GIACOMO LEOPARDI “LOS CANTOS” (Reseña #1768).

Posted on 30 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural: 1768 // Reseña Literaria: 292
Reseña actualizada. Publicada el 10 de marzo del año 2018 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: EDICIONES 29
ISBN: 84-7175-481-9
Edición: 2000 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 160

La excelsa e inigualable obra artística del genial poeta italiano Giacomo Leopardi (1798-1837) siempre nos llevará a poder sentir y disfrutar la crème de la crème literaria más espiritual. Ya desde la publicación de la Revista Cultural Gótica ATIS&NYD (1999-2002), la literatura decimonónica del Romanticismo se convirtió en mi eje cultural, siendo mi temática principal en una época donde estos genios artísticos no tenían presencia ni repercusión alguna en la escena informativa gótica de aquellos años, y en los grandes medios de comunicación estaban completamente olvidados. Como no podía ser de otra forma, Lux Atenea tomó ese legado y ese testigo cultural desde el año 2006 hasta la actualidad y, en este retorno a la publicación de reseñas literarias era inevitable la presencia de este ilustre genio del Romanticismo a través de su excelsa obra “Los Cantos”. Una irresistible pasión por la literatura y por la cultura que he sentido desde la infancia, y que sigo teniendo actualmente sobre todo a través de los libros editados en papel. Como analista cultural, escribir esta reseña sobre la obra de Giacomo Leopardi “Los Cantos” es todo un honor. Ha sido volver a sentir el inmenso placer de su relectura, ha sido volver a experimentar la pasión por su obra rememorando la relevante figura de este poeta italiano que escribió versos en el lenguaje del alma. Conceptualmente muy avanzado a su tiempo, como así podrán comprobarlo y disfrutarlo los bibliófilos lectores de Lux Atenea en estos versos que vertebran su obra, en este elegante poeta descubrirán una virtuosa integración de clasicismo y belleza retórica armonizadas con pinceladas de modernidad, como si fuera una impactante vidriera multicolor de vivos tonos que te impresionan y cautivan, pero cuyo mensaje espiritual solamente es posible observar y comprender analizando el conjunto global desde la distancia. En “Los Cantos”, así se presentará el mensaje de Giacomo Leopardi con versos que aparentan ser un todo en sí mismos e independientes entre ellos, y en su conjunto global adquieren esta fuerza espiritual donde el Ideal resplandece con intensidad y con esa aura tan cercana al alma mística, y sin perder el contacto con este plano de la realidad en el cual vivimos. Una perspectiva vital que caracterizó y dio personalidad a su estilo incomparable como poeta. Estos cantos les invitarán a la reflexión, a una reflexión profunda de absolutamente todo.

“¿Qué significa esta soledad inmensa? ¿Y yo, qué soy?”

La contemplación de la ausencia de plenitud en el ser humano que observa a su alrededor, a Giacomo Leopardi le llevará al Ideal para ser tomado y reverenciado como axis mundi de carácter trascendente alrededor del cual debería girar y regirse espiritualmente la sociedad, la cultura, y la esencia de cada individuo en ese mundo por él anhelado. Desde que, en tiempos remotos que se pierden en la memoria, el ser humano tomó consciencia de la muerte, de su propia muerte, preguntándose a continuación qué sentido tiene su existencia en este mundo, desde ese preciso momento la Humanidad empezaría a perder definitivamente la inocencia para no volver a recuperarla jamás. Esa mirada inocente, confiada y alegre hacia la Divinidad, hacia el universo, hacia el mundo que le rodea, hacia otros seres vivos y otros seres humanos, fue perdiéndose irremediablemente porque la semilla del Mal ya había quedado plantada y enraizada en la especie humana incluso antes de esa toma de consciencia. A partir de ese momento arcaico, difuso en el principio de los tiempos tras esa pérdida de la inocencia, el resto de nuestra Historia no ha sido más que una repetición de los mismos males, de los mismos dramas, y del mismo dolor en diferentes escenarios con distintos protagonistas, pero siempre con una permanente angustia existencial que no ha menguado en absoluto en ninguna época anterior y en el presente. Un vacío espiritual interior, y una sensación de estar viviendo en un mundo regido por ese homo homini lupus que no ha variado ni un ápice ni en el pasado, ni en el presente vivido por Giacomo Leopardi en el siglo XIX, ni en la actualidad posmoderna del siglo XXI, y que seguro no va a cambiar en los próximos siglos. El ser humano ha transformado el entorno gracias a sus avances científicos y tecnológicos, ha avanzado mucho en los medios que tiene a su alcance para conseguir sus objetivos, y en la forma de usarlos para transmitir ese saber. Unos conocimientos que permiten amplificar constantemente la manipulación humana del entorno para su confort pero, interiormente, en su verdadera esencia, el ser humano no ha cambiado absolutamente nada en milenios. Ni siquiera el hombre primitivo viviendo en sociedades tribales regidas por antiguas creencias chamánicas aparentemente más cercanas a ese otro mundo supraterrenal de la Divinidad, se libró de esta semilla del Mal. A principios del apasionante siglo XIX, el poeta Giacomo Leopardi tomó consciencia de esta realidad, negándose a aceptarla para pasar a la creencia de un Ideal que será eso mismo, un Ideal. Esa esencia espiritual suprema que une lo terrenal con lo divino, y donde el Amor romántico se transforma en la auténtica sangre espiritual del individuo que le conducirá a la eternidad. Esa misma sangre espiritual que se convertiría en la tinta que utilizará Giacomo Leopardi para escribir estos versos.

“Lloré por lo despojada, exánime,
que se volvió para mí la vida,
la tierra convertida en árida,
encerrada en eterno hielo.”

A los bibliófilos lectores de Lux Atenea, lo que más les sorprenderá del arte poético de Giacomo Leopardi es su sensibilidad. Su extrema sensibilidad. Una sensibilidad unida al intelecto, a la intuición, al saber eterno del alma, alcanzando un nivel de armonía poética al alcance de unos pocos elegidos dentro del colosal universo literario siempre tan diverso. En su amor al Ideal, perfuma estos poemas con la dulzura que emana de la esperanza y de la ilusión que genera que las cosas puedan cambiar. De ahí estos resplandores tan positivos que desprenden algunos de sus versos. Pero Giacomo Leopardi no ignora el inexorable paso del tiempo en el ser humano, en sus obras, en sus eras vividas aunque fueran escasas las Edades de Oro, siendo lo fugaz y lo intrascendente los que dominen y prevalezcan en la condición humana. Unos versos que desnudan y desvelan esos secretos que a la Humanidad no le gusta ni reconocer ni abordar porque, cuando lo civilizado domina una sociedad avanzada, el nihilismo y el materialismo acaban poseyendo a sus individuos. Y si esa misma sociedad retornara a los valores tradicionales más unidos al medio natural, la barbarie y la superstición terminarían cegando a los individuos. Frente a este obscuro y tenebroso ciclo, Leopardi idealiza la visión del ser humano en armonía con la Madre Naturaleza, pero apartando completamente las creencias religiosas exotéricas que tanto daño le han hecho a lo largo de la Historia de la Humanidad. Giacomo Leopardi cree firmemente en el individuo como sol entre otros soles que hagan brillar intensamente a la sociedad y al futuro de la Humanidad, siendo lo natural y lo espiritual, el alimento principal que genere ese resplandor cargado de plenitud. Y con la muerte del individuo como asimilación del fin de la existencia carnal, lo eterno y lo divino adquieren una especial importancia en el mensaje trascendente de estos versos, sin ignorar el vacío que la ausencia de ese ser deja en quienes le amaron y aún tienen que seguir viviendo sin su presencia en este áspero e insensible mundo. Ese Amor en ausencia del ser amado también se transforma en Ideal, en esperanza de eternidad y de reunión post mortem tras haber bebido juntos la ambrosía del Amor romántico en este mundo, en este inhóspito mundo. “Los Cantos”, la iridiscente estética de los versos escritos con el lenguaje del alma, y no con el lenguaje racional del Yo y del Ego. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

TERMINADA LA ACTUALIZACIÓN DE TODAS LAS RESEÑAS DE CÓMICS Y DE PELÍCULAS DE LA ETAPA BLOGGER (2006-2018)

Posted on 29 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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El pasado miércoles, día 26 de octubre, terminé de publicar todas las reseñas de películas actualizadas. Al igual que septiembre fue el mes a lo largo del cual publiqué todas las reseñas de cómic actualizadas, este mes de octubre he terminado de publicar todas las reseñas de películas. Por lo tanto, a partir de ahora todas las reseñas de cómics y películas que publique serán nuevas, quedando ya solamente por actualizar las reseñas literarias (más de 300) y unas pocas entrevistas musicales. El resto de reseñas que voy a ir publicando serán ya todas nuevas.

Muchas gracias a los cultos lectores de Lux Atenea por vuestro apoyo, por vuestras visitas y lecturas, habiendo conseguido que esta paciente labor de actualización esté siendo muy intensa a lo largo de estos años, no quedando mucho tiempo ya para que en Lux Atenea solamente publique reseñas nuevas.

Lux Atenea es Cultura. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
Lux Atenea
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BRAM STOKER “DRÁCULA”, ilustrado por FERNANDO VICENTE (Reseña #1767).

Posted on 29 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1767 // Reseña Literaria: 291
Reseña actualizada. Publicada el 3 de enero del año 2015 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a la editorial REINO DE CORDELIA por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Publicado por: REINO DE CORDELIA, S.L.
ISBN: 84-15973-36-2
Edición: 2014 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 544

El pasado mes de octubre fue presentada oficialmente esta lujosa edición de la obra de culto “Drácula” (1897) escrita por el decimonónico maestro de la literatura Bram Stoker (1847-1912), habiendo sido ilustrada por el genial artista madrileño Fernando Vicente. Una presentación espectacular para tan emblemático momento que ha transformado este acontecimiento cultural en un relevante momento bibliográfico en España, al convertirse en la edición ilustrada más ambiciosa entre todas las realizadas hasta el momento en idioma español. Dentro del género gótico y de terror, la mítica obra “Drácula” se ha convertido en parte ineludible de la literatura clásica de imprescindible lectura para los bibliófilos que desean aventurarse en el interior de la apasionante temática gótica y, en esta grandiosa y cuidada edición presentada por la editorial Reino de Cordelia, los lectores de Lux Atenea además podrán disfrutar observando esta serie de ilustraciones cuya siniestra belleza les impactará y les seducirá. Solamente hará falta que tengan un ejemplar en sus manos para comprobar la excelsa calidad de los materiales utilizados en su impresión, destacando sobre todo su gruesa tapa dura, su vampírica y seductora sobrecubierta, el tacto aterciopelado de sus hojas… hasta convertir la apertura de este libro en un ritual, y su atenta lectura en una tenebrosa aventura dentro de la literatura decimonónica más selecta para los amantes del género gótico. Al igual que el conde Drácula tiene a la inmortalidad como una de sus principales características, esa misma es la sensación que provoca la esencia cultural de esta augusta publicación literaria presentada por Reino de Cordelia, y que inexorablemente está destinada a convertirse en una edición de lujo que será muy bien valorada por aquellos lectores que desean engrandecer su biblioteca privada con las ediciones más selectas. Siniestra crème de la crème cultural que he leído, analizado, y reseñado gracias a la cortesía de esta editorial.

A pesar del tiempo transcurrido desde su primera publicación, “Drácula” es una obra que te atrapa mentalmente en cuanto empiezas a leer sus primeras páginas. Aires victorianos de corte tradicional emanando de sus hojas que, en este siglo XXI, no impiden que lo vampírico esté experimentando un nuevo renacimiento entre el público comparable al éxito de las primeras películas de vampiros dentro del Séptimo Arte. La posmodernidad, con su visión existencial neobarroca de la sociedad y del individuo, está convirtiendo lo vampírico en ese tótem simbólico de la inmortalidad que tanto se anhela en este mundo posmoderno. Por este motivo, el vampiro, como ser inmortal que chupa la sangre, o sea, la vida, y que es capaz a su vez de dar la inmortalidad a otros seres humanos al transformarlos también en vampiros, resalta precisamente por su mortífera comunión simbólica con lo vital como paradigma y eufemismo a su vez de lo posmoderno en su raíz filosófica. Analizando detenidamente cada una de las ilustraciones que engalanan esta lujosa edición, el bibliófilo lector de Lux Atenea percibirá ese halo tenebroso tocado con el suave filtro de lo bello, y con el Mal presentado en su manifestación más aristocrática y barroca. Una belleza siniestra que el magnífico ilustrador Fernando Vicente no ha dudado en reflejar en cada una de sus creaciones artísticas, dando ese toque de exclusividad y de distinción a este libro como si el propio Bram Stoker en persona le hubiera inspirado y asesorado a su vez para la realización y definición de estas impresionantes imágenes, ordenadas magistralmente como instantáneas de su trama. Un doble placer a través de la lectura y de lo visual, invitando a la observación atenta de cada una de estas ilustraciones mientras el vampiro por excelencia empieza a despertar, y la magia de lo selénico y de lo terrorífico parece surgir en cada nueva ilustración creada con maestría por Fernando Vicente.

La lectura de ediciones literarias ilustradas atrae, y este ejemplar me ha dejado muy sorprendido al haber logrado armonizar en grado superlativo la calidad material de la impresión editorial con la fascinación de esta historia de terror, que parece haber sido escrita con la misma sangre de las víctimas del conde Drácula en sus revelaciones. Por la siniestra fascinación que me han provocado estas ilustraciones, Fernando Vicente se ha presentado ante mis ojos como un obscuro maestro de la ilustración que, con un estilo posmoderno de vanguardia, logra hipnotizarnos como si éste hubiera fijado la mirada en el propio conde Drácula para luego caer rendido. En sus espectaculares ilustraciones, de entrada quedarán impresionados al contemplar cada uno de los dibujos que encabezan cada capítulo como si de una antigua edición se tratara, apareciendo posteriormente una sucesión de ilustraciones como instantáneas marcadas por escenarios fantasmagóricos donde lo horrible y lo terrorífico son esenciales en su definición. Un viaje lóbrego y un tanto demoníaco donde la mirada y la mente quedan fijadas en imágenes de fuerte impacto visual, como este carruaje avanzando por el bosque en una noche iluminada en color sangre y con la Luna mostrando su calavérico rostro, con esa manada de lobos rodeando el carruaje mientras observamos una espiral dibujada en el suelo nevado, con este castillo que destaca por las grandes alas desplegadas en una de sus paredes, o con la imagen del aristocrático vampiro de mirada fría y penetrante, y peinado de la segunda mitad del siglo XVIII. Todo un espectáculo abriendo su hipnótica atracción con el vampiro bajando por una de las paredes exteriores de su castillo en mitad de la noche, con las tres vampíricas damas sobre la cabeza del vampiro (¡¡¡impresionante imagen!!!) y luego con estas tres vampiresas ya erguidas, además de la tenebrosa imagen de las tres vampiresas compartiendo la sangre en una imagen tocada por lo maléfico y lo erótico en su esencia. Ilustraciones cargadas de elementos simbólicos como el barco en el puerto en una noche prácticamente despejada y con el lobo vigilante observándonos, el siniestro barco abriéndose camino entre las enfurecidas olas impulsado por sus velas con forma de alas de murciélago, la mujer vampirizada con las rosas y la marca del vampiro sangrando en su cuello, las ratas perfilando el cuerpo hasta solamente dejar las manos a la vista (página 375), o la siniestra imagen de la mujer con su cuerpo rompiéndose en pedazos encima de la bañera.

Estas ilustraciones quedan marcadas por los gestos y por lo estético en clave siniestra, destacando especialmente la mujer al borde del acantilado y con las cruces del cementerio iluminadas por la Luna en la noche, el brazo de rúbea piel y estas uñas largas y afiladas (página 201), la inquietante vampiresa con tocado de rosas y gasa negra cubriendo su cuerpo, el cristal roto y la furia asomando con sus fauces abiertas por el hueco abierto, la gélida mirada de femme fatal de la vampiresa (página 241), la dura mirada del doctor Van Helsing (página 353), la atmósfera mortuoria en el interior de la mansión bajo la débil iluminación de los quinqués y con las sombras creando extrañas formas, la aristocrática y diabólica imagen de la dama en la página 383 (se ha grabado en mi mente como excelsa ilustración de este libro por su siniestra belleza y elegante estética), la macabra y inolvidable imagen de la página 398, la atmósfera propia de Romanticismo que refleja el mordisco del vampiro a la mujer atrapada en sus alas en mitad de la noche, el toque chic de la vampiresa con los ojos vendados, o la fantasmagórica visión de la vampiresa en el ataúd con el ramo de rosas negras depositadas en sus brazos. ¡¡¡Chapeau a tan siniestro arte!!! Como apunte final, quisiera destacar el magnífico prólogo escrito por Luis Alberto de Cuenca en estas ocho páginas de imprescindible lectura, en una antesala intelectual que provocará más de una reflexión en los lectores. “Drácula – Ilustrado por Fernando Vicente”, excelsa edición destinada al anaquel de la librería donde se atesoran los libros más queridos y siniestramente bellos. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL RUMOR DEL OLEAJE”, YUKIO MISHIMA (Reseña #1765).

Posted on 28 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1765 // Reseña Literaria: 290
Reseña actualizada. Publicada el 9 de noviembre del año 2006 en Lux Atenea.

Publicado por : ALIANZA EDITORIAL
ISBN : 84-206-4541-9
Edición : 2003 (EDICIÓN COMPRADA)

Pureza, armonía, y sensibilidad. Esta excelsa obra es una auténtica delicia para los sentidos, habiendo sido escrita por uno de genios literarios japoneses más talentosos del siglo XX: Yukio Mishima (1925-1970). “El Rumor del Oleaje” es una novela que les susurrará el amor que surge entre dos adolescentes en este pueblo pesquero situado en una bella y esplendorosa isla del archipiélago japonés, mostrando una vida cotidiana donde el impulso vital tiene como tempo existencial, vivir día a día de forma sencilla en este entorno natural. Con Yukio Mishima describiendo la esencia del detalle en estas páginas, la unión del ser humano con la naturaleza le lleva a quedar fascinado con el disfrute de los sentidos concentrados en lo que le rodea, en lo que ama y quiere, en lo que adora, en definitiva, en todo aquello que hace que se sienta como un pequeño ser viviendo en esta pequeña isla azul que no es más que una mota de polvo moviéndose en este océano casi infinito llamado Universo. “El Rumor del Oleaje” es equilibrio a través de la sensibilidad y, como analista cultural, si hay una fragancia que me encanta oler en la literatura oriental es la armonía lírica que transmite su sensibilidad artística, y en la cual los escritores japoneses son auténticos maestros. Esta finura en la apreciación y en la descripción de las formas, de los colores, de lo inmediato, de la acción, del deseo, provocan siempre en mi interior pensamientos e imágenes que, como un alquimista de lo pasional y del ideal, me conmueven y motivan en esta vida a través de la inmersión en el Arte. Un equilibrio vital absoluto llevado a la práctica en el momento y en el lugar adecuado, y no en otro. Ese ideal descrito en Oriente, y donde encuentro ese otro Yo que me hace sentir vivo, alejándome de la frialdad de los sentidos y emociones reinante en esta sociedad. Aunque soy occidental, presento dos caras como el dios romano Jano, mirando a Occidente por mis raíces culturales ancestrales, y hacia Oriente para encontrar esa armonía y ese equilibrio que solamente en estas culturas vibran desde lo más profundo de nuestro interior hacia el espacio cósmico. Una raíz creativa que sólo he encontrado en Oriente, pero sentido desde Occidente, y precisamente por ese trasfondo es donde Yukio Mishima conecta con Occidente como si fuera un traductor existencial situado entre estos dos mundos. Dentro de su magna obra literaria, “El Rumor del Oleaje” destaca especialmente por la tensión existencial que transmite donde el tiempo sigue siendo la clave de lo humano. Además, en estas páginas, los bibliófilos lectores de Lux Atenea quedarán fascinados con este estilo tan sensible y armonioso pulido en frases con una irresistible grandeza artística. “El Rumor del Oleaje”, a continuación, les dejo una clara muestra del talento literario de Yukio Mishima que podrán encontrar durante la lectura de este mágico libro. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

– “…La percepción de ese mundo desconocido fue para él como un trueno distante, que retumbaba en la lejanía y se disolvía en la nada.”
– “…el rugido de la tormenta en el exterior aumentaba su sensación de bienestar,…”
– “…A la pálida luz del amanecer, las lápidas parecían otras tantas velas blancas de barcos anclados en un activo puerto. Eran velas a las que nunca volvería a hinchar el viento, velas que, después de permanecer demasiado tiempo sin ser utilizadas y colgantes en exceso, se habían convertido en piedra. Las anclas de las embarcaciones habían penetrado tan profundamente en la oscura tierra que nunca sería posible volver a levarlas.”
– “Inhaló profundamente , y fue como si una parte de ese algo invisible que conforma la naturaleza hubiera penetrado hasta el centro de su ser.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL GRAN LIBRO DE LA MITOLOGÍA EGIPCIA”, JEAN-PIERRE CORTEGGIANI (Reseña #1764).

Posted on 28 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1764 // Reseña Literaria: 289
Reseña actualizada. Publicada el 7 de diciembre del año 2010 en Lux Atenea.

Quiero dar las gracias a la prestigiosa editorial LA ESFERA DE LOS LIBROS por su cortesía al enviarme este promocional físico.

Publicado por: LA ESFERA DE LOS LIBROS, S.L.
ISBN: 84-9734-322-0
Edición: 2010 (RECIBIDO COMO PROMOCIONAL)
Páginas: 700

En todo el mundo, cada año se publican innumerables obras literarias relacionadas con la cultura del Antiguo Egipto. Biografías sobre las vidas de los faraones, ensayos sobre su fascinante arquitectura, relatos sobre su historia milenaria, estudios sobre sus distintas épocas y dinastías, novelas históricas basadas en sus personajes más famosos… suelen englobar la mayoría de las temáticas tratadas en estos libros pero, si algo fue clave en el desarrollo y evolución de las principales culturas nacidas en el Mediterráneo fue todo el trasfondo mitológico que la religión poseía, y que los egipcios de aquella época veneraban. Unas creencias espirituales y religiosas que, aún hoy día, siguen sin haber sido desveladas y comprendidas del todo debido a su tremenda complejidad. No hay que olvidar que esta cultura ancestral se desarrollaría en Egipto durante miles de años, hasta llegar a su definitiva decadencia y desaparición tras ser conquistados por el Imperio Romano. Miles de años a lo largo de los cuales fueron evolucionando estas creencias, experimentando incluso transformaciones radicales en su trasfondo espiritual en esta religión egipcia poliforma en su base mitológica, y que siempre se mostró ante el pueblo egipcio con una gran complejidad ceremonial y espectacularidad ritual, además de ese aura de misterio supuestamente explicable a través de la intervención de sus dioses sobre la tierra. Esta complejidad mitológica conlleva una gran cantidad de datos y de información normalmente caótica en su estructura, aunque los analicen los grandes expertos en esta materia siempre pendientes de los nuevos descubrimientos arqueológicos.

Es muy relevante el gran valor informativo que atesora este grandioso libro recientemente publicado por la prestigiosa editorial La Esfera De Los Libros, y estoy seguro que encantará a los bibliófilos lectores de Lux Atenea interesados en conocer la religión egipcia en profundidad, estimulando aún más su pasión hacia esta cultura religiosa. Con todo lujo de detalles, en esta magna obra les explicarán muchos de sus conceptos y trasfondos basados en divinidades cuyas características siguen despertando nuestro interés en la actualidad. “El Gran Libro de la Mitología Egipcia” también se convertirá en un diccionario de imprescindible consulta para todos los estudiosos de la cultura egipcia, debido a los datos actualizados que contienen sus páginas, incorporando además todos los últimos avances realizados a través de estudios oficiales llevados a cabo hasta el momento. Una mitología egipcia con cientos de deidades, demonios, animales sagrados, plantas y ofrendas relacionadas con su culto… y que han sido ordenadas alfabéticamente en esta obra hasta llegar a las 686 entradas descritas con sumo rigor. Completando esta excelsa labor cultural se han impreso en sus páginas más de trescientas imágenes, facilitando la comprensión de muchos de estos importantes datos relacionados con esta civilización completamente entregada a la religión, y a sus ritos y ceremonias. Así se mostró la devoción del pueblo egipcio hacia sus divinidades durante siglos. En definitiva, esta es una obra de auténtico lujo que no debe faltar en toda biblioteca que se precie por su selecta temática cultural. “El Gran Libro de la Mitología Egipcia”, extraordinario libro que les cautivará en cuanto comiencen a leer sus primeras páginas.¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“ALQUIMIA Y MÍSTICA. EL MUSEO HERMÉTICO”, ALEXANDER ROOB (Reseña #1763).

Posted on 27 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural: 1763 // Reseña Literaria: 288
Reseña actualizada. Publicada el 15 de noviembre del año 2010 en Lux Atenea.

Publicado por: TASCHEN GmbH.
ISBN: 3-8228-1512-8
Edición: 2001 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 711

Si hubiera contado las veces que he recomendado este libro desde 2001, año de publicación de esta edición, superaría el centenar sobradamente. Esta magna obra es un impresionante volumen temático orientado hacia lo místico, y donde su información descriptiva que se ha terminado convirtiendo a lo largo del tiempo en una fuente de conocimiento teórico de gran importancia dentro de este campo. Su estudio profundo y serio a través de la lectura y de la reflexión, hacen de “Alquimia y Mística” una obra de referencia para todos los cultos lectores de Lux Atenea interesados en una primera inmersión en el Conocimiento aunque este libro tenga más de setecientas páginas, porque a la hora de profundizar en temáticas más concretas existen otras obras mucho más precisas y reveladoras donde poder encontrar ese Conocimiento y Sabiduría. Por este motivo, valoro a “Alquimia y Mística” como un libro muy personal para el lector que desea iniciar ese camino de desvelo interior, ya que estas páginas se presentarán ante sus ojos como una enciclopedia esotérica y mística. Luego, la asimilación interior de estas enseñanzas quedará sus manos según se sienta más o menos identificado con esta Sabiduría que se ha convertido, a lo largo de los siglos, en ciencia en muchas de sus aplicaciones prácticas dentro de una dimensión espiritual. El libro “Alquimia y Mística” es una puerta de inicio, una entrada al sentido de la vida, una luz que revela la perspectiva existencial, más que un importante libro per sé, porque “Alquimia y Mística” atesora datos y claves capaces de encender la llama espiritual y de desvelar lo oculto al lector dentro de un estado superficial muy primario.

En este siglo XXI, el creciente interés que estas temáticas están despertando en el público está siendo muy claro y rotundo. Todo lo relacionado con la Alquimia, con la Francmasonería, con los Rosacruz, con la Cábala, con la Mística… ejerce una irresistible atracción para aquellas personas que, aun viviendo en una sociedad más dada a desacreditar estos temas, sienten algo en su interior que les lleva a tratar de entender aquello cuyo mensaje más obvio y aparente suele confundirse con su verdadero sentido y explicación. Por este motivo, por la nitidez con la cual la obra “Alquimia y Mística” expone una pequeña parte de ese mensaje oculto, muchos lectores que ya se han aventurado en el interior de sus páginas como vía de conocimiento de estas manifestaciones esotéricas, valoran a esta obra como un auténtico lujo literario dentro de esta dimensión espiritual. Además, la prestigiosa editorial Taschen lo viene publicando con esa extraordinaria calidad de impresión a la que ya nos tiene acostumbrados a los bibliófilos. Una calidad en la edición unida al sello cultural Taschen que ha logrado alcanzar a base de publicar obras concebidas y perfiladas con estrictos parámetros de calidad, hasta hacer de cada uno de estos maravillosos libros, su tarjeta de presentación literaria más espectacular. “Alquimia y Mística”, cuando el título de una obra tan excelsa va encaminada hacia lo mítico en cuanto a valoración entre sus lectores. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI (das kabinett des Dr. Caligari)”, 1920 (Reseña / Review #1762).

Posted on 26 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1762 // Reseña Media nº: 115
Reseña actualizada. Publicada el 20 de enero del año 2015 en Lux Atenea.

Director: ROBERT WIENE
Guión: CARL MEYER, HANS JANOWITZ
Actores principales: WERNER KRAUSS (doctor Caligari), CONRAD VEIDT (Cesare), LIL DAGOVER (Jane), FRIEDRICH FEHÉR (Franzis), HANS HEINRICH von TWARDOWSKI (Alan), RUDOLF LETTINGER (doctor Olson)
País: ALEMANIA Año: 1920 Productora: RUDOLF MEINERT – ERICH POMMER / DECLA Duración aprox.: 77 minutos
Publicado en España por: DIVISA HOME VÍDEO
Año: 2014 Formato: DVD nueva edición restaurada (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Doctor Caligari: El nacimiento del horror en la Primera Guerra Mundial // Galería // Fichas // Filmografías

Como analista cultural, valoro a esta mítica película muda como una de la máximas representantes del cine de culto por su excelencia artística. Con ella surge el Big Bang creativo que experimentaría el cine alemán a través del nacimiento de esta corriente expresionista que tantas joyas cinematográficas nos ha legado. Por el virtuosismo creativo y pionero del legendario director de cine germano Robert Wiene (1873-1938), el gótico largometraje “El Gabinete Del Doctor Caligari” se erige majestuosamente como la primera película del Expresionismo alemán, elevando la grandeza artística mostrada por el cine mudo gracias a su hipnótica capacidad para hechizarnos, para seducir la mente del cinéfilo lector de Lux Atenea en cuanto contemple este espectáculo cinematográfico. Una magnética atracción por el terror psicológico en esta historia de suspense que vio la luz en el año 1920, a través de esta genial distorsión de la realidad donde las atmósferas angustiosas cobran vida en entornos densos y opresivos, y donde el factor mental y psicológico se presenta intenso y provocador ante los ojos del espectador. Todo gracias a esta fascinante belleza estética utilizada para dar trasfondo y carácter único a estos escenarios mediante el uso de formas distorsionadas, retorcidas, y tan mágicamente irreales por la perspectiva visual en diagonal que proyectan, y que fueron diseñados y pintados por los artistas Hermann Warm, Walter Röhrig, y Walter Reimann para pasar a la Historia del Séptimo Arte. En esta lujosa edición en formato DVD publicada por la prestigiosa compañía Divisa Home Vídeo en el año 2014, se ha incluido la edición restaurada del negativo original que fue realizada por la Fundación Friedrich Wilhelm Murnau en una coproducción de 2DF en colaboración con el canal Arte y Transit Film, siendo proyectada por primera vez al público el día 9 de febrero de 2014 en el Festival Internacional de Berlín, Berlinale. Una laudable restauración en 4K realizada por L’Immagine Ritrovata para recuperar esta película de culto hasta ofrecer al cinéfilo una calidad excepcional e inimaginable hace tan sólo unos años, además de ser la edición más completa de todas las existentes al haber pasado de sesenta a más de setenta minutos de duración. En esta publicación en DVD también se ha incluido la banda sonora compuesta e interpretada por el artista estadounidense John Zorn para esta edición restaurada de la película, junto al interesante documental “Doctor Caligari: El nacimiento del horror en la Primera Guerra Mundial” de más de cincuenta minutos de duración que encantará a los cultos lectores de Lux Atenea que adquieran esta lujosa edición. Como analista cultural, me ha sorprendido e impresionado el nivel de calidad que se ha logrado alcanzar en esta restauración de las imágenes de la película. ¡¡¡Chapeau!!!

“Cesare, yo te llamo; yo, el doctor Caligari, tu amo. Despierta por un instante de tu oscura noche.”

Quisiera remarcar la admirable labor interpretativa mostrada por los actores en esta película, hasta dar absoluta credibilidad al siniestro ambiente de distorsión psicológica de la realidad expuesto en esta historia. Entre sus actores principales, quisiera destacar muy especialmente el extraordinario trabajo interpretativo realizado por el actor Werner Krauss, dando vida al doctor Caligari con esta extraña actitud, estos andares, esta siniestra mirada en un rostro marcado por el tiempo, además de transmitir esa Sabiduría y ese Conocimiento oculto al común de los mortales. El doctor Caligari, que inicialmente vemos manipulando a Cesare aprovechándose de su sonambulismo para que cometa asesinatos, tras un giro radical en esta historia se presentará su perfil real que cambiará completamente la visión que el espectador tenía sobre este personaje ya resaltado en el título del largometraje. Si en algo es artísticamente transgresor e innovador “El Gabinete Del Doctor Caligari” es en estos giros radicales que suceden en su trama, y que provocan cierto desconcierto. Giros cinematográficos que, llevados a una época más actual, serían comparables a los utilizados por el maestro David Lynch en algunas de sus películas más emblemáticas como, por ejemplo, en “Carretera Perdida (lost highway)”, ya reseñada en este blog cultural. Otro de los grandes valores cinematográficos que presenta este mítico largometraje es el expresivo maestro de la interpretación Conrad Veidt en el papel del sonámbulo Cesare. Un laudable actor de gloriosa carrera cinematográfica, y cuya mítica película de culto “El Hombre Que Ríe” (ya reseñada en Lux Atenea) recomiendo disfrutar a los cinéfilos lectores. Retornando a esta película, con sus gestos, con su mirada, con estas expresiones… Conrad Veidt se presenta como un auténtico mago del encanto teatral llevado a la gran pantalla para provocar emociones intensas. Un legendario actor que ha dado vida y alma a personajes convertidos ya en iconos no solamente dentro del cine mudo, sino también en la Historia más ilustre del Séptimo Arte. Un virtuosismo interpretativo absolutamente sublime y capaz de empatizar con el espectador, transmitiéndole emociones y sentimientos más propios de entornos espirituales por sus claroscuros que a través del reflejo visual estrictamente cinematográfico. Sin duda alguna, Conrad Veidt tiene ese carisma, ese don tan especial para adueñarse de la pantalla en cuanto hace acto de presencia sin que muchas veces sea necesario hacer grandes gestos. Incluso en la inmovilidad más absoluta, como cuando el doctor Caligari presenta a Cesare al público ante los ojos de Franzis y Alan, Conrad Veidt sigue dominando totalmente la escena con su carisma artístico. El sonámbulo Cesare te fascinará nada más verlo, como si el actor Conrad Veidt hubiera nacido específicamente para dar vida y credibilidad en pantalla a este icónico personaje.

Seis actos vertebran la trama de esta tenebrosa y siniestra historia marcada indeleblemente por la ruptura de la realidad y de la cordura mental, y que comenzará en un tranquilo y extraño patio donde Franzis (actor Friedrich Fehér) empezará a narrar un misterioso suceso que le ocurrió en la feria de su pueblo natal, Holstenwall (Alemania), junto a su amigo Alan (actor Hans Heinrich von Twardowski). En el pueblo aparece el doctor Caligari para conseguir el permiso que le permita ofrecer su atracción en la feria, donde un sonámbulo con el don de la adivinación es el protagonista: Cesare. A partir de ese momento, en el pueblo se empiezan a descubrir asesinatos sin explicación aparente, y cuando Franzis y Alan entran en la atracción del doctor Caligari, la vida de Alan quedará sentenciada cuando Cesare le pronostique que morirá pronto. Tras conocer la muerte de su amigo, las sospechas se despertarán en Franzis respecto al doctor Caligari y su tenebroso sonámbulo, y cuando su novia Jane (actriz Lil Dagover) es secuestrada por Cesare, se produce un hecho crucial en esta historia al no querer matarla Cesare por orden del doctor Caligari. Huyendo con ella, es perseguido, pero a partir de aquí, sueños, locuras, imaginación, fantasías, secretos, pesadillas, y la realidad, se entrecruzarán en esta distorsión psicológica reflejada siempre con arte y maestría durante toda esta obra cinematográfica, creando esta amalgama de esencia conceptual surrealista y fuerte impacto visual y psicológico. También caerá el velo que ocultaba la auténtica realidad, mostrándose el verdadero trasfondo de esta historia, de ahí que su fundamento conceptual relacionado con el terror psicológico se convierta en la etiqueta perfecta para poder catalogar a esta película porque su trama no es lineal, sino que está llena de sorpresas que invito a descubrir a los cinéfilos lectores de Lux Atenea durante su visualización. El mundo psicológico y onírico, junto a ese espejo con dos caras opuestas (fantasía e imaginación), serán los que les permitirán desvelar la auténtica realidad del doctor Caligari. Sin duda alguna, Carl Mayer y Hans Janowitz mostraron su más sublime maestría a la hora de escribir este fascinante y sorprendente guion, teniendo en cuenta que estamos hablando de una película rodada en el año 1919, tan solo un año después del final de la Primera Guerra Mundial, siendo proyectada por primera vez al público el día 26 de febrero del año 1920 en la ciudad de Berlín.

“No puede haber sido Cesare: Cesare estuvo durmiendo todo el tiempo.”

Gracias a su magia artística tan cautivadora, de la película “El Gabinete Del Doctor Caligari” quisiera destacar imágenes y escenas imposibles de olvidar como, por ejemplo, la fantasmagórica aparición de Jane en la escena al principio de la película, la sonrisa que provoca ver al pequeño mono en la feria amenazando a todo aquel que se acerca al organillero para darle unas monedas y cómo desafía al enano, la triste y desangelada habitación del secretario del ayuntamiento donde encuentran su cuerpo y el curioso diseño utilizado para representar el cristal roto de la ventana por donde entró el asesino, la siniestra aparición de Cesare ante el público, la solemne y mítica secuencia del despertar de Cesare y su inolvidable rostro mitad clown mitad terror gótico, la terrible escena cuando Alan pregunta a Cesare por su destino, o la sombra del asesino apareciendo en la habitación de Alan, y sus gestos con las manos ante el mortal peligro que se cierne sobre él. La belleza y la estética gótica de “El Gabinete Del Doctor Caligari” son únicas y fascinantes como, por ejemplo, la calle por la cual transitan Franzis y Alan en un entorno psicológicamente opresivo como si las paredes fueran a colapsarse en cualquier momento sobre ellos y con estas líneas dibujadas como si fuera la partitura de un músico loco, observando el interior de este angustioso y caótico ayuntamiento, el diseño completamente surrealista del asiento y de la mesa del secretario del ayuntamiento, el lúgubre y amenazante estilo de letra utilizado para los carteles del guion de la película, el diseño interior de la casa de Franzis donde es todo un placer parar la imagen y recrearse en su contemplación, el tenebroso diseño del cartel de Cesare el sonámbulo, el insólito diseño del florero que aparece en la escena donde Jane está leyendo un libro, o la visión de estas extrañas calles y siniestras casas del pueblo de Holstenwall donde los ángulos de 90 grados son escasos, y donde uno inmediatamente encuentra la fuente de inspiración que halló el director estadounidense Tim Burton para algunas de sus más famosas creaciones artísticas (recomiendo la lectura del libro “Tim Burton por Tim Burton” ya reseñado en Lux Atenea). Todo en esta película de culto es espectacular en su estética visual, como la gran altura y el diseño piramidal que presenta la celda y la poliédrica forma del peso al que está encadenado el preso, quedando centrada la atención visual en él incluso a través de las formas dibujadas en el suelo, o la intrigante escena donde Franzis entra en el manicomio, situándose en su patio curiosamente a la izquierda y justo donde convergen los dibujos (como también ocurría con el preso en la celda), además del terrorífico diseño del despacho del director del manicomio con libros amontonados en el suelo y en su mesa, el esqueleto humano colgado… y que ya se intuía previamente en el lúgubre diseño del pasillo que conduce a esa estancia.

El largometraje “El Gabinete Del Doctor Caligari” es muy tétrico y obscuro, presentando escenas muy impactantes como cuando las maléficas miradas del doctor Caligari y Cesare quedan fijadas en Jane estando sola dentro de la carpa y que provocan que se sienta amenazada y salga corriendo, la tenebrosa salida del cementerio protagonizada por Franzis, Jane y su padre tras haber asistido al entierro de Alan en este escenario de siniestra belleza, la imagen un tanto fúnebre donde se ve al doctor Caligari con Cesare tumbado a su lado hasta dar la impresión de que estuviera velando a un muerto, la extraordinaria escena de la entrada del sonámbulo en el despacho del doctor Caligari, la mítica secuencia donde se ve a Cesare llevándose a Jane y la huida de éste tras dejar a Jane en el camino al ser perseguido por la gente, la impactante visión de la cara del doctor Caligari tras haberle puesto la camisa de fuerza, y la siniestra y terrible escena final en el populoso patio del manicomio con la furiosa respuesta de Franzis. Una de las más espectaculares y siniestras imágenes en esta película aparece con la sombría y empinada escalera que Franzis ha de subir para comunicar la muerte de su amigo a los agentes de la autoridad, o con la terrorífica llegada de Cesare a la habitación de Jane donde ella queda situada en un primer plano, y en una posición dormida que inspirará a la famosa escena de la película de culto “Nosferatu” (1924), cómo éste es incapaz de matarla, e impresiona observar el perturbado rostro de Cesare y su cara de loco cuando despierta a Jane y la agarra para llevársela. Como pueden comprobar, esta película convierte setenta minutos de proyección en una constante y exquisita estimulación de los sentidos durante su atenta visualización, porque “El Gabinete Del Doctor Caligari” representa fielmente lo que es la magia del cine y por qué ha conseguido conquistarnos de forma tan apasionada.

“Hay fantasmas… nos rodean por todas partes.”

Como último apunte, invito a los cultos lectores a reflexionar sobre la influencia que tuvo esta mítica película en la estética siniestra que caracterizó al legendario grupo musical gótico Bauhaus a finales de la década de los setenta y principios de los ochenta, con su mítico cantante Peter Murphy a la cabeza. Observo atentamente algunas escenas de esta película, e inmediatamente vienen a la mente algunas imágenes de los videoclips y fotografías protagonizadas por Peter Murphy. Una influencia estética en la cual también profundizó el magnífico Gavin Baddeley en su extraordinario libro “Los Ángeles Del Pecado. Cultura Gótica II” (ya reseñado en Lux Atenea). En el fondo, el Expresionismo alemán renaciendo en el siniestro mundo musical gótico. En esta reseña también he hecho mención a otros genios cinematográficos como David Lynch o Tim Burton, e invito a seguir sumergiéndose dentro de esta interesante temática ya que les deparará grandes descubrimientos que no esperaban. La influencia estética y conceptual de esta película en artistas posteriores sigue teniendo una larga sombra que se proyecta hasta nuestros días, de ahí su eterna grandeza y prestigio inmutable dentro de la vanguardia. “El Gabinete Del Doctor Caligari”, película de culto y obra maestra por excelencia dentro del Séptimo Arte, y del Expresionismo alemán más selecto e innovador rodado en Europa. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“MÁTALOS SUAVEMENTE (killing them softly)”, 2012 (Reseña / Review #1761).

Posted on 26 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1761 // Reseña Media nº: 114
Reseña actualizada. Publicada el 11 de junio del año 2014 en Lux Atenea.

Director: ANDREW DOMINIK
Guión: ANDREW DOMINIK
Actores principales: BRAD PITT (Jackie Cogan), JAMES GANDOLFINI (Mickey), RICHARD JENKINS (el intermediario), RAY LIOTTA (Markie Trattman), VINCENT CURATOLA (Johnny Amato, “Ardilla”), SCOOT McNAIRY (Frankie), BEN MENDELSOHN (Russell), SAM SHEPARD (Dillon), MAX CASELLA (Barry Caprio), TREVOR LONG (Steve Caprio)
País: EE.UU Año: 2012 Productora: ANNAPURNA PICTURES / 1984 PRIVATE DEFENSE CONTRACTORS / PLAN B ENTERTAINMENT / CHOCKSTONE PICTURES
Duración aprox.: 97 minutos
Publicado en España por: SAVOR EDICIONES, S.A.
Año: 2012 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Trailer // Entrevistas (Andrew Dominik, Ben Mendelsohn, Max Casella, Ray Liotta, Richard Jenkins, Scoot McNairy, Trevor Long)

Una de las películas de reciente rodaje que más me ha fascinado ha sido la excelsa “Mátalos Suavemente” del director australiano Andrew Dominik. Con guión basado en la novela “Cogan´s Trade” del escritor estadounidense George V. Higgins (1939-1999), los cinéfilos lectores de Lux Atenea comprobarán cómo en este largometraje todo es artísticamente impresionante. Desde el apartado de fotografía realizado con maestría por Greig Fraser, hasta la elección de este memorable reparto con actores de la categoría de Vincent Curatola, Ray Liotta, Richard Jenkins, Brad Pitt, o el tristemente desaparecido James Gandolfini, actor inolvidable e insustituible cuya ausencia ya se está haciendo notar en largometrajes y series de televisión para encarnar a personajes con este perfil. Además, una de las características artísticas que más me ha impactado en esta película por su talentosa integración audiovisual, ha sido el estilo cinematográfico de corte psicológico y simbólico utilizado por el director Andrew Dominik debido a su mensaje metafórico un tanto subliminal, pero muy directo. Ya en la primera escena, los cinéfilos podrán comprobar cómo Andrew Dominik logra contrastar los mensajes públicos difundidos en la sociedad sobre el sueño americano, con la desoladora realidad en la que se mueve Frankie, uno de sus personajes principales interpretado por el actor Scoot McNairy. Mensajes políticos que también son inteligentemente utilizados como sonido de fondo en varias secuencias de la película, como cuando durante el atraco realizado por Frankie y Russell (actor Ben Mendelsohn) el director de esta película superpone la explicación pública ofrecida por los políticos en los medios de comunicación sobre el origen de la crisis económica, o cuando el intermediario (actor Richard Jenkins) y Jackie Cogan (actor Brad Pitt) hablan en el coche, o cuando Mickey (actor James Gandolfini) llega al aeropuerto tras su viaje en avión… hasta llegar a la inolvidable imagen de Jackie Cogan saliendo del servicio en el bar con los gritos del famoso slogan político “Yes, we can” de fondo. Un importante factor diferenciador que eleva aún más el valor artístico de la película “Mátalos Suavemente” dentro del Séptimo Arte, haciendo sobresalir a esta excelsa obra por encima de otras aparecidas en los últimos años dentro de este género cinematográfico.

“Ese dice que vivimos en una comunidad. No me hagas reír. Vivo en Estados Unidos de América y aquí estamos solos. Los Estados Unidos de América no es un país. Es un negocio. Ahora págame.”

Detrás de una excelente película siempre hay una trama extraordinaria, unos actores sublimes en su interpretación, y unas impactantes escenas rodadas que convierten al cine en un evento cultural único. La trama de esta película comienza con uno de sus personajes, Frankie, que acaba de salir de prisión tras cumplir una condena de siete años. Ante la delicada y desesperada situación en la cual se encuentra una vez fuera, decide acudir a Johnny Amato, alias ‘Ardilla’ (actor Vincent Curatola), para que le de uno de sus trabajos, encargándole que contacte con alguien más para que puedan realizar un atraco. Frankie habla con su amigo Russell, y juntos terminarán realizando ese atraco a un local organizado por Markie Trattman (actor Ray Liotta) donde se celebran partidas de cartas ilegales controladas por la mafia. Cuando los altos jefes de la mafia se enteran de lo sucedido, deciden dar un escarmiento ejemplar ya que no solamente les preocupa el negocio que pueden perder si esto queda impune, sino también la pérdida de respeto que esta acción supone de cara a la gente y a otras bandas de mafiosos siempre ávidas de expandir sus territorios y negocios. Por este motivo, hablan con un intermediario para que lleve este asunto con habilidad, seguridad, y discreción, que decide contactar con el asesino a sueldo Jackie Cogan por su letal eficacia. El primer señalado como organizador del atraco es Markie Trattman, aunque rápidamente sabrán que él no ha participado. Pero su turbio pasado le sitúa en primera línea ya que, hace tiempo, organizó un atraco en el local para quedarse con el dinero y de cuyo castigo terminó librándose. Jackie Cogan contratará a dos matones, los hermanos Barry y Steve Caprio (actores Max Casella y Trevor Long respectivamente), para que den una paliza a Markie Trattman como represalia de cara al público aun sabiendo que él no ha sido. La vida parece sonreír a Frankie y Russell después del atraco, al contrario que a Markie Trattman cuya buena suerte parece haberle abandonado. Pero todo en esta trama se irá complicando cuando Jackie Cogan ha de contratar a su amigo Mickey, asesino a sueldo venido a menos, para que mate a Johnny Amato, el verdadero organizador del atraco.

A nivel interpretativo, la película “Mátalos Suavemente” atesora una calidad y un despliegue artístico de tal nivel, que es muy difícil de encontrar en otras películas en estos tiempos que vivimos dentro del Séptimo Arte, ya que priman los efectos especiales y la acción desenfrenada en la mayor parte de los largometrajes comercializados. “Mátalos Suavemente” es todo lo contrario. Es la magia del cine a través de estas magnas interpretaciones donde los actores son capaces de provocar emociones y empatías en el espectador. Desde el destacado papel de Frankie realizado por el actor Scoot McNairy, ofreciendo en pantalla este permanente estado de fragilidad, hasta la debilidad exterior e interior de su amigo Russell interpretado por Ben Mendelsohn para dar vida a un personaje irrespetuoso, bocazas, que va de listo por el mundo sin tener donde caerse muerto, y que se dedica sola y exclusivamente a sobrevivir como puede en esta vida, pasando por la contundente y fugaz presencia en pantalla del actor Sam Shepard en el papel de Dillon, matón al servicio de la mafia. Un magnífico guión interpretado de forma impecable por estos actores. Y si hablamos de la excelencia, aquí entraríamos en un terreno artístico de otro nivel donde el genial actor Vincent Curatola logra dar vida a Johnny Amato, el experto e intuitivo cerebro del atraco que tiene muy claro lo que quiere y cómo lo quiere, pero que le falta una mayor firmeza en sus decisiones para lograr hacer un trabajo perfecto y sin sospechas.

Otro sobresaliente actor es el mítico Ray Liotta, perfecto en este tipo de papeles, y que interpretando a Markie Trattman da credibilidad absoluta a este donnadie que se cree alguien dentro de ese entorno. Lo mismo sucede con el eminente actor Richard Jenkins como intermediario entre Jackie Cogan y los altos jefes de la mafia, en una fotogénica interpretación de su papel como ya nos viene teniendo acostumbrados cada vez que aparece en el reparto de una película. Personalmente, a Richard Jenkins lo considero un actor de culto desde su inolvidable protagonismo en la serie de culto “A dos metros bajo tierra (six feet under)”, de la misma forma que otro mítico actor de la categoría de James Gandolfini será siempre recordado en nuestra memoria por el legendario personaje de Tony Soprano en otra serie de culto como “Los Soprano”. En “Mátalos Suavemente”, vuelve a dar vida a un personaje relacionado con la mafia como es el letal asesino a sueldo Mickey, pero con este decadente estado existencial donde se le ve cansado y hastiado de la vida, tomando algunos vicios con la misma obsesión e intensidad como si mañana se acabara el mundo. Como siempre, el mítico actor James Gandolfini se muestra sublime en la interpretación de personajes de este perfil. Pero el actor que más me ha sorprendido por su excelso trabajo de interpretación en esta película es Brad Pitt en el papel de Jackie Cogan. Asesino a sueldo inteligente, frío, calculador, que parece tenerlo todo controlado, y cuya visión y análisis de este serio asunto va mucho más allá de las cortas miras y razonamientos que el intermediario le va dando a lo largo de esta trágica y sangrienta historia. Sencillamente, Brat Pitt se presenta como un actor colosal e insustituible por su capacidad innata para transmitir sensaciones y emociones al cinéfilo amante de los mejores largometrajes. Sin duda alguna, considero a “Mátalos Suavemente” como una de sus mejores películas con diferencia. Una delicatessen artística que engrandece el Séptimo Arte del siglo XXI sin ninguna duda, gracias al talento de su director Andrew Dominik.

“Me gusta matarlos suavemente, desde lejos, no tan cerca. No me gustan los sentimientos.”

“Mátalos Suavemente” es una película marcada visualmente por los escenarios urbanos sucios y degradados que reflejan la decadencia social y económica del sistema. Un submundo real latente en la sociedad postmoderna del siglo XXI. Pero el cine de culto es sinónimo de escenas inolvidables en la mente del espectador, y en este largometraje destacan secuencias como la impactante escena del asesinato a cámara lenta, la fría e imperturbable imagen de Jackie Cogan a punto de entrar en un bar mientras permanece impasible ante el asesinato de una persona en plena calle, la tensión que se respira en la secuencia del atraco donde Frankie y Russell muestran lo descuidados e inexpertos que son para llevar a cabo estos trabajos con rapidez y eficacia, y la sorpresa que se lleva Markie Trattman al ser encañonado. “Mátalos Suavemente” impresiona al espectador, por ejemplo, con el realismo visual y psicológico que transmite la escena donde Frankie habla con Russell y descubre lo bocazas que es, en la secuencia en la cual Jackie Cogan observa la decadencia de su amigo Mickey observando como bebe demasiado y de forma compulsiva, o con el versículo del Apocalipsis que suena como fondo sonoro cuando se inicia la persecución de los atracadores, siendo otra de las geniales pinceladas artísticas mostradas por el director Andrew Dominik en esta obra. Además, esta magnífica edición en formato DVD publicada por la compañía Savor Ediciones, incluye como extras las interesantes entrevistas realizadas a Andrew Dominik, Ben Mendelsohn, Max Casella, Ray Liotta, Richard Jenkins, Scoot McNairy, y Trevor Long. Treinta minutos de extras de imprescindible visualización gracias a los cuales los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán conocer esta obra con mayor detalle y profundidad. “Mátalos Suavemente”, en la segunda década del siglo XXI, el cine de culto presenta estos repartos de auténtico lujo donde cada uno de estos actores es capaz de transformar su personaje en una irrefutable realidad que da credibilidad a esta trama. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PI, FE EN EL CAOS (PI: faith in chaos)”, 1998 (Reseña / Review #1760).

Posted on 26 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1760 // Reseña Media nº: 113
Reseña actualizada. Publicada el 4 de noviembre del año 2013 en Lux Atenea.

Director: DARREN ARONOFSKY
Guión: DARREN ARONOFSKY
Actores principales: SEAN GULLETTE (Maximillian Cohen), MARK MARGOLIS (Sol Robeson), BEN SHENKMAN (Lenny Meyer), PAMELA HART (Marcy Dawson), STEPHEN PEARLMAN (Rabbi Cohen), SAMIA SHOAIB (Devi), AJAY NAIDU (Farrouhk)
País: EE.UU Año: 1998 Productora: HARVEST FILM WORKS TRUTH & SOUL / PLANTTAIN FILMS
Duración aprox.: 86 minutos
Publicado en España por: FILMAX HOME VIDEO
Año: 2000 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

EXTRAS: Tráiler // Menú interactivo 3D // Biofilmografías director y actores

Hay películas que te marcan nada más verlas, que atesoran escenas que te fascinan y te llevan a repetir la visualización de la obra cinematográfica a partir de entonces. Un claro ejemplo de esta estimulada pasión es la película “Pi, fe en el caos”, largometraje que tuve el placer de disfrutar a principios del mes de diciembre del año 1999, fecha oficial de su estreno en una mítica sala de cine en Madrid, y cuya magna banda sonora (Clint Mansell, Orbital, Autechre, Aphex Twin, Massive Attack…) tuve el placer de analizar y reseñar en el mes de julio del año pasado para describir sus excelencias musicales a los melómanos lectores de Lux Atenea. Con el paso del tiempo, “Pi, fe en el caos” se ha convertido en una película de culto, habiendo sido galardonada con el Premio al Mejor Director en el prestigioso Festival de Cine de Sundance en 1998. Como ópera prima del director de culto Darren Aronofsky (“Requiem por un sueño”, “La fuente de la vida”, “El luchador”, “El cisne negro”…), esta incomparable película es un claro ejemplo de pura vanguardia surgida dentro del cine independiente estadounidense donde el drama y la intriga resplandecen siniestramente en su trama, más propia del universo literario kafkiano. La desesperación y la angustia que transmiten muchas de sus escenas, fluyen en esta atmósfera propia de la ciencia-ficción donde la aspereza del thriller psicológico te atrapa e hipnotiza hasta el último segundo. Rodada en blanco y negro con genial maestría en míticos barrios y distritos neoyorkinos como Brooklyn, Lower East Side, Chinatown, y Coney Island, en “Pi, fe en el caos” resalta la sublime labor de interpretación realizada por actores y actrices como Sean Gullette en el papel de Maximillian Cohen (protagonista principal en esta película), Ben Shenkman en el papel de Lenny Meyer, la fotogénica actriz Pamela Hart en el papel de Marcy Dawson… o auténticos maestros de la interpretación como el actor Mark Margolis en el fascinante papel de Sol Robeson (amigo de Max), o el magnífico actor Stephen Pearlman en el papel del misterioso Rabbi Cohen. Talento y genialidad en la dirección unida a estos extraordinarios actores dio como fruto final esta obscura película que rozó la perfección artística.

En este siglo XXI estamos viviendo un periodo de transición entre el caduco mundo moderno y la imparable sociedad posmoderna subida al creciente impulso de la globalización. Un mundo donde el relevante peso de lo económico queda reflejado en la importancia de los movimientos bursátiles en las sociedades más avanzadas de todo el planeta, configurando y definiendo las reglas del sistema financiero a nivel global. Pero, qué ocurriría si una persona con el don de poder realizar inimaginables cálculos matemáticos con su mente privilegiada, le permitiera conocer el orden que rige el aparente caos de los movimientos bursátiles y predecir la evolución de sus valores. Con este atrayente eje como base principal de su trama, en la película “Pi, fe en el caos” podrán conocer la historia de Maximillian Cohen, Max, un excepcional matemático en busca de esa clave económica cuyo desvelo terminará llevándole a una peligrosa posición debido a los intereses económicos que despiertan sus investigaciones en una firma de brokers de Wall Street llamada Lancet Percy, y en una secta de místicos judíos que haciendo uso de la Cábala investigan los secretos de las Sagradas Escrituras para desvelarlos. Tras haber hablado con esta secta, Max, que padece fuertes dolores de cabeza y puntuales pérdidas de la realidad de corte paranoico, ha centrado sus investigaciones en el cálculo matemático haciendo uso de la informática, y para conseguir su objetivo ha creado un programa al que ha bautizado con el nombre de Euclides que, tras ejecutarlo, parece tener un aparente error de programación (un bug) en vista a los resultados que está dando. El problema vendrá cuando esos datos, en los que se predicen increíbles y sorprendentes movimientos bursátiles, lleven a la empresa de Wall Street a hacerse con su programa informático Euclides a cualquier precio, y a la secta judía a conseguirlo también para hallar un número sagrado relacionado con el Templo de Salomón y con Dios. Con esta atrayente y angustiosa trama se desencadenará una atmósfera kafkiana donde la desesperación de Max se convertirá en un trastornado crescendo absolutamente delirante donde se contraponen los intereses materiales y espirituales, persiguiendo y presionando a Max para que les dé ese valioso programa.

En esta película de culto, las escenas que más me impactaron fueron los terribles e impactantes flashes visuales fundidos con punzantes ráfagas sonoras con las cuales el director Darren Aronosky refleja los dolores de cabeza que padece Max, cómo Marcy Dawson de la empresa Lancet Percy trata de tentar a Max ofreciéndole un potentísimo y avanzado microprocesador para ganárselo, o la naturaleza matemática y ordenada de Max que se representa visualmente a lo largo de la película con las anotaciones que va realizando en su diario. “Pi, fe en el caos” es una película con escenas psicológicas muy tensas como la agobiante imagen de Max ante el potente ordenador construido por él mismo y que aparece en pantalla como un avanzado frankenstein tecnológico, la atmósfera persecutoria y paranoica que se respira en las escenas de Max en el metro, o la claustrofóbica casa donde vive cuyas secuencias en blanco y negro aumentan aún más su intensidad visual. Lo simbólico, lo metafórico, y el mensaje de su trasfondo conceptual han quedado perfectamente reflejados en este largometraje como, por ejemplo, en la simbólica imagen de la crema disolviéndose en el café y el humo del cigarrillo formando ambos espirales como metafórico reflejo visual de la secuencia de Fibonacci (proporción áurea), la reflexiva y analítica soledad de Max que se observa en la escena de la playa, la impactante escena donde Max toca un ensangrentado cerebro con la punta de su bolígrafo hasta perder la consciencia, la imagen de la hormiga incapaz de quitarse la sustancia pegajosa de su cuerpo como imagen simbólica para poder comprender cómo Max se va enredando inexorablemente en este asunto, o la incipiente desesperación de Max en el laberíntico abismo en el que se ha metido a la búsqueda del número de 216 dígitos, y que se refleja en las representaciones anatómicas del cerebro y en su cabeza afeitada. Intriga y ciencia-ficción, dramatismo elevado al cubo en este thriller psicológico, una banda sonora de auténtico lujo como trasfondo musical para sus mejores escenas… en definitiva, películas de culto con esta excelsa calidad dentro del cine independiente estadounidense siempre engrandecerán al Séptimo Arte. “Pi, fe en el caos”, el impactante nacimiento artístico de la magia cinematográfica creada por el director de culto Darren Aronofsky. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Todo lo que nos rodea se puede representar y entender mediante números.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“CROMWELL”, 1970 (Reseña / Review #1759).

Posted on 26 octubre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural nº: 1759 // Reseña Media nº: 112
Reseña actualizada. Publicada el 11 de mayo del año 2014 en Lux Atenea.

Director: KEN HUGHES
Guión: KEN HUGHES
Actores principales: RICHARD HARRIS (Oliver Cromwell), ALEC GUINNESS (Rey Carlos I), ROBERT MORLEY (Conde de Mánchester), DOROTHY TUTIN (Reina Enriqueta María), FRANK FINLAY (John Carter), TIMOTHY DALTON (Príncipe Rupert), PATRICK WYMARK (Conde de Strafford), PATRICK MAGEE (Hugh Peters), NIGEL STOCK (Sir Edward Hyde), CHARLES GRAY (Conde de Essex)
País: REINO UNIDO Año: 1970 Productora: COLUMBIA PICTURES / IRVING ALLEN PRODUCTION
Duración aprox.: 134 minutos
Publicado en España por: SONY PICTURES HOME ENTERTAINMENT INC.
Año: 2008 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

“Cromwell”, una película clásica dentro del mejor cine histórico. Así de glorioso se presenta este mítico largometraje del director británico Ken Hughes (1922-2001) donde actores de renombre como Richard Harris y Alec Guinness deslumbran al espectador con su arte interpretativo. La marmólea firmeza política que presenta Oliver Cromwell, interpretado de forma excelsa por el legendario actor Richard Harris, frente a la tradicional flema inglesa reflejada con sobresaliente maestría por el mítico actor Alec Guinness interpretando el papel del rey Carlos I, convierten a esta película en una exquisita delicatesen cinematográfica que fascinará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. Ambientado en la convulsa Inglaterra del siglo XVII, un reino en crisis bajo el reinado de Carlos I de Inglaterra (1600-1649), enfrentado al Parlamento provocará su inevitable reacción política y militar ante el despotismo mostrado por el monarca. Una lucha donde también se enfrentarán el protestantismo contra el catolicismo, la independencia política nacional contra la interferencia externa, el orden y el cumplimiento de la ley contra la corrupción, y que en último término provocará un cambio radical en el sistema político británico que pasará de una histórica monarquía a una república dictatorial de corte teocrático cristiano. “Cromwell” es una auténtica obra de arte rodada en Panavisión para poder disfrutar estas grandiosas escenas en todo su esplendor, y que hará que se apasionen aún más por el Séptimo Arte. Escenarios, fotografía, vestuarios, escenas espectaculares, y una banda sonora épica compuesta por Frank Cordell, convierten estos ciento treinta minutos en un viaje apasionante al pasado histórico de Inglaterra. Grandeza visual, intensidad bélica, y reflexión ante los hechos que se suceden, llevarán al espectador a quedar maravillado ante tales muestras de talento y de belleza en las imágenes.

Esta agitada era política, económica, y social en la historia de Inglaterra comienza en esta película situándonos en el año 1640 con Oliver Cromwell a punto de marcharse al continente americano con su familia, pero es visitado de forma inesperada por unos parlamentarios que solicitan su ayuda. El rey Carlos I había disuelto el Parlamento, pero ahora quiere reunirlo de nuevo porque necesita que se apruebe una subida de impuestos para poder financiar un ejército contra Escocia, cuyas tropas amenazan las fronteras de Inglaterra. El Parlamento inglés se negará siempre que el rey no atienda su petición para que apruebe un cambio político y legislativo que convierta a Inglaterra en una monarquía parlamentaria, solicitud ignorada por el rey ante la pérdida de poder que ello supone y que desembocará en un hecho crucial en esta historia: la firma de la pena de muerte del conde de Strafford (actor Patrick Wymark) por parte del rey, la orden de detención de los líderes parlamentarios, y luego la orden de disolución del Parlamento. Una solución drástica a esa difícil situación que provocará la inevitable polarización de la clase política en dos bandos irreconciliables. Dentro de los líderes más firmes y combativos contra los despóticos actos protagonizados por el rey, destaca Oliver Cromwell (1599-1658), poniendo a los parlamentarios frente a frente ante una tesitura límite: han de elegir entre apoyar al rey o apoyar al Parlamento. No habrá opción a un término medio, por lo que estallará la Guerra Civil Inglesa que durará desde 1642 a 1651, dividida en varias fases durante este largo conflicto.

En la Primera Guerra Civil (1642-1645) se enfrentarán las tropas monárquicas contra las parlamentarias en una lucha que dará comienzo en la batalla de Edgehill (23 de octubre de 1642), donde las tropas parlamentarias lideradas por el conde de Essex (actor Charles Gray) son derrotadas por las tropas monárquicas dirigidas por el príncipe Rupert (actor Timothy Dalton). La realidad histórica marca esta batalla como una derrota de las tropas monárquicas al haber sido incapaces de tomar Londres a posteriori, por lo que podían haber acabado esta guerra con triunfante éxito tras esa acción. Una extraña e incomprensible decisión que permitió que las fuerzas militares parlamentarias se recuperaran, y que, con el firme y decidido impulso de Oliver Cromwell, constituirán la mítica New Model Army dirigida por Sir Thomas Fairfax, importante personaje histórico ignorado en esta película ya que fue nombrado comandante en jefe de aquel ejército. A continuación, las tropas monárquicas serán derrotadas en la batalla de Marston Moor el día 2 de julio de 1644 (batalla no incluida en esta película) y, finalmente, esta primera fase de la guerra acabaría decidiéndose en la batalla de Naseby (día 14 de junio de 1645) donde las tropas del Parlamento dirigidas por Oliver Cromwell se alzan con la victoria. Una derrota en el campo de batalla que tendrá como histórico botín la captura de la correspondencia del rey Carlos I con otras naciones europeas donde les solicitaba ayuda militar. Pruebas claras e irrefutables que, con el paso del tiempo, terminarán condenando al rey cuando sea juzgado por traición.

“Poner vuestra fe en Dios y mantened seca la pólvora.”

Tras la victoria, el rey es hecho prisionero y el triunfante Parlamento entra en una nueva etapa política marcada por la inestabilidad debido al enfrentamiento entre sus diferentes facciones, imposibilitando la gobernación del país. Además, una Segunda Guerra Civil (1648-1649) estallará entre tropas realistas y parlamentarias con la victoria de estas últimas. El rey Carlos I es juzgado y condenado a muerte por traición, y su decapitación se ejecuta el día 30 de enero de 1649, momento en el cual dará comienzo esta revolución política puritana que tendrá como primera consecuencia la instauración de la República y la creación de la Commonwealth of England que durará hasta el año 1653. El Parlamento inglés seguirá siendo un caos y la Guerra Civil se reactiva en el año 1651 (dato histórico ignorado en esta película), enfrentándose las tropas parlamentarias y las realistas lideradas por Carlos II, hijo del Rey Carlos I, siendo definitivamente derrotadas estas últimas en la batalla de Worcester (día 3 de septiembre de 1651). La Guerra Civil Inglesa termina, pero la inestabilidad política en el Parlamento continúa y para solucionar este estado de bloqueo institucional y anarquía, en el año 1653, Oliver Cromwell da un golpe de Estado, disolviendo el Parlamento para instaurar el Protectorado en el cual se proclama como Lord Protector. En unos años, Inglaterra ha pasado del despótico gobierno del rey Carlos I a una dictadura religiosa liderada por Cromwell que durará hasta 1658. Durante todos esos años gobernará la nación con mano de hierro hasta su muerte, retornando la monarquía en año 1660 con la consolidación en el trono del rey Carlos II.

Oliver Cromwell fue un dirigente con creencias religiosas puritanas, y cuyas inquietudes políticas le llevarían a dirigir el destino de Inglaterra tras salir victorioso en una cruenta guerra civil. Considerado por unos como un tirano o un dictador, o como un libertador por otros, por ejemplo, el ilustre Thomas Carlyle (recomiendo la lectura de su obra “Los Héroes” ya reseñada en Lux Atenea), lo que es incuestionable es que Oliver Cromwell es un personaje histórico controvertido ya que sus decisiones políticas provocaron dos hechos sin precedentes en la Historia del Reino Unido que no se han vuelto a repetir a posteriori: la condena a muerte de un rey, y la instauración de una república por primera y única vez en su historia. Pero, en esta película dedicada a ensalzar su figura como político y militar, se ha ignorado completamente su sangrienta intervención militar en Irlanda, o la derrota que sufrió la expedición militar inglesa organizada contra la isla de La Española, bastión español en el continente americano, y que ponen en tela de juicio la objetividad y el realce histórico mostrado en este largometraje. Un valor informativo y documental que hay que tener en cuenta a la hora de valorar su rigor histórico, pero que no resta o disminuye la brillantez artística de esta obra. Por este motivo, los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán profundamente impresionados al visualizar escenas de este mítico largometraje como la admirable recreación de la Corte inglesa, la densa atmósfera que se respira en el intento de detención de Oliver Cromwell en el Parlamento, la recreación de las batallas de aquella época con los movimientos de la caballería y los enfrentamientos entre líneas de infantería armadas con picas y mosquetes, la escena donde Carlos I condena al destierro al príncipe Rupert, o la solemnidad que refleja la impactante secuencia de la ejecución del rey Carlos I. Como apunte final, quisiera recomendar la lectura del libro “Oliver Cromwell, política y religión en la revolución inglesa 1640-1658” (ya reseñado en Lux Atenea) como excelente obra para poder conocer esta etapa crucial en la Historia de Inglaterra con mayor detalle y profundidad. “Cromwell”, espectacular película clásica sobre la vida política de Oliver Cromwell. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Yo alentaba un sueño. Una gran nación, próspera, con temor a Dios, leyes justas, fuerte y respetada en todo el mundo. Esa era la Inglaterra que yo soñaba.”

Félix V. Díaz
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GIACOMO LEOPARDI “LOS CANTOS” (Reseña #1768).

TERMINADA LA ACTUALIZACIÓN DE TODAS LAS RESEÑAS DE CÓMICS Y DE PELÍCULAS DE LA ETAPA BLOGGER (2006-2018)

BRAM STOKER “DRÁCULA”, ilustrado por FERNANDO VICENTE (Reseña #1767).

“EL RUMOR DEL OLEAJE”, YUKIO MISHIMA (Reseña #1765).

“EL GRAN LIBRO DE LA MITOLOGÍA EGIPCIA”, JEAN-PIERRE CORTEGGIANI (Reseña #1764).

“ALQUIMIA Y MÍSTICA. EL MUSEO HERMÉTICO”, ALEXANDER ROOB (Reseña #1763).

“EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI (das kabinett des Dr. Caligari)”, 1920 (Reseña / Review #1762).

“MÁTALOS SUAVEMENTE (killing them softly)”, 2012 (Reseña / Review #1761).

“PI, FE EN EL CAOS (PI: faith in chaos)”, 1998 (Reseña / Review #1760).

“CROMWELL”, 1970 (Reseña / Review #1759).