, alejado de las falsas esencias espirituales con las cuales le gusta ser retratado y que son más propias de fantasías mitológicas y moralidad religiosa, que de la auténtica realidad del ser humano como retorcida e implacable especie depredadora de su propia especie. Dentro de esta difícil y complicada temática psicológica y espiritual abordada por el maestro David Lynch en alguna de sus películas, “Carretera Perdida (Lost Highway)” destaca por encima de todas ellas por su crudeza a la hora de mostrar la siniestra y cruel realidad de lo cotidiano. Al cinéfilo lector de Lux Atenea no le hace falta irse muy lejos del lugar donde vive para encontrar a personas con existencias tan trágicas y corruptas como las aquí mostradas, y solamente hace falta analizar un poco cómo está nuestro mundo en el siglo XXI para ver a David Lynch más como un incómodo revelador de esa realidad oculta, de todo aquello que no queremos ver ni conocer, que como un talentoso director de cine que hace películas con tramas complejas, escenas impactantes, y poso conceptual muy obscuro sin más pretensiones.

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Cuando disfruté esta colosal e inquietante película el día de su estreno oficial en una sala de cine madrileña, fue toda una sorpresa el poder encontrar en su magnífico reparto a actores de gran profesionalidad y categoría artística como Robert Blake, cuyo protagonismo en la serie “Baretta” es sencillamente inolvidable para las personas de mi generación. O a Robert Loggia, un impresionante actor con una fuerza para trasmitir credibilidad en pantalla cuando interpreta a personajes relacionados con la mafia, que ya hizo fijarme en su pasión interpretativa desde la primera vez que le vi actuar en la mítica serie de televisión “S.W.A.T. Los Hombres de Harrelson”. O Richard Pryor que, tristemente, esta fue su última aparición en un largometraje, pudiendo verle en “Carretera Perdida (Lost Highway)” dentro del taller mecánico de coches en una silla de ruedas debido a la esclerosis múltiple que padecía en aquel momento. Un actor de Hollywood que será inolvidable por las películas cómicas que protagonizó junto a otro gran actor como Gene Wilder. O también Michael Massee, un excelente actor de auténtico lujo cuando interpreta papeles de villano, de asesino, o de personas infames en una película y es que, con sólo verlo en pantalla, te crees de inmediato ese personaje. Al igual que Jack Nance, magnífico actor que ya es todo un clásico en el reparto de algunas de las películas y cortometrajes rodados por este genial director.

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A la hora de ponerse a rodar una película, se nota que a David Lynch no le gusta trabajar con grandes estrellas situadas en lo más alto de la fama y del éxito. David Lynch quiere arte en sus películas, y no los focos o el famoseo de turno. Eso no quita que, para dar vida a los complejos personajes que protagonizan sus películas, pueda contar con algunos actores y actrices reconocidos internacionalmente por el público. Eso sí, si una actriz o un actor famoso entra en el reparto de una de sus películas, tengan por seguro que su exaltado Ego hace ya tiempo que quedó sosegado en pro de la calidad artística, de la entrega, y de la pasión interpretativa. Tanta entrega exige David Lynch a sus actores que, por ejemplo, no he vuelto a ver al actor Bill Pullman interpretar de tan manera magistral a un personaje en la gran pantalla, como dando vida al tenso y complejo personaje de Fred Madison en esta película. Y, por supuesto, en esta excelsa película sería imposible no mencionar la irresistible atracción que la actriz Patricia Arquette nos ofrece en varias escenas, dando ese toque de morbo y de glamour a un personaje que se mueve psicológicamente entre dos polos opuestos muy inestables: lo sensual y lo corrupto. Su interpretación del personaje dual Renee Madison / Alice Wakefield impecable, transmite realidad, dando profundidad y personalidad a esta femme fatal materialista e inmisericorde. Y si alguno de los cultos lectores se ha quedado perplejo y, a su vez, atraído por la enigmática presencia del Hombre Misterioso en “Carretera Perdida (Lost Highway)”, interpretado por el actor Robert Blake, también le aconsejaría que viera y disfrutara la película de culto “Carnival of Souls” ya reseñada en Lux Atenea, para adentrarse un poco más en las raíces conceptuales de ese personaje tan siniestro, tan risueñamente siniestro.

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“Carretera Perdida (Lost Highway)” es un drama cinematográfico donde su misterio, donde el suspense, donde el plano existencial espiritual, dan solidez a esta intrigante trama que nos muestra a personas normales y cotidianas marcadas por un karma inflexible, y que, de forma cíclica sigue condicionando sus vidas aunque sus almas se reencarnen y vivan en otro cuerpo, en otra época, o en otras circunstancias. “Carretera Perdida (Lost Highway)” es un largometraje donde se señala a los seres humanos como individuos inexorablemente atraídos por el Mal, por todo lo perverso, por todo aquello que les llevará a la perdición a través del señuelo del placer, o de sentirse dueños de un destino que ya perdieron en el mismo momento de nacer. Una película de amores imposibles, de atracciones carnales imposibles de rechazar, de purezas imposibles de mantener. En resumidas cuentas, de felicidades imposibles de alcanzar aunque, aparentemente, puedan presentarse en momentos muy especiales en compañía de otras personas que también disfrutan engañándose a sí mismos a través del constante engorde de su Ego, eternamente insatisfecho. Este espectacular largometraje muestra la esencia del ser humano a través de sus crueles actos, viviendo un presente donde se creen dioses sobre la tierra porque pueden hacer todo lo que su caprichoso Ego quiere, sin pensar en ningún momento en las consecuencias que esas acciones traerán consigo tanto a ellos como a los demás.

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Los fotogramas de “Carretera Perdida (Lost Highway)” destilan corrupción humana, huelen a insatisfacción crónica del individuo, resaltando especialmente a los siete pecados capitales como carta de presentación de nuestra especie en el mundo real en el que vivimos, aunque el espectador pueda no querer admitirlo a simple vista. Una extraordinaria película cuyas escenas irradian vigor y energía humana en personajes muy poderosos, ya que pueden comportarse en este mundo como jueces de todas aquellas personas que se cruzan en su camino, como si su presencia sobre la tierra estuviera tocada por un don divino que los situara más allá del Bien y del Mal. Individuos egoístas, insensibles y tenebrosos que aspiran a ser los nuevos dioses, y que, para conseguir ese objetivo, no dudarán un segundo en sacrificar lo que sea y a quien sea para poder lograrlo. Así de cruda y de real se presentará la película “Carretera Perdida (Lost Highway)” al culto lector de Lux Atenea tras haber convertido lo cotidiano en algo terriblemente opuesto a ese mundo feliz que, desde nuestra infancia, la sociedad trata de inculcarnos a través de la influencia familiar, de los amigos, de la religión, del mundo laboral, de las relaciones amorosas, de la vida familiar… En definitiva, en esta película lo cotidiano se presenta siempre como un Infierno, no porque a David Lynch le guste el Mal, sino porque este mundo es y ha sido siempre así de lúgubre y demoníaco desde el nacimiento del primer ser humano en este planeta. En “Carretera Perdida (Lost Highway)”, la Humanidad es mostrada así de maléficamente corrupta porque así es como le gusta vivir al ser humano en su sociedad, diseñando esa misma sociedad de acuerdo a principios absolutamente hipócritas cuyo objetivo es cubrir todas sus corruptelas. Basándonos en esos principios, e independientemente de la época o de la cultura que elijamos, comprobaremos siempre que quienes tienen el poder, inexorablemente lo ejercerán a voluntad y capricho sin que nadie pueda hacer nada por impedirlo. Aquellos que no lo tienen, aspiran a que algún día puedan estar ellos en el privilegiado lugar de quienes poseen ese mismo poder para hacer exactamente lo mismo. Y, en esta reseña cinematográfica, no les estoy hablando del poder desde el punto de vista de la política en particular, sino de todos los estratos que vertebran la sociedad en general. Un poder humano despótico que se presenta siempre en su más corrupta esencia ya sea en la familia, en las amistades, en el mundo laboral y de los negocios, en los placeres carnales… en todo aquello en lo que el ser humano fija su interés, y acaba moldeando a su gusto y capricho. Por este motivo, todo es cíclico en la obscura trama de esta película como si fuera la rueda del Destino que no para de girar y girar en el tiempo para volver siempre al principio, sin que nada haya cambiado.

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Podía hablar de muchos otros planos artísticos de este complejo largometraje como, por ejemplo, en relación a su especacular banda sonora (ya reseñada en Lux Atenea) que, como analista cultural non-mainstream, valoro personalmente como la mejor y más excelsa que haya escuchado y disfrutado hasta el momento para engrandecer una película. En el fondo, “Carretera Perdida (Lost Highway)” es una obra cinematográfica de corte gótico, o más bien decadentista, donde el abanico visual y conceptual es tan abierto que tanto lo sensual como lo psicodélico, tanto lo violento como lo selecto, tanto lo visceral como lo racional, al final encuentran su sentido en esta jungla de emociones intensas que proyecta su oscura trama en el espectador. Además, a todos los lectores de Lux Atenea que quieran informarse más en profundidad sobre este mítico largometraje, les aconsejaría que adquirieran esta edición limitada publicada por Cameo Media ya que contiene un segundo DVD con extras, incluyendo dos interesantes entrevistas realizadas a David Lynch en los años 1996 y 2005, además de entrevistas a actores y actrices como Bill Pulman, Patricia Arquette, o Robert Loggia. “Carretera Perdida (Lost Highway)”, el universo Lynch adentrándose en la psicología humana para destapar todas sus inmundicias a través de la bella y siniestra estética de sus imágenes rodadas. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

CARRETERA PERDIDA LOST HIGHWAY 1996

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.