Acerca de Félix V. Díaz

Félix V. Díaz, desde el año 1999, siendo pionero en España como analista cultural orientado a la difusión de las obras artísticas más selectas inspiradas en la mirada más profunda a lo Bello, a lo Sublime, y a lo Siniestro (Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, Shadow's Garden, Ouroboros Webzine y, actualmente, publicando en mi blog cultural y existencial Lux Atenea).

CHARLES BUKOWSKI “ARDER EN EL AGUA, AHOGARSE EN EL FUEGO” (LA POESÍA SEÑOR HIDALGO, 2005) (Reseña / Review #24).

Posted on 29 enero, 2019 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 24 // Reseña Literaria nº: 10
Reseña actualizada. Publicada el 17 de marzo del año 2010 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: LA POESÍA, SEÑOR HIDALGO
ISBN: 84-95976-23-4
Edición: 2005 (EDICIÓN COMPRADA)

Una parte del espíritu de Lux Atenea como página cultural non-mainstream se puede comprender a través del ilustre poeta estadounidense Charles Bukowski (1920 – 1994). Tres grandes obras por él escritas, fueron las que inauguraron este proyecto cultural actualmente consolidado en España e internacionalmente como página web de referencia, y la presencia de este artista sigue y seguirá siendo obligada en cuanto decido analizar una de las obras literarias más destacadas del siglo XX. Y es que Bukowski ha sabido hablarnos poéticamente sobre el espíritu urbano que tanto nos ahoga y quema, y que paradójicamente también logra satisfacernos con su esplendorosa abundancia material. En lo urbano, la Cultura halló el medio ideal donde asentarse y crecer y, en lo urbano, el intelecto y la Ciencia siguen desarrollándose para dar un mayor impulso a la Humanidad. Una luz benefactora que nos embriaga con su reflejo, pero que también nos exige un precio existencial alto que muchas personas no pueden pagar sin arruinar su vida. En ese lado sombrío, triste, y decadente existente en cada ciudad moderna encontró su inspiración y su magia poética este ilustre maestro del verso, porque los poemas de Charles Bukowski huelen a asfalto, a soledades que miran a través de una ventana cerrada, a ancianos perdidos en una gran ciudad, a amores fracasados por exceso de presión ambiental, a inevitables vicios que calman momentáneamente la tristeza de una vida ya marcada por la desgracia… Fragmentos y más fragmentos de una atmósfera urbana tan real como nuestro presente y que, pese a las décadas trascurridas, sigue plenamente activa en su modus operandi. Viviendo en las entrañas de una gran ciudad y con una observadora mirada que analizaba todo aquello que le rodeaba, Bukowski supo cómo traducir todas esas sensaciones que le llegaban a través de los ojos en pura poesía, en obscura poesía. Unos versos que han quedado como herencia del poeta que miró a la dura realidad terrenal para convertirla en palabras, y las palabras, en puro Arte.

Con estas entrañas urbanas abiertas al público en cada uno de sus poemas, el protagonismo del alcohol, de la suciedad, del abandono, del sexo, de la desesperanza, de la desilusión, del suicidio, del juego y el azar… es inevitable cuando se habla sobre los oscuros ambientes reinantes en esta jungla de asfalto y cemento. Unas realidades infernales presentes en la vida de muchas personas y de las cuales no pueden, o quieren salir. Un espíritu autodestructivo y depredador que es propio del ser humano, y que le lleva siempre a degradar lo paradisiaco hasta convertirlo en un auténtico calvario. En ese ambiente agrio y desesperanzado, Charles Bukowski realizó un certero análisis de cada situación partiendo de su propia experiencia personal, de ahí su grandeza artística y humana. Su tormentosa relación con algunas mujeres, su choque frontal cuando se relacionaba con personalidades arrogantes y vanidosas, su dejadez casi taoísta frente a los terribles designios que nos trae la vida… hacen de Bukowski ese poeta sincero y bohemio que escribió sin tapujos sobre su vida, sobre sus amigos, sobre sus amantes, sobre sus propias inquietudes, sobre sus temores y miedos, sobre su asqueada visión del mundo, pese a que la dureza de sus palabras y su sentido siguen identificándose plenamente con el presente humano que vivimos en la actualidad. Lees este libro y, si vives en una gran ciudad, sabes a qué se refiere Charles Bukowski en sus versos porque siguen estando tan latentes y vivos como en su época, y esa esencia seguirá ahí mientras haya ciudades sobre la faz de la tierra porque el problema no son las ciudades, sino los seres humanos. “Arder en el Agua, Ahogarse en el Fuego”, memorias de un misántropo siempre existencialmente perdido en la gran ciudad. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA IRA ES ENERGÍA. MEMORIAS DE JOHNNY ROTTEN, LA VOZ DE LOS SEX PISTOLS”, JOHN LYDON (MALPASO, 2015) (Reseña / Review #23).

Posted on 29 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 23 // Reseña Literaria nº: 9
Reseña actualizada. Publicada el 22 de noviembre del año 2015 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a MALPASO EDICIONES por su cortesía con LUX ATENEA al enviarme este promocional.

Publicado por: MALPASO EDICIONES, S.L.
ISBN: 978-84-15996-88-0
Edición: Abril 2015 (primera edición) (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 622

Un título tan contundente y agresivo como “La Ira Es Energía” puede llevar a los cultos lectores de Lux Atenea a la confusión si no conocen el verdadero trasfondo de esta frase: nada que ver con la violencia, sino con la fuerza vital interior que sigue moviendo a este artista siempre transgresor, y siempre tan directo en los razonamientos en su etapa de madurez personal. Y es que, en John Lydon, las apariencias engañan, sobre todo cuando hablamos de un artista que no pasa desapercibido y que no te deja indiferente, incluso con la contundente expresividad mostrada en esta biografía haciendo uso de la jerga más coloquial, o a través de palabras inexistentes en el diccionario pero de uso común para él y su entorno, dando esas pinceladas gramaticales directas y cercanas. La deprimida y decadente ciudad de Londres de la década de los cincuenta le vio nacer en el año 1956, y esa atmósfera social gris y desencantada condicionó completamente su vida, sobre todo con la “sensibilidad cristiana” mostrada por una monja hacia su joven persona después de haber padecido una meningitis. No es la primera biografía que leo donde su protagonista reniega de la religión en su etapa adolescente y adulta debido, precisamente, por haber padecido en su persona el despotismo y el desprecio de personas muy religiosas, ya haya sido en el entorno familiar o social.

Después de su lectura y análisis, la magnífica biografía “La Ira Es Energía” se presenta urbana al cien por cien, mientras la grandeza de la modernidad no deja de obscurecerse ante el trasfondo del mensaje transmitido por John Lydon en su visión de las personas, de las cosas, de los acontecimientos, o de la sociedad, dándoles un valor más allá de las apariencias y de los efectos que hayan tenido en su propia vida. Y es que, lo que para muchos son signos de grandeza del mundo moderno, para John Lydon no son más que máscaras de una sociedad desorientada y de una ciudadanía inexorablemente perdida que ha desatendido el timón que gobernaba su destino. Una jungla urbana donde el débil siempre sale perdiendo ante el poder de los fuertes, comprendiendo perfectamente cómo el nihilismo, el pragmatismo, y el realismo pesimista respecto a la auténtica realidad humana han echado raíces en este artista, reluciendo con intensidad en estas páginas gracias al valor existencial de sus experiencias aquí inmortalizadas. Intrépido en sus planteamientos, en su modo de actuar en distintos escenarios y en diversas vicisitudes, John Lydon se presenta siempre inquieto e inconformista. Dueño de su destino a pesar de las barreras y dificultades que ha tenido que sufrir y superar hasta con viento en contra, o con los hados confabulados para tratar de hundirlo irremediablemente. Pero su voluntad, propia del espíritu de un luchador fajador con el rostro convertido en irrompible cuero ante cualquier golpe brutal que pueda ya traerte la vida cuando menos lo esperas, John Lydon no hace más que incentivar la intensa lectura de esta detallada y honesta biografía. El libro “La Ira Es Energía” presenta una lujosa edición publicada por la prestigiosa editorial MALPASO y con más de seiscientas páginas que apasionarán a los melómanos lectores de Lux Atenea, ya se sientan identificados o no con el movimiento punk. En esta biografía, incluso John Lydon va mucho más allá de las estrecheces conceptuales que lo limiten, repudiando incluso de esa misma corriente punk. Pragmatismo vital y transgresión artística que, unido a la amarga experiencia del mundo que se mueve dentro del mercado discográfico, convierte a nuestro protagonista en un privilegiado testigo de una parte de los grandes cambios sociales y culturales que ha experimentado Occidente desde la década de los setenta hasta nuestros días. El londinense John Lydon, alias Johnny Rotten, saltó a la fama mundial cuando se convirtió en el inconfundible e irreverente vocalista del grupo punk de mayor éxito internacional, los Sex Pistols, referencia musical indiscutible de la década de los setenta. Pero cerrada esa etapa artística, como rebelde inconformista, como verso suelto dentro de la escena musical, John Lydon no dudó en iniciar su propio proyecto musical convirtiéndose en el alma máter de PiL, mucho más experimental y rupturista en su concepto sonoro de composición.

Un outsider que sabe jugar con la ironía artística proyectando musicalmente ese espíritu alejado completamente del conformismo ante las incongruencias sociales, éticas, y morales que han definido a la modernidad en Occidente. Su cara artística refleja su rechazo más visceral al mainstream pero sin renunciar a sus emolumentos, transformándose con el tiempo en la cara artística del nihilismo más incrédulo y pragmático. Un carpe diem como constancia vital dentro de la lucha diaria, y como reivindicación salvaje e irreductible de la propia existencia. De lo que no cabe la menor duda es que John Lydon es una persona hecha a sí misma. Un artista que aprendió del éxito y del fracaso al ver su lado obscuro y siniestro, y que ha labrado y pulido su propia vida con la obstinada fuerza del superviviente. Vivir, disfrutar, observar y aprender forman parte de su personalidad rebelde, agarrando el toro por los cuernos tanto en lo bueno como en lo malo, y sobre todo en esto último que es lo que marca la diferencia en las personas con carácter. Cinismo nihilista que marca su territorio, que sabe crear paciente y constantemente su espacio como si fuera un señor feudal erigiendo su fortaleza al margen de la sociedad moderna, a la cual solamente acude para obtener aquello que más ha valorado el ser humano desde el principio de los tiempos: el dinero. Y para llegar al presente después de tantos incidentes y desenlaces a lo largo de su vida, hay que ser inteligente o inexorablemente serás arrastrado por la corriente humana que desemboca en el mar de la insignificancia. Increíblemente, ese espíritu incansable sigue moviendo a John Lydon, mientras observa sus sesenta años en el horizonte más cercano (les recuerdo que este artista inglés nació en el año 1956).

Respecto a la etiqueta de “sin censuras” lacrada en esta biografía, creo que la censura se encuentra en el polo opuesto en relación a la tinta ácida, sarcástica e inmisericorde con la cual ha escrito esta biografía. En cuanto empiecen a leer sus primeras páginas, ya intuirán su intencionalidad. John Lydon es así, con sus defectos y con sus virtudes, con sus enemigos y con sus amigos, pero de lo que no se le puede acusar es de no haber sido honesto en estas frases escritas sin tapujos donde no hay excusas, sino experiencias. Arrojo y valentía ante la vida, y una seguridad en sí mismo que habrá a quien le pueda parecer que es un poco arrogante, sobre todo a la hora de definir sus propias virtudes. Pero, cuando en la vida parece que el mundo conspira contra ti y uno sigue adelante pese a todo, sacudiendo el polvo de la chaqueta para continuar luchando, ¿es el superviviente creado a sí mismo, un arrogante? En referencia a sus enemigos, solamente los espíritus grandes y libres tienen enemigos, sobre todo si el éxito les sonríe porque ¿quién quiere hacerse enemigo de alguien insignificante? ¿Quién quiere hacerse enemigo de un perdedor? ¿Quién dedica su tiempo enemistándose con los fracasados, salvo otros fracasados? John Lydon es un ganador, un luchador, un superviviente, y mientras esto sea así, los falsos, los envidiosos, y los mediocres seguirán escribiendo sus nombres en la sucia y grasienta lista de sus enemigos porque, en el fondo, les encantaría ser él: el incorregible John Lydon. Una persona, un artista imposible de etiquetar como no sea orgullosamente con su propio nombre. “La Ira Es Energía”, una biografía imprescindible para nuestros melómanos y bibliófilos lectores. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PELÍCULA / FILM “EL HOMBRE DE MIMBRE (the wicker man)” 1973 (Reseña / Review #22).

Posted on 27 enero, 2019 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 22 // Reseña Media nº: 2
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 25 de agosto del año 2014.

Director: ROBIN HARDY
Guión: ANTHONY SHAFFER, basado en la novela “Ritual” de David Pinner
Actores principales: EDWARD WOODWARD (sargento Neil Howie), CHRISTOPHER LEE (Lord Summerisle), BRITT EKLAND (Willow), DIANE CILERTO (Miss Rose), INGRID PITT (empleada de la oficina de registro)
País: Reino Unido Año: 1973 Productora: BRITISH LION FILM Corp. Ltd. Duración aprox.: 88 y 100 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS AÑO: 2011 Formato: 2 DVD´s (EDICIÓN COMPRADA)

DVD 1:
– Película “El Hombre De Mimbre” (versión internacional de 88 minutos)
DVD 2:
– Película “El Hombre De Mimbre” (versión extendida de 100 minutos, montaje del director)

De nuevo, el cine de culto es protagonista en Lux Atenea con esta reseña de la mítica película “El Hombre De Mimbre”, dirigida por Robin Hardy en el año 1973, y cuyo guión escrito por Anthony Shaffer está basado en la novela “Ritual” de David Pinner. El Séptimo Arte con la magia y la esencia del cine británico de la época sorprenderá a más de un cinéfilo lector de Lux Atenea con este retorno al mundo, a las inquietudes, y a la forma de reflejar ideas y conceptos en escenas que resultan tan características de las películas de la década de los setenta. El choque religioso entre la férrea inmovilidad cristiana y el nuevo paganismo, la renovada visión de la sensualidad humana, la ruptura de dogmas éticos y morales en la sociedad… marcan y definen este estilo cinematográfico que aún hoy sigue conservando ese avanzado punto de vista intelectual, y que sorprendentemente apareció en esta década en una sociedad inglesa marcada por lo tradicional y completamente alejada de las corrientes más modernas y aperturistas que estaban en completa ebullición al otro lado del Atlántico. Si ello le añadimos su intrigante trama de estilo policiaco en un entorno rural dominado por una misteriosa secta, una extraña desaparición, y un toque de suspense y horror en el último tramo de la película con un interesante y misterioso juego del gato y el ratón (donde nada es lo que parece) que acaba desembocando en un impredecible y trágico final, cada uno de estos elementos terminan convirtiéndose en un atractivo artístico más para disfrutar de este inolvidable largometraje. Además, en esta magnífica edición en DVD publicada en 2011 por Regia Films, han tenido el gran acierto de incluir las dos versiones originales de la película: una internacional de 88 minutos y el montaje del director de 100 minutos. Un extraordinario DVD que hará las delicias de nuestros lectores interesados en profundizar en el análisis y en el conocimiento de estas obras cinematográficas de culto.

Esta historia comienza cuando el sargento Neil Howie de Scotland Yard (interpretado por el actor Edward Woodward) recibe una carta anónima que le pone en alerta sobre la posible desaparición de una joven llamada Rowan Morrison en una apartada isla de la costa occidental escocesa, por lo que decide hacer una investigación en la zona para resolver este misterioso caso. El sargento Howie llegará a la isla de Summerisle en un pequeño hidroavión y, ya desde un principio, empezará a notar una actitud extraña y un tanto burlesca por parte de la población. Preguntando a los lugareños por la joven desaparecida, nadie parece conocerla, y que en este pequeño lugar ninguna persona le pueda dar la más mínima pista, levanta todas sus sospechas. Viendo que su investigación le va a llevar más tiempo del que pensaba, decide hospedarse en esa pequeña localidad y allí empezará a comprobar que nada en esa isla es normal. Su visita a la escuela y el contacto personal con Lord Summerisle (Christopher Lee), que parece dirigir los destinos de esa apartada isla, no harán más que aumentar sus sospechas sobre la autoría de la desaparición de la joven. Pero el tiempo va pasando, el sargento Howie se va enredando más y más en los hilos de su investigación policial, y ya empieza a acercar el ritual de culto que allí celebra la población para garantizar las buenas cosechas en la isla. “El Hombre De Mimbre” es una película inolvidable que aconsejo ver en la versión extendida del director, pudiendo disfrutar de escenas e imágenes imborrables como cuando el sargento llega a la escuela y se escandaliza al escuchar la clase tan particular que está dando la profesora Miss Rose (interpretada por la actriz Diane Cilento). Otras escenas les impactarán profundamente como en la secuencia del sádico juego del escarabajo y el clavo, ver la simbólica imagen de la mujer amamantando a su hijo mientras sujeta un huevo con su mano libre, podrán conocer el peculiar remedio que tienen en este lugar para el dolor de garganta, contemplar la macabra tienda del fotógrafo, o ver la mítica escena de la danza pagana de las jóvenes dirigidas por Miss Rose en el círculo de bloques de piedra y sus posteriores saltos rituales sobre el fuego situado en el centro. El misterio y el suspense les llevará a ver esta película hasta el final observando la sorpresa que se lleva el sargento Howie al exhumar la tumba, o con la escena de Willow, la hija del posadero (interpretada por la actriz Britt Ekland), tentando al sargento Howie en su habitación por la noche. Incluso con la acertada elección del 1 de mayo como fecha de la fiesta pagana de la fertilidad que celebran en la localidad de Summerisle, en la detallada descripción de esos rituales paganos que el sargento Neil Howie encuentra en un libro de la biblioteca pública, o la inquietante imagen de los lugareños con máscaras de cabezas de animales y cómo juegan con el sargento atrayendo su atención; con la desconcertante visión de las mujeres con máscaras en la peluquería, con la siniestra “mano de la gloria” utilizada para provocar el sueño, viendo el juego de azar de las seis espadas que forma parte de sus celebraciones; y, sobre todo, al contemplar la colosal imagen del hombre de mimbre construido en una colina de la isla situada al lado de la costa, y su caída justo cuando el Sol ha llegado a su ocaso.

En esta película, el choque entre el puritanismo cristiano y el paganismo es constante a lo largo de toda la historia, quedando el punto de vista cristiano, en cuanto a su plano moral y ético, situado en un nivel muy por encima respecto a los valores humanos paganos al estar reducidos a una visión sectaria, distorsionada, cruel, terrorífica, e inhumana en sus principios religiosos. Incluso en referencia a la libertad de pensamiento del individuo, queda mejor parado lo cristiano que el alienante paganismo convertido en esta película en una sangrienta y cruel dictadura religiosa dominando las mentes de sus obedientes ciudadanos. A nivel social, el reflejo de lo pagano como una seductora e irracional manipulación de los individuos en comparación con la sociedad cristiana de la cual proviene el sargento Howie, nos hará ver una inquietante versión del tradicionalismo pagano conceptualmente tocado por la corriente literaria pulp que tan exitosamente se extendió a principios del siglo XX en Occidente (recomiendo la lectura del excelente libro “Los hombres topo quieren tus ojos” ya reseñado en Lux Atenea). La diabólica secta pagana como fuente del Mal entre los hombres, queda enlazada con esa raíz literaria tan extrema a la hora de provocar tenebrosas emociones a través del misterio, del horror y del suspense. La película “El Hombre De Mimbre” está basada principalmente en esos elementos que la diferencian y la hacen tan distinta de otros largometrajes dentro de este género de ficción. Como apunte final, vi el remake de esta película dirigida por Neil LaBute en el año 2006 y que está protagonizada por el actor Nicholas Cage, pero no hay ni punto de comparación. Quedó muy pobre en cuanto a su calidad artística y con un extraño aire misándrico en relación a la clase de paganismo que nos muestra el liderato religioso de la hermana Summersisle (actriz Ellen Burstyn), y que no tiene nada que ver con el mensaje, la fotogenia, y el carisma de Lord Summerisle sublimemente interpretado por el actor Christopher Lee en la película del año 1973. De nuevo, como suele suceder en la mayoría de los casos con los remakes que nos presenta el mundo cinematográfico actual, nada es comparable a la versión original en cuanto a calidad artística. “El Hombre De Mimbre”, paganismo y puritanismo cristiano enfrentados en una inolvidable película de culto. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LOS HOMBRES TOPO QUIEREN TUS OJOS y otros relatos sangrientos de la Era Dorada del Pulp” (VALDEMAR, 2009) (Reseña / Review #21).

Posted on 27 enero, 2019 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural nº: 21 // Reseña Literaria nº: 8
Reseña actualizada. Publicada el 12 de septiembre del año 2009 en Lux Atenea.

Publicado por: VALDEMAR
ISBN: 84-7702-649-5
Edición: 2009 (EDICIÓN COMPRADA)

Publicado por la editorial Valdemar, este libro es una impresionante antología del subgénero literario del Pulp Fiction conocido con el nombre de Weird Menace (Extraña Amenaza). De gran éxito entre el público de la década de los treinta, era dorada de las revistas Pulp estadounidenses, estos relatos surgen como una mezcla literaria de atmósferas góticas con la novela negra, de lo fantástico con lo terrorífico, o de la ciencia-ficción más sorprendente con el horror. Las editoriales publicaron estos relatos en revistas de amplia tirada y lograron difundir este estilo literario denominado como Shudder Pulps (Pulps Escalofriantes), gozando de años de esplendor en los cuales lograron que parte de la ciudadanía se entregara regularmente a esta nueva forma de escribir y de leer historias de ficción a través de tramas cargadas de horror, misterio, sangre y sexo que lograban despertar el morbo en los lectores a través del sadismo y del erotismo descrito en sus páginas. El bibliófilo lector de Lux Atenea podrá hacerse una idea clara de las características de este estilo literario con la lectura de impactantes obras incluidas en este interesante volumen como “Los Hombres Topo Quieren Tus Ojos” de Frederick C. Davis, “El Señor De Los Muertos” de Robert E. Howard (el creador de la mítica saga de Conan, el Bárbaro), “El Barco Del Demonio Dorado” de Lazar Levi, “Terror En El Rancho De Vacaciones” de Richard Tooker, “Tumbas Para Los Vivos” de William Irish, “Locura Rubia” de Arthur Humbolt, “La Cosa Que Cenaba Muerte” de John H. Knox, “La Profecía” de Hugh B. Cave, “Sangre Para El Vampiro Muerto” de Robert Leslie Bellem, “Tigresa” de David H. Keller, “Cuando La Bestia Negra Se Sació” de Hal K. Wells, “Momias A La Carta” de E. Hoffmann Price, y “Novias Frescas Para La Hija Del Diablo” de Bruno Fisher.

Escenarios macabros y sádicos, terribles torturas y retorcidos instrumentos creados para provocar dolor y sufrimiento, acaban convertidos en estas historias en los modos de actuación de todo tipo de organizaciones secretas, sectas diabólicas, bandas de criminales… mientras la violencia y el sexo impregnan cada uno de estos escenarios en los que se desarrolla la acción. Este estilo literario de horror y terror llevado al límite se extendió muy rápidamente en la sociedad estadounidense gracias al talento de estos escritores para idear tramas con suspense donde se recreaban en lo sangriento, en el sadismo extremo, en la carnicería, en el erotismo… para dar trasfondo e intensidad a sus obras. Estos escritores supieron cómo ahondar en los sentimientos, en los pensamientos, y en los sufrimientos de los protagonistas principales de sus relatos, ya que la gran mayoría de éstos están narrados en primera persona por ser la cualidad literaria que ofrece un mayor realismo a la historia de cara al lector. Eso sí, estos autores no ahondaron en la calidad artística y literaria para definir sus obras, ya que estamos hablando de un mundo editorial en pleno auge gracias al precio económico que ofrecían, y donde el número de obras publicadas importaba más que su calidad para este mercado de entretenimiento y consumo masivo. De todas formas, a parte del factor monetario, la idea principal que motivó a estos artistas para escribir estas atrayentes obras fue provocar al lector de la época con una mezcla de curiosidad y de morbo que les incitara a seguir leyendo, y este objetivo lo consiguieron sobradamente debido a que los Weird Menace son extremos e intensos en obras cercanas al relato corto por su extensión.

Sin duda alguna, el universo literario del Weird Menace es uno de los frutos culturales de la novela gótica decimonónica pasada por el tamiz de la sociedad moderna e industrial de principios del siglo XX. Incluso en las historias protagonizadas por científicos locos, detrás de cada una de sus acciones aparentemente ilógicas y sin sentido, éstas acaban siendo resueltas y explicadas al lector gracias a una curiosa y sorprendente base racional a través de la cual el autor trata de dar credibilidad a su historia de ficción. Además, otros subgéneros literarios dentro del Pulp aparecerían con el éxito de los Shudder Pulps (Pulps Escalofriantes): el Hard Boiled (Pulp con todos los ingredientes de la novela negra), los Spicy Pulps (Pulps de alto contenido erótico). Lujuria, demencias, y patologías mentales de todo tipo encuentran cabida en los más variopintos personajes caracterizados por su maldad y por su tremendo entusiasmo para provocar dolor a inocentes muchachas. Como es obvio, el contenido misógino de estas historias dominará en cada escenario de su trama, en cada actitud, en cada personaje porque la mujer solamente tiene cabida en estas obras literarias como víctima, o como inocente e inconsciente muchacha adentrándose en el peligro, o como sádica femme fatal, uno de los grandes estereotipos femeninos que será potenciado por estos escritores dentro de este género literario.

Otro factor clave en el éxito de estas publicaciones entre el público vino de la mano de grandes e imaginativos ilustradores porque, en estas revistas, la portada acabaría convirtiéndose en su mayor reclamo visual y publicitario, llevando a más de un dibujante a crear auténticas joyas dentro del arte de la ilustración. Y es que sus portadas atraen, te incitan a mirarlas, te provocan curiosidad por el contenido literario de la edición contemplada. Dibujantes como Tom Novell, Rudolph W. Zirm, Norman Saunders, John Newton Howett (el culto lector de Lux Atenea puede contemplar una de sus obras en la portada de este libro)… se han convertido a partir de entonces en mitos, en auténticos iconos dentro del arte de la ilustración y de la creación de impactantes portadas de culto. A nivel informativo, en la introducción que da inicio a esta antología, gracias al maestro Jesús Palacios podrán conocer cómo surgió este género literario, quiénes fueron sus principales autores, quiénes fundaron estas editoriales, qué revistas difundieron obras tan novedosas y exitosas, y cuáles fueron los orígenes de su decadencia e inmediata desaparición. El lector también comprobará cómo la influencia del Weird Menace dejaría su sello artístico en el futuro, tanto en el cine como en mundo literario, y su influencia se observaría muy claramente dentro de la industria cinematográfica con el film noir de los 40, en el cine gore de la década de los 60 y 70, en la base conceptual del giallo italiano, en el éxito entre el público más joven del slasher de la década de los ochenta… Incluso la sombra de los Weird Menace también cubriría míticas obras de algunos directores de cine de renombre como Alfred Hitchcock, Robert Aldrich, John Carpenter, Dario Argento, Wes Craven, David Cronenberg… o thrillers más actuales como “Hostel”, “Hannibal”, “La Matanza en Texas”, “Viernes 13”, “La Noche de Halloween”, “Los Ríos de Color Púrpura”… Retornando al mundo de la literatura, este espíritu Weird Menace podemos observarlo incluso hoy día en reconocidas obras de escritores de fama mundial como Thomas Harris, Stephen King, Patricia Highsmith, Ira Levin, James Ellroy, Mary Higgins Clark… Y si entráramos en el fascinante mundo del cómic, esta influencia es aún mucho más profunda. “Los Hombres Topo quieren tus Ojos”, cuando la lectura se transforma en una experiencia salvaje y brutal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

OTSUICHI / KENDI OIWA “GOTH” (GLÉNAT, 2006) (Reseña / Review #20).

Posted on 27 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 20 // Reseña Cómic nº: 1
Reseña actualizada. Publicada el 4 de noviembre del año 2009 en Lux Atenea.

Publicado por: EDICIONES GLÉNAT ESPAÑA, S. L.
ISBN: 84-8449-903-0
Edición: 2006 (EDICIÓN COMPRADA)

“Goth” es un extraordinario y obscuro cómic manga cuya trama está basada en la novela del escritor Otsuichi, reuniéndose en este tomo todos los capítulos que fueron publicados por entregas y que están protagonizados por dos estudiantes con inquietudes un tanto siniestras que se dedican a investigar una serie de crímenes algo retorcidos. En “Goth”, el culto lector de Lux Atenea se encontrará con una historia con constantes sorpresas y giros en su trama, mientras hechos aparentemente inconexos empiezan a dejar traslucir, página tras página, un eje común de lo más insospechado. Asesinos en serie, maníacos, acosadores, sádicos… e incluso, unas gemelas con personalidades opuestas, desfilarán por estas páginas con su degradada psicología. Además, nada más abrir este tomo, lo primero que le sorprenderá al lector es el toque lánguido que el dibujante Kendi Oiwa ha dado a sus personajes principales. Un estilo, un perfil y una imagen de sus protagonistas que no es nada común en la estética que caracteriza al dibujo manga. Utilizando el clásico dibujo en blanco y negro, los personajes de esta historia son dibujados con absoluta precisión en cada escena, centrándose en un perfilado de las facciones del rostro de manera claramente intencionada para aumentar su expresividad. Como analista cultural non-mainstream, me ha sorprendido comprobar cómo el pelo adquiere una gran importancia en la definición de la actitud del personaje en cada escenario, en cada viñeta. Es como si estuviera concebido como un indicador constante de su estado de ánimo. Desde luego, en “Goth”, la expresividad de los personajes se convierte en su valor artístico más destacado e importante que lo diferencia muy claramente de otras obras manga.

Morino es el nombre del personaje femenino principal. Es alta, delgada, viste siempre de negro, y, con cara siempre seria, mantiene una expresión de melancolía permanentemente en su rostro que potencia su actitud distante y en soledad, concentrándose siempre en aquello que realiza. Lo que más me ha sorprendido de Morino es observar cómo Kendi Oiwa ha dibujado su figura con una excesiva longitud de cuello. Con melena muy larga, pelo liso y negro, y con un flequillo recto pero no uniforme, responde inequivocamente a una de las principales imágenes estéticas de la mujer gótica existentes en la actualidad. Itsuki Kamiyama, su protagonista principal masculino, es una persona de mirada gélida, rostro extraño, y que permanece siempre en actitud contemplativa o analítica. Con unos sentimientos y una sensibilidad que parecen haberse fugado hace tiempo de su interior, su profundo cinismo se transforma en su mejor arma para alguien que, considerándose diferente al resto, trata de ser uno más poniéndose la misma máscara social que las personas de su entorno. A veces retraído, pero con iniciativa, tiene un sagaz espíritu investigador. Aunque se siente atraído por Morino, Itsuki es un manipulador de lo más pragmático y efectivo, sabiendo muy bien cómo manejar las más diversas y complicadas situaciones de manera indirecta gracias a su profundo conocimiento de la psicología humana. Gracia a su sibilina inteligencia, sabe muy bien cómo ocultar sus manos cuando mueve los hilos en cada momento o circunstancia.

Lo que es indudable es que el artista Kendi Oiwa sabe cómo mantener una tensión ambiental creciente con un estilo de dibujo expresivamente tenso, que contrasta completamente con otras viñetas mucho más dulces e inocentes como reflejo de la aparente normalidad social. Un contraste que aumenta aún más el permanente clima de misterio en el que se desenvuelve su intrigante trama. Me ha gustado comprobar cómo muchas de las tomas en cada escena son casi siempre situadas por encima de la línea de los ojos del personaje principal, dando la sensación al lector de proximidad con la acción. Una técnica de captación de la atención del lector de lo más efectiva. Su guión, en cambio, no es muy extenso, quedando reducido a su definición justa para cada acción pero con frases muy buenas, literariamente hablando, que se ajustan a la perfección a este conjunto artístico. Aunque “Goth” tiene detalles marcadamente góticos en algunas viñetas, no es un manga con una estética cien por cien gótica. Eso sí, lo que se puede decir con rotundidad es que algunos dibujos perfectamente pueden ser definidos como brutales, macabros, y un tanto gore en algunas escenas, como por ejemplo, en la visión del árbol decorado con un cuerpo humano. Pero si en las primeras páginas del manga “Goth”, el lector ya se encontró con un niño desmembrando y descabezando muñecas, y una sucesión de casos en donde algunas chicas habían decidido cortarse las venas, el contundente mensaje visual para indicarle que “Goth” no es un manga acaramelado creo que es más que suficiente. “Goth”, sospechas y crímenes teñidos de negro en uno de los mejores cómic manga que haya leído y analizado. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THIS MORTAL COIL “IT’LL END IN TEARS” (4AD, 1984) (Reseña / Review #19).

Posted on 27 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 19 // Reseña Musical nº: 8
THIS MORTAL COIL, UNA OBSCURA ETERNIDAD (2ª parte).
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 29 de octubre del año 2006.

Publicado por : 4AD, (CAD 411), 1984
Edición comentada : CD (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Kangaroo // 2- Song To The Siren // 3- Holocaust // 4- FYT // 5- Fond Affections // 6- The Last Ray // 7- Another Day // 8- Waves Become Wings // 9- Barramundi // 10- Dreams Made Flesh // 11- Not Me // 12- A Single Wish

Un año después de la publicación del maxi “Song To The Siren”, en 1984, Ivo Watts-Russell y su compañía discográfica 4AD presentaron oficialmente el primer álbum de This Mortal Coil titulado “It´ll End In Tears”, una obra musical que revolucionaría el panorama musical gótico y que sentaría las bases conceptuales de lo que serán los estilos ethereal y heavenly voices en la siguiente década. El excelso álbum “It´ll End In Tears” dejará al público de la época totalmente asombrado por su deslumbrante despliegue de calidad y de imaginación musical, consiguiendo la aclamación de la crítica en los medios de información. El primer gran triunfo del proyecto This Mortal Coil había sido alcanzado gracias a esta unión heterogénea de estructuras instrumentales, y de estilos musicales de raíz conceptual gótica debido al decadentismo existencial que transmiten estos temas. “It´ll End In Tears” destila sabiduría, nos habla de la vida y de sus imprevisibles condicionantes, y de personas que se encuentran atados a circunstancias y situaciones no deseadas. Cualquier alma sensible, sea gótica o no, encuentra en la audición de estas canciones esa comprensión, esa complicidad existencial tan deseada por las personas solitarias. Melodías y letras cuyo mensaje se armoniza con nuestra soledad, con nuestras desilusiones, con nuestros fracasos, y con nuestros desamores.

A los melómanos lectores de Lux Atenea siempre les resultará interesante comprobar como This Mortal Coil, sin ser una formación musical clásica con un número de artistas fijos, en cambio nos da la impresión de ser el Gran Grupo Musical, de ser una banda musical de músicos experimentados que han decidido unirse para crear esta armonía y esta sincronización perfecta en la interpretación de sus temas. Una paradoja artística que tal vez sea uno de los misterios que vuelven a This Mortal Coil para dar forma musical a algo tan íntimo y personal porque sus obras no son música no para compartir, sino para ser disfrutadas en solitario. Teniendo todo esto en cuenta, los extraordinarios artistas que participaron y dieron alma a los doce temas que vertebran el álbum “It´ll End In Tears” fueron Manuela Rickers (guitarra) del grupo X-mal Deutschland, Martyn Young (teclados) y Steve Young (piano) del grupo Colour Box, Michael Conroy (bajo) y Gary McDowell (guitarra) del grupo Modern English, Mark Cox (órgano y teclados) del grupo The Wolfgang Press, Elizabeth Fraser (vocalista) junto a Simon Raymonde (bajo y guitarra) y Robin Guthrie (guitarra) del grupo Cocteau Twins, Gordon Sharp (vocalista) del grupo Cindytalk, y Lisa Gerrard (voz, yang t´chin y acordeón) y Brendan Perry (percusión) del grupo Dead Can Dance. La incorporación de estos últimos genios musicales se deja notar en This Mortal Coil no sólo por su pasión interpretativa, sino también por su gran creatividad, siendo Lisa Gerrard quien ofrezca luz y personalidad a míticas canciones de este álbum como “Waves Become Wings” y “Dreams Made Flesh”, convirtiéndola en uno de los artistas más comprometidos con la composición musical, junto con Simon Raymonde del grupo Cocteau Twins. Otros músicos que mostrarán su gran profesionalidad en la interpretación de estos maravillosos temas serán Martin McGarrick (violonchelo), Gini Ball (violín y viola) y el vocalista Howard Devoto. Sin demorar un segundo más la espera, vamos a escuchar y a disfrutar este mítico álbum.

Empieza a sonar la canción “Kangaroo”. Un bajo y un violonchelo se transforman melódicamente en los pensamientos de quien haciendo uso del flirteo, acaba atrapado y encadenando a una ilusión que no verá realizada. En una admirable interpretación lírica realizada por Gordon Sharp, se convertirá en la voz de su lamento, de su sumisión, siendo “Kangaroo” una de las canciones más sobresalientes de todo este álbum, pero situada a cierta distancia de la siguiente canción. “Song To The Siren” es ese lugar donde la belleza y la ilusión significarán la muerte de tu pasión porque aquí, la mortal belleza habla a través de la voz de Elizabeth Fraser. ¡Sublime! A continuación, el extraordinario tema “Holocaust” será una de esas canciones que resaltan por su rareza musical. Su sentencioso piano, ese violín, violonchelo y viola más propios de un aristocrático cementerio, y la voz de Howard Devoto en una interpretación impresionante, irán irradiando este tema con la intensa luz del talento artístico. Cuántas canciones se han escrito sobre una cama convertida en refugio de nuestros problemas, convertida en el mundo alternativo al inhóspito mundo exterior, ya sea éste una familia, una relación, un trabajo, o una existencia desgraciada. Posteriormente, un tema tan estremecedor como “FYT” llegará con sus atmósferas cargadas de ácidas energías que descargarán con furia sobre nuestro espíritu, hasta que la voz de Gordon Sharp lo disipe todo en “Fond Affections” pero su agrio desasosiego provocará que nos sentemos en el suelo, llorando y sin futuro.

La cera de una vela encendida estará a punto de terminarse mientras escuchamos el tema “The Last Ray”, dejándonos con la mirada dirigida a la pared de nuestra habitación como si fuera una visión al vacío, al vacío de la Nada. Luego, con la canción “Another Day” perfumando nuestro entorno, de nuevo el encanto de Elizabeth Fraser nos fascinará con esta maravillosa interpretación vocal en su plenitud acompañada por la magia melódica de los instrumentos de cuerda (violín, violonchelo y viola). “Another Day” será el reflejo emocional contenido en el interior de esa habitación que tantas y tantas personas tímidas e introvertidas han transformado en su propio féretro. ¡¡¡“Another Day”, grandiosa canción!!! A continuación, el turno musical de Dead Can Dance llegará con el tema “Waves Become Wings”, canción compuesta e interpretada por mi admirada vocalista Lisa Gerrard. Manteniendo su estilo dentro de una línea musical inconfundible, nos adentraremos en un mundo etéreo en constante movimiento que incesantemente invitará a nuestra alma a huir. Posteriormente aparecerá “Barramundi”, una de las composiciones de Simon Raymonde más enigmáticas y atractivas de este álbum. Ecos y pasajes musicales para guitarra se transformarán en entes luminosos anunciando la siguiente canción, la excelsa “Dreams Made Flesh” compuesta e interpretada por Lisa Gerrard con ese trágico espíritu oriental que trasciende, que revela, y que separa cuerpo y alma con su potente voz grave. Lisa Gerrard se eleva como una reencarnada diosa mesopotámica lanzando solemnemente sus lamentos como si asistiera a su propio ceremonial religioso. En esta obra, el ilustre artista Brendan Perry merece una atención muy especial al convertir el plano instrumental de percusión en pureza ritual gracias a sus expertas manos maestras. A continuación, Robbie Grey lucirá esplendorosamente su voz en la interpretación de la canción “Not Me” de estructura melódica más rockera, siendo “Not Me” la canción más vitalista de todo este álbum. Un contrapunto luminoso que realzará la voz de Gordon Sharp cuando cante el tema “A Single Wish”, clausurando con elegancia esta obra maestra mientras sus pasajes musicales iluminan nuestra casa con el reflejo que proyectan las rojizas nubes teñidas por los rayos del Sol en su ocaso. “It´ll End In Tears”, como analista cultural valoro a esta joya discográfica como uno de los diez álbumes más excelsos que se hayan publicado en la década de los ochenta. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

GERHARD HALLSTATT BY GERHARD HALLSTATT, AUTHOR OF THE BOOK “BLUTLEUCHTE”. ENTREVISTA/INTERVIEW EN EXCLUSIVA PARA LUX ATENEA.

Posted on 25 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta entrevista ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This interview is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Entrevista publicada en Lux Atenea el 10 de octubre del año 2012.

gerhard hallstatt by gerhard hallstatt, author of the book “blutleuchte”

Quiero dar las gracias a GERHARD HALLSTATT por su cortesía con LUX ATENEA al haber dedicado su precioso tiempo y su inteligente talento a la realización de esta excelsa entrevista tan personal y reflexiva.

Lux Atenea 4 - 6

El próximo 12 de octubre, Lux Atenea celebrará su sexto aniversario y qué mejor manera de clausurar este sexto año de publicación que presentar a nuestros lectores esta impresionante y reveladora entrevista realizada por una de las mentes intelectuales más privilegiadas y experimentadas dentro de la escena neofolk actual: el ilustre Gerhard Hallstatt. Para Lux Atenea es un honor y todo un placer el poder publicar esta entrevista protagonizada íntegramente por Gerhard Hallstatt, a quien tanto admiro por su espíritu cultural multidisciplinar más propio de un alma renacentista, y donde estas inteligentes preguntas y respuestas giran alrededor de un eje principal marcado por la publicación de su excelso libro “Blutleuchte”, editado actualmente en lengua inglesa y francesa. Una extraordinaria obra literaria que cautivará a los lectores de Lux Atenea por la sagaz perspectiva cultural y humana con la que Gerhard Hallstatt la ha perfilado de forma tan personal y auténtica. Una realidad existencial marcada por el misterio de lo esotérico, por la filosofía más analítica y reflexiva, y por la contemplación de la belleza más sublime que nos pueda ofrecer la Madre Naturaleza que, en el caso de Gerhard Hallstatt, adquiere ese halo único de revelación trascendental a través de ese largo camino que todo ser humano ha de recorrer en este mundo para poder comprender su universo interior como clave de la compresión del misterio de la vida. En esencia, en su grandioso libro “Blutleuchte” ha logrado condensar su propia experiencia vivida y sentida a través del mágico lenguaje de las palabras transformadas en un radiante mensaje de mayor alcance intelectual por su fuerza simbólica seleccionada. Aquellos lectores que adquieran un ejemplar de su obra “Blutleuchte”, así podrán comprobarlo con sus propios ojos durante la apasionada lectura de cada una de las páginas en este libro destinado inexorablemente a ser releído. Una joya literaria que engrandecerá la biblioteca privada de todo amante de la buena literatura, o sea, de aquella literatura que alimenta a nuestra alma. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz

Lux Atenea 4 - 5

INTERVIEW WITH GERHARD HALLSTATT, AUTHOR OF THE BOOK “BLUTLEUCHTE”.

Gerhard Hallstatt grew up in Upper Austria and currently lives in Vienna, Austria. Apart from writing and publishing several years ago the magazines Aorta and Ahnstern, he also founded Allerseelen, a music group that has released numerous CDs and vinyl records through Hallstatt´s own record company, Aorta, the Austrian label Ahnstern and also the Russian label Ewers Tonkunst. His magical mystery tours throughout many parts of Europe, North America and Russia provided inspiration for his compositions and photographs and also for many tracts in his book “Blutleuchte” that appeared in 2010 in English and in 2011 also in French.

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1- Maybe some of the listeners who know the music of your group Allerseelen are not aware that recently your book Blutleuchte was published in English and French. Could you talk about this book?

In late autumn 2010 the American edition of Blutleuchte was published by Ajna in Oregon, and in early autumn of 2011 also the French edition by Camion Noir came out. It was a magical moment to receive and open these parcels – similar to the experiences that I always feel when a new Allerseelen CD or vinyl has been released. Blutleuchte contains a lot of texts that I had published many years ago in my magazines Aorta and Ahnstern – some of the texts deal with movies like Lucifer Rising by Kenneth Anger or The Blue Light by Leni Riefenstahl, but also with a lot of different things. These magazines were then published bi-lingual, in German and English. So it is a bit strange that the Blutleuchte books were already published in English and French but not yet in German – but maybe this will happen one day too. I was at that time and still am fascinated and obsessed at the same time by dozens of different artists, castles, landscapes, researchers, visionaries: This is why the Aorta and Ahnstern issues were dealing with so many different topics. Blutleuchte also contains several interviews, for example with Varg Vikernes when I was writing about violent Norwegian rites in the eighteenth and nineteenth centuries or Michael Moynihan of Blood Axis or people who were close friends of the mysterious Austrian artist Rudolf Schwarzkogler. I was also glad to be able to interview Kenneth Anger when he presented in Wien years ago some of his photographs. Unfortunately I could not realize my planned interview with Leni Riefenstahl.

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2- How many issues of Aorta and Ahnstern did you publish? Are these still available?

I published twenty issues of Aorta and nine issues of Ahnstern. All of them were produced in a quite primitive manner which one would consider nowadays almost prehistoric: I was working with a type-writer, put the texts and graphics together and finally photocopied the magazines in a copy shop. I had always been interested in writing but already in my youth I was that much individualist that I disliked the idea of writing a text and then sending it to a magazine to ask for publication. I wanted to have as much control as possible. Also I did not want to wait days or weeks or months for a positive or negative answer. And I also thought always of bi-lingual editions, something that normal magazines usually never offer. So I worked like this: I researched and travelled, writing about my experiences and impressions, then I wrote my German text, translated it immediately into English – and the next day I already spent hours at a copy shop to hold my first copies in hands. I had readers and subscribers all over the world who were interested as much in the early cassettes of Allerseelen as in the bi-lingual magazines. This method of working appears nowadays very anachronistic but even today I work sometimes in the same old-fashioned way. 1890 was maybe not that much different from 1990 – whereas 1910 is completely different from 2010. Now it is a question of seconds to find out the birth date of a certain personality – then this could be difficult or almost impossible: I had to go to the library or a bookshop to find the information in this or that book or ask friends to send me this or that information. I was writing a lot of letters these days, and some of the first listeners and readers are still close friends today.

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3- Why did you use the title Blutleuchte?

Blutleuchte is one of the chapters in the book, it deals with the blood mysticism in a small esoteric circle in Munich at the end of the nineteenth century. Its founder, Alfred Schuler, was very anachronistic, he was obsessed with paganism and ancient Rome and also behaved like a Roman in the modern world. He wrote about blood and death and used a lot of myths and symbols in his texts and public readings – the red wheel of the Roman world, the black wheel of the modern world. The Blutleuchte, the blood lamp, was one of his symbols that he frequently used – the pagan light of antiquity which he described as a strong red light. His mystical and historical visions inspired very much Rainer Maria Rilke, especially his Sonette an Orpheus. Rilke had participated in some of his lectures. I thought that this title could be appropriate for my book as I also wrote about the bloody drums of Calanda in Spain and many other topics dealing with music, paganism, mysticism. Maybe for the first time I had read about Alfred Schuler in a book by Hermann Nitsch who founded the Austrian Orgien Mysterien Theater – this artist worked a lot with blood and meat in his performances, and I had been participating in two of his performances as drummer.

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4- Why decided Ajna in North America to publish Blutleuchte?

Tyler Davis of Ajna and I had this idea already in 2003 when Allerseelen and my friends of the North American group Waldteufel made some concerts at the Pacific West Coast, in Portland, Seattle and San Francisco. In Oregon and California we were travelling a lot to wonderful places, volcanic landscapes, great mountains. It was June, and we also made a wonderful summer solstice celebration somewhere in the Californian desert – and in these days we were already talking a lot about the details of this book release. I had already stopped the publication of Aorta and Ahnstern to concentrate on music but at many Allerseelen concerts people continued asking for these issues. So Ajna and I started working on the book. This meant a lot of work as my translations into English were far from being perfect. We also had some special ideas for the book – the paper should not be white but parchment-like, the print should not be black but chestnut-brown, and we also had the idea of printing certain parts of the texts in wine-red. It is really a luxury edition, and I am glad how it worked out. When in December 2010 Allerseelen were again touring in North America, this time with Waldteufel and Agalloch, again in the same beautiful area, the book Blutleuchte finally came out and could be presented to the public. And in this time we made a winter solstice fire in the snow on the organic farm of Ajna in Oregon. So a circle was closed.

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5- The English writer Joscelyn Godwin, teaching nowadays at Colgate University in New York State who published a lot of interesting publications about Athanasius Kircher, Robert Fludd, mystery religions and many other topics, wrote an beautiful foreword for your book. I will quote some words: „Like the music which he composes and records under the name of Allerseelen, Gerhard’s writing does not easily fit any ready-made label or category. While the majority of people are content to travel the iron tracks laid down by their religion, politics, peer pressure, or brand-name culture (no matter that they are always crashing into each other), he follows a mercurial path: quick, elusive, and a little mischievous.“ How did you get in contact with him?

I met Joscelyn Godwin when he visited Austria several years ago Vienna. At this time I already knew his book about the occultist and scientist Athanasius Kircher, and I gave him some of the Aorta issues. We stayed in contact, and I sent him all the issues when they came out. I thought that me might be the perfect person to write about it as he knew me personally and also knew and read all the editions when they were published. So I asked him and he agreed. Joscelyn Godwin and I met again in Venice some years ago when he lived there for some months in autumn and winter.

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6- Camion Noir in France published Blutleuchte. Mysticismes anciens & contemporains in September 2011. The French version looks very different from the American hardcover edition. On the cover photograph one sees large drums which are full of blood. Could you talk about the French edition and about this photograph?

I had seen some publications on magic and music by Camion Noir in the past and was glad that they were interested in a French translation. Nadège Gayon-Debonnet translated my texts, from time to time we worked together on some difficult details – I had learnt French in school and also practiced this language a lot when I was travelling in South France. The bloody drum on the cover is a photo that I took in Calanda, the little Spanish village where Luis Bunuel was born. He had used the rhythms of these drums also in some of his movies. I had read about the wild Semana Santa with hundreds of drums and also owned the vinyl edition of the Catalan project Vagina Dentata Organ: The Pagan Drums of Calanda and was immediately obsessed with the wish to travel there. I was two times in Calanda, and both times I was very impressed. I intend to go there again. I like this photograph a lot, it symbolizes for me a perfect synthesis of faith and music and intensity.

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7- Will there be one day a German edition or further translations?

At the moment I do not know but of course it would be a great idea to have one day also a German or also Spanish and other editions. In these days I am talking to someone in Italy about the possibility of an Italian release – we will see if this will turn out.

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8- I read your text about Montsegur. You did not only visit this famous fortress of the Cathars but stayed there over night.

Actually this had not been planned. I had taken a train to Bolzano in Italy and then hitch-hiked through South France to Montsegur. It was a wonderful travel, very intense and also quite hard as I was always sleeping in the open air in my sleeping bag. I decided to walk up to Montsegur and to stay there overnight. This was definitely a mysterious night as it was raining all the time. The fortress was hidden inside clouds, I could not see the walls surrounding me and suddenly felt like being the only passenger on a ship sailing through a white terra incognita. I also stayed over night in other fortresses of the Cathars too, in Queribus and Peyrepertuse. This were impressive travels. Years later, I visited again Montsegur but then with a rented car and my girl-friend. It was the same fortress, but being there was far less impressive like the first time. Still today I have a very strong desire to go there and to several other places again alone, on my own, just with my backbag. Actually I was very close to visit Montsegur again in spring 2011 when I visited in Catalunya my friends from the group Arnica. I was climbing the magical twin peaks of Pedraforca. Close to the mountain I suddenly saw a sign for a path that the Cathars had used in the past from France to Spain to escape from the Catholic crusade against them in the time of the persecutions to escape. I was close of walking there – and I hope to do this another time. I have a very strong desire for these kind of archaic travels. I was inspired a lot in my youth by the writings of Arthur Rimbaud and also Jack Kerouac.

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9- Did you publish other writings in the last years?

I contributed three texts to the magazine Hex in Oregon, one about a winter solstice night that I spent alone on an Austrian mountain, another one about a tumulus in Andalucia and one about rock inscriptions in Carinthia, Austria. In these days I am working on my Croatia diary for a book compiled by a close friend of mine in Ireland, Thor Einar Leichhardt. This diary, dealing with my days in the Croatian Paklenica mountains and the ritual burning of a wooden boat on a Croatian island, will probably be accompanied by some photographs that I took there.

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10- Do you have plans for a new book?

Yes, and I already know how it will be called. I am always writing diary, at home and when I am travelling. I also have a strong desire to visit some of the places which I visited again – to experience again the intensity of travelling alone. For example to the octogonal Castel del Monte in La Puglia, Italia, with its eight octogonal towers. Castel del Monte is already a chapter in Blutleuchte but I really would like to plan another magical mystery tour to this enigmatic castle – and to write again about it. It happened quite often in the past that after the publication of a certain Aorta or Ahnstern issue, I was receiving letters from friends and readers sending me additional or brand-new informations that would have been perfect to have been included in the original text too. So many Aorta and Ahnstern issues were like doors to new areas with new visions. Some issues also changed my life. When I was travelling to all these places so many years ago, I took a lot of slides, the best of them have been used in the American and French Blutleuchte editions. In the last years I have been travelling a lot, with Allerseelen we have been in a lot of countries, Russia, Romania and many other places, I always try to combine concerts with travels – so I very often come back from countries with dozens or hundreds of new experiences and impressions. And some of these diaries, combined with photographs, could be a perfect starting point for another book release.

Lux Atenea 4 - 5

11- You seem not also to travel but also to read a lot? What are you reading currently?

I always have books with me when I am travelling, when I am going somewhere in Wien, when I am working, and of course at home I am living a Steppenwolf life surrounded by hundreds of books. I could not imagine a life without books. At the moment I am inspired a lot by the impressive German artist Anselm Kiefer who works a lot with lead – he became that rich with his art, so rich that he was able to buy the old lead roof of the dome in Cologne! I am reading a book with several interviews with him where he talks about alchemy, history, mysticism, symbolism, war…

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12- What are your plans for 2012 and 2013? What will be your next travel?

I am looking forward to several concerts with Allerseelen in winter and spring which I will try to combine with travels. In these days we are working also on the next Allerseelen CD which will be called Terra Incognita. Allerseelen have an invitation to perform in Finland in winter. So I started doing some researches about special areas in Finland. I saw wonderful photographs of the light phenomena of aurora borealis, so I hope to be able to travel somewhere where I may experience these wonderful northern lights.

MARILYN MANSON con NEIL STRAUSS “LA LARGA HUIDA DEL INFIERNO” (MONDADORI, 2000) (Reseña / Review #18).

Posted on 24 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 18 // Reseña Literaria nº: 7
Reseña actualizada. Publicada el 30 de enero del año 2007 en Lux Atenea.

Publicado por : Mondadori
ISBN : 84-397-0423-2
Edición : 2000 (EDICIÓN COMPRADA)

Como analista cultural non-mainstream, me parece absurdo y fuera de contexto realizar el análisis de este libro sobre el controvertido artista estadounidense Marilyn Manson, haciendo foco en la evidente y seductora perspectiva basada en su obscura y provocadora imagen que proyecta públicamente, ya que creo firmemente que esa perspectiva es completamente equivocada, siendo el contenido de este impresionante libro el que respalda la confirmación de esta opinión personal. Nada más salir a la venta su álbum «Portrait Of An American Family» (1994), compré su edición en CD y, desde el primer momento que escuché las canciones de este grupo musical tan transgresor, rápidamente me di cuenta del inmenso talento y de la gran inteligencia artística que poseía su cantante y compositor: Marilyn Manson. Su calidad musical perfilada dentro de un estilo sonoro extremo e innovador, el potente mensaje que transmitían las letras de sus canciones, sus cuidadas y contundentes melodías en clave rock, sus impactantes vídeoclips de siniestra belleza… no eran simples movimientos comerciales de carácter promocional que estaban controlados por su sello discográfico para la obtención de suculentas ventas (y sus siguientes beneficios). En este conjunto artístico encontré mensajes y conceptos mucho más profundos que permanecían latentes debajo de esa alocada y tenebrosa fachada. Pero, en mi reseña sobre este interesante y revelador libro de Marilyn Manson, los cultos lectores de Lux Atenea se estarán preguntando sobre qué importancia tiene esta visión personal sobre el grupo musical y su líder, si esta es una reseña literaria. A continuación, iré explicándolo todo punto por punto para que quede muy claro que Marilyn Manson es mucho más que música y estética de siniestra y gótica belleza.

Durante el tiempo que estuve leyendo, analizando y disfrutando este extraordinario libro, página tras página, la complicidad respecto al mensaje de la mayor parte de su contenido informativo me provocó ese vínculo, ese vínculo tan especial al comprobar que los comentarios que el propio Marilyn Manson realiza sobre su vida, sobre su obra, sobre sus experiencias… encajaban perfectamente con las interpretaciones que había realizado anteriormente durante años sobre sus temas musicales, y sobre la visión que tenía de él desde un punto de vista artístico y psicológico. Un trasfondo real no siempre comprendido por mis amistades y allegados en relación a este artista musicalmente tan extremo. No entendía su incomprensión ante lo obvio pero, a su vez, ello no me afectaba ante la seguridad de lo sentido. Y es que un analista cultural non-mainstream ha de tener siempre en cuenta que vivimos en un presente dominado por la irrealidad que proyecta el mundo visual en el que estamos inmersos. En la sociedad occidental actual y en la mayor parte del resto del mundo, la imagen manda, la imagen impera sobre las mentes, la imagen es el nuevo dios (junto al eterno dios Dinero), y la ciudadanía ignora (o quiere seguir ignorando) que la imagen también nos engaña y se burla de nosotros como muy clara y contundentemente nos muestra este antihéroe llamado Marilyn Manson en su obra musical, a través en su estética, y de la calculada escenificación de sus actos públicos. Dentro de esa perspectiva llamémosla “real” que nuestra sociedad tiene mientras sigue estando enganchada al poder de lo visual, el artista Marilyn Manson es visto y etiquetado como la encarnación de una figura maligna, decadente y obscura, si tenemos en cuenta a la mayoría de los comentarios que se han publicado sobre él en los massmedia, o a la mayoría de los artículos que se han difundido sobre este artista estadounidense. Que si Marilyn Manson es el nuevo anticristo, que si es un discípulo de Satán, que si personifica a la corrupción y al vicio… como si el origen de todos los males que aquejan a nuestra sociedad occidental en la actualidad fueran debidos a la existencia de artistas como Marilyn Manson.

El grave error comete la persona que llega a ese tipo de razonamientos y de conclusiones es que interpreta de forma superficial, la obscura y provocadora imagen que proyecta Marilyn Manson, sin molestarse en analizar por qué está así definida, así perfilada, tanto en su simbolismo como en su mensaje metafórico. Y cuando ese mensaje deja al descubierto el verdadero trasfondo del culto a la imagen que muestra la sociedad moderna en su vano intento de cubrir el alma humana con una deslumbrante, aterciopelada e iridiscente imagen que oculte la realidad latente de sus actos irracionales dominantes, artistas como Marilyn Manson terminan desvelando en el mensaje de sus obras ese terrible trasfondo, mostrando el amplio y poderoso alcance de la corrupción humana en toda su crudeza. Teniéndo esto en cuenta, en relación a Marilyn Manson, tal vez estemos frente a un artista, frente a una persona que engañado desde muy joven con la aparente bondad de lo humano, al sufrir las consecuencias de la crueldad y de la maldad humana, en su madurez decide tirar de la manta y poner a la Humanidad frente a frente con su auténtica realidad a través del Arte, en este caso, musical. Por lo tanto, ya no estaríamos ante un artista loco, o ante un discípulo de Satán, o ante un ser malvado, sino ante un artista con el coraje suficiente para decir a la sociedad lo que no quiere oír, mostrando visualmente a la ciudadanía lo que nunca querría ver, y no por ser imágenes horribles, sino por que son imágenes basadas en esa realidad en la cual vive, pero que no acepta ni asimila. En el fondo, Marilyn Manson acaba siendo el artista etiquetado por la sociedad como malvado, paradójicamente, por haber reflejado la maldad de esa misma sociedad en su obra musical.

Brian Warner.

Brian Warner nace en una familia estadounidense bastante peculiar, al imprimir sobre su sensible y curiosa inteligencia una serie de conceptos e imágenes donde se entremezclarán los tabúes y los dogmas que, en el futuro, serán la base conceptual del artista llamado Marilyn Manson. Pero, ¿cómo puede un adolescente como otro cualquiera, dar vida a un personaje tan extremo como Marilyn Manson? Pasemos a relatar el ambiente donde Brian Warner creció y se desarrolló en su infancia. Si hay una persona que influirá decisivamente en la formación de la joven mente de Brian es su abuelo, el cual tenía un sótano cuya entrada no estaba permitida a nadie. El motivo de esa prohibición: en el sótano era el lugar donde su abuelo convertía las visiones más “depravadas” que le surgían en su mente en una realidad. Un sotano que el joven Brian Warner acabará descubriendo, explorando esa estancia marcada por un ambiente húmedo y maloliente más digno de un cutre urinario público, que de un lugar destinado a la escenificación erótica y algo más. No creo equivocarme al ver en algunos fragmentos de sus vídeoclips, el reflejo de esas observaciones clandestinas que Brian Warner tuvo en el sótano y cuyas visiones de fuerte impacto psicológico quedaron grabadas en su mente, marcando profundamente su personalidad.

En el tema padres no entro, ya que su influjo en el pequeño Brian Warner es débil y tenue, pero sí entraré en el apartado referente a la educación que recibió ya que resultaría decisivo en la formación de su personalidad. Desde pequeño, Brian Warner es inscrito en la escuela privada y, más concretamente, en una escuela cristiana de corte antiguo cuya férrea disciplina estaba completamente fuera de lugar en los Estados Unidos de América más modernos y avanzados. La verdad es que llevar a una mente infantil como la de Brian Warner a un medio duro y opresivo como el existente en los centros de educación de las escuelas cristianas más conservadoras, es un completo error al mezclar lo frágil y sensible con lo brusco y lo tiránico. El resultado final no podía ser otro. Según la mente de Brian Warner va desarrollándose en ese medio hostil hacia su persona, en el interior de su mente irá analizando cada una de las situaciones y de los actos que allí sufre, creando como antídoto psicológico para poder sobrevivir a ese infierno, un especial don para llevar esas mismas acciones que padece a sus posiciones más extremas. Una vez allí, Brian Warner no dudará en intentar cuestionar o en poner en tela de juicio a la persona que lo atenaza o que lo está atacando, todo ello, a través del inteligente juego de la provocación constante ya que Brian Warner no ha nacido con una gran fortaleza física. En conclusión, una vez terminado ese periodo educativo, Brian Warner sale de esa escuela privada cristiana tal y como salen algunas personas con su misma sensibilidad emocional que allí se educan, o sea, convertido en un ser traumatizado y con inclinaciones hacia lo degenerado. Brian Warner no se convierte en una persona mala en el sentido más estricto de la palabra. El suceso del conejo y las conclusiones posteriores a las que llega no son propios de un ser con malicia, sino de todo lo contrario, de una persona racional y sensible. Pero entonces, ¿cómo puede transformarse Brian Warner en lo que años más tarde será conocido dentro del mundo musical como Marilyn Manson? La pregunta no tiene más respuesta que la reacción que tiene una persona con sus emociones alteradas y con el fondo de su personalidad absolutamente quemado, cuando lo que quiere es venganza contra aquellos que lo han machacado vilmente con el beneplácito de la sociedad que los ampara. Por este motivo, Brian Warner fue muriendo poco a poco siendo víctima de sus educadores para renacer de sus cenizas en forma de Marilyn Manson.

Marilyn Manson nace.

Brian Warner necesita un lugar en donde poder “morir” y luego renacer como Marilyn Manson, y el lugar escogido no es otro que la escuela pública. Allí, encontrará el caldo de cultivo ideal donde alimentar al nuevo ser que dentro de él pide salir, expandirse, y vivir. Todo lo aprendido en la escuela cristiana le permitirá encumbrarse socialmente en ese entorno caótico y alocado donde seres como él, con su misma perspectiva, están dispuestos a apoyarle en su nueva dinámica hasta límites aún mayores y más extremos. De esta forma, Marilyn Manson se convierte en el cómplice transgresor de una parte de las personas que viven en ese entorno, recibiendo como recompensa la complicidad, el reconocimiento, y la compañía de otras personas con vidas paralelas a la suya. Por fin, Marilyn Manson ha encontrado el medio donde se siente cómodo, donde puede proyectar sus sueños personales. Obviamente, siendo los Estados Unidos de América, Marilyn Manson se desarrollará alejado completamente de la sociedad deportivo-estudiantil allí reinante. El posterior paso de la escuela pública a la sociedad cotidiana será sencilla, pero adaptar lo que quiere hacer respecto a lo que realmete hace, le resultará mucho más complicado de lo que imaginaba. Crear un grupo musical estable que dé solidez a sus ideas musicales se convierte en una lucha titánica contra todo tipo de circunstancias y de imprevistos inimaginables. Y todo ello, dentro de un entorno artístico inevitablemente unido a una forma de vida donde el sexo, las drogas, el descontrol, y la deriva existencial, llegan a ponerle en situaciones críticas de abandono. Pero el resultado final es obvio: todo acaba en el éxito musical y comercial que sigue disfrutando actualmente.

Marilyn Manson ha terminado creando una maquinaria artística de psico-provocación social perfectamente engrasada y ajustada, que nos ofrece rotundos y transgresores mensajes dirigidos a los retrógrados esquemas sociales que, curiosamente, son admitidos por la sociedad como normales porque lo peor que tiene esta misma sociedad es su gran permisividad hacia el Mal. La sociedad usa la táctica de mirar hacia otro lado como si esta actitud fuera a solucionar o a eliminar ese problema. Como pueden comprobar, la imagen que pueden tener de Marilyn Manson a través de esta reseña del libro empieza a no cuadrar con la interesada imagen que los massmedia han difundido socialmente sobre él. Por este motivo, desde Lux Atenea recomiendo la lectura de este libro a aquellas personas que quieran tener una visión más realista sobre Marilyn Manson, al estar completamente alejada de la visión sensacionalista ofrecida por los grandes medios de comunicación de masas. Como apunte final, y como seguidor de Marilyn Manson desde sus inicios con la compra de sus álbumes musicales, como con la asistencia a sus primeros conciertos ofrecidos en España, actualmente puedo afirmar que Marilyn Manson no tiene nada que ver con ese otro Marilyn Manson autodestructivo que pude ver y disfrutar hace años en sus actuaciones musicales en directo. Indiscutiblemente, cambiar la autodestrucción personal por el sosegamiento interior le ha llevado a pagar un precio cualitativo muy alto en la creación musical de vanguardia y en el trasfondo de sus canciones. Todo no se pude tener en esta vida. Ha ganado en éxito comercial y en el apartado económico, y ha perdido alma innovadora dentro de esta escena musical. Cualquier acción en esta vida tiene unas consecuencias y unos efectos, y no se puede ser transgresor desde la comodidad y el confort. “La Larga Huida Del Infierno”, un libro de imprescindible lectura y análisis donde los fieles seguidores de Marilyn Manson podrán informarse sobre su auténtico pasado y sobre sus verdaderos orígenes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“BUKOWSKI -UNA VIDA EN IMÁGENES-” (SALAMANDRA, 2001) (Reseña / Review #17).

Posted on 24 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 17 // Reseña Literaria nº: 6
Reseña actualizada. Publicada el 8 de julio del año 2009 en Lux Atenea conmemorando el 15º Aniversario de la muerte del ilustre escritor estadounidense HENRY CHARLES BUKOWSKI (16 de agosto, 1920 – 9 de marzo, 1994).

BUKOWSKI Una Vida en Imagenes ediciones salamandra

Publicado por: EDICIONES SALAMANDRA, S. L.
ISBN: 84-7888-682-6
Edición: 2001 (EDICIÓN COMPRADA)

BUKOWSKI Una Vida en Imagenes ediciones salamandra pic1

El ilustre escritor estadounidense Charles Bukowski es y seguirá siendo uno de los pilares maestros de Lux Atenea. Con la reseña que escribí sobre su libro “El Infierno es un Lugar Solitario”, inauguré la sección literaria de esta página web cultural en Internet, y es que siempre es un honor y un inmenso placer el poder hablar sobre sus grandes obras. Pero, en el caso en concreto del libro aquí analizado, son las imágenes y no las palabras las que llevarán al culto lector de Lux Atenea a conocer un poco más sobre este genio de la literatura del siglo XX. En el interior de esta preciosa edición, encontrarán una atrayente selección de imágenes compuesta por unas doscientas fotografías, en las cuales, podrán ver a Charles Bukowski desde que era niño hasta su edad madura en orden cronológico. Publicado por Ediciones Salamandra en un formato de libro tan especial como es el apaisado, la alta calidad que presenta su impresión dejará muy asombrado a más de un bibliófilo lector. Observar la vida de este genio de la literatura en imágenes provocará más de una sensación de simpatía en los lectores, y de empatía por lo observado, ya que se van a encontrar con una realidad cruda y desangelada que está completamente alejada de esa existencia acomodada y llena de lujos que se presupone en un escritor de esta fama, y de este nivel y categoría. Comprobarán cómo Charles Bukowski vivió una realidad cotidiana igual de dura que la que tuvieron que vivir muchas personas de su generación. Incluso, los vicios en los que cayó este gran poeta y escritor también fueron santo y seña de esa generación estadounidense marcada por la Gran Depresión de finales de los años veinte, y por el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Una vez finalizado ese gran conflicto bélico cuyos efectos destructivos alcanzaron a una gran parte de este planeta, el mundo y, muy especialmente, las ciudades, sufrirían un cambio brusco hacia la deshumanización provocada por el sistema industrial, y por el culto absoluto al dinero y al individualismo que, desde entonces, no ha abandonado la esencia de nuestra sociedad moderna.

BUKOWSKI Una Vida en Imagenes ediciones salamandra pic2

Charles Bukowski, como muchos otros ciudadanos de su época, sobrevive como buenamente puede con trabajos mal pagados mientras la entrada en el mundo del alcohol y de las apuestas no se harían esperar. Solamente cuando Bukowski está punto de cumplir los cincuenta años decide dedicarse de lleno a escribir. Inevitablemente, encontrará en su propia vida y en la despiadada sociedad en la que vive, esa fértil inspiración tan necesaria para llegar al alma del lector y para provocar su fascinación hacia la obra literaria. De esta forma, el reflejo detallado y directo de esas personas solitarias en las páginas de sus libros, de esas personas desesperadas, de esas personas aferradas a los vicios para olvidar, de esas personas que no encuentran un sentido a su propia existencia, de esas personas para las cuales un circunstancial encuentro sexual se convierte en una efímera evasión, de esas personas abandonadas a la inercia de lo normal y cotidiano, de esas personas con esperanzas puestas en el juego, de esas personas atrapadas por el alcohol porque permite pasar mejor el detestado tiempo, de esas personas que hicieron todo lo que se esperaba de ellas en esta vida y acabaron encontrándose vacías… en resumidas cuentas, Charles Bukowski nos habla clara y honestamente en sus obras sobre esas personas vivas biológicamente, pero muertas interiormente. Y ese porcentaje de la ciudadanía sigue aún creciendo en las modernas ciudades que habitamos en la actualidad. Por este motivo, cada una de sus obras sigue brillando y brillará aun más en las próximas décadas. Además, la grandeza artística de Bukowski como escritor viene dada por su estilo literario, a través del cual logra captar la atención de muchos lectores al hablarlos de tú a tú desde el mismo nivel existencial, y desde la terrible experiencia que aprendió viviendo en el avanzado mundo de la sociedad moderna. “Bukowski – Una Vida en Imágenes-”, quince años han pasado desde su muerte y su magia literaria sigue siendo deslumbrante en esta sociedad moderna tan ácida y degradada. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

bukowski una vida en imagenes

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

THIS MORTAL COIL “SIXTEEN DAYS – GATHERING DUST” (4AD, 1983) (Reseña / Review #16).

Posted on 24 enero, 2019 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 16 // Reseña Musical nº: 7
THIS MORTAL COIL, UNA OBSCURA ETERNIDAD (1ª parte).
Reseña actualizada. Publicada en Lux Atenea el 29 de octubre del año 2006.

Publicado por : 4AD, (BAD 310), 1983
Edición comentada : Vinilo 12” Maxi (EDICIÓN COMPRADA)
Tracklist: 1- Song to the siren / 2- Sixteen days reprise / 3- Sixteen days – Gathering dust
Valoración de la calidad del vinilo : 9 (excelente vinilo, destacando tanto el material utilizado como la grabación e impresión, que son dignos de elogio; una obra de esta categoría es casi impensable escucharla y apreciarla en un formato que no sea en vinilo)

En el año 1980, Ivo Watts-Russell funda la compañía discográfica 4AD, embarcándose en una aventura empresarial y musical muy arriesgada en aquella época. Su firme y decidida apuesta en apoyo de obras creadas por grupos musicales non-mainstream con dificultades para publicar, unido a una exquisita selección artística, convertirán en pocos años a la compañía discográfica 4AD en uno de los sellos de referencia dentro de la escena musical cuyo prestigio sigue estando presente en esta segunda década del siglo XXI. Ya desde su inicio, el sector del público más melómano empezó a considerar a 4AD como toda una garantía de calidad musical debido a la relevancia conceptual y a los aires sonoros de vanguardia que se atesoraban en el interior de sus ediciones, pero Ivo Watts-Russell tenía también otros proyectos musicales en mente. Uno de ellos se transformará en el mito musical por excelencia dentro de la escena gótica. El proyecto tiene un nombre: This Mortal Coil.

Para sacar adelante el proyecto experimental This Mortal Coil, Ivo Watts-Russell recibirá la ayuda de un maestro de la creación musical y de la técnica de grabación dentro del mundo discográfico llamado John Fryer, y, juntos, lograrán dar cuerpo y sentido a esta atrevida aventura artística. Las ideas sobre cómo ha de sonar This Mortal Coil, sobre cómo ha de ser, sobre cómo ha de transmitir su mensaje musical las tiene Ivo Watts-Russell en su cabeza de forma muy clara, pero John Fryer es quien se encargará de coordinar a los músicos y cantantes que participarán en This Mortal Coil. Incluso John Fryer escribirá las letras de algunos de esos temas, proyectando artísticamente en la práctica ese orden y ese sentido musical a estas ideas tan innovadoras. Por lo tanto, en contra de lo que algunos opinan, tras leer estas líneas los melómanos lectores de Lux Atenea han de tener muy claro que This Mortal Coil no es un grupo musical. This Mortal Coil es un experimento musical dentro del cual Ivo Watts-Russell decide unir a una serie de artistas y de bandas musicales para hacerlos partícipes de esta aventura artística tan temeraria como vanguardista. Tras empezar a preparar sus primeros trabajos, en el año1983 presentarán oficialmente el primer disco de This Mortal Coil: un maxi en vinilo de doce pulgadas que incluye tres temas, y que lleva por título “Song To The Siren”. Con esta ilustre y mítica publicación discográfica, el banderazo de salida de This Mortal Coil hacia el éxito acababa de ser dado. En este maxi, los artistas que dan cuerpo musical e interpretativo a estas canciones son Michael Conroy (bajo) y Gary McDowell (guitarra) provenientes del grupo Modern English, Elizabeth Fraser (vocalista) y Robin Guthrie (guitarra) del grupo Cocteau Twins, Gordon Sharp (vocalista) del grupo Cindytalk, y Martyn Young (teclados) del grupo Colour Box. Pasemos a escuchar y a disfrutar de esta primera obra, de esta auténtica joya musical de This Mortal Coil.

El acto de sacar este disco de vinilo de su funda, depositarlo en el giradiscos, poner la aguja en el inicio del surco y pulsar el botón de start, lo he repetido no sé cuantas veces a lo largo de los años, de las décadas, pero sigue provocándome una sensación muy especial de lo más placentera. Este es el acto ceremonial por excelencia que un melómano puede realizar para disfrutar la esencia musical non-mainstream en estado puro. Tener en mis manos este primer disco de This Mortal Coil en vinilo y poderlo escuchar en su edición original, podemos decir y afirmar que es un ritual de lo más fetichista y sensorial. Un conmutador musical directo a las fuentes cerebrales del placer más sofisticado para el hedonista que se apasiona con la música selecta e inmortal. El motor del giradiscos ya está en marcha y la primera canción que comienza a sonar es el tema homónimo que da título a este maxi. La mítica canción “Song To The Siren” empieza a perfumar nuestra estancia con su encanto melódico y con su magia lírica, alzándose como un tótem musical gótico. Y es que “Song To The Siren” no es una canción, es un ente sonoro cuyo hechizo es capaz de poseer el espíritu de grupos musicales tan relevantes como Héroes del Silencio (sí, esta es la canción que utilizaba este grupo español como intro musical en sus conciertos), o el alma de genios artísticos de vanguardia como el director cinematográfico estadounidense David Lynch, que incluyó la canción “Song To The Siren” en su obra maestra “Carretera Perdida / Lost Highway” (1996) para engrandecerla aún más. El desierto solitario, esa casa en llamas iluminando la noche, Patricia Arquette haciendo el amor a un pobre infeliz mientras suena esta canción y, antes del clímax, le susurra suavemente al oído “nunca seré tuya” como un veneno mental que permanecerá indeleble en su cerebro, dando una fuerza psíquica y una intensidad visual a esta escena que es incomparable. ¡¡¡Una escena cinematográfica legendaria… inolvidable!!! Pero la mítica canción “Song To The Siren” de This Mortal Coil es la versión del tema original compuesto por el músico estadounidense Tim Buckley (1947 – 1975), siendo incluido en su álbúm “Starsailor” (Straight / Warner Bros. Records, 1970). Del estilo folk de finales de la década de los sesenta que presenta su versión original, tras pasar por el filtro musical de This Mortal Coil, la excelsa canción “Song To The Siren” adquiere este trasfondo obscuro, decadente y siniestramente bello gracias al etéreo registro de voz de Elizabeth Fraser en esta interpretación lírica única e irrepetible. ¡¡¡Pura magia!!!

Tras volver a disfrutar el tema “Song To The Siren”, la canción “Sixteen Days Reprise” aparecerá musicalmente un poco ensombrecida porque el nivel artístico previo ha quedado situado muy alto, y más, cuando esta composición presenta una estructura compleja en su concepto innovador, quedando en algunos momentos bastante volátil en su dimensión sonora mientras mantiene su evolución musical orientada a la experimentación conceptual. Damos la vuelta al disco de vinilo, y nos encontramos con otra joya musical de This Mortal Coil que solamente publicaron en este disco: el tema “Sixteen Days – Gathering Dust”. Aquí, definitivamente nos rendimos al embrujo artístico de este grupo musical de auténtica vanguardia. Este plano instrumental para bajo como inicio del tema de donde emanarán siniestras nieblas, esta espera prolongada cargada de intensidad y de incertidumbre musical, y, como no, la entrada de Elizabeth Fraser para embrujarnos de nuevo con su voz mientras es acompañada por la desgarradora y vampírica voz de Gordon Sharp, convierten a “Sixteen Days – Gathering Dust” en una de las mejores canciones que hayan aparecido dentro la música non-mainstream de la década de los ochenta. Tener este vinilo maxi en las manos no es sólo poseer una edición de gran valor artístico y cultural. Como analista musical, es una auténtica delicia el poder contemplar y el poder admirar la primera obra de esta leyenda musical llamada This Mortal Coil en su edición original. Yo tardé algunos años en poder conseguir este vinilo, pero el esfuerzo y el dinero gastado merecieron mucho la pena. “Song To The Siren”, la incombustible e inagotable pasión musical tiene un nombre: This Mortal Coil. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo del Autor: Félix V. Díaz

Acerca de Félix V. Díaz

CHARLES BUKOWSKI “ARDER EN EL AGUA, AHOGARSE EN EL FUEGO” (LA POESÍA SEÑOR HIDALGO, 2005) (Reseña / Review #24).

“LA IRA ES ENERGÍA. MEMORIAS DE JOHNNY ROTTEN, LA VOZ DE LOS SEX PISTOLS”, JOHN LYDON (MALPASO, 2015) (Reseña / Review #23).

PELÍCULA / FILM “EL HOMBRE DE MIMBRE (the wicker man)” 1973 (Reseña / Review #22).

“LOS HOMBRES TOPO QUIEREN TUS OJOS y otros relatos sangrientos de la Era Dorada del Pulp” (VALDEMAR, 2009) (Reseña / Review #21).

OTSUICHI / KENDI OIWA “GOTH” (GLÉNAT, 2006) (Reseña / Review #20).

THIS MORTAL COIL “IT’LL END IN TEARS” (4AD, 1984) (Reseña / Review #19).

GERHARD HALLSTATT BY GERHARD HALLSTATT, AUTHOR OF THE BOOK “BLUTLEUCHTE”. ENTREVISTA/INTERVIEW EN EXCLUSIVA PARA LUX ATENEA.

MARILYN MANSON con NEIL STRAUSS “LA LARGA HUIDA DEL INFIERNO” (MONDADORI, 2000) (Reseña / Review #18).

“BUKOWSKI -UNA VIDA EN IMÁGENES-” (SALAMANDRA, 2001) (Reseña / Review #17).

THIS MORTAL COIL “SIXTEEN DAYS – GATHERING DUST” (4AD, 1983) (Reseña / Review #16).