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Acerca de Félix V. Díaz

Félix V. Díaz, desde el año 1999, siendo pionero en España como analista cultural orientado a la difusión de las obras artísticas más selectas inspiradas en la mirada más profunda a lo Bello, a lo Sublime, y a lo Siniestro (Revista Cultural Gótica ATIS&NYD, Shadow's Garden, Ouroboros Webzine y, actualmente, publicando en mi blog cultural y existencial Lux Atenea).

“INSEPARABLES (dead ringers)”, 1988 – DAVID CRONENBERG (Reseña / Review #1723).

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Reseña Cultural nº: 1723 // Reseña Media nº: 76
Reseña actualizada. Publicada el 16 de agosto del año 2014 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: DAVID CRONENBERG
Guión: DAVID CRONENBERG y NORMAN SNIDER
Actores principales: JEREMY IRONS (Beverly Mantle / Elliot Mantle), GENEVIÈVE BUJOLD (actriz Claire Niveau), HEIDI von PALLESKE (Cary), BARBARA GORDON (Danuta), SHIRLEY DOUGLAS (Laura), STEPHEN LACK (Anders Wolleck)
País: CANADÁ Año: 1988 Productora: THE RANK ORGANISATION
Duración aprox.: 111 minutos
Publicado en España por: FILMAX Año: 2012
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD INSEPARABLES dead ringers 1988 DAVID CRONENBERG

Por su trasfondo conceptual, como analista cultural me fascina y me apasiona la obra cinematográfica del virtuoso director canadiense David Cronenberg, porque en sus películas se atreve a explorar esos trasfondos psicológicos de fuerte contraste que terminan por convertirse en el siniestro halo de inquietud que exhalan artísticamente sus largometrajes. En esta película de culto del año 1988, resulta interesante su descripción oficial al ser presentada como “dos mentes, dos cuerpos, una sola alma”, cuando la realidad que muestra “Inseparables” no se ajusta realmente a esa definición tan categórica. Más bien son dos almas y dos cuerpos con dos mentes independientes y complementarias. Lo más curioso que tiene este largometraje es que el maestro David Cronenberg encontró inspiración para crear esta magna obra cinematográfica en la novela “Gemelos (twins)” escrita por Bari Wood y Jack Geasland, basada a su vez en la historia real de los gemelos Marcus encontrados muertos por la policía en el año 1975 y que se dedicaban profesionalmente a los tratamientos de fertilidad como ginecólogos. Como suele pasar siempre, la vida real acostumbra a mostrarse más extrema y sorprendente que el cine de ficción más fantasioso e increíble. Teniendo esto muy en cuenta, “Inseparables” es una siniestra obra maestra por los obscuros contrastes humanos que definen y dan carácter a su trama. Horror cruzando la frontera de lo mentalmente enfermo en una historia perversa y tenebrosa, y que sabe tocar la fibra sensible del espectador por la aparente normalidad y cotidianidad con la cual David Cronenberg nos lo presenta a pesar de su crudeza. Así podrán sentirlo y disfrutarlo los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta magnífica edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Filmax en el año 2012.

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Esta trágica historia comienza en el año 1954 en la ciudad canadiense de Toronto con los jóvenes gemelos Elliot y Beverly Mantle, y su temprana atracción por la anatomía humana y la medicina. A continuación, en un salto en el tiempo llegaremos al año 1967 donde siendo estudiantes ya destacarían por su trabajo en la etapa universitaria en la ciudad de Cambridge (Massachusetts), retornando posteriormente a Toronto. Con Elliot y Beverly ya con su propia clínica ginecológica especializada en fertilidad femenina (ambos personajes interpretados magistralmente por el actor Jeremy Irons), y gracias a la cual disfrutan de un buen nivel económico, allí acudirá Claire Niveau (interpretado por Geneviève Bujold), una conocida actriz con problemas profesionales y que quiere ser madre. Pero Elliot descubre que tiene un problema físico grave para que la fecundación pueda llegar a buen término, comentándole ese delicado asunto a su hermano, y éste lo aprovechará para empezar a salir con ella. Como acostumbran, los gemelos Elliot y Beverly no dudan en hacerse pasar el uno por el otro y con esta actriz no harán una excepción. Pero en esta ocasión uno de ellos no tomará esa relación como cualquier otra anterior, creando una tensión entre él y su hermano que tendrá catastróficas consecuencias en su convivencia y en su futuro profesional, sobre todo cuando Claire Niveau descubra que son gemelos idénticos y aparezcan las dudas sobre cuál de ellos es el que está teniendo relaciones con ella. Un intenso y trágico drama psicológico en el cual podrán ver y analizar el extraño y frágil modo de vida de estos dos hermanos. Cada gemelo tiene su propia personalidad, importante factor que se muestra claramente hasta en su labor profesional, al ser Beverly quien está centrado en el tema médico y Elliot el que dirige y gestiona la clínica, o incluso en el plano personal y privado al ser Elliot quien conquista a las mujeres por tener un carácter más extrovertido y desinhibido, siendo Beverly más cohibido e introvertido aunque de común acuerdo se haga pasar por su hermano para poder intimar con ellas. Personalidades distintas pero complementarias al cubrir uno las deficiencias del otro, y juntos forman un todo completo. Un equilibrio que se romperá cuando uno de ellos prefiera tomar un rumbo mucho más independiente y autónomo, agravándose el problema al ser Beverly mucho más débil que Elliot, y al entrar las drogas en este perturbado e irracional ambiente para alterarlo y desquiciarlo todo aún más.

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Todo ello con imágenes y escenas impresionantes como los impactantes dibujos de anatomía y de instrumental médico que aparecen al inicio de la película incluyendo a unos gemelos en el vientre materno, la escena un tanto sado con Elliot y la actriz Claire Niveau atada al pie de la cama con material médico, o la siniestra visión de la operación con los médicos y las enfermeras vestidos de rojo, al igual que la sábana que cubre al paciente o el tapete sobre el cual está ordenado el material quirúrgico, mientras Elliot explica los pasos de la intervención médica a un grupo según se va retransmitiendo en tiempo real en una pantalla. “Inseparables” también tiene escenas inolvidables como la secuencia de la cita de Claire Niveau con los dos hermanos en el restaurante, la simbólica escena de la pesadilla donde se ve a los dos gemelos unidos y a Claire diciendo que los va a separar mientras muerde esa unión, la significativa secuencia de Elliot con las dos gemelas y el diálogo que mantiene con ellas, o la interesante escena en la cual Beverly contacta con el artista Anders Wolleck para que pueda construir el instrumental ginecológico que ha diseñado para trabajar en acero quirúrgico. Quedarán impresionados con la extraordinaria escena en la cual Beverly es vestido con el atuendo rojo para operar como si fuera un ritual sagrado, para luego pasar a la presentación de su nuevo instrumental médico con la sorpresa que ello ocasiona en sus ayudantes debido a las extrañas y siniestras formas que tienen, o con la clara y concluyente visión del estado en el que se encuentra el apartamento de los gemelos como claro reflejo visual del deterioro psicológico que están padeciendo, además de la dramática, perturbada, y macabra apoteosis protagonizada por los gemelos. Como apunte final, y en vista al título original de esta película, “Dead Ringers”, es inevitable que haga referencia a la reseña que publiqué sobre el largometraje “Su Propia Víctima (dead ringer)” estrenado en el año 1964, y protagonizado por la mítica actriz estadounidense Bette Davis. Una trama dramática basada también en la historia de dos hermanas gemelas. En definitiva, “Inseparables” es una película visualmente provocadora que incita al espectador a pensar en su trasfondo psicológico más profundo, y esa es la gran virtud de David Cronenberg como talentoso pionero dentro del Séptimo Arte. “Inseparables”, película de culto, y una de las más impactantes obras cinematográficas rodadas por este director canadiense convertido ya en legenda artística. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

INSEPARABLES dead ringers 1988 - DAVID CRONENBERG

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“MEPHISTO”, 1981 (Reseña / Review #1722).

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Reseña Cultural nº: 1722 // Reseña Media nº: 75
Reseña actualizada. Publicada el 11 de noviembre del año 2012 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: ISTVÁN SZABÓ
Guión: ISTVÁN SZABÓ
Actores principales: KLAUS MARIA BRANDAUER (Hendrik Höfgen), ILDIKÓ BÁNSÁGI (Nicoletta von Niebuhr), ROLF HOPPE (Tábornagy), KRYSTYNA JANDA (Barbara Bruckner), PETER ANDORAI (Otto Ulrichs), GYÖRGY CSERHALMI (Hans Miklas)
País: HUNGRÍA-ALEMANIA Año: 1981 Productora: OBJEKTIB STUDIO / MAFILM
Duración aprox.: 144 minutos (versión original íntegra en alemán) / 126 minutos (versión en español estrenada en salas)
Publicado en España por: CAMEO MEDIA, S.L. Año: 2005
Formato: 3DVD “ISTVÁN SZABÓ” (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “Mephisto”
EXTRAS: Trailer “The Naked Face” // Conversaciones con István Szabó y Klaus M. Brandauer // Ficha artística // Ficha técnica // Filmografías destacadas

DVD MEPHISTO 1981

“Mephisto” es el título de la película que inicia la trilogía creada por el director húngaro István Szabó sobre la ascensión y caída del Imperio Austro-húngaro. Una coproducción germanohúngara que llegó a ser premiada con prestigiosos galardones cinematográficos en el año 1981 como el premio al Mejor Guión en el Festival de Cannes y el Óscar a la Mejor Película Extranjera. Su extraordinario guión está basado en la novela homónima del escritor alemán Klaus Mann (1906-1949), obra literaria basada a su vez en la controvertida vida artística del actor y director de teatro alemán Gustaf Gründgens (1899-1963), y el ilustre director húngaro István Szabó supo reflejar con total fidelidad e intensidad emocional en la película “Mephisto”, el tenso y alterado ambiente que se pudo respirar en el mundo artístico y social a principios de la década de los treinta en Alemania. Un mensaje muy claro y directo sobre la supeditación del Arte en sus distintas vertientes al poder político cuando todo en el país ha de ser orientado al esplendor y al orgullo nacional. La evolución personal y artística de su protagonista principal, el actor Hendrik Höfgen (interpretado por el mítico actor austriaco Klaus Maria Brandauer), se transforma en la vía perfecta para mostrar esos choques frontales entre el éxito y la ética personal, entre los intereses profesionales y la conciencia interior, triunfando siempre las primeras opciones ante la irresistible atracción que ofrece el éxito al amparo del poder para un artista. Centrando la atención en esta magnífica edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Cameo Media en el año 2005, los cinéfilos lectores de Lux Atenea que tengan en sus manos esta edición podrán disfrutar de la versión íntegra de este largometraje con casi veinte minutos extra que son esenciales para poder comprender su trama. No entiendo cómo pudieron cortar estas escenas en la versión oficial estrenada en las salas de cine españolas, porque su importancia es clave para que el espectador pueda entender el trasfondo y la evolución de esta historia. Como analista cultural, en muchos aspectos estas secuencias eliminadas me han recordado a otra excelsa película como “Apocalypse Now” (1979), donde la visualización de la versión Redux es fundamental respecto a la primera versión oficial que se llevó a la gran pantalla (recomiendo la lectura de la reseña que publiqué sobre el libro “Apocalypse Now, Odisea en los Territorios del Horror” de Iván Reguera).

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Iniciamos esta inolvidable aventura cinematográfica situándonos en la ciudad alemana de Hamburgo. Allí, el artista de teatro Hendrik Höfgen, actor de segundo nivel, se presenta ante el espectador como una persona cuyo ego desea engordar enormemente a través del elogio y de la fama, aunque para ello tenga que pagar un alto precio en cuanto a honestidad y sinceridad consigo mismo. Por este motivo, desde el principio de la película aparecerá como un ser desdichado y un fracasado a nivel privado, autotorturándose ante su delicada situación profesional y su precariedad económica. Hendrik Höfgen es un actor de teatro que necesita que le reafirmen con adulaciones, aunque de cara al público presente una imagen bien distinta. Sus miradas constantes ante el espejo, su clara y rotunda egolatría, ese pensar solamente en él y para él, su inseguridad que le lleva a avergonzarse de sí mismo, su narcisismo… en realidad no son más que muestras de sus pensamientos internos basados en un mundo irreal, imaginario, e idílico donde todos han de estar pendientes de él. Sus conversaciones consigo mismo frente al espejo no son más que exteriorizaciones de ese mundo interior en conflicto permanente con la realidad que le rodea. Pero Hendrik Höfgen es un inquieto apasionado del Arte, motivo por el cual dirige una compañía de teatro, recibe clases de danza que elevan sus ilusiones y estimulan sus sueños, tiene un socio a su lado en sus proyectos llamado Otto Ulrichs (actor Peter Andorai), pero con la llegada de Nicoletta von Niebuhr a la compañía de teatro (actriz Ildikó Bánsagi), su vida dará un primer giro importante. El éxito entre el público le sonríe, se enamora y se casa, pero esos aparentes días de vino y rosas terminarán cuando Hendrik Höfgen choque frontalmente con Hans Miklas (actor György Cserhalmi) por sus ideas nacionalsocialistas, con las cuales no está de acuerdo. Por ese motivo, no parará hasta echarlo de la compañía. Y también chocará con la familia burguesa de su mujer debido a que le incomoda su privilegiado estatus económico, ya que le hace sentir inferior.

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Tras ser recomendado por su suegro y por la actriz Dora Martin, Hendrik Höfgen recibe una oferta para interpretar un papel en el Teatro Estatal de Berlín y, una vez allí, empezará con un trabajo sencillo y humilde en el escenario que le permitirá poco a poco ir creciendo profesionalmente, e ir moviéndose en círculos mucho más influyentes donde la presencia de personas poderosas afines al nacionalsocialismo será inevitable. En el Teatro Estatal de Berlín va aumentando su éxito y su protagonismo dentro de las obras que interpreta, fama que le abrirá las puertas del mundo del cine como actor haciendo papeles de soldado. Pero Hans Miklas también ha ido escalando posiciones dentro del partido dirigiendo a las juventudes nacionalsocialistas, y cuando finalmente Adolf Hitler llega al poder en Alemania, a partir de ese momento empezará un nuevo ciclo en la vida de Hendrik Höfgen que cambiará su destino radicalmente, siendo la descripción audiovisual más realista de su nueva situación el choque de opiniones y de pareceres entre él y su mujer. Ante el giro de los acontecimientos que suceden alrededor suyo, Hendrik Höfgen decide mantenerse al margen de todo. Su mujer se marcha a París con su familia, y él, que se encuentra rodando una película en la ciudad de Budapest, duda si volver a Alemania. Pero tras recibir halagos desde Berlín por parte de un Ministro/General del ejército alemán para relanzar el Teatro Nacional (papel interpretado con maestría por el actor alemán Rolf Hoppe), Hendrik Höfgen regresará al Teatro Estatal de Berlín. Con el exitoso retorno de la obra “Fausto” al teatro, entrará en el exclusivo círculo de las altas esferas de la cultura gracias a su impresionante interpretación de Mefistófeles, papel con el cual ha conquistado al Ministro/General ya que le identifica plenamente con su visión del Arte y de la Cultura alemanas. A partir de ese momento de gloria, Hendrik Höfgen no hará más que aumentar su voluble e insegura personalidad en pro de la fama, del éxito, y de la notoriedad pública que el poder político le ofrece a cambio de su arte orientado a los intereses nacionales. Y este poder político en manos del Ministro/General, no admite un ‘no’ como respuesta a sus proyectos y deseos.

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Los cinéfilos lectores de Lux Atenea quedarán impresionados con esta escenificación tan natural y creíble que Klaus Maria Brandauer nos ofrece en su extraordinaria interpretación del actor Hendrik Höfgen, dando credibilidad absoluta a este difícil personaje que es clave dentro de la trama de la película. Klaus Maria Brandauer se presenta como un actor colosal capaz de transmitir emociones con sus gestos, con su mirada, convirtiéndose en ese ser camaleónico que se transforma exteriormente en función de los acontecimientos y del carácter de las personas que le rodean. Hendrik Höfgen, confiando ciegamente en su capacidad de adaptación, cree que sus dotes de actor le sacarán siempre de cualquier situación por difícil que sea, pero la realidad siempre le acaba desbordando por no analizar en profundidad el trasfondo de la situaciones en las cuales está implicado. Además, la brillante luz del éxito que le ofrece el poder es demasiado tentadora para su ego. Un poder en manos del Ministro/General alemán cuya excelsa interpretación, a cargo del actor Rolf Hoppe, dejará profundamente impactados a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. En su magna interpretación del Ministro/General sabe cómo transmitir en la pantalla ese halo apolíneo de quien posee todo el poder, y quiere hacer realidad el ideal del Arte dirigido al pueblo alemán como sea. Por este motivo, la obra “Fausto” y la sublime interpretación de Mefistófeles a cargo de Hendrik Höfgen, terminan siendo observados por el Ministro/General como un símbolo perfecto de la nueva Alemania, del nuevo espíritu alemán, quedando tan impactado ante esa escenificación que el propio Ministro/General empezará a llamar con el nombre de Mefistófeles a Hendrik Höfgen. Pero esa fascinación y esa devoción por sus cualidades interpretativas también tendrán otra cara más obscura en la vida de Hendrik Höfgen, ya que el Ministro/General le irá marcando cada uno de los límites dentro de los cuales se podrá mover, conociendo cada detalle de su vida privada para manipularle, y orientándolo en pro de sus intereses. Una dinámica y una evolución de Hendrik Höfgen a lo largo de la película que se convierte en uno de los mayores trasfondos psicológicos que esta magna obra nos ofrece.

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En la película “Mephisto”, el arte cinematográfico del director húngaro István Szabó se presenta en uno de sus largometrajes de culto más aclamados. Hablar de István Szabó en “Mephisto” es hablar de impactantes escenas que se quedarán indeleblemente grabadas en la mente del cinéfilo. Extraordinarias escenas como cuando Hendrik Höfgen está bailando libremente mientras suena la música de can-can, cuando la marcha de la actriz Dora Martin a EE.UU lleva a un diálogo que permite al espectador comprender cómo piensa una persona pragmática y otra fantasiosa que está en su propio mundo de luces y éxito, o la escena donde podemos contemplar la camaleónica capacidad de transformación de Hendrik Höfgen en una magnífica secuencia de imágenes con personajes teatrales de todo tipo. Les impresionará ver la escena de las juventudes indicando el oficio de sus padres como reflejo del creciente éxito social del nacionalsocialismo entre el pueblo alemán, la impactante fuerza visual de la escena donde Hendrik Höfgen interpreta a Mefistófeles en la obra “Fausto” y el gesto de complicidad del guiño que le lanza al actor que interpreta a Fausto ante el clamor y la ovación desatadas entre el público, o la escena en la cual Hendrik Höfgen es llamado por el Ministro/General a su palco y el tenso cruce de miradas que se establece entre ellos, incluyendo la sorprendente imagen del palco desde la perspectiva del público asistente al teatro.

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La belleza artística del cine también se presenta en la esplendorosa ambientación de la escena del discurso de Hendrik Höfgen presentando y comentando la estatua, en la simbólica escena de Hendrik Höfgen reunido en el despacho del Ministro donde el General está situado por encima de él como contundente imagen visual para indicar quién manda y quién obedece, o la inolvidable escena con Hendrik Höfgen en el estadio olímpico de Berlín iluminado por los focos. En definitiva, excelentes ambientaciones que combinan con maestría la intensidad cinematográfica con la fuerza de la interpretación teatral. Además, en esta magnífica edición en formato DVD, también podrán ver el interesante y reflexivo reportaje titulado “The Naked Face” (2001) donde el propio director István Szabó comenta cómo se interesó por el mundo del cine, y qué corrientes cinematográficas europeas como la Nouvelle Vague francesa o el cine italiano le atrajeron y le indicaron el camino a seguir, o cómo la política y la historia llegaron a condicionar su vida y su obra cinematográfica. Sus ideas y opiniones sobre el cine, sobre los actores, sobre las películas a nivel del espectador… pero desde un punto de vista psicológico, completan el interés informativo de este reportaje junto a las palabras de Klaus Maria Brandauer describiendo su pasado dentro del mundo del teatro en su etapa artística anterior a la película “Mephisto”, además de comentar su fugaz y desesperanzador paso por el mundo del cine cuya desilusión fue aún más profunda debido a las grandes diferencias que existen entre los actores de teatro y los actores de cine. En definitiva, estamos ante la edición más completa que se haya publicado hasta el momento de la grandiosa película “Mephisto”. “Mephisto”, cine europeo de culto firmado por uno de los directores con más talento en el siglo XX. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

MEPHISTO 1981

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL SILENCIO DE LOS CORDEROS (the silence of the lambs)”, 1991 (Reseña / Review #1721).

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Reseña Cultural nº: 1721 // Reseña Media nº: 74
Reseña actualizada. Publicada el 21 de diciembre del año 2011 en Lux Atenea conmemorando el 20º aniversario de la mítica película “EL SILENCIO DE LOS CORDEROS” (1991).

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: JONATHAN DEMME
Guión: TED TALLY
Actores principales: JODIE FOSTER (Clarice Starling), ANTHONY HOPKINS (Dr. Hannibal Lecter), TED LEVINE (Buffalo Bill), SCOTT GLENN (Jack Crawford)
País: EE.UU Año: 1991 Productora: ORION PICTURES
Duración aprox.: 114 minutos
Publicado en España por: METRO GOLDWYN MAYER HOME ENTERTAINMENT Año: 2006
Formato: 2DVD edición definitiva (EDICIÓN COMPRADA)

DVD EL SILENCIO DE LOS CORDEROS the silence of the lambs

Galardonada con importantes premios cinematográficos entre los que destacan sus cinco Óscar (mejor película, mejor guión adaptado, mejor director, y mejor actor y actriz) y el Globo de Oro a la mejor actriz, la extraordinaria película “El Silencio de los Corderos” ha cumplido su vigésimo aniversario en este año 2011. Una película de culto dentro del cine de suspense que se presenta como un sobrecogedor thriller de atractivo guión, basado en la famosa novela homónima del escritor estadounidense Thomas Harris. Una película sombría, triste, decadente, tal vez por esta ambientación gris donde el Sol siempre está cubierto por las nubes, o cuando aparece con su luz en el cielo siempre es en el amanecer o en el anochecer. Su protagonista principal, Clarise Starling, es una agente del FBI deseosa de trabajar en el departamento de Ciencias del Comportamiento y que se encarga de esclarecer el dramático y sangriento caso de Buffalo Bill, un psicópata dedicado a asesinar mujeres de una talla muy concreta para luego arrancarles la piel. En ese mismo caso, la agente Clarise también tendrá que tratar con otro psicópata llamado Hannibal Lecter, un psiquiatra conocido con el apodo de Hannibal el caníbal, que se ha convertido en la pieza clave de esa investigación para poder descubrir la verdadera identidad de Buffalo Bill. La película “El Silencio de los Corderos” destacó en aquella época por haber sabido reflejar con precisión y detalle en la gran pantalla, toda la lógica científica y la metodología seguidas por el FBI en la investigación de los casos de asesinato, teniendo siempre en cuenta los avances técnicos y científicos disponibles en aquella época. A lo largo de toda esta intrigante trama, los cinéfilos lectores de Lux Atenea podrán ir descubriendo poco a poco las pistas que van apareciendo para poder resolver este caso definitivamente, pero, desde mi punto de vista, la fuerza psicológica que tiene “El Silencio de los Corderos” es haber conseguido que el espectador se identificara con la cotidianidad que envuelve a la vida de estas víctimas, y la sensación de indefensión social que le queda al término de la película ante los actos cometidos por estos crueles asesinos a través de sus estudiadas argucias, sus inteligentes manipulaciones, y sus violentas acciones (algunas veces impunes) para cometer sus asesinatos. Impresionan algunas escenas como cuando Clarice entra en el lúgubre e infernal pasillo de seguridad en el cual se vigilan las celdas de los psicópatas, el metódico y frío examen forense del cadáver de una de las víctimas en la funeraria Grieg, o incluso la incómoda sensación que tiene la agente Clarice cuando está rodeada y siendo observada por altos y corpulentos agentes en el Hall de la funeraria.

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La hipnótica mirada del inteligente y depravado Hannibal Lecter, excelsamente interpretado por el actor Anthony Hopkins, es una de las imágenes imborrables que se quedan en la memoria cuando visualizas esta película, sobre todo si tienen oportunidad de ver esta película en su versión original. Y es que Anthony Hopkins supo meterse en el difícil papel de este psicópata, sabiendo interpretar con suma maestría y credibilidad cada una de las particularidades psicológicas de Hannibal Lecter. Detalles como su delicado olfato capaz de distinguir sutiles matices y aromas, su mefistofélica capacidad para realizar el psicoanálisis de las personas a las que observa, sus inquietantes gestos, su prepotencia y sus constantes aires de superioridad respecto al resto de los mortales, su plano mental situado más allá de Bien y del Mal, sus despiadados y sangrientos actos ejecutados fríamente, su sarcástico y ácido humor… son algunos de los muchos matices en la personalidad de Hannibal Lecter que el actor Anthony Hopkins supo transmitir con su virtuoso talento interpretativo. La idea que se queda en la mente del espectador sobre la pragmática, paciente, y sutil inteligencia de Hannibal Lecter con las cuales es capaz de realizar acciones aparentemente imposibles, dadas las limitadas capacidades de movimiento que han tomado las autoridades para controlarlo, elevan aún más la valoración del arte interpretativo mostrado por este actor en la gran pantalla. Una terrorífica imagen de Hannibal Lecter que ve aumentado su impacto visual y psicológico con la contemplación de las espectaculares medidas de seguridad adoptadas tanto en prisión como en su traslado, dada su peligrosidad extrema. La imagen del guardián colgado con los brazos abiertos en los barrotes de la celda de Hannibal Lecter como si fuera la macabra figura de un ángel, el siniestro coche fúnebre guardado en el almacén contratado por Hannibal Lecter, o su sutil caricia al dedo de la agente Clarice cuando le entrega los papeles del informe… son escenas que visualmente nos atraen y a su vez nos infunden rechazo.

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Pero si el personaje interpretado por Anthony Hopkins nos parece excepcional y totalmente creíble, tampoco se queda atrás la contundente interpretación realizada por el magnífico actor Ted Levine en el papel del asesino en serie Buffalo Bill. Una interpretación magistral hasta en las burlas que Buffalo Bill muestra hacia sus víctimas tras sus falsos gestos de sensibilidad y clemencia, o en la impactante escena de Buffalo Bill maquillándose y transformarse mientras la mítica canción “Goodbye Horses” de Q Lazzarus suena como música de fondo. Además, su inquietante y descuidada casa es el fiel reflejo de la ambigüedad mental que domina a Buffalo Bill mientras las polillas vuelan en esta degenerada y siniestra decoración, y a cuyo siniestro sótano lleva a sus víctimas para ser arrojadas a un agujero en el suelo donde las mantiene vivas y sin posibilidad de escape hasta el momento de su asesinato. Un terrorífico hoyo mortal de sangrientas paredes con uñas clavadas que reflejan la desesperación de las víctimas por escapar de su trágico destino. El sedoso caniche blanco que Buffalo Bill tiene como mascota además aumenta su protagonismo simbólico como contrapunto emocional y sentimental de este brutal psicópata. Una siniestra atmósfera que también quedará fielmente reflejada en la angustia y el miedo que nos muestra Clarice cuando se adentra en el sótano de la casa de Buffalo Bill, acrecentada visualmente con la simbología nacionalsocialista repartida por la casa (la colcha, el póster…), o el juego en la oscuridad que Buffalo Bill practica con Clarice usando unas gafas de visión nocturna. Como apunte a destacar en esta reseña de la película, quisiera subrayar la corta y sorprendente presencia del cantante Chris Isaak en el reparto de esta película, interpretando el papel del agente del comando SWAT desplegado en la sala de espera del ascensor del edificio donde retienen a Hannibal Lecter. Además, la adquisición de esta completa edición se vuelve indispensable al haber incluido en el segundo DVD estos interesantes extras de imprescindible visualización: “En el laberinto: cómo se hizo -El Silencio de los Corderos-”, “Detrás de las cámaras, Original”, “Escenas eliminadas”, “Trailer de cine”, “Anuncio de TV”, “El contestador de Anthony Hopkins”, “Escenas inéditas”, y “Trailer de -Hannibal-”. “El Silencio de los Corderos”, película de culto y uno de los thriller psicológicos más impactantes que podrán ver. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

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Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA TARÁNTULA DE VIENTRE NEGRO (la tarantola dal ventre nero)”, 1971 (Reseña / Review #1720).

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Reseña Cultural nº: 1720 // Reseña Media nº: 73
Reseña actualizada. Publicada el 19 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

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Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: PAOLO CAVARA
Guión: MARCELLO DANON, LUCILE LAKS
Actores principales: GIANCARLO GIANNINI (inspector Tellini), CLAUDINE AUGER (Laura), STEFANIA SANDRELLI (Anna Tellini), BARBARA BOUCHET (Maria Zani), BARBARA BACH (Jenny), ROSSELLA FALK (Franca Valentino), SILVANO TRANQUILLI (Paolo Zani), ANNABELLA INCONTRERA (Mirta Ricci), EZIO MARANO (masajista ciego), GIANCARLO PRETE (Mario), ETTORE MATTIA (detective privado)
País: ITALIA Año: 1971 Productora: DA. MA. PRODUZIONE Roma / P. A. C. Parigi
Duración aprox.: 94 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2012
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD LA TARANTULA DE VIENTRE NEGRO la tarantola dal ventre nero

La película “La Tarántula De Vientre Negro” es cine giallo de lo más selecto. Dirigida por el director italiano Paolo Cavara (1926-1982), este extraordinario largometraje destaca artísticamente por la magnífica labor realizada en el apartado de fotografía por Marcello Gatti, y por esta banda sonora de auténtico lujo tras haber sido compuesta por el genial maestro Ennio Morricone. Una brillante amalgama creativa para convertir el cine giallo en una experiencia inolvidable para los cinéfilos lectores de Lux Atenea que adquieran esta lujosa edición en formato DVD, publicada por Regia Films en el año 2012, habiendo incluido las escenas eliminadas en la versión oficial comercializada en España. Como es obvio, existe un paralelismo entre la forma de actuación que tienen las avispas de alas color salmón para paralizar a las tarántulas y así poder depositar sus huevos en el abdomen de su presa, y los salvajes métodos utilizados por este psicópata en su sangrienta e imparable acción al paralizar siempre a su víctima antes de asesinarla. El horror, omnipresente en este universo del cine giallo siempre poblado por psicópatas sedientos de sangre, por bellas jóvenes que serán sus víctimas, y por sagaces investigadores dedicados a desvelar quién es el asesino en tan esquivo y complejo caso. Una atrayente temática que hunde sus raíces conceptuales en la literatura extrema italiana nacida en la década de los treinta, y cuyo color de sus portadas dan nombre a este género cinematográfico (giallo, ‘amarillo’ en italiano). Pero la película “La Tarántula De Vientre Negro” también destaca por incorporar algunos elementos innovadores dentro de esta corriente artística al incluir como protagonista a un investigador, el inspector Tellini (actor Giancarlo Giannini), caracterizado por su ligera apatía y desdén inicial que irá cambiando hacia una actitud de mayor implicación en este caso según va afectando también a su círculo familiar más cercano. Un factor que resulta clave en la creciente empatía del espectador con quien ha de desenmascarar a este cruel asesino. Además, la entrada en escena de famosas actrices en aquella época como Stefania Sandrelli (interpretando a Anna Tellini), Barbara Bach (en el papel de Jenny), Barbara Bouchet (dando vida al personaje de Maria Zani) o Claudine Auger (Laura en esta película), eleva su valor cinematográfico con esta atractiva puesta en escena. Artísticamente, solamente la década de los setenta fue capaz de crear este incomparable y seductor encanto. La Muerte y la belleza femenina en esta siniestra danza como solamente pudo orquestar el director italiano Paolo Cavara dentro del cine giallo.

DVD LA TARANTULA DE VIENTRE NEGRO la tarantola dal ventre nero pic1

Cuando una mujer llamada Maria Zani (actriz Barbara Bouchet) es encontrada muerta en horribles circunstancias, el inspector encargado de su investigación no se ve del todo preparado para llevar a cabo este difícil trabajo. Pero su marido Paolo Zani (actor Silvano Tranquilli) no está muy conforme con la línea oficial de investigación que parece señalarle como culpable, y decide contratar a un detective privado (actor Ettore Mattia) para ayudarle a desvelar la verdad que resuelva de una vez por todas quién cometió ese acto brutal. Cuando otra mujer llamada Mirta Ricci es asesinada en su tienda (actriz Annabella Incontrera), es encontrada con signos de violencia muy parecidos al anterior caso, y el inspector Tellini comprueba que en estos asesinatos se está siguiendo un macabro ritual donde a la víctima se la paraliza con una punzada antes de ser apuñalada en el abdomen hasta la muerte. Cuando el inspector además comprueba cómo el asesino ha empezado a espiar a su esposa Anna, el crescendo en el suspense de esta intrigante historia irá a más hasta su sorprendente colofón final. Un largometraje extraordinario con imágenes y secuencias imborrables en la mente del cinéfilo afín a esta fértil creatividad italiana dentro del Séptimo Arte, como la estética barroca reinante en los primeros planos, la sensación de asepsia emocional que transmite la visión de las manos del asesino enfundadas en látex, la sorprendente entrada de Jenny en la casa del asesino, y es muy inquietante la visión de los maniquíes con su rostro indiferente, mostrándose incluso visualmente amenazantes y sarcásticos con sus sonrisas en algunas tomas como en el ataque del psicópata a Mirta Ricci. Impresiona la estética urbana moderna que presenta la toma cinematográfica de los edificios a nivel de suelo, pudiendo ver a Paolo Zani y a Mario (actor Giancarlo Prete) corriendo por la azotea, o el brutal ataque contra el inspector Tellini utilizando el camión de carga, mientras lo simbólico se materializa observando al gato rechazando la caricia del psicópata. “La Tarántula De Vientre Negro”, cuando la muerte se transforma en un sádico y terrorífico ritual. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

LA TARANTULA DE VIENTRE NEGRO la tarantola dal ventre nero 1971

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“PHANTASMA (phantasm)”, 1979 (Reseña / Review #1719).

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Reseña Cultural nº: 1719 // Reseña Media nº: 72
Reseña actualizada. Publicada el 1 de septiembre del año 2012 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: DON COSCARELLI
Guión: DON COSCARELLI
Actores principales: MICHAEL BALDWIN (Mike), BILL THORNBURY (Jody), ANGUS SCRIMM (El Hombre Alto, The Tall Man)
País: EE.UU Año: 1979 Productora: NEW BREED PRODUCTIONS
Duración aprox.: 88 minutos
Publicado en España por: MANGA FILMS Año: 2002
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD PHANTASMA phantasm 1979

“Phantasma” es una película de culto dentro del mejor cine fantástico y de terror, y cuyos cuidadosos encuadres de cámara dejarán muy sorprendidos a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. A pesar de que su director, el mítico Don Coscarelli, dispuso de un ajustado presupuesto para este largometraje, su impresionante calidad cinematográfica les hará comprender por qué “Phantasma” sigue teniendo tantos seguidores dentro del cine de serie B, venerándola como a una de las más brillantes obras. Mitad cine de terror, mitad cine de ciencia-ficción, de lo que no cabe la menor duda es que el talento artístico de Don Coscarelli nos ofrece escenas, personajes icónicos, y elementos inolvidables en este largometraje que aparecerían posteriormente en películas realizadas por otros directores. Desde la caja del miedo de la abuela vidente donde ha de introducirse la mano, y que luego se vería también en la película “Dune” (1984) de David Lynch, hasta las repentinas desapariciones de personas tras ser agarradas por seres que aparecen desde detrás los espejos, rompiéndolos para llevarse a la víctima, y que también se verá en películas de terror como “Pesadilla en Elm Street” (1984) de Wes Craven, entre otras. Además, en “Phantasma”, uno de los aspectos visuales que más me gusta de Don Coscarelli es cómo nos muestra esta sugerente estética siniestra donde no es necesario abusar de la oscuridad, sino que hace uso de la claridad para lograr inquietar al espectador como, por ejemplo, con los luminosos y amenazadores pasillos blancos de la funeraria con nichos a ambos lados. Todo esto unido a una buena banda sonora compuesta por Fred Myrow y Malcolm Seagrave para este largometraje, sumergirá mentalmente al cinéfilo lector de Lux Atenea en el ambiente y en los escenarios que aparecen en esta espeluznante historia de terror.

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La película “Phantasma” comienza con la imagen de una funeraria en la oscuridad de la noche, y el encuentro de una pareja en el cementerio de Morningside que, como no podía ser de otra forma en un largometraje de este género cinematográfico, terminará en un asesinato. Con la llegada del día y la comunicación a Jody (uno de los protagonistas principales en esta trama) de la muerte de Tommy, víctima de ese encuentro nocturno, todos terminan creyendo que se ha suicidado. Pero ya solamente con contemplar la siniestra belleza de los pasillos de la funeraria, el espectador empieza a darse cuenta que esta película de serie B va a ofrecerle imágenes imborrables en su memoria. Una funeraria en color blanco inmaculado en el exterior y con un misterioso interior lleno de pasillos normalmente vacíos y decorados sobriamente, que se presenta como un lujoso mausoleo con estatuas sobre columnas y cortinas vino burdeos recogidas a cada lado. Una imagen estética en esta piedra blanca tan perturbadora donde sus vetas son las que verdaderamente nos hacen tomar consciencia de que son de piedra. Detalle importante porque no le hubiera ocurrido lo mismo al espectador al ver esos mismos pasillos con un color blanco crudo y uniforme. Retornando al protagonismo de Jody en esta historia, escuchará extraños sonidos en esos pasillos estando solo allí, y será la insistencia de su hermano Michael sobre que allí suceden cosas extrañas tras haber ido de incógnito al entierro de Tommy, lo que le llevará a iniciar una investigación. Es muy curiosa la disparidad de caracteres existente entre los dos hermanos, ya que Michael es mucho más extrovertido, impulsivo, decidido en pro de la acción, y todo lo fúnebre le provoca una irresistible atracción a pesar de lo impresionable que es. Todo lo contrario que su hermano Jody, mucho más serio, reservado, y analítico. Debido al inexplicable comportamiento del hombre de la funeraria (nombrado en esta película como El Hombre Alto) por los actos que protagoniza fuera de toda lógica, a partir de aquí, la trama se irá desarrollando con un suspense y un ambiente misterioso donde las sorpresas son constantes hasta llegar a su inolvidable final.

DVD PHANTASMA phantasm pic2

En este largometraje de terror hay elementos que son clave en el desarrollo de su trama, y que encantarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea. Desde motos corriendo entre las tumbas del cementerio que sufren incomprensibles fallos en su motor que impide volver a ponerlos en marcha, hasta figuras extrañas que solamente se perciben con la mirada periférica, pasando por las terroríficas bolas voladoras que vigilan los pasillos de la funeraria, o con la visión de la tenebrosa caja de la anciana que provoca sobrecogedoras y angustiosas experiencias psicológicas en la persona que introduce en ella su mano. En “Phantasma”, son sus personajes los que te cautivan y te enganchan a su historia como la misteriosa abuela vidente a la cual consulta Michael, su nieta con la estrella de cinco puntas en su mejilla, la bella joven que coquetea con algunos hombres en el bar para luego llevarlos al cementerio para asesinarlos sobre una lápida, el siniestro empleado mudo, los enanos encapuchados que poseen una fuerza fuera de lo normal… todo en esta película es inquietante. Pero, por encima de todos ellos sobresale la icónica y tenebrosa figura de El Hombre Alto (The Tall Man), papel magistralmente interpretado por el mítico actor Angus Scrimm. El Hombre Alto se convierte en el maléfico e inolvidable personaje de esta película que, con solamente verle el rostro, ya te sobrecoge. Un ser con tremendos poderes, y cuya anatomía sigue estando viva aunque sea seccionada. Y si hablamos de escenas impactantes en esta película, quisiera destacar la secuencia de Michael perseguido por El Hombre Alto, la escena de la caja con el dedo, la secuencia donde se llevan una gran sorpresa cuando desenmascaran a uno de los enanos encapuchados, la fantasmagórica tienda de Sally, la imagen de El Hombre Alto en la puerta de la casa de Michael con ese fondo azul tan aterrador, y, sobre todo, uno de los mejores momentos de la película sucede cuando Jody hace una visita nocturna al interior de la funeraria. En definitiva, cuando vean la película “Phantasma”, seguro que la recomendarán a sus amigos y familiares como opción si desean disfrutar contemplando películas de serie B, películas de culto, películas de terror, o sorprendentes películas de ciencia-ficción. “Phantasma”, algo siniestro e inimaginable se oculta tras las puertas de la funeraria del cementerio de Morningside. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

PHANTASMA phantasm 1979

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“LA MÁSCARA DEL DEMONIO (la maschera del demonio)”, 1960 (Reseña / Review #1718).

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Reseña Cultural nº: 1718 // Reseña Media nº: 71
Reseña actualizada. Publicada el 24 de octubre del año 2014 en Lux Atenea.

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Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: MARIO BAVA
Guión: MARIO BAVA, ENNIO DE CONCINI y MARIO SERANDREI
Actores principales: BARBARA STEELE (princesa Katia Vajda / princesa Asa Vajda), JOHN RICHARDSON (Dr. Andrei Gorobec), ANDREA CHECCHI (Dr. Thomas Kruvajan), IVO GARRANI (príncipe Griabby Vajda / el príncipe, padre de Katia), ARTURO DOMINICI (príncipe Igor Javutich), ENRICO OLIVIERI (príncipe Constantine Vajda), ANTONIO PIERFEDERICI (sacerdote), TINO BIANCHI (Iván), RENATO TERRA (Boris)
País: ITALIA Año: 1960 Productora: GALATEA / JOLLY FILM
Duración aprox.: 87 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2009
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD LA MASCARA DEL DEMONIO la maschera del demonio

Cuando la literatura y el cine se integran perfectamente en la creación de una obra artística, en algunas ocasiones surgen películas de culto como “La Máscara Del Demonio” cuya mítica y tenebrosa aura aún perdura en esta segunda década del siglo XXI. Considerada como una de las obras cinematográficas más destacadas del género de horror, brilla con mayor intensidad iluminando la historia más prestigiosa del cine italiano. A través de esa expresividad tan característica que ofrece el celuloide en blanco y negro, lo que engrandece todavía más su magnífico guión son los personajes y el entorno donde se desarrolla la acción. Basada en el relato de terror “El Viyi” (1835) del maestro de la literatura decimonónica rusa Nikolái Gogol (1809-1852), la película “La Máscara Del Demonio” es cine de horror gótico dirigido por el mítico maestro italiano Mario Bava (1914-1980), quedando su talento y su pasión por el detalle visual perfectamente representados a través del simbolismo ritual de la máscara del demonio.

Lux Atenea 4 - 5

Rodeado por el tupido velo de la superstición, y bajo la protección del halo diabólico intemporal que sigue latente a lo largo del tiempo, solamente podrá liberarse rompiendo el sello nigromántico como mágico elemento resucitador tras la retirada de estas máscaras de los cuerpos y de la sangre. Aunque Mario Bava ya había trabajado anteriormente en otras películas, “La Máscara Del Demonio” se convertirá en el primer largometraje bajo la única dirección de este ilustre maestro, siendo el comienzo de una espectacular carrera dentro del Séptimo Arte que terminaría grabando su nombre con letras de oro en el altar del cine underground. “La Máscara Del Demonio” es una película de terror que disfrutarán intensamente los cinéfilos lectores de Lux Atenea, porque este mítico largometraje es perfecto para convertir una velada cinematográfica nocturna en un evento artístico de primer orden. Un obscuro espectáculo de imágenes góticas a cual más siniestramente bella e hipnótica, pero lo que más destacaría de esta obra maestra son los elementos simbólicos que encontrarán a lo largo de su visualización. Característicos de la escatología barroca marcada por la vida y el sufrimiento, la luz y la muerte, la esperanza y la presencia diabólica, ofrecen ese trasfondo sobrenatural más allá del alcance del ser humano ante las poderosas fuerzas del Mal a las cuales ha de enfrentarse. Una irresistible seducción a través de su tenebrosa armonía estética que hipnotizará a aquellos que adquieran esta magnífica edición en formato DVD publicada por Regia Films en el año 2009, habiendo sido engalanada su portada con el poster original con el cual se presentó la película en Italia.

DVD LA MASCARA DEL DEMONIO la maschera del demonio pic1

Esta historia de terror situada en tierras rusas nos traslada al siglo XVII donde la princesa Asa Vajda (interpretada por la mítica actriz inglesa Barbara Steele) y el príncipe Igor Javutich (actor Arturo Dominici) son juzgados por unos inquisidores tras acusarlos de ser brujos y de adorar al Satanás. Ambos son condenados a una muerte horrible donde primero su piel será marcada con el ardiente símbolo de un hierro candente, para luego clavar en el rostro una máscara del demonio hecha de bronce. La princesa Asa Vajda antes de morir, lanza una maldición al gran inquisidor que se transformará en un maléfico espíritu de venganza que seguirá aún latente pasadas las centurias. Además, en el momento en el cual van a encender la pira para quemarlos, una terrible tormenta cae sobre ellos evitando que las llamas les consuman, provocando el miedo en los hombres del lugar. Posteriormente, en el siglo XIX, los doctores Thomas Kruvajan (actor Andrea Checchi) y Andrei Gorobec (John Richardson) camino a Moscú para la inauguración de un congreso, tras sufrir un pequeño accidente descubren una iglesia abandonada y la tumba de la princesa Asa en su interior. Retirando la máscara de su cuerpo sin vida, pero incorrupto como si el tiempo no hubiera pasado para ella, a partir de ese preciso instante, la maldición de la princesa Asa Vajda empezará a hacerse realidad. Este hecho pondrá en alerta a la princesa Katia Vajda y a su padre cuando observan el cambio producido en un cuadro antiguo donde se retrató a la princesa Asa. Cuando resucita a su amado príncipe Javutich, la Muerte empezará a hacer acto de presencia en este lugar con la aristocrática familia Vajda como objetivo principal de su venganza. Si a tan atrayente trama le unimos esta extraordinaria banda sonora compuesta por Roberto Nicolosi, e interpretada magistralmente por la orquesta dirigida por Pierluigi Urbini, la grandeza artística que adquiere esta película de horror no puede ser más contundente y persuasiva.

Lux Atenea 4 - 6

“La Máscara Del Demonio” es un largometraje que refleja una maléfica obscuridad y un inquietante suspense, y del cual resaltaría escenas e imágenes inolvidables como la impactante, agobiante, y terrible secuencia inicial de la película con la tenebrosa imagen de los inquisidores portando antorchas en mitad de la noche con niebla, la princesa Asa siendo marcada por tan siniestros verdugos, la penetrante mirada de odio y desesperación que ella lanza a los inquisidores, el lapidario discurso del príncipe Griabby Vajda (actor Ivo Garrani), gran inquisidor y hermano de la princesa, la horrible imagen del verdugo acercándose a la princesa mientras sujeta la máscara del demonio de afilados pinchos en su interior (¡¡¡aterrador!!!), y la escalofriante visión del verdugo con la maza dispuesta a clavar la terrible máscara en el rostro de la princesa. Un comienzo visualmente brutal por el horror de sus imágenes, y que será el inicio de una sucesión de escenas tan espectaculares como el fantasmagórico enterramiento del ataúd de Javutich en el cementerio de los asesinos y la sepultura del cuerpo de la princesa Asa en la cripta (¡¡¡impresionante!!!), el lúgubre magnetismo del coche de caballos cruzando el bosque a través de la densa niebla, la siniestra belleza de la cripta abandonada, el órgano en ruinas cuyos tubos emiten estos sonidos del inframundo gracias a la fuerza del viento, o la grandeza cinematográfica en la escena cuando los doctores entran en el mausoleo donde se encuentra el sepulcro de la princesa Asa, y donde el osario, los arcos, los pilares, los enrejados metálicos, la decoración arquitectónica… son extraordinariamente tenebrosos.

DVD LA MASCARA DEL DEMONIO la maschera del demonio pic2

Impresiona ver la imagen infernal de la máscara de bronce cubierta de polvo y telarañas tras el paso de los siglos, la simbólica presencia de los escorpiones que aparecen en el rostro de la princesa cuando el doctor Kruvajan le quita la máscara, la visión de la princesa Katia con sus dos perros en la entrada a la cripta, el tenebroso diseño de la chimenea del palacio Vajda, y la decadente atmósfera que se respira en ese salón con la princesa Katia tocando el piano mientras su padre observa el fuego con la mirada perdida. Hay otras escenas a disfrutar como la impresionante secuencia cuando el padre de Katia ve la máscara del demonio en la copa que le ha traído su sirviente Iván (actor Tino Bianchi), la escalofriante secuencia cuando Asa reencarnada llama al príncipe Javutich para que resurja de su tumba, la impactante imagen de su resurrección al ser una de las más expresivas en esta película, la fantasmagórica imagen del coche de caballos observado por la joven aldeana y del cual me impresionó su lujosa y siniestra decoración. Todo en “La Máscara Del Demonio” es terror gótico. Las manos, el rostro, los gestos, la mirada, y el chirriar de uñas de la princesa Asa cuando se libera de su sepulcro delante del doctor Kruvajan, dan intensidad artística a una de las escenas más pavorosas e inolvidables, o la sacra belleza de la iglesia ortodoxa, la misteriosa atracción que siempre provocan los pasadizos secretos, o esta extraordinaria escena final con sorpresa incluida. En definitiva, una película convertida en el ejemplo más claro del cine de terror gótico, y con la brujería como telón de fondo para el disfrute de imágenes y escenas de gran belleza dentro del canon estético más siniestro. “La Máscara Del Demonio”, el talento artístico italiano dentro del cine de horror más excelso e inmortal. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

LA MASCARA DEL DEMONIO la maschera del demonio 1960

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“EL ÚLTIMO SAMURÁI (the last samurai)”, 2003 (Reseña / Review #1717).

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Reseña Cultural nº: 1717 // Reseña Media nº: 70
Reseña actualizada. Publicada el 3 de abril del año 2013 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: EDWARD ZWICK
Guión: JOHN LOGAN, MARSHALL HERSKOVITZ, EDWARD ZWICK
Actores principales: Tom Cruise (capitán Nathan Algren), Ken Watanabe (samurái Katsumoto), Tony Goldwyn (coronel Bagley), Timothy Spall (Simon Graham), Koyuki (Taka), Nakamura Shichinosuke (emperador Meiji), Masato Harada (Omura), Billy Connolly (sargento Zebulon Gant), Togo Igawa (general Hasegawa)
País: EE.UU Año: 2003 Productora: WARNER BROS. PICTURES
Duración aprox.: 148 minutos
Publicado en España por: WARNER HOME VIDEO, S.A.
Año: 2004 Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD: Película “El Último Samurái” // Comentario del director Edward Zwick

DVD EL ULTIMO SAMURAI the last samurai 2003

La extraordinaria película “El Último Samurái” es cine épico de acción ambientado en el Japón del siglo XIX. Un próspero país en profunda transformación social, económica, y política situado en la encrucijada entre el tradicionalismo feudal representado por la figura del samurái y su código de honor, y la modernidad representada por el tremendo poder tecnológico e industrial que ésta desarrolla. Dos visiones sociales absolutamente incompatibles que terminarán en un enfrentamiento militar, originando una lucha desigual ante el gran desequilibrio existente entre el poder destructivo de uno y otro en el campo de batalla, quedando la balanza desnivelada de forma aplastante a favor de la modernidad industrial. Lo moral y lo ético son valores en decadencia dentro de una sociedad moderna unida al progreso tecnológico y científico inmerso en un mundo dominado por la Razón. La ética, la moral, la lealtad que en el mundo samurái lo es todo junto al honor, son valores sociales y personales profundamente enraizados en la vida tradicional, y es precisamente la visión realista del choque entre estos dos modelos de sociedad diametralmente opuestos donde el director estadounidense Edward Zwick alcanza su mayor profundidad conceptual en esta magnífica película. “El Último Samurái” es un largometraje que enamorará a los cinéfilos lectores de Lux Atenea amantes del cine ambientado en Japón, y muy especialmente en todo lo relacionado con el fascinante y atrayente mundo de los samuráis. Eso sí, me ha resultado curioso comprobar cómo algunos críticos de cine consideran a Omura como un consejero un tanto negativo cuando, en realidad, lo que quiere es convertir a Japón en una poderosa nación que gracias a la Modernidad pueda tener independencia y no estar sometida a otras naciones extranjeras ya modernas. Reconozco que es muy atrayente dejarse arrastrar por el sentimentalismo romántico en referencia al tradicionalismo samurái, pero siendo realistas con la política internacional existente en la segunda mitad del siglo XIX, o una nación era moderna, poderosa, y tenía colonias a su servicio para explotar sus materias primas; o sencillamente pasabas a ser colonia o protectorado de otra nación, a ser condicionada y sometida por los intereses económicos y políticos de las naciones más modernas e industrializadas, y obligado a dejar anclado a tu sociedad tradicional en un nivel de vida mucho más bajo de lo que la Modernidad puede ofrecer, con las tensiones internas que ello puede generar en la ciudadanía a lo largo del tiempo. Porque la Modernidad no solamente trae consigo el acceso a poderosas armas, sino también una industrialización, una manufacturación, una mecanización, una electrificación, unos avances científicos y tecnológicos… que ninguna nación desea dejar a un lado cuando otras disfrutan de ese nuevo estatus tan poderoso. Y en política internacional, a las naciones débiles jamás se las respeta, convirtiéndose en peones de otras o desapareciendo absorbidas por naciones más fuertes.

Lux Atenea 4 - 4

La épica historia de “El Último Samurái” comienza con la imagen del samurái Katsumoto (actor Ken Watanabe) teniendo un sueño premonitorio unido simbólica y metafóricamente a un tigre. Tras esta impactante secuencia, viajaremos a la ciudad estadounidense de San Francisco, año 1876, abriéndose ante los ojos del espectador la alcohólica, decadente, y triste vida del capitán Nathan Algren (actor Tom Cruise), héroe nacional condecorado con la Medalla del Honor por su participación en la batalla de Gettysburg (1863) y por haber formado parte del legendario Séptimo de Caballería en la lucha contra los indios nativos. Una acción contra los pieles rojas de la cual no se siente nada orgulloso, pesando como una losa sobre su conciencia. Autotorturándose física y mentalmente, Nathan Algren ha terminado convirtiéndose en promotor de ventas al servicio de la famosa empresa fabricante de armas Winchester. Tras ser despedido, el sargento Zebulon Gant (actor Billy Connolly) le propone un trabajo bien remunerado acorde a su gran experiencia como militar, y en el que está en juego un fructífero negocio donde los Estados Unidos de América puede convertirse en el único proveedor de armas de Japón, a cambio de ayudar al emperador a llevar a cabo con éxito sus planes de reforma y modernización del país aplastando militarmente a aquellos que se le opongan. Nathan Algren y Zebulon Gant se reúnen con influyentes militares estadounidenses y diplomáticos japoneses entre los cuales destaca Omura (actor Masato Harada), consejero del emperador Meiji (actor Nakamura Shichinosuke), y el impasible coronel Bagley (actor Tony Goldwyn), oficial del Séptimo de Caballería que Nathan Algren ya tuvo como superior. El trabajo de Nathan Algren será ayudar al general Hasegawa (actor Togo Igawa) a adiestrar a sus tropas en el manejo de las nuevas armas. Una vez llega a Japón, allí se encuentra con un traductor y antiguo diplomático inglés llamado Simon Graham (actor Timothy Spall), el cual le pone al corriente de la vida y costumbres del país, sobre los grandes cambios que está experimentando la nación, cómo los samuráis se están oponiendo a esa modernización, y cómo ha de desenvolverse con las autoridades para poder cumplir su trabajo con eficacia.

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Liderados por Katsumoto Moritsugu, prestigioso samurái que también fue maestro del emperador, los samuráis se han rebelado contra el emperador por traicionar la tradición ancestral en pro de la modernidad, negándose a aceptar los radicales cambios que quiere instaurar en toda la nación. Pero la autoridad del emperador Meiji está en cuestión ante los ataques de Katsumoto a todo lo que representa lo moderno, y sin esperar a que las tropas hayan terminado de ser entrenadas, se ordena al general Hasegawa que aplaste ese levantamiento. Envalentonados por la superioridad de fuego de las nuevas armas y por el mayor número de tropas que llevan a la zona de conflicto, las consecuencias de ese grave error de cálculo y de menosprecio del poder del enemigo no se harán esperar, siendo derrotados en el campo de batalla. Tras ser vencido, el general Hasegawa practicará el ritual del seppuku para no cargar con la deshonra de la derrota, y en ese mismo enfrentamiento militar Nathan comprobará la tremenda astucia y valor que los samuráis despliegan en la acción, siendo rodeado, herido, y hecho prisionero por orden de Katsumoto tras comprobar su gran valor en combate cuando estaba a punto de ser ejecutado por uno de sus samuráis. Katsumoto se lo lleva al campamento donde pasará el invierno, encargándose de su cura la propia hermana de Katsumoto llamada Taka (actriz Koyuki). Nathan era un hombre perdido interiormente y atormentado existencialmente pero, una vez recuperado, entre los samuráis recuperará su norte anímico y espiritual según vaya asimilando las costumbres y tradiciones de los samuráis (bushido) en una armonía interior tan intensa y vital como jamás hubiera experimentado antes en su vida. En el otro extremo, en el bando del emperador se ha comprendido que solamente con fusiles no podrán aplastar a los samuráis, y autorizando la compra de armas más poderosas entre las que se incluyen piezas de artillería howitzer y ametralladoras tipo gatling, despliegan una terrorífica e incontenible superioridad de fuego imposible de parar o derrotar usando armas tradicionales. “El Último Samurái” es un épico largometraje de acción, pero la épica solamente alcanza su estado más puro en su trasfondo heroico si la tragedia y el drama están presentes en la vida de los elegidos.

Lux Atenea 4 - 2

Los cinéfilos lectores de Lux Atenea se sorprenderán al comprobar que el rodaje en exteriores fue realizado en Nueva Zelanda, porque la ambientación ha sido lograda de forma impecable. También se han utilizado imágenes creadas por ordenador, haciendo que la mente del espectador se adentre rápidamente en la trama y en los escenarios donde se desarrolla esta historia, identificándose fácilmente con sus protagonistas y con las acciones en las cuales están involucrados gracias a este admirable realismo visual. Además, la intensidad emocional en la cual poco a poco nos vamos sumergiendo, convierten a “El Último Samurái” en toda una experiencia cinematográfica durante más de dos horas que dura esta película, Quedarán indeleblemente grabadas en la memoria algunas de estas bellas y extraordinarias imágenes y secuencias como, por ejemplo, la escena donde Nathan de nuevo se pone el uniforme e instantáneamente vuelve a revivir las carnicerías contra los nativos en las cuales participó, impresiona la excelente y meticulosa ambientación de la vida cotidiana de los ciudadanos japoneses en una ciudad de aquella época en rápida transformación, o la colosal batalla que se desencadena en el bosque cubierto por brumas entre las tropas del emperador y los sublevados con una carga de caballería samurái impresionante. Les cautivará la contemplación de la belleza que transmiten las armaduras de los samuráis, el sigiloso y letal ataque de los ninja al poblado ocultos en la oscuridad de la noche, o la épica batalla final donde el heroísmo y la valentía quedan perfumadas con la defensa de lo íntegro hasta la muerte. “El Último Samurái”, uno de los mejores papeles interpretados por el actor Tom Cruise, y con la espectacularidad y la magia cinematográfica ambientada en el Japón del siglo XIX. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

EL ULTIMO SAMURAI the last samurai 2003

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“SEIS MUJERES PARA EL ASESINO (Sei donne per l’assassino)”, 1964 (Reseña / Review #1716).

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Reseña Cultural nº: 1716 // Reseña Media nº: 69
Reseña actualizada. Publicada el 18 de septiembre del año 2014 en Lux Atenea.

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Director: MARIO BAVA
Guión: MARCELLO FONDATO, MARIO BAVA y GIUSEPPE BARILLA
Actores principales: CAMERON MITCHELL (Massimo), EVA BARTOK (condesa Cristiana Como), THOMAS REINER (inspector Silvestri), ARIANA GORINI (Nicole), DANTE DI PAOLO (Franco Scalo), MARY ARDEN (Peggy Peyton), FRANCO RESSEL (marqués Riccardo Morelli di Castelfranco), CLAUDE DANTES (Tao-Li), LUCIANO PIGOZZI (Cesare Lazzarini), FRANCESCA UNGARO (Isabella), MASSIMO RIGHI (Marco)
País:  ITALIA-FRANCIA-ALEMANIA Año: 1964 Productora: EMMEPI CINEMATOGRAFICA / GEORGE DE BEAUREGARD / MONACHIA FILM
Duración aprox.: 85 minutos
Publicado en España por: REGIA FILMS Año: 2013
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD SEIS MUJERES PARA EL ASESINO Sei donne per l'assassino 1964

Tan importante es esta película en la historia del cine underground que sin la senda artística abierta por Mario Bava en “Seis Mujeres Para El Asesino” (1964), el género cinematográfico italiano de terror denominado como giallo no hubiera sido tal y como lo conocemos, ni tampoco el mítico director Dario Argento hubiera logrado el excelso nivel artístico que alcanzó con películas de culto dentro de este género como “El Pájaro De Las Plumas De Cristal” (1970), “Rojo Oscuro” (1975), o “Tenebre” (1982), largometrajes ya reseñados en Lux Atenea. Con una impresionante y admirable carrera cinematográfica en su haber que le ha permitido alcanzar este prestigio tan meritorio dentro del cine independiente, el director italiano Mario Bava (1910-1980) no creo que fuera realmente consciente de la revolución artística que iba a provocar con el rodaje de esta obra convertida ya en película de culto e ilustre estandarte del cine giallo. Como obra pionera, “Seis Mujeres Para El Asesino” tiene esa grandeza y ese halo conceptual tan especial e irrepetible donde el cine de terror y de suspense muta visualmente en decadentismo barroco, y dentro de una aristocrática estética diseñada para engalanar a la muerte en su más sádica y horrible manifestación. Teniendo al sofisticado mundo de la Alta Costura como escenario principal de estos crímenes, en “Seis Mujeres Para El Asesino”, Mario Bava hace honor al siniestro atractivo que ofrece el cine giallo con la presencia de un inteligente y escurridizo psicópata de rostro oculto, cuya mente enferma y sanguinarios impulsos le incitan a matar a bellas mujeres. En esta película, el drama y el suspense inician un tenso crescendo emocional tal y como transmitían la obras literarias de la década de los treinta cuyo color de sus portadas ha dado nombre a este género cinematográfico (giallo, ‘amarillo’ en italiano). Además, en “Seis Mujeres Para El Asesino”, el talento y el ingenio del maestro Mario Bava dan especial protagonismo a un objeto que será a partir de entonces sinónimo de miedo y de misterio en la gran pantalla dentro de este género de películas, como son los maniquíes. Fetichismo y horror fundidos en este objeto de siniestro influjo en la mente del espectador.

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Esta dramática historia de horror y suspense comienza en una oscura noche de viento y tormenta, y con la visión de esta lujosa mansión convertida en sede del Salón de Alta Costura Christian. Cuando la joven Isabella (actriz Francesca Ungaro) llega en taxi y recorre el jardín para entrar a la mansión, es asesinada, teniendo como únicos testigos de su sangriento destino a las estatuas que decoran ese frondoso lugar. La condesa Cristiana (actriz Eva Bartok) se indigna con la tardanza de Isabella, pero no tardará mucho en conocer el trágico final de esa joven cuando descubre su cadáver. Este caso criminal pasa a manos de las autoridades, y será el inspector Silvestri (actor Thomas Reiner) quien se encargue de encontrar a ese sádico asesino, interrogando a las personas del Salón de Alta Costura. La entrada en escena del marqués Riccardo Morelli (actor Franco Ressel) y de Cesare Lazzarini (actor Luciano Pigozzi), junto a Marco (actor Massimo Righi), Massimo (actor Cameron Mitchell), y Franco Scalo (actor Dante Di Paolo) no harán más que ampliar el número de sospechosos de tan salvaje crimen. Durante la investigación, el inspector Silvestri descubrirá que las drogas forman parte de tan esquivo y desconfiado ambiente, y en el Salón de Alta Costura aflorarán las mentiras y los encubrimientos entre los sospechosos. Con la aparición del diario de Isabella como clave para la resolución definitiva de este difícil caso, su descubrimiento no hará más que despertar el temor en más de una persona en tan turbio lugar, y todo se empezará a complicar en cuanto el asesinato de otras jóvenes del Salón de Alta Costura comience sin que nadie pueda impedirlo. Si a esta intrigante trama le unimos la música compuesta por Carlo Rustichelli para ambientar estas siniestras secuencias, los cinéfilos lectores de Lux Atenea disfrutarán de una de las mejores bandas sonoras que podrán encontrar dentro del cine giallo.

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Como analista cultural, recomiendo la adquisición de esta magnífica edición en formato DVD publicada por Regia Films, ya que la película de culto “Seis Mujeres Para El Asesino” es cine de intriga y suspense en estado puro dentro de la técnica cinematográfica más cuidada, y donde la fotografía alcanza una increíble belleza visual que les fascinará. Con largometrajes de esta irresistible estética, el cine giallo logra alcanzar el prestigio artístico y la atención del público afín a este género de películas gracias al inteligente uso del color, resaltando sobre todo el rojo y el azul en sus más variadas tonalidades gracias al Eastmancolor utilizado en su rodaje, y a una talentosa visión de la iluminación para crear entornos y atmósferas donde la muerte prácticamente se intuye antes de su violenta aparición. Los aristocráticos decorados dejarán impresionados a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su atractivo, siendo el escenario perfecto para crear imágenes y escenas imborrables en su memoria como la impresionante imagen de Marco tras los cristales con el tenebroso maniquí rojo en primer plano, la decoración barroca tan sobrecargada que presentan las estancias de la mansión, la impactante escena cuando la condesa Cristiana encuentra el cadáver de Isabella y el primer plano de su horrible rostro, o las malévolas miradas al bolso negro de Nicole (actriz Ariana Gorini) con el diario de Isabella en su interior. Quedarán fascinados con la atmósfera de lujo y sofisticación que se respira en los preparativos del desfile, con la excelsa iluminación en la escena de Nicole cuando está en el interior de la tienda de Franco Scalo buscándole, con el horror que provoca la visión en primer plano de la garra de metal, con el cálido reflejo del lujo que presenta la decoración de la casa de Peggy Peyton (actriz Mary Arden), con la mágica y tenebrosa plasticidad de la secuencia de Tao-Li (actriz Claude Dantes) reflejada en el espejo ovalado, o con la hipnótica visión de los maniquíes rojos a lo largo de todo el largometraje. Como en todo buen largometraje dentro del cine giallo, las apariencias engañosas y las pistas falsas estarán ahí para que mantener viva la intriga y el suspense, y para que no puedan descubrir al verdadero asesino hasta la llegada de sus minutos finales. “Seis Mujeres Para El Asesino”, película de culto convertida en la principal raíz artística y estética del cine giallo. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

SEIS MUJERES PARA EL ASESINO Sei donne per l'assassino 1964

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“KAI DOH MARU (怪童丸」、)”, 2001 (Reseña / Review #1715).

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Reseña Cultural nº: 1715 // Reseña Media nº: 68
Reseña actualizada. Publicada el 24 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: KANJI WAKABAYASHI
Guión: NOBUHISHA TERADO
País: JAPÓN Año: 2001 Productora: PRODUCTION I.G.
Duración aprox.: 45 minutos
Publicado en España por: SELECTA VISIÓN Año: 2004
Formato: DVD (EDICIÓN COMPRADA)

DVD KAI DOH MARU 2001

“Kai Doh Maru” es una película de animación cuyas imágenes asombrarán a los cinéfilos lectores de Lux Atenea por su belleza artística. Con una plasticidad visual y una atmósfera que recuerda al apocalíptico pensamiento propio de la sociedad medieval, la película de animación japonesa “Kai Doh Maru” se presenta en pantalla con imágenes vanguardistas y experimentales que se salen del estándar clásico seguido hasta ahora en el cine anime. En el clima religioso de la sociedad donde se desarrolla esta historia, lo sobrenatural y lo mágico condicionan la vida humana sobre la tierra y, en medio de esa lucha entre poderosas fuerzas, nuestra protagonista habrá de enfrentarse a las fuerzas del Mal, las cuales están dirigidas por la perversa y diabólica princesa Ohni. Basada en esta historia nacida a finales de la década de los noventa, por su final, “Kai Doh Maru” parece más una película o un proyecto de serie inacabado que un largometraje con su trama elaborada y desenlace cerrado. Cuando los cinéfilos lectores vean la película de animación “Kai Doh Maru” se encontrarán con un largometraje con mucho dinamismo y movimiento en sus dibujos, y con una expresividad en sus personajes que les impactará. Un largometraje de animación experimental donde hasta la música les sorprenderá, respecto a lo que se viene presentando como banda sonora dentro del anime actual.

DVD KAI DOH MARU 2001 pic1

A sus pinceladas estéticas dentro de la belleza siniestra donde lo macabro se une ocasionalmente a lo gore, en “Kai Doh Maru” encontrarán esta interesante y compleja trama donde las armas y la magia, donde la belleza más delicada y las muertes más sangrientas, ofrecen al espectador este contraste entre dos mundos opuestos cuyas conexiones e influencias se entremezclan en las acciones protagonizadas por sus principales personajes, y en su solemne sonoridad poética como anticipo a la inmisericordia que muestran con sus enemigos. Además, los movimientos de sus personajes terminarán fascinando al cinéfilo lector de Lux Atenea porque en la creación de los dibujos que dan personalidad artística a “Kai Doh Maru” se han utilizado principalmente los tonos pastel con colores difuminados. Tonos y colores apagados donde, incluso, la noche se presenta de forma etérea a través del uso de tonos azules para el cielo nocturno. El único color intenso que se ha utilizado en toda la película es el rojo y, en las escenas definidas únicamente en blanco y negro, el buen uso de la escala de grises nos provoca admiración ante tal despliegue técnico. Unas imágenes en blanco y negro que parecen sacadas de un cómic manga y que, combinadas con imágenes en color, da la sensación de visualizar un 3D a algunas de sus secuencias. Por este motivo, “Kai Doh Maru” presenta impresionantes e imborrables escenas como la captura de la protagonista al inicio de la película, la impresionante escena del carro de la anciana, o las sobrecogedoras danzas macabras en el poblado entre voraces fuegos. Sin duda alguna, “Kai Doh Maru” es una película de animación japonesa que no olvidarán nunca. Como apunte final, en los extras incluidos en esta magnífica edición en formato DVD publicada por la mítica compañía Selecta Visión, les recomiendo que vean la interesante entrevista realizada a su director Kanji Wakabayashi, al diseñador de personajes Shou Tajima, y al director de animación Kyouji Asano. “Kai Doh Maru”, una auténtica delicatessen dentro del cine de animación japonés. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

KAI DOH MARU 2001

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.

“HÄXAN, LA BRUJERÍA A TRAVÉS DE LOS TIEMPOS”, 1922 (Reseña / Review #1714).

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Reseña Cultural nº: 1714 // Reseña Media nº: 67
Reseña actualizada. Publicada el 19 de febrero del año 2011 en Lux Atenea.

Información Muy Importante / Very Important Information:
Esta reseña ha sido escrita por un ser humano, no por una Inteligencia Artificial / This review is a human writing, not an Artificial Intelligence writing

Director: BENJAMIN CHRISTENSEN
Guión: BENJAMIN CHRISTENSEN
Actores principales: BENJAMIN CHRISTENSEN (El Diablo), ELLA LA COUR (Karna, la bruja), OSCAR STRIBOLT (Monje), HERR WESTERMANN (Rasmus, el verdugo)
País: DINAMARCA / SUECIA Año: 1922 Productora: ALJHOSA PRODUCTION COMPANY / SVENSK FILMINDUSTRI
Duración aprox.: 105 y 76 minutos
Publicado en España por: VERSUS ENTERTAINMENT Año: 2008
Formato: Caja de 2DVD y dos libretos (EDICIÓN COMPRADA)

DVD HAXAN LA BRUJERIA A TRAVES DE LOS TIEMPOS 1922

El Diablo y las brujas, auténtico leitmotiv que vertebra este largometraje como arquetipo universal en Occidente desde tiempos inmemoriales. Pero “Häxan, La Brujería a través de los Tiempos” es una película que, desde su estreno en el año 1922 en importantes ciudades europeas, ya provocó una oleada de protestas cuyo impacto social llevaría a las autoridades a prohibir tajantemente su exhibición pública. Una tenebrosa temática tratada en este largometraje en siete capítulos como si de una serie documental se tratara, y que lo convertiría en una película maldita hasta que, en el año 1968, el genial escritor estadounidense William Burroughs la recuperara de la memoria cinematográfica en un renacimiento público que ha tenido su merecido reconocimiento por su excepcional calidad artística. “Häxan”, “La Bruja”, es una película muda nacida en la transgresora década de los veinte y que acabaría convirtiéndose en la obra maestra del director danés Benjamin Christensen (1879-1959), considerado por muchos expertos como pionero en el cine de autor, por lo que es inevitable que se le considere un director de culto al igual que todas sus películas. Con un estilo nada convencional para la época, en este largometraje en blanco y negro, Benjamin Christensen se presentará ante los cinéfilos lectores de Lux Atenea como un visionario cuyas ideas vanguardistas fueron inexorablemente etiquetadas como provocadoras en aquella época, debido a su carga moral influenciada por el pensamiento científico y racional, y frente a la debilidad intelectual propia de un pueblo más dado a los actos irracionales y salvajes que tratan de justificar a través de estas supersticiones y creencias en el Maligno y en sus fieles adoradores. Brutales represiones, intolerancia, y cultura popular cargada de supersticiones, dan este trasfondo a la película “Häxan” mientras la lógica científica se encarga de racionalizar actos, sucesos, y hechos que, desde antiguo, han sido tomados como paranormales o misteriosos.

DVD HAXAN LA BRUJERIA A TRAVES DE LOS TIEMPOS pic3

Hay críticos que han catalogado a esta impresionante obra cinematográfica como un largometraje pesimista. Como analista cultural, más bien catalogaría a la película “Häxan” como un largometraje inconfundiblemente misántropo al mostrar en sus imágenes con suma crudeza, esa realidad del espíritu humano destructor y corrupto que desde siempre ha caracterizado a nuestra especie. Una sinrazón humana de mefistofélica atracción en la cual innumerables personas han ido cayendo desde tiempos inmemoriales, y que tantas muertes y sufrimientos ha originado. Brujería, inquisición, magia, ocultismo, maldiciones, leyendas, mitos, ritos satánicos… vertebran este largometraje a través de imágenes barrocas hasta en su lado macabro, mientras lo gótico impregna su esencia espiritual. Con todo lujo de detalles, los cinéfilos lectores de Lux Atenea presenciarán los luciferinos escenarios donde se realizaban sacrificios humanos como ofrenda a los poderes del Mal, el satánico Sabbat donde las brujas preparaban comidas antropófagas, la persecución de estas brujas y sus prácticas por parte de la Iglesia y cómo en las confesiones de las brujas capturadas se entremezclaban las leyendas populares con las venganzas personales, cuáles eran los brutales métodos inquisitoriales usados para descubrir quién era una bruja, cómo eran las cámaras de tortura de la época y cómo se utilizaban cada uno de los dolorosos y brutales instrumentos usados para que el acusado confesara, cuál era el ritual del plomo para saber si una persona había sido hechizada o embrujada… en definitiva, tentaciones irresistibles, vicios y depravaciones, tortura y dolor, que fueron justificadas por estas creencias a través de imágenes de una belleza artística indiscutible donde el horroroso imaginario popular es explicado por el propio director.

DVD HAXAN LA BRUJERIA A TRAVES DE LOS TIEMPOS pic1

En la película “Häxan”, Benjamin Christensen les mostrará cómo estas creencias han perdurado hasta el siglo XX y cómo la Ciencia ha logrado desenmascarar muchos de estos temas relacionados con lo supersticioso, la hechicería, y lo maléfico. Ese otro lado tenebroso e infernal que es presentado a través de planos con cámara fija donde la oscuridad predomina en la escena, salvo en las partes iluminadas que son las que han de concentrar la atención del espectador. Una calidad visual admirable, sobre todo, teniendo en cuenta los medios técnicos disponibles en aquella época, y donde la fuerza expresiva de los actores, auténtica piedra angular de las películas mudas, se muestra de forma siniestra y bella. Con una banda sonora exquisitamente sobrecogedora y tétrica que impresionará a los espectadores no familiarizados con estilos musicales como el ritual, ethereal, neoclasicismo, dark ambient… es muy fácil que queden impactados al presenciar escenas como la dantesca animación de los demonios, la fantasmagórica escena de las brujas sobrevolando ciudades y parajes durante la noche dirigiéndose al aquelarre, con la mágica escena de las monedas, o, incluso, con la escena donde hasta los propios inquisidores dan credibilidad a la creencia en el Mal de Ojo como algo real ante lo que deben ser muy precavidos en sus juicios contra los adoradores del Mal.

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Benjamin Christensen fue un director que, desde su primera película rodada en el año 1913 hasta el momento en que abandona su carrera cinematográfica en 1942, nunca deja de crear obras muy personales sin perder un ápice de su espíritu provocador y transgresor. Pese a la incomprensión pública y social que siempre le acompañó, y a los sinsabores que estas innovadoras películas le trajeron consigo, siempre se entregó en cuerpo y alma a su particular visión de lo que es el Séptimo Arte en esencia: belleza en imágenes, ilusiones ensoñadoras, y vanguardia cultural. Sin lugar a menor duda, Benjamin Christensen es uno de los directores con mas talento que nos ha ofrecido el cine danés y europeo en toda su historia, y toda obra firmada por Benjamin Christensen es muy claramente cine de autor por su excelencia. Gracias a empresas como Versus Entertainment, los cultos lectores de Lux Atenea podrán disfrutar visualizando esta completa edición en formato DVD, y donde se han incluido tanto la versión original de la película como la versión más corta del año 1968, junto a un libreto de diez páginas escrito por todo un experto cinematográfico como Jesús Palacios, un libreto de diez páginas del Instituto Sueco de Cinematografía, y una entrevista a Jesús Palacios de carácter informativo donde nos comenta esta excepcional película. “Häxan, La Brujería a través de los Tiempos”, cuando el arte cinematográfico es capaz de configurar y de definir la belleza visual más siniestra a través de impactantes imágenes. ¡¡¡Disfrútenlo!!!

HAXAN LA BRUJERIA A TRAVES DE LOS TIEMPOS 1922

Félix V. Díaz
En Lux Atenea solamente escribo y publico reseñas sobre ediciones originales que he comprado, o recibido como promocional.