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CADLAG “TENSOR” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, mayo 2025) (Reseña / Review #2273).

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Reseña Cultural nº: 2273 // Reseña Musical nº: 1460

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico esloveno Pharmafabrik Recordings por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Tensor // 2- Matrix // 3- Legionela // 4- Interval // 5- Kompakte // 6- Asbestopluma // 7- Ampula // 8- Spekula // 9- Cavern
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Matrix // 3- Legionela // 6- Asbestopluma

Presentado oficialmente el pasado día 7 de mayo a través del prestigioso sello discográfico esloveno Pharmafabrik Recordings, el álbum “Tensor” de Cadlag ha sido publicado en formato digital, en una preciosa edición en CD, y en una lujosa edición limitada en cinta de audio de 7 pulgadas, estando disponibles en la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con una estética clásica dentro de la escena electrónica experimental, el mensaje visual proyecta en su trasfondo esa búsqueda de nuevas fronteras, de nuevos territorios sonoros, y de nuevas estructuras musicales con la mirada creativa del pionero. En su reciente álbum “Tensor”, el colectivo esloveno Cadlag nos presentan un nuevo despliegue de talento en la definición sonora a través del eclecticismo conceptual, y de su propia visión del arte musical donde los espacios donde se graban estas composiciones forman parte esencial de su perfilamiento sonoro final, integrándose en perfecta armonía con la idea artística aunque el tema llegue a ser extremo en su estructura sonora. En el caso en particular del álbum “Tensor”, esta búsqueda de espacios y entornos donde grabar los nueve temas que vertebran esta magna obra, ha llevado a Cadlag a encontrar diferentes entornos industriales, mineros, religiosos, y cavernas. El fruto sonoro final es espectacular, como así podrán comprobarlo los melómanos lectores de Lux Atenea que adquieran esta joya musical que, seguro, no tardará mucho en agotar sus ediciones físicas, sobre todo la lujosa edición en cinta de audio de 7 pulgadas. Una auténtica rareza discográfica destinada a los melómanos y a los coleccionistas más selectos.

Sin más demora, iniciamos la audición de este grandioso álbum adentrándonos en su tema homónimo con total contundencia sonora. Así, de entrada, sin filtro alguno ni antesala ambiental. Una amalgama estructural donde estos estratos noise nos cubren a nivel sensorial, mientras sutiles planos electrónicos experimentales fluyen en su trasfondo para ofrecer cromatismos sonoros alejados de esta salvaje cortina noise. Evolucionando hacia parámetros propios del power electronics, el tema “Tensor” marca ciertas diferencias al incorporar matices musicales que, de forma fugaz, se adentran en terrenos industriales para dar otra dimensión a estos espacios tan opresivos. Con la sonoridad de una caverna, cada uno de sus pilares sonoros irán apagándose para dar paso esta fluida manifestación musical cuyos matices se engloban dentro de la electrónica experimental, para luego diluirse hasta desaparecer. Con el tema “Matrix” cambiando completamente el entorno hacia elementos más eléctricos e incandescentes, su impacto musical es tan espectacular como contemplar una torre de Tesla en acción. Pero “Matrix” es distópico en su esencia, de ahí ese fondo melódico tan siniestro como apocalíptico por la crudeza de emociones y sentimientos que se perciben. Si hubiera que poner banda sonora a la representación cinematográfica de una Inteligencia Artificial fuera de control, el tema “Matrix” sería perfecto, ideal, y terriblemente directo en su mensaje. ¡¡¡“Matrix”, colosal!!! Luego, el tema “Legionela” presentará una estructura melódica completamente calmada por su perspectiva conceptual minimal, siendo decorada con luminiscentes pilares sonoros experimentales que le dan esa aura de vanguardia de primer nivel. Incluso sus vibraciones no alteran el equilibrio de su estructura minimalista, presentando una fragilidad casi cristalina en su latencia que fascinará al melómano lector de Lux Atenea por su perspectiva de vanguardia. Hasta cuando lo vibrante derive en la estática y en esta tensión musical electrónica, ampliando el noise su área de influencia, la armonía permanece sorprendentemente inmutable, y hay que tener mucho talento musical para dar continuidad a una estructura sonora de estas características. ¡¡¡“Legionela”, innovación conceptual!!!

El tema “Interval” dará continuidad a lo vibrante prolongando su tempo, y puliéndolo con esta languidez casi sepulcral que irá adentrándose en parámetros sonoros propios del dark ambient. Una estancia donde la proximidad del vacío provoca parálisis, y con la omnipresencia de lo inconmensurable en clave siniestra que nos conduce pausadamente a su inquietante centro, perfilado como una estructura industrial esquematizada en sus pilares sonoros. “Interval” es desasosegante por su atmósfera tan gélida, y hasta en su fase musical más activa no dejan de emanar estas amenazantes brumas propias de la ultratumba. En el fondo, el tema “Interval” es como un terrible Reino de Hades, pero no como paso previo al Cielo, sino al Infierno, siendo su final musical muy impactante y espectacular en su definición sonora. En cambio, “Kompakte” será totalmente radical en su esencia ruidista con este contundente power electronics tan devastador como el paso de un tornado de nivel 5, dejando el escenario musical preparado para que el tema “Asbestopluma” aparezca con un panorama obscuro de amplio horizonte, sumergido en una obscuridad abismal que todo lo atrae a su inhóspita fosa. Con una atmósfera de cierta ingravidez, “Asbestopluma” es una extraordinaria composición que posee la magia sonora del ritual ambient sin serlo, no saliendo de las amplias fronteras musicales del dark ambient y con una gran brillantez en su definición cromática siniestra donde lo tecnológico y lo futurista adquieren ese halo demoníaco. Hasta lo mortuorio termina haciéndose presente perfilado con pasajes sonoros experimentales de dura y rugosa textura, y con esa energía de lo ctónico capaz de alterar lo físico con su acción. Los melómanos lectores de Lux Atenea afines a la escena dark ambient disfrutarán de forma muy especial este tema por su perspectiva creativa tan avanzada. ¡¡¡“Asbestopluma”, pura obscuridad en clave musical!!!

Posteriormente, el tema “Ampula” nos conducirá a un entorno completamente distinto sin perder esos aires tenebrosos, teniendo en sus brillantes claroscuros sonoros esa clave pionera en la composición al resplandecer en esta superestructura musical como espectaculares pinceladas experimentales de gran viveza. Una intensidad creciente en su actividad que nos rodeará con su poderosa definición conceptual, y donde Cadlag no duda en hacer uso de parámetros industriales para potenciar su impacto. En constante transformación, que el tema “Ampula” desemboque en este grandioso estilo power electronics es artísticamente lógico si se desea profundizar en su grandiosidad, para luego proyectar esta estructura con una moderación musical que resalte la espectacularidad de estas emanaciones electrónicas extremas y cortantes. “Ampula” es tensión, son esos cortes afilados que la tecnología va dando a la sensibilidad humana para aislar al individuo en su propio Ego, apartando cualquier atisbo de empatía mental con la precisión de un neurocirujano. En un nuevo cambio del escenario musical, el tema “Spekula” tomará al power electronics como eje conceptual para potenciarlo con nuevas oleadas experimentales orquestadas sobre un entorno sosegado. Un contraste absoluto entre lo nebuloso y lo agresivo, entre la calma y la acción violenta, y esta dualidad sonora va perdurando en esta composición con una perspectiva innovadora que sorprende por su apertura artística a nivel creativo. “Spekula” es tan arriesgado a nivel conceptual que su final abrupto es hasta esperado, siendo el camino musical que se termina para que el tema “Cavern” tome el control sonoro como clausura de este álbum. De perspectiva post-industrial en su definición artística, Cadlag va apartando sus planos sonoros de forma sutil para dar paso a un nuevo concepto en clave power electronics que, tímidamente, desde el fondo va a ir abriéndose paso gracias a estas oleadas ruidísticas donde el noise es esencial para rasgar las diferentes capas musicales mostradas en su inicio. Cuando este latente tempo tan marcado vaya sincronizándose con toda la nueva estructura sonora, los pilares musicales del tema “Cavern” van a crear un colosal pasillo con columnas experimentales de primer nivel que dejarán al melómano profundamente impresionado, llegando a su inevitable colapso final. “Tensor”, dentro de la escena experimental más ecléctica, una nueva muestra musical de la impactante alma artística de vanguardia ideada e interpretada con sumo talento por el colectivo esloveno Cadlag. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
PUREH “TETRAGRAM” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, diciembre 2024) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “OSCILLOPSIA” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, septiembre 2014) (leer reseña)
DANIEL BUESS “PITCH” featuring CAL LYALL & KIKUCHI YUKINORI (PHARMAFABRIK RECORDINGS, diciembre 2014) (leer reseña)
VARIOUS ARTISTS “FABRIKSAMPLER V4” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, 2011) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

SORRY FOR LAUGHING “SELECTED WORKS (2020-2025)” (NO PART OF IT, marzo 2025) (Reseña / Review #2272).

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Reseña Cultural nº: 2272 // Reseña Musical nº: 1459

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Seen by candlelight // 2- A howl in the park // 3- The necessity of good timing // 4- Milk wood (Polly’s song) // 5- Fate stars // 6- Nothing for everyone // 7- Seven stormy oceans (an Edward Lear dream) // 8- Friends forever // 9- Struck blind // 10- Twist ending – Shelf isolation // 11- Heart of the matter – The three roses // 12- Waterlow ode // 13- The second value moment
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 3- The necessity of good timing // 4- Milk wood (Polly’s song) // 7- Seven stormy oceans (an Edward Lear dream) // 8- Friends forever // 10- Twist ending – Shelf isolation

Presentado oficialmente a principios del pasado mes de marzo, el extraordinario álbum “Selected Works (2020-2025)” está vertebrado por una exquisita selección de temas musicales realizada personalmente por el genial artista estadounidense Gordon H. Whitlow, en exclusiva para el prestigioso sello discográfico estadounidense No Part Of It. En mi reseña sobre el álbum “The Medici Poison Garden” de Crone of the Wildwood, ya recomendé a los melómanos lectores de Lux Atenea que se subscribieran a este sello discográfico de vanguardia dirigido por el talentoso artista Arvo Zylo, porque atesora auténticas joyas discográficas en su catálogo. Disponible en formato digital sólo para subscriptores a través de la página oficial del sello en Bandcamp, el álbum “Selected Works (2020-2025)” ha sido engalanado con esta espectacular portada donde su belleza cromática realza ese mensaje de soledad, y de estar constantemente en el filo de la navaja en este mundo mientras lo sublime irradia espiritualmente su esencia siniestra. Para poder ver este mundo desde lo alto, se ha de pagar el precio de la soledad absoluta, de la incomprensión, y del rechazo por ser un alma libre, y en lo más alto solamente se contempla lo sublime, aquello velado a los comunes, a los grises, a los intrascendentes. Como alma mater y líder de la banda musical Sorry For Laughing, el virtuoso artista experimental Gordon H. Whitlow ha ido desarrollando desde la década de los ochenta una vanguardia conceptual pionera cuya fascinación lírica y melódica impresionará a los melómanos. Cuarenta años de experiencia artística desarrollados no solamente en Sorry For Laughing, sino también en el proyecto musical Biota y en el colectivo artístico de vanguardia Mnemonists de la década de los setenta. Pero la banda musical Sorry For Laughing es muy especial, ya que en ella también han participado grandes artistas como Edward Ka-Spel (The Legendary Pink Dots), Martyn Bates (Eyeless in Gaza), el violinista Patrick Q Wright, y la guitarrista Janet Feder. Un magnetismo musical cuyos frutos han sido espectaculares en cuanto a innovación conceptual, en cuanto a creatividad en la composición, y en cuanto a brillantez en su interpretación con pasión. Esta alma musical irradia su belleza artística en el álbum “Selected Works (2020-2025)”, convirtiendo la escritura de esta reseña en uno de esos momentos inolvidables en Lux Atenea que recordaré siempre, hasta que la Dama Muerte me dé su beso en este mundo. ¡¡¡Gordon H. Whitlow, chapeau!!!

Iniciamos la audición de esta joya discográfica con el primer tema “Seen by candlelight” y su intensa apertura musical, apareciendo desde un principio su carácter conceptual donde la electrónica experimental oscila en su frontera con el post-industrial, el noise, y el industrial. Texturas rugosas, cortantes planos musicales, trasfondos sonoros alterados, van configurando esta estructura para llevarnos a una obscuridad en el entorno donde las sombras se mueven, y donde lo siniestro es muy sutil y delicado. Llegando a las puertas del tema “A howl in the park”, su apertura nos desvelará esta delicia melódica para piano acompañando a una lírica interpretada con cierto grado de timidez que le da un gran encanto. Con la misma magia melódica de un carrusel establecida en su estructura musical como trasfondo, “A howl in the park” tiene el punto de inocencia de una historia de misterio y luz, desplegándose con la paciencia de aquello que siempre termina en un inquietante epílogo, de ahí su siniestra parte final. “The necessity of good timing” dará continuidad a esta deriva con claroscuros, presentando una tensa y entrecortada melodía para piano que, con otro plano melódico para piano de largo tempo situado en un segundo nivel, provoca que la lírica quede entre sus dos aguas sonoras. La entrada de siniestros coros llevará al melómano lector de Lux Atenea afín a la escena gótica más experimental, a disfrutar de uno de los temas más excelsos de este álbum. ¡¡¡“The necessity of good timing”, tenebrosa joya musical gótica!!! Tras esta exquisitez obscura, el tema “Milk wood (Polly’s song)” ahondará en ese misterio en el entorno pero con una perspectiva conceptual ecléctica girando alrededor del dark ambient y del ambient, hasta que este último quede en un primer plano como luminoso pilar melódico hasta la aparición de la lírica interpretada con la débil calidez de una noche invernal. “Milk wood (Polly’s song)” es mágico, es casi mitológico en sus raíces musicales con pasado, y con esa mirada de fascinación que se perdió con la llegada de la Modernidad. En constante evolución musical, su espíritu melódico provocará que el melómano incluya este tema en su selección musical más personal y querida. ¡¡¡“Milk wood (Polly’s song)”, maravillosa canción!!!

Cambiando radicalmente de estilo, el tema “Fate stars” nos hará volver a lo experimental dentro de una dimensión mucho más minimal, desarrollándose su interpretación lírica como la historia contada por un trovador mientras la música va recreando cada uno de los escenarios descritos. De una obscuridad perfumada con melancolía, “Fate stars” tiene el encanto de lo vintage pero actualizado gracias a esta estructura sonora de vanguardia completamente alejada de convencionalismos. “Fate stars” es brillante y obscuro, reflejando esos brillos aperlados en tono gris que te alejan del presente, que te sumergen en otra época que nada tiene que ver con las tendencias musicales actuales y, curiosamente, “Fate stars” sigue sonando innovador. Esta es la magia artística de Sorry For Laughing, y “Fate stars” tiene atracción y magnetismo. Luego, el tema “Nothing for everyone” aparecerá con una solemnidad melódica casi ceremonial que derivará hacia terrenos experimentales en su definición instrumental. Con la aparición de un segundo plano melódico encargado de estabilizar su estructura musical, el giro conceptual nos conducirá hacia esta desestructuración controlada situada en el límite de su colapso sonoro hasta el final de la composición. Mantener esta tensión musical sin que todo se venga abajo es otra nueva muestra del espíritu creativo de vanguardia de Sorry For Laughing, teniendo a Gordon H. Whitlow como insustituible director de orquesta. “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” nos llevará directamente a este escenario tormentoso donde lo depresivo y el desasosiego son recreados melódicamente con este plano instrumental para violín. La entrada de la lírica interpretada con esos aires de tragedia asumida por su inexorable realidad, da al tema “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” ese plano artístico bajo donde luego brillar la belleza melódica del violín. Con reminiscencias irlandesas en parte de su definición sonora, “Seven stormy oceans (an Edward Lear dream)” también incorpora pinceladas experimentales para evitar que pueda etiquetarse al tema como puramente folk. Su parte final… ¡¡¡una auténtica delicia!!! Posteriormente, “Friends forever” va a mostrarnos con una perspectiva artística donde lo gótico está presente de forma sutil en un principio, amalgamándose con este ambient de etérea esencia cuyas iridiscencias fascinarán a los melómanos que buscan armonía, mirada inocente, y limpieza mental en la definición artística de una composición, proyectando esa belleza ya perdida en la acelerada vida posmoderna actual de insensible piel de elefante. ¡¡¡“Friends forever”, aterciopelado tema!!!

Retornando a lo ceremonial con el tema “Struck blind”, se mantendrán las iridiscencias del tema anterior pero sin su inocencia tan característica, abriendo su estructura musical con una evolución más madura, más pesada, más asentada en lo terrenal y con un trasfondo de resignación, conservando “Twist ending – Shelf isolation” esa base ceremonial pero mucho más tímida. Situada como trasfondo, la quietud de esta composición y su minimalismo serán decorados con maestría con fugaces pinceladas sonoras experimentales, adquiriendo esa solemnidad de apagado espíritu como una asimilada espera. Fluyendo lo melódico como una suave niebla que va cubriendo todo el entorno, “Twist ending – Shelf isolation” termina desembocando en lo decadente a pesar de su vibrante cambio melódico, desarrollándose como si fuera el canto del cisne. Entrando la lírica con intensidad para reactivar toda la estructura, su siniestro halo irá desvelándose con progresiva claridad para encantarnos por su magnífica interpretación lírica e instrumental. ¡¡¡“Twist ending – Shelf isolation”, virtuosismo experimental!!! El tema “Heart of the matter – The three roses” saldrá completamente de esa dinámica musical para llevarnos a un escenario más urbano, acercándose al jazz en su definición instrumental que acompañará a esta lírica declamada, entrando planos sonoros ambient para cambiar absolutamente su estructura. Una transición conceptual rápida, armoniosa, fluida, que también se repetirá cuando pasemos a este estilo propio de las bandas sonoras puntualmente decorado con matices instrumentales metálicos, para luego entrar en un free style. “Heart of the matter – The three roses” es la transformación, la revolución conceptual consolidada con inmediatez sin que suponga en ningún momento un quiebre en su perspectiva musical. Desembocando con suavidad en “Waterlow ode”, esa visión alegre e inquietante del carrusel retornará pero mucho más siniestra que en el tema “A howl in the park”, y es que “Waterlow ode” es tenebroso hasta en sus planos melódicos, volviéndose un tanto diabólico y psicótico en su final. Con el tema “The second value moment” clausurando esta selección musical, el estilo ambient va a abrir los espacios pero dentro de una amplia bruma que desdibuja las formas y tamiza la luz, yendo poco a poco hacia un tenebroso estilo dark ambient casi sepulcral que se encaminará sonoramente a lo fantasmagórico. Con la entrada de la lírica, en su atmósfera musical se fusionará el dark ambient con cromatismos sonoros experimentales, manteniendo la atmósfera gótica con estos aires decimonónicos de ultratumba que, con la entrada del violín, presentará su máxima expresión artística. “Selected Works (2020-2025)”, el amplio y fascinante abanico conceptual desarrollado con sumo talento artístico por Sorry For Laughing a lo largo de todos estos años. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
CRONE OF THE WILDWOOD “THE MEDICI POISON GARDEN” (NO PART OF IT, abril 2025) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MELOPHOBIA + OCCUPIED HEAD “PANTA RHEI, SOME ANACHRONISMS” (APHELION EDITIONS, abril 2025) (Reseña / Review #2270).

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Reseña Cultural nº: 2270 // Reseña Musical nº: 1457

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista alemán Dieter Mauson por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Chronotaxis // 2- Ephemeros Kairos // 3- Eikonic Antilogos // 4- Topochronia // 5- Iconoclastikos Mythos // 6- Metachronon / Diachronic // 7- Chronomorph // 8- Polychrome Fantasia
Datos técnicos: Temas musicales grabados, mezclados, y masterizados por Melophobia en la ciudad de Tesalónica (Grecia), y por Occupied Head en la ciudad alemana de Hamburgo durante los meses de verano y otoño del año 2024
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Ephemeros Kairos // 6- Metachronon / Diachronic // 7- Chronomorph // 8- Polychrome Fantasia

Con el tiempo como fuente de inspiración principal que fundamenta este impresionante álbum, Melophobia y Occupied Head han perfilado cada uno de los ocho temas que lo vertebran con un despliegue de talento en la composición absolutamente brillante e innovador. En el álbum “Panta Rhei, Some Anachronisms”, “Todo Fluye, Algunos Anacronismos”, los melómanos podrán disfrutar de un inteligente eclecticismo conceptual con matices sonoros experimentales, ambient, minimal, high-tech ambient, industriales… que dan forma a este mosaico musical de vanguardia. Presentado oficialmente a finales del pasado mes de abril a través del prestigioso sello discográfico británico Aphelion Editions, el álbum “Panta Rhei, Some Anachronisms” ha sido publicado en formato digital, en una edición limitada de 25 unidades numeradas en CD, y en una edición limitada de 25 unidades numeradas en cassette, estando disponibles a través de la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con este atrayente diseño creado por Liam McConaghy con portada a cargo de Dimitris Tsironis (Melophobia) y contraportada de Dieter Mauson (Occupied Head), a nivel visual tiene esa estética retro que caracterizaba a la escena electrónica de vanguardia de la década de los setenta, perfilando el reflejo de lo universal y del futuro en sus formas y en sus combinaciones cromáticas como si fluyeran en un movimiento constante de cambio. Desde hace dos décadas, el artista griego Dimitris Tsironis, alma mater de Melophobia, viene explorando nuevas fronteras dentro de la escena electrónica experimental y, desde el año 2011, el artista alemán Dieter Mauson, alma mater de Occupied Head, está profundizando e incorporando perspectivas de vanguardia dentro de la escena electrónica underground más innovadora, como así lo están comprobando y disfrutando los melómanos lectores de Lux Atenea con la serie de reseñas que estoy publicando sobre sus obras musicales en diferentes proyectos. Excepcional en su definición sonora, extraordinario tras su proceso técnico de masterización, el álbum “Panta Rhei, Some Anachronisms” les impresionará por las diferentes perspectivas creativas que definen a cada uno de estos temas, convirtiendo su audición en una apertura a este universo musical de vanguardia de primer nivel. Y este talento en la composición, y este espíritu pionero en su exploración conceptual, se siente en cada una de estas composiciones.

Iniciamos la audición de este grandioso álbum sumergiéndonos en la sorprendente atmósfera del primer tema “Chronotaxis”, estableciéndose un contraste absoluto entre lo lírico y este fondo sonoro drone en clave dark ambient que será posteriormente decorado con un melódico plano iridiscente, provocando el alejamiento de toda la estructura musical. Con la fugaz entrada de lo melódico en un segundo plano, la configuración sonora de “Chronotaxis” derivará hacia un entorno algo decadente y melancólico donde la mirada al pasado es omnipresente. Pinceladas musicales experimentales de carácter mecánico complementarán este entorno para trasladarnos a un escenario aún más insensible en su devenir, perdiendo parte de su estructura cuando se proyecten hasta un primer plano mucho más cercano, conservando ese regusto industrial en su desarrollo. Con la lírica convertida en un eco perdido en la profundidad, la disolución de esta composición comenzará hasta su final. Luego, el tema “Ephemeros Kairos” aparecerá más vibrante, con más luz, y con una cercanía sonora mucho más pronunciada, abriendo nuestra mente a un entorno futurista donde el estilo ambient es fusionado con talento con pinceladas musicales experimentales hasta derivar en un estilo high-tech ambient de vanguardia. De espacio mucho más abierto que el primer tema, “Ephemeros Kairos” deslumbra por su belleza al aproximarse constantemente a lo sublime, consolidando un tempo aparentemente lánguido que no llega nunca a caer en lo onírico. Una fantástica recreación de aquello que resplandece y que, a su vez, no dura mucho en el tiempo, quedando solo el recuerdo de su existencia. ¡¡¡“Ephemeros Kairos”, una auténtica delicia!!! Con el tema “Eikonic Antilogos” estimulando de nuevo al melómano lector de Lux Atenea con su nueva propuesta conceptual, aquí lo vanguardista queda fijado en este estilo ambient con reminiscencias electrónicas a la escena alemana de la década de los setenta, pero actualizada con un minimalismo estructural que le da esa fragilidad cristalina y esas vibraciones sonoras que te cautivan por su riqueza en frecuencias de gran belleza. Con lo lírico en un segundo plano, “Eikonic Antilogos” es mucho más lineal en su desarrollo con variaciones puntuales en su configuración melódica y, cuando la lírica pasa a un primer plano, la contemplación de lo desangelado dominará todo lo observable, aumentando su impacto sonoro minimalista hasta llevar a su estructura casi a la parálisis. Con un tempo tan prolongado en el tiempo en cada ciclo, “Eikonic Antilogos” pasará a reconfigurarse a nivel sonoro con pinceladas musicales sin perder su lánguida atmósfera.

El tema “Topochronia” se va a mover entre lo bucólico y lo experimental, oscilando entre el estilo ambient y la electrónica alemana de la década de los setenta, creando un fuerte contraste sonoro como el existente en una ciudad altamente tecnificada rodeada de un impactante esplendor natural en el entorno que lo rodea. Pero todo terminará obscureciéndose al final de la composición. Cuando “Iconoclastikos Mythos” surja con ímpetu conservando lo bucólico del tema anterior, la configuración musical cambiará totalmente para llevarnos a un entorno más dinámico y positivista donde la inercia es la transformación. “Iconoclastikos Mythos” podía ser la banda sonora de la determinación, de la voluntad para llegar a un objetivo, de las sinergías nacidas de la unión y guiadas hacia un punto señalado y nítido en su fijación. Con una estructura sonora experimental donde planos musicales noise e industriales son protagonistas, “Iconoclastikos Mythos” presenta una de las estructuras conceptuales más arriesgadas de Melophobia y Occupied Head en este álbum. ¡¡¡“Iconoclastikos Mythos”, puro talento!!! Luego, el tema “Metachronon / Diachronic” sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea con esta inmersión sonora más opresiva, más siniestra, donde el estilo dark ambient se vuelve más tenso al incorporar planos sonoros afilados propios de la electrónica experimental. Una bajada a las catacumbas donde se termina perdiendo el sentido del paso del tiempo y del espacio, salvo en el escaso entorno que vislumbramos. De noche, en la oscuridad, la audición del tema “Metachronon / Diachronic” alcanza su máxima definición sonora, ya sea por el silencio dominante en el exterior o por la influencia de Selene que predispone a nuestra mente a sentir esa otra realidad existente en lo obscuro, en lo oculto. “Metachronon / Diachronic” es irresistiblemente siniestro y, por mis gustos artísticos como analista cultural, considero a este tema como la joya de la corona de este álbum, con diferencia. ¡¡¡“Metachronon / Diachronic”, excelso!!!

Cambiando completamente de escenario, el tema “Chronomorph” nos llevará a una estructura absolutamente experimental donde confluyen diferentes estilos en cada uno de sus planos musicales, creando estos estratos sonoros con un dinamismo y una riqueza en matices que les poseerá mentalmente como la visión de una civilización avanzada en frenética actividad. Una visión futurista de gran belleza, y con amplios espacios iluminados fugazmente mientras la sensación de vitalidad y de impulso hacia adelante es constante. “Chronomorph” invita a la evasión mental, estimulando la imaginación debido al magnetismo melódico de muchas de sus capas sonoras, y que dan a esta superestructura musical, esa belleza sublime que te absorbe y te lleva a otro estado de consciencia. Cuando parecía que, en “Metachronon / Diachronic”, habíamos llegado a la cima musical de este álbum, el tema “Chronomorph” lleva al melómano lector de Lux Atenea a otro escenario distinto, a otra cima donde la perspectiva creativa es distinta e igualmente brillante. Con el tema “Polychrome Fantasia” extendiendo el telón de clausura de este álbum, aquí Melophobia y Occupied Head configuran una composición marcada conceptualmente por un estilo high-tech ambient de vanguardia. Una composición musical que te envuelve, que te embriaga con estas nebulosas melódicas tan evanescentes y fluidas, y por este entorno casi psicodélico por su luz y por su dinamismo donde todo cambia en sus cromatismos y en su densidad, creando formas y perfiles que no tardarán mucho en desaparecer para dar paso a otra magia sonora aún más atrayente. “Polychrome Fantasia” es una estimulante composición que les dejará con ganas de más, esperando con ansiedad que el próximo trabajo musical de Melophobia y Occupied Head no tarde mucho en aparecer, en vista al fascinante halo artístico aquí inmortalizado a nivel discográfico. “Panta Rhei, Some Anachronisms”, dos virtuosas y prolíficas mentes creativas de vanguardia mostrando sus nuevas fronteras conceptuales dentro de la escena experimental más ecléctica. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
OCCUPIED HEAD “HOLOMETABOLOUS” (NOSTALGIE DE LA BOUE, enero 2024) (leer reseña)
OCCUPIED HEAD “STEADY” (WET DREAMS RECORDS, diciembre 2019) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “TEMPS LUMINEUX” (NOSTALGIE DE LA BOUE, marzo 2015) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “OSCILLOPSIA” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, septiembre 2014) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “TREAD” (HAZE NETLABEL, junio 2013) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “NARKOKLANG” (BATENIM NETLABEL, abril 2013) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “AT THAT TIME” (INFINITE EXPANSE, mayo 2025) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “Krummhörn” (INDUSTRIAL COMPLEXX, marzo 2023) (leer reseña)
NOSTALGIE ETERNELLE “SANS FIN” (HAFENSCHLAMM REKORDS, 2012) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “TWEE KEERLKES KWAMM VAN LEER / OOSTFREESLAND (1988-1991)” (INFRASTITION, 2012) (leer reseña)
NOSTALGIE ETERNELLE “EP” (EE TAPES, 2011) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “NOTRE DÉBUT (RE-ISSUE)” (FINAL MUZIK, 2011) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

DEISON / CRANIOCLAST “COLD STAR: A NOISE INC.” (SILENTES / 13, febrero 2025) (Reseña / Review #2269).

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Reseña Cultural nº: 2269 // Reseña Musical nº: 1456

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista italiano Cristiano Deison por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: ACERBA ANIMI: 1- Sonic Declarations // 2- Disconnect Solaria
MIT BRENNENDER SORGE: 3- Acts candor elision // 4- Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug
RERUM NOVARUM: 5- Acid Necrosis Tonal // 6- Loss Draconic Tenia
– : 7- Nico Closed Sinatra
Datos técnicos: Temas musicales grabados entre el mes de febrero del año 2019 y abril de 2024 por Deison en 1st Floor Studio, y por Soltan Karik con la ayuda virtual de Sankt Klario
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 2- Disconnect Solaria // 3- Acts candor elision // 4- Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug // 5- Acid Necrosis Tonal

A finales del pasado mes de febrero fue presentado oficialmente el álbum “Cold Star: A Noise Inc.” de Deison y Cranioclast. Publicado por el prestigioso sello discográfico italiano Silentes a través de su subsello 13 en formato digital y en una magnífica edición en ecopak CD de seis paneles, el álbum “Cold Star: A Noise Inc.” ha sido engalanado con este impactante trabajo artístico creado por Cristiano Deison, recordándonos su siniestra portada a las fotografías mortuorias decimonónicas que se pusieron de moda en aquella época cuando la fotografía empezó a expandirse en la sociedad occidental, y las familias trataban de inmortalizar a la persona fallecida como si estuviera durmiendo o como si aún estuviera viva, y que, en la actualidad, al contemplarlas provocan un fuerte impacto visual y mental por su halo siniestro. Absolutamente innovador a nivel conceptual, el álbum “Cold Star: A Noise Inc.” impresionará al melómano lector de Lux Atenea por su perspectiva musical de vanguardia desarrollada a lo largo de varios años, y donde el inevitable eclecticismo conceptual abarca desde el estilo dark ambient al experimental, incluyendo matices post-industriales, ambient, industriales, minimal… para llevar a estas composiciones a otra dimensión creativa única. Desde mediados de la década de los noventa, el talentoso artista italiano Cristiano Deison siempre ha estado unido a la vanguardia conceptual dentro de la escena electrónica experimental, y, el dúo musical alemán Cranioclast formado por los geniales artistas Sankt Klario y Soltan Karik, lleva desde mediados de la década de los ochenta revolucionando la escena electrónica underground con una mirada ecléctica que engloba los estilos industrial, experimental, ambient… pero fusionados hasta perfilar su propia marca artística en la composición. Una excepcional suma de talentos artísticos que ha dado como fruto musical, el excelso álbum “Cold Star: A Noise Inc.”. Una inmersión sonora que les cautivará por su capacidad para llevarles a otra dimensión musical, y donde la fascinación artística es constante en cada uno de los siete temas que vertebran este álbum, dividido en cuatro partes.

Iniciamos la audición de este extraordinario álbum adentrándonos en su primera parte “Acerba Animi” a través del tema “Sonic Declarations”, donde esta inteligente fusión conceptual de dark ambient y electrónica experimental provoca tensión sobre todo por este vibrante y afilado plano sonoro, cuyo protagonismo irá en aumento en la composición. Con un tenebroso drone de fondo, su presencia va alejándose y acercándose cada vez más al melómano transmitiendo peligro, esa señal sonora de aviso cuyas raíces mentales se hunden hasta el cerebro reptiliano humano, reaccionando como cuando una ruidosa avispa se aproxima para centrar totalmente nuestra atención en cuanto es detectada. Ese mismo impacto psicológico es el que experimentarán escuchando “Sonic Declarations”. Posteriormente, tras la calma, el tema “Disconnect Solaria” presentará una definición musical absolutamente experimental a nivel conceptual, y con una brillantez dimensional que fascinará al melómano lector de Lux Atenea que busca creatividad y magia en el arte musical de vanguardia. Cristalino, iridiscente, radiante en su manifestación artística, el tema “Disconnect Solaria” sería espectacular como banda sonora de una performance multidisciplinar instalada en el interior de un museo de Arte Moderno. Excelso en su concepción y en sus equilibrados registros sonoros, la sucesión de sutiles cambios no hace más que estimular nuestra mente con la aparición de matices artísticos en este 3D sensorial absolutamente irresistible. ¡¡¡“Disconnect Solaria”, grandiosa composición experimental!!! A continuación, abrirá sus puertas la segunda parte de este álbum titulada “Mit Brennender Sorge”, siendo el tema “Acts candor elision” el que proyecte la perspectiva inicial de este álbum, pero con un estilo dark ambient utilizado como pantalla sonora drone de fondo, ya que la mayor parte de su estructura musical es experimental. Una mirada creativa muy avanzada donde se percibe la influencia del estilo post-industrial en su definición, y en cómo aparecen, adquieren protagonismo, y desaparecen cada uno de estos planos sonoros mayormente obscuros. Derivando hacia un vibrante entorno, la experimentación va volviéndose más fría hasta desembocar en lo urbano, en el ruido sonoro cosmopolita. En el fondo, el tema “Mit Brennender Sorge” es una siniestra danza musical que eleva a Deison y a Cranioclast hasta la primera línea de vanguardia dentro de esta escena en la actualidad. ¡¡¡“Mit Brennender Sorge”, absolutamente innovador!!!

El tema “Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug” dará continuidad a la deriva sonora cosmopolita del tema anterior, disolviéndose musicalmente de forma progresiva en este estilo ambient tensionado por su proximidad con el dark ambient. Elevándose estas columnas chirriantes propias del industrial cercano al noise, la pérdida de luminosidad irá cubriendo de claroscuros este entorno hasta perfilar un escenario donde de los ecos y del movimiento emana vida. Futurista en su definición sonora, el tema “Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug” fascinará al melómano lector de Lux Atenea por su irresistible atracción obscura, como si abriera la ventana de un edificio en una megaurbe dentro de treinta años para contemplar su actividad humana, sus luces incandescentes, sus vehículos en movimiento… “Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug” es espectacular, y si desean conocer la escena musical de vanguardia latente en este año 2025, este tema es de obligada audición. ¡¡¡“Ricalcando Tossine or der Sankt Traumartinszug”, colosal composición!!! Luego, la tercera parte del álbum titulada “Rerum Novarum” surgirá en cuanto el tema “Acid Necrosis Tonal” aparezca con estos planos sonoros fluidos que quedarán como fondo con la aparición de cromatismos musicales tensos, cuyas frecuencias graves lo dominarán todo. Un ecléctico caleidoscopio conceptual donde lo experimental, el dark ambient, el industrial, y este vaporoso ambient, nos conducen a un estado de consciencia donde nuestros sentidos quedan amplificados a su máxima sensibilidad, detectando cada uno de los matices experimentales que hacen destacar al tema “Acid Necrosis Tonal” como uno de los más relevantes de este álbum a nivel artístico. Le sucede lo mismo que al tema “Disconnect Solaria” porque, como banda sonora de una performance multidisciplinar, sería absolutamente cautivador. Un claro ejemplo del talento artístico de Deison y Cranioclast a la hora de mostrar composiciones muy adelantadas a su tiempo a nivel conceptual, siendo lo ecléctico esencial en su definición musical innovadora. Con el tema “Loss Draconic Tenia” llevándonos a otra dimensión artística donde los espacios son mucho más abiertos, su obscuridad se volverá más tenebrosa hasta llegar a lo fantasmagórico como si procedieran de otra dimensión muy alejada a la nuestra. Una presencia que verá aumentada su aura siniestra con la entrada de planos sonoros orgánicos donde la electrónica experimental muestra su atracción artística más mefistofélica. Todo es casi diabólico, peligroso, pero no dejas de avanzar hacia su interior porque algo atrae de forma magnética a nuestro cerebro, como si el alma señalara el camino sin que podamos comprender por qué. Así de tentador es el tema “Loss Draconic Tenia” a nivel conceptual, y su audición les llevará a sentir una experiencia única. ¡¡¡“Loss Draconic Tenia”, tenebrosa delicatessen!!!

Con el tema “Nico Closed Sinatra” mostrándonos la última parte de este álbum, la clausura vendrá configurada con una estructura post-industrial desarticulada en su despliegue sonoro, pero proyectando una línea musical que sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea. De casi veintiocho minutos, “Nico Closed Sinatra” es el tema de mayor duración de este álbum, desarrollándose inicialmente en un escenario minimal con ecos sonoros propios de una oquedad. Pinceladas musicales post-industriales nos darán esos matices muy especiales donde esta composición se muestra como pura experimentación, evolucionando hacia un estilo dark ambient de poderoso impacto por su densidad y por su tenebrosa amplitud, dando posteriormente paso a estas oleadas sonoras donde lo inconmensurable se siente, se percibe con nitidez, expandiendo nuestra mente cuando derive hacia un minimalismo donde la sensación de vacuidad es muy contundente. Con la llegada de planos sonoros industriales teniendo al dark ambient como telón de fondo, la aparición de iridiscencias sonoras cristalinas darán esos destellos de vida que iluminan débilmente el escenario. Una espiral musical que te impulsa hacia adelante, seduciéndote con estos nuevos cromatismos con texturas propias del sonido de las campanas en una iglesia, con la aspereza del industrial, con la plasticidad de la electrónica experimental… Cuando “Nico Closed Sinatra” vuelva a reestructurarse, el retorno a estructuras propias del post-industrial y de la música contemporánea crearán este encanto obscuro como un escenario mortuorio solemne, que derivará finalmente hacia perfiles sonoros ambient y experimentales cosmopolitas donde es protagonista la declamación lírica de Michael (Kallabris) en su lectura de la obra “Sankt Traumartinszug / Saint Traumartin’s Procession” de Soltan Karik (Cranioclast). “Cold Star: A Noise Inc.”, grandiosa obra musical compuesta con sumo talento por Deison y Cranioclast, y de imprescindible adquisición para engrandecer la colección discográfica de todo melómano entregado en cuerpo y alma a la vanguardia artística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
DEISON “NIGHT SESSIONS” (SILENTES RECORDS, 2011) (leer reseña)
DEISON / MINGLE “WEAK LIFE” (AAGOO RECORDS, febrero 2015) (leer reseña)
DEISON / GALAN “CAYENDO” (LOUD!, abril 2013) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

NOSTALGIE ÉTERNELLE “AT THAT TIME” (INFINITE EXPANSE, mayo 2025) (Reseña / Review #2264).

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Reseña Cultural nº: 2264 // Reseña Musical nº: 1451

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al dúo musical alemán Nostalgie Éternelle, y muy especialmente a Dieter Mauson, por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: SIDE A: 1- At That Time // 2- The Evil Sickness // 3- Paranthopus Robustus // 4- Getting Closer // 5- Kick Me Down The Abyss! // 6- A Victory Smile
SIDE B: 7- I’m Sick Of Being Ill // 8- Reprieve // 9- Bois Flattant // 10- Bad Westworld // 11- Another Silent Night // 12- Lullaby
Datos técnicos: Temas musicales grabados por Nostalgie Éternelle, y remasterizados por Mikey Young en el año 2023
Composiciones musicales que escucharás mil veces: 1- At That Time // 6- A Victory Smile // 7- I’m Sick Of Being Ill // 9- Bois Flattant // 11- Another Silent Night

El próximo viernes, día 16 de mayo, será presentado oficialmente el álbum recopilatorio “At That Time” de Nostalgie Éternelle. Publicado por el prestigioso sello discográfico británico Infinite Expanse en formato digital y en una preciosa edición en vinilo LP 12”, el álbum “At That Time” ha sido engalanado con este elegante diseño creado por Lily Stroud, haciendo uso para su portada de la fotografía tomada por Monika Mauson en el año 1982 en la estación de tren de Leer (Baja Sajonia, Alemania). Una estética retro cuya imagen underground proyecta esa mezcla emocional de melancolía y pasado que no retornará jamás, y decorada cromáticamente con estos tonos suaves con relieves desgastados al igual que la imagen principal, reflejando el paso inexorable del tiempo. En el álbum “At That Time”, el sello Infinite Expanse ha recopilado estos doce temas publicados originalmente por Nostalgie Éternelle en tres cassettes split a través de su propio sello One Last Dream: “Damned Forever Those Who Listen To This Tape” compartido con la banda musical española Due (1989, temas del álbum “Kick Me Down The Abyss!”, “A Victory Smile”, “I’m Sick Of Being Ill” y “Reprieve”), “Art Is The Tool” compartido con la banda musical británica From Nursery to Misery (1990, temas “At That Time”, “The Evil Sickness”, “Paranthopus Robustus” y “Getting Closer”), y Virtual Reality compartido con PN 4632402 del artista experimental israelí Eli Talgam (1990, temas “Bois Flattant”, “Bad Westworld”, “Another Silent Night” y “Lullaby”). En esta preciosa edición, los melómanos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar estos temas pertenecientes a la primera etapa de Nostalgie Éternelle, donde la brillante creatividad en la composición musical que mostraban los geniales artistas alemanes Stefan Heinze (aka Inox Kapell) y Dieter Mauson, englobaba un marcado eclecticismo que integraba con maestría estilos como el darkwave, coldwave, post-punk, electrónica experimental, industrial… dentro de su mirada vanguardista. Tras haber pasado por un extraordinario proceso técnico de remasterización realizado por Mikey Young en el año 2023, los doce temas musicales que vertebran el álbum “At That Time” presentan una calidad de sonido increíble teniendo en cuenta el registro original en formato cassette grabado a finales de la década de los ochenta. “At That Time” sorprenderá a más de un melómano no solamente por su calidad sonora, sino por la brillantez artística de estos temas musicales a los cuales el paso del tiempo no ha hecho mella alguna en su avanzada perspectiva conceptual.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta joya discográfica comenzando por el tema homónimo del álbum, donde su vibrante entrada melódica presenta un perfilamiento áspero y tenso perfecto para dar esta aura sonora urbana, y con los ecos del registro vocal amplificando esta mezcla de soledad y de mirada al entorno desde el pilar del individualismo. Conceptualmente definido con este estilo coldwave seco y contundente, el tema “At That Time” va adquiriendo una belleza musical que te envuelve, que se hace cómplice de tu perspectiva existencial, de ahí que escuchar esta canción durante el lento amanecer de una ciudad mientras andamos por sus calles, se convierte en ese momento especial de desvelo de una realidad no deseada pero aceptada en su dinámica cotidiana. En el excelso tema “At That Time” no ha pasado el tiempo artístico para el alma moderna que ha visto caer la propia Modernidad, asiste al desmoronamiento de la Posmodernidad en el presente, y se inquieta al comprobar cómo la frialdad emocional del tema “At That Time” encaja perfectamente como piezas de un puzzle con la incipiente Singularidad donde las Inteligencias Artificiales no tienen emociones… por ahora. ¡¡¡“At That Time”, excelente selección como apertura musical para este álbum!!! A continuación, el pulsante tema “The Evil Sickness” nos llevará a un escenario sonoro más nocturno, de club, y con ciertas reminiscencias conceptuales experimentales propias de la década de los sesenta en su estructura musical. Una canción que no parece surgida a finales de los ochenta, sino más bien en otra época anterior donde todavía había una mirada alegre al futuro, pero la decadencia de la Modernidad ya presentaba sus primeros síntomas por su deriva Nihilista e incluso Decadentista en sus destellos hedonistas. Conduciéndonos hasta el tema “Paranthopus Robustus”, aquí la esencia experimental electrónica de Nostalgie Éternelle fluye con una plasticidad sonora y una brillantez conceptual que fascinará a los melómanos lectores de Lux Atenea por sus aires de vanguardia. Si este extraordinario tema hubiera aparecido por primera vez en este año 2025, a nadie le sorprendería por su avanzada perspectiva sonora, siendo otra nueva muestra artística de la grandeza conceptual de Nostalgie Éternelle que tanto me apasiona. “Paranthopus Robustus” es un auténtico lujo musical, y una contundente demostración del impresionante trabajo técnico de remasterización realizado por Mikey Young. ¡¡¡Chapeau!!! El tema “Getting Closer” dará continuidad a esta dinámica creativa experimental pero con matices más industriales, y con una estructura sonora más pesada donde la alerta y la sensación de indefensión adquieren ciertos aires siniestros. Obscuro y amenazante, “Getting Closer” les sorprenderá por su dimensión musical tan colosal, desarrollándose con una contundencia aplastante que lo transforma en un granítico rodillo sonoro.

Adentrándonos en el tema “Kick Me Down The Abyss!”, la electrónica experimental se funde inicialmente con bases rítmicas propias de lo tribal para luego evolucionar hacia recreaciones sonoras cosmopolitas de intensa luminosidad, cuyo acelerado dinamismo refleja fielmente el caos y esa corriente que arrastra inexorablemente hacia el precipicio donde se destruye lo vital. Arriesgado en su concepto, “Kick Me Down The Abyss!” posee la actitud desafiante en sus estratos sonoros del estilo industrial primigenio, siendo moderno y decadente sin perder esa luz que ciega, y que induce a seguir adelante sin saber hacia dónde. Luego, “A Victory Smile” presentará esta estructura musical siniestra propia de la escena británica de los ochenta, sobre todo por su plano instrumental para percusión. Una mirada a ese pasado que, a su vez, observaba el presente con mirada perdida y al pasado con cierta nostalgia. El tema “A Victory Smile” irradia la atmósfera de recogimiento emocional de aquella escena post-punk, apartada en sus dark clubs donde poder crear esos universos sonoros modernos underground que no volverán a ser vistos en Occidente nunca más. Y esa atmósfera siniestra imposible de describir con precisión si no se ha vivido, es la que emana de esta auténtica joya musical. ¡¡¡“A Victory Smile”, obscura delicatessen!!! Posteriormente, en el tema “I’m Sick Of Being Ill” retornaremos a escenarios sonoros experimentales de lánguida evolución musical, configurando un estilo darkwave de avanzada perspectiva conceptual. Bordeando lo mortuorio en sus aires melódicos, “I’m Sick Of Being Ill” es un paseo por el cementerio en el atardecer sabiendo que no pasará mucho tiempo para acabar allí, por este motivo, esta canción únicamente será sentida desde los más profundo por los melómanos lectores de Lux Atenea con alma gótica y totalmente fascinados con la belleza siniestra. ¡¡¡“I’m Sick Of Being Ill”, el irresistible encanto de la obscuridad!!! Desembocando en el tema “Reprieve”, sus iridiscencias sonoras cambiarán completamente la dinámica musical de los dos temas anteriores pero conservando cierta obscuridad. Su pulsante deriva psicodélica le da ese regusto sonoro nocturno casi magnético en su atracción mental, mutando lentamente como un sueño hasta su repentino final.

En el tema “Bois Flattant”, la luz se presenta mágica, irreal, ceremonial en su perfilamiento melódico que resalta especialmente por su perfume musical ensoñador. Sin perder su mirada experimental, “Bois Flattant” es lisérgico como un cálido recuerdo capaz de romper la consciencia del tiempo en la mente de la persona, como si hubiera abierto un vórtice temporal en su presente. Como banda sonora de una escena reflexiva en una road movie estadounidense (son auténticos genios dentro de este estilo cinematográfico), el tema “Bois Flattant” lo convertiría en algo inolvidable para el cinéfilo. En cambio, “Bad Westworld” es claramente experimental en su definición conceptual donde se amalgama el darkwave con planos musicales post-punk, presentando esta vibrante definición musical donde sus pilares melódicos alcanzan niveles artísticos de primer nivel en varias fases del tema, reforzando el plano lírico. Con el tema “Another Silent Night” volviendo al perfilamiento instrumental para percusión que caracterizaba al tema “A Victory Smile”, Nostalgie Éternelle nos presenta una interesante fusión conceptual de coldwave, post-punk, y darkwave, configurando una estructura musical obscura con un lado melancólico profundo, y hasta desesperado en algunos momentos. Una deriva emocional que el tiempo va agravando por el aislamiento personal, por el abandono vital, y por esa pérdida de las ganas de luchar por la vida. “Another Silent Night” es sumamente decadente, pasando con resignación y sin miedo alguno por el afilado borde que separa la vida de la muerte. ¡¡¡“Another Silent Night”, perspectiva gótica de la vida!!! El tema “Lullaby” clausurará este impresionante álbum recopilatorio con aires experimentales en clave industrial, pero fusionados con un estilo post-punk muy sutil y discreto en su protagonismo musical. Inquietante por su implacable plano sonoro metálico que cae con la fuerza del impacto del granizo sobre un tejado, sus evanescencias melódicas amplifican esta atmósfera fantasmagórica más propia de una novela gótica decimonónica. “At That Time”, los virtuosos destellos musicales iniciales creados por los geniales artistas alemanes Stefan Heinze (aka Inox Kapell) y Dieter Mauson, y que terminarían convirtiendo al dúo musical de culto Nostalgie Éternelle en legendario dentro de esta apasionante escena europea. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
NOSTALGIE ÉTERNELLE “KRUMMHÖRN” (Industrial Complexx, marzo 2023) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “SANS FIN” (HAFENSCHLAMM REKORDS, 2012) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “NOTRE DÉBUT (RE-ISSUE)” (FINAL MUZIK, 2011) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “TWEE KEERLKES KWAMM VAN LEER / OOSTFREESLAND (1988-1991)” (INFRASTITION, 2012) (leer reseña)
NOSTALGIE ÉTERNELLE “EP” (EE TAPES, 2011) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

ARSHAN NAJAFI “IMAGINARY CRISIS” (AUTOEDITADO, diciembre 2024) (Reseña / Review #2261).

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Reseña Cultural nº: 2261 // Reseña Musical nº: 1448

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al genial artista iraní Arshan Najafi por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Sine-Tom // 2- Breath, Whistle and Wind // 3- Dangling Santour // 4- Visual Soundscapes // 5- Dotted Pink // 6- Strangled Piano // 7- Kamancheh on Noise
Datos técnicos: Temas musicales grabados por Arshan Najafi
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Obra Maestra Musical dentro de la escena experimental adelantada a su tiempo

A finales del mes de diciembre del pasado año 2024, el polifacético artista multidisciplinar iraní Arshan Najafi presentó su álbum de debut titulado “Imaginary Crisis”. Publicado en formato digital a través de su propia página oficial en Bandcamp, el álbum “Imaginary Crisis” ha sido engalanado con este elegante diseño creado por Roya Nouri basado en el arte fotográfico de Arshan Najafi. Sobre fondo oscuro, la luz, la armonía, y el equilibrio estético confluyen visualmente en su portada para fascinarnos con su belleza estética. A nivel musical, el joven artista iraní Arshan Najafi proyecta una creatividad sonora muy especial que sorprenderá al melómano lector de Lux Atenea afín a las corrientes de vanguardia más deslumbrantes. Vertebrado por siete temas impresionantes, durante su audición se siente claramente el amplio espectro artístico desarrollado por Arshan Najafi tanto a nivel de performance, de transgresión conceptual, y de exploración sonora dentro de la música experimental, intuyéndose en estas composiciones hasta su faceta literaria como poeta por la línea de armonía presente en sus estructuras musicales, incluso en las más extremas. Como opera prima, el álbum “Imaginary Crisis” presenta los aires creativos del pionero con talento iluminando la obra con brillantez, e irradiando ese trasfondo artístico donde la exploración sonora dentro de la música concreta es desvelo. Conceptualmente ecléctico, hasta la electroacústica está presente a través de una proyección que sorprende por su experta definición sonora, pero estamos hablando de un artista de veintitrés años. Talento en estado puro, y todo inmortalizado en el álbum “Imaginary Crisis” para engrandecer la escena underground iraní de vanguardia.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta grandiosa obra musical adentrándonos en el tema “Sine-Tom” y esta atmósfera sonora experimental donde la electroacústica fluye, realza, amplía su estructura con una riqueza de matices musicales incomparable. En manos de Arshan Najafi, sumergirnos en el tema “Sine-Tom” es entrar en otra dimensión conceptual cuya complejidad sonora obligará al melómano lector de Lux Atenea a repetir varias veces su audición para poder descubrir sus matices, y este proceso de varias audiciones del tema se mantendrá hasta el final del álbum. Incluso, pinceladas instrumentales aparecerán para lanzar destellos en la composición y fijar nuestra atención, ampliando nuestros sentidos hasta estimular nuestra mente con la vanguardia artística más relevante. ¡¡¡“Sine-Tom”, delicatessen musical!!! A continuación, el tema “Breath, Whistle and Wind” presentará otra perspectiva sonora completamente distinta, acercándose a estructuras conceptuales más cercanas al post-industrial, al minimalismo, y a una avanzada perspectiva dentro de la música ambient que se hace presente en algunos de sus planos sonoros. Derivando hacia escenarios cercanos al dark ambient, el tema “Breath, Whistle and Wind” te envuelve, rompe cualquier perspectiva artística que tuvieras en mente, y esta ruptura llegará de forma radical en la parte final de la composición. Una dimensión espacial cuya inmensidad amplificará la sensibilidad del melómano, sobre todo, si disfruta este álbum en el silencio de la noche. ¡¡¡“Breath, Whistle and Wind”, la irresistible seducción del eclecticismo musical!!! Con el tema “Dangling Santour” consolidando una base sonora minimalista y obscura, sus afilados cromatismos sonoros aparecerán para quebrar, para separar, para marcar lo físico con su acción, dando continuidad a una actividad que trata de proyectarse en un entorno frío y desangelado. Matices sonoros propios del post-industrial aparecerán para romper esquemas artísticos que pudieran intuirse, porque Arshan Najafi sabe cómo sorprender, cómo mantener el equilibrio musical incluso en una estructura experimental donde el santur pierde su alma melódica para adentrarse en terrenos conceptuales más propios del dark ambient y del noise. En una performance, el tema “Dangling Santour” tiene que ser espectacular.

Aparecerá el tema “Visual Soundscapes” con el sonido de las olas llegando a la orilla, estableciendo un cíclico tempo en su estructura sobre la cual irán apareciendo vibrantes pinceladas sonoras, además de planos musicales industriales de tempo secuencial que terminan ahogando el tempo inicial del tema, llevando todo a una tenebrosa obscuridad. Este nuevo tempo sonoro lo resetea, y todo cambiará a nivel conceptual para fascinarnos con este minimalismo de corte experimental que te atrae por el calmado halo que irradia. Incluso, cuando aparezcan frecuencias sonoras propias del noise más depurado y elegante para adueñarse del tema, la sensación en la cual permanecerá el melómano lector de Lux Atenea le provocará esa mezcla de hedonismo individualista ante el nuevo descubrimiento artístico, y esa sensación extraña que eleva la mente para llevarla al ingrávido limbo. ¡¡¡“Visual Soundscapes”, impresionante!!! Conduciéndonos hasta el tema “Dotted Pink”, la inquietud surgirá desde el primer segundo a pesar de su título. Porque “Dotted Pink” hace hincapié en lo vibrante, en sus diferentes manifestaciones sonoras, orquestado Arshan Najafi esta delicada y cristalina composición que, siendo disruptiva a nivel conceptual, muta constantemente sin perder su belleza musical. Una antesala artística espectacular para luego disfrutar el tema “Strangled Piano” con un nivel de sensibilidad mucho más alto. “Strangled Piano” desarrolla una estructura inicial marcada por la pérdida del alma melódica del piano, quedando lo instrumental completamente alejado de la armonía para abrir su espectro dimensional a otra clase de sonidos muy alejados de su raíz. Todo ello integrado posteriormente con planos sonoros experimentales sobre fondo obscuro, convierten a “Strangled Piano” en el más siniestro de este álbum con diferencia. Como banda sonora de una tenebrosa escena en una película de terror, el tema “Strangled Piano” amplificaría su impacto emocional considerablemente hasta llevarlo a lo extremo. ¡¡¡“Strangled Piano”, excelsa composición con un final espectacular!!! El tema “Kamancheh on Noise” clausurará esta obra maestra musical a través de una estructura sonora basada en lo afilado, en lo cortante, en lo hiriente, llevando lo instrumental enfocado en el kamanché a su perfilamiento conceptual noise. Pero “Kamancheh on Noise” oscila entre lo industrial y el noise en un tenso desarrollo musical que llega incluso a presentar un escenario fantasmagórico. Todo en “Kamancheh on Noise” adquiere una obscuridad tan impactante como una terrible psicofonía grabada en una mansión abandonada. “Imaginary Crisis”, esplendoroso álbum de debut del artista Arshan Najafi para llevar a la música experimental iraní hasta la primera línea de vanguardia a nivel internacional. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Otras reseñas recomendadas:
VARIOUS ARTISTS “VISIONS OF DARKNESS (IN IRANIAN CONTEMPORARY MUSIC): VOLUME II” (COLD SPRING RECORDS / UNEXPLAINED SOUNDS, julio 2022) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

MARIS ANGUIS “LAMIA” (NOCTIVAGANT, marzo 2025) (Reseña / Review #2258).

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Reseña Cultural nº: 2258 // Reseña Musical nº: 1445

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico estadounidense Noctivagant por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Queen Lamia // 2- Affair // 3- Hera’s Wrath // 4- Cries of the Children // 5- Devouring The Innocent // 6- Hera’s Curse // 7- I Am Monster // 8- No Sleep // 9- Eyes In Eyes Out // 10- Gift of Prophecy // 11- Living A Nightmare // 12- Rise From Hell
Datos técnicos: Temas grabados y mezclados en el año 2025 por Maris Anguis en DarkSkys Studio (Illinois, Estados Unidos de América)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical de ecléctica esencia conceptual de vanguardia

A finales del pasado mes de marzo fue presentado oficialmente el nuevo álbum de Maris Anguis titulado “Lamia”, habiendo sido publicado por el prestigioso sello discográfico estadounidense Noctivagant en formato digital y en una preciosa edición limitada de 100 unidades en ecopak CD, ambas disponibles en la página oficial del sello en Bandcamp. Engalanado con un espectacular diseño, destaca especialmente por su siniestra portada donde se transmiten tres mensajes principales en su imagen: lo ancestral, lo maléfico, y lo poderoso por su capacidad para ver el futuro. Teniendo al mítico monstruo femenino homónimo de la mitología griega como fuente inspiradora principal de los doce temas musicales que vertebran este álbum, la artista japonesa Ryo Utasato, alma mater de Maris Anguis, vuelve a sorprendernos con otra grandiosa obra musical englobada mayormente dentro del estilo dark ambient, pero con influencias claras de la escena tribal, ambient, y experimental. Con la figura de Lamia como eje, cada uno de los títulos de estos temas del álbum cobran sentido al estar directamente relacionados con su historia mitológica. La reina Lamia tuvo relaciones con Zeus, teniendo incluso hijos con él, pero cuando su esposa Hera se entera de ello, su venganza contra la reina Lamia será terrible. Empezando por quitarle sus hijos que, ante su pérdida, la reina Lamia pierde la cordura, llevándola a partir de entonces a matar y devorar a cualquier niño o niña que se encontrara. Esta tenebrosa deriva existencial terminó por afectarla a nivel físico hasta convertirla en un temido monstruo en la Antigüedad griega. Pero Hera también condenó a Lamia al insomnio, no pudiendo cerrar sus ojos para que viera permanentemente la pérdida de sus hijos. Como compensación, Zeus le dio el poder de la profecía, y que pudiera quitarse sus ojos de las órbitas y volver a ponérselos. Un interesante trasfondo mitológico dando sentido a este extraordinario álbum, y que fascinará al melómano lector de Lux Atenea tanto por su calidad artística, como por el talento creativo mostrado por Ryo Utasato a la hora de recrear a nivel musical cada uno de esos escenarios.

Sin más demora iniciamos esta inmersión en la mitología griega de la mano de Maris Anguis, empezando por el tema “Queen Lamia” y este vibrante comienzo armoniosamente equilibrado con el plano vocal femenino, para luego dar paso a esta estructura musical donde se entrelaza lo oriental, lo embriagador, y lo misterioso. Con un estilo ambient que termina fusionándose con lo tribal, el tema “Queen Lamia” rompe esquemas artísticos que fascinarán a los melómanos lectores de Lux Atenea por su estructura sonora innovadora y por su capacidad de transformación radical sin perder en ningún momento su belleza melódica. Una exquisitez musical que nos llevará directamente al tema “Affair”, donde lo trágico ya se intuye desde el primer segundo, y que va a ir desarrollándose con una belleza melódica impresionante y con pinceladas iridiscentes que dan luz a este entorno mayormente obscuro. Amenazante como una víbora, el tema “Affair” combina lo seductor con lo tenebroso dentro de una perspectiva artística de influencia oriental que tiene magnetismo, que tiene atracción, que tiene ese lado siniestro que te atrapa durante su audición. A continuación, todo se obscurecerá mucho más en el tema “Hera’s Wrath”, proyectando esa rabia desatada y ese lado diabólico del cual uno siempre trataría de huir lo más lejos posible. En “Hera’s Wrath”, la artista japonesa Ryo Utasato entrelaza conceptualmente el dark ambient con lo tribal dentro de una estructura musical de vanguardia, tomando los pasajes instrumentales para percusión como pilares que irradien el peligro latente.

Con el tema “Cries of the Children” apareciendo inmediatamente con estas tenebrosas y afiladas melodías, unido a la entrada de nebulosos planos sonoros que terminan quedando como trasfondo, aquí el estilo dark ambient presenta una creatividad sonora impresionante, siendo una muestra clara del talento innovador de Maris Anguis. Pasado el ecuador del tema, todo va a tomar una dimensión absolutamente dantesca por su emanaciones sonoras infernales cargadas de solemnidad mortuoria. El tema “Devouring The Innocent” llevará esa terrible acción hasta sus últimas consecuencias, siendo recreada con sumo talento artístico dentro del estilo dark ambient hasta adquirir cualidades sonoras propias de lo experimental, y perfilando un entorno demoníaco muy impactante. En su parte final, “Devouring The Innocent” les sorprenderá por su eclecticismo y por su avanzado concepto creativo, convirtiéndose en una auténtica joya musical. ¡¡¡“Devouring The Innocent”, excelsa composición!!! Posteriormente, el extraordinario tema “Hera’s Curse” realzará el plano vocal desde un perfilamiento sonoro fantasmagórico, y todo lo instrumental irá orbitando alrededor hasta crear este torbellino emocionalmente siniestro aunque emanen fugaces destellos de luz. “Hera’s Curse” es la antesala musical perfecta para remarcar la sobresaliente creatividad de Maris Anguis en el tema “I Am Monster”, donde toda la estructura sonora te impacta por su amplitud dimensional tan profundamente obscura y por esta presencia demoníaca latente en lo más hondo. Pero lo que más destacaría de la excelsa composición “I Am Monster” es su apartado melódico que destila tristeza, esas lágrimas que aparecen en los ojos cuando se miran al espejo. Una sensibilidad artística que engrandece la perspectiva creativa de Ryo Utasato en esta composición capaz de emocionar al melómano lector de Lux Atenea por su trágico trasfondo. ¡¡¡“I Am Monster”, obra maestra de Maris Anguis!!!

Luego, el tema “No Sleep” reflejará ese sufrimiento del cual se tiene consciencia que no tendrá fin, de ahí el tenebroso abatimiento que irradia esta composición dentro de un estilo dark ambient de terrible solemnidad, y en algunos momentos cruzando su frontera con la música contemporánea. “No Sleep” es la recreación musical del peor de los sufrimientos porque seguirá presente mientras se esté encarnado. En el tema “Eyes In Eyes Out”, el escenario musical cambiará totalmente dentro de un estilo dark ambient profundamente tenebroso que te petrifica, presentando planos sonoros que provocan pavor en un entorno emocionalmente cáustico por su alejamiento absoluto de lo humano. La vibrante latencia que impulsa al tema “Gift of Prophecy” en su desarrollo musical, nos invitará a adentrarnos en su interior donde se entremezclan la aceptación de lo inexorable con el descubrimiento de nuevos Conocimientos, perfilando una composición musical de una belleza artística que fascina por su halo femenino y por la presencia del Arte Regio en su trasfondo. Pero todo cambiará en el tema “Living A Nightmare”, volviéndose más tenebroso pero como manifestación de lo horrible, de ahí el potente impacto sonoro de sus pesadas columnas sonoras avanzando de forma imperturbable, y que nos llevarán hasta el tema “Rise From Hell” que clausurará este álbum musical tan admirable. Con un horizonte dimensional en expansión teniendo a lo infernal como fondo, esta composición posee esa belleza oscura tan irresistible como un perfume incensado, de ahí su tremendo poder de seducción para nuestra mente al acariciarla con lo misterioso. De “Rise From Hell” emana la tentación, y su recreación musical es inolvidable. “Lamia”, excelsa obra musical de la artista japonesa Ryo Utasato publicada por uno de los sellos discográficos más comprometidos con la vanguardia musical actual dentro de esta escena. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

VARIOUS ARTISTS “Электронная Музыка АНС (ANS ELECTRONIC MUSIC)” (COLD SPRING RECORDS, febrero 2025) (Reseña / Review #2255).

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Reseña Cultural nº: 2255 // Reseña Musical nº: 1442

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al mítico sello discográfico británico Cold Spring Records por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Eduard Artemiev, Stanislav Kreitchi – Music For The Film “Cosmos” // 2- Stanislav Kreitchi “Intermezzo” // 3- Alexander Nemtin “Chorale Prelude In C Major (J S Bach)” // 4- Alexander Nemtin “Tears” // 5- Sándor Kallós “Northern Tale” // 6- Stanislav Kreitchi “A Voice Of The East”
Datos técnicos: Temas musicales grabados en el año 1969 por el sello discográfico soviético Melodiya; álbum remasterizado por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido)
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandioso Álbum Musical dentro de la escena electrónica experimental de vanguardia

El sello discográfico británico de culto Cold Spring Records vuelve a sorprendernos con la presentación oficial de esta joya musical a finales del pasado mes de febrero. “Электронная Музыка АНС (ANS Electronic Music)” es un álbum recopilatorio que fue grabado y editado originalmente en vinilo a través del sello discográfico soviético Melodiya en 1969, renaciendo en este año 2025 en formato digital y en una magnífica edición en digipak CD. Engalanado con este impactante diseño gráfico creado por Abby Helasdottir, en su imagen se recrean estos quelíceros arácnidos donde el diseño digital es perfecto para transmitir visualmente en su mensaje, la esencia sonora innovadora que caracteriza a las composiciones musicales incluidas en esta compilación. Una serie de creaciones sonoras basadas en el uso del espectacular sintetizador ANS donde los artistas rusos de vanguardia Eduard Artemiev, Stanislav Kreitchi, Sándor Kallós, y Alexander Nemtin nos muestran en estos seis temas que vertebran el álbum, pura experimentación sonora donde las texturas, las frecuencias, y los cromatismos musicales son la base fundamental de su concepto creativo. El sintetizador musical ANS fue creado por el científico soviético Evgeny Murzin tras su trabajo técnico desarrollado entre los años 1937 y 1957, siendo su nombre ANS en honor al legendario compositor, pianista, y simbolista musical ruso Alexander Nikolayevich Scriabin (1872-1915) que fue miembro de la Sociedad Teosófica, de ahí su orientación artística musical orientada a la sinestesia que vinculaba los colores con las notas musicales dentro de un trasfondo trascendente capaz de elevar el plano de consciencia a nivel espiritual. Como avanzado diseño tecnológico, lo más fascinante del sintetizador musical ANS es que es un instrumento musical fotoelectrónico capaz de transformar dibujos realizados en vidrio ranurado en notas musicales.

Formado por cinco discos de vidrio que giran, el sintetizador musical ANS es capaz de generar 144 tonos por cada disco, teniendo una capacidad total de 720 tonos (144 x 5) que, al utilizar luz en su generación usando células fotovoltaicas, en su combinación más extrema pueden incluso llegar a sonar en su totalidad en un mismo periodo de tiempo. Lo más increíble es que el sintetizador musical ANS transforma dibujos en sonidos, generando unas ondas sonoras que impresionarán a los melómanos lectores de Lux Atenea entregados en cuerpo y alma al disfrute de la vanguardia musical más avanzada a nivel conceptual. Por este motivo, la adquisición del álbum recopilatorio “Электронная Музыка АНС (ANS Electronic Music)” les resultará fundamental para poder enriquecer su colección discográfica a nivel cultural con esta auténtica joya musical, y mucho más tras haber pasado por el excelso proceso técnico de masterización realizada por el maestro Martin Bowes (Attrition) en su mítico laboratorio de alquimia sonora The Cage Studios (Coventry, Reino Unido), ofreciéndonos la mejor calidad musical que se haya presentado en una edición discográfica de este álbum. Una remasterización difícil y complicada pero que, en las expertas manos de Martin Bowes, ha sido reactivada la energía sonora de estas composiciones tan antiguas hasta reiluminar completamente su alma musical con un sentido de la armonía en su registro sonoro que les impresionará. El álbum recopilatorio “Электронная Музыка АНС (ANS Electronic Music)” es una mirada artística al pasado gracias a la admirable labor discográfica del sello británico Cold Spring Records, pero que se siente casi como propio del siglo XXI por su avanzado concepto musical y tecnológico donde la experimentación y la innovación rompen la barrera del tiempo, incluso entre siglos.

Sin más demora, iniciamos la audición de esta magna obra musical como un apasionante viaje al pasado dentro de la escena electrónica soviética de vanguardia, teniendo a los artistas rusos Eduard Artemiev y Stanislav Kreitchi como experimentadores sonoros en este tema compuesto para la película “Cosmos”. Una oquedad dentro de la cual vibran estos psicodélicos ecos sonoros de una plasticidad musical casi mágica, como de otro mundo. Unas veces cristalina en su iridiscente presencia, otras con la majestuosidad de un órgano de iglesia en un templo futuro, “Cosmos” les fascinará por su radiante sonoridad en constante transformación a cual más misteriosa. Hasta lo siniestro aparece con la presencia de lo fantasmagórico que provoca esa parálisis de la Razón ante lo inexplicable, mientras pasajes musicales que perfectamente podían ser incluidos dentro del estilo ambient, terminan centrando nuestra atención por la belleza melódica que irradian. Con más de doce minutos de duración, “Cosmos” es la composición más extensa de este álbum, llevándonos hasta las puertas del tema “Intermezzo” donde el artista Stanislav Kreitchi perfila una estructura sonora mucho más luminosa y dinámica. El tema “Intermezzo” nos transmite esos alegres aires melódicos de la década de los sesenta, llevándonos mentalmente a un pasado donde las ganas de vivir la vida y las esperanzas positivas de futuro latían con fuerza en la sociedad y en la ciudadanía. Luego, el artista Alexander Nemtin nos invitará a disfrutar de esta interpretación de “Chorale Prelude In C Major (J S Bach)”, cargada de solemnidad y de espiritualidad en todo su desarrollo. Adquiriendo tonalidades cristalinas que atraerán al melómano lector de Lux Atenea por su increíble belleza musical, se aprecia claramente cómo el tema “Chorale Prelude In C Major (J S Bach)” conserva su alma artística clásica, pero pulido en su sonoridad con estos aires artísticos que identificamos rápidamente con los instrumentos musicales electrónicos. Precioso en su estructuración sonora, el tema “Chorale Prelude In C Major (J S Bach)” tiene magia, tiene ese encanto musical envuelto en positividad futurista, y en esa inocencia del espíritu que han de transmitir estas composiciones compuestas por el maestro Johann Sebastian Bach (1685-1750).

En la composición “Tears” encontrarán al artista Alexander Nemtin explorando fronteras sonoras claramente experimentales, y cuya dimensión expansiva no aplaca en ningún momento su poso melancólico y decadente. Una obscuridad ambiental a partir del cual los focos sonoros van irradiando estos planos melódicos, formado un conjunto musical de tenebrosa armonía en su desarrollo y evolución. El tema “Tears” te sorprende por su incesante actividad, por la peligrosa presencia de lo misterioso, haciéndose presente en un escenario obscuro como contraste ideal para destacar estos cromatismos sonoros tan hipnóticos. Posteriormente, el tema “Northern Tale” del artista Sándor Kallós recreará ese entorno cargado de mitología que envuelve a las leyendas que perduran desde la antigüedad. De nuevo, la presencia ineludible de lo mágico, de aquello que está por encima de la realidad humana, y, en este sentido, el uso del sintetizador ANS es ideal para configurar a nivel sonoro esta estructura musical donde se respira de forma permanente lo inquietante. Incluso, en su parte final tiene ese lado tenebroso de lo psicofónico cuando se reproducen esas grabaciones. ¡¡¡“Northern Tale”, espeluznante tema!!! Con el artista Stanislav Kreitchi clausurando este grandioso álbum con su tema “A Voice Of The East”, el escenario sonoro cambiará radicalmente al proyectar estos destellos psicodélicos que parecen tener vida propia por sus intentos de comunicación. Un amplio espectro de tonos orquestados en un fondo musical propio de otro planeta, de otra civilización avanzada, adquiriendo una plasticidad casi orgánica que dejará al melómano lector de Lux Atenea con ganas de más cuando termine esta composición de tan solo dos minutos de duración. “Электронная Музыка АНС (ANS Electronic Music)”, cuando el sintetizador ANS fue la base sonora esencial de esta corriente musical soviética de vanguardia a finales de la década de los sesenta, y con los artistas Eduard Artemiev, Stanislav Kreitchi, Sándor Kallós, y Alexander Nemtin como destacados pioneros. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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LLYN Y CWN “MEGALITHS” (COLD SPRING RECORDS, marzo 2024) (leer reseña)
KHOST “MANY THINGS AFFLICT US FEW THINGS CONSOLE US” (COLD SPRING RECORDS, septiembre 2024) (leer reseña)
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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

PUREH “TETRAGRAM” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, diciembre 2024) (Reseña / Review #2252).

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Reseña Cultural nº: 2252 // Reseña Musical nº: 1439

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al prestigioso sello discográfico esloveno Pharmafabrik Recordings por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: CD, edición promocional (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Paracusia // 2- Slumber // 3- Tasukete // 4- Metatron // 5- Keif // 6- Tetragram // 7- Polynya
Datos técnicos: Álbum masterizado por Alexandr Vatagin y Simon Šerc
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Grandiosa Obra Musical dentro de la escena ambient de vanguardia

El talentoso artista esloveno Simon Šerc, alma mater de PureH, a finales del mes de diciembre del pasado año 2024 presentó su nuevo álbum “Tetragram”, en cuyos temas, los melómanos lectores de Lux Atenea encontrarán ese virtuosismo en la composición musical que irradia la vanguardia conceptual. Publicado a través de su propio sello discográfico Pharmafabrik Recordings en formato digital y en una preciosa edición en digipak CD, ambas se encuentran disponibles en la webstore del sello y en su página oficial en Bandcamp. El álbum “Tetragram” ha sido engalanado con esta atrayente portada con fotografía a cargo de Martina Testen y del propio artista Simon Šerc, reflejando esta belleza sublime unida espiritualmente a lo universal. Desde principios de la década de los noventa, hablar de PureH es hablar del instinto creativo del pionero musical en la búsqueda de nuevas fronteras conceptuales, proyectando siempre en sus obras esa mirada adelantada a su tiempo que hace destacar a Simon Šerc dentro de esta escena, pasen los años que pasen. En su nuevo álbum “Tetragram” ha podido contar con la colaboración artística de Vili Žigon (batería en el tema “Slumber”) y con Martina Testen en grabaciones de campo realizadas en Eslovenia e Italia, quedando inmortalizada en esta edición discográfica la interpretación en directo de los temas “Paracusia”, “Tasukete”, y “Tetragram”. Tras haber pasado por un detallado proceso técnico de masterización realizado por Alexandr Vatagin y por el propio artista Simon Šerc, cada una de las siete composiciones que vertebran este álbum se presentan espectaculares durante su audición, quedando remarcada esta edición discográfica como una de las más relevantes a nivel conceptual que se hayan presentado en el año 2024 dentro de la escena ambient de vanguardia.

Sin más demora, iniciamos la audición de este viaje sonoro adentrándonos en el universo musical de PureH con el primer tema “Paracusia”, de nebulosa languidez donde las grabaciones de campo bucólicas contrastan en este entorno sombrío cargado de matices sonoros oscuros. Con la entrada de planos musicales experimentales cercanos al dark ambient, se perciben incluso matices sonoros industriales que se mantienen de forma enérgica como fondo para aumentar la sensación de aislamiento sensorial respecto a lo externo, incrementándose este factor conceptual industrial con la aparición de vibrantes y afiladas secuencias que se aproximarán al melómano lector de Lux Atenea durante su audición hasta envolverlo con su intenso registro. Cuando esta agresiva oleada musical pase, quedará un vibrante eco como fondo en tono grave que se irá diluyendo lentamente mientras escuchamos el sonido de las olas rompiendo en la orilla. Con ese regusto artístico de lo experimental aún en la mente, el tema “Slumber” aparecerá en clave melódica manteniendo el sonido de las olas en su inicio, quedando elevado este plano sonoro tenebroso en tono grave al cual se incorporarán frecuencias más cristalinas como antesala de esta exquisita batería en clave noir jazz, magníficamente interpretada por el artista Vili Žigon. La atmósfera sonora de “Slumber” les embriagará tanto por su enérgico impulso selénico, como por sus posesivas brumas mentales que te hacen abandonar el estado de vigilia al estimular nuestra imaginación, quedando todo interrumpido con esta entrada sonora bucólica como un amanecer. “Slumber” es una auténtica delicatessen que encantará a los melómanos que buscan encanto artístico en la música y, en el siguiente tema “Tasukete”, toda la estructura sonora evolucionará hacia un lujoso estilo ambient de sofisticada estructura, y cuyos giros dimensionales conducen a lo psicodélico. La entrada de este vibrante plano instrumental para bajo no hará más que aumentar la magia ambiental de este escenario, intuyéndose ese quiebre, ese suceso, esa acción que lo alterará todo, como así ocurrirá sin demasiada demora. Adquiriendo una dimensión conceptual ecléctica donde se entremezcla lo experimental, el ambient como trasfondo, y un neojazz urbano, las pinceladas vocales femeninas y masculinas en idioma japonés crearán estos claroscuros esenciales para dar un fuerte contraste musical.

Careciendo de silencio entre temas, “Metatron” surgirá con una aura sonora donde la inquietud y la magnificencia son magníficamente recreadas en esta espiral musical evanescente. Mucho más lineal en cuanto a su definición sonora respecto a los tres temas anteriores, “Metatron” trata de llevarnos a ese estado hierático donde lo humano ve empequeñecida su relevancia existencial ante lo supraterrenal. Aquí, lo único que nos une a este mundo es el incesante sonido de las olas, creando un conjunto global dirigido claramente a lo místico, de ahí el relax mental que irradia y que resulta de lo más armonioso para que el tema “Keif” prolongue ese estado. Englobado dentro del estilo ambient, y que hace años se llegó a etiquetar como new age, “Keif” transmite una profunda sensación de paz interior cuya luz queda difuminada en este entorno. Unos ciclos sonoros prolongados en el tiempo que se dilatan para conducir a la calma, a la disociación con ese lado tormentoso que conlleva lo humano, transformándose completamente su estructura sonora con estos planos musicales acelerados que no pierden su base ambient a pesar de su impulso experimental tan provocador. Posteriormente, el tema “Tetragram” seguirá conservando ese halo espiritual, pero dentro de una perspectiva mística donde lo mágico es fundamental por su esencia esotérica. Lento, calmado, unido a la Madre Naturaleza, “Tetragram” va a ir desarrollándose con la firmeza de lo inexorable para incorporar ese factor mágico recreado sonoramente con el melódico teclado. Aunque lo lineal da base a su estructura musical, sus vibrantes cromatismos sonoros lo fortalecen, le irradian energía, reflejando todo aquello que está unido a lo eterno, a lo divino. La parte final de esta sublime composición… ¡¡¡impresionante!!! Sin duda alguna, una muestra más del talento creativo inagotable del artista esloveno Simon Šerc. Con el tema “Polynya” clausurando este grandioso álbum, lo amenazante y lo tenebroso dominarán este escenario tan sublime en su dimensión sonora. De inquietante tempo, su estructura musical incorpora esa fragilidad de lo cristalino sometido a la acción externa, y esa línea quebradiza se va a mantener mientras lo siniestro va apoderándose de todo. Una obscuridad que no tapa la luz, pero que la distorsiona y la filtra hasta crear esta atmósfera que corta la respiración. “Tetragram”, PureH demostrando con la contundencia artística de la vanguardia musical por qué sigue siendo referencia ineludible dentro de esta escena en los tiempos actuales. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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VARIOUS ARTISTS “FABRIKSAMPLER V4” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, 2011) (leer reseña)
DANIEL BUESS “PITCH” featuring CAL LYALL & KIKUCHI YUKINORI (PHARMAFABRIK RECORDINGS, diciembre 2014) (leer reseña)
DELTA-SLEEP-INDUCING PEPTIDE “OSCILLOPSIA” (PHARMAFABRIK RECORDINGS, septiembre 2014) (leer reseña)

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

AGDISTIZ “ORPHACLOPHUS” (NEW ROMANIAN WEIRD, noviembre 2024) (Reseña / Review #2248).

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Reseña Cultural nº: 2248 // Reseña Musical nº: 1435

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Quiero dar las gracias al talentoso artista rumano Benjamin (AGDISTIZ) por su cortesía al enviarme este promocional.

Edición reseñada: Álbum digital (Recibido Como Promocional)
Tracklist: 1- Ecou Mortuar // 2- Balastrualb // 3- Sapa // 4- Sicriat // 5- Fleurs et Couronnes // 6- Eductor de Fluide Corporale // 7- Maturarepede // 8- Colmatare Diluviană // 9- Noroisare // 10- Permaimanent
Composiciones musicales que escucharás mil veces: Cada uno de estos temas. Magna Obra Musical dentro de la escena underground más experimental y ecléctica

Desde Rumanía, AGDISTIZ, cuyo nombre está inspirado en la diosa frigia Agdistis de carácter andrógino y heredera del culto ancestral a la Gran Diosa Madre, nos presenta una visión ecléctica e innovadora dentro de la escena noise, post-industrial, experimental, ambient, high-tech ambient, y minimal a través de una virtuosa creatividad musical en cuyos temas hace uso de sintetizadores modulares, drones, grabaciones de campo, y elementos electrónicos de procesamiento de sonido, perfilando composiciones de vanguardia que fascinarán al melómano lector de Lux Atenea que busca innovación y virtuosismo en las obras musicales. Con varios extraordinarios álbumes brillando en su carrera artística, AGDISTIZ presentó en el mes de noviembre del pasado año 2024 su nuevo trabajo musical titulado “Orphaclophus”. Publicado oficialmente a través del magnífico sello discográfico rumano New Romanian Weird en formato digital, se encuentra disponible en su página oficial en Bandcamp. El álbum “Orphaclophus” ha sido engalanado con esta atrayente imagen de portada donde lo religioso, lo mortuorio, y la ultratumba tienen un trasfondo más profundo unido al inframundo, y con Orfeo como psicopompo tomado como figura mitológica que inspira a AGDISTIZ en esta obra musical. Con el cíclope también presente como mirada letal del rayo de la muerte, da sentido al título de este álbum “Orphaclophus” (Orfeo Cíclope) vertebrado por diez composiciones cuya audición es una siniestra delicia musical, y un auténtico lujo artístico dentro de la escena actual. Manteniendo su característico eclecticismo conceptual de vanguardia, AGDISTIZ es innovación, es la apertura artística del pionero, y el álbum “Orphaclophus” son sus nuevas fronteras musicales exploradas.

Sin más demora, iniciamos la audición de este álbum musical tan revelador adentrándonos en el primer tema “Ecou Mortuar”, donde el estilo ambient presenta destellos sonoros post-industriales hasta crear un escenario musical de carácter experimental que irá derivando hasta lo siniestro. De inspiración mortuoria, en su evolución sonora van a ir surgiendo fragmentos propios de la electrónica experimental de vanguardia y del noise que, perfectamente, el melómano lector de Lux Atenea puede llegar a enlazar en su fundamento conceptual con el noise japonés más avanzado. Pero estamos hablando de la escena musical underground latente actualmente en Rumanía, y ¡¡¡¡esto es pura vanguardia!!! Profundamente sorprendido ante tal demostración de talento en la composición, su elevado nivel artístico se verá reforzado en cuanto el tema “Balastrualb” aparezca con esta armoniosa definición conceptual donde el post-industrial adquiere esta dimensión sonora única. Una avanzada perspectiva conceptual que, tomando como base el minimal, va desplegando y configurando un obscuro escenario que transmite esa inquietud unida a los misterios arcanos cuando se revelan. Una atracción y repulsión a su vez ante lo desconocido, ante aquello que toca la mente profundamente y estimula al alma con lo simbólico, que convierte al tema “Balastrualb” en toda una experiencia musical. ¡¡¡“Balastrualb”, impresionante!!! Sumergiéndonos en esa vía ancestral unida a lo mortuorio y al inframundo, el tema “Sapa” recreará con sumo talento el inicio de ese paso a otra dimensión, a otro mundo donde el cuerpo y lo físico dejan de tener sentido. Con la electrónica experimental basada en sintetizadores analógicos, aquí las texturas son brillantemente orquestadas a lo largo de toda la composición, transmitiendo esa mezcla de misterio y temor que se verá potenciado con este trasfondo industrial absolutamente sobrecogedor.

La muerte, lo físico cubierto para ser enterrado, y el propio contenedor termina convirtiéndose en la última morada del cuerpo en el tema “Sicriat”, recreando ese escenario obscuramente barroco en su esencia espiritual, pero perfilado musicalmente en esta espectacular definición conceptual basada inicialmente en un afilado estilo noise. El melómano lector de Lux Atenea se encontrará al margen durante su audición, contemplando de forma hierática la manifestación simbólica de lo mortuorio a través de la electrónica experimental, haciendo el símil de la degradación de la energía vital ocultada en su nuevo y limitado espacio en el ataúd. Siendo complementado en su representación metafórica con el tema “Fleurs et Couronnes” dentro de una estructura musical que destella iridiscencias ambient, luego nos conducirá a un escenario sonoro mucho más tenebroso, con lo industrial como cíclico fondo y con la sublime esencia mental del minimal distanciando las fuentes sonoras donde no pueden faltar los fugaces trazos noise que tomarán mayor protagonismo en su estructura, para luego dejar todo el peso musical en lo post-industrial. En cambio, el tema “Eductor de Fluide Corporale” desarrollará una perspectiva conceptual donde la electrónica experimental basada en sintetizadores modulares analógicos resalta por su riqueza en armónicos. Entremezclándose posteriormente con la aspereza del noise, la recreación de lo fluido y lo degradado lleva a AGDISTIZ a incorporar lo industrial por su tempo cíclico como acto mecánico de expulsión en esta ceremonia propia de los actos de embalsamamiento en una funeraria. La parte final con la estática como cierre sonoro es perfecta. ¡¡¡“Eductor de Fluide Corporale”, espectacular recreación musical!!! Luego, con el tema “Maturarepede” volviendo a sorprendernos con otro nuevo despliegue de talento innovador a través de un estilo industrial muy depurado, fundido con maestría con pinceladas high-tech ambient, su densidad musical irá in crescendo mientras los espacios van cerrándose y la atmósfera se va cargando más y más hasta casi ahogar. Pero el tema “Maturarepede” va mucho más allá al integrar elementos sonoros orgánicos y acuosos que fluyen en este escenario mecanizado tan gélido, paralizándonos con su halo psicológico tan absorbente a nivel mental. “Maturarepede” te envuelve, y te asfixia a su vez.

Cuando el tema “Colmatare Diluviană” aparezca, todo cambiará para estimular nuestras ansias de nuevas sorpresas musicales con esta estructura sonora experimental de vanguardia. Estallidos, caídas, trazos orgánicos, afilados planos industriales en acción, hostigamiento sensorial… “Colmatare Diluviană” es un tema que avasalla con su poderosa superestructura sonora, no dando en ningún momento descanso para destensar mentalmente al melómano lector de Lux Atenea, salvo en los casi tres minutos finales en silencio. “Noroisare” surgirá lentamente con el incontenible impulso de lo catastrófico, y cuyo sonido en la lejanía ya nos anticipa el colapso, la destrucción… y el horror. Elevándose poco a poco como una densa ola, toda la estructura musical experimental que define al tema “Noroisare” va a ir incorporando pinceladas sonoras pero seccionadas, distorsionadas, degradadas, como recreación de lo destruido que retroalimenta la avalancha que ha de llegar. Una audición sobrecogedora por su asfixiante atmósfera cada vez más menguada hasta la llegada de lo inexorable: la ola mortal. Con el tema “Permaimanent” poniendo el punto y final a este álbum, la recreación de lo intemporal haciendo uso del estilo post-industrial fundido con pasajes ambient es de lo más sorprendente por su radiante mensaje sonoro. Hasta lo vibrante transmite esa sensación de estar al otro lado de este mundo, sin que se pierda con ello la visión de que algo sigue vivo en ese otro lado. La incorporación de nuevos planos musicales reforzará esa base inspiradora, hasta concluir en un escenario intermitentemente industrial estructurado con sumo talento. “Orphaclophus”, desde Rumanía, una nueva mirada conceptual de vanguardia dentro de la escena post-industrial amalgamada con cromatismos sonoros noise, industriales, y experimentales. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.