“EL PRERRAFAELISMO y su influencia en la creación contemporánea”, CARLOS A. CUÉLLAR (Reseña #1955).

Posted on 1 noviembre, 2023 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural: 1955 // Reseña Literaria: 451
Reseña actualizada. Publicada el 18 de septiembre del año 2009 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information :
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: ALFONS EL MAGNANIM / DIPUTACIÓN DE VALENCIA
ISBN: 84-7822-477-7
Edición: 2006 (EDICIÓN COMPRADA)

“Los prerrafaelitas (y de ahí les viene su nombre) buscan sus modelos artísticos en los creadores medievales y renacentistas anteriores al pintor y arquitecto Rafael Sanzio de Urbino (1483-1520).”

Otoño del año 1848, Inglaterra. William Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, su hermano William Michael, James Collison, Frederick George Stephens, y Thomas Woolner deciden crear una Hermandad de artistas a la cual bautizan con el nombre de “Pre-Raphaelite Brotherhood”. Su revista, The Germ (cuatro números publicados en dos años), se convertiría en el medio de difusión de unas ideas conceptuales que revolucionarían el mundo del Arte decimonónico. Hasta las siglas P.R.B. aparecerían como firma en muchas de sus obras. Con el grandioso artista inglés Edward Burne-Jones (1833-1898) alzándose como máximo representante de este nuevo movimiento cultural, la sociedad victoriana reinante en aquella época mostraría su más absoluta sorpresa e inmediato rechazo a esta nueva corriente artística que, curiosamente, miraba principalmente al pasado. La Hermandad Prerrafaelita se terminaría disolviendo seis años después de su fundación, pero su llama cultural sigue estando aún viva en la actualidad.

“La tipología femenina prerrafaelista descansa en la idealización sublimada de la mujer.”

Al igual que esta Hermandad no pudo haber aparecido sin la existencia de los Nazarenos, grupo de pintores románticos alemanes, otras vanguardias artísticas como el Simbolismo, el Modernismo, el Art Nouveau…. no habrían nacido ni se habrían desarrollado si el Prerrafaelismo no hubiera existido. Con el Prerrafaelismo observando y sintiendo el pasado medieval desde una perspectiva romántica, y con su mirada condicionada por el pensamiento cristiano católico, este movimiento artístico se presenta a mediados del siglo XIX como una visión hiperrealista del Romanticismo. La olvidada cultura celta y el imaginario medieval causaron profundos sentimientos de admiración en estos grandiosos artistas decimonónicos, y su presencia será más que notable en las obras que presentan, al igual que una puntual presencia de lo macabro y de la estética siniestra en la composición y en la definición visual de algunas de ellas. La presencia del mensaje poético de genios de la literatura como William Shakespeare (1564-1616), John Keats (1795-1821), o William Blake (1757-1827) también será más que evidente, y con una tendencia muy clara a reflejar lo sublime (recomiendo la lectura de la mítica obra de Eugenio Trías “Lo bello y lo siniestro”) desde una estética medieval, mientras lo imaginado orienta al espectador hacia el Ideal, o, en el caso del Amor, hacia la propia idealización de la persona amada o a amar. Un vínculo conceptual que lo une íntima y directamente al Romanticismo.

“La naturaleza es la expresión del sentimiento interior del personaje.”

En este extraordinario libro escrito por Carlos A. Cuéllar, profesor en el Departamento de Historia del Arte de la Facultad de Geografía e Historia en la Universidad de Valencia, los bibliófilos lectores de Lux Atenea podrán explorar y conocer este movimiento artístico y a sus musas como Elizabeth Siddal (1829-1862) o Jane Burden (1839-1914), que ofrecerían sus bellos rostros para ser inmortalizados en estas obras. Un claro ejemplo de ello es la presencia de Elizabeth Siddal en el impresionante cuadro “Ophelia”, creado por el sublime artista inglés John Everett Millais (1829-1896) bajo la influencia shakespeariana de “Hamlet”. Además, los cuadros más representativos de esta nueva vanguardia y su simbología son detalladamente explicados por Carlos A. Cuéllar en este libro, al igual que les impresionará su admirable trabajo de investigación sobre el prerrafaelismo español protagonizado por artistas como Alexandre de Riquer, Raimon Casellas, Pau Milà i Fontanals… Una fuente cultural tan fascinante como desconocida que deslumbrará al apasionado lector de esta obra.

“El prerrafaelismo español se configura especialmente en el ámbito catalán, pero no hay que desdeñar su presencia en el resto del país.”

En pleno siglo XX, a partir de la década de los ochenta, el interés por el Prerrafaelismo ha vuelto a despertarse y continúa latente y pujante a nivel público. Incluso, se ha podido notar esta influencia conceptual en parte del universo musical, de los cómics, de los vídeoclips, de las películas, y en muchas otras corrientes artísticas aparecidas desde entonces. Un espíritu prerrafaelita que sigue despertando en el público sensaciones intensas y sentimientos profundos que lo identifican con su mensaje. Unos ejemplos claros son la obra pictórica del artista valenciano Miguel Vicéns Riera a mediados del siglo XX, en la cantante galesa Kate Bush durante las décadas de los 70 y 80, en la obra artística del ilustrador estadounidense Charles Vess, en la música y en las imágenes identificadas con la cantante canadiense Loreena McKennitt, en grandiosas e impactantes películas como “Excalibur” (John Boorman) o “Drácula” (Francis Ford Coppola)… que muestran esta clara influencia. Incluso, en las páginas de este extraordinario libro es explicado el significado de su simbología y cuáles fueron las obras prerrafaelitas en las cuales se basaron. “El Prerrafaelismo y su influencia en la creación contemporánea”, excelente e interesante ensayo escrito sobre la primera vanguardia del Arte Contemporáneo aparecida bajo el prisma místico. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“El Prerrafaelismo todavía no ha dicho su última palabra.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SÍMBOLOS Y ALEGORÍAS” (Reseña #1940).

Posted on 9 marzo, 2023 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1940 // Reseña Literaria: 448
Reseña actualizada. Publicada el 3 de abril del año 2008 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Publicado por: EDITORIAL RANDOM HOUSE MONDADORI, S.L.
ISBN: 84-8156-347-1
Edición: 2002 (EDICIÓN COMPRADA)

Hacía tiempo que no reseñaba un nuevo diccionario de consulta en Lux Atenea y, con este volumen seleccionado, no solamente pongo un diccionario en manos del culto lector, sino también una excelsa obra con la cual formar a la mente y estimular su sensibilidad e intelecto. La mayoría de las personas cuando ven un cuadro, se suelen quedar con la impresión visual de la viveza de los colores utilizados en su creación y/o con el realismo mostrado por el artista al dar forma a la obra. Pero ese no suele ser el objetivo final del pintor al dar vida a su obra cuando un maestro del arte conoce los puentes que le unen con lo trascendental, con lo auténticamente real, con el sentido de las cosas y los seres. El libro “Símbolos y Alegorías” les sumergirá en el universo simbólico mostrado por los grandes maestros de la pintura en sus obras, y todo ello estructurado y mostrado de una manera sencilla, amena, y gradual para no condicionar al lector menos familiarizado con este mensaje artístico de trasfondo mucho más profundo. Y es que el trasfondo de un buen cuadro va mucho más allá de lo inmediatamente percibido, de lo obvio, convirtiendo el Conocimiento de ese Lenguaje Simbólico en fundamental, de igual forma que lo es el conocimiento de las palabras y su significado a la hora de poder hablar y dominar un idioma. El uso de símbolos como forma de expresar una idea, un concepto, o una visión, viene siendo utilizado por el ser humano desde tiempos inmemoriales porque el símbolo une la fuerza de lo representado al poder de lo intuitivo, estableciendo una conexión directa con el inconsciente en la gran mayoría de las ocasiones.

Unos significados que el lenguaje no llega a alcanzar con tal profundidad y precisión, y, por este motivo, una obra como “Símbolos y Alegorías” puede llegar a conseguir transformar la visión artística de la Pintura de forma radical por parte del lector, provocando que su visión del cuadro se convierta en un análisis enfocado al mensaje que el pintor reflejó en su obra. Cuando esta unión entre maestro del arte y observador de su obra se produce, el tiempo deja de tener sentido en pro de una magia universal situada más allá de la Razón, y cuando este acontecimiento se produce, la magia de la fusión mental más allá del tiempo alcanza la cima de lo etéreo. Otro sistema al que recurren muchos artistas es el uso de la alegoría como eje de comunicación con el observador de su obra. La alegoría establece paralelismos que se pueden multiplicar y establecer por los siglos de los siglos si el uso del símbolo ha pasado el filtro de lo universal. Si ese tamiz no es atravesado, el artista corre el riesgo de convertir el mensaje de su obra en una combinación de símbolos de carácter local y limitado, y el paso del tiempo y/o la propia evolución mental del ser humano, de la sociedad, de esa cultura, o de esa civilización pueden hacer incomprensible ese mismo mensaje en un futuro. Como podrán ver los bibliófilos lectores de Lux Atenea en estas páginas, la alegoría está mucho más unida al factor cultural que el propio símbolo, y exige una mayor capacidad intelectual por parte del observador. También es verdad que su correcta interpretación e integración en nuestra mente nos permitirá abrir esas puertas al pasado que son de lo más gratificante que pueda pasarnos, culturalmente hablando, enriqueciendo considerablemente nuestra percepción de lo que fue aquel presente cuando la obra vio la luz por primera vez. Si desean sentir el mundo pictórico en toda su plenitud, tanto dimensional como temporal e intelectual, no duden en adquirir un ejemplar de este libro en cuanto tengan ocasión de ello porque es una obra que les transformará, que les hará ser más sensibles al Arte, a sus creadores, y, sobre todo, cambiará lo que piensan sobre el sentido del mundo en el que viven. “Símbolos y Alegorías”, una apertura mental al universo artístico. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“IMÁGENES DE LA PERSPECTIVA”, JAVIER NAVARRO DE ZUVILLAGA (Reseña #1867).

Posted on 26 diciembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1867 // Reseña Literaria: 382
Reseña actualizada. Publicada el 27 de junio del año 2014 en Lux Atenea.

Publicado por: EDICIONES SIRUELA
ISBN: 84-7844-174-3
Edición: 1996 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 548

“Argan señala una clara diferencia entre la arquitectura anterior y posterior a los años de principios del siglo XVII. La primera es una arquitectura de representación de una realidad objetiva exterior al arquitecto que la crea, mientras que la segunda se plantea como una determinación del espacio, en el sentido de que el arquitecto ya no representa el espacio, sino que lo hace.”

Al igual que en la vida, todo es una cuestión de perspectiva, la armonía lo es todo dentro del mundo del Arte y de los artistas, y a lo largo de los siglos siempre se ha buscado esa perspectiva a través de la cual enfocar una idea o inspiración para transformarla en una obra. Una dimensión del espacio que forma parte ineludible del fundamento de la obra para que el espectador pueda llegar a comprender el verdadero sentido que dio origen a esa creación y, dentro de este apasionante universo de formas, disposiciones, ordenamientos, equilibrios, e imaginación, la excelsa obra “Imágenes de la Perspectiva” se ha convertido en una de mis referencias ineludibles a la hora de recomendar un ensayo serio y didáctico a las personas interesadas en profundizar dentro de esta visión del mundo del Arte. Editado en el año 1996 por la mítica editorial Siruela, “Imágenes de la Perspectiva” forma parte de la prestigiosa colección “La Biblioteca Azul” que tantas obras maestras nos ha descubierto, tentándonos siempre a comprar sus nuevas publicaciones. Con una encuadernación de auténtico lujo en cartoné, “Imágenes de la Perspectiva” es un libro de gran formato (23,5 x 34 cms) con más de quinientas páginas y engalanado con más de trescientas ilustraciones que son una de las mayores cualidades informativas de esta obra: mostrar y explicar con sumo detalle cómo la perspectiva daba forma y configuraba la obra bajo la mirada del artista. Un estilo descriptivo donde el detalle en el análisis realizado por el catedrático Javier Navarro de Zuvillaga es fundamental para poder entender por qué una obra fue creada de esa forma tan armoniosa, y tan efectiva de forma inconsciente para nuestra mente en su mensaje artístico. Una vía de conocimiento profundo desplegado en estas páginas con sabiduría y rigor a través de la cual, los bibliófilos lectores de Lux Atenea empezarán a comprender por qué el autor del libro, arquitecto, escenógrafo, director teatral, y dramaturgo con mentalidad renacentista, se transforma en el interlocutor ideal para guiar al profano por este laberinto aparente de formas y disposiciones con un sentido y un mensaje muy claro, pero oculto a primera vista salvo que uno sea experto en esta materia.

“La unicidad o pluralidad del punto de vista es otro factor de importancia a la hora de usar la perspectiva en la pintura.”

En el libro “Imágenes de la Perspectiva”, el autor se adentra en un amplio arco temporal e histórico que se inicia a principios del siglo XV con el escultor y arquitecto italiano Filippo Brunelleschi (1377-1446), maestro del Renacimiento que destacaría en su época por la construcción geométrica de la perspectiva utilizada en sus obras. A partir de aquí, la apasionante aventura por esta cualidad creativa que es propia del mundo del Arte, y tan desconocida por el gran público, irá revelándonos uno a uno esos secretos guardados al otro lado del velo de la Belleza Visual de la mano de Javier Navarro de Zuvillaga. Sumergirse en esta magia artística de indudable trasfondo psicológico, convierte la atenta lectura de estas páginas en algo más que en una comprensión y en una asimilación de esta realidad que muchas veces al espectador le había pasado desapercibida al contemplar estas obras en fotografías, museos, exposiciones, libros… precisamente porque su lado racional aún no había sido instruido en esta fascinante temática. Paso a paso, en estos once capítulos que abarcan hasta finales del siglo XVIII, los conceptos e impresiones cambiarán radicalmente en nuestra mente mientras observamos y analizamos estas láminas, estas ilustraciones, estos dibujos donde los cuerpos geométricos y la psique humana parecen encontrar esa perfección en la armonía. Es como si gracias a estudios de este nivel académico pudiéramos atravesar la obviedad y la inmediatez material para luego redescubrir esa obra en su verdadera alma. La plasticidad, la escala, los puntos de fuga, las tres dimensiones representadas con maestría en un plano en dos dimensiones, las perspectivas más sorprendentes e inteligentes mostradas por algunos artistas en sus creaciones, la perspectiva aplicada a la cartografía, la importancia de la luz en los objetos… en definitiva, leer y disfrutar esta ilustre obra es como entrar en otro universo creado hace centurias para que en el siglo XXI siga sorprendiéndonos con el amplio despliegue de ingenio, visión espacial, imaginación propia de la época, que han sido estudiados pacientemente por este prestigioso catedrático de la perspectiva en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. ¡¡¡Qué delicioso placer para el intelecto es pasar cada hoja de este libro como si fuéramos exploradores culturales entregados en cuerpo y alma a la estimulante pasión de lo desconocido!!! “Imágenes de la Perspectiva”, edición única, imprescindible, y auténtica joya de biblioteca por excelencia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“Los pintores florentinos nunca percibieron del todo las diferencias entre su trabajo y el de los arquitectos y escultores.”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA DIVINA COMEDIA”, WILLIAM BLAKE (Reseña #1843).

Posted on 7 diciembre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural: 1843 // Reseña Literaria: 361
Reseña actualizada. Publicada el 30 de agosto del año 2007 en Lux Atenea conmemorando el 250º aniversario del nacimiento del genial artista británico William Blake (1757-1827).

Publicado por: BIBLIOTHÈQUE de L’IMAGE
ISBN: 2-909808-96-3
Edición: 2000 (EDICIÓN COMPRADA)

Mi pasión literaria, esotérica, y alquímica por la magna obra de Dante “La Divina Comedia” ya es de sobra conocida por los bibliófilos lectores de Lux Atenea. Pero si a tan excelsa obra le unimos las extraordinarias visiones artísticas que el pintor, poeta, y escritor británico William Blake (1757-1827) tuvo durante la lectura del libro de libros por excelencia, y que fueron finalmente reflejadas con maestría en esta serie de acuarelas, entonces estamos hablando de una explosión artística inigualable en el siglo XVIII y que ha sido irrepetible en la Historia Cultural Europea desde entonces. Aunque atraido de forma irremediable por el arte clásico como vía de expresión artística, William Blake como pintor no se presenta como un clasicista retrógrado y conservador en vista a la belleza y a la estética innovadora que caracterizó a sus obras. Si en algo destacó William Blake durante su vida fue por su insubordinación, por su crítica al sistema, por su rechazo a las oligarquías religiosas, y por su mística creencia en un mundo mejor mucho más armonioso con la esencia humana. William Blake es un libre pensador, un ácrata que ha de autocensurarse en algunas ocasiones para no causar un escándalo social, ya que es un alma libre viviendo en una sociedad llena de tabúes y de restricciones hasta llevarle a romper algunos límites establecidos como esencia vital.

Desde mi personal y subjetivo punto de vista, valoro a William Blake como el artista con un espíritu más renacentista y polifacético que haya nacido en el Reino Unido a lo largo de su historia. Revolucionario, espiritual, mentalmente muy adelantado a su época, y entregado en cuerpo y alma a la Mística, William Blake sobresale por su excelencia artística como uno de los grandes genios de la pintura que de forma más directa es capaz de conmover cuando te encuentras delante de una de sus impactantes creaciones. Aparte de su franqueza emocional absoluta reflejada en el Arte, una de las cualidades que más admiro de William Blake es que no trata de explicarte un concepto, una idea, o un mensaje solamente a través de la sorpresa o del impacto visual, ya sea haciendo un uso espectacular de la técnica o definiendo una composición pictórica muy impactante. Más bien al contrario, de William Blake me atrae esa capacidad o ese don que refleja en sus obras a la hora de mostrar sutilmente las impresiones recibidas tras tomar contacto con el Conocimiento desvelado. Y esa misma capacidad para reflejar lo desvelado es lo que ha provocado mi acercamiento a sus obras pictóricas para estudiarlas y analizarlas, porque hablar de William Blake como pintor es hablar de sensaciones vivas, de claridad espiritual, de grandeza interior, y de ser capaz de compartir su ideal y su visión del mundo celestial con nosotros.

Como analista cultural, comprendo perfectamente que William Blake quedara impresionado con “La Divina Comedia” de Dante, De tal magnitud será el impacto emocional recibido que, en lo más profundo de su mente, se encenderá la llama de la creación pictórica para dar vida a estas acuarelas que terminarán convirtiéndose en obras que enlazará hasta dar sentido a sus mensajes metafóricos y simbólicos aparecidos en sus razonamientos y emociones. En sus manos, los colores se convertirán en símbolos, los perfilamientos en señales que resaltan lo importante, y su dimensión alcanza lo sublime como belleza hierática. En resumidas cuentas, William Blake da vida y sentido a su pintura a través del trasfondo espiritual. Este periodo creativo será muy corto en el tiempo (desde 1824 hasta 1827, año de su muerte), pero muy prolífico al conseguir terminar ciento dos dibujos y acuarelas. En estas obras, las formas, los gestos, las dimensiones… todo tiene una lógica y un sentido brillantemente definido para ser capaz de traspasar nuestra mente hasta el inconsciente, iluminándolo con el resplandor de la llama divina. William Blake, como buen místico, no dudará en hacer uso del símbolo como lenguaje espiritual esencial para poder explicar aquello que el significado de las palabras no es capaz de enseñar, porque las auténticas lecciones místicas son inefables. Por este motivo, conocer a William Blake es adentrarse en un mundo de formas, colores, y figuras cuya apariencia no refleja exactamente su significado más obvio. William Blake disfruta integrando símbolos porque conoce su esencia espiritual ancestral, y solamente partiendo de lo espiritual se puede entender el mensaje que nos envía en estas obras, o su profundidad sacra y existencial. En el caso de estas magníficas acuarelas inspiradas en “La Divina Comedia”, pongo como ejemplo esta selección de símbolos junto a su significado, haciendo posible que los bibliófilos lectores de Lux Atenea comprendan su mensaje al abrazar estas sensaciones artísticas para sentirlas:

– El cetro: Símbolo del poder.
– El espejo: Símbolo de la Vanidad.
– San Pedro: Simboliza la Fe.
– Santiago: Simboliza la Esperanza.
– San Juan Evangelista: Simboliza la Caridad.
– El carro: Simboliza a la Iglesia como institución.
– El grifo: Simboliza a el Salvador.
– Beatriz: Simboliza la Redención.
– Lía: Simboliza la vida activa.
– Raquel: Simboliza la vida contemplativa.
– La letra P: Símbolo de los pecados.

Otros importantes símbolos los dejo en el tintero, o mejor dicho, en manos de la curiosidad de los lectores para incitarles a adquirir esta lujosa edición en cuanto se les presente la oportunidad de ello. “La Divina Comedia” de William Blake es capaz de abrir y de mostrar todo un universo de significados profundos que invitan al estudio, a la investigación, y a la experiencia analítica y reflexiva. “La Divina Comedia” de William Blake, una auténtica joya de biblioteca y un libro de imprescindible lectura. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“MANTEGNA. EL SUEÑO DE LO ANTIGUO, EL ORO DE LA CORTE” (Reseña #1834).

Posted on 2 diciembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1834 // Reseña Literaria: 352
Reseña actualizada. Publicada el 12 de abril del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: ELECTA / GRIJALBO MONDADORI, S.A.
ISBN: 84-8156-317-X
Edición: 2001 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 143

“La actividad artística, la vida familiar y las ambiciones personales de Andrea Mantegna están indisolublemente ligadas a la corte de los Gonzaga.”

Andrea Mantegna (1431-1506) es uno de los mayores genios artísticos del Quattrocento italiano. Teniendo como principal fuente de inspiración al arte del extinto Imperio Romano, bajo su influjo pudo crear obras maestras de gran belleza que actualmente siguen conmoviéndonos al contemplarlas. Poseedor de un don artístico muy especial para integrar con absoluta perfección sus imágenes pictóricas dentro del entorno donde debían permanecer (iglesias, palacios, habitaciones, capillas…), los bibliófilos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados con la precisa definición de sus personajes de una fuerza de expresión incomparable y con unas proporciones anatómicas cercanas a la más absoluta perfección, además de su talento artístico único para explorar el mágico mundo de las perspectivas a la hora de crear las escenas a representar. Andrea Mantegna llegaría incluso a adentrarse en el terreno del ocultismo con la creación de una serie de grabados conocidos durante siglos como “El Tarot de Mantegna”, y que algunos expertos han querido alejar de esa interpretación esotérica al identificarlos con una recreación cosmológica mucho más simple por parte del autor, aunque mantengan al ser humano y al universo como principales ejes existenciales, espirituales, y místicos. Como analista cultural, la interpretación esotérica de los grabados de Mantegna en relación con la baraja del Tarot no es para nada irreal, teniendo en cuenta que el Tarot Visconti también surgió en Italia en la misma época de la mano de la poderosa familia milanesa de los Sforza, y estos grabados de Mantegna aparecen en la ciudad de Ferrara exactamente dos décadas después.

“Respecto al dibujo, el grabado ofrece la ventaja de la reproductibilidad en diversos ejemplares; esta técnica aparece pronto como la más idónea para satisfacer a un público de apasionados y coleccionistas que a finales de siglo está en claro crecimiento.”

La genialidad técnica y artística desarrollada por el maestro Andrea Mantegna le llevaría incluso a ver solicitados sus servicios para la restauración de importantes obras italianas que, tras el paso del tiempo, se encontraban en diversos estados de degradación. Su amplia experiencia con las más diversas técnicas pictóricas, junto a su concienzudo trabajo con retablos, lienzos… convirtieron a Mantegna en uno de los artistas de más reconocido prestigio en toda la península itálica y, a partir del siglo XVI, sus creaciones se han convertido en obras muy codiciadas cuya pertenencia a las más diversas colecciones públicas y privadas no ha hecho más que ver aumentado considerablemente su prestigio y valoración. Para que los cultos lectores de Lux Atenea puedan hacerse una idea clara de la importancia histórica de Andrea Mantegna dentro del mundo del arte en Europa, les invito a que adquieran esta magnífica guía publicada por la prestigiosa editorial Electa en cuanto tengan oportunidad de comprar un ejemplar. La excelsa calidad de esta edición impresa, tanto por los materiales utilizados como por la exquisita selección de sus imágenes, harán que el libro “Mantegna. El Sueño de los Antiguo, el Oro de la Corte” les deje asombrados debido a la precisión que presentan las descripciones de las obras escogidas, y a través de espectaculares imágenes a todo color donde es posible observar con detenimiento muchos de sus detalles. Por este motivo, obras maestras de Andrea Mantegna como “Sofonisba”, “Sibila y Profeta”, “El Triunfo de la Virtud”, “Retrato de Francesco Gonzaga, IV marqués de Mantua”, “Descenso al Limbo”, “Lamento sobre Cristo Muerto”, “La Pala de San Zenón”, “Niño Bendiciendo”, “El Políptico de San Lucas”… les sobrecogerán por su impactante perfección, concepción, y hermosura, junto a las obras de otros genios del Arte como Alberto Durero en “Los Jinetes del Apocalipsis”, Giovanni Bellini en “Retrato del Dogo Leonardo Loredan” y en “Tríptico dei Frari”, Cristoforo Solari en “Monumento Fúnebre a Ludovico el Moro y Beatrice d´Este”, Sandro Botticelli en “La Piedad”… Una atracción pictórica irresistible que siempre es un placer volver a contemplar. Además, el índice de nombres en las páginas finales de este libro les resultará muy útil a la hora de conocer quiénes fueron los principales personajes de la época aquí mencionados. “Mantegna. El Sueño de los Antiguo, el Oro de la Corte”, deslumbrante crème de la crème pictórica del Quattrocento italiano. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

“La muerte sorprende a Mantegna el 13 de septiembre de 1506, a la edad de 75 años. El último periodo de su vida estuvo marcado por apremiantes dificultades económicas y por una visión cada vez más melancólica de su posición como artista, hostigado ya por pintores de la nueva generación…”

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PIERO DELLA FRANCESCA”, VALERIANO BOZAL (Reseña #1805).

Posted on 13 noviembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1805 // Reseña Literaria: 328
Reseña actualizada. Publicada el 25 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: ARLANZA EDICIONES
ISBN: 84-95503-35-2
Edición: 2005 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 129

El artista italiano Piero della Francesca (1415-1492) es, sobre todo, uno de los más grandes pintores en la creación de obras de arte concebidas desde una perspectiva geométrica y una disposición matemática. Un artista clave en el Quattrocento italiano donde el revolucionario y revelador Renacimiento empezaba ya a mostrar los radicales cambios en la perspectiva humana respecto a la vida, a lo terrenal, y a lo espiritual. Con obras donde la luz y el color dejan atrás un estilo artístico oscuro y trágico donde el hombre estaba condicionado por el dies irae, este despertar del Renacimiento encontraría en Piero della Francesca a uno de sus genios artísticos más destacados en la creación de espectaculares frescos, y con una distribución matemática de todos los elementos de sus cuadros dictada por la geometría euclidiana. Personajes y perspectivas que son mostradas por este gran maestro de la Pintura de forma admirablemente humana, acercando la esencia de sus cuadros y de su filosófico mensaje al quienes los contemplan porque Piero della Francesca es un artista tocado por el sagrado don de la creación innovadora dentro del complejo mundo del Arte. En este espectacular libro, los cultos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar de una calidad excepcional tanto en las descripciones incluidas en cada una de estas ilustres páginas, como en la contemplación de espectaculares imágenes de las obras firmadas por este genio de la Pintura. Una calidad en el papel utilizado en esta magnífica impresión que convierten a esta edición en una obra de referencia indiscutible. Además, conocer al excelso Piero della Francesca de forma tan clara y cercana a su esencia como artista, lleva al lector no solo a comprender la dimensión y la importancia de sus obras pictóricas, sino a sumergirse por unos instantes en aquel siglo XV marcado por las nuevas corrientes humanísticas que, en el futuro, marcarán totalmente el futuro de Europa. Es verdad que el destino siempre oculta curiosas coincidencias en la vida de ciertos personajes clave en la evolución humana, y, en el caso de Piero della Francesca, el día de su muerte coincide con el hecho más importante en la Historia de la Humanidad con el cual daría inicio a la Edad Moderna: el descubrimiento de América protagonizado por el almirante Cristóbal Colón (12 de octubre de 1492). Estoy seguro que a este gran maestro le hubiera encantado conocerlo por su trascendente repercusión humana e histórica. “Piero della Francesca”, extraordinario libro para poder respirar estos aires artísticos procedentes del esplendoroso siglo XV. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL HERMITAGE EN EL PRADO” CATÁLOGO OFICIAL DE LA EXPOSICIÓN (8 de noviembre de 2011 – 25 de marzo de 2012, MUSEO DEL PRADO, MADRID) (Reseña #1796).

Posted on 9 noviembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1796 // Reseña Literaria: 320
Reseña actualizada. Publicada el 16 de noviembre del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: MUSEO NACIONAL DEL PRADO, MUSEO ESTATAL DEL HERMITAGE, SOCIEDAD ESTATAL DE ACCIÓN CULTURAL
ISBN: 84-8480-221-1
Edición: 2011 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 335

La semana pasada tuve la oportunidad de visitar la impresionante exposición “El Hermitage en el Prado” recientemente inaugurada. Una oportunidad única para poder contemplar y para poder apreciar con sumo detalle esta cuidada selección artística de más de ciento setenta obras pertenecientes a las colecciones más preciadas atesoradas en el Museo del Hermitage (San Petersburgo, Rusia), y cuya deslumbrante belleza asombrará a los bibliófilos lectores de Lux Atenea que decidan dedicar unas horas de su tiempo libre a la Cultura. Gracias a la celebración del Año Dual España-Rusia 2011, el Museo del Prado inició esta colaboración entre dos países hermanados por los intereses culturales realizando una selección de sus más preciados tesoros artísticos para ser expuestos en Rusia en el Museo del Hermitage, y que, con más de 650.000 personas se ha convertido en la exposición que ha batido todos los records de asistencia registrados hasta el momento en el Museo del Hermitage. Ahora, ha sido el Museo del Hermitage el que ha querido corresponder a aquel sublime evento cultural celebrado en tierras rusas, y con esta excelsa selección artística de sus más preciadas obras trata de mostrar a los españoles una parte de su rico y variado tesoro artístico como imagen cultural de Rusia en nuestro país a través de su museo más emblemático y reconocido internacionalmente. Sin duda alguna, recomiendo la compra de este catálogo oficial de la exposición porque gracias a sus descripciones y explicaciones sobre este evento y sobre las obras expuestas, podrán conocer con mayor detalle la esencia cultural que fundamentó cada una de estas joyas artísticas. En vista a que la organización de la entrada a la exposición está dividida en franjas horarias, si tuvieran ocasión de poder leer el contenido informativo de este catálogo antes de entrar a sus diferentes salas, podrán conocer con mayor precisión y profundidad cada una de estas obras que verdaderamente llegan a enamorarte por su belleza, incitando incluso a repetir esta placentera visita. Como información adicional dirigida a los lectores para facilitarles una visita más detallada, la exposición “El Hermitage en el Prado” se ha dividido en varias salas con las siguientes temáticas:

– El entorno del Hermitage.
– El oro de Siberia.
– El oro de los griegos.
– Orfebrería oriental.
– Orfebrería occidental.
– Piedras duras.
– Arte occidental.

En estas salas podrán apreciar desde orfebrería antigua creada por los pueblos siberianos y por los griegos en la zona del Mar Negro, hasta una serie de preciosas obras y lujosos regalos recibidos por los zares a lo largo de los siglos tanto por las naciones occidentales como por las orientales, llegando a la parte final de la exposición donde la pintura y la escultura occidental de los últimos siglos ha quedado fielmente representada en esta exquisita selección de obras de sus colecciones que son un auténtico lujo. Personalmente, he disfrutado viendo y analizando una de las mejores exposiciones que haya visitado y, para los lectores que deseen contemplar estas preciosas obras desde el más armonioso detalle y el más absoluto placer artístico, a continuación les describo una parte de mis impresiones ante tan bello esplendor cultural. Ha habido varias obras que me han llegado al alma, recreándome en su contemplación con mucha generosidad en cuanto al tiempo dedicado, y creo que cuando el culto lector de Lux Atenea se encuentre frente a ellas, entenderá la profunda magia que transmiten estas joyas del Arte con la cual nos irradian y nos hacen trascender en esta vida:

– “El beso de la Esfinge” de Franz von Stuck es la obra a la que más tiempo dediqué en esta exposición, y que más me dejó sorprendido. Su siniestra belleza, su armoniosa combinación de voluptuosidad y entrega con ese brazo en alto tratando de alcanzar lo divino en su abandono terrenal, con la fusión de sus pelos en un todo donde queda definitivamente atrapado, y por su hipnótica femineidad a pesar de su letal fiereza, esta obra me deja absolutamente fascinado. Estaría contemplando y admirando este cuadro de pequeño formato hasta la eternidad, si fuera posible, y qué lástima que no hayan impreso esta espectacular obra como poster oficial de la exposición.
– Es espectacular la siniestra belleza que posee la estatua “La Magdalena penitente” del admirado artista italiano Antonio Canova, presentando además unas proporciones perfectas y armoniosas. ¡¡¡Impresionante obra!!!
– Es hipnótico contemplar los rizos en la grandiosa escultura “Cabeza del genio de la Muerte” que parecen tener vida. Una excelsa obra también creada por Antonio Canova.
– Contemplar el espectacular y grandioso cuadro de Kandinsky “Composición VI” te alegra el alma hasta perder la noción del tiempo.
– La sensualidad tan característica en la obra de Rodin ha quedado reflejada en la estatua “Primavera eterna” con total maestría.
– El espectacular sable iraní resalta como inconfundible símbolo de poder y de riqueza, y cuando te desplazas por la sala no puedes dejar de mirarlo por los brillos de sus diamantes, rubíes, y esmeraldas. Unos destellos de luz multicolor que te dejan hipnotizado.

Otras magnificas obras pertenecientes a esta exposición que también impresionan por su belleza artística son las siguientes:

A destacar en “el entorno del Hermitage”:
– El cuadro “Vista de la calle Sadovaia con la catedral de San Nicolás y el mercado” de Benjamin Patterson, y el detalle del rey a caballo que se puede percibir con claridad en las nubes del centro del cuadro.
– El cuadro “Biblioteca del Hermitage” de Alekséi Vasílievich Tyranov, y el detalle del gran obelisco en el interior de la biblioteca. ¡¡¡Espectacular!!!

A destacar en “el oro de los griegos”:
– El Phiale y su rica decoración con delfines en el centro, gorgonas con el detalle de las serpientes alrededor de la cabeza, y las cabezas de los sabios con largos bigotes y barbas en la parte más externa. ¡¡¡Impresionante!!!
– La belleza de los grifos en el brazalete con ciervos.
– El precioso colgante con la cabeza de Atenea Partenos.
– La finura de la diadema con nudo de Hércules.

A destacar en “la colección de orfebrería oriental”:
– El lujo oriental reflejado fielmente en la elegante arqueta de plata china.
– El finísimo hilo de oro utilizado en el jarrón con asas en forma de dragón.
– La preciosa caja con forma de cesta tan finamente trabajada que se puede ver perfectamente su interior desde fuera aunque esté cerrada.

A destacar en “la colección de orfebrería occidental”:
– La lujosa arqueta alemana de Eduvigis Jagellón como exuberante símbolo de riqueza.
– El pinjante de cuarzo del pirata Francis Drake.
– El pinjante de esmeralda con una carabela.
– La suntuosa religiosidad reflejada en el cáliz y en la patena de San Petersburgo.
– La curiosa tabaquera de Federico II, rey de Prusia.
– La elegante delicadeza del ramo de acianos con espigas de avena en un jarrón, y el logrado efecto del agua en su interior, cuando en realidad no la hay.

A destacar en “la colección de arte occidental”:
– “La Virgen del Niño” de Alberto Durero. ¡¡¡Precioso!!!
– La fascinante estatua del fauno de Baccio Bandinelli, y el detalle de la pata de carnero colgando en la parte inferior derecha.
– El dibujo de “Carlos IX de Francia” de François Clouet, y el realismo alcanzado a través de este inteligente uso del trazo y de los tonos.
– El cuadro “Tañedor de laúd” de Caravaggio, y la sensación de realismo y de movimiento que transmite. La imagen de este cuadro ha sido elegida como representante de esta exposición tanto en este catálogo como en la publicidad.
– El cuadro “San Pedro y San Pablo” de El Greco, y el realismo de sus miradas, de sus rostros, de sus siniestras manos.
– La inconfundible magia pictórica de Brueghel el Viejo en su “Paisaje invernal con patinadores”.
– La espectacularidad que transmite el cuadro de Rubens “Paisaje con un carro de piedras”. ¡¡¡Impresionante!!!
– El soberbio y aristocrático cuadro de Anton van Dick “Henry Danvers, conde de Danby”, y sus ojos que, te pongas donde te pongas, parecen que siempre te están mirando fijamente.
– El instante reflejado en el cuadro “Retrato de un estudioso” de Rembrandt. Un fiel reflejo artístico de lo culto.
– El cuadro de Rembrandt “Caída de Háman” y el rostro sobrecogedor del anciano.
– El cuadro de Frans Hals “Retrato de hombre” y su magnética mirada.
– El impresionante realismo del limón pelado en el cuadro “Bodegón con copas y frutas” de Willem Kalf.
– El realismo de la escena reflejada en el cuadro “La visita del médico” de Gabriel Metsu, donde resalta especialmente el rostro expectante de la mujer mayor y la sensación que transmite el médico de estar por encima de todo.
– La mirada triunfante reflejada en el cuadro “Moisés con las Tablas de la Ley” de Philippe de Champagne, con su viveza y con estas manos que parecen de carne y hueso.
– La esencia sacra de la estatua de Lorenzo Bernini “El éxtasis de santa Teresa”.
– La luz que irradia el cuadro “Mercurio coronando a la Filosofía, madre de las Artes” de Pompeo Girolamo Batoni, y su detallado y esclarecedor simbolismo.
– El caballo con alma reflejado en el divino cuadro de Anton Raphael Mengs “Perseo y Andrómeda”, basado en la “Metamorfosis” de Ovidio.
– El gesto soberbio y la mirada aristocrática reflejadas en el cuadro “El conde Nikolái Dmítrievich Gúriev” de Jean-Auguste-Dominique Ingres.
– Las admirables proporciones del busto de “El emperador Alejandro I de Rusia” de Bertel Thorvaldsen.
– La sublime sensación de inmensidad que transmite el cuadro del maestro Caspar David Friedrich “Amanecer en las montañas”, y el detalle de los pastores contemplando el horizonte.
– La serenidad reflexiva que transmite el cuadro “La salida de la Luna: dos figuras masculinas en la orilla” del maestro Caspar David Friedrich.
– La oscura decadencia reflejada en el cuadro de Picasso “La bebedora de absenta”, y la mefistofélica largura de los dedos de sus manos.
– La atractiva viveza y la sensación de 3D que transmite el cuadro de Picasso “Mesita en un café (Botella de Pernod)”.
– La imperturbable actitud reflejada en el cuadro “Muchacha vestida de negro” de André Derain.

Visitar la exposición “El Hermitage en el Prado” ha sido una de las experiencias culturales más importantes que he vivido en este año 2011, y su recuerdo siempre permanecerá imborrable en mi memoria, sobre todo, tras las impresiones artísticas y las emociones que he tenido en la prolongada contemplación del inolvidable cuadro “El beso de la Esfinge” de Franz von Stuck. “El Hermitage en el Prado”, todo un lujo cultural de imprescindible visita en la milla de oro de la Pintura situada en la ciudad de Madrid. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LOS PINTORES DEL ALMA. EL SIMBOLISMO IDEALISTA EN FRANCIA” Catálogo oficial de la exposición (Fundación Cultural Mapfre, 26 de enero al 26 de marzo del año 2000, Madrid, España) (Reseña #1789).

Posted on 6 noviembre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural: 1789 // Reseña Literaria: 313
Reseña actualizada. Publicada el 6 de enero del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: FUNDACIÓN CULTURAL MAPFRE VIDA
ISBN: 84-89455-35-X
Edición: 2000
Páginas: 311

Esta impresionante y lujosa edición es el catálogo oficial de la exposición “Los Pintores del Alma” que, en el inicio del año 2000, organizó la Fundación Cultural Mapfre Vida en la ciudad de Madrid del 26 de enero al 26 de marzo. Un evento cultural sin precedentes sobre la escuela simbolista francesa nacida a finales del siglo XIX, y cuyas excepcionales obras pictóricas continúan siendo desconocidas por una gran parte del público. El Simbolismo, como preludio de lo que será el Surrealismo en el siglo XX, concibe sus obras de arte a partir de la fuerza de la imagen, del influjo del color y de la luz en el espectador, del detalle y de la meticulosidad en la creación de la obra, y del símbolo y su lenguaje metafórico, estableciendo la base técnica y el mensaje fundamental con los cuales presentar una realidad oculta a través de las sensaciones que la propia obra estimula en quienes la observan. Los artistas simbolistas, en su afán de alcanzar esa perfección técnica para provocar emociones durante la contemplación de sus obras, no dudaron en adentrarse en el universo simbólico íntimamente relacionado con los arquetipos que permanecen vivos en nuestro inconsciente, y mediante palabras, símbolos, signos, e imágenes asociadas con lo subliminal, lograron llevarlas al plano emocional a través del perfilamiento y del trasfondo de estas imágenes representadas. Como podrán comprobar los bibliófilos lectores de Lux Atenea leyendo y analizando este catálogo, esta realidad oculta es desvelada en los cuadros simbolistas para mostrar su existencia y hacer que sea sentida con fuerza por el observador a través de lo intuitivo.

El Simbolismo no solamente tuvo representación artística dentro del mundo de la Pintura, ya que también hubo otras ramas del Arte donde el Simbolismo quedó reflejado en creaciones artísticas debido a la importancia de la obra “Las Flores del Mal”, escrita por el genial maestro de la literatura francesa Charles Baudelaire (1821-1867) y origen conceptual de esta corriente artística. Poetas, escritores, y músicos a través del lenguaje artístico utilizado para configurar el mensaje metafórico definido de sus obras, también fueron incluidos dentro de esta corriente simbolista tan influyente y grandes artistas como Charles Baudelaire, Edgar Allan Poe, Stéphane Mallarmé, Paul Verlaine, Joris-Karl Huysmans, Villiers de L´Isle-Adam, incluso Oscar Wilde, han dejado su nombre grabado con letras de oro en el libro de la Historia Cultural del Simbolismo ya sea como precursores, o por haber profundizado y ampliado su base conceptual. De por sí, un ilustre simbolista como Arnold Böcklin ya dijo que, dentro del Simbolismo, “la pintura tiene que explicar algo, la poesía tiene que hacer pensar, y una pieza musical tiene que impresionar al espectador”, y siempre con el símbolo, con la representación perceptible de una idea con trasfondo metafórico como principal eje conceptual dentro de la obra, porque el símbolo tiene vida propia dentro de la mente del espectador a través de un significado muchas veces inconsciente. Por este motivo, el uso de la metáfora será inevitable en la creación de estas impresionantes y cautivadoras obras de Arte.

Estéticamente, el Simbolismo Idealista fue una corriente artística que creó una fuerte controversia social y cultural en la sociedad francesa y belga a finales del siglo XIX, debido a que estas enigmáticas obras incorporaban tanto la obscura belleza siniestra (con todos los significados filosóficos y morales que ello implica) como el uso un lenguaje metafórico donde la sinestesia y sus complejos significados únicamente estaban al alcance intelectual de unos pocos privilegiados. Una sinestesia que, por cierto, sería posteriormente utilizada en el siglo XX por el Expresionismo dentro de una mayor amplitud conceptual como, por ejemplo, en la relación existente entre colores y notas musicales. Pero en el Simbolismo Idealista es el mundo de lo metafísico, de lo misterioso, de lo espiritual, de lo onírico, de lo místico, lo que da forma a este universo oculto donde la imaginación artística de los maestros simbolistas logró alcanzar una profundidad emocional absolutamente admirable, creando este choque frontal entre lo aparente y lo racional frente a lo secreto y opaco, o sea, lo verdadero y la melancolía del paraíso perdido que son, en definitiva, los que provocan estas fuertes reacciones en el espectador al contemplar estas obras a través de sus sentidos. Por este motivo, su relación con el Romanticismo, con el Romanticismo tardío, y con el Decadentismo será inevitable, recomendando la lectura del excelso libro “La Carne, la Muerte y el Diablo en la Literatura Romántica” de Mario Praz, obra ya reseñada en Lux Atenea.

“Los Pintores del Alma” fue una exposición inolvidable donde los cuadros te sobrecogían, donde las figuras representadas te traspasaban con la mirada, donde la luz y el color te sumergían en otro mundo, donde las obras se convertían en ventanas a otra dimensión que sentías como tuya, y donde me resulta imposible hacer una elección pictórica personal en vista a la impresionante selección de obras escogidas para este magno evento cultural. En un primer repaso pictórico me quedaría con más de veinte cuadros y, seguramente, no sería justo con otras bellas obras que también han sido impresas con sumo detalle en las páginas de este catalogo de gran formato. Además, completando esta extraordinaria edición, en sus últimas páginas podrán encontrar unas breves biografías de estos genios de la pintura cuyos cuadros fueron los protagonistas principales de esta exposición: Edmond Jean Amand (Aman-Jean), Valère Bernard, Boleslas Biegas, Émile-Antoine Bourdelle, Louis-Maurice Boutet de Monvel, Maurice Chabas, Maurice Denis, Georges Desvallières, Charles-Marie Dulac, Georges de Feure (Georges Van Sluijters), Henri Gervex, Eugène Grasset, Henry de Groux, Charles Guilloux, Lucien-Victor Guirand de Scevola, Louis Welden Hawkins, Jeanne Jacquemin, Fernand Khnopff, Frantisek Kupka, Charles Lacoste, Henri Le Sidaner, Lucien Lévy-Dhurmer, Henry Martin, Edgar Maxence, Émile-René Ménard, Gustave Moreau, Gustave Adolphe Mossa, Alphonse Osbert, Armand Point, Pierre Puvis de Chavannes, Odilon Redon, Ary Renan, Salomon Léon (Léonard) Sarluis, Carlos Schwabe, Charles Sellier, y Alexandre Séon. Interesantes páginas donde se detallan los acontecimientos y los hechos más importantes ocurridos a lo largo de sus vidas. “Los Pintores del Alma”, el catálogo oficial de una de las exposiciones pictóricas más impresionantes e impactantes que haya visto en persona. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL SIMBOLISMO”, MICHAEL GIBSON (Reseña #1783).

Posted on 5 noviembre, 2022 por Félix V. Díaz

Reseña Cultural: 1783 // Reseña Literaria: 307
Reseña actualizada. Publicada el 19 de junio del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: TASCHEN GmbH.
ISBN: 978-3-8228-5030-5
Edición: 2006 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 255

Concebido por el escritor, editor, e historiador francés Gilles Néret (en Lux Atenea he publicado la reseña de su magnífica obra “Devils”), una de las miradas analíticas más brillantes dentro del mundo del Arte, este impresionante libro realizado por Michael Gibson se ha convertido en una referencia editorial ineludible para cualquier persona interesada en conocer esta corriente artística en su área de influencia más extensa: el Simbolismo. De nuevo, el Arte nacido en el siglo XIX vuelve a ser protagonista en Lux Atenea a través de esta excelsa edición publicada por una de las editoriales más comprometidas con la Cultura: Taschen. Impresiona ver la lujosa presentación del libro “El Simbolismo”, tanto por la calidad de los materiales utilizados como por el formato y resolución de cada una de las imágenes seleccionadas para ilustrar visualmente este interesante recorrido por el mundo del Arte. Tras la publicación de esta obra de gran formato, Taschen otra vez ha vuelto a situarse en la cúspide editorial a la hora de mostrar esta corriente artística tan espiritualmente bella como es el Simbolismo. Doscientas cincuenta y cinco páginas que serán disfrutadas de forma muy placentera por los bibliófilos lectores de Lux Atenea, y por toda alma sensible al mensaje contenido en el símbolo bajo la atenta mirada interpretativa del inconsciente humano. Esta grandeza artística y conceptual ha llevado al Simbolismo directamente al siglo XXI, convirtiéndose en objeto de estudio y de interés público ante el universo de sensaciones y de emociones aún por descubrir en cada una de estas obras, unidas al lenguaje simbólico y metafórico del inconsciente. Por este motivo, el gran formato utilizado por Taschen en esta edición facilitará la inmersión visual en la idea inspiradora que dio como resultado final estas ventanas artísticas abiertas hacia el alma humana.

El misterio que se oculta tras el símbolo, la mirada del maestro Charles Baudelaire (1821-1867) siempre presente en cada una de estas obras, la belleza siniestra presentándose en estas manifestaciones artísticas en su realismo psicológico más obscuro y refinado, lo metafísico y lo místico como última evolución artística del Romanticismo decimonónico… así de complejo y de sugerente se presentaría el Simbolismo a finales del siglo XIX como semilla del Arte que posteriormente surgiría en las primeras décadas del siglo XX. Una evolución conceptual de esta perspectiva artística inspirada en el ser humano y en la realidad oculta que le rodea. Por este motivo, el símbolo adquiere su incuestionable protagonismo como eje fundamental para crear la obra, y como forma y aspecto visual a través del cual la obra es capaz de atravesar la frontera racional del espectador para adentrarse en su interior más profundo gobernado por el inconsciente. Y tras el inconsciente, el alma dormida que acaba de ser despertada, estimulada. Además, también lo onírico y lo sensitivo serán cualidades artísticas que serán valoradas en la presentación de una obra dentro del Simbolismo, y donde su interpretación final queda abierta a las diferentes perspectivas y sensibilidades propias de cada observador ante la contemplación de la obra. El Simbolismo termina con la rigidez y con la vía conceptual lineal de la obra creada, quedando su mensaje completamente abierto y en manos de quienes lo contemplan al adentrarse en su universo emocional de carácter casi sobrenatural. Lo indescriptible, lo puramente sensitivo, lo imaginativo, lo trascendental, lo onírico… son cualidades íntimamente relacionadas con el Simbolismo, y esta es una de las mejores ediciones literarias que he leído y analizado para poder iniciar esta aventura hacia el insondable interior del ser humano en clave artística. Como último apunte, quisiera aconsejar la lectura de la reseña que publiqué sobre el catálogo oficial de la exposición “Los Pintores del Alma: El Simbolismo Idealista en Francia”. “El Simbolismo”, a continuación les adjunto la relación de artistas cuyas obras han sido incluidas en esta excelsa y lujosa edición publicada por Taschen. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

John White Alexander / Edmond Aman-Jean / Léon Bakst (seudónimo de Lew Samoilovitch Rosenberg) / Giacomo Balla / Aubrey Vincent Beardsley / Alexandre Nikolaievitch Benois / Emile Bernard / William Blake / Umberto Boccioni / Arnold Böcklin / Giovanni Boldini / Juan Brull y Viñolas / Sir Edward Coley Burne-Jones / Guido Cadorin / Carlo Carra / Eugène Carriere / Giorgio de Chirico / Mikolajus Ciurlionis / Camille Claudel / Thomas Cole / Walter Crane / Arthur Bowen Davies / William Degouve de Nuncques / Paul Delvaux / Jean Delville / Maurice Denis / Vasili Denissov / Marcel Duchamp / Halfdan Egedius / Magnus Enckell / James Ensor / Max Ernst / Emile Fabry / Henri Fantin-Latour / Georges de Feure / Charles Filiger / Pavel Nicolaievitch Filonov / Léon Frederic / Johann Heinrich Füssli / Axel Gallen Kallela / Antoni Gaudi y Cornet / Paul Gauguin / Otto Greiner / Henry de Groux / Adria Gual-Queralt / Louis Welden Hawkins / Ferdinand Hodler / Ludwig von Hofmann / Richard Nicolaus Roland Holst / William Holman Hunt / Ernst Josephson / Vasili Kandinsky / Ferdinand Keller / Fernand Khnopff / Gustav Klimt / Julius Klinger / Max Klinger / Alfred Kubin / Frantisek Kupka / Georges Lacombe / Henri Le Sidaner / Lucien Levy-Dhurmer (propiamente Lucien Lévy) / Ljuba (propiamente Popovic Alekse Ljubomir) / Charles Rennie Mackintosh / Aristide Maillol / Jacek Malczewski / Kasimir Malevitch / Hans von Marees / Alberto Martini / Vítezlav Karl Masek / Jan Matejko / Henri Matisse / Charles Maurin / Edgar Maxence / Jozef Mehoffer / Xavier Mellery / John Everett Millais / George Minne / Piet Mondrian (propiamente Pieter Cornelis Mondriaan) / Constant Montald / Gustave Moreau / William Morris / Gustave Adolphe Mossa / Alfons Maria Mucha / Edvard Munch / Nestor (propiamente Néstor de la Torre) / Alphonse Osbert / Giuseppe Pellizza Da Volpedo / Kusma Petrov-Vodkin / Francis Picabia / Pablo Ruiz Picasso / Wladyslaw Podkowinski / Jan Preisler / Gaetano Previati / Witold Pruszkowski / Pierre Puvis De Chavannes / Paul Ranson / Odilon Redon / Ilia Iefimovitch Repin / Auguste Rodin / Romolo Romani / Félicien Rops / Dante Gabriel Rossetti / Georges Rouault / Albert Pinkham Ryder / Victor Samirailo / Bruno Schulz / Carlos Schwabe / Giovanni Segantini / Alexandre Seon / Valentin Aleksandrovitch Serov / Paul Serusier / Hugo Simberg / Constantin Somov / Léon Spilliaert / Franz von Stuck / Johan Thorn Prikker / Jan Toorop / Félix Vallotton / Elihu Vedder / Mikhail Aleksandrovitch Vrubel / George Frederick Watts / James McNeill Whistler / Antoine Wiertz / Jens Ferdinand Willumsen / Stanislav Ignacy Witkiewicz / Witold Wojtkiewicz / Stanislav Wyspianski / Vittorio Zecchin

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“JACQUES-LOUIS DAVID”, EUGENIO CARMONA (Reseña #1780).

Posted on 4 noviembre, 2022 por Félix V. Díaz

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Reseña Cultural: 1780 // Reseña Literaria: 304
Reseña actualizada. Publicada el 13 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Publicado por: HISTORIA 16. HISTORIA VIVA, S.L.
Edición: 1993 (EDICIÓN COMPRADA)
Páginas: 145

“Jamás he buscado otra cosa en mi obra que inspirar el amor a las virtudes… Sólo las pasiones del alma han tenido atractivo para mí.”

Jacques-Louis David (1748-1825) fue el virtuoso genio de la Pintura que más influyó en la esencia del arte pictórico francés del siglo XIX, y esta obra escrita por Eugenio Carmona, profesor de Historia del Arte en la Universidad de Málaga, es una de las mejores vías informativas para poder adentrarse en el universo mental y emocional de este admirado pintor a través de la descripción más exquisita de la época que le vio nacer, y del espíritu artístico que dio sentido a toda su obra. Desde entonces, el ilustre nombre de Jacques-Louis David ha quedado grabado con letras de oro en la Historia de la Pintura Europea, sirviendo de fuente de inspiración a futuros creadores en cuyas obras de Arte tratan de reflejar y de transmitir al público esa misma atmósfera cargada de Pasión, Mitología, y Cultura con raíces que se extienden con fuerza en el inconsciente colectivo europeo. Teniendo a la Antigua Grecia y a Roma como esencia fundamental de sus inspiraciones creativas, el pintor Jacques-Louis David terminaría por convertirse en una de las principales referencias artísticas dentro del estilo Neoclásico por su maestría y por su excelso estilo. Los cultos lectores de Lux Atenea quedarán deslumbrados con estos cuadros espartanamente sobrios donde la fuerza y la tensión del momento inmortalizado quedan fielmente reflejadas por este gran maestro en sus lienzos. Con el paso del tiempo, estas magnas obras han terminado por convertirse en cuadros inolvidables capaces de seguir despertando admiración, asombro, y pasión incluso en el público del siglo XXI mucho más identificado con la tecnología y la ciencia. Seguro que algunos bibliófilos lectores ya conocen cuadros de Jacques-Louis David tan bellos y sublimes como “Las Sabinas (1799)”, “La Muerte de Marat (1793)”, “La Muerte de Sócrates (1787)”, “El Juramento de los Horacios (1784)”, “La Muerte de Bara (1794)”, “Los Amores de Paris y Helena (1787)”, “El Dolor de Andrómaca (1783)”, “Héctor (1778)”, “La Muerte de Séneca (1773)”… y que engrandecen el arte pictórico francés para el disfrute contemplativo y la perspectiva existencial de todos los que amamos la cultura europea.

Pero la política cobrará importancia en su vida y, tras participar en la caída de la monarquía en la Revolución Francesa junto a Maximilien Robespierre (1758-1794), del cual era amigo, finalmente acabaría ingresando en prisión en cuanto cae el gobierno. Allí pintaría su famoso “Autorretrato”. Las posteriores simpatías de Jacques-Louis David con Napoleón Bonaparte lo liberarían, y acabarían influyendo en su inspiración creativa con magníficos cuadros donde exaltará la figura de Napoleón, no solamente como nuevo abanderado de la libertad en Francia, sino también de toda Europa. Todas estas obras acabarían siendo agrupadas dentro de un nuevo estilo llamado Imperio e, inmerso en ello, las dramáticas y oscuras escenas clásicas reflejadas por Jacques-Louis David en la mayor parte de sus anteriores obras serían sustituidas por escenas solemnes y majestuosas donde el despliegue de luminosidad, esplendor, y lujo perfilan idílicos ambientes donde se resalta el protagonismo de Napoleón. Espectaculares cuadros como “La Coronación de Napoleón (1805-1807)”, “Napoleón cruzando los Alpes (1799)”, “El Juramento de la Armada a Napoleón (1810)”, “Napoleón en su Gabinete de Trabajo (1812)”… se han convertido en obras de obligada referencia artística sobre aquella época crucial en la Historia de Europa. Pero Jacques-Louis David retornaría con un gran ímpetu pasional a sus raíces conceptuales ancladas en la cultura de la Antigua Grecia con obras como “Leónidas en las Termópilas (1814)”, “Amor y Psique (1817), “Telémaco y Eucaris (1818)”, “La Cólera de Aquiles (1819)”… hasta que su cuadro “Marte Desarmado por Venus y las Gracias (1822-1824)” ponga un emotivo punto y final a su colosal carrera artística que marcaría a las siguientes generaciones de pintores en Francia (Girodet, Gros, Ingres…). Su cuerpo es enterrado en la ciudad belga de Bruselas cuando Jacques-Louis David fallece en el año 1825, pero su corazón reposa en el mítico cementerio parisino de Père Lachaise desde entonces. “Jacques-Louis David”, magnífica edición temática dedicada a este inigualable genio de la Pintura que vivió en persona la etapa más convulsa y crítica en la Historia Moderna de Francia. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

Félix V. Díaz
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LUX ATENEA

Solamente publico reseñas culturales sobre ediciones originales que he comprado, o sobre promocionales físicos y digitales.

Archivo de la etiqueta: Pintura

“EL PRERRAFAELISMO y su influencia en la creación contemporánea”, CARLOS A. CUÉLLAR (Reseña #1955).

“SÍMBOLOS Y ALEGORÍAS” (Reseña #1940).

“IMÁGENES DE LA PERSPECTIVA”, JAVIER NAVARRO DE ZUVILLAGA (Reseña #1867).

“LA DIVINA COMEDIA”, WILLIAM BLAKE (Reseña #1843).

“MANTEGNA. EL SUEÑO DE LO ANTIGUO, EL ORO DE LA CORTE” (Reseña #1834).

“PIERO DELLA FRANCESCA”, VALERIANO BOZAL (Reseña #1805).

“EL HERMITAGE EN EL PRADO” CATÁLOGO OFICIAL DE LA EXPOSICIÓN (8 de noviembre de 2011 – 25 de marzo de 2012, MUSEO DEL PRADO, MADRID) (Reseña #1796).

“LOS PINTORES DEL ALMA. EL SIMBOLISMO IDEALISTA EN FRANCIA” Catálogo oficial de la exposición (Fundación Cultural Mapfre, 26 de enero al 26 de marzo del año 2000, Madrid, España) (Reseña #1789).

“EL SIMBOLISMO”, MICHAEL GIBSON (Reseña #1783).

“JACQUES-LOUIS DAVID”, EUGENIO CARMONA (Reseña #1780).