Reseña Cultural nº: 122 // Reseña Media nº: 10

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 20 de enero del año 2013.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

País: EE.UU Año: 2002
Productora: A&E TELEVISIONS NETWORK
Duración aprox.: 180 minutos
Publicado en España por: TRACK MEDIA, S.L.
AÑO: 2010 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

Dirigido por John Jopson y Patrick Taulère, y con música original compuesta por Andrew R. Powell, esta edición en DVD de la serie “Esparta” publicada por Track Media, S.L. incluye sus dos episodios (“Código de Honor” y “Mareas de Guerra”) cuya temática está basada en la cultura espartana, en su sociedad y su historia. Un impresionante trabajo audiovisual que destaca sobre todo por su relevante información histórica en la cual han colaborado expertos investigadores de la categoría de Steven Pressfield (autor del libro “Puertas de fuego”), Apostolos Athanassakis (profesor de estudios helénicos, USCB), Joshia Ober (profesor de Ciencias Clásicas en la Universidad de Princeton), Victor Hanson (profesor de Ciencias Clásicas en la Universidad de California), Jennifer Roberts (profesora de Ciencias Clásicas e Historia en la Universidad de Nueva York), Paul Cartledge (profesor en la Universidad de Cambridge), Paul A. Rahe (profesor de Historia en la Universidad de Tulsa), Barry S. Strauss (Universidad de Cornell) y Donald Kagan (profesor de Ciencias Clásicas e Historia en la Universidad de Yale). Y es que hablar de Esparta es hablar de uno de los pueblos europeos más recordados en la actualidad, destacando especialmente por la orientación militar de su sociedad en busca de la hegemonía en su área. Un modelo de sociedad marcada por la austeridad y por la sobriedad en su vida cotidiana que ha convertido a la palabra “espartano” en su más fiel e imperecedero sinónimo. Una brillante civilización europea que inventó los campos de entrenamiento de reclutas, el asalto frontal, o la educación pública subvencionada por el Estado, además de resealtar el espíritu de lucha hasta la muerte para mantener su dignidad al ser una sociedad entregada en cuerpo y alma al ideal, a la entrega, a la virtud, y al desinterés en el servicio a la comunidad, a la pureza, a la armonía y al orden… valores por los que sería admirada en todas las ciudades-estado griegas de la época. Esparta estuvo plenamente definida con valores inamovibles como su independencia y su libertad como pueblo ante cualquier interferencia exterior, por su identificación absoluta con las raíces tradicionales asociadas a su territorio, y por su obsesión con el éxito militar en el campo de batalla como clave de su supervivencia. Una moral militar indestructible que, si nos remontamos al año 480 antes de Cristo con la batalla en el paso de las Termópilas donde combatieron en aplastante inferioridad numérica (7.000 soldados griegos contra decenas de miles de soldados persas), ha convertido a los trescientos espartanos dirigidos por el rey Leónidas en un mito universal. Momento imborrable y eterno en la Historia de Europa protagonizado por estos inconfundibles soldados portadores de escudos visiblemente marcados con la letra lambda, el símbolo de Esparta. Sin duda alguna, con este extraordinario DVD, los cultos lectores de Lux Atenea podrán hacer un viaje a través del tiempo para conocer la historia de Esparta al detalle desde sus inicios.

Esparta encuentra su origen en las tribus dorias que en el siglo XII antes de Cristo invadieron toda Grecia de norte a sur al mando del rey Lacedemón, el cual, pondría nombre a este territorio en su honor, Lacedemonia o también llamado como Laconia, y el nombre de la reina a su capital, Esparta. A partir de ese momento, Laconia iniciaría un periodo de esplendor cultural y artístico que, siglos después, sería bruscamente parado tras el estallido de las Guerras de Mesenia provocado por la gran explosión demográfica experimentada en Esparta, y que les llevaría a la conquista de más tierras para poder mantener a esta creciente población. Los mesenios eran un pueblo de origen dorio también y Mesenia era más grande y tenía más población que Esparta, pero sería finalmente conquistada, motivo por el cual, su gran población fue sometida a un régimen brutal de represión por los propios espartanos para poder controlar y explotar este inmenso y rico territorio, principalmente agrícola y con importantes yacimientos de mineral de hierro que serán clave para su supervivencia como ciudad-estado fuerte hasta convertirse en la más poderosa de Grecia. Los mesenios, rebautizados como “ilotas” por los espartanos, pasaron a convertirse en la mano de obra al servicio de Esparta, sobre todo en labores agrícolas al serles asignados tierras que debían explotar y de cuya producción tenían que dar un porcentaje importante a sus amos espartanos. Esta nueva situación provocó profundos cambios en la forma de vida espartana, llevándoles a una remodelación estatal que cambiaría totalmente el destino de sus vidas en pro de la optimización militar y de la solidaridad social. Cada espartano empezó a formar parte de una nueva comunidad donde las estrictas reglas le llevarían a asumir una creciente responsabilidad con el conjunto de la sociedad, y cuya firmeza y sacrificio tenía que ser inquebrantable. Esparta, a través de las nuevas leyes dictadas por Licurgo orientadas a la inamovible disciplina, fue poco a poco convirtiéndose en una sociedad militar donde su población viviría plenamente orientada a la guerra, siendo su eficacia lo que traería el éxito a lo largo de los siglos. El fruto de tal esfuerzo por su firme dedicación militar no tardaría en llegar, encumbrando a esta ciudad-estado gracias al prestigio y a la gloria que traerían consigo sus victorias, y al valor y al espíritu de sacrificio que caracterizaban al soldado espartano.

La nueva sociedad espartana, con la que pasarían a la posteridad, estaba constituida por una poderosa élite de unos diez mil hombres que se autodenominaban como homoioi, “los iguales”. Una sociedad de iguales donde su fortaleza estaba cimentada en la unidad. Por esta razón, la nueva sociedad espartana militarizada empezó a identificarse muy claramente por su carácter homogéneo que les otorgaba esa obediencia, estabilidad y orden que tanto necesitaban en su nueva situación para prosperar y salir victoriosos. En la nueva sociedad espartana, los niños eran criados para ser soldados y las niñas para ser madres en el futuro. Un nivel social por debajo de los homoioi estaban los perioikoi, “los de los alrededores”. Unas cincuenta mil personas libres sin poder político alguno, pero que eran los responsables de tener todo siempre preparado en caso de conflicto (armamento, bienes, reservas…), y dentro de esta responsabilidad que fue clave para el mantenimiento de su poderosa fuerza militar, no había lugar para manifestación artística alguna, por lo que el enriquecimiento y la evolución cultural de su sociedad se paralizó. En Esparta, todos y cada uno de los esfuerzos estaban dedicados en exclusiva para la guerra, y no para la Cultura. Finalmente, en la base principal sobre la cual se sostenía la sociedad espartana estaban unos cien mil ilotas, o sea, los antiguos mesenios, pero en Esparta, tanto perioikoi como ilotas no eran considerados como ciudadanos.

Basada en un sistema de gobierno monárquico, Esparta tuvo la particularidad de estar dirigida por dos reyes que gobernaban en conjunto, evitando de esta forma que un solo hombre pudiera acumular todo el poder del Estado. Y siempre estando bajo la supervisión de un consejo de ancianos mayores de sesenta años llamado Gerusia, por lo que Esparta era una gerontocracia de facto. A un nivel inferior estaba constituida la Asamblea de Ciudadanos, formada por homoioi de más de treinta años. Supervisando toda esta estructura estatal se encontraban los Éforos, con un mandato limitado a un año, y que tenían poder de decisión y de veto sobre todos ellos, incluidos los reyes. Sin duda alguna, una inteligente estructura que ofreció gran estabilidad a Esparta durante un largo periodo de tiempo. Además, su insistencia a la hora de dar igualdad a todos los espartanos, tanto en bienes, posesiones y riquezas, les llevó a dar el mismo nivel de vida a todos por igual por lo que eliminaron tanto el dinero como el comercio como fuentes de riqueza privada. El Estado espartano, con su espíritu de igualdad, incluso llegó a establecer un mismo estándar para los enseres de las casas para que nadie tuviera más que nadie. La austeridad fue la norma a todos los niveles del Estado, independientemente de la posición social. Todos los hombres entraban a formar parte de la estructura militarista del Estado a partir de los siete años con su entrada en la agogé, educación espartana, licenciándose a los veinte años para pasar posteriormente a formar parte de esta estructura militar hasta la muerte. Pero, antes de licenciarse, a los mejores se les seleccionaba para formar parte de la Criptia, organización de seguridad secreta espartana encargada de aterrorizar a la población ilota a través del asesinato. En relación a las mujeres espartanas, se les enseñaba desde muy jóvenes a ser fuertes para ser madres ya que debían traer los mejores hijos a la comunidad. En Esparta, no estaba bien visto relacionarse con extranjeros, y cuando un espartano salía al exterior, su desarraigo era absoluto.

Tras doscientos años de estabilidad en sus fronteras, Esparta empezó a pensar en extender su área de influencia más allá y, en el siglo VI a.C., Esparta se impondría a otras ciudades-estado como Tegea, Argos y Corinto hasta unificar todo el Peloponeso. A principios del siglo V, la amenaza persa (liderada por Darío I) sobre toda Grecia se convertiría en el origen de las Guerras Médicas, siendo el punto de partida de la expansión del área de influencia espartana en territorio heleno. Cuando Jerjes, hijo de Darío I, llegó al poder en el imperio persa, la invasión de Grecia se convirtió en una realidad y el protagonismo que Esparta adquiriría llegaría a su máxima expresión en el paso de las Termópilas con el heroico sacrificio de los trescientos espartanos del rey Leónidas (18, 19 y 20 de agosto del año 480 a.C.). Después de la victoria ateniense en la batalla naval de Salamina (septiembre del año 480 a.C.), los espartanos demostrarían en Platea (27 de agosto del año 479 a.C.) por qué eran la fuerza militar terrestre más potente de Grecia. Habiendo desaparecido el peligro persa provisionalmente, el enfrentamiento entre Atenas y Esparta se hizo inevitable debido a sus ansias de hegemonía en el mundo griego, llevándolas a crear sendas alianzas de ciudades-estado: la Confederación de Delos dirigida por Atenas y la Liga del Peloponeso liderada por Esparta.

Atenas alcanzaría la supremacía naval y Esparta la hegemonía terrestre, enfrentándose directamente entre ellas en el largo conflicto militar conocido como la Guerra del Peloponeso (431-404 a.C.) que desembocaría en la victoria de Esparta y, por consiguiente, en su supremacía dentro del mundo griego, pero pagando un alto precio en cuanto al prestigio y a la invencibilidad de su ejército tras la derrota que sufrieron en Pilos (425 a.C.), donde incluso algunos soldados espartanos se rindieron a las fuerzas atenienses cayendo prisioneros. Esparta había triunfado y tenía la hegemonía, pero esa posición de dominio absoluto duraría un corto periodo de tiempo debido a la intransigencia y a la incapacidad de Esparta para integrar a las diferentes ciudades-estado griegas en un frente común. El inicio del ocaso del poder espartano había comenzado. Las revueltas y el rechazo al férreo dominio espartano se extendieron por el Egeo, incluso, entre sus tradicionales aliados, Tebas y Corinto. Pocos años después de su victoria en la Guerra del Peloponeso, la derrota de Esparta se hizo realidad a manos de los tebanos en Leuctra (año 371 a.C.) y en Mantinea (año 362 a.C.), emergiendo Tebas como nuevo poder hegemónico en Grecia. El tiempo de la superioridad militar de los hoplitas espartanos había pasado, y nuevas tácticas y estrategias dejaron totalmente obsoletas a sus fuerzas armadas. En el siglo IV, Esparta entró en decadencia, llegando a ver invadido su territorio por los tebanos, los cuales, incitaron a los ilotas (mesenios) a la sublevación contra los espartanos. Y Esparta sin Mesenia, perdería definitivamente su poder. En definitiva, en este interesante DVD los cultos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de ciento ochenta minutos de Historia europea convertida en una aventura audiovisual de imprescindible visualización. “Esparta”, excelente e ilustre serie sobre la ciudad-estado más fascinante e inmortal en la Historia de la Antigua Grecia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 121 // Reseña Musical nº: 70

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 10 de noviembre del año 2018 en la 39ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 39th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Edición reseñada: Álbum digital
Fecha de publicación: Octubre 2018
Sello discográfico: THE RORSCHACH GARDEN
Tracklist: 1- The Screen Traveller (Neo) // 2- I Am A Tree // 3- Neo Tribute // 4- Dreams In Progress (Neo) // 5- Up Into The Future // 6- Two Worlds // 7- Right Now // 8- Levitation (Neo) // 9- Deadly Politics // 10- We’re All God // 11- Neurobeat // 12- Basement Rehersal // 13- Accident // 14- Future Worlds // 15- Fears Of The Rich // 16- The Grey Array // 17- Fading
Artistas: Philipp Münch (bajo, percusión, sintetizadores, programaciones, y vocalista)
Trabajo musical: The Rorschach Garden, salvo el tema “The Grey Array” con música compuesta por Philipp Münch y Axel Keule, y lírica escrita por Philipp Münch
Datos técnicos: Álbum producido por Philipp Münch
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- I Am A Tree // 4- Dreams In Progress (Neo) // 7- Right Now

El grandioso álbum “Funeral Party” fue presentado el pasado 31 de octubre en formato digital a través de la página oficial en Bandcamp de The Rorschach Garden, estando inicialmente disponible en libre descarga para luego pasar al simbólico precio de 1 euro tras el elevado número de descargas recibidas por parte del público. El álbum “Funeral Party” viene engalanado con una mortuoria imagen de portada en cuya fotografía, las lápidas de este antiguo cementerio presentan ese estado de progresiva decadencia e inexorable olvido, y con el color en blanco y negro en amplia escala de grises creando esa disolución ambiental del tiempo y del espacio. Incluso la imagen de la base del tronco del árbol cortado es perfecta como tenebrosa alegoría de la vida ya desaparecida, aumentando la intensidad emocional que transmite esta portada de siniestra belleza. Y es que el genial artista alemán Philipp Münch, alma máter de The Rorschach Garden, ha vuelto a sorprendernos con otro contundente despliegue de talento musical en este nuevo álbum vertebrado por diecisiete temas. Una inteligente fusión de dark-electro con electrónica experimental, decorada con pinceladas sonoras high-tech, melodías synth-pop, planos sonoros Sci-fi ambient, dimensionamientos musicales minimalistas, y una cuidada lírica interpretada por Philipp Münch con la solemnidad vocal que le caracteriza. Sin duda alguna, un radiante álbum que encantará a los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena musical electrónica por su calidad, y por su complejidad estructural donde la vanguardia es equilibrio artístico por encima de todo. Iniciamos la audición de este extraordinario álbum adentrándonos en el universo sonoro electrónico de The Rorschach Garden con el primer tema “The Screen Traveller (Neo)”, recreando escenarios high-tech de ambientación futurista donde el mundo es algo más que lo visible y táctil en el nuevo continente digital. Los ojos del individuo sobreestimulados con esta sucesión de imágenes que crean fascinación y pérdida de identidad propia. Musicalmente más tenue se presentará la magnética canción “I Am A Tree”, con un cuerpo melódico experimental muy fluido que temporalmente pasará a un segundo plano con la inquietante textura dark-electro que acompaña a su lírica, conduciéndonos hasta el tema “Neo Tribute”, donde nuestro entorno adquiere luminosidad y dinamismo gracias al incesante movimiento melódico multicapa de esta estructura sonora que invita al positivismo y a la visión optimista del futuro, presentándose en su fase final estos pasajes musicales cuyo estilo se engloba conceptualmente dentro de la mítica Escuela de Berlín de los setenta.

Todo se volverá emocionalmente frío en el tema “Dreams In Progress (Neo)”, de ahí el retorno al estilo dark-electro pero manteniendo la atmósfera melódica electrónica bajo la influencia de la Escuela de Berlín. En “Dreams In Progress (Neo)”, en los sueños no hay sentimientos, sino acciones controladas hasta en su más mínimo detalle para evitar el error, ese factor sorpresa inesperado que puede cambiar el orden establecido y previsto como si fuera un cisne negro hecho realidad. ¡¡¡“Dreams In Progress (Neo)”, impresionante!!! Siguiendo esa misma línea conceptual, en el tema “Up Into The Future” todo se acelerará en una espiral endiablada donde la voz distorsionada perturba la lírica, quedando lo tecnológico por encima de lo humano para definir y perfilar su destino, siendo “Two Worlds” el que recree ese mundo sobrepasado por el nuevo sistema, por el nuevo orden, y por la interpretación del mundo más avanzada donde la energía es la fuente principal de donde emana el movimiento y la evolución, quedando todo digitalizado y automatizado en el espectacular tema “Right Now”, transformando esta sublime belleza musical en la gélida mirada de la lógica a través de un cuerpo robotizado en una sociedad absolutamente capitalizada. ¡¡¡“Right Now”, ecos sonoros de la Singularidad!!! El tema “Levitation (Neo)” elevará el sentido de la realidad a un plano metafísico, quedando el sentido de la vida indefinido y sin base material alguna para quedar expuesto a la influencia directa del misterio omnipresente, apareciendo “Deadly Politics” con estos cromatismos sonoros high-tech donde el universo musical electrónico crea espacios nuevos y texturas sintetizadas de hipnótico influjo mental. El tema “We’re All God” presenta un tempo poderoso y colosal para transmitir el halo imparable de la voluntad humana libre de ataduras morales y éticas, imprimiendo un movimiento firme y decidido que, en clave musical directamente influida por el EBM y el Sci-fi ambient, en “Neurobeat” se trasladará al plano psicológico donde la obscuridad es dominante salvo en la parte iluminada por la Razón y la lógica.

En cambio, bases rítmicas techno serán lo que definan al tema “Basement Rehersal”, de estructura musical minimalista y psicodélica plasticidad sonora, surgiendo la canción “Accident” con parámetros Sci-fi ambient más pronunciados hasta convertirse en la antesala ideal del vibrante tema “Future Worlds”, donde el techno con reminiscencias de la década de los ochenta te embruja, te embriaga, te lleva a otro estado de ánimo más cercano a la selénica desinhibición. Un nuevo cambio de estilo musical, y el dark-electro de la canción “Fears Of The Rich” derivará hacia visiones futuristas cyberpunk en un mundo distópico, tensándose todo el escenario en el tema “The Grey Array” con este plano melódico de épico impulso y acelerado tempo sintetizado, transformando el synth-pop en una delicia musical perfecta para ser disfrutada en esta época tan afín a los sonidos retro. Con el tema “Fading” clausurando este extraordinario álbum, el spleen existencial hará acto de presencia para contrastar lo deseado y esperado respecto a la realidad gris y a la insatisfacción crónica del Ego, quedando la luz de lo espiritual alejándose lentamente en el horizonte. “Funeral Party”, aires melódicos e ideas musicales de ecléctica personalidad electrónica embelleciendo cada uno de estos temas de The Rorschach Garden. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 119 // Reseña Musical nº: 68

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 1 de noviembre del año 2018 en la 38ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 38th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico italiano FINAL MUZIK, y muy especialmente a GIANFRANCO SANTORO, por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Digipak CD con libreto de ocho páginas, edición limitada de 500 unidades (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Julio 2018
Sello discográfico: FINAL MUZIK
Código de referencia: FM-24
Tracklist: 1- Death Went Fishing // 2- Mad As The Mist // 3- Night Harmonium // 4- Invoke Hecate // 5- Old Ladies As Birds // 6- Errant Desires // 7- Pathless // 8- She Raises Her Eyes // 9- A Coat // 10- Descent // 11- Fieldwork // 12- Arrow // 13- Red And Golden Fire
Artistas: Martyn Bates y Alan Trench
Artistas invitados: Elizabeth S. “Lisa” (vocalista en el tema “Pathless”)
Trabajo musical: Twelve Thousand Days, salvo la lírica de los temas “Mad As The Mist”, “A Coat” y “Arrow” basada en la obra del ilustre poeta irlandés William Butler Yeats (1865 – 1939)
Trabajo artístico: Alan Trench (fotografía), R. Loftiss (fotografía)
Datos técnicos: Álbum producido por Alan Trench en Bridge House; temas grabados en Nuneaton y Zarakes; álbum masterizado por wmfono
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical, sobre todo en esta elegante edición en CD

A finales del pasado mes de julio, el prestigioso sello discográfico italiano FINAL MUZIK presentó el excelso álbum “Insect Silence” de Twelve Thousand Days en formato digital y en una lujosa edición limitada de 500 unidades en digipak CD con libreto de ocho páginas. Engalanado con un fascinante diseño de simbólica estética en su portada, es precisamente la unión de lo antiguo con lo vanguardista en su belleza visual lo que más atrae la atención de nuestra mirada. Formado por los míticos artistas Martyn Bates (Eyeless In Gaza) y Alan Trench (Orchis, Howling Larsons), el retorno de Twelve Thousand Days a la escena musical non-mainstream no ha podido ser más contundente en este cuarto álbum dentro de su prestigiosa carrera discográfica, presentando en este nuevo trabajo musical una irresistible fusión conceptual de folk y rock, pero pasado por el tamiz de los setenta en cuanto a su definición musical y vocal, junto a la ilustre presencia cultural del poeta irlandés William Butler Yeats (1865 – 1939) en la lírica de los temas “Mad As The Mist”, “A Coat” y “Arrow”. Vertebrado por trece espectaculares temas, el álbum “Insect Silence” tiene ese regusto musical retro de la década de los setenta reactualizado con maestría por el dúo Twelve Thousand Days con innovadoras perspectivas sonoras que son propias de este siglo XXI. Sin más demora, iniciamos la audición de esta joya musical con los aires melódicos del primer tema “Death Went Fishing”, viniendo a la memoria el ambiente musical de la década de los setenta donde el folk y el rock se dieron la mano dentro de la psicodelia. “Death Went Fishing” posee esa alma artística pero amplificada por esta voz rota y rasgada del crooner, transmitiendo una autenticidad musical que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea. A continuación, el poeta irlandés William Butler Yeats podrá su exquisita lírica en la preciosa canción “Mad As The Mist”, siendo la evanescencia del sonido de la guitarra clásica lo que defina musicalmente a este tema mientras se mantiene el aura interpretativa de los setenta en su plano vocal, conduciéndonos hasta la composición “Night Harmonium” con la magia de su trasfondo musical melódico que evoca lo melancólico, y todo envuelto en una sedosa estructuración instrumental de selénico magnetismo. ¡¡¡“Night Harmonium”, una delicia!!!

Elevando aún más su carácter espiritual, la excelsa canción “Invoke Hecate” convertirá su dinamismo melódico en un obscuro ritual donde la voz se mantiene en un segundo plano en cuanto a su protagonismo, siendo testigo del hecho y testimonio del acto ceremonial. La entrada de la guitarra eléctrica con alma sonora distorsionada nos ofrece ese matiz innovador que hace que la audición de “Invoke Hecate” sea aún más intensa y apasionante, invitando al disfrute de varias audiciones más antes de sumergirnos en los ecos del pasado recreados en la composición instrumental “Old Ladies As Birds”, con esa brumosa textura melódica inexorablemente unida al alma musical folk que ve potenciado su hipnotismo sonoro por la obscuridad ambiental de donde fluye. Lo atmosférico y etéreo verán potenciado su hechizo sonoro en el magnífico tema “Errant Desires” dentro de una languidez melódica inicial que se irá volviendo más y más siniestra según va evolucionando la canción, hasta que el plano vocal pare ese obscurecimiento de su belleza musical para retornar a lo evocador, apareciendo “Pathless” con un espíritu mucho más luminoso en su eje musical central, pero fantasmagórico y sobrecogedor en sus planos instrumentales, siendo la armoniosa combinación de registros vocales masculino y femenino donde “Pathless” destaca especialmente como tema. La colaboración de la vocalista Elizabeth S. “Lisa” en esta canción nos ofrece esas pinceladas interpretativas que, aunque sutiles, marcan la diferencia, y que unido a su parte instrumental final en clave sonora experimental, hacen resaltar a “Pathless” como el tema más complejo, innovador y vanguardista de este álbum, y con más de dieciséis minutos de duración.

Volviendo al estilo musical inicial, la canción “She Raises Her Eyes” presenta un escenario instrumental y vocal unido a la visión idílica, a la estimulante iluminación mental ante la belleza de lo contemplado delante de los ojos, quedando lo cotidiano reflejado en el tema “A Coat” a través de la grandeza lírica del poeta irlandés William Butler Yeats admirablemente interpretada a nivel vocal, para luego adentrarnos en los góticos pasajes sacros de “Descent” con una sublime atmósfera instrumental de espíritu musical experimental que impresionará a los melómanos lectores de Lux Atenea por su dramática aura melódica. ¡¡¡“Descent”, espectral definición sonora!!! Pero el folk y la psicodelia de “Fieldwork” harán que la luz vuelva a imprimir un dinamismo sonoro más inquieto y jovial, siendo la breve antesala del tema “Arrow” donde se mantendrá a la flauta en su protagonismo instrumental melódico, combinándose en esta ocasión con la guitarra clásica y la encantadora lírica del poeta irlandés William Butler Yeats. Clausurando este extraordinario trabajo musical, el tema “Red And Golden Fire” será un nuevo despliegue de brillantez a través de este resplandeciente caleidoscopio sonoro donde la iridiscencia es absolutamente cautivadora. Desde luego, es difícil encontrar álbumes dentro de esta escena musical que reunan tanta calidad artística y tanta genialidad mostrada en la composición de cada tema, convirtiendo a este álbum en una radiante obra maestra. Como analista musical non-mainstream, escribir esta reseña ha sido un gran placer. ¡¡¡Chapeau, Twelve Thousand Days!!! “Insect Silence”, folk, rock, alma musical de la década de los setenta, e innovación conceptual vertebrando esta joya discográfica con un despliegue de talento interpretativo espectacular. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 118 // Reseña Musical nº: 67

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 6 de noviembre del año 2018 en la 39ª SEMANA MUSICAL NON-MAINSTREAM / 39th NON-MAINSTREAM MUSIC WEEK.

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense PROJEKT RECORDS por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Fecha de publicación: Noviembre 2018
Sello discográfico: PROJEKT RECORDS
Código de referencia: PRO355
Tracklist: 1- I Close My Eyes And Watch The Galaxy Turning (part I + II) // 2- Does anything remain? (part III + IV) // 3- In My Memories // 4- The Stars // 5- On Some Faraway Beach // 6- All Of The Things I Wanted // 7- To Touch The Milky Way
Artistas: Sam Rosenthal (armonio, piano, guitarra acústica, electrónica, coros y vocalista)
Artistas invitados: Brian Viglione (The Dresden Dolls) con la batería y el bajo, el violinista Nick Shadow, el instrumentista Chase Dobson, el guitarrista Walter Holland (Amber Route), y los sublimes vocalistas Michael Plaster y Danielle Herrera
Trabajo musical: Sam Rosenthal
Trabajo artístico: Sam Rosenthal (diseño y fotografía), Mercy West (modelo)
Datos técnicos: Álbum producido por Sam Rosenthal; temas grabados entre los años 2017 y 2018 por Sam Rosenthal en The Lust Garden (Portland, Oregón, Estados Unidos de América); masterizado por Howard Givens en Spotted Peccary Studios (Portland, Oregón, Estados Unidos de América)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical

El pasado viernes, día 2 de noviembre, fue presentado oficialmente el nuevo álbum de Black Tape For A Blue Girl titulado “To Touch The Milky Way”. Sus fieles seguidores que venimos disfrutando de la legendaria obra musical de Black Tape For A Blue Girl desde el comienzo de su carrera musical (álbum “The Rope”, Projekt, PRO20, 1986; CD original ya reseñado en Lux Atenea), estamos de enhorabuena con esta contundente y espectacular demostración de vanguardia musical y de innovación conceptual dentro de la escena cultural non-mainstream actual. Sam Rosenthal, alma máter de Black Tape For A Blue Girl, con absoluta brillantez vuelve a mostrar su privilegiado talento en la composición y su alma artística pionera en cada uno de estos temas cuyo trasfondo existencial invita a la reflexión. Publicado a través del mítico sello discográfico estadounidense PROJEKT RECORDS dirigido por Sam Rosenthal, este impresionante álbum está disponible en formato digital, en una edición limitada de 1000 unidades en digipak CD de cuatro paneles y libreto de ocho páginas, y en una preciosa edición limitada de 300 unidades en LP 12” en vinilo blanco y marrón. “To Touch The Milky Way” viene engalanado con un magnífico diseño creado por Sam Rosenthal, haciendo uso de sus propias fotografías tras haber tenido como modelo a Mercy West. Su impactante portada de trasfondo metafórico, con la figura del andrógino como pilar simbólico principal, presenta al individuo con características espirituales a la hora de armonizarlo en este desolado e inhóspito entorno. Pero el individuo no está integrado en este luminoso e inescrutable mundo, sino expectante, tratando de entender lo que le rodea, de ahí el mensaje existencial que transmite nítidamente esta imagen. En el álbum “To Touch The Milky Way”, Black Tape For A Blue Girl ha podido contar con la colaboración de artistas profesionales de prestigio como Brian Viglione (The Dresden Dolls) con la batería y el bajo, el violinista Nick Shadow, el instrumentista Chase Dobson, el guitarrista Walter Holland (Amber Route), y los sublimes vocalistas Michael Plaster y Danielle Herrera. Vertebrado por siete excelsos temas, a nivel técnico, quisiera destacar el extraordinario trabajo de masterización realizado por Howard Givens, convirtiendo la audición del álbum “To Touch The Milky Way” en una auténtica delicia musical. ¡¡¡Black Tape For A Blue Girl en estado puro!!!

Sin más demora, nos sumergimos en la atmósfera solemne del primer tema “I Close My Eyes And Watch The Galaxy Turning (part I + II)” de textura sonora dark-ambient, abriéndose lentamente como un ritual de trascendencia mientras la voz de Michael Plaster va revelando una realidad incomprensible para el Ego, para el individuo, para el alma encarnada que anhela volver a su verdadero mundo mirando al universo. Mirando la colosal rueda del tiempo imparable en su movimiento circular que siempre retornará a su punto inicial, mientras el ser con consciencia despertada no deja de preguntarse el sentido de su existencia. Con el dark-ambient inicial evolucionando hacia un estilo ambient con planos sonoros atmosféricos, las pinceladas instrumentales de esencia ritual darán ese trasfondo existencial a esta excelsa composición final que nos llevará directamente hasta el tema “Does anything remain? (part III + IV)”, donde el registro de voz de Danielle Herrera es perfecto para transmitir estas sensaciones propias del individuo solitario inseguro de todo, incluso de sí mismo. Los pasajes melódicos del armonio, en manos de Sam Rosenthal, adquieren ese halo reflexivo a través de una espiritualidad tan frágil como el spleen decadentista siempre bailando existencialmente al borde del abismo, quedando éste recreado musicalmente en el dinámico plano de percusión interpretado por las expertas manos de Brian Viglione. ¡¡¡“Does anything remain?”, delicatessen musical!!!

La esencia artística de Black Tape For A Blue Girl tendrá su continuidad en el maravilloso tema “In My Memories”, con el piano como maestro de ceremonias instrumental de esta canción melancólica donde la voz de Michael Plaster y los coros de Danielle Herrera y Sam Rosenthal, crean este entorno de radiante riqueza cromática en su cautivadora alma musical. Calor, recuerdos, amor… en el pasado, traen consigo el anhelo, la sensación de que se vivió algo único, irrepetible, y que no aparecerá más a lo largo del resto de la existencia, creando con ello la sensación de vacuidad vital a través de una llama interior que se va apagando poco a poco sin que se pueda hacer nada. Música atmosférica de corte etéreo y elegante neoclasicismo de auténtico lujo en esta segunda década del siglo XXI. Posteriormente, “The Stars” dará continuidad a la presencia del amor pero desde una perspectiva terrenal y humana que mira al cielo, al universo. La luminosidad melódica e instrumental que caracteriza a Black Tape For A Blue Girl en sus composiciones, estará presente en este tema tanto a nivel instrumental como vocal en esta ocasión, con la suave voz de Danielle Herrera fluyendo como el éter divino que irradia vida. En su preciosa lírica, los melómanos lectores de Lux Atenea quedarán sorprendidos con el trasfondo filosófico y metafísico que transmite, partiendo de la base de la imperfección humana, de su falta de armonía intrínseca, y de su constante sensación de inseguridad vital en un mundo que siempre le resulta incomprensible en su raíz más profunda. En definitiva, el amor como elemento salvífico, el ser asumiendo la imperfección de la condición humana, y su mirada esperanzadora al cielo en busca de la verdadera razón de su vida.

Danielle Herrera seguirá proyectando la magia lírica en el tema “On Some Faraway Beach”, pero esta canción es muy introspectiva, incluso tan implacablemente dura como el individuo solitario de cuerpo tatuado con las cicatrices que da la vida, y que analiza sus actos y los hechos a través del juicio sumarísimo que hacen consigo mismas las almas perdidas. Aquí, el neoclasicismo es superlativo en cuanto a su grandeza artística, siendo el piano y la viola los que definan melódicamente su cuerpo musical con tan irresistible hechizo emocional. “On Some Faraway Beach” tiene luz, pero esa luz intensa que deslumbra y hacer perder el sentido y la orientación al ser. Y del neoclasicismo llegaremos a lo atmosférico fusionado con el post-rock en el tema “All Of The Things I Wanted”, de nuevo, con Sam Rosenthal y Danielle Herrera creando estos coros a Michael Plaster cuya intensidad interpretativa es mucho mayor, encontrándose mucho más cómodo en este nivel de registro sonoro que en los temas anteriores. El tempo marcado por Brian Viglione a la batería… ¡¡¡maravilloso!!! Por puro placer, repito varias veces la audición del tema “All Of The Things I Wanted”, antes de que “To Touch The Milky Way” extienda el telón de clausura de esta nueva obra maestra musical de Sam Rosenthal lacrada con el sello Black Tape For A Blue Girl. En “To Touch The Milky Way”, todo se vuelve belleza sublime y, por este motivo, el ser trasciende y ve elevado su plano existencial en pro de lo universal. Lo terrenal deja de tener sentido, y lo universal se convierte en un deseo casi al alcance de la mano en cuanto el individuo alza sus brazos al cielo y los abre, abrazando al universo en este acto, en este ritual, en este intento de armonización con el Todo. De ahí el vibrante plano melódico para piano de este tema que bajará su protagonismo a un segundo plano en cuanto la voz de Michael Plaster aparezca, siendo el perfilamiento sonoro de la guitarra eléctrica de Walter Holland en tono lánguido, lo que recree esa disolución del Ego cuanto más se acerca el plano existencial del ser a lo universal, a lo divino. “To Touch The Milky Way”, el mágico hechizo musical de Sam Rosenthal en su estado de creatividad más virtuoso y cautivador. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 116 // Reseña Musical nº: 65

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada el 23 de junio del año 2012 en Lux Atenea conmemorando el 30º aniversario de la publicación oficial del álbum “ONLY THEATRE OF PAIN” (1982) del mítico grupo musical CHRISTIAN DEATH.

Publicado por: AMERICAN LESION MUSIC / ARTSHOW NOISES, (FRONTIER FLP 1007 / 4603-1-L), 1993
Edición comentada: LP vinilo 12” (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: STAGE ONE: 1- Cavity – First Communion // 2- Figurative Theatre // 3- Burnt Offerings // 4- Mysterium Iniquitatis // 5- Dream For Mother
STAGE TWO: 6- Stairs – Uncertain Journey // 7- Spiritual Cramp // 8- Romeo´s Distress // 9- Resurrection – Sixth Communion // 10- Prayer

CHRISTIAN DEATH “ONLY THEATRE OF PAIN”.
Publicado por: AMERICAN LESION MUSIC / ARTSHOW NOISES, (NORMAL 56 CD), 1988
Edición comentada: CD con libreto de 8 páginas (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: Mismo listado de canciones de la edición anterior.

Si en la Historia de la Música Gótica tuviéramos que poner un álbum como límite entre la música afterpunk y el deathrock, sin duda alguna el trabajo musical elegido sería “Only Theatre Of Pain” del mítico grupo Christian Death liderado por el siempre admirado y venerado Rozz Williams. En Lux Atenea, celebrando el 30º aniversario de la publicación de este inigualable y siniestro trabajo, el eterno e incombustible ambiente de calidad musical reflejado fielmente en cada uno de estos temas, convertidos ya en himnos al espíritu gótico incluso en la actualidad, me lleva a volverlos a destacar, analizar, y comentar en esta reseña como tributo a un estilo musical que tantos placenteros momentos me ha ofrecido en la vida (y sigue ofreciendo). La maestría mostrada por Rozz Williams en la composición e interpretación de los extraordinarios temas que vertebran el álbum “Only Theatre Of Pain”, siguen convirtiendo cada nueva audición en un estimulante conjuro espiritual donde música, letra y estilo se funden en una iridiscente llamarada en medio de la vacuidad cotidiana en la cual socialmente tratan que caigamos con insistente constancia. Un oscuro influjo musical, de indiscutible brillantez artística y conceptual, donde la magia sonora y el talento de Christian Death se presentaron en uno de sus estados más puros y auténticos, motivo por el cual, el álbum “Only Theatre Of Pain” sigue sonando en este siglo XXI con sutil elegancia sonora en tenebroso terciopelo, estimulando nuestra mente con esa armoniosa combinación de belleza siniestra e individualismo romántico de mirada fija en su carpe diem existencial. Así de esplendorosas y tenebrosas suenan estas canciones inolvidables para nuestro espíritu, teniendo siempre a la inconfundible y maravillosa voz de Rozz Williams como privilegiado maestro de ceremonias.

En aquella época, la formación inicial del grupo musical Christian Death estaba compuesta por George Belanger (batería), James McGearty (bajo), el magnífico guitarrista Rikk Agnew, y Rozz Williams como vocalista. Aunque el ilustre álbum “Only Theatre Of Pain” fue presentado oficialmente por primera vez en el año 1982, por su calidad en el registro sonoro, para el análisis de esta mítica obra musical he seleccionado dos ediciones originales de este excelso álbum pertenecientes a mi colección discográfica privada: la edición estadounidense en vinilo publicada en el año 1993 por AMERICAN LESION MUSIC, y la edición alemana en CD publicada por el mismo sello en 1988. Esta última edición, comprada ese mismo año en La Gramola, una de las tiendas de discos que fueron clave para mí en aquella época a la hora de comprar álbumes de Christian Death cuando nadie conocía al grupo en España (no sé el número de tiendas discográficas madrileñas en las que pregunté por sus trabajos publicados, siendo la mayoría de las respuestas o una negativa, o haciendo referencia a otro grupo musical de los ochenta que se llamaba Cristian Dios). Tanto La Gramola, como Escridiscos (donde en 1986 compré mi primer álbum de Christian Death recién salido a la venta, “Catastrophe Ballet”), y Toni Martín (para ediciones especiales en CD), se convirtieron en las tiendas de discos donde todo lo que les llegara de Christian Death como novedad, un ejemplar era automáticamente reservado a mi nombre. Una etapa de mi vida inolvidable donde la compra de cada nuevo álbum era una garantía absoluta para poder disfrutar de intensos momentos de placer musical, y de vinculación emocional con el Arte innovador creado por este admirado grupo. La compra de discos en formato físico… ese acto cada vez más escaso y raro entre el público pero que, en Lux Atenea, tanto animo ha realizar a pesar de tener plena consciencia del masivo uso de las descargas digitales ilegales en la actualidad supuestamente justificadas en la precariedad económica. Es más, en los últimos años, al público asistente a clubs musicales góticos les preguntaría por cuánto dinero ha dedicado a copas y cuánto a comprar música, o a adquirir la entrada para un concierto celebrado en España (y ya sé que la asistencia al Treffen da mucho caché entre la gente gótica). Como analista musical non-mainstream, uno no llega a tener una colección discográfica original tan amplia o he podido disfrutar en directo a muchos grupos musicales góticos del momento, si no fuera a través del esfuerzo económico. La pasión por la Música le aporta a uno sentido a esta vida. Por este motivo, emocionalmente valoro mucho esta actitud del melómano y más en el mundo en el cual vivimos, porque personalmente me ha supuesto un gran esfuerzo poder alcanzar y conseguir este nivel de conocimiento musical a pesar de las dificultades que te pone la vida, y sé lo que cuesta alcanzarlo. Pero, retornando a las descargas musicales ilegales, si la gente simplemente descarga los álbumes musicales de Internet, ahí no hay esfuerzo alguno, y ese es el motivo principal que hace que la misma gente que descarga no valore el trabajo musical de los grupos y artistas porque, para esas personas, es algo gratis, fácil, y consumible. Poco más. En cambio, cuando el melómano compra música en formato físico, siente y cuida ese álbum adquirido mucho más porque valora lo que tiene, ya que lo ve como arte musical que le apasiona.

Iniciamos la audición de esta obra maestra depositando suavemente la aguja del giradiscos sobre este precioso vinilo tan veneradamente fetichista. El sonido de las campanas en el aire se verá roto por la contundente batería del tema “Cavity – First Communion”, acompañada por una desgarradora guitarra eléctrica convertida ya en el preludio instrumental que identificamos inmediatamente con esta joya musical gótica… o, más bien, con este obscuro himno. Subidos en siniestras olas de tenebrosa sombra, en el horizonte de nuestra existencia por fin encontramos la música con la cual nuestro espíritu se identifica en su plenitud. Con la belleza de la lírica aún sonando en nuestra mente, tras la lánguida y decadente voz de Rozz Williams difuminándose en el final de ese magnífico tema, llegaremos directamente al interior de la pulsante esencia oscura de la canción “Figurative Theatre” donde una contundente batería, una distorsionada guitarra entre pasajes melódicos, y la inconfundible voz de Rozz, nos invitarán a sumergirnos en la dantesca visión de un presente apocalíptico. Un infernal paseo por el sufrimiento y por la desesperación humana como pocas canciones góticas han sabido transmitir. Con el retorno del sonido de las campanas, el fantasmagórico tema “Burnt Offerings” nos llevará a una psicodélica escena, mitad pagana mitad cristiana, donde los contrastes carnales y espirituales son constantes a lo largo de toda la composición debido a las consecuencias que la atracción de la carne conlleva, y a la posterior sensación de impureza interior a ser limpiada con el rito divino. Con la genialidad musical transformada en canción en “Mysterium Iniquitatis”, su inspiración vendrá dada por la crudeza existencial reflejada en este espectacular trasfondo instrumental que nos sobrecoge y embruja hasta obligarnos a disfrutar de varias audiciones más, antes de llegar a otra de las obras maestras de Christian Death en este álbum: “Dream For Mother”. Sin duda, uno de los temas de este grupo musical más destacados y aclamados dentro de la escena gótica pese a su macabra ambientación, y donde la noche y la muerte se convierten en los protagonistas principales de la jungla humana más depravada.

Tras dar la vuelta al vinilo, con su cara B ya girando será la joya musical gótica por excelencia de este álbum, “Stairs – Uncertain Journey”, la que convierta nuestro entorno en un siniestro aquelarre donde los oscuros cultos religiosos harán acto de presencia ante nuestra atenta mirada. ¡¡¡“Stairs – Uncertain Journey”, el talento musical de Christian Death en su más tenebrosa e hipnótica atracción!!! Con la imagen del fuego aun brillando en nuestros ojos, uno de los himnos góticos por excelencia volverá a convertir este paseo hedonista por la magnificencia musical gótica en un momento único para nuestra alma. Con “Spiritual Cramp”, no solamente sentimos la esencia musical gótica en nuestro interior, sino también podemos percibir el incombustible espíritu de Rozz Williams danzando en otra dimensión a la espera de nuestra llegada. Y si la canción “Spiritual Cramp” es una obra maestra, qué se puede decir que no se haya dicho ya sobre la composición más impresionante y colosal que se haya compuesto en la Historia de la Música Gótica: “Romeo´s Distress”. ¡Cuántas veces habré escuchado este glorioso tema! ¿cien veces? ¿mil veces en toda mi vida? Y lo más sublime de todo es que sigue estimulando mi alma y mi mente con mayor fuerza y energía según van pasando los años. Creo que si tuviera que elegir una sola canción que representara fielmente a la escena gótica en todas sus épocas, la elección final andaría oscilando entre los temas “Romeo´s Distress” de Christian Death y “Bela Lugosi´s Dead” de Bauhaus, sin duda alguna. Tan monumental e inabarcable se presenta la grandeza musical de este grupo liderado por Rozz Williams, convirtiendo al deathrock en su sello creativo principal a lo largo de su carrera pese a sus impulsos musicales experimentales firmados con otros nombres de grupos. A continuación, en “Resurrection – Sixth Communion”, será el ciclo iniciático de muerte y resurrección lo que se transforme en la antesala de la inmortalidad futura, llevándonos directamente a la reflexiva e impactante composición “Prayer” como cierre definitivo de este legendario álbum.

Algunas de las canciones de este álbum me llevan mentalmente al inolvidable local gótico madrileño “Brujas”, donde puse mi granito de arena a la hora de informarles con discreción y naturalidad sobre las novedades musicales góticas que iban apareciendo, motivo por el cual, el grupo Christian Death fue poco a poco ganando adeptos entre el público a pesar de la supremacía y del éxito de grupos musicales como The Mission, The Cult, The Cure, Sisters Of Mercy… cuyos temas tenían mucho más seguidores y una presencia mucho más frecuente y contundente en las magníficas sesiones que allí se ofrecían. En la cabina del Brujas fue donde conocí a Alberto (músico del grupo Gothic Sex, y compositor y cantante del grupo Oniria) cuyas charlas y quedadas fueron únicas e irrepetibles, tanto en este local como en otros que se abrieron posteriormente en Madrid. Y gracias a programas de radio góticos tan especiales como “Phantasmagoria”. Emitían en Madrid desde la zona de Campamento, tuve el placer de visitar esa emisora, su cabecera musical con el famoso tema de cabecera de la serie de televisión “La Familia Monster (The Munsters)” sigue siendo inolvidable ya que aún guardo algunos de sus programas grabados en cassette. Además, con la respuesta telefónica a sus preguntas musicales emitidas en antena, nunca me faltaron invitaciones a este mítico local gótico como se puede comprobar en las imágenes adjuntas.

En definitiva, en lo personal, hablar del álbum “Only Theatre Of Pain” es hablar de la época dorada de la escena gótica madrileña, sin lugar a duda, pero sin que ello suponga en absoluto un menosprecio de la escena actual, ni mucho menos. La única diferencia entre estas dos escenas es que, en aquella época, salíamos a los locales góticos a divertirnos y, ahora, la gente suele salir a que los diviertan. Y parece lo mismo, pero no es lo mismo. Entonces, salías y hablabas con absoluta familiaridad con la gente, incluso con personas a las que te acababan de presentar, regresando a casa con ganas de repetir. Sinceramente, en la actualidad, para Lux Atenea la escena gótica es demasiado tensa (al menos en Valencia), con constantes malos rollos, miradas cargadas de prejuicios, y con la envidia siempre presente en cuanto alguien habla con conocimiento y con la mente abierta (¿cuántos años hace que en Valencia no hay un local gótico fijo que abra todos los fines de semana?). Para mí, “Only Theatre Of Pain” sigue reflejando otra época con sus canciones y, ojalá, la escena gótica española empiece a cambiar el rumbo que ha tomado y evolucione para bien, y debería eliminar tantos malos rollos entre la gente y entre los grupitos de gente en pro del eclecticismo en cuanto a gustos, en aceptar con naturalidad la vanguardia artística, y hacer de la sencillez y de la humildad individual, la mayor garantía para generar un buen ambiente aperturista en un local gótico. Personalmente, creo que es una cuestión de Educación y de Cultura lo que te lleva a poder vivir esta vida con la perspectiva gótica, y no convertir un club musical gótico simplemente en un frío y frívolo pase de modelos a cual más obscuro, y poco más. En fin. “Only Theatre Of Pain”, el culto a este mítico álbum del grupo Christian Death, a un estilo musical completamente nuevo en su época que convertirían en su inconfundible marca artística en esta escena, y con un cantante siempre presente en nuestra mente como referencia indiscutible de la autenticidad gótica y artística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

Reseña Cultural nº: 114 // Reseña Media nº: 9

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 15 de agosto del año 2012.

País: EE.UU Año: 2005
Productora: NATIONAL GEOGRAPHIC TELEVISION & FILM PRODUCTION
Duración aprox.: 51 minutos
Publicado en España por: RBA PUBLICACIONES, S.L.
AÑO: 2010 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Las Pirámides de la Muerte” es un documental impresionante realizado por la prestigiosa fundación estadounidense National Geographic sobre la primera gran metrópoli del continente americano: Teotihuacán. Una gigantesca ciudad construida hace casi 2.000 años por un poderoso y enigmático pueblo en el centro de Mesoamérica, y cuya cultura, aún hoy, sigue siendo todo un misterio. “Las Pirámides de la Muerte” es un cuidadoso y revelador estudio sobre esta ciudad colosal cuyas impactantes imágenes, de una calidad como solamente National Geographic puede ofrecer, son presentadas con todo lujo de detalles en este documental. Y es que en Teotihuacán todo es colosal. Construcciones increíbles para la tecnología y los conocimientos de un pueblo tan antiguo cuya historia, convertida en leyenda, era ya conocida por los aztecas a través del mito de la existencia de una Ciudad de los Dioses en la zona. Un mito que llegaría a hacerse realidad al descubrir los aztecas los monumentales edificios de Teotihuacán con sus propios ojos, pero los aztecas nunca llegaron a saber ni quiénes construyeron la ciudad, ni por qué desaparecieron sus habitantes, ya que cuando llegaron allí era una ciudad abandonada y en ruinas. Una ciudad fantasma. Incluso actualmente se desconoce el motivo que llevó a ese pueblo desconocido a construir estas colosales pirámides. Tras haberse realizado importantes estudios arqueológicos sobre el terreno, hoy día seguimos desconociendo su lengua al no haber quedado registro alguno, no sabiendo ni siquiera cómo se llamaban a sí mismos como pueblo. Pero, con las últimas investigaciones científicas realizadas en esta zona sí se han podido descubrir algunos ritos y costumbres propias de su cultura que son detalladamente explicados en este documental. Eso sí, con la sombra de la especulación teórica cubriendo algunas de estas aclaraciones. Con unas recreaciones muy realistas sobre los modos y costumbres de ese pueblo que, unido a detalladas simulaciones a través de imágenes virtuales, este documental permitirá a los cultos lectores de Lux Atenea comprender cómo fue esta gigantesca ciudad en su época de esplendor.

Hoy sabemos que su construcción comenzó en el siglo I después de Cristo; que llegó a convertirse en la ciudad más grande del hemisferio occidental; y que, tras más de cinco siglos de esplendor, su declive se inició en el siglo VI aproximadamente. Un floreciente periodo de esplendor en el que llegaría a tener más de 200.000 habitantes gracias al control que estableció este misterioso pueblo sobre las principales rutas comerciales establecidas desde Arizona hasta Honduras en esa época. Teotihuacán es una obra de ingeniería cuya magnitud es casi imposible de concebir y de entender hoy día, y, en esta cuadrícula perfecta de largas avenidas y enormes pirámides que abarca más de veinte kilómetros cuadrados de construcción en piedra, una auténtica megalópolis en esa época de la Historia de la Humanidad, construirían además dos colosales pirámides junto a la gigantesca travesía central (llamada “la avenida de los muertos” por los aztecas) que dedicaron a cuerpos celestes tan representativos como el Sol y la Luna. Se cree que en el interior de la pirámide de la Luna se esconden los restos de algunos de sus líderes pero, hasta el momento, lo único que han encontrado en una superposición de siete pirámides, una encima de la otra. En cambio, bajo la pirámide del Sol hay una cueva que lleva hasta el corazón de esta construcción de proporciones colosales ya que, para este pueblo, las cuevas eran sagradas al ser consideradas como puertas hacia el mundo de ultratumba. Curiosamente, este túnel se prolonga con una orientación de Este a Oeste, pero esta orientación inequívocamente solar no es el único hallazgo que nos habla sobre la orientación astronómica de esta pirámide. La fachada de la pirámide del Sol también señala un punto en el horizonte que, una vez al año, indicaba a ese pueblo el punto exacto del horizonte donde aparecía la Constelación de las Pléyades. Un acontecimiento que era clave en esa sociedad agrícola ya que les indicaba el momento idóneo para el comienzo de la siembra de sus cultivos. Por lo tanto, la estrecha relación entre estas pirámides y la observación de importantes acontecimientos astronómicos es directa y muy clara. Un vínculo de Teotihuacán con el universo que también se aprecia con suma claridad en la forma con la que organizaron y alinearon la ciudad respecto al Sol y las estrellas. Además, en lo alto de las pirámides también construyeron templos cuya religión está fundamentada principalmente en el culto solar e, incluso, hoy día durante el equinoccio de primavera, hay personas que hacen peregrinación y se reúnen en la pirámide del Sol para celebrar ritos solares.

Sorprende que, en un lugar de Mesoamérica tan retirado, se llegara a asentar este pueblo y que allí decidieran crear una ciudad de tan grandes dimensiones. Impresionan las imágenes de sus pinturas sobre estuco blanco que son mostradas con sumo detalle en este magnífico documental, y cómo eran los edificios públicos y las viviendas de los habitantes de Teotihuacán que han sido descubiertos recientemente por los arqueólogos, donde se conservan todavía restos de sus pinturas y murales en buen estado. Pero una de las secuencias que más me ha impactado de este documental es ver la calavera de un habitante de Teotihuacán en cuya dentadura se aprecian muy claramente algunos dientes con adornos insertados que, a pesar de los siglos transcurridos, siguen conservándose perfectamente unidos al esmalte. ¡Increíble! De este enigmático pueblo no ha encontrado prueba alguna de la existencia de la esclavitud en su sociedad, por lo que estas construcciones tan colosales fueron construidas como muestra de la firme voluntad de este pueblo. Pero más sorprendente aún es que los arqueólogos no hayan encontrado todavía ni registro histórico de sus líderes, ni huella alguna de sus tumbas. Los investigadores creían que en el interior de la pirámide de la Luna podían encontrarse las tumbas de esos líderes, pero los únicos restos humanos que han descubierto son huesos de cuerpos decapitados (con las manos atadas) que se encuentran esparcidos por todas partes, por lo que las pruebas son contundentes y muy reveladoras sobre la práctica de sacrificios humanos por parte de este pueblo como ritual en algunas de sus construcciones. Después de los detallados estudios científicos realizados, se cree que utilizaban a prisioneros de guerra para estos sacrificios, unos sangrientos ritos que fueron adoptados posteriormente por otros pueblos precolombinos en esa zona. Pero, como toda civilización que llega a ser hegemónica en una zona, también encuentra su declive con el paso del tiempo, y esto le sucedería a la colosal ciudad de Teotihuacán a partir del siglo VI después de Cristo. El análisis de los huesos de la época encontrados en esta ciudad nos indica un brusco empeoramiento de la salud de sus habitantes, extendiéndose las enfermedades entre ellos. Se cree que el excesivo crecimiento de su población trajo consigo la expansión de las aguas residuales, la falta de agua potable y de alimentos, y a una relajación en las medidas higiénicas de sus habitantes que les llevó a un trágico deterioro en la calidad de vida. Como apocalíptico final de la ciudad, sería la aparición de grandes incendios provocados lo que llevaría a su abandono definitivo, habiéndose quedado marcadas en estas ruinas las huellas de tan terribles momentos que aún hoy día siguen conservándose. Si alguno de nuestros lectores está interesado en el conocimiento de las culturas precolombinas, o tiene pensado ir de visita a México con parada obligatoria en Teotihuacán, estoy seguro que este documental se va a convertir en una de sus principales fuentes de información a través de este viaje al pasado marcado con el prestigioso sello de National Geographic. “Las Pirámides de la Muerte”, un documental espectacular sobre la misteriosa cultura precolombina establecida en México antes de la llegada del pueblo azteca. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.